Bilbao BBK Live anuncia nuevos nombres para su edición de 2018, que tendrá lugar entre los días 12 y 14 de julio en Kobetamendi. Tras confirmar a Gorillaz y The xx, el macrofestival bilbaíno confirma en su cartel a Noel Gallagher, alt-J, David Byrne, Bomba Estéreo, Triángulo de Amor Bizarro, Mexrrissey, Parquet Courts y Borrokan.
Precisamente hoy 24 de noviembre se publica ‘Who Built the Moon?’, el nuevo disco de Noel Gallagher’s High Flying Birds, muy esperado tras la llegada de singles como ‘Holy Mountain’ y también tras el éxito del disco de su hermano. El ex integrante de Oasis se suma así a un programa de artistas, el de Bilbao BBK Live, que también han publicado álbum notablemente en 2017, como son alt-J y su ‘Relaxer‘, The xx y su ‘I See You‘, Gorillaz y su ‘Humans‘, Bomba Estéreo y su ‘Ayo‘ o Parquet Courts, que han publicado un ‘Milano’ junto a Daniele Luppi y Karen O.
Las nuevas confirmaciones de Bilbao BBK Live llegan de la mano de una oferta de bono de 72 horas, que finaliza el lunes a las 12 del mediodía.
El cartel queda, por ahora, así:
GORILLAZ
THE XX
ALT-J
DAVID BYRNE
NOEL GALLAGHER’S HIGH FLYING BIRDS
BOMBA ESTEREO
TEMPLES
PARQUET COURTS
TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO
MEXRRISSEY
BORROKAN
…
El grupo británico The Vaccines ha anunciado un tour por su país y, de paso, han dejado caer que tienen un nuevo álbum ya en sus manos, un par de años después de ‘English Graffiti’. Se titula ‘Combat Sports’ y ya está en preventa en su web, aunque habrá que esperar nada menos que hasta el 30 de marzo de 2018 para que vea la luz. Entre sus 11 canciones encontramos títulos como ‘Your Love Is My Favourite Band’ o ‘Rolling Stones’, pero el single es una ‘I Can’t Quit’ que aún no podemos disfrutar.
Pero sí que podemos escuchar, en cambio, otra canción del disco llamada ‘Nightclub’, aunque no completa aún: a través de sus redes sociales podemos ver ya un vídeo de algo más de un minuto y medio a modo de teaser, en el que suena el tema. Se trata de la típica filmación del grupo tocando en un set de rodaje, pero al menos sirve para descubrir que el cuarteto de Londres ha pasado a ser un quinteto, con la incorporación del teclista de sus directos, Timothy Lanham.
The Vaccines se convirtieron en 2011 en la gran esperanza del rock británico con su debut ‘What Did You Expect From The Vaccines’, un álbum divertido, vibrante y enérgico, con ecos de glam y punk. Un año después publicaron el también notable ‘Come of Age’, y en 2013 el interesante EP ‘Melody Calling’. Con el citado ‘English Graffiti’ ya se convirtieron en un nombre recurrente en la «línea media-alta» de festivales de todo el mundo, España incluida.
Tracklist de ‘Combat Sports’:
Put It On a T-Shirt
I Can’t Quit
Your Love Is My Favourite Band
Surfing in the Sky
Maybe (Luck of the Draw)
Young American
Nightclub
Out On The Street
Take It Easy
Someone To Lose
Rolling Stones
Pablo López, el que fuera finalista de Operación Triunfo 2008 –cuando venció Virginia Maestro, por cierto–, es de los pocos concursantes de esas últimas ediciones del talent-show (pre-retorno a RTVE) que ha logrado consolidarse como autor e intérprete. Sus dos álbumes de estudio publicados hasta la fecha, ‘Once historias y un piano’ (2013) y ‘El mundo y los amantes inocentes’ (2015) –el cual incluía su hit junto a Juanes ‘Tu enemigo’–, han sido disco de oro y platino respectivamente, llegó a ser nominado al Grammy al Artista Revelación en 2014 y su popularidad ha crecido en paralelo como cantante de pop melódico. En estos momentos es uno de los coaches de la actual edición de ‘La Voz’, junto con Malú, Juanes y Manuel Carrasco.
Ahora anuncia su tercer álbum, ‘Camino, fuego y libertad’, que se publica en un par de semanas –el 15 de diciembre– y su primer adelanto nos ha sorprendido bastante. Aunque la producción de Kim Fanlo (Nena Daconte) ya había mostrado ciertas maneras interesantes –al menos, más arriesgadas y complejas que las habituales en el pop mainstream nacional– en sus anteriores álbumes, este ‘El patio’ se sitúa en un piano pop épico que no queda tan lejos de algunos momentos de Coldplay, Elbow, Keane o incluso Vetusta Morla, deje vocal a lo Antonio Orozco aparte.
Su vídeo oficial está ideado por el propio artista malagueño y Universal lo define como “una pieza audiovisual extraordinaria, digna de galardones por méritos propios”, viniéndose bien arriba. El clip, eso no se lo quita nadie, está lleno de invitados-estrella, como los actores y actrices Javier Cámara, Ana Milán, Fernando Tejero y Manuela Velles, la cantante Malú, el presentador Pablo Motos y el modelo Juan Betancourt (‘Masterchef Celebrity 2’).
Chico y Chica, autores en la década pasada de hits como ‘Tú lo que tienes que hacer’, ‘Supervaga’ o ‘Vaquero’, así como de la divertidísima radionovela por capítulos 4 en Alicante, retoman hoy su actividad discográfica con un nuevo single llamado ‘Un, dos, tres, orgasmo’. Austrohúngaro edita un 7″ dentro de su colección Golden Greats en lo que supone la séptima referencia. La canción tiene un marcado aire de bolero a lo ‘Sabor a mí’ y de spoken word, estando cantada desde dentro de un orgasmo, durante «el momento». Para Alicia y José Luis, «el orgasmo en esta canción representa la idea de presente, algo que está ocurriendo en ese momento. Un silencio, un paréntesis que alargamos durante toda la canción. (Es una canción) con cadencia lenta y moderna, para poder bailarla sola, con pasos a lo tango y brazos en alto», pero también indican que se puede bailar en pareja, «y que cada cual tenga su orgasmo. Aquí nadie ha dicho que haya que sincronizar los orgasmos». Añaden que se la imaginan bailando a Emmanuelle Seigner y Kristin Scott Thomas en ‘Lunas de Hiel’, otra de las películas sobre el amor enfermizo de Roman Polanski.
Según la nota de prensa, «José Luis Rebollo (aka Madelman) ha construido un ritmo automático a partir de diferentes patrones de la clásica caja de ritmos Roland CR78, secuencias sintéticas y filigranas analógicas que parecen salidas de una manga pastelera. «El caso era dejar de lado la maraca, los bongos y el saxo reventón, para no pasarnos de decadentes ni reminiscentes. Así que nos ha quedado una canción con dos temperaturas que se hacen un favor la una a la otra. Porque ni el tecno es tan frío ni la voz va de sexy».
La cara B es una adaptación de Battiato, en concreto de ‘Chan-son Egocentrique’, mucho más bailable, rollo Eva Nasarre o Stereo Total. Indican: «Hay otras canciones de Battiato que nos gustan más, pero esta nos parecía más abordable, más fácil de hincarle el diente y jugar con ella. Tiene una melodía muy segura de sí, asertiva o idealista. Cuando la cantas parece que estás diciendo verdades universales válidas para el resto de los terráqueos». Además, no han querido usar la adaptación existente al castellano, sino combinar el inglés, el francés, el italiano y el alemán. «Desistimos de utilizar la adaptación oficial al castellano porque no acabábamos de entenderla. Con la letra original nos sentíamos más libres. Es como cuando viajas a un lugar donde nadie te conoce».
El nombre de Tommy Keene no ha gozado del eco de Alex Chilton, Peter Holsapple, Steve Wynn, Matthew Sweet o Ken Stringfellow, héroes de diversa procedencia del power pop. Pero sí que es toda una figura para los que no se quedaban en la superfiicie de ese estilo ultramelódico y guitarras a gran volumen. Digo es porque seguirá siéndolo, pero lo cierto es que ahora sabemos que ha fallecido hace unas horas, cuando apenas contaba con 59 años.
En un comunicado-obituario publicado en su web, se informa de que falleció el pasado miércoles 22 de noviembre en su casa de Los Ángeles, “de manera inesperada y en paz, mientras dormía”. El mismo comunicado hace un breve repaso por la carrera del músico y autor de Illinois (aunque crecido en Maryland), de sus inicios a finales de los 70 en grupos como The Razz y The Rage, antes de debutar en solitario en 1982 con el disco ‘Strange Alliance’. De ahí dio el salto a la multinacional Geffen Records, que publicó sus dos discos más populares, ‘Songs From the Film’ (1986) y ‘Based on Happy Times’ (1989).
Tras no cumplir con las expectativas comerciales, recaló en el sello independiente Matador ya bien mediados los 90, publicando dos álbumes más. En los 00s, pasó a colaborar con otros músicos y bandas como Paul Westerberg (The Replacements), Velvet Crush o Robert Pollard (Guided by Voices) –con el que llegó a grabar un disco en 2006 como Keene Brothers–. Ya en esta década publicó un doble álbum retrospectivo de su carrera hasta el momento, y en 2015 publicó ‘Laugh In The Dark’, que es hoy su último disco.
En Ticketmaster, en «ver ofertas», podéis encontrar descuentos para gente como Sidonie, James Rhodes o Els Amics de les Arts. Por otro lado, Doctor Music anuncia que las entradas para las giras de 2018 de Jason Derulo y The Script valdrán un 50% menos entre las 10.00 de este viernes y las 10.00 de este sábado. Jason Derulo actúa el 26 de febrero en el Sant Jordi Club de Barcelona, y el día 27 de febrero en el WiZink Center [Ring] de Madrid. The Script estarán algo más tarde, el 21 de marzo en el Sant Jordi Club de Barcelona, y el día 22 de marzo en el Palacio Vistalegre [The Center] de Madrid. Estos últimos traen a Ella Eyre de telonera. La cantante es conocida por haber cantado en hits de Rudimental o por pistas como ‘We Don’t Have to Take Our Clothes Off‘ o ‘Came Here for Love’.
En el mismo año de edición de su último disco de estudio, ‘Disco duro‘, que contenía hits como ‘Música para adultos’ o ‘Pisciburguer’, Joe Crepúsculo presenta nuevo disco. Se llama ‘Las nanas’ y se trata de un mini LP para niños de 12 pistas y 16 minutos de duración. Existe una edición en vinilo de 10 pulgadas con portada a cargo de Cristina Daura. Las canciones tienen títulos por tanto de corte infantil y onírico como ‘Te arroparé’, ‘Soñando’, ‘Fiesta de pijamas’, ‘La luz de la noche’… pero, ojo, también como ‘Pesadilla’, ‘El monstruo de la cueva’ o ‘No te duermas rata’.
Y es que aunque el concepto esté claro, la voz de Joe Crepúsculo es demasiado personal como para que el disco no suene a sí mismo, y de hecho no todas las canciones incitan al sueño: también están las uptempo y bailables ‘Vamos’ y ‘Aldebarán’, que es más bien para dar saltos en la cama. En lo musical, quizá por su brevedad, el disco recuerda más a los inicios del artista que a los últimos discos, caracterizados por hits llenapistas como ‘Mi fábrica de baile’, ‘Música para adultos’ o ‘La verdad’.
Este es el tracklist del largo:
1.Bajo las mantas
2.Pesadilla
3.Fiesta de pijamas
4.Aldebarán
5.Me gusta dormir
6.Te arroparé
7.La luz de la noche
8.Soñando
9.Vamos
10.El Monstruo de la cueva
11.No temas la oscuridad
12.No te duermas rata
‘New Rules’ de Dua Lipa vuelve al número 1 de nuestro top semanal al mismo tiempo que otros artistas llegan al top 40 con sus nuevos singles. Se trata de Renaldo & Clara -la entrada más fuerte-, Christina Rosenvinge, Los Punsetes y Kimbra. Entre las canciones que alcanzan nuevos máximos, dos hitazos internacionales, ‘Anywhere’ de Rita Ora y ‘Havana’ de Camila Cabello. Vota por tus 20 canciones favoritas aquí.
Vetusta Morla tienen fijación por los espacios. Nos explican “un día en el mundo”, nos sitúan en “mapas”, nos llevan a “la deriva” y terminan en el “mismo sitio” pero en “distinto lugar”. La mejor canción de su debut se titula como una capital europea, ‘Copenhague’, en la que se plantea que “dejarse llevar suena demasiado bien” y donde se habla de una chica que sueña “con despertar en otro tiempo y en otra ciudad”. Más tarde nos encontramos en “la marea” o incluso en Saharabbey Road, pero si algo se puede decir de ‘Copenhague’ es que precisamente esta canción nunca se va a ir a ninguna parte.
Es la canción de Vetusta Morla más escuchada en Spotify con bastante diferencia: 18 millones de streamings frente a los 8 millones de ‘Valiente’ avalan la calidad de esta preciosa composición sobre un amor imposible que, sin embargo, no es la canción que el grupo más ha tocado en directo (esa sería ‘Valiente’ según las estadísticas de Setlist). Sirven como contrapunto ideal la memorable ‘Sálvese quien pueda’ y la rabiosa ‘Autocrítica’, la canción que abría ‘Un día en el mundo’ y planteaba firmemente el discurso de unos Vetusta Morla que nunca han destacado tanto por su estilo como por sus buenas canciones, desde el principio hechas para ser grandes.
Cuesta creerlo ahora, pero Vetusta Morla empezaron en 1999, así que para cuando grabaron su primer disco, autoeditado en 2008, ya llevaban el suficiente tiempo tocando como para traer al estudio canciones buenas de verdad. La jugada les salió bien, porque los chicos de Tres Cantos terminaban convirtiéndose, desde la autoedición, en el grupo referente por antonomasia del pop-rock nacional, llenando pabellones y consiguiendo discos de oro y platino (‘Un día en el mundo’ alcanzaba en 2014 las 53.000 copias vendidas) como no lograron ni Los Planetas. Vetusta Morla se ganaron no solo llegar lejos sino también hacerlo en sus propios términos.
Como ya supimos en su momento, ‘Un día en el mundo’ no inventaba nada, pero las canciones eran muy buenas, tanto que a día de hoy nadie debería recordar lo mucho que se comparó al grupo con los primeros Radiohead en cuanto este se hizo un poco famoso. ¿Y qué? ¿Por qué siempre tenemos que pensar que lo de fuera es más original? ¿Acaso Radiohead no se inspiraron en nada a su vez? Y aun así, curiosamente si hay algo a lo que achacar a los vetustos es que, pese a cantar en español, el lirismo abstracto de sus canciones a menudo es completamente imposible de entender. La canción titular, que describe disparos “en honor” a un león, encuentros con sirenas y “piernas de neón”, es un buen ejemplo, como también lo es la clase de geografía sudamericana de ‘La cuadratura del círculo’.
No es en frases como “en las sombras me veo al revés, en los libros me encuentro mejor” (‘Pequeño desastre animal’) donde se haya la poesía más bella de Vetusta Morla, sino en sus baladas: la conmovedora ‘Año nuevo’ presenta uno de los estribillos más bonitos de su repertorio, y ‘La marea’ es simplemente una de sus mejores canciones. Vetusta ha compuesto varias baladas emocionantes a lo largo de su carrera, pero ‘La marea’ es posiblemente la más pura de todas, un corazón roto embotellado en canción. ¿A alguien le extraña que ‘Copenhague’, su canción más popular, sea una balada? Y ojo, que cuando les dan arrebatos, como en ‘La cuadratura del círculo’, demuestran que sobre todo en directo hay pocos que les tosan.
Vetusta Morla han publicado canciones mucho mejores después de ‘Un día en el mundo’ y si algo está claro es que es su disco más vendido porque salió el primero, porque el grupo no ha hecho más que superarse con cada nuevo lanzamiento, hasta llegar al que hasta ahora es su mejor trabajo, publicado este año. Pero al contrario que otros grupos, los de Tres Cantos no tendrían en absoluto que avergonzarse de este debut que cocinaron durante tantos años, y que terminó sentando las bases no solo de su sonido sino también de algunas de las mejores canciones que han publicado posteriormente, como ‘Golpe maestro’, que es precisamente eso. Y golpe maestro fue también, indudablemente, ‘Un día en el mundo’.
Vetusta Morla están de gira y las entradas para verlos en directo están disponibles en Ticketea, con descuento de un 20-25% solo durante Black Friday.
Björk plantea ‘Utopia’, su noveno disco, abiertamente como una colaboración entre ella y Arca, después de que ambos compartieran créditos en el anterior largo de la islandesa, ‘Vulnicura’. En la misma portada del disco puede leerse la indicación “concebido por Björk & Arca”, como reflejan además los equitativos créditos del disco, que incluyen también una co-producción de Rabit (‘Loss’). La islandesa aclara que ‘Utopia’ es su disco, pero que “puramente como músicos, [Arca y yo] hemos decidido entrar en este otro mundo que es la superposición entre Arca y Björk”.
La “utopía” que propone Björk no es un fin, sino un medio a través del cual alcanzar lo más parecido a un mundo mejor no solo personal, sino también y, sobre todo, político y ambiental, donde naturaleza y tecnología convivan armónicamente. Para ello ha creado un “mundo” menos lúgubre que el anterior, mucho más abierto, aligerando el peso de las cuerdas y añadiendo un grupo -enteramente femenino- de 12 flautas, además de arpas y sonidos de pájaros procedentes de ‘Oiseaux de Vénézuela’ de Jean C. Roché y ‘Hekura’ de David Toop y Nestor Figueras. Es una “utopía” que, como ‘Homogenic’, en su unión de naturaleza y modernidad tecnológica refleja la Islandia natal de Björk, aunque ahora desde un prisma menos amenazante y más paradisiaco. Un ejemplo de esto es la canción titular, que suena como una escena de Disney en la que Björk pasea alegremente por un bosque encantado, ambientado por lo que parece el graznido de un ave en bucle.
‘Arisen My Senses’ abre ‘Utopia’ y se abre camino mediante explosiones de belleza y luz, conformando una especie de Big-Bang particular para Björk, el que origina esta “utopía” llena de flautas, pájaros, beats ásperos y letras sobre los varios tipos de amor carnal, musical, familiar o espiritual. Es una de las composiciones más inmediatas que ha publicado la artista en años, un single algo más claro para ‘Utopia’ que ese solemne ‘The Gate’ que supone una “entrada” entre ambas etapas de su carrera y nos sume en una especie de ciberespacio líquido, elevado por la presencia de una Björk que invoca emotivamente la presencia de un “amor trascendental” que cure las heridas abiertas en su disco anterior. No es, desde luego, el mismo lugar en el que la encontramos en el segundo single oficial de ‘Utopia’, ‘Blissing Me’, una canción romántica, preciosa, en la que, entre arpas, la cantante intercambia MP3 con su amante platónico e imagina la “fantasía” de su “unión física”.
Pese a lo que sugiere su título, ‘Utopia’ no es un disco explícitamente político y su oscuridad se vierte a lo largo del álbum en otras formas, sobre todo en lo musical y lírico. La litúrgica ‘Features Creatures’ sitúa a Björk en una conjura solitaria, acompañada únicamente de unos coros fantasmales (producidos en realidad por los tubos armónicos de Sarah Hopkins) que parecen protegerla mientras invoca al hombre de sus sueños, hasta que al final una fantasía de flautas se crea a su alrededor. Lo hace en una letra no exenta de ingenuidad millennial en frases como “cuando veo a alguien de la misma altura que tú, y que va a las mismas tiendas de discos, literalmente pienso que estoy a cinco minutos de enamorarme”. Incluso en la épica ‘Body Memory’, que emerge del pantano de ‘Black Lake’, y dura casi lo mismo, contrarresta su oscuridad con pasajes sobre el “ADN sexual” y “rayos X de mis kamasutras”, situándonos después en una sudorosa “pista de baile de Brooklyn”.
A pesar de que son muchos los que siguen buscando melodías accesibles en los discos de Björk como si fueran LaToya Jackson y su lupa, y al margen de algunas composiciones redundantes como ‘Courtship’ y ‘Claimstaker’ o del repelente aroma “new age” de ‘Saint’, el mayor punto flaco de ‘Utopia’ siguen siendo las letras. Björk presenta en el disco pasajes hermosos, como en la tierna ‘Tabula Rasa’, pero también es capaz de lo peor en ‘Sue Me’, una canción dramática, pero cuya ejecución roza la parodia, sobre el litigio por la custodia de su hija entre Björk y su ex pareja Matthew Barney, a quien la islandesa se enfrenta de manera bastante explícita, comunicándole que “ya era hora que te enseñara algo de dignidad”. A su hija entonces dedica unas confesionales palabras, viniéndose demasiado arriba: “no voy a dejar que corten a nuestra niña por la mitad, no puedo aguantar que ella sufra, es tan injusto, los pecados del padre lo han jodido todo, teníamos la mejor familia, lo teníamos todo”.
‘Utopia’ concluye positivamente, con una ‘Future Forever’ que en su visión de esperanza -desde luego no en su sonido ambiental y flotante- remite, quizá trágicamente, a ‘Unison’, la canción que cerraba ‘Vespertine’ y en la que Björk proyectaba hacia el infinito su sueño de futuro con su familia. En ‘Future Forever’, Björk pide que la observemos “formando nuevos nidos, tejiendo una cúpula matriarcal, construyendo un andamio musical”, pero la base musical curiosamente establece un puente con ‘The Gate’: ambas existen en la misma dimensión abstracta y abren sendos umbrales hacia la posibilidad de esa “utopía” que suena exactamente a lo que parece, a una fantasía que, con sus altibajos, con sus claroscuros, se ha hecho realidad.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Arisen My Senses’, ‘Blissing Me’, ‘The Gate’, ‘Utopia’, ‘Body Memory’, ‘Features Creatures’, ‘Tabula Rasa’ Te gustará si te gusta: Robert Wyatt, Juana Molina, Scott Walker, Jenny Hval… y sobre todo Björk Escúchala:Spotify
Los fans de la “escuela” de The xx o London Grammar están de enhorabuena, porque tienen un nuevo nombre con el que gozar, emocionarse o sufrir. Se trata de Lo Moon, un trío de Los Ángeles formado por Matt Lowell (voz, teclados, guitarras), Crisanta Baker (bajo, voz) y Samuel Stewart (teclados, voz) que hacen de la delicadeza y la melancolía su mejor arma, pero tratadas con un punto de vista sofisticado y expansivo, no solo intimista. Otros referentes que les van como anillo al dedo pueden ser los elegantes The Blue Nile o también, de manera algo más difusa, aquellos Unbelievable Truth que comandaba Andy Yorke, hermano de Thom, ¿recordáis?
El caso es que, aunque el proyecto lleva en marcha unos 5 años –Lowell reconoce que cuidan todos los detalles al máximo, como parte de su filosofía– no ha sido hasta este 2017 cuando han comenzado a despuntar. Lo hicieron a finales del pasado invierno con ‘Loveless’, un medio tiempo que por momentos tiene ecos del Peter Gabriel de ‘Don’t Give Up’, alternados con otros más épicos. Aquella canción les llevó a ser teloneros de MUNA durante una gira norteamericana, pero en estos meses han seguido ascendiendo.
Porque ahora son ya teloneros de Phoenix en EEUU y han presentado otras dos nuevas muestras de que son un valor de futuro fiable. La primera, ‘This Is It’, un tema que discurre próximo a ‘Loveless’, con un sugerente riff de sinte que se incrusta en el recuerdo a la primera de cambio, y la más reciente ‘Thorns’, un tema precioso que sitúa a Rhye como otro nombre que orbita en la mente al escucharles. Todo ello con un buen acabado estético y con producción, atención, de Chris Walla (Death Cab For Cutie, The Postal Service) y François Tetaz (Gotye, Kimbra). El debut que editarán en Columbia, probablemente el año que viene, debería confirmar las buenas sensaciones que dejan estos tres singles.
Stevens ha ido publicando varios avances de la “mixtape” en los últimos meses, como el descarte ‘Wallowa Lake Monster’ o una grabación de iPhone de ‘John My Beloved’. Hoy podemos escuchar, mediante vídeo, el tema titular, una breve canción -dura menos de 2 minutos- en la que el oriundo de Detroit canta sobre alcanzar la iluminación a través del amor espiritual. En su letra clama que se pueden “adorar la montaña y la lluvia”, pero que el “mayor regalo de todos” es el “amar a tus amigos y amantes, y entregar tu vida a tus hermanos”, así “en paz te quedarás, y tu alegría crecerá”.
Para ‘The Greatest Gift’, Stevens ha realizado él mismo un videoclip en stop-motion en el que se suceden varios recortes de fotografías y revistas, muchos de los cuales representan personajes e iconos de la religión cristiana como Moisés con el Testamento (Stevens es anglocatólico). En la misma letra de la canción hay una referencia a Asa Lovejoy, fundador de Portland, en Oregón, donde Stevens pasó tiempo junto a su madre de niño y donde grabó parte de ‘Carrie & Lowell’.
“La misión del copiloto es rular uno tras otro”. El título del 13º álbum en la carrera del provecto Julio Bustamante surgió durante un paseo en coche con su hijo, que le iba “rulando” los cigarros. Más allá de una anécdota divertida, ‘La misión del copiloto’ esconde “la necesidad de luchar juntos”. Un elepé ecléctico –a este venerable señor nunca le ha gustado pensar en discos, ya que su atención se centra en las canciones– que pasa de ‘La doble’ (un poema de Sam Shepard) y ‘El cel de les cançons’ (El cielo de las canciones), temas que abren y cierran el disco, a ‘Iratxi’ (cantada a dúo con Nacho Vegas), recorriendo mientras tanto diez canciones escritas, mes a mes, a su joven amante. “No quiero mencionar cuántos años nos llevábamos, me da demasiada vergüenza”, cuenta Bustamante. “Fue algo que ella me pidió, e incluso la relación se dio por ella. Fue ella la que tiró de mí. Es una buena amiga”. Circunstancia que hace que este disco del llamado “artista de culto” valenciano sea el más redondo de su carrera. O, mejor dicho, el más planteado como un disco en sí mismo y no como una recopilación de canciones.
Nos encontramos con Julio Bustamante (Valencia, 1951) en las oficinas de El Volcán, su agencia discográfica. Juntarse con él es estar dispuesto a que nos cuente lo que él tenga a bien narrar, sea lo que sea, sin seguir un rumbo fijo. Con la mirada perdida y un cierto aire tímido, nos cuenta que acaba de echarse la siesta (“es algo obligatorio”) mientras nos recibe con sus andares espigados, un vaquero raído y una boina, como salido de la estampa de aquellos cantautores de los años 70, una década que sirvió a este letrista para darse a conocer, hace más de treinta años: “Soy un niño que sabe muchísimas cosas. Creo que fue Dylan el que dijo “todo el mundo se muere por ser joven, cuando los que disfrutan son los niños”. Y es verdad. Cuando eres joven son todo ansiedades e intensidades. También es cuando empiezas a relacionarte más con el mundo exterior”, comenta, recordando aquellos tiempos.
«Yo creo que todas las obras buenas, en el fondo son un libro de historia que relatan su época desde el fondo, no desde la superficie»
Ese mundo exterior que servía como inspiración principal en los primeros discos del valenciano (‘Cambrers’ –1981– o ‘Cargo de mí’ –Discos Medicinales, 1987–) aparece reflejado de manera tenue en ‘La misión del copiloto’. Como una pátina de realidad que sirve de fondo a los sentimientos: “Yo creo que todas las obras buenas, en el fondo son un libro de historia que relatan su época desde el fondo, no desde la superficie. Aunque no se lo propongan. Es lo que yo llamo la impersonalidad. En mis canciones procuro que pase. Que todo eso que está pasando es una circunstancia social, en gran medida. Todos somos producto de una circunstancia social”, explica con su voz ronca de profesor de filosofía.
“No hay que hablar de España, hay que pensar en los españoles, que somos gente de carne y hueso”
Después de décadas reafirmándose en la lucha social y en la protesta, nos sorprende encontrar una mirada tan tranquila en las letras de su último trabajo. ¿Qué hay de la situación que estamos viviendo, qué hay de Cataluña? Le preguntamos, a tenor de lo exótico que podría resultar en estos momentos un disco escrito en ambos idiomas, catalán y castellano: “No aporta nada. Es algo que tienen que arreglar. Hay temas más importantes. Me parece una cortina de humo todo esto. Y también pienso que algo de interés habría por forzar la situación tanto. Pienso que la política maquiavélica es de derechas, más todavía. Hay temas mucho más importantes, como son las pensiones, la educación, la investigación, la sanidad. Todo eso lleva esperando muchísimo tiempo. Cuando hay gente en Valencia estudiando en barracones, de todo lo que robaron. Todo eso no es dinero, es voluntad política. Decir “no va a haber gente muriéndose en la camilla de una sala de espera”. Es denigrante. No tiene por qué haber 60 alumnos en un aula, tiene que haber 20. Todo eso es voluntad política, pensar en hacer las cosas bien y no hablar de España, sino pensar en los españoles, que somos gente de carne y hueso. Pero no, solo somos contribuyentes, y punto. Y esto si quieres lo sacas, o no lo sacas”, remata con un cierto deje de hastío, dando a entender que ya nadie “quiere mojarse”.
“He vuelto al mundo de cuando yo tenía 8 años. Eso dicen, que la vida es como una curva y, al final, vuelves a ser tan niño como eras al principio”
Esa intensidad de la que hacía gala en su juventud (“empecé en esto a los 27 años, ¡qué intensidades!”), el miedo a hablar de sus propios sentimientos o a narrar su propia vida son parte de las capas que se ha ido quitando Julio Bustamante: “He ido quitándome cosas” – continúa-, “Internet no tengo. Bajo todos los días a la biblioteca, que además es muy grande y muy bonita y antigua. Y voy todos los días una hora a internet. Y los días que necesito más, voy por la tarde otra hora. Pero, por lo general, voy una hora nada más. No tengo televisión, tampoco (como dice la canción). Y tampoco tengo electrodomésticos. La verdad es que vivo solo y me apaño muy bien. Los he ido cerrando poco a poco. El frigorífico me cansé de verlo siempre con un plátano y un huevo y pensé “¿Para qué quiero esto aquí?” Luego lo apagué. Llevaba años apagado y este verano, cuando pinté la casa, lo saqué a la calle. Pero me apaño bien, porque salgo a comer al parque normalmente, y en casa tengo cosas que no caducan nunca, como el arroz. Pasta, huevos, jamón, galletas, cebollas… viviendo solo, las cosas cambian mucho. Lavar la ropa a mano. Me gustan mucho los trabajos manuales. Aparte, no me gustan los ruidos. Las lavadoras, las neveras… siempre acaban haciendo ruido. Yo también tengo una edad y he nacido en una época en la que esas cosas no existían. No ha sido inventar nada, ha sido como volver al principio. Tocadiscos y guitarra sí que tengo. Esas son cosas importantes para mí. En fin, que he vuelto al mundo de cuando yo tenía 8 años. Eso dicen, que la vida es como una curva y, al final, vuelves a ser tan niño como eras al principio.”
Tras haber participado incluso en un documental sobre su vida y obra (‘Bustamante Perkins’) decidimos terminar la entrevista preguntándole al sabio qué es lo que le preocupa ahora que no tiene intensidades, ni frigorífico ni prisas: las mujeres. “Yo siempre estoy leyendo. Creo que leo incluso demasiado. Suelo leer un par de libros a la semana. Y sigo estudiando filosofía. Ahora estoy con la temática de las mujeres contemporáneas españolas. Más allá de si me gusta o no me gusta, por recabar información. Rosa Montero me encanta.”
Hoy mismo podremos verle en directo, en una de sus espaciadas actuaciones, en la sala Fun House de Madrid (entradas, en Ticketea), acompañado por su grupo, Lavanda, y Kiko Sumillera. Veremos a ver qué nos cuenta esta vez este venerable letrista.
Sia intentará llevarse un buen trozo del pastel navideño -el mejor periodo de ventas del año para la industria- con su nuevo disco de villancicos originales, ‘This is Christmas’, que llegaba al mercado el 27 de noviembre adelantado por varios singles como el alegre ‘Santa’s Coming to Town’ o la emotiva balada ‘Snowman’.
La australiana, que era noticia recientemente por otros asuntos menos navideños, presenta ahora videoclip para ‘Santa’s Coming For Us’, para el que ha sentado a cenar por Navidad a un reparto de personajes famosos como Kristen Bell, Caleb McLaughlin (Lucas en ‘Stranger Things’) o Sophia Lillis, quien interpreta a Beverly en ‘It’. También los actores Dax Shepard y Henry Wrinkler, el cómico J.B. Smoove, la actriz Susan Lucci y Wyatt Oleff, otro niño de ‘It’, se dejan caer por aquí. No, no se te ha pasado el nombre de Maddie Ziegler: la bailarina favorita de Sia no aparece en el vídeo.
Caleb es el último niño de ‘Stranger Things’ en apuntarse a un videoclip: antes que él, Millie Bolly Brown (Eleven) protagonizó el vídeo de ‘Find You’ de Sigma con Birdy y Finn Wolhard (Mike) apareció en el clip de ‘Sleep in the Heat’ de PUP. Wolfhard, de hecho, tiene su propio grupo, Calpurnia. Por su parte, Sophia Lillis acaba de aparecer en un vídeo de The War on Drugs.
El pasado 10 de noviembre llegaba a las tiendas ‘Stranger’, el nuevo trabajo de Yung Lean, el “sad boy” sueco autor de canciones como ‘Kyoto’, ‘Ginseng Strip 2002’ o ‘Yoshi City’ que acumulan decenas de millones de escuchas en Spotify, pero que también han valido críticas a Lean por su apropiación descarada de la cultura negra estadounidense.
Jonatan Leandoer Håstad publica ahora videoclip para otro de los temas incluidos en su nuevo disco, la pista 5, ‘Metallic Intuition’. El colectivo francés Suzie and Leo dirige esta pieza audiovisual ambientada en el lejano oeste americano y en el que el rapero sueco está en busca y captura. La tensión puede cortarse con un cuchillo en este vídeo que se desarrolla con una inquietante tranquilidad y que termina en una carnicería.
‘Metallic Intuition’ destaca por su producción líquida y oscura, desarrollándose hacia un climax ultra sutil. En la letra, Yung Lean se jacta de su futuro “sin techo” y rapea sobre solucionar la vida a su familia gracias a su éxito. También hay hueco en la letra para menciones a Elvis Presley, ‘Las uvas de la ira’ y la mejor frase es entre lapidaria e irónica: “me importa una mierda, Narnia me ha hecho sabio”.
Arenal Sound se marca un “Raphael en Sonorama” o un “Los Del Río en SanSan Festival” más fuerte todavía con la confirmación de su primer cabeza de cartel para 2018, Bad Bunny, uno de los mayores exponentes del trap latino actualmente en el mundo gracias a canciones como ‘Sensualidad’, ‘Krippy Kush’ y actualmente a su colaboración con Becky G en la exitosa ‘Mayores’. Arenal Sound se celebra en Burriana del 31 de julio al 5 de agosto.
La nota de prensa de Arenal Sound recuerda los éxitos del puertorriqueño, uno de los cuales, ‘Sensualidad’ con Prince Royce y J Balvin, es ahora mismo la canción número uno en España. La segunda es ‘Mayores’, la colaboración de Bad Bunny con Becky G, que ya ha sido número uno y saluda actualmente desde el top 3. También ‘Tú no metes cabra’ y ‘Soy peor’ aparecen por el top 100. Además, se rumorea que Bad Bunny hará con Maluma la próxima canción del Mundial. “El joven puertorriqueño no para de ascender y de cosechar éxitos y el próximo verano será uno de los shows más esperados de la novena edición de Arenal Sound”, comenta el festival.
Bad Bunny, presente también en ‘Si tu novio te deja sola’ de J Balvin, de la que os hablábamos en su momento con motivo de su curiosa letra, acaba de publicar un remix de su éxito ‘Krippy Kush’ con Farruko, 21 Savage (presente en ‘rockstar’), Rvssian y Nicki Minaj, quien en su parte rapea en español sobre su “pelo rosa” y su “culo gordo”.
Rosalía nos adelantaba hace unas semanas que antes de que acabara el año estrenaría un single nuevo no incluido en su disco ‘Los Ángeles’. Esa canción ha resultado ser una escalofriante interpretación de ‘Aunque es de noche’ de Enrique Morente, que desde hoy cuenta con su propio videoclip.
El sencillo vídeo, en el que la figura de Rosalía como cantaora va emergiendo, ha sido dirigido por Ignasi Monreal y producido por Pink Salt & Collateral Films. El concepto es “utilizar la noche como metáfora de lo desconocido y pretende ser una celebración de la muerte como parte de la vida”. Las superposiciones cromáticas del final no hacen sino acentuar el desenlace, dibujando por ejemplo lágrimas en el rostro de Rosalía.
Cabe preguntarse por qué esta canción impresiona tantísimo desde la primera escucha. Y es que además de que Rosalía suena en su mejor momento en su interpretación, la original de Enrique Morente, que abría el disco ‘Cruz y luna’, de 1983, planteada en plan «tango», ya era alucinante. Rosalía la ha reducido a lo mínimo, quitándole algo de ritmo en principio, pero recalcando los momentos más pasionales de la letra en la búsqueda de un clímax que no existía. Claramente una de las mejores canciones del momento y del año.
Guille Milkyway es profesor de cultura musical en la nueva edición de Operación Triunfo, por lo que por la imaginación de todo el mundo en algún momento ha pasado la posibilidad de que La Casa Azul presente un nuevo tema en el programa, al modo de los «coaches» de The Voice. De momento no va a pasar pero lo que sí se sabe es que ‘La revolución sexual’, el gran hit de su proyecto, será la canción grupal en próximo lunes en OT.
Los ensayos de la canción ya han sido subidos a Youtube, no exentos de polémica (algunos comentarios preguntan de dónde ha salido esta canción -que lleva 4 millones de reproducciones en Spotify-, e incluso cuestionan su calidad; también hay quien no entiende la negativa de Milkyway a interpretar con ellos la canción) ni anécdotas (alguien tiene que indicarle a Guille que se suba la bragueta). Pero lo seguro es que la interpretación será toda una curiosidad de nuestro prime-time. ¿Alguien recuerda alguna canción editada por Elefant sonando en vivo y en directo en el prime-time de una cadena mayoritaria desde… que Guille Milkyway fue candidato a Eurovisión justo con esta canción?
Al término de 1 hora de ensayos y vídeos, podéis ver cómo quedará la canción previsiblemente el lunes (al final del vídeo). La decisión de bajarla un tono y de separar chicos y chicas en una voz ultra aguda, solo puede recordarnos a la mojigata ‘Amo a Laura’ del falso grupo Los Happiness, un anuncio-viral para MTV creado hace una década por Guille Milkyway.
Rosa López está recibiendo críticas muy negativas por la actuación vocal ofrecida en una gala benéfica de UNICEF emitida por Canal Sur durante este fin de semana. La cantante escogía interpretar la canción ‘Sueña’ que en su momento interpretará junto a Chenoa en Operación Triunfo, acompañada de unos arreglos de cuerda que ya solo pueden sonar a Navidad.
Se ha hablado mucho sobre el estado de la voz en vivo de Rosa, después de haber sufrido un problema en las cuerdas vocales, una negligencia médica y finalmente una operación, pero el problema es que hoy por hoy su voz está ahí en algún lugar. Parece más bien que la cantante no termina de encontrar el tono adecuado para reconducir el estado de su voz sea cual sea ahora mismo (ni en este caso el tempo). De cualquier forma, la cantante parece haber contestado por Twitter «no tengo fuerzas para rendirme«, está de gira y tiene un concierto en Barcelona ya mismo, el día 26 de noviembre.
Por otro lado, la cantante continúa con la promoción de su último disco, ‘Kairós‘, y el nuevo single es ‘Ahora sé quién soy’, la canción que tanto se parecía a ‘The Scientist’ de Coldplay. El vídeo presenta un triángulo amoroso con rollo bollo. ‘Kairós’ ha abandonado el top 100 de ventas en España tan solo tras 12 semanas de permanencia, siendo por tanto el álbum menos longevo de su discografía.
El Último Vecino, proyecto retrofuturista que ha publicado dos discos ochenteros como el debut homónimo de 2013 y ‘Voces‘ (2016), no se ha retirado finalmente, y publicará en febrero su nuevo disco, adelantado por el single ‘Dónde estás ahora’. Foto: LaPanteraRusa.
La canción llegará esta noche a las 0.00 a las plataformas de streaming, pero se estrenó anoche en Los 40 Trending, el programa de Los 40 Principales de Arturo Paniagua. Puede escucharse, por tanto, en el podcast del 22 de noviembre de este programa, en concreto a partir del minuto 16. El tracklist y la portada del largo aún no se han dado a conocer.
‘Dónde estás ahora’ es una canción de letra corta, muy uptempo, de base electrónica lo-fi, sintetizadores con la magia de los 80 y acordes aún en la onda de The Smiths y The Drums. Sobre todo viene caracterizada por unos significativos gorgoritos, definitivamente cercanos al Morrissey más histriónico. Al fin y al cabo, el proyecto de Gerard ya había utilizado ‘Some Girls Are Bigger than Others’ en su adaptación de ‘Mi chulo’ de La Zowi. Seguro que sus seguidores no está decepcionados ante este nuevo paso, continuista al fin y al cabo, pero contagioso como siempre.
Os dejamos con los dos teasers que se habían dado a conocer, en los que se habla un poco en clave sobre el inminente disco y sobre cómo escribir el nombre de la canción.
Sharemusic!, responsable de uno de los fenómenos musicales de este año, Love the 90’s, festival desdoblado en varias ciudades españolas que en Madrid lograba agotar entradas con meses de antelación, ha tenido una fresquísima idea: un festival llamado Love the Tuenti’s para celebrar a los artistas dance de la primera década de los años 2000. El festival, que se celebra el 5 de mayo en el Wizink Center de Madrid, reunirá en un mismo concierto a una veintena de artistas de las cuales destaca gente como Safri Duo, Kate Ryan, Lasgo, Cascada, Sylver e Ian Van Dahl, entre otros. Las entradas salen a la venta el próximo 30 de noviembre en www.lovethetuentis.com. Las primeras 2.000 entradas de pista saldrán con un precio promocional de 25 euros.
El evento de presentación, celebrado ayer, contó con la presentación de La Terremoto de Alcorcón, a la que la nota de prensa presenta como «protagonista en la primera década de los 2000 de uno de los primeros vídeos virales en redes sociales con su parodia del ‘Hung up’ de Madonna». También estuvo por allí Fernandisco.
Un festival en el que no faltarán las interpretaciones más populares de Safri Duo (‘Played-A-Live’, ‘Samb-Adagio’), Kate Ryan (‘Ella Elle L’A’, ‘Desenchantee’), Cascada (‘Everytime we touch’), Sylver (‘Turn the tide’) y XTM feat. Annia (Eva Martí) con ‘Fly on the Wings of Love’. Completan el line up Lasgo, La Luna, Ian Van Dahl, Jessy, Fragma ft. Tess, Marvin & Andrea Prezioso, Anneke Van Hoof, Dee Dee, Noyze, Clublanders, Orion Too feat. Caitlin y Tess. Además, el festival contará con la animación de Jumper Brothers y Dj Marta.
Seis largos años después de ‘Zona de conflicto’, su último álbum de estudio, tras dos álbumes en solitario de Antonio Arias, reediciones de su catálogo de Sony, celebraciones y documental de ‘Omega’, el estratosférico proyecto que cambió el rock y el flamenco de nuestro país, vuelven Lagartija Nick. Y son a la vez los de siempre y otros diferentes, literal y metafóricamente. Reunida la formación original al hilo de las giras que celebraban su primer cancionero, la inercia les ha llevado a grabar un nuevo álbum, un disco en el que se reconoce a los Lagartija de siempre –ese rock poderoso, propulsado en todas direcciones y con gran poso poético persiste en ‘Mapa de Canadá’, ‘Analema’, ‘Nuda vida’, ‘La ira de noviembre’– y se encuentra a unos nuevos Lagartija.
Unos Lagartija Nick en los que está más presente que nunca la reivindicación del folclore popular, por un lado; y la sombra –o mejor, el aura– de Jesús Arias, el músico y periodista granadino, instigador de ‘Omega’ y hermano de Antonio fallecido en 2015, por otro. Ambos componentes vertebran ‘Crimen, sabotaje y creación’ (titulado, por cierto, como una canción de su anterior disco), pero no como dos ramas separadas, sino que se funden en una sola cosa. Un conjunto cohesionado por el hermoso lirismo de las letras de Antonio y Jesús –la explosiva ‘Agonía, agonía’ y la comprometida ‘Europa, Europa’ son versiones de temas que el último hizo con su último proyecto musical, Qüasar–, que se funden y mezclan sin aparente esfuerzo con la adaptación de las sevillanas proletarias (‘Soy de otra Andalucía’) de los rebeldes Gente del Pueblo, el bolero flamenco ‘La soledad es política’ o el apasionante murder ballad local ‘La leyenda de los Hermanos Quero’.
Esta reivindicación múltiple –de esos cuatro hermanos, maquis urbanos que fueron perseguidos primero y luego silenciados por el franquismo, de su nieto, el cantaor Víctor Blaya Quero, ‘El Charico’, que murió tristemente tras una profunda depresión y cuya voz suena en forma de sampler– es un foco hacia lo local que se proyecta de manera universal. Porque sí, ‘Crimen, sabotaje y creación’ es también el disco más políticamente comprometido de Lagartija Nick, con una denuncia explícita de la uniformidad de pensamiento dictada por las oligarquías para polarizar y controlar al pueblo –“ningún medio retransmitió la imagen ni vendió la información / traen consigo bitcoins para el viaje, se dirigen a Google-Oz”, ingeniosa referencia en ‘Mapa de Canadá’– y la poesía como forma de rebeldía, como estética contracultural.
La búsqueda permanente de la belleza lírica, incluso cuando se muestran más enigmáticos y crípticos es, también, un posicionamiento político y funciona como hilo conductor o catalizador allí donde las composiciones no son tan deslumbrantes (‘La canción del tiempo’, ‘La ira de noviembre’) e incluso las hace mejores (‘El teatro bajo la arena’). Como un quinto Lagartija Nick, Jesús Arias impregna cada rincón de su propio homenaje, en una formidable paradoja que culmina con ‘Exilio / Adagio Súbito’, un delirio en el que Antonio hace realidad una fantasía de Jesús –una sinfonía con el ruido de motores de la Fórmula 1– y a la vez le dedica un precioso panegírico al que se suman otro de sus hermanos, Ángel –con esos sonidos sinfónicos sintetizados que cierran el tema–, y Noni y Alejandro de Lori Meyers en los coros. Las líneas “lo que más pena me da es no poderte alcanzar en tu nuevo destino” permanecen como un emotivo eco al final de un disco que es un hermoso compendio de factores aparentemente aleatorios que cobran un estupendo sentido en manos de Lagartija Nick.
Lagartija Nick presentan ‘Crimen, sabotaje y creación’ esta noche –23 de noviembre– en Barcelona, en La [2] de Apolo. Mañana, 24 de noviembre, estarán en la sala Malandar de Sevilla y más tarde, el 15 de diciembre, harán lo propio en la sala Rock City de Valencia.
Calificación: 7,8/10 Lo mejor: ‘Agonía, agonía’, ‘La leyenda de los Hermanos Quero’, ‘Analema’, ‘Soy de otra Andalucía’, ‘El teatro bajo la arena’. Te gustará si te gusta: Los Planetas, Los Evangelistas, Chucho Escúchalo:Spotify
SSION, el proyecto del artista multidisciplinar Cody Critcheloe, que seguramente recuerdes por ‘Bent‘, editado en 2012, volverá en 2018 con un nuevo disco llamado ‘O’. De momento ha compartido el adelanto ‘Comeback’ en exclusiva a través de The Fader, donde habla de todo el proceso de creación tanto de la canción como del vídeo, pues él también es director de videoclips y ha trabajado con gente como Perfume Genius (‘Queen’) o la mismísima Kylie Minogue (‘Sexercize’), a la que cita como influencia en la creación de este estribillo.
Si ‘Comeback’ en su versión corta para Spotify es una canción ochentosa con una pequeña influencia del pop actual en cuanto a tratamiento de voces, que decide culminar por alguna razón con un destartalado noise; su vídeo -mucho más largo- es un gran batiburrillo que él mismo presenta como «de estructura circular» y como «collage» de ideas. Entre sus influencias están tanto los videoclips de Tyler the Creator como de Róisín Murphy y también le ha marcado una biografía que ha leído de Bob Fosse.
El vídeo comienza en plan cantautor: por un momento nos parece que va a salir Destroyer. De ahí pasamos a una cafetería rollo años 50 hasta que una tacita de café se ilumina y comienza la fiesta ochentera, CD mediante. Las mutaciones de SSION que conocemos incluyen una animadora, un disfraz de vaca que se reproduce en la portada del single (referencia a Pink Floyd, además del guiño a Robert Plant de la foto promocional) y un cásting medio eurovisivo que sufre un boicot que ni ‘Carrie’. El vídeo refleja «pasado, presente y futuro de un modo extraño» y pretende funcionar a modo de «sinopsis» del álbum, aún sin fecha de edición.
El NME ha estado revelando la lista de sus mejores discos de 2017 a través de Twitter durante los últimos dos días. En concreto han ido desvelando su top 10, que incluye los últimos trabajos de gente como Lana del Rey, SZA, LCD Soundsystem y Liam Gallagher. El top 3 está compuesto de ‘DAMN.’ de Kendrick Lamar, ‘Visions of a Life’ de Wolf Alice y finalmente se ha revelado que ‘Melodrama’ de Lorde es su disco del año. El top 50 ya puede consultarse online.
La mirada estaba puesta en los discos que más alto había puntuado el site este año, que se pueden visitar en la web Album of the Year. Allí encontrábamos que hasta 10 discos de este año habían sido puntuados por NME con un 10/10, pero de ellos sólo 5 aparecen en el top 10 dado a conocer. Eso significa que 5 han quedado fuera del top 10 definitivo, probablemente debido a la falta de apoyo de colaboradores, a un cambio de opinión o al hecho de que se encargara su crítica a la persona menos representativa en ese caso de la redacción.
Esos 5 discos desechados finalmente del top 10 pese a haber sido puntuados con un 10 son ‘Everything Now’ de Arcade Fire (puesto 29), ‘Need to Feel Your Love’ de Sheer Mag (puesto 21), ‘Big Fish Theory’ de Vince Staples (puesto 15), ‘Semper Femina’ de Laura Marling (puesto 49) y ‘Gang Signs & Prayer’ de Stormzy (puesto 14). Así ha quedado el top 10:
1.-Lorde / Melodrama
2.-Wolf Alice / Visions of a Life
3.-Kendrick Lamar / DAMN
4.-Father John Misty / Pure Comedy
5.-LCD Soundsystem / American Dream
6.-J HUS / Common Sense
7.-SZA / CTRL
8.-Lana del Rey / Lust for Life
9.-Wiley / Godfather
10.-Liam Gallagher / As You Were