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Vicente Navarro mezcla el Concierto de Aranjuez y drum&bass en ‘El primero’, sobre una «trieja»

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Vicente Navarro ha publicado recientemente su segundo disco, ‘Las manos’, que va a ser nuestro «Disco de la Semana». Como el primero, ‘Casi tierra‘, se acerca al folclore patrio desde una perspectiva ligeramente electrónica, ahora más acentuada.

El álbum se ha presentado con dos singles notables, ‘Una herida’ y ‘Camposanto’, pero es ‘El primero’ el más rupturista respecto a su trabajo anterior y por tanto nuestra «Canción del Día».

‘El primero’ comienza con una interpolación del Concierto de Aranjuez con la propia melodía de la composición. La grabación avanza, conteniendo cierta agitación, hasta que al final explota y emerge una sección drum&bass. Como nos ha contado Vicente Navarro en una entrevista que publicaremos estos días, el tema retrata una huida en un entorno bélico. Una «trieja» es la protagonista, pero uno de los 3 ha de «huir» porque la sociedad no aprueba su situación.

De hecho, la canción comenzaba diciendo «vamos a bailar los 3» y así puede leerse en las letras del vinilo cuando este llegue el año que viene. Pero al final se ha quitado el sintagma «los 3» en favor de lo poético. Más claras son frases como «viene apretando el gatillo y viene quemando la niebla. Si nos volvemos a ver, os daré mi verano / y si no fuera posible el resto del año».

El estribillo de la canción es “No hay pecado que valga por mucho que diga Dios”, en referencia a la educación católica. Nos cuenta Navarro: «es sobre la invasión en un pueblo. Somos 3 personas, somos algo que la sociedad no entiende. Yo me escapo para intentar que no maten a los otros dos». Una angustia que se retrata en la cadencia de la canción, de la misma manera que el drum&bass representa muy bien dicha «huida», logrando que la producción del tema resulte casi un videoclip.

Vicente Navarro presenta este disco el 8 de febrero en Madrid y el 3 de marzo en Barcelona.

La cultura de la cancelación, a debate

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Las declaraciones antisemitas de Kanye West están suponiendo el fin de su colaboración con marcas… ¿pero recordamos que el artista ha tenido problemas mentales? Win Butler de Arcade Fire ha recibido acusaciones de acoso por parte de 5 mujeres y Pitchfork parece haberle «cancelado», pero su caso no termina de trascender a otros medios o importar a la industria: su gira está siendo un éxito. Estos son algunos de los temas que tratamos en el nuevo episodio del podcast REVELACIÓN O TIMO, EL PODCAST DE JENESAISPOP, en torno a la llamada «Cultura de la Cancelación». Por suerte hemos podido contar con la participación de una mente privilegiada, la periodista Paloma Rando… que este verano estuvo a punto de ser cancelada a su vez.

Rando nos habla sobre la diferencia entre seguir consumiendo la obra de un determinado artista y realizar una «llamada al boicot», que podríamos considerar lo propio de una cancelación. Debatimos sobre la eterna disyunción entre separar vida y obra, pues hay ciertas voces en contra, como la de Elena Cabrera en una columna de nuestro Anuario 2022; sobre el revisionismo y el peligro de juzgar un gag de Martes y 13 treinta años después en un marco sociocultural completamente diferente; o sobre el peligro de defender una obra tan solo porque comulga con nuestros valores morales.

El caso de Arcade Fire nos lleva a hablar sobre la necesidad de creer y escuchar a una víctima versus la presunción de inocencia que define a todo estado de derecho. Los casos tan dispares de Woody Allen, Michael Jackson, J.K. Rowling o Louis C.K. salen a colación, con el gran interrogante sobre si es válido meterlos a todos en el mismo saco. ¿Por qué nos parece que unos fueron cancelados -si es que lo fueron- por las razones correctas y otros como Sinéad O’Connor, todo lo contrario? Nos planteamos también por qué sólo se cancela a personas relacionadas con el ámbito de la cultura, mientras esto no es un problema para deportistas, como se está viendo en el Mundial de Catar. Hablamos sobre las dificultades éticas de seleccionar cierto tipo de noticias o rumores como parte de la prensa, y en una última parte del podcast contamos nuestra propia experiencia con la cultura de la cancelación. ¿Hemos estado cerca nosotros mismos de ser cancelados?

Mad Cool 2023 confirma a Robbie Williams, Lizzo, Lil Nas X…

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Mad Cool ha publicado la programación de su edición de 2023, que se celebrará los días 6, 7 y 8 de julio en el Nuevo Espacio Mad Cool. Entre los cabezas de cartel se encuentran algunos especialmente sorprendentes como Robbie Williams, Lizzo y Lil Nas X, que actuarán el mismo día. Lizzo no ha frecuentado España, y Lil Nas acaba de actuar solo en Barcelona.

Entre headliners que son «classic Mad Cool» como Red Hot Chili Peppers, Queens of the Stone Age, Machine Gun Kelly, The Black Keys o Liam Gallagher, es decir, rockeros (y masculinos), se entrevé un esfuerzo por parte de Mad Cool de conceder ese espacio a otro tipo de artistas y perfiles: Lizzo es la única mujer que encabeza el festival, pero Lil Nas es LGBT, así como Sam Smith, que es no binario. Quedan dos cabezas de cartel por confirmar, para los días 7 y 8.

Si a alguien le da por pensar que Taylor Swift podría encontrarse entre esos dos nombres secretos, lo cual sería lógico pues llegó esta confirmada en la edición que se canceló por la pandemia, hay que decir que las fechas le pillarán en su ‘Eras Tour‘. Los días 7 y 8 actúa concretamente en Kansas City, por lo que su presencia queda descartada.

Entre los artistas confirmados en letra mediana por Mad Cool destacan los de Sigur Rós, The 1975, Franz Ferdinand, Rina Sawayama, Paolo Nutini, la nueva sensación del rock británico Nova Twins, Angel Olsen, Rüfus du Sol, Jamie xx, Years & Years, The Rose o Sylvan Esso.

Además, estarán la revelación GAYLE, Genesis Owusu, Men I Trust, Bombay Bicycle Club, Nathaniel Rateliff o, desde España, Cupido, Delaporte, Belako…

La preventa de entradas se habilitará el 12 de diciembre para abonos, y el 26 de diciembre para entradas de un solo día, mientras la venta general se abrirá el 15 de diciembre para abonos, y el 29 de diciembre para entradas de un solo día.

Alvvays hacen la mejor canción de 2022 para Pitchfork

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Pitchfork ha publicado su lista de mejores canciones de 2022, encabezada por una que probablemente no esperabas, ‘Belinda Says’ de Alvvays. Se trata de uno de los singles extraídos de ‘Blue Rev‘, tercer disco de Alvvays, aunque no el más escuchado, que es ‘Pharmacist’. Sí es una clara apuesta de Pitchfork por el indie guitarrero, en una lista no exenta de curiosidades.

El medio de Chicago no se ha podido resistir al encanto de ‘As it Was’ de Harry Styles, la canción del año a nivel comercial, que aparece en último lugar, en el puesto 100, y de Kendrick Lamar rescata ‘The Heart Part 5’, que no está incluida en su último disco. Además, Azealia Banks coloca ‘New Bottega’ en el 63: se trata de un tema que solo estuvo disponible vía descarga, y que Azealia prepara lanzar oficialmente el año que viene.

Son pocos los artistas que hacen doblete en lista. Perfume Genius aparece tanto en solitario (‘Ugly Season’ en el puesto 64) como en compañía de Yeah Yeah Yeahs (‘Spitting Off the Edge of the World’ llega al 6) pero, sobre todo, es Beyoncé la afortunada: ‘ALIEN SUPERSTAR‘ alcanza el puesto 5, convertida en clásico de culto; mientras ‘BREAK MY SOUL’ saluda por detrás, en el 56.

Volviendo al top 10, Destroyer se queda a las puertas del número 1 y ‘June’ aparece en el 2, seguida por ‘F.N.F. (Let’s Go)’ de Glorilla y Hitkidd. Rosalía también entra en el top 10 con ‘SAOKO’, que queda en el 7, y Bad Bunny lo hace con ‘Tití me preguntó’ en el 9. Utada Hikaru saluda en el 10 con ‘Somewhere Near Marseilles’, su tema de 12 minutos.

Así queda el top 10 de mejores canciones de 2022 para Pitchfork:
01.- Alvvays / Belinda Says
02.- Destroyer / June
03.- Glorilla, Hitkidd / F.N.F. (Let’s Go)
04.- Alex G / Runner
05.- Beyoncé / ALIEN SUPERSTAR
06.- Yeah Yeah Yeahs, Perfume Genius / Spitting Off the Edge of the World
07.- Rosalía / SAOKO
08.- Alan Braxe, DJ Falcon ft. Panda Bear / Step by Step
09.- Bad Bunny / Tití me preguntó
10.- Hikaru Utada / Somewhere Near Marseilles

Måneskin versionan a Lana Del Rey en directo

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Måneskin están de gira por Norteamérica y, estos días, están dando una serie de conciertos en el Hammersmith Ballroom de Nueva York. Allí, los italianos han querido homenajear a una de las artistas más icónicas nacidas en la ciudad: Lana Del Rey.

El homenaje, claro, toma forma de versión, en concreto, de ‘Blue Jeans’, uno de los singles icónicos que dejó el debut de Lana, ‘Born to Die‘. En la voz de Damiano, rasposa, ‘Blue Jeans’ se transforma en una balada de rock clásico que podría pertenecerles a ellos.

Antes de cantar ‘Blue Jeans’, Damiano explica: «Estamos en Nueva York, y esta ciudad es casa de algunos de los mejores artistas de la historia de la música. Y queremos homenajear a una en particular, porque ella hizo posible crear obras maestras en los años 2000, así que gracias, Lana».

Por supuesto, Måneskin son muy dados a hacer versiones y, en sus conciertos, no solo tocan su éxito ‘Beggin’ (original de The Four Seasons), sino que también cantan canciones de The Who (‘My Generation’) e Iggy Pop (‘I Wanna Be Your Dog’).

La cover de Måneskin llega justo en el momento en que Lana ha dado noticias musicales: ha anunciado que anunciará algo el 9 de diciembre, y se espera que confirme la llegada de su nuevo disco, pese a que hace meses le robaron las maquetas.

Por su parte, los rockeros italianos preparan el lanzamiento de su nuevo disco, ‘RUSH!’, que sale el 20 de enero. Será su primer lanzamiento tras su victoria en Eurovisión y el fenómeno que han protagonizado después. ‘The Loneliest’, el segundo single extraído del álbum, ya es su tema más popular en Spotify.

Karmento antes de Benidorm Fest y el karaoke-pachanga de Colectivo da Silva

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Ernesto Cortijo PIER fotografía

Karmento y Colectivo Da Silva se dieron cita el jueves pasado en la sala Clamores de Madrid para dar cierre al ciclo Girando Por Salas de 2022 #GPS12. Karmento, el proyecto de nuestra manchega favorita, sigue paseando los temas del brillante ‘Este devenir’ (2020) que la ha llevado hasta el Benidorm Fest, acercándola a nuevo público y quién sabe si hasta Eurovisión 2023. Porrón de vino tinto cerca, en un suelo con naranjas esparcidas, descalza, fue desplegando su espectáculo de pop folclórico, poesía y cante de la sierra del Segura.

Acompañada de Emilio Abengoza al piano o guitarra, Albany Guedez al violín y Rosi Herreros en las percusiones nos deleitó con las ampliamente conocidas ‘Cri, cri’ o ‘La manchega en la azotea’. No faltó ‘Que vuelva la magia’, ’El amor y la esfera’, ‘Marea’ ni ‘El Rancho’. La sorpresa, tal vez esperada por muchos, fue la aparición de Vicente Navarro para interpretar ‘La juventud’, que nos colocó más si cabe las emociones a flor de piel. Antes de tener que contenerme las lágrimas con ‘Esto no es una despedida’, Carmen agradeció el apoyo a la música en directo de iniciativas como Girando Por Salas e invitó a todos a no cesar en la protección de la cultura.

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Llegó el turno de Colectivo Da Silva. Los de Granada se mostraron divertidos y agradecidos una vez más de estar en Madrid. El público cantó a gritos frase a frase cada canción del show, convirtiendo el concierto en una suerte de karaoke-pachanga que todo el mundo celebraba encantado. El luminoso ‘Casa Vargas’ destelleó con ‘Invítame a tu casa’, ‘After’ o ‘Que dios bendiga el reguetón’, ese delicioso reggae que te enamora desde el primer acorde.

No faltaron los singles ‘Bolitas’ (2020), ‘1000 razones’ de su EP ‘Amor de temporada’ (2021) o el reciente ‘Quién pudiera’, una cumbia reguetonera que puso al público entero a menearse. Aunque para meneos, los que trajo el pogo en ‘Marina D’Or’ del álbum ‘Vacaciones’ (2015) o el calor con el que se recibió a la artista viguesa dani -pocos días después de haber cantado con Dorian en el WiZink Center– cuando se unió a las voces de ‘Nos vemos luego’.

Los de Granada anunciaron un pequeño descanso en los próximos meses pero que volverían a actuar en la capital en mayo del próximo año. Mientras nos apuntábamos la fecha (05/05/23 en la sala Cool) nos regalaron como bonus ‘Nena, ven a por eso’ poniendo el broche final a una noche que pone de manifiesto lo que vale la pena apoyar a las salas y a aquellos que se dejan la piel por una programación variada de conciertos al alcance de todos.

Ernesto Cortijo
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Arctic Monkeys también actuarán en Madrid

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Arctic Monkeys, una de las bandas que podrás encontrar en nuestro Anuario con lo mejor de 2022, gracias a la edición de sus canciones nuevas en el disco ‘The Car’, anuncia nuevo concierto en Madrid.

Hasta ahora sabíamos que el grupo actuaría en el Bilbao BBK Live en una fecha exclusiva en cuanto a festivales. Pero también podrás verles en un recinto a ellos solos.

Concretamente, la primera de sus dos fechas será el sábado 8 de julio de 2023 durante la celebración del festival Bilbao BBK Live y la segunda con un único concierto en el WiZink de Madrid el lunes 10 de julio de 2023. Será la primera vez en 10 años que la banda actúe en un pabellón de la capital de nuestro país. Las entradas para Madrid saldrán a la venta el miércoles 7 de diciembre a las 12h y se podrán adquirir a través de lasttour.org y seetickets.com/es.

Os recordamos que en cuanto a Bilbao BBK Live, también están confirmados junto a «los Monos», Florence + the Machine, The Chemical Brothers, The Blaze, Love of Lesbian, Albany, Baiuca, Rojuu, Playback Maracas, etcétera.

Anna of the North / Crazy Life

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How To Let Go‘ es el nombre del disco que Sigrid ha sacado este año, y ese título es también gran parte de su temática. Por ello, no deja de ser curiosa la coincidencia con su paisana Anna of the North, que en su tercer disco habla sobre lo que le cuesta superar una ruptura y dejar ir a su expareja, y encima cierra la secuencia con ‘Let Go’. Además de esto y de su país, ambas comparten similitudes en sonido y, por tanto, muchísimo público, aunque Anna Lotterud (su verdadero nombre) lleva más tiempo en esto y, si para Sigrid 2022 ha sido el año de su segundo disco, para Anna ha sido el de su tercero.

Personalmente, siempre he encontrado más interesantes las canciones de Sigrid, y los dos discos anteriores de Anna los encontraba bastante deslavazados, aunque con algunos temas muy resultones. La cosa es que, en este sentido, la cantante de Gjovik puede estar contenta: en declaraciones recientes a TheHoneyPop, contaba que su visión para ‘Crazy Life’ era “mezclar mis dos discos anteriores, coger las mejores cualidades que había en cada uno y hacer una Anna 3.0”, y puede decirse que lo ha conseguido.

Para ello, ha querido ampliar su circulo de productores: entre los créditos encontramos nombres con referencias tan distintas entre sí como las de The Saturdays (Charlie Holmes) o Nülifer Nanya (Bullion, que además es autor de ‘Bends’, uno de los mejores temas del último de Carly). Junto a ellos, The Wayvs, conocidos por su trabajo con G-Eazy o Post Malone, Oli Bayston (Foxes), Rich Cooper (Josef Salvat) o Starsmith (Jess Glynne). Con este equipo, Anna parece querer recuperarse del traspiés que fue su segundo disco, aunque luego su peor enemigo le haya diseñado la portada. Porque el lead single, ‘Meteorite’, una colaboración con Gus Dapperton, está muy bien elegido: sus voces empastan muy bien, y unos silbidos nunca están de más en el pop.

Pero lo principal que da forma al disco es su carácter cohesivo, con casi todas las canciones construidas alrededor de una ruptura que Lotterud no parece ser capaz de superar… al menos, en el día de hoy. Porque ‘Crazy Life’ empieza con ella levantándose (‘Bird Sing’) y termina con ella intentando relajándose para descansar antes de empezar un nuevo día (‘Let Go’). Y el comienzo con ‘Bird Sing’ promete: funcionan esas cuerdas y esa melodía alegre que se va haciendo agridulce a medida que descubrimos que la letra también lo es: “you go wherever you want, babe / I’ll be stayin’ right here, cheerin’ you on, babe / no one likes you / the way that I do”. Si este tema estuviese en castellano, podría firmarlo la mejor Nena Daconte.

El (poco) amor propio es también el leitmotiv de la enérgica ‘I Do You’, en la que Lotterud se pregunta qué ocurriría si se tratase a sí misma igual de bien que trata a la otra persona, una persona de la que no sabe cómo desprenderse: “if I knew how to lose you / you know I would / if I was on my side, babe / it’s like I should”. La letra de ‘Nobody’ va en la misma línea, aunque más simple. Pero eso no tiene tanta importancia cuando la canción resulta ser, como le gusta decir a mis compañeros, una chuchería pop (realmente lo es). Y así seguirá en el resto del disco: “was I the only one in love?” se pregunta en ‘Dandelion’, “I just don’t know how to do it without you” afirma en ‘No Good Without You’, etc.

Entre todo esto, destacan por sus letras ‘Living Life Right’, que se olvida de su ex (entendemos que esta vez el “you” es genérico) para centrarse en ella y en los hábitos que no le llevan a encontrarse bien (“always looking for something / to try to fix what is broken / is leaving me without hope”), o ‘Dandelion’. Ésta vuelve al tema pero ofrece un mensaje algo más positivo dentro de la no-superación (“if you love someone you should set them free / maybe one day you’ll come back to me / and you can tell me about what you’ve seen”) y un estribillo que mezcla inocencia y nostalgia y funciona como un reloj.

El disco parece contar una historia en orden cronológico, o al menos esas etapas de un día, en el que se ve una pequeña evolución en su personaje principal: ’60 Seconds’ muestra ya más aceptación y madurez, y en ‘Let Go’ intenta callar sus pensamientos invasivos diciéndose a sí misma que tiene que dejarse sentir para, poco a poco, dejar ir. En definitiva, ‘Crazy Life’ no te va a cambiar la vida ni inventa nada, pero sí aplica muy bien fórmulas aprendidas por Lotterud, que publica su mejor disco, aunque precisamente su sobredosis de intensidad/patetismo pueda ahuyentar a más de uno. La cosa es que, si aceptas que eso es lo que te vas a encontrar, lo que se cuenta en ‘Crazy Life’ resulta bastante auténtico, aunque el pluscuamperfecto pop nórdico no nos lleve a esa palabra.

Los Punsetes: «Los videoclips son muy caros y empieza a decaer bastante su utilidad»

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Los Punsetes acaban de lanzar su séptimo disco, titulado ‘AFDTRQHOT’ (Al Final Del Túnel Resulta Que Hay Otro Túnel), y es nuestro Disco de la Semana. Hemos hablado con Jorge García y Manuel Sánchez, guitarristas de la banda, sobre la gran novedad prog rock en su discografía que es ‘OCULTISMO’, la situación del videoclip en España, el término «indie» y las punzantes letras de canciones como ‘ESPAÑA CORAZONES’ y ‘CERDOS’.

Para este séptimo disco, ¿ha habido alguna novedad en vuestro proceso de creación o algún nuevo reto?
Jorge: No, nosotros no solemos hacer las cosas con una intención a priori. Vamos sacando las canciones y dejamos que se impongan y que nos lleven ellas. Excepto ‘OCULTISMO’, que sí que es una canción que tienes que plantear un poco más. Lo demás es todo dejarnos llevar por lo que la canción nos va pidiendo.

Ese primer single del disco, ‘OCULTISMO’, dura 9 minutazos, algo que no es nada común en vosotros. ¿Cómo surgió hacer una canción así? ¿Por qué decidisteis sacarla como primer adelanto?
J: Teníamos esta fantasía que era la de hacer una canción como ‘Siberian Breaks’ del segundo disco de MGMT, que es básicamente eso, una canción de 12 minutos con varias partes que no se repiten. Y yo le decía a Manuel: «Hostia tío a ver si algún día hacemos alguna así, bien loca», pero nos parecía un poco inviable realmente. Y bueno, un día estábamos en el local con las dos primeras partes de la canción e hicimos lo que cualquier persona haría, que es que después de tocar la primera parte rápida y la segunda lenta, pues volver a la rápida otra vez. Y fue como: «Esto es una puta mierda, no va a molar…» Y ahí sí que pensamos en hacer una tercera parte a ver qué pasa. Nos fuimos a casa con la idea de añadirle más partes, incluimos algunos trozos y empezamos a ver que los podíamos pegar. Luego ya fue cuestión de ir probando en el local con los enlaces y las transiciones. Ya cuando la teníamos más o menos hecha parecía una buena idea sacar una canción tan diferente como adelanto. Básicamente, porque hemos sacado tantos singles de tres minutos, que están bien, que pensábamos que iba a ser más llamativo entrar por otro lado.

¿Vais a probar a hacer más canciones así en el futuro o es una primera y última vez?
J: No lo sé, hay alguna canción en el disco como ‘QUE TE VAYA MAL’ que también tiene una estructura un poco más rebuscada. Creo que puede ser un buen camino para hacer más cosas, a mí me gustaría, pero no es fácil encajar tantas cosas y que te quede tan bien.

Una frase de esta canción además es la que da nombre al disco, la de ‘Al final del túnel resulta que hay otro túnel’. ¿Por qué os quedasteis con esta frase de título y no “España es lo que me salga de los cojones”?
Manuel: Creemos que define mucho mejor el espíritu del disco, la verdad. De hecho, estuvimos dándole vueltas a hacer un título más corto, tipo ‘El túnel’ o algo así, pero no nos acababa de convencer y la frase en sí era demasiado larga. Estábamos de acuerdo en que define muy bien el disco, pero era muy larga, y ahí a Jorge ya se le ocurrió lo de las letras.

Lo de que no se pueda pronunciar bien es un poco para joder, ¿no?
M: El otro día leí una cosa muy bonita en Internet. Un chico en Twitter decía que el título era como si le hubieses dado una hostia al teclado (se ríen).

En el aspecto promocional de la canción, ¿a quién se le ocurrió la maravillosa idea de convertir la canción en un videojuego?
M: Intentamos que varios colegas cineastas nos hicieran un vídeo, y cuando ya íbamos por el tercero que nos dijo que sí pero que al escuchar la canción dijo que era imposible, nos encontramos en un callejón sin salida. Entonces, Luis le hizo honor a su fama y fue idea suya totalmente. En cuanto lo dijo, se nos iluminaron los ojos, la verdad.
J: Pasado el momento en el que todas las canciones tenían que ir con un puto vídeo, que ha hecho que el mundo se llene de vídeos pochísimos y que haya un montón de basura audiovisual por ahí, cosa en la que hemos caído ocasionalmente, Luis ya empezaba a estar realmente saturado.
M: Yo creo que ha habido un momento muy brillante del videoclip, sobre todo en España, pero la gente ya no lo recibe con tanto interés ni sorpresa. Son muy caros y creo que empieza a decaer bastante su utilidad y su peso. Tampoco tiene sentido gastarte más pasta en hacer el videoclip que la que te has gastado en producir el disco.

«Los videoclips son muy caros y empieza a decaer bastante su utilidad»

Vamos a hablar sobre ‘ESPAÑA CORAZONES’, otra canción que presenta el disco. ¿La canción va sobre la crispación política actual? ¿Es una conversación de bar?
M: Es sobre la crispación política, yo la entiendo así, o así surgió. Trata sobre esta idea de España como arma arrojadiza y excluyente que es tan apestosísima y que saca a tanta gente de las cosas buenas que puede tener la palabra, el concepto y demás.

¿Cómo se os ocurrió la idea?
M: A mí me gusta mucho la política y la mesa política y… pues indignado. Sobre todo esa cosa de que España es lo que le salga de los cojones al que habla, como si fuera así, me molesta mucho.

«Con más tontos que listos, con más fuerza que maña” ¿Creéis que hay muchos idiotas en España?
M: En realidad no va por ahí, va porque la prioridad de una parte de España saca fuera muchas veces a los artistas y a los intelectuales y es una España muy cazurra. Esa es la España que defiende los toros. «Abajo los intelectuales» y «muerte a la inteligencia» decían los franquistas, ¿no?

¿La España cazurra es la España de la derecha?
M: Bueno, no generalicemos. Hay mucha gente de derechas que no es así, pero luego hay gente que es así y es de derechas, eso está claro. Generalizar siempre es un poco peligroso, y a mí no me gusta.
J: Una cosa muy importante de la canción es que no cae en el posicionamiento. Expone una realidad en la que a mucha gente le sobra la otra mitad de España, tanto desde un lado como desde otro, pero no se sitúa en ninguno de los dos sitios. Es algo en lo que es fácil reconocerse. Expone un concepto que es fácil de entender, pero no tan fácil de escribir de una manera directa, clara y divertida.

En ‘CERDOS’ decís: «Todos los cerdos deben morir, está muy caro el alquiler en Madrid». Seguro que os habéis encontrado con algún propietario cabrón por Madrid, ¿no?
M: Sí, los caseros… Pero vamos, que no es una canción contra los caseros, ¿eh?
J: La canción es como una acumulación de frases que pretenden ser un poco obvias: la luna es blanca, el cielo es gris, está muy caro el alquiler en Madrid. Son cosas que no admiten contestación.

¿Y la de «tus amigos se merecen estar muertos»?
J: Si eres un cerdo, tus amigos probablemente también lo sean y deberíais estar muertos todos (risas).
M: Tengo que decir que Jorge quería incluir el nombre personal de una empresa y mi nota fue quitárselo, porque si no íbamos a acabar en la Audiencia Nacional.
J: Cuando nos separemos y escribamos la biografía ya ponemos todos los nombres y apellidos a las canciones, no pasa nada.

¿Os ha pasado más veces lo de tener que cortaros un poco al escribir?
M: Para mí no es cortarse, ¿eh?
J: Cuando Manu nos propuso quitar este nombre, realmente hay un argumento bastante imbatible. Dar un nombre implica un contexto y el contexto con los años se pierde y deja de tener importancia, y al final es hacer la canción un poco más pequeña de lo que es. Si la dejas abierta haces la canción un poco más atemporal.
M: Aparte, la agresividad sería real. La canción puede ser agresiva, pero nadie lo está siendo. Eso también es importante.

Hay quien dice que el viejo indie está muriendo tras la pandemia, ya que entre otras cosas no se podía quedar a ensayar ni nada. También que si la venta de entradas de este tipo de grupos ha disminuido… Vosotros que estáis metidos de lleno en el mundillo, ¿Cuál es vuestra visión al respecto?
J: Yo no estoy nada de acuerdo con eso. Hace dos semanas estuve viendo a Yawners y luego vi a Cariño con 2300 personas en La Riviera, y eso no lo veo. Lo que creo más bien es que empieza a haber un poquito de saturación de minigrupos de tirar un ritmillo, cantarse cuatro cancioncillas por encima… De esta cosa de nuevo pop derivado del rap que hay trillones de grupos muy parecidos. Hay momentos mejores y peores, pero depende más de que coincidan mejores grupos que de otra cosa.

«Hay grupos de guitarra que lo han petado muchísimo, siendo buenos; hay grupos de guitarra que lo han petado muchísimo siendo una basura que flipas y luego hay grupos pequeños a los que nos va mejor o peor independientemente de que sean mejores o peores»

¿Entonces crees que el verdadero problema del indie español es que hay demasiados grupos similares?
J: El problema del indie español no sé cuál es. Depende también de lo que cada uno piense cuando dice «indie español». Si me vas a decir que Viva Suecia es un grupo como nosotros, o IZAL, pues la conversación se va por caminos extrañísimos. Hay grupos de guitarra que lo han petado muchísimo, siendo buenos; hay grupos de guitarra que lo han petado muchísimo siendo una basura que flipas y luego hay grupos pequeños a los que nos va mejor o peor independientemente de que sean mejores o peores. Llevamos muchos años hablando de indie y es difícil saber ahora mismo a lo que se refiere la gente cuando dice indie. Yo digo indie y pienso en los sellos indies de los 80. Ahora la gente te dice indie y está pensando en Viva Suecia, que es una cosa que no tiene mucho que ver, desde mi punto de vista.

Es como que ahora el indie más que ser una palabra para referirse a «independiente», se ha convertido en un género de música aparte.
J: Es que es un término que yo, si fuera periodista, no lo utilizaría porque ya me parece confuso y difícil de definir.

¿Qué término utilizarías?
J: Depende a lo que me estuviese refiriendo.
M: ¡Agro indie!
J: Si utilizas indie refiriéndote a la independencia de los sellos, pues bueno. Incluso Sonido Muchacho se te empieza a quedar fuera del indie por sus alianzas con Universal. Yo si hablo de Los Punsetes siempre digo que somos un grupo de guitarras o directamente un grupo rock, porque a la gente como que le molesta ese término y me hace gracia.
M: Yo digo que somos un grupo underground.

No quiero que os retiréis ni nada, es solo por curiosidad, pero si tuvieseis que pasarle la corona a alguien, ¿quién creéis que podría ser vuestro relevo generacional?
M: El problema de eso es que todos nuestros relevos generacionales ya tienen más público que nosotros (se ríen). Gracias a Dios, a los grupos que dicen «nos gustan mucho Los Punsetes» normalmente les va mejor que a nosotros, o sea que es buena señal.

SZA confirma la fecha de publicación de ‘SOS’ en SNL

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SZA, uno de los grandes valores del R&B estadounidense, ha confirmado al fin la fecha de publicación de su nuevo disco. ‘SOS’, el sucesor de su debut ‘CTRL‘ 5 años después llegará este mes de diciembre, como se rumoreaba, justo antes de la Navidad. Su portada recuerda a aquellas famosas imágenes en un yate de Lady Di.

Saldrá el 9 de diciembre, perdiéndose ya muchas de las listas de lo mejor del año, que como es el caso de Rolling Stone, ya se han publicado o mandado a imprenta.

SZA ha confirmado la noticia en Saturday Night Live, donde ha interpretado su single actual, ‘Shirt’ y también otro nuevo llamado ‘Blind’ que aún no se ha publicado. ‘Shirt’ ha sido top 11 en Estados Unidos y número 17 en Reino Unido, además de top 18 en el Global de Spotify, donde ahora mismo se encuentra en el número 157.

Björk despide a los moribundos en ‘Sorrowful Soil’

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Björk ha publicado un vídeo para otro de los temas de ‘Fossora‘, que reincide en la temática del álbum: la muerte y la naturaleza. La canción escogida es ‘Sorrowful Soil’, una de las dos que hablan del fallecimiento de su madre, aunque esta fue escrita dos años antes. El vídeo hace una analogía entre la maternidad y la lava de un volcán. En concreto, entre la ovulación y un volcán, pues parte de la letra recalca que de los 400 óvulos de una mujer en toda su vida, solo salen «2 o 3 nidos». Hay que recordar que otra de las canciones de ‘Fossora’ se llama ‘Ovule’.

La cantante islandesa detallaba en las notas generales de ‘Fossora’ que aquí había querido trabajar con 9 voces en lugar de las 4 habituales (soprano, alto, tenor, bajo), lo que provoca esas sonoridades tan particulares.

Aunque para particular esa letra. Cuando el abuelo de Björk iba a morir, la cantante encontró en el hospital un panfleto sobre cómo hablar a los seres queridos a los que queda poco tiempo. «Me encantó lo genérico y lo universal que era», explica la cantante, que por este motivo termina la letra de la canción diciendo: «hiciste las cosas bien, lo mejor que sabías».

Escucha nuestro podcast sobre ‘Fossora’

‘Miércoles’ viraliza involuntariamente ‘Bloody Mary’ de Lady Gaga

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‘Miércoles’ está siendo un gran éxito en Netflix. La serie sobre la hija de la Familia Addams en la Academia Nunca Jamás se ha convertido en el mejor estreno de la plataforma, superando a la cuarta temporada de ’Stranger Things’ y 2 semanas después de su estreno, continúa en el número 1 de la plataforma. Tim Burton ejerce de productor ejecutivo y ha dirigido la mitad de los episodios.

Las canciones que suenan están viviendo una segunda vida, como ha pasado en varias ocasiones con ‘Stranger Things’, siendo el de Kate Bush el ejemplo mayúsculo, o también con ‘Euphoria’. El tema de The Cramps ‘Goo Goo Muck’ se ha destacado gracias a una coreografía, y está siendo muy buscado en Shazam, pero por circunstancias de la vida está llegando mucho más lejos ‘Bloody Mary’ de Lady Gaga. Era uno de los temas que no fueron singles de su álbum ‘Born this Way’.

Curiosamente, la canción de Lady Gaga no llega a sonar en ningún momento del show. Las recopilaciones sobre toda la música que suena en ‘Miércoles’ incluyen a Magdalena Bay, Beach House, Blonde Redhead, Chavela Vargas o Édith Piaf, pero nunca a Lady Gaga.

Quizá por el parecido entre Miércoles y Gaga, la gente ha cogido el baile de Miércoles bailando a The Cramps, le ha plantado una versión acelerada de ‘Bloody Mary’ encima y el asunto ha encantado en TikTok. Además, Lady Gaga se ha sumado a la tendencia a través de las redes sociales.

‘Bloody Mary’ no deja de subir desde entonces en las plataformas de streaming, siendo ya número 45 en el Global de Spotify, destacando el número 1 conseguido en Lituania y la aceptación lograda en Alemania, Italia, Francia, Reino Unido o Canadá, donde es top 100 de Spotify. La tendencia no ha llegado a España, pero parece cuestión de días que lo consiga. De momento, el tema suma 74 millones de streamings en esta plataforma, llegando ya al top 10 actual de la cantante.

Podcast: 10 años de ‘Born This Way’

«Si yo no hubiese hecho ‘Autodefensa’, también diría que es otra serie de pijas drogadictas sin haberla visto»

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Kiku Piñol

Esta semana, Filmin ha estrenado una de sus mayores apuestas hasta el momento. ‘Autodefensa’, creada por Berta Prieto, Belén Barenys y Miguel Ángel Blanca, te horrorizará o te encantará, porque -aunque suene a tópico- no hay punto medio en una serie de la que la propia Berta dice que “si no fuese mía, yo también diría que es otra serie de pijas drogadictas sin haberla visto”. Pista: no lo es, y su autoconsciencia ayuda ahí. Hablamos con Berta y Belén de eso pero también de muchas otras cosas en una entrevista que, como la serie, piensa que “filtros” es lo que se le pone a la cafetera.

“I have no power, but I’m filled with opinions” decía Fran Lebowitz en ‘Pretend It’s A City’, una de las producciones menos Netflix (AKA más libres, luego hablaremos de eso) que ha salido de Netflix. Y desde luego ellas también están llenas de opiniones: son unas entrevistadas muy generosas, que es el clásico eufemismo para decir que son una ametralladora de frases lapidarias, jardines varios y mil contradicciones, componiendo así un discurso muy interesante con el que presentan la que, al menos para mí, es la mejor serie española que se ha estrenado este año.

Berta, subiste hace poco una captura de alguien diciendo en Twitter sobre el trailer de ‘Autodefensa’: “otra serie de pijos… ya nos hemos enterado de que folláis y os drogáis”. Tú misma pusiste en la captura “me encanta porque es lo que yo estaría diciendo de mi serie si no fuese mi serie”. Así que vamos a empezar fuerte: ¿es ‘Autodefensa’ una serie de pijos? ¿O qué responderíais a quienes piensan eso?
Berta: Bueno mira, y eso fue el día del trailer, pero hoy no sé qué ha pasado con el trailer que ha empezado a viralizarse a pesar de lanzarse unos días atrás, y hemos visto hace un rato un montón de tuits de que la gente nos odia y nos dice pijas y drogadictas y tal. Si yo no hubiese hecho esta serie, yo soy súper criticona, habría dicho esto 100%. Es lo que se ve en el trailer y es lo que te puedes imaginar y es el prejuicio y tal. Yo creo que, cuando vean la serie, no pensarán eso. Y si piensan eso tras ver la serie, es que me parecen idiotas. Pero sí, lo habría dicho 100%, y súper rabiosa, entiendo el mood de criticar desde estar súper enfadada en tu sofá.
Belén: Creo que son críticas desde el prejuicio, yo también pienso que, mucha de la gente que ha criticado el trailer, si viera la serie, le gustaría.

Entiendo que vuestros personajes se parecen a vosotras, pero no sé si es que SOIS esos personajes, o es más una versión exagerada de vuestras personalidades. Lo digo porque en ese caso igual os tocan un poquito esas críticas tan feroces.
Berta: Somos nosotras. Hay cosas exageradas, pero somos nosotras.
Belén: No son todas las caras ni todas las facetas de nuestras personas, obviamente, pero somos nosotras. Igual hay aspectos que en según qué capítulos están más parodiados, pero la base somos nosotras, no nos hemos puesto a inventarnos unos personajes con unos objetivos y unos tal. Somos nosotras.
Berta: Pero, a pesar de que seamos nosotras y hayamos puesto nuestra intimidad, nuestros amigos, nuestra casa, nuestros conflictos personales, no creo que eso haga que nos tomemos las críticas más a pecho que en otro proyecto. Al menos a mí…
Belén: Sí, sí, total. Nos importa más la crítica como artistas y como creadoras que como personas.
Berta: Sería muy narcisista: “no les caigo bien a la gente de Twitter, jooo, voy a llorar”. Me la suda que no te caiga bien, ya tengo a mis amigos, no he hecho esta serie para hacer amigos ni para caer bien. Lo que me jode es que no guste la serie, no lo otro.

Pensando en el capítulo en que llamáis a gente para “pedirles perdón” de una forma súper condescendiente… no sé, yo diría que no estáis pensando en dejaros bien a vosotras, sino en reíros de vosotras. En ese sentido, más que la similitud que se os está diciendo con ‘Cardo’, me recuerda a ‘Girls’.
Berta: Claro, o sea, es cierto que criticamos y ponemos sobre la mesa muchos temas polémicos, pero a las que cuestionamos todo el rato es a nosotras mismas. Esta serie no es una chapa moral ni pretende ser pedagógica ni hablando en el nombre de nadie… somos súper honestas con lo que somos nosotras. Si me dices “pija”, pues pienso que sí, que quizás lo soy, o quizás no, no sé, pero es que yo misma me estoy haciendo esa crítica y lo estás viendo en este capítulo. Si me dices “frívola”, es como: ya, ya lo sé.

¿Las situaciones y tramas son también autoficción? ¿O algunas son llevadas al extremo aunque partan de una base? Pienso en cosas como ese capítulo 2…
Belén: No todo es real. Somos nosotras, somos nuestros amigos y es nuestra casa, pero muchas tramas son ficcionadas. No, lo del escritor no ocurrió de verdad, que el otro día me lo volvió a preguntar una chica (ríe) Y otras son basadas en situaciones que nos han pasado pero exageradas por mil.
Berta: Aunque los traumas y las cosas que contamos sean un sentimiento real nuestro, porque es una base que parte de nosotras, todo está ficcionado, porque si lo contáramos todo tal cual ocurre no tendría sentido el guión, ¿no? En plan, nunca es tan perfecta una trama en mi vida como para que sea un capítulo literal…

¿No? A mí la realidad a veces me ha regalado joyitas en ese sentido.
Berta: No, ya, si también… (ríe) Aquí en cierto modo ha pasado. Pero en general hemos hecho eso, aunque ojalá fuese todo en nuestra vida así, entonces no tendríamos que rompernos la cabeza en cómo contarlo. Aunque, ¿sabes qué? Lo del escritor por ejemplo no ha pasado, pero podría pasar. Y luego hay otro capítulo en el que quedo con un pavo y pasa una cosa con un ukelele, no voy a decir mucho porque ese es de la segunda tanda, y ese personaje es real, fue un pavo de Tinder que conocí. Y podría pasar eso, pero no ha pasado, pero ojalá pasara. Mola mucho pensar que todo es de verdad, porque estamos en un momento en que la gente está obsesionada con proteger su intimidad, su privacidad, su yo, sus entornos, etc, y nosotras tenemos cero ese pudor. Me parece que eso es un pudor… eso sí que me parece súper pijo, tenerte en tanta consideración que crees que tu intimidad es un valor.
Belén: También porque es curioso que en el momento actual se juegue mucho, por ejemplo los tiktokers, con la sobreexposición en redes, que hacen un reality de su vida, pero luego en los medios artísticos como cine, música y series, hay como esta compuerta cerrada hacia la vida de uno mismo. Creo que nuestra serie hace un poco de puente entre un lenguaje más tradicional y una realidad actual que es esa, que tu intimidad es el juego y es tu moneda de cambio.
Berta: No tiene ningún sentido que hablemos de intimidad en un momento donde todos tenemos redes sociales. O sea, tiene sentido, pero vamos a hablarlo de verdad, ¿no? No vamos a hablarlo como si mis tetas fuesen aquí… que no es solo por las tetas, pero no sé, me parece más íntimo expresar lo que pienso haciendo esta serie que no las escenas de sexo o desnudos.

«Me parece súper feminista enseñar una polla»

De hecho, el sexo y los desnudos están muy presentes en la serie, como cierto melón del capítulo 1: sigue siendo rarísimo que veamos una polla en una serie española, y más una polla empalmada (sin ser prótesis), como es el caso ahí. ¿Fue una de las cosas en las que pensasteis que Filmin os iba a dar un toque, como habéis dicho en la rueda de prensa? ¿Y cómo lo llevó Daniel Rived? No es nada común que un actor se preste a esto en algo audiovisual más mainstream. Ya lo de Àlex Monner en ‘Gang’ llamó la atención por lo mismo.
Berta: Es que Daniel fue súper generoso, y entendió muy bien el proyecto que estábamos haciendo y a lo que estábamos jugando, se lo dijimos y tal, y él nos decía “no, no, si éste es el juego, y si vosotras vais a estar enseñando las tetas y el coño, yo pongo lo mío a vuestra disposición”. Creo que es súper de agradecer, y que no habríamos encontrado tantos actores dispuestos a enseñar la polla literal, igual que no hay tantas actrices dispuestas a enseñar el coño literal. Las actrices están más sexualizadas en general, estamos más acostumbradas a ver desnudos femeninos con un punto de vista súper objetificado, hacia la actriz y hacia los personajes femeninos. Entonces también por eso era importante enseñar la polla del Rived, ¿sabes? Me parece súper feminista enseñar una polla. También hay mucho pudor entre las actrices por enseñar el cuerpo porque viene de una tradición de abusos súper larga. Las actrices están cagadas, y amigas mías actrices están cagadas de enseñar el cuerpo por si eso lleva a otra cosa, porque tenemos una trayectoria de experiencias horribles con esto.

“Las actrices están cagadas con enseñar el cuerpo por si eso lleva a otra cosa”

De todas formas, al final la gracia no es enseñar una polla por enseñar una polla y “jaja, qué gamberras”, sino porque, de la manera en que estamos contando esta historia y de la manera en que nos estamos exponiendo, no tiene sentido que de repente haga un plano siendo sutil y falseando esto. Porque nosotras no somos sutiles. Y no sé… ¿qué has dicho, que qué tal Daniel? Daniel es el puto amo.

Es brillante el diálogo que tenéis ahí entre tu personaje y el de Daniel, cruzando ambos líneas rojas constantemente, lo que se consigue poner sobre la mesa en esa secuencia, y con ese patetismo y ese humor incómodo todo el rato.
Berta: Eso lo pensamos mucho a la hora de construir ese monólogo. Nos preocupaba mucho ese capítulo porque queríamos hablar de muchas cosas. Sí que hay muchas líneas rojas que cruzamos en este tema.
Belén: Eran varios objetivos. Por un lado queríamos hablar de cómo muchas veces el sexo es aburrido y tenemos la necesidad de enrollarnos con alguien y luego pararlo, porque no nos satisface tanto como el ligoteo en sí. Y también sacar a la luz el tema de la cancelación.
Berta: Sí, y no tanto eso, porque a él como que le da mucho miedo la cultura de la cancelación, pero la cosa es que en esa escena yo le digo que pare, y él para. Y le ralla que yo le haya dicho que pare, pero no por quedarse sin follar, sino porque eso ya le pone a él en un lugar de “oh Dios, quizás he abusado de ella”. Creo que los hombres nos dan la razón como a idiotas porque tienen miedo de ser tachados de machistas, o de ser cancelados o de tal, pero en ningún momento se hace el ejercicio real de reflexionar sobre tu masculinidad. Esa secuencia es como: has venido aquí a llorar y, realmente, si lo hubieras pillado, sabrías que no hay ningún problema. Yo te dije que pararas, y tú paraste, tío, está todo bien. Aprendimos mucho haciendo ese capítulo.
Belén: Y también es una burla.
Berta: Total, es que, ¿cuántos hombres se ponen a lloriquear como de que…? Se pasan la vida llorando los hombres. No paran de llorar.

Otro de los aspectos más llamativos de la serie, y evidentemente más tratándose de Jenesaispop, es la banda sonora. El piloto se cierra con ‘No te puto pilles’, de Pantocrator, sin ir más lejos. ¿Nos podéis adelantar algo de la BSO de los próximos cinco episodios?
Berta: Que salen canciones de MEMÉ, las mejores canciones de España.
Belén: (ríe) No te sé decir ahora nombres concretos, pero sí que me hubiera gustado que saliesen más canciones, pero me he dado cuenta de que es muy complicado elegirlas…
Berta: Muy caro. Sobre todo es muy caro.
Belén: Pero sí que queríamos que fuese música de gente de nuestra generación, representativa de nuestro entorno, de nuestro momento, etc. Que no fuera la típica serie de Netflix que te cuela la canción del top 1 de España…
Berta: Sí, Rigoberta Bandini, por ejemplo (risas) Pero está guay lo de Pantocrator, por ejemplo, porque son colegas, o la Cooba, que no es tan conocida y es de Barna y nos encanta. Y luego hay gente como rusowsky que bueno, nos ha costado una puta pasta, pero era importante, o Bad Gyal, que imagínate también. Hay un mix de describir la música de la generación, y también dar voz a colegas y a artistas más pequeños de Barcelona. Porque la serie también va de eso, de que nosotros tampoco éramos nadie antes, Miguel Ángel nos encontró por Internet, y Filmin ha hecho esta apuesta.

Ya que has mencionado antes las canciones de MEMÉ, me gusta mucho el final del episodio de la ansiedad, en el que Belén acaba calmándose mientras compone contigo. Un momento muy tierno solo minutos después del momento en que la estás grabando para sus seguidores mientras tiene un ataque de ansiedad.
Berta: Eso es una crítica a la gente que hace como estas reivindicaciones por Instagram de expresar tus sentimientos y llorar y tal. Se aplaudió mucho lo de Bella Hadid llorando, ¿no? De repente. Qué puto palo, loca. Ya lo sé que lloras, tía, me imagino, como todo el mundo. Pero mucha gente cree que colgarse vulnerable en redes es una lucha, y me parece una lucha de mierda. Eso sí que me parece súper pijo, mira. Reivindicar la salud mental es otra cosa. No es Bella Hadid llorando. Pero a la vez Belén se pone a sí misma haciendo eso, no es como que hagamos un speech de lo mal que nos parece que la gente haga tal o cual. La crítica está en que nosotras también somos eso.

“La gente que cree que colgarse vulnerable en redes es una lucha… pues vaya lucha de mierda. Eso sí que me parece súper pijo. Reinvidicar la salud mental es otra cosa”

En la rueda de prensa has dicho como que no tienes pedir permiso y soltar “oye, ¿puedo contar mi historia?, que es que tengo un trauma”, sino que deberías poder contarla y punto. Vale, pues voy más allá: ¿creéis que a los creadores se les pide hablar de cosas super íntimas y desagradables para darles una oportunidad? Como que estamos obligados a monetizar nuestras mierdas si queremos llegar a algo.
Berta: (ríe) Cien por cien.
Belén: Es como esto que decíamos de los creadores de TikTok que exponen tantísimo su vida y sus relaciones, me perturba un montón.
Berta: Es que es una moneda de cambio.
Belén: Sí, es que su trabajo, su modo de vivir, es ése. Es como que cuanto más te expones, más recibes, tiene un valor exponerte y no reservarte tu intimidad.
Berta: Y no ya influencers y tal, sino lo que decías sobre creadores. Y creo que está relacionado con que a nivel de ficción estamos en un momento como muy morboso, no se le da tanto valor a lo que es bueno o a lo que es malo, o a una mirada que mole, sino a qué es más traumatizante. Del palo: “es una película de mierda, pero como es una película de refugiados mutilados y violados, es buenísima”. Y a lo mejor es una película de mierda, ¿no? Y quizás yo soy una creadora de mierda. Pero como soy mujer, ya me respetas. ¿Por qué? A lo mejor lo he hecho fatal, y a lo mejor mi serie es una mierda. A lo mejor me han violado, y te cuento en mi serie que me han violado, pero te lo cuento de una forma asquerosa. No estamos en el mercado de los traumas a ver quién está más traumatizado y quién tiene más potestad de hablar, o no deberíamos. Para mí tiene más potestad de hablar quien hable mejor. Esto no es una democracia, esto es un trabajo. Y sobre todo en mujeres está el tema de que parece que las mujeres solo puedan hacer esta autoficción intimista y traumatizada, porque así se ganan el derecho de tener voz. Yo he hecho una serie y no tengo que justificarme ni pedir permiso. Si luego no te gusta, pues estupendo. Este tema me parece que crea espectadores gilipollas, y con un punto moralista también, ¿no? Voy a ver una película de negros traumatizados y mutilados, y la película es una mierda, pero no puedo decir que lo es, porque, ¿qué va a pensar la gente de mí? No, voy a decir que está fenomenal, y así además me sentiré muy bien volviendo a mi casa después de haber visto este cine social tan importante. Pues me parece que eso hace un flaco favor a la cultura; la cultura no tiene que ser educativa ni moralizante, tiene que ser buena, y ya está. Uy, qué speech me he marcado de repente.

Tenía algunas preguntas para Miguel Ángel, que como le vi antes por aquí, pero…
Berta: Se fue, ¡pero igual te podemos responder alguna!

Pues mira, ésta igual sí. ¿Se animará a ponerse delante de la cámara con vosotras en -si la hay- la segunda temporada? Si es que no sale ya en los capítulos restantes de ésta.
Berta: (ríe) Es un cagado, tío, le hemos dicho mil veces que salga, y qué va.

“Parece que las mujeres solo pueden hacer autoficción intimista y traumatizada para tener voz”

En el coloquio tras la presentación en el Festival de Sevilla, dijisteis que el título antiguo de la serie (‘Las Mamarrachas’) era “como muy de serie de Flooxer”. ¿Creéis que ‘Autodefensa’ podría haber salido en Flooxer? ¿O en Atresplayer?
Ambas: (ríen y acto seguido sueltan un sonoro…) NO.
Belén: No podría haberse hecho en ninguna parte que no fuera Filmin. Es la única plataforma en la que encaja, no quiero ponerme en plan “oda a Filmin”, pero es una suerte que exista Filmin, la verdad. Es una suerte que exista una plataforma que tenga tanta libertad, es un valor muy grande.
Berta: Filmin es una suerte para la cultura audiovisual. Porque vamos, en Atresplayer seguro que no, y en Flooxer, ¿qué es eso? Y claramente en ninguna cadena de televisión se hubiera hecho esta serie, o sea, en TV3 olvídate mil años, etc. Y es asqueroso, que tengamos tan claro que no se podría haber hecho en otro sitio es un problema. No se puede hacer en otro sitio porque planteamos cosas de las que no se quieren hablar. Y no porque nosotras seamos unas abanderadas de nada, sino porque lo que se está haciendo es súper buenista y super blanco. Nuestra serie no es tan rara, lo raro es que no se pueda hablar de esto.

“’Autodefensa’ no podría verse fuera de Filmin porque plantea cosas de las que no se quiere hablar,

Gracias por el titular.
Berta: Las demás son unos putos cyborgs quedabien. (sonríe) Ahí tienes otro titular.

¿Alguna cosa de la que queráis hablar que se me haya quedado en el tintero?
Berta: Qué va, ha sido muy chulo, la verdad. (piensa) Bueno…
Belén: Dale, tía.
Berta: A ver… en Jenesaispop nos odian, ¿no?
Belén: Uf, yo quería decir que publicasteis una noticia sobre mi primera canción, y creo que en mi vida he recibido tantos comentarios negativos como en esa noticia (ríe) Pero no es culpa vuestra, obviamente.

‘Autodefensa’ está disponible en Filmin con sus cinco primeros episodios. Los cinco siguientes, con los que se cierra la primera temporada, se estrenarán el 6 de diciembre.

Maya Hawke / MOSS

Hace un par de años os hablábamos de cómo Maya Hawke, Robin en ‘Stranger Things’ (AKA el personaje de ‘Stranger Things’ que sí es abiertamente gay y no del que sus creadores llevan soltando miguitas desde la primera temporada), se había adentrado en el mundo de la música, dejándonos canciones que no estaban nada mal, como ‘To Love A Boy’ o ‘Generous Heart’, contenidas en su debut ‘Blush’. Pues bien, Hawke ha seguido publicando temas como ‘Baby Hippo’, y finalmente este otoño ha dado a luz a la continuación de ese ‘Blush’, titulada ‘MOSS’.

En declaraciones a NME, la estadounidense cuenta que las canciones están escritas como si viniesen de su yo adolescente, pero con la madurez de ahora (“al final es como cuando en los castings te cogen con 16 años y te dicen que hagas de un personaje de 14; partes con esa ventaja”), y que, si en ‘Blush’ las inseguridades le hicieron ir sobre seguro y ceñirse a lo acústico, aquí se ha quitado esas limitaciones: “en el debut no quise ni poner reverb en mi voz… ahora he aprendido que tengo que equivocarme, tengo que aspirar a sonar como realmente querría sonar, aunque eso signifique ponerme en ridículo por intentarlo demasiado”. Y la lección se ve en ‘MOSS’.

De hecho, Hawke avanzaba ya el disco desde los primeros meses del año con la estupenda ‘Thérèse’, inspirada en un cuadro de Balthaus y una de las más interesantes de este trabajo en cuanto a sonido: se mezclan el folkpop de artistas como Soccer Mommy o Lucy Dacus con cuerdas a lo Sufjan, o de repente aparecen unas distorsiones que a quien recuerdan es a Phoebe Bridgers. Pero ojo, porque la principal influencia que Hawke cita para hacer este disco ha sido… ‘folklore’ de Taylor Swift. Y no está muy traída por los pelos esa referencia, porque Hawke demuestra también un olfato para la composición que, sin llegar al de la autora de ‘Getaway Car‘, merece que le dediquemos nuestra atención.

‘MOSS’ vuelve a venir de la mano de Mom+Pop, sello de Hinds o Courtney Barnett, y está producido por ella misma junto a Jonathan Low, que ha trabajado para Mr Twin Sister, y Benjamin Lazar, que ha hecho lo propio con Kimbra. Con estos mimbres, Hawke construye un disco mayoritariamente folk pero en el que hay espacio para el dream pop, la electrónica en general, momentos más bedroom pop, etc, y que en general mantiene en todo momento una atmósfera mágica, presente en temas como ‘Mermaid Bar’.

La joven lo acompaña además de letras en las que mezcla metáforas con sentimientos amargos expresados de forma muy sencilla, como ocurre con ‘Luna Moth’, que parte de la muerte de esa polilla para llegar al corazón roto de “I don’t need anyone to hurt me / I can do that myself / I don’t see why you would want me / If I could, I would be anybody else”. Otro ejemplo es ‘South Elroy’, con la rabia escondida dentro de una melodía alegre y bastante más uptempo (casi se puede cantar por encima eso de “so she said what’s the problem baby / what’s the problem I don’t know”).

‘Driver’ vuelve a demostrar el talento compositivo de Maya Hawke, con una identificación entre su ex y su padre que, lejos de ser turbia, lo que arroja es una conclusión madura y construida con mucha belleza: “I imagine my mum and dad / loosely necking in the back of a taxi cab” o “thinkin’ of you makes me happy / happy that my father, he got free / that even though it hurt me / he can be whoever the hell he wants to be” canta Hawke aquí, mezclando su propia relación con la que tuvieron Ethan Hawke y Uma Thurman.

Porque, sí, hemos llegado al elefante en la habitación. Maya es hija de Uma y Ethan, y la propia artista no tiene problema en hablar de ello en las entrevistas y admitir que esto le ha ayudado a la hora de conseguir oportunidades o pasar ciertas pruebas. Pero es curioso: para una “hija de” que es consciente de su privilegio… resulta que es buenísima. Porque, como actriz, Maya elevaba con su carisma las escenas de ‘Stranger Things’ (junto a Sadie Sink diría que es lo mejor de la serie, por encima de los chicos, de Millie y hasta de Winona), y también nos puso en pie en el inicio de la disfrutable trilogía slasher ‘Fear Street’. Y en lo que respecta a la música… pues juzgad por vosotros mismos con este ‘MOSS’, pero yo diría que aquí hay alguien a quien seguir los pasos.

Stormzy se anota otro top 1 en UK gracias a temazos como ‘This Is What I Mean’

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3 de 3. El tercer álbum de Stormzy, que acaba de salir al mercado, también es número 1 en la lista de álbumes de Reino Unido, exactamente igual que los dos anteriores. Esta vez, eso sí, la diferencia con el top 2 ha estado más ajustada y va a ser difícil que ‘This Is What I Mean’ sea platino como sus antecesores. ‘Gang Signs & Prayer‘ vendió casi 69.000 copias en su semana de salida y ‘Heavy Is The Head‘, 58.000. El nuevo se ha quedado en algo menos de 28.000, en cualquier caso suficiente para liderar la tabla del Black Friday.

El álbum se presentaba con un sencillo llamado ‘Hide & Seek’, que ha sido top 7 y en cuyo vídeo Stormzy sufría una ruptura. La misma temática de ‘Firebabe‘, la balada single que se está radiando en Reino Unido esta Navidad, y en cuyo vídeo le vemos solo en una casa, sentado en la silla de pensar. Curiosamente ‘Mel Made Me Do It‘, el adelanto que conocimos en septiembre, no está en el álbum, pero sí el tema titular ‘This Is What I Mean’, que es hoy nuestra Canción del Día.

‘This Is What I Mean’ es el mayor tiro publicado por Stormzy en esta era: el modo en que azota su beat parece ideado para los directos y en eso se recrea su vídeo, que comienza con sonido ambiente en muestra de lo que sucede en sus shows, que en nuestro país hemos disfrutado más que nada en festivales. El tema presenta a multitud de colaboradores unidos en lo que Stormzy quisiera que fuera «un cuadro» en el que cada artista aportara su paleta, no solo un verso.

Destaca en ese sentido la intervención de Amaarae hacia la mitad del tema y Black Sherif poniendo el punto final en una producción bombástica que recuerda a Kanye West porque no en vano es mencionado en la letra. Lo mismo que el gran hit de Neneh Cherry, o la necesidad de Häagen-Dazs y Ben & Jerry’s, en un tema que habla sobre respeto y autoafirmación. «Creo que soy Kanye mezclado con Donny Hathaway», dice Stormzy en referencia al cantante de soul conocido por ejemplo por ‘Where Is the Love‘, dúo con Roberta Flack. Alma sigue teniendo, sí.

Detenidos 2 hombres por la muerte de Takeoff

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El Sargento Michael Burrow del Departamento de Policía de Houston ha realizado una rueda de prensa para informar sobre las novedades en torno a la investigación por la muerte de Takeoff de Migos. Un hombre de 33 años llamado Patrick Xavier Clark ha sido detenido por causar su fallecimiento, aunque fuera de manera involuntaria.

Por otro lado, otro hombre de 22 años llamado Cameron Joseph también ha sido arrestado y acusado de posesión de armas. La policía ha definido a Takeoff como “un transeúnte inocente” en el caso, es decir, alguien que pasaba por allí y recibió casualmente el disparo tras producirse una discusión a las puertas de la bolera.

El NME informa de que Offset ha ofrecido su primer concierto desde la muerte de Takeoff este 2 de diciembre, interpretando un set de media hora en un club, incluyendo hits como ‘Bad And Boujee’. “Estamos haciendo esto por mi hermano”, fueron sus palabras. “Por Takeoff, hagamos esta mierda”.

Surfin’ Bichos anuncian su primer disco en 30 años

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Surfin’ Bichos, el grupo de culto de los 90 liderado por Fernando Alfaro y Joaquín Pascual, influencia capital en gente como Triángulo de Amor Bizarro, está de vuelta. Hasta ahora estábamos más o menos acostumbrados a verles en algún concierto, pero no editando nuevo material.

Concretamente hubo una reunión de Surfin Bichos para tocar en el Primavera Sound de 2006, otra sorpresa en Contemporánea en 2015, y alguna otra aparición más, pero nunca un regreso discográfico como el que se avecina. Hoy anuncian su nuevo álbum, aún sin título, que tendrá lugar en el sello Sonido Muchacho, hogar de Carolina Durante, Sen Senra o recientemente La Bien Querida.

Discos como ‘Hermanos carnales’ (1992) aparecieron en toda lista de lo mejor del pop nacional de los 90, pero después de ‘El amigo de las tormentas’ (1993) no había nuevo álbum. Fernando Alfaro se centró primero en Chucho y luego en su carrera en solitario, como también hacía Joaquín Pascual. De momento no hay más datos sobre este regreso que no vimos venir, tan solo la confirmación de que habrá un disco largo completamente nuevo y que llegará a nuestras manos a lo largo de 2023.

Lana del Rey anuncia el anuncio de algo en el ¡Hola!

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Lana del Rey no ha anunciado exactamente un disco, sino que va a anunciar algo. Ha sucedido cuando la revista Hola! en una de sus ediciones latinas se ha aproximado a la cantante en un evento, y en lugar de preguntarle la típica impertinencia a lo Pablo Motos, han decidido preguntarle algo que nos importa a todes: cuándo se publica el sucesor de ‘Blue Banisters‘, que salía el mismo año que ‘Chemtrails Over the Countryclub‘.

La cantante no lo revela pero dice que el próximo día 7, más o menos en el plazo de una semana, habrá nuevas. Se desconoce si será el anuncio de un single, de un disco al completo con el lanzamiento de un adelanto o ninguna de las anteriores.

En cualquier caso, es una alegría ver a Lana del Rey de buen humor, después de que le hayan robado un disco duro con música hace tan sólo 2 meses. Antes de su último disco, se barajaban varios álbumes de Lana, por lo que, entre unas cosas halladas y otras perdidas, se desconoce por completo lo que va a salir. Gracias a Slavin en el foro de Lana del Rey por el aviso. Seguiremos informando.

Bomba Estéreo traen a España su selva particular

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David Moya

Bomba Estéreo presentaban el pasado año ‘Deja’, su sexto álbum de estudio si no tenemos en cuenta el disco de remixes que contenía la revisitación de ‘To My Love’ que tan lejos les ha llevado. Tras pasar por algún que otro festival español durante este verano, los colombianos se atrevían con el WiZink Center de Madrid y con el Sant Jordi Club en Barcelona. La cita de Madrid ocurrió anoche con el cartel de “Entradas Agotadas” colgado desde hace algunas semanas y la de Barcelona ocurrirá mañana 3 de diciembre.

Con un olor a flores frescas que invade todas las primeras filas y con una puntualidad asombrosa, el show de Madrid arrancaba con un largo instrumental que daba paso a la aparición de Li Saumet regando de pétalos de rosa todo el escenario. Un preámbulo que dejaba claro lo que íbamos a vivir en las casi dos horas de show, donde los visuales y las luces tenían un protagonismo absoluto, ya que el vestuario de Li -que cambia en tres ocasiones- brilla en la oscuridad, teniendo varias tonalidades que hacen juego con la gran cantidad de plantas que inundan la escena.

‘Ahora’, ‘Algo está cambiando’, ‘Tierra’ y ‘Somos dos’ fueron algunas de las canciones que sonaron en un primer bloque en el que las pantallas combinaban imágenes de una serpiente deslizándose entre flores con otras que mostraban a Li vestida con diferentes vestuarios tradicionales del folclore de Colombia. Pero gastaron el primer cartucho de la noche antes de lo esperado. ‘To My Love’ sonó más electrónico que nunca en directo -al menos más que las dos veces anteriores que ya les había visto-.

También hubo un pequeño guiño a los nostálgicos del mestizaje, con la interpretación de ‘Me duele’, su reciente colaboración con el mítico Manu Chao. Y por supuesto no faltaron ‘Fiesta’ y ‘Fuego’ para terminar de prender la noche tras cantar ‘Soy yo’ precedida de la historia de cómo Li siempre se sintió diferente y rara desde pequeña por cómo la miraban.

En su último disco el grupo profundiza en la conexión que siempre ha sentido con la naturaleza y se muestra preocupado con el cambio climático, pero de todo ese concepto lo único que vimos en el directo fueron las canciones que lo conforman. Quizás la ausencia de Simón Mejía fuera el fruto de la ausencia de discursos que busquen la conciencia social, ya que aparentemente, a juzgar por sus redes sociales, es el más activo en este sentido. Lo que no faltaron fueron las proclamas a la libertad individual, a la conexión con nuestro planeta y la invitación a que “todo el mundo sea lo que ellos quieran ser sin que les importe lo que digan los demás”.

Cuando parecía que no iba a ocurrir, sin complejo alguno, interpretaron ‘Ojitos lindos‘, su reciente colaboración con el que posiblemente sea el artista más grande del mundo actualmente, Bad Bunny. Una canción que despierta la necesidad de que alcemos nuestros móviles para grabarla, más que ninguna otra hasta el momento. Y no iba a ocurrir más, porque tras finalizarla, un buen número de asistentes decidió que ya había escuchado todo lo que tenía que escuchar anoche, pese a que faltaba la canción que cerraba el concierto: ‘El alma y el cuerpo’.

En resumen, el concierto de Bomba Estéreo fue una invitación a la celebración de la vida, a la exaltación del individualismo en el mejor de los sentidos -si es que eso es posible- y a dejarse llevar, conectando con nuestra naturaleza, si es que aún sabemos lo que es eso.

David Moya

Los Punsetes / AFDTRQHOT

En una semana en que Irene Montero ha pasado de ser agraviada por VOX a agraviar al PP, Los Punsetes han sacado disco. Y se abre con un tema llamado ‘España Corazones‘ en el que hablan de «las dos Españas». Como poco desde que España es España ambas han estado ahí, pero en los últimos años de crispación política, cada Sesión de Control al Gobierno se ha convertido en un hueso muy duro de roer para el ciudadano de a pie.

El tema de Los Punsetes es un bálsamo para todes, en tanto que una parodia de todo esto sin tomar partido por ninguna de las dos partes. La canción se burla de aquellos españoles a quienes sobra la media España que no le interesa, y así nos luce el pelo. Inconscientemente muchos pensamos «España es lo que a mí me salga de los cojones», cuando la única España que deberíamos aniquilar es «la que no sabe dónde seguir la fiesta». Menos mal que están de vuelta.

Seis discos después, Los Punsetes continúan siendo Ariadna Paniagua, Jorge García, Chema González, Manuel Sánchez y, tras el abandono de otro bajista hace ya muchos discos, Luis Fernández, dueño del exitoso sello Sonido Muchacho, que por supuesto ha terminado editándolos. La capacidad de resistencia de la estable formación en una industria musical hostil que obliga a cada miembro a mantener su trabajo aparte diario, es la misma que la de la sociedad por fascinarnos.

Y en ella estamos cada uno de nosotros, por supuesto. Hace tiempo que las canciones de Los Punsetes son mejores cuando se dirigen hacia lo peorcito de nuestra propia casa. Entre la agresiva ‘Cerdos’, también sobresaliente y pegajosa en eso de «tus amigos se merecen estar muertos», y ‘Que te vaya mal’ porque «representas todo lo que estorba», y «significas todo lo que sobra», y «te mereces que te haga una cobra»; ‘Cosas que no me gustan’, de gran estribillo, y ‘Hola, destrucción‘ presentan prismas menos habituales. Son sendas parodias de cómo nos torturamos haciendo cosas que no nos gustan, repitiéndonos a nosotros mismos todo lo que no molamos, sin que la sección rítmica deje de dar botes: «Me boicoteo, me censuro, me desarmo, me disuelvo, me comparo con quien no debo», canturrea feliz la última. Parecía imposible hacer de la autodestrucción algo tan divertido.

El pogo parece el objetivo de la repetición de la estrofa primera al final de ‘Hola, destrucción’, y también el de la aceleración al desenlace de ‘Cosas que no me gustan’, aunque la noticia es que Los Punsetes han huido claramente de lo de siempre en ‘Ocultismo’, un single de 9 minutos en el que se han inspirado, más que en ‘Paranoid Android’ de Radiohead, en ‘Siberian Breaks’ de MGMT, la canción de ‘Congratulations’ que se extendía hasta los 12 minutos.

Puede parecer que han intentado demasiado fuerte hacer algo distinto, pero la grabación y división en partes va adquiriendo sentido, como es normal, en sí misma y sobre todo dentro del conjunto. El tema comienza con furia hablando de arte, fascismo y religión como una canción más de Los Punsetes. Lo típico. Una segunda se regodea en parajes más acústicos y lisérgicos -más MGMT, sí-, hablando de manera más abstracta de cómo nos alimentamos de odio. Una canción-río normal acabaría con las distorsiones en torno al minuto 6, tan de final de concierto. Pero ellos vuelven con una tercera parte en la que no querían repetir nada de lo anterior. Y ahí es el momento de hablar de precariedad laboral pasada por el Autotune en lo que supone toda una rareza en el mundo Punsete. La necesidad de «escapar de este lugar» se corresponde con la música, tan astral.

Tras este corte 7 tan intenso, de incluso crisis existencialista, que además suena poco después de ‘Estratos geológicos’, compuesta por varios tipos de guitarra eléctrica (la twang, la del riff, la tipo PJ) y poco más, Los Punsetes rebajan carga. Este disco no contiene ni 11 ni 12 canciones, sino 10 y las que quedan son tan ligeras como ‘No puedes correr’, sobre unas hostias que se rifan; ‘Un condenado a muerte se ha escapado’, con un protagonismo inusitado de los coros de Anntona; y ‘FOMO’, esa palabra-fantasía que nos obsesiona últimamente, para colmo de ironías. Es una balada como solían entenderlas R.E.M. y Patti Smith.

Esta última letra, más poética, deja el disco suspendido, presto de nuevo a ser escuchado en bucle. Primero, los hitazos. Después, la canción señera de esta época. Finalmente, cierta calma («No esperar grandes cosas / Vivir tranquilamente en algún lugar de la costa»), en su caso no exenta de ciertas piedras en el camino: «¿cuál es el camino más largo hacia este sitio?».

Russian Red habla de su depresión y su familia en una entrevista

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Russian Red, en promoción de la película que acaba de estrenar, ‘Ramona’, ha concedido una entrevista descarnada a El País en la que el periodista Carlos Marcos relata que, hasta en dos ocasiones, se echa a llorar. Pero está todo bien: una de las veces es de felicidad por haber encontrado a su pareja, que le «salvó la vida» cuando se encontraba inmersa en una depresión. Actualmente Lourdes se encuentra en terapia y habla de la reconciliación consigo misma que ha vivido y también con sus padres, que fueron parte del problema.

Primero al divorciarse, después por otras causas: «De adolescente tuve una sensación de claustrofobia importante y mucha ansiedad. La situación familiar me ponía muy triste. Las decisiones que tomaba mi madre no eran las mejores. Ella estaba a su bola, realmente. Si a esa edad no cuentas con la protección de tu madre, te tienes que proteger tú. Es una cosa muy loca salir de ahí, porque es muy posible que no sepas protegerte». También indica sobre ella: «Me marché de Madrid porque la relación con mi madre me hacía daño. Es una persona súper cariñosa, muy almodovariana. También difícil y contradictoria. No puedo decir que había falta de amor, lo que había era falta de solidez. Me marché porque quería escapar de mi propia identidad. Con irme a vivir a otro sitio he jugado el papel de otra persona. Eso me ha venido muy bien».

Tampoco esquiva Lourdes los problemas que conllevó la fama en lo que se define en el texto como «la época de explosión de los blogs»: «No me siento cómoda victimizándome, pero sí fui discriminada por ser mujer. Yo colocaba mis cosas más íntimas ahí fuera, en mis canciones, y luego estaba muy expuesta a un montón de juicios que no favorecían que yo pudiera seguir trabajando. Ahora que lo veo con distancia, sí que sentí que el personaje fue un poco maltratado».

RuRe se sincera sobre la depresión: “Pasé una depresión cuando estaba en gira. No estaba contenta, no era feliz. Acababa los conciertos y estaba perdida. No sabía qué estaba haciendo con mi vida. Me había desconectado de mí misma y de la capacidad para hacer ese trabajo de manera honesta. Podía haber seguido haciéndolo de manera no honesta, pero posiblemente le habrían pasado cosas a mi cuerpo y habría perdido la cabeza. Fue un trauma pasar de una dimensión privada a una pública. Y cuanto más íntimo sea tu trabajo más heavy es estar expuesta a tantos juicios”.

Revela también que en un momento dado despidió a sus músicos: «Giraba con ocho maromazos y me hacían la vida imposible. Venía aguantando muchas niñatadas, y que conste que no tenían nada que ver con lo sexual. Ellos disfrutaban de una situación muy buena en gira, pero se estaban todo el día quejando. Un día les cacé hablando mal de mí. Y entonces dije: «No, a mí en gira me respetas. En tu casa haces lo que te dé la gana, pero en gira me respetas. No puedes ir rajando de mí. ¿Entiendes? Porque si rajas de mí te marchas». Después les reunió y les dijo: “Estáis despedidos. Este será vuestro último concierto, así que disfrutad”.

Actualmente dice sentirse «inspirada», aunque en la actualidad está rodando una serie de Netflix. En cuanto a la música, se dice que «ya tiene compuestas algunas canciones en castellano a las que dará salida seguramente el año que viene». El texto completo, en El País.

La película ‘Ramona’ cuenta la vida de una mujer que acaba de llegar a Madrid con su novio y quiere ser actriz, pero según la sinopsis «no consigue castings, no tiene trabajo estable y en su edificio hay dos pisos okupas que venden droga y la tienen aterrada». Las críticas reunidas en FilmAffinity son todas bastante positivas.

Dorian terminan teniendo mejor directo que New Order… ¿pero es suficiente?

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El pasado fin de semana Dorian presentaban en Madrid y Barcelona ‘Ritual’, su disco más cosmopolita y lleno de featurings. Era impensable que pudieran reunir en el escenario a Youthstar, a Ana Mena, a Lido Pimienta y a Pimp Flaco. Quizá no tanto que ni uno solo de ellos se decidiera a pasarse por el show.

El grupo lo suplió con otros invitados sorpresa. Ya se sabe que cuando la gente va al WiZink, lo hace con las expectativas de ver explosiones de confeti -que las hubo- y de que por allí aparezca alguien inesperado. Quien sea. La impresión que dejó la noche es que al público, lo de los invitados, le daba un poquito igual. Allí la gente estaba para escuchar los viejos éxitos de Dorian.

El grupo se encuentra en un momento -parafraseando una de sus nuevas canciones- «raro». Antes de la pandemia llenaban 3 días consecutivos La Riviera, por lo que no tenía demasiado sentido volver ahí: era obligatorio dar un salto.

A falta de un recinto un poquito más grande que dicha sala en Madrid, la única opción parece el formato The Box en el WiZink Center, con capacidad de adaptarse hasta lo inimaginable a las necesidades de un grupo. La de Dorian desde luego no es sentar en pista -como hizo por ejemplo Leonard Cohen-, manteniendo a sus más de 2.000 fans de pie para darlo todo, algo que hicieron ocasionalmente.

La noche se abrió, como su último álbum, con ‘Mundo perdido’, aunque sin rap. Sonó a continuación ‘La Isla’ siendo ‘Los amigos que perdí’ el primer gran momento con la entrega del respetable. Marc Gili, de negro riguroso como casi todo el mundo, presume pronto de que va a ofrecer el «mejor repertorio» con que jamás hayan contado Dorian. Aunque de lo que debería presumir es de llevar el mejor sonido.

Con tanta gente vistiendo de negro y tanto protagonismo de los teclados, era difícil no pensar en grandes bandas de los años 80 y en lo bonito que sería poder ver un concierto de New Order ecualizado así, fuera donde fuera, y no con los penosos acoples y saturaciones que los de Bernard Sumner nos han hecho padecer en reiterados festivales. Dorian ofrecen en el WiZink Center uno de los mejores sonidos que recuerdo en dicho recinto. Tras esto y lo de Miss Caffeina, ya no se puede culpar al espacio de ofrecer malas condiciones para la gente: era posible seguir las letras del grupo hasta el punto de percibir cada coma.

En cuanto al repertorio, Marc se refiere, probablemente, al modo en que puede encajar sus singles de oro y platino con temas del penúltimo disco bastante queridos como ‘Noches blancas’ o ‘Duele’, junto a otros del nuevo que presentan texturas muy distintas. Para hacer algunos de estos funcionar, o los yuxtaponen a grandes éxitos, pues ‘Energía rara’ es la última canción del set, ya cuando parecía que todo estaba acabando con ‘La tormenta de arena’, o se acompañan de invitados.

Abraham Boba de León Benavente aparece en ‘Tornado’ y Dani lo hace en ‘Techos de cristal’. Son esas partes del show, como en ‘Lento’, en las que Marc apela a los «tres grandes monstruos de nuestra sociedad: la machismo, el racismo y la homofobia». «El feminismo es el motor del cambio en el siglo XXI», dice en otro momento.

Además de dar voz a estos otros artistas, es llamativo que el protagonismo no se centre sólo en Marc. Tanto Belly con su teclado como Lisandro tienen sus momentos de protagonismo en la pasarela, ofreciendo una imagen coral y sólida de banda, una que viene bien ensayada y curtida de casa, y que hasta quiere ofrecer una sección más cercana, tipo «ahora solo Bono y The Edge», en torno a la acústica ‘Llévame’.

Aun todo buen rollo, felicidad y profesionalidad récord, este tour de Dorian deja una serie de incógnitas sobre la mesa, a la que estamos deseando encontrar respuesta: ¿será el grupo capaz de llevar más allá su sonido global y continuar arriesgando más y más? ¿Se avecinan presentaciones en vivo recuperando viejos discos enteros que es a lo que apunta la reedición de ‘La ciudad subterránea’? ¿Cederá la banda a volver a su viejo sonido en un nuevo disco de estudio, tras tanto experimentar, como hicieron U2, que es lo que parece demandar su público? 7,5.

RFTW: Bad Gyal con Quevedo, PinkPantheress, Babi, Baiuca con Alba Reche, The Weeknd x Enya…

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Este 2 de diciembre no pasará a la historia por el gran número de discos que se publican. Apenas se lanzan el álbum de Pablo Alborán (destinado a ser top 1 en Navidad, eso sí), además presentando single con Ana Mena; el EP de RVFV, del que seleccionamos su tema con Dellafuente; o la banda sonora de la serie de Aitana. La noticia internacional es el disco de Metro Boomin. En él hay un tema con The Weeknd y 21 Savage, sampleando a Enya, como ya hicieran FuGees. Todo vuelve. También 100gecs han sacado EP.

El pop-rock underground nacional es más generoso en novedades, con temas de Cala Vento, Ganges, ODDLIQUOR, Baiuca con Alba Reche, Blanco Palamera, Casero, Blackpanda y Rocío Saiz con TAURO, entre muchísimos otros.

En el pop internacional, está lo nuevo de Lewis Capaldi, de Saucy Santana o Metallica. Troye Sivan, que prepara disco, saca un single colaborativo junto a PNAU, conocidos por sus remezclas para Elton John. Mientras encontramos a Bad Bunny en lo nuevo de Arcángel, Villano Antillano canta que es como Madonna en la era de ‘Erotica’.

Entre las curiosidades, Calum Scott ha hecho una versión de George Michael, el villancico de James Vincent McMorrow o la canción tan Lana del Rey de Noah Cyrus, aunque para curiosidad, que Morrissey sacara un tema la semana pasada y nadie se enterara. Recordad suscribiros a nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend»: se renueva cada viernes y estamos a punto de superar los 6.000 suscritos.

Kanye West se cava su propia tumba: «Me gusta Hitler»

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Kanye West ha ido demasiado lejos en su última entrevista, llevada a cabo en InfoWars y conducida por el conspiranoico Alex Jones, llegando a afirmar que ve «cosas buenas en Hitler».

En el clip del programa, Jones sugiere que Kanye ha sido «demonizado» por la prensa tras sus recientes comentarios antisemitas, pero que no se merece ser comparado con Hitler o con los nazis. Sin embargo, como siempre ha hecho en su carrera, Kanye le llevó la contraria al presentador y con un pasamontañas sobre su cabeza afirmó que ve cosas buenas en todas las personas, «especialmente en Hitler».

«Este tío inventó autopistas, inventó el micrófono que yo mismo uso como músico, y no puedes decir en voz alta que esta persona hizo algo bueno en algún momento, y estoy harto de ello. Estoy harto con las clasificaciones, todo ser humano tiene algo de valor. Especialmente Hitler», afirmó el artista conocido actualmente como Ye. En otro terrible giro de los acontecimientos, y por si había alguna duda, mientras Jones afirmaba que «ni me gustan los Nazis, ni me gustan lo que están haciendo algunas de las mafias» (refiriéndose a las supuestas mafias judías), Kanye simplemente soltó una bomba: «A mí me gusta Hitler».

Justamente, hace unos meses el exempleado de TMZ Van Lathan Jr. afirmó que Ye ya había profesado su «amor» por Hitler durante su infame entrevista de 2018, en la que afirmó que la esclavitud era «una elección». Kanye ya llevaba tiempo siendo conocido por juntarse con figuras polémicas, como Marilyn Manson o Donald Trump. Sin embargo, esta vez incluso Alex Jones, un conocido teórico de la conspiración en Estados Unidos, no ha podido respaldar las palabras de afecto de Kanye a Adolf Hitler.