Entre los lanzamientos discográficos que se ponen en circulación hoy se encuentra la reedición de ‘Random Access Memories’, el histórico disco de Daft Punk que, publicado un 17 de mayo de 2013, ha resultado su disco final, pues el dúo se separó hace un par de años.
A falta de meterle mano a la edición física, que, sabemos, incluye un libreto de 20 páginas, la reedición de ‘Random Access Memories’ ya era atractiva por la inclusión de un segundo CD cuyo contenido se compone de poco más de treinta minutos de música inédita.
El segundo CD de la reedición de ‘Random Access Memories’ es 100% «solo apto para fans», pero, ojo, hay cosas interesantes. Hay que agradecer el estreno de ‘Infinity Repeating’, una segunda canción grabada por Julian Casablancas, que presta su rasgado timbre vocal a un agradable carnaval de sonidos isleños y jazz. Una canción con caras y ojos que valía la pena publicar diez años después, tanto que Daft Punk se han preocupado por promocionarla con videoclip oficial. Curiosamente, iba a cantarla Stevie Wonder.
El disco incluye otra pequeña maravilla, ‘The Writing of Fragments of Time‘, en la que Thomas Bangalter, Guy-Manuel de Homem-Christo y el artista invitado, Todd Edwards, negocian in situ la composición de ‘Fragments of Time’ entre parones abruptos y risas. Un curioso vistazo al trabajo de estudio que llega a fascinar en sus ocho minutos de duración. ‘Prime’, otra composición nueva, se comparte en una versión inacabada, grabada en 2012, curiosamente con sonidos electrónicos que remiten a ‘Tron‘, pero aún alejados de la faceta club de Daft Punk, que ya están a otras cosas.
‘Horizon’, el bonus track japonés, también figura en la secuencia, de hecho abriéndola divida entre su «overtura» instrumental (en la que brilla un coro infantil) y la canción en sí, que, también instrumental, no renuncia al componente «cheesy» de ‘Random Access Memories’, pareciendo una balada perdida de Pink Floyd. Después, entre los esbozos de ‘Get Lucky’ (de apenas 30 segundos) y ‘Lose Yourself to Dance’ (se comparten los «vocoder tests»), sobresalen muy evidentemente las tomas inéditas de ‘Give Life Back to Music’ -espectacular la orquestación de cuerdas- y el «epílogo» de ‘Touch’, tan emotivo como lo era la canción original.
Queens of the Stone Age han anunciado ‘In Times New Roman…’, el disco que presentarán en el Mad Cool de Madrid este verano. El sucesor de ‘Villains‘ llegará seis años después que este y saldrá en poco más de un mes, el día 16 de junio.
El primer single, ‘Emotion Sickness’, ya suena en nuestra playlist de novedades. Es otra de esas apisonadoras rockeras de Queens of the Stone Age, aunque tampoco renuncia a las armonías típicas de los 60.
Por otro lado, su letra, con frases como «ella ya no me quiere, la he tenido que dejar ir», parece aludir a la ruptura de Josh Homme de su ex mujer y también a la pandemia cuando recuerda el momento en que le «subió la fiebre».
El nuevo disco de Queens of the Stone Age ha sido producido por el grupo y por Mark Rankin, quien ha trabajado con Iggy Pop, Florence + the Machine o Weezer. Ahí va el tracklist:
In Times New Roman…:
01 Obscenery
02 Paper Machete
03 Negative Space
04 Time & Place
05 Made to Parade
06 Carnavoyeur
07 What the Peephole Say
08 Sicily
09 Emotion Sickness
10 Straight Jacket Fitting
Descubrimos a Victoria Monét por su trabajo detrás de los focos. Como autora es conocida sobre todo por su trabajo con Ariana Grande en ‘7 rings’ o ‘thank u, next’. Después, Monét ha intentado labrarse una carrera en solitario con más o menos éxito y su primer disco, ‘JAGUAR‘, sorprendía por la calidad de sus influencias, apegadas no solo al R&B de los 90 sino también al pop de los 70.
En los últimos tiempos, Monét ha lanzado singles sueltos como ‘Coastin’ o ‘Smoke’, ambos compuestos en un estilo funky, y hoy es el momento de escuchar ‘Party Girls’, la Canción Del Día.
‘Party Girls’ bebe de diversas influencias. Por un lado, el bajo típico del funk sigue engordando la onda sonora. Por otro, no se ha invitado al rapero jamaicano Buju Banton para nada y los ritmos dancehall y reggae están muy presentes en la grabación, tanto que por momentos parece samplear el ‘No No No’ de Dawn Penn (aquel que más tarde versionó Rihanna). Luego es sorprendente la presencia de un sitar entre los instrumentos utilizados, al que se suma una flauta.
Una pieza tan cálida, sensual y calurosa como lo pudieron ser ‘Work’ de Rihanna o las miles de copias que produjo después, como ‘Tyrant‘ de Kali Uchis (una copia excelente, por cierto), ‘Party Girls’ también nos lleva a los clubs reggae de Jamaica, sobre todo en una segunda parte que anima el ritmo, incorporando ya beats propios del dancehall e incluso los típicos disparos de sintetizador que hace llover el «soundsystem» jamaicano.
‘Party Girls’ es un homenaje a «todas las chicas que salen de fiesta e iluminan el mundo» y, como si buscase ser la versión hedonista de ‘Run the World (Girls)’ de Beyoncé, el videoclip no renuncia a las coreografías típicas de la autora de ‘Renaissance’. La inspiración en Janet Jackson también es evidente, en otra propuesta que nos demuestra que ese pop de bailes atléticos que triunfó en los 2000, aún tiene cabida hoy.
Rihanna y A$AP Rocky dieron la bienvenida a su primer hijo el 13 de mayo de 2022. En todo este tiempo, Rihanna no ha dejado de subir imágenes de la criatura a redes sociales, a través de su cuenta de Instagram @badgalriri o de TikTok.
Faltaba por conocerse públicamente el nombre del retoño. Las celebridades suelen hacer público el nombre de sus recién nacidos enseguida de que estos nacen, pero Rihanna y A$AP Rocky han pasado del tema, tanto que alguien se les ha adelantado.
Ha sido el tabloide británico Daily Mail el medio que ha obtenido el certificado de nacimiento del bebé de Rihanna y A$AP Rocky y ha revelado que su nombre es RZA Athelston Mayers. RZA es por supuesto el alias de uno de los integrantes de Wu-Tang Clan. Por otro lado, Athelston Mayers es el segundo nombre de Rakim, es decir, A$AP Rocky.
Rihanna acaba de ser noticia por acudir a la MET Gala vestida con un diseño floral de Valentino, por supuesto embarazada de su segundo hijo. La intérprete de ‘Rude Boy’ reveló su tripa durante su actuación en el intermedio de la Super Bowl: no, el «reveal» no sucedió en la MET, como pensaron algunos.
En la alfombra roja, Rihanna habló sobre su segundo embarazo, revelando que es totalmente diferente al primero: «Todo es diferente, no tengo antojos, tengo un montón de nauseas, todo es diferente pero lo estoy disfrutando, me siento bien, me siento con energía». En cuanto a nueva música: no sabe, no contesta.
Hoy 12 de mayo sale el disco de Alison Goldfrapp, sobre el que pronto leeréis una entrevista con la autora. Otro lanzamiento destacado es la reedición de ‘Random Access Memories‘ de Daft Punk por su décimo aniversario, con un segundo CD compuesto por maquetas.
Hoy salen también nuevos discos de Jonas Brothers, Chica Sobresalto, Overmono, Ane Brun, SIMONA, Esben and the Witch, Morad, Fatoumata Diawara, además de los epés de Queralt Lahoz y Samantha Hudson.
Entre las novedades del día encontramos la balada de Shakira, también un nuevo tema de BTS, y, entre los temas que ya hemos comentado en portada, los nuevos de Christine and the Queens en clave trip hop, el estreno de Alien Tango o los regresos de Thirty Seconds to Mars y Janelle Monáe.
Hay más novedades a destacar, como el regreso de Queens of the Stone Age, el single del disco rock de Dolly Parton o el dueto de Arlo Parks y Phoebe Bridgers. En la semana Eurovisión ven la luz nuevos temas de Sam Ryder o Rosa Linn. En el plano nacional, nueva música de Ghouljaboy, Lisasinson, OROVEGA, Juicy BAE…
Algunas recomendaciones y/o descubrimientos que deja la playlist hoy son Future Utopia, Sofiloud, Precious Pepala, Sarah Kinsley o Bea & her Business. No os perdáis, por otro lado, las novedades en castellano que ya hemos repasado en Sesión de control.
Eurovisión ha subido a Youtube la actuación completa y oficial de Blanca Paloma, como parte de los últimos países del Big Five. Como sabéis, desde hace unos años se suben unos ensayos del Big Five y el país ganador del año anterior, para que no partan en desventaja respecto a los semifinalistas. Para que la gente los vaya conociendo. Y España se mantiene fuerte en el 5º lugar de las apuestas.
La actuación definitiva de Blanca Paloma, grabada durante uno de los ensayos con público, mantiene la esencia de Benidorm Fest (el principio representa un nacimiento), con alguna mejora: las bailarinas aparecen en un plano más discreto, y el montaje luce más cinematográfico y espídico. Como adecuado a esa producción electrónica que, parece que no, pero sí dirige la canción.
Blanca Paloma está impecable vocalmente, ya entrañable en su momento «arquera», y solo se echa de menos un elemento narrativo más definido que pueda ser comprendido en cualquier idioma, o algún truco escénico más, hacia el final. Por lo demás, la actuación es completamente magnética, diferenciable del resto, respetuosa con la tradición y el folclore, y además actualizada. Sin ser Serbia 2022, voy a utilizar esa palabra: vanguardista.
¿Podemos ganar, entonces? Es todo un misterio lo que pueda pasar con esto de ‘EAEA’. Me resultaría difícil creer que el jurado castigara una actuación impecable vocal y técnicamente, que no se parece a otra. Por ahí el top 10 o incluso el top 5 debería estar garantizado. Solo Suecia y quizá Finlandia lucen tan currados. ¿Francia? Menudo bluf el montaje final. ¿Israel? Nosotros lo hicimos antes. Después, lo que pase con el televoto, es un verdadero misterio. Es todo un cara o cruz. Comenzando por que actuaremos en la desfavorable primera mitad, además justo antes de Suecia, la gran favorita.
Por un lado, es fácil imaginar a los países del Este, tan amigos de lo folclórico, lo religioso, lo familiar… comprender el mensaje de esta actuación, y votar por España. Hay medio mundo aseverando que España tiene que mandar canciones muy españolas a Eurovisión, y esta lo es. Por otro, hay otro medio mundo diciendo que el flamenco no se va a entender en Europa, deseando citar a Remedios Amaya.
Entre el top 5 de Azúcar Moreno y el último lugar de ‘Hay quien maneja mi barca’, cualquier cosa parece posible en este momento. Pero la ilusión de todos estos meses, la esperanza con que acudimos este sábado al festival, con una remota posibilidad de ganar el certamen por primera vez en 54 años, no nos la quitará ni un bottom five como el de Barei. Gritaremos «¡No nos quieren!» y nos tomaremos una copa. En un festival acostumbrado a EuroDramas, quedémonos desde ya con el buen sabor de boca que nos está dando el viaje a Liverpool. ¡Vamos, allá, la Blanca Paloma!
Esta mañana me decía una compañera que le había parecido muy bajo el nivel de la primera semifinal de Eurovisión. ¡Pero si ahí estaban Loreen, el “Cha Cha Cha” y la Chanel israelí! «Aguarda a lo que espera esta noche, amiga, en la semifinal oficialmente boba», pensaba yo.
Al final se han clasificado bastantes canciones étnicas y baladas como las de Albania, Chipre, Estonia, Lituania y Armenia. Pondrán el color el vogue de Bélgica, el «Edgar» de Austria, la Chanel de Polonia, el rock sintético de Australia y la banda indie de Eslovenia. Pero es muy difícil adivinar quién se ha adjudicado la victoria, pues ninguno de ellos figura entre los favoritos. ¿Acaso Austria, que al menos es top 10 en las apuestas? ¿Australia, que han llamado poderosamente la atención? ¿Alguien completamente inesperado JENESAISPOP ha comentado en directo esta segunda semi a través de este artículo, Twitter y nuestro foro de Eurovisión, ofreciendo un “minuto a minuto”.
21.00 Empezamos fuerte compartiendo este vídeo de la BBC en el que confunden a un fan de Käärijä, el representante de Finlandia e intérprete de ‘Cha Cha Cha’, con el propio Käärijä. El tipo sigue totalmente el rollo.
Dinamarca: Reiley / Breaking My Heart
21.10 Antes de que alguien decida hacer Eurovisión más “hetero”, como va a pasar con el Benidorm Fest, Dinamarca ha decidido abrir la segunda semifinal con una actuación completamente teñida de rosa. Tanto en escenografía como en vestuario. Al menos hasta que al final todo se torna verde. Reiley acude con una canción mona mitad electro mitad funk, influido por Lizzo y Beyoncé, pero con bastante menos voz que ambas, ahogado en un imperceptible falsete.
Armenia: Brunette / Future Lover
21.15 La clasificación de Armenia parece segura con una balada llena de efectos de luces y juegos con las alturas. Brunette, como la representante de Israel, también busca su «chanelazo» con un «break» en una actuación correcta, pero que dejaba esperando que sucediera algo más en escenografía o música.
Rumanía: Theodor Andrei / DGT (Off and On)
21.19 El representante rumano, también de rosa como el danés, comienza la actuación sentado cual cantautor en lo que parece que va a ser una reivindicación autoril a lo Salvador Sobral. No es el caso: enseguida se levanta, vira hacia el rock y el jazz, aparece alguien que le mancha el torso de negro. La sensación que deja es la de extrañeza. Sus posibilidades hacen honor al nombre del tema, “off and on”. Que vuelva el de ‘Llámame’.
Estonia: Alika / Bridges
21.24 Alika defiende uno de los pocos baladones estrictamente dichos de este año. ‘Bridges’, en referencia a esos puentes que favorezcan nuestra comunicación, es un tema a piano, cuyas bazas son la bonita melodía de la canción, y unos planos del instrumento tocándose solo o por las manos de Alika, indistintamente. Una forma de recordarnos que la música en el festival, sí, ya para siempre será en playback.
Bélgica: Gustaph / Because of You
21.28 Jimmy Somerville debe de estar encantado con la propuesta de Bélgica, que como estaba anunciado, termina con una pequeña demostración de vogue y cultura ball a través de un solo bailarín. Las coristas -son las de Kate Ryan- tienen más protagonismo durante casi todo el show. Predomina el rosa y el dance de principios de los 90 en este tema que conjuga estéticas de pasado y presente. Puede que ‘Because of You’ no sea la mejor canción del año, pero hace mucha falta en la final. Esperemos que corra mejor suerte que DJ Bobo: a Gustaph se le ha puesto una cara muy similar.
Chipre: Andrew Lambrou / Break a Broken Heart
21.34 Sorprende que Chipre no vaya mejor en las apuestas, porque su clasificación parece segura. Andrew Lambrou lo tiene todo en su show: primero lluvia, luego fuego, vozarrón para este baladón rompecorazones y además es guapo. ¿Se quitarán el mal sabor de boca tras la eliminación del año pasado?
Islandia: Diljá / Power
21.40 Buen show de Diljá, muy histriónica, con esta canción que parece una balada electrónica, pero luego se acelera al mismo tiempo que ella y sus ganas de dar patadas al aire y revolcarse por el suelo. Ecos escénicos de Christine and the Queens, Robyn y en la producción de Beyoncé, en su colaboración con Naughty Boy, ‘Running’. O será que ella misma no para de «correr» por el escenario.
Grecia: Victor Vernicos / What They Say
21.44 «Conexión con Eurojunior», dice icanogar en nuestro foro de Eurovisión, sobre el representante griego, que por alguna razón ha saltado al escenario vestido de boyscout. ‘What They Say’ es otra de esas canciones que van de menos a más, como muestra de que la generación TikTok no está dispuesta a quedarse más de 15 segundos en el mismo lugar.
Polonia: Blanka / Solo
21.48 Blanka de Polonia ha visto también la actuación, no de Blanca Paloma, sino de Chanel Terrero. Si se clasifica su clara competencia será Israel. ‘Solo’ también tiene su momento «break», si bien si destaca por algo es por su carácter soul pop o incluso reggae. Es como Rita Ora cantando sobre una composición de la primera Lily Allen.
Eslovenia: Joker Out / Carpe Diem
21.52 Joker Out hacen bien en poner un poco de variedad con una canción indie dance que parece recién sacada de los 2000. ‘Carpe Diem’ podría haber sido un hit, en su momento, en manos de Mendetz o The Ting Tings.
Georgia: Iru / Echo
21.58 Apelando al público gótico a través de grandes percusiones, una voz muy aguda, velos y grandes vestidos al viento, Georgia intenta huir de la cuerda floja de la clasificación con este ‘Echo’, medio estridente, medio elegante. Llegados a este punto, podemos afirmar que tiene posibilidades.
San Marino: Piqued Jacks / Like an Animal
22.03 Muy contagioso el ‘Like an Animal’ de la banda Piqued Jacks. Desde la victoria de Måneskin, son varios los artistas que intentan pillar cacho por la vía del rock, y quién mejor que sus vecinos de San Marino. El líder de la banda se pasa media canción luciendo como alguien a las puertas de un casino de Las Vegas, pero como sin atreverse a entrar. Solo al final cruza esa desaprovechada pasarela en una puesta en escena que agradecería ser más «animal».
Austria: Teya and Salena / Who the Hell Is Edgar
22.07 El homenaje más improbable a Edgar Allan Poe es esta canción de pop de baile que repite «Poe, Poe, Poe» en el estribillo. Teya y Selena han hecho una presentación muy elegante, basada únicamente en tres colores: rojo, blanco y negro. El efecto en una de ellas ha sido un tanto faja de San Fermín, pero también hay ecos a Kraftwerk, Robert Palmer y, ya sabéis, su respuesta Shania Twain. De lo mejor de la noche, ciertamente.
Albania: Albina, Familja Kelmendi / Duje
22.11 La repetición de los «Duje, Duje» es la gran baza de esta canción étnica, interpretada por una suerte de Mocedades remozados, de negro y con unos pañuelos rojos agitados de vez en cuando. No tiene muy buena pinta. Ni confirmo ni desmiento que en nuestro foro pone que tienen pinta de tener gente secuestrada en su casa.
Lituania: Monika Linkyté / Stay
22.15 El escenario y el suelo de Lituania se llena de simbología espiritual y religiosa para esta canción de tintes góspel y soul interpretada por Lituania. ‘Stay’ ha quedado bonita, pero suerte que cierra Australia porque claramente los ánimos empezaban a decaer. Despertemos:
Australia: Voyager / Promise
22.19 Australia se niega a pasar desapercibido en Eurovisión. Para muestra, Voyager, un grupo que alterna el metal llenaestadios de los 80 con el synth-pop llenaestadios de los 80, en una puesta en escena que parece inspirada en ‘Drive’. Grandilocuencia a lo Europe que puede dejar este ‘Promise’ en un lugar mejor del que esperábamos en principio.
23.01 Tras un impresionante show de drag en el que ha sonado un remix de Jessie Ware, en honor a la libertad, se conocen los nuevos finalistas para el sábado.
23.03 Los clasificados son Albania, Chipre, Estonia, Bélgica, Austria, Lituania, Polonia, Australia, Armenia y Eslovenia
Entre los eliminados, quedan las canciones de indie de San Marino, la buena puesta en escena de Islandia, o la histórica Grecia.
Janelle Monáe anuncia al fin la continuación de su disco de 2018 ‘Dirty Computer’. El disco se llamará ‘The Age of Pleasure’ y en cuanto veas el videoclip que acaba de estrenarse vas a comprender por qué.
‘Lipstick Lover’ es el nuevo single del autore del genial ‘The ArchAndroid’ y se trata de una canción de corte jamaicano, en cuyo vídeo Janelle aparece abrazada a un culo femenino. También se deja besar, lame un zapato y se adentra en una orgía. Hay que certificar la mayoría de edad para ver el nuevo vídeo de Janelle Monaé. No hace falta decir nada más.
Os dejamos con el tracklist del álbum, que sale el 9 de junio e incluye la ya conocida ‘Float’.
01 Float [ft. Seun Kuti and Egypt 80]
02 Champagne Shit
03 Black Sugar Beach
04 Phenomenal
05 Haute
06 Oh La La
07 Lipstick Lover
08 The Rush
09 The French 75
10 Water Slide
11 Know Better
12 Paid in Pleasure
13 Only Have Eyes 42
14 A Dry Red
Que Primavera Sound se acerca es una realidad cuando el festival da a conocer esta tarde sus siempre comentados horarios. Esos que siempre dejan coincidencias de sabor melodramático… porque si no, no estaríamos ante un macrofestival. El anuncio viene junto a la revelación de los planos tanto de la edición de Barcelona, como la que se va a realizar en Madrid. Los horarios de Barcelona están disponibles en esta web, y los de Madrid, en esta otra. Los abonos y entradas de día continúan a la venta.
Jueves
En Barcelona el jueves 1 de junio, Rema se solapará con Pinkpantheress, y el final de New Order con el principio de Alison Goldfrapp y Self Steem. Ambas coincidirán con Halsey en su segunda mitad, y Halsey de lleno con Le Tigre. Tanto Blur como Darkside actuarán a las 2 de la madrugada.
En Madrid, en cambio, en la jornada de jueves, la coincidencia será entre el final de New Order y el principio de Darkside y Self Esteem. Y a partir de las 2 de la madrugada, entre Blur y Alison Goldfrapp.
Viernes
En Barcelona, el viernes 2 por la tarde, hay que elegir entre Japanese Breakfast, Shellac y The Delgados, y entre Sparks y Baby Keem (y parte de Julia Holter).
En torno a las 21.00, uno de los mayores dramas: Depeche Mode compiten con Moldy Peaches y Swans. Los que a estas horas vayan a Beak> han de ser muy, muy fans de Portishead.
En torno a las 23.00 y casi a la vez, Kendrick Lamar, Bad Religion, Bleachers y el final de Four Tet.
Pasada la medianoche, Fred again.. y Christine and the Queens coinciden de pleno, e Yves Tumor lo hará con Skrillex.
En este caso un escenario muy parecido encontramos en Madrid, solo que Swans tocan por la mañana, a la 13.30 en el llamado Auditorio Primavera (Teatro La Estación, Principe Pío). *A lo largo de todo el finde, en este escenario Auditorio de Madrid se podrá ver a John Cale, Swans, Laurie Anderson, Julia Holter, Emeralds, Boris y Núria Graham.
Sábado
El sábado St Vincent y Maggie Rogers saldrán a la vez por la tarde, después lo harán Caroline Polachek y The War on Drugs, después lo harán Jockstrap y Kelela.
Calvin Harris coincidirá con Måneskin y Tokischa, y detrás de ellos cantará Rosalía a las 2 de la mañana, a la vez que el pobre Pional y Death Grips.
En Madrid Rosalía no coincide con Death Grips, sino con el principio de Bad Gyal, y con JPEGMAFIA. Antes de eso, un escenario muy parecido al catalán, solo que Caroline Polachek coincide con My Morning Jacket en lugar de con The War on Drugs.
Os recordamos que podéis escuchar nuestro podcast junto a la organización y también consultar nuestro Especial Primavera Sound. Ahí encontraréis recomendaciones grandes, medianas y pronto pequeñas sobre un cartel que reúne a gigantes como Rosalía, Depeche Mode, Kendrick Lamar, Pet Shop Boys, Laurie Anderson o St Vincent, solo por mencionar los primeros que nos están viniendo a la mente. La organización informa también de las incorporaciones de Blondshell (en Madrid), Liturgy (en Barcelona) y ABADIR y las bajas de Eddie Palmieri, Ezra Furman y Maral por motivos de salud.
La salida de ‘-‘ («substract» sucede a «=«, ‘÷‘, «x» y «+») encuentra a Ed Sheeran en un momento dulce. Ha ganado el juicio por plagio que le había organizado un co-autor de ‘Let’s Get It On’, y su caso va a sentar precedente. Tanto sus hijas como su esposa gozan de buena salud pese a un enorme susto. Y el cantante ha sumado otro número 1 en compañía de Max Martin con ‘Eyes Closed‘.
En cambio, los últimos años no han podido ser peores para el artista. Olvídate del juicio. Su mentor y uno de sus mejores amigos, Jamal, murió de un ataque al corazón a principios de 2022, con tan solo 31 años. A su mujer le encontraron un tumor mientras estaba embarazada de 6 meses, contra el que no podía hacerse nada hasta que diera a luz. Y también su abuela ha fallecido recientemente. «Substract» es el resultado de este periodo de angustia en lo que se definía como el álbum más oscuro de su carrera. Le pega llamarse «-» porque en casi todos los pasajes hay pocos elementos, menos que nunca: una guitarra o un piano, si acaso alguna caja de ritmos o algún arreglo de cuerda muy de fondo.
Las letras de este álbum nos hablan de momentos muy bajos: ‘Salt Water’ coquetea con el suicidio en el mar, encontrando cierta sensación de confort, de libertad «a 3 o 4 grados». ‘End of Youth’ da un dramático paso a la vida adulta con textos tan explícitos como siempre: «he estado deprimido desde que te fuiste, he intentado llenar ese vacío con vino, dejé las drogas desde que llegó ella». En otros, pelea. ‘Boat’ recibe su nombre de que asegura que «las olas no podrán romper su barco».
Hay muchos discos creados a partir del dolor y la desesperación más profunda, a partir de la enfermedad, de la pérdida de un ser querido o del miedo a la muerte. ‘Hospice’ de los Antlers, ‘Funeral’ de Arcade Fire, ‘11 de novembre‘ de Sílvia Pérez Cruz, o ‘Ghosteen’ de Nick Cave serían algunos de los más desoladores. Ed Sheeran, contra todo pronóstico, y a pesar de ser un experto en lograr la lágrima fácil, y a la sobresaliente ‘Thinking Out Loud’ me remito, ofrece aquí una colección de canciones sorprendentemente planas, inocuas, monótonas.
Por más que uno trate de empatizar con sus oraciones («¿qué puedo hacer sino rezar?», en ‘Vega’) o intentos de salir adelante «bailando con los ojos cerrados (‘Eyes Closed’), «Substract» solo aporta algo cuando deja de lado el factor acústico en favor de otra cosa. No ha hecho tan buen equipo Ed Sheeran con Aaron Dessner como su amiga en común Taylor Swift, y aquí únicamente se salvan ‘Curtains’ por su introducción de las guitarras eléctricas, ‘Colourblind’ por su caída tipo años 50 y ‘Dusty’ -un homenaje a Springfield, a la que escucha junto a su hija mayor-, por su caja de ritmos.
Demasiado a menudo ese Ed Sheeran que presume de escribir sus canciones recuerda a otras cosas. ‘Salt Water’ parece un tema de Coldplay, ‘Eyes Closed’ se puede cantar por encima de ‘Wrecking Ball’ de Miley Cyrus y ‘Life Goes On’ es un plagio, esta vez de sí mismo, por la vía de ‘Thinking Out Loud’.
Cuando es evidente que estás tan poco inspirado, lo mejor habría sido un disco de tan sólo 10 canciones sobre las que volver varias veces, y a las que coger cariño aunque solo fuera por su temática y desnudez. Pero Ed Sheeran escoge aquí una secuencia de 14 pistas y una infinidad de bonus tracks que «restan» -y mucho- en la carrera de alguien que nos ha dado tantos temazos como ‘Castle On the Hill‘ (que ya hablaba de los que se han quedado por el camino), ‘Shape of You’ o ‘Bad Habits’. Sheeran lleva años diciendo que quería hacer su ‘Nebraska’; esperemos que este no haya sido su intento.
No solo Beyoncé ha estrenado gira esta noche. The Cure también han dado comienzo a su anunciado tour por Norteamérica, ese del que tanto se ha hablado a raíz de la cruzada pública de Robert Smith contra Ticketmaster, sus dichosas entradas dinámicas y sus elevados gastos de gestión.
El primer concierto de la gira de The Cure en Norteamérica (la primera desde 2016) ha tenido lugar en Nueva Orleans y no ha producido grandes noticias. El grupo ha tocado tres canciones nuevas, ‘Alone’, ‘And Nothing is Forever’ y ‘A Fragile Thing’, que ya se habían estrenado previamente.
Lo que sí ha hecho The Cure es recuperar de su extenso catálogo dos viejas canciones que no tocaba desde hace casi 40 años. En concreto 36, pues son dos composiciones que Robert Smith y compañía jubilaron de sus directos tan pronto como en el año 1987.
La primera canción resucitada ha sido ‘A Thousand Hours’, una de las joyas que incluía el impresionante disco de The Cure de 1987 ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me‘. El grupo ha tocado ‘A Thousand Hours’ después de ‘Want’ y antes de ‘At Night’. Después, Smith y los suyos han viajado un par de años atrás en el tiempo para recuperar ‘Six Different Ways’, de su disco de 1985 ‘The Head on the Door‘. Esta ha sonado justo después de ‘Lullaby’ y antes de ‘The Walk’.
La actual gira de The Cure concluye en julio en Miami, mientras su nuevo disco, ‘Songs for the Lost Word’, sigue sin anunciarse. Así les ha quedado el setlist de esta noche:
01 Alone
02 Pictures Of You
03 A Night Like This
04 Lovesong
05 And Nothing Is Forever
06 The Last Day Of Summer
07 A Fragile Thing
08 Cold
09 Burn
10 Fascination Street
11 Push
12 Play For Today
13 Shake Dog Shake
14 From The Edge Of The Deep Green Sea
15 Endsong
/////
16 I Can Never Say Goodbye
17 Want
18 A Thousand Hours
19 At Night
20 A Forest
/////
21 Lullaby
22 Six Different Ways
23 The Walk
24 Friday I’m In Love
25 Doing The Unstuck
26 Close To Me
27 In Between Days
28 Just Like Heaven
29 Boys Don’t Cry
Lola Indigo ha conseguido un nuevo megahit con ‘El Tonto‘, una colaboración con Quevedo que ha sido número 1 en España y se mantiene el 2. Parte de la redacción evalúa ‘El Tonto’ y debate si esta es realmente la mejor canción de ‘EL DRAGÓN‘.
«Mientras en España son muchos quienes se resisten a tomarse a Lola Indigo en serio, y solo hay que pasarse por la sección de comentarios de esta misma web para comprobarlo, en foros internacionales como el de Popjustice se escriben cosas como que «soy fan de España y su continuado gusto musical» aludiendo precisamente al número 1 conseguido con ‘El Tonto’. Resulta que hay gente en las islas británicas que valora ‘El Tonto’ porque «su estribillo es perfecto», especialmente los «ligeros cambios melódicos» que ocurren cada vez, y el «delicioso contraste» entre las voces de Lola Indigo y Quevedo.
‘El Tonto’ va camino de convertirse en el mayor éxito de toda la carrera de Lola Indigo. Ha sido también la mayor apuesta del disco, pero ha tardado en llegar. Pensé que ‘La Santa’ podría convertirse en hit, pues su loca estructura y su letra medio borracha conforman una de las composiciones más cachondas de Lola Indigo. ‘Animal’, en clave house-pop, ha sido un pedazo de «grower». Y aún es difícil escoger entre los pepinazos (‘Discoteka’) y los que buscan hacer pupa en el «cora» y lo consiguen (‘Turismo’). Sin embargo, ‘El Tonto’ se lleva la palma con su ajustado equilibrio entre reggaetón discotequero y la estética sci-fi de su base musical, representando el disco mejor que ningún otro de sus temas». Jordi Bardají
«Lola Indigo es de las personas más listas y con más olfato pop que ha salido de ‘Operación Triunfo’, y en su último disco lo vuelve a demostrar, siendo ‘EL TONTO’ su último ejemplo. Los ganchos, las referencias (la mención al “reggaeton de antes”, sí, pero ¿soy el único al que el principio le recuerda a ‘The Sound of Silence’ de Simon & Garfunkel?) y autoreferencias (“aquella niña de la escuela”), incluso la decisión de usar una palabra aparentemente tan naíf como “tonto”; todo es el talento de Mimi creando otro bop que, además, en este caso ha resultado megahit.
Pero, precisamente por esto, mi favorita del disco es ‘DRAGÓN’, inaudita hasta ahora en la discografía de la granadina, que desde ahora cuenta con su propio ‘Everytime’ (con más mérito, en mi opinión). Mimi ya nos había dado temas más personales bastante apañaos como ‘Spice Girls’ o ‘Luna’, pero ‘DRAGÓN’ -con Belén Aguilera como copilota en el piano- pone los pelos de punta a través de versos como “yo ya no me reconozco cuando me enfrento conmigo en el espejo / las heridas que me hice no me las perdonaré”, “voy en un avión, tengo ganas de abrir la puerta / no importa morir, si cayéndome estoy despierta” o el magnífico pre-estribillo, todo ello con Mimi en una de las mejores interpretaciones de su carrera. ‘DRAGÓN’ es todo un cierre de bocas a quienes miran su figura por encima del hombro porque solo la ven capaz de hacer bops (como si eso fuera poco, también te digo)». Pablo Tocino
Renovamos nuestra playlist dedicada al pop en castellano o nacional «Sesión de Control», comenzando por una de las canciones más curiosas de ‘Más allá’ de Surfin’ Bichos, nuestro «Disco de la Semana». Últimamente es normal que algunos discos nacionales adelanten su lanzamiento del viernes al jueves para tratar de llamar la atención del público al margen del saturado fin de semana. Fue el caso de Carlangas y es el de hoy 11 de mayo ya del esperado disco de SIMONA, que ha venido precedido de temas tan interesantes como ‘MELONI’ y del que hoy destacamos el corte ‘POLIDRAMA’.
También tenemos ya entre manos el disco nuevo de Hidrogenesse. Se trata de una banda sonora para ‘La alarma’ de Nacho Vigalondo, su contribución a los remakes de la serie Historias para no dormir. Ya sabéis además que Hidrogenesse se han involucrado recientemente en ‘La Mesías’, la nueva serie de Los Javis, en la que aparece Amaia.
Hoy se han publicado dos temas nuevos de Samantha Hudson de cara a su nuevo EP, de los cuales seleccionamos ‘Vodka Redbull’. Y para continuar con los beats espídicos, recomendamos también el hyperpop de PEDRAXE.
dani se suma al fantástico tema de synth-pop de MENTIRA, ‘NO SÉ QUÉ DECIRTE’. Desde antes de esto, MENTIRA es una banda que puede gustarte si adoras, como nosotros, a Cupido. En una línea relativamente parecida, el ‘Te llevo a donde sea’ de San Tosielo.
Completamos con un tema del EP de Vince Aloé, en este caso próximo al drum&bass; otro del EP de Muro María; y con julia amor, la nueva apuesta de Primavera Labels, que ha publicado un álbum llamado ‘lo que pensé que era el amor’. Seleccionamos ‘ya no lo siento’, el corte final, próximo al dream pop.
Por último, el tema más indie-dance de la joven madrileña toorai, ‘Mochi’ de Lisasinson y el tema con el que Baiuca rinde un nuevo homenaje a la tradición gallega. Esta vez se trata de una interpretación de uno de los mayores clásicos de la música tradicional gallega, popularizado por las pandereteiras Leilía, que se retiran. Baiuca ha transformado el clásico ‘Verde – Gaio’ en ‘Vai tu’.
Benidorm Fest buscará afianzarse definitivamente en su tercera edición, la de 2024, después de los resultados decepcionantes obtenidos en su segundo año. La gala final mejoró los resultados de las semifinales, como por otro lado era de esperar, pero en números globales la segunda edición de Benidorm Fest quedó lejos de la consolidación.
Para ello, TVE ha anunciado que el formato de Benidorm Fest sufrirá una transformación «radical», desde las bases. En concreto, se han planteado tres propuestas: crear un equipo directivo propio, reclamar una parte de los derechos de las canciones y apelar al público heterosexual.
Inspirándose en San Remo, TVE creará un equipo directivo de Benidorm Fest con el objetivo de dotar al formato de una identidad propia más allá de Eurovisión. Se espera que los integrantes de este equipo directivo tengan relaciones con las discográficas para que los contenidos del festival se extiendan a lo largo del año.
En cuanto a la caza de nuevas audiencias, TVE intentará apelar en concreto a las «mujeres heterosexuales», en las que adivina un público potencial que no se está explorando, pues por ejemplo el público de Rigoberta Bandini es transversal.
Finalmente, TVE explica que hasta ahora no ha cobrado un céntimo de los derechos de las canciones presentadas en Benidorm Fest, pero que esto cambiará en la tercera edición para que, en caso de conflicto, las discográficas no tengan la última palabra.
En cuanto al talento participante en Benidorm Fest, TVE seguirá apostando por un abanico de “pesos pesados de la industria y jóvenes valores” y, además, agilizará el proceso de selección evitando que este se ralentice por intereses externos.
Esta semana el cantautor Charlie Cunningham llega a nuestro país para presentar en Barcelona (Razzmatazz), Valencia (Jerusalem) y Madrid (Teatro Eslava) su tercer trabajo. Este acaba de salir al mercado con el nombre de ‘Frame’.
Bajo este «marco» se encuentra un nuevo álbum de sonido folk minimalista que se describe como «la banda sonora perfecta del crepúsculo». En este disco ha querido dejarse empapar un poquito más por lo que su equipo define como «art rock, jazz de la era dorada y composición neoclásica».
Algunos temas nuevos como ‘So It Seems’ o ‘Bird’s Eye View’ podrían acercarse a los territorios de alt-J; y ‘Shame I Know’ al jazz. Pero Charlie Cunningham, que ha triunfado en el pasado con temas de americana como ‘Minimum‘ y con incluso algún guiño kraut como ‘Permanent Way‘, continúa haciendo del menos es más su virtud. Así, aunque no figuren entre los muchos singles que se han lanzado de ‘Frame’, hay que destacar la calidez de ‘Friend of Mine’ o el acercamiento a la chanson y al pop de cámara de ‘Pathways’. Ahí es difícil recordar que siga siendo británico y no francés o estadounidense.
Oficialmente, las letras biográficas del disco combinan lo personal con lo político, planteándose como «una oración hacia la naturaleza cuando todo el mundo duerme». ‘Shame I Know’, por ejemplo, es una canción con diferentes interpretaciones, en la que los interlocutores se preguntan de dónde viene la violencia de un joven, entre arreglos de piano y trompeta.
Charlie Cunningham viene a España para presentar viejas y nuevas canciones, y además desde Last Tour nos recuerdan que tiene una especial fascinación por nuestro país, pues vivió dos años en Sevilla, aunque en este caso no vaya a visitar la ciudad. Sí vio documentales y fue a tablaos, concluyendo: «Creo que se necesita toda una vida para llegar a ser un guitarrista profesional, pero aprendí mucho mientras estuve viviendo allí».
Os dejamos con las fechas de los conciertos:
12 Mayo – Barcelona, Razzmatazz
13 Mayo – Valencia, Sala Jerusalem
14 Mayo – Madrid, Teatro Eslava
Doja Cat se ha propuesto ser la mayor trol de internet, o la mayor pesadilla de su publicista. Ahora ha decidido renegar de sus dos anteriores discos, ‘Planet Her‘ (2021) y ‘Hot Pink‘ (2019). El caso es que lo ha hecho públicamente, sin que nadie le haya preguntado, un poco por agitar el gallinero de Twitter, claro que con Doja es imposible saber dónde empieza y acaba la broma.
Además, ha implicado a sus fans: «‘Planet Her’ y ‘Hot Pink’ eran dos sacacuartos y vosotros caísteis como moscas. Ahora ya puedo irme y desaparecer en una isla con mis seres queridos mientras vosotros perdéis la compostura por un pop mediocre». Doja no ha hecho alusión a su primer disco, ‘Amala’ (2018), no se sabe si porque le gusta o porque ha olvidado su existencia.
Doja por supuesto no es la primera artista que echa pestes de su trabajo previo. No hemos olvidado las palabras de Lykke Li sobre su primer disco, las de Charli XCX sobre la época de ‘Sucker’, o las de Radiohead sobre ‘Creep’, míticas (claro que ellos se han reconciliado con su hit).
Es habitual que los artistas, en su camino hacia la madurez artística y personal, encuentren fallos en sus primeros trabajos o defiendan que el último es el mejor. Los primeros suelen estar marcados por un carácter menos profesional, más naíf o suelen estar supeditados a decisiones comerciales con los que los artistas no se identifican. Este parece ser el caso de Doja, que prepara un disco bastante experimental y oscuro, en el que no habrá pop.
Sin embargo, no podemos evitar quitarle la razón a Doja cuando dice que ‘Planet Hear’ y ‘Hot Pink’ son mediocres. Si es que lo dice en serio, claro. Ambos eran muy buenos discos de pop y, aunque es evidente que Doja se ha beneficiado de la ausencia de Rihanna en todo este tiempo, aún ‘Planet Her’ lograba ser uno de los mejores discos de su año, capaz de producir un puñado de hits y entretenido en su totalidad.
En otro mensaje, Doja ha vuelto a confundir con la información sobre su próximo album y ha dicho que este ya no se va a llamar ‘Hellmouth’ (si es que este iba a ser realmente su título) sino que recibirá el nombre de ‘First of All’. Habrá que verlo para creerlo…
Si has estado en internet en los últimos días seguramente te has enterado de que Shakira y Tom Cruise han pasado un rato juntos en el Grand Prix de Fórmula 1 celebrado este fin de semana en Miami. Según el tabloide PageSix, Cruise está «extremadamente interesado» en Shakira e incluso le ha enviado «flores» para cortejarla.
El actor no se ha pronunciado sobre los rumores, pero Shakira sí y lo ha hecho para desmentirlos a través de US Weekly: «Shakira lo pasó muy bien con Tom en la F1 pero no está interesada en salir con él. (Tom) fue muy agradable, y ella disfrutó de su compañía, pero no está pensando en salir con él ni con nadie, ya que está centrada en sus hijos y en su carrera».
El rumor ha sido suficiente para dar pie a los memes de rigor, muchos de los cuales aluden a las parejas tan inesperadas que estamos conociendo últimamente, pues por ejemplo Bad Bunny y Kendall Jenner están saliendo, y lo de Taylor Swift y Matt Healy está confirmado. Otros hacen referencia a aquella cosa llamada cienciología.
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Como cuenta US Weekly, Shakira está enfocada en su carrera y acaba de lanzar una canción nueva, ‘Acróstico‘. Se trata de una sentimental balada cuya letra Shakira ya avanzó en redes hace unas semanas: «Lo único que quiero es tu felicidad. Pero las cosas no son siempre como las soñamos, a veces corremos pero no llegamos, nunca dudes que aquí voy a estar». La portada, infantil, representa un pollo con sus dos polluelos, por lo que se entiende que Shakira dedica ‘Acróstico’ está a sus dos hijos o en general al amor maternal.
Mientras, Shakira sigue triunfando con sus dos éxitos recientes, ‘TGQ’ con Karol G (nº9 en Spotify España) y su sesión con Bizarrap (nº29). Sobre el disco que se encuentra preparando se sigue sin saber absolutamente ningún detalle oficial.
Por otro lado, ya se ha confirmado la primera fecha del juicio de Shakira por evasión fiscal: el 20 de noviembre. El juicio, en el que Shakira deberá testificar acusada de cuatro delitos contra la Hacienda Pública, se celebrará en Barcelona, se compondrá de 12 sesiones y contará con 200 testigos.
La gira ‘Renaissance‘ de Beyoncé, que llega a España en junio, ha comenzado su recorrido en Estocolmo, Suecia. El primer concierto de la gira de ‘Renaissance’ ha supuesto el debut en directo de todas las canciones del disco, pues, en su última actuación en vivo, que a su vez era la primera en cinco años, ofrecida en un hotel de lujo, Beyoncé solo recuperó temas viejos.
Y recuperar temas viejos es lo que ha hecho Beyoncé en el inicio de la gira de ‘Renaissance’: el acto inaugural ha sorprendido por su apoyo en las baladas, como si Beyoncé se hubiera teloneado a sí misma cantando cosas como ‘Dangerously in Love o ‘Flaws and All’. El segundo acto se ha centrado, ahora sí, en el primer tramo de ‘Renaissance’ y el tercero ha incorporado ya ‘Break My Soul’ y ‘Cuff It’.
Después, el concierto de ‘Renaissance’ se ha zambullido en la amplia discografía de Beyoncé con las inclusiones de ‘Formation’, ‘Diva’ o ‘Love on Top’, intercaladas con más adiciones de ‘Renaissance’, algunas animadas con samples tipo ‘Toxic’ de Britney, en ‘Thique’, o ‘Move Ya Body’ de Nina Sky, en ‘Move’.
No todos los grandes hits de Beyoncé han encontrado su lugar en este setlist que se ha desarrollado hasta las casi 3 horas de concierto. ‘Crazy in Love’ permanece inamovible, no así ‘Halo’ y ‘Single Ladies’, ya jubiladas, al menos, en este concierto inaugural, y seguro que en beneficio del repertorio de ‘Renaissance’.
Mason Poole
El show naturalmente ha contado con una escenografía lujosa y espectacular que se ha caracterizado por su componente «disco» y también por su componente sci-fi, con Beyoncé por ejemplo actuando encima del caballo plateado que aparece en la portada de su disco. Se dice, se comenta, que las coreografías han abundado menos que otras veces, lo cual tendría sentido pues Beyoncé se ha estado recuperando de una operación de tobillo. Tampoco se ha estrenado ningún «visual», aunque Beyoncé ha aludido a la ausencia de videoclips en una de las imágenes proyectadas en las pantallas, recordando que la «reina se mueve a su ritmo».
Setlist:
Dangerously in Love
Flaws and All
1+1 / I’d Rather Go Blind / I’m Going Down
I Care
I’m That Girl
Cozy
Alien Superstar / Sweet Dreams
Lift Off
7/11
Cuff It
Energy
Break My Soul
Formation
Diva
Run the World (Girls)
My Power
Black Parade
Savage (Remix)
Church Girl
Get Me Bodied
Before I Let Go
Rather Die Young
Love on Top
Crazy in Love
Green Light
Freedom
Plastic Off the Sofa
Virgo’s Groove
Naughty Girl / Say My Name / Rocket
Move
Heated
Thique
All Up in Your Mind
Drunk in Love
America Has a Problem
Pure/Honey
Summer Renaissance
A Dolly Parton le dio un poco de reparo que le nominaran al Rock and Roll Hall of Fame sin haber publicado nunca un disco de rock propiamente dicho. Y lleva 48. Así que para el 49º ha decidido ponerse el disfraz de «estrella del rock» y llamar a sus amigos de la industria.
‘Rockstar’ no sale hasta el 17 de noviembre, pero el tracklist, compuesto por versiones, es generoso en pistas (30) y en colaboraciones. Dolly ha juntado a Paul McCartney y a Ringo Starr en una cover de ‘Let it Be’ y por aquí se pasarán también Stevie Nicks, Debbie Harry, Sting, Elton John, Steven Tyler, Joan Jett e integrantes de Bon Jovi o Creedence, entre muchísimos otros.
El nuevo álbum de Dolly también contará con artistas actuales: Miley Cyrus está por supuesto involucrada (cantará ‘Wrecking Ball’), pero también P!nk, que versionará ‘Satisfaction’ de los Rolling Stones con Brandi Carlile; y Lizzo, que tocará su flauta en una versión de ‘Stairway to Heaven’.
En la secuencia solo tres cortes no cuentan con artistas invitados, estos son, las covers de ‘Purple Rain’ y ‘We Are the Champions’, y el primer single ‘World on Fire’, que ya está disponible bajo estas líneas.
‘ROCKSTAR’:
1. «Rockstar» (special guest Richie Sambora)
2. «World on Fire»
3. «Every Breath You Take» (feat. Sting)
4. «Open Arms» (feat. Steve Perry)
5. «Magic Man» (feat. Ann Wilson with special guest Howard Leese)
6. «Long as I Can See the Light» (feat. John Fogerty)
7. «Either Or» (feat. Kid Rock)
8. «I Want You Back» (feat. Steven Tyler with special guest Warren Haynes)
9. «What Has Rock And Roll Ever Done For You» (feat. Stevie Nicks with special guest Waddy Wachtel)
10. «Purple Rain»
11. «Baby, I Love Your Way» (feat. Peter Frampton)
12. «I Hate Myself for Loving You» (feat. Joan Jett & the Blackhearts)
13. «Night Moves» (feat. Chris Stapleton)
14. «Wrecking Ball» (feat. Miley Cyrus)
15. «(I Can’t Get No) Satisfaction» (feat. P!nk and Brandi Carlile)
16. «Keep On Loving You» (feat. Kevin Cronin)
17. «Heart of Glass» (feat. Debbie Harry)
18. «Don’t Let the Sun Go Down on Me» (feat. Elton John)
19. «Tried to Rock and Roll Me» (feat. Melissa Etheridge)
20. «Stairway to Heaven» (feat. Lizzo and Sasha Flute)
21. «We Are the Champions»
22. «Bygones» (feat. Rob Halford with special guests Nikki Sixx & John 5)
23. «My Blue Tears» (feat. Simon Le Bon)
24. «What’s Up» (feat. Linda Perry)
25. «You’re No Good» (feat. Emmylou Harris & Sheryl Crow)
26. «Heartbreaker» (feat. Pat Benatar & Neil Giraldo)
27. «Bittersweet» (feat. Michael McDonald)
28. «I Dreamed About Elvis» (feat. Ronnie McDowell with special guests The Jordanaires)
29. «Let it Be» (feat. Paul McCartney & Ringo Starr with special guests Peter Frampton & Mick Fleetwood)
30. «Free Bird» (feat. Ronnie Van Zant with special guests Gary Rossington, Artimus Pyle and the Artimus Pyle Band)
Sam Eastgate, más conocido por su pseudónimo LA Priest, presenta su tercer disco en solitario ‘Fase Luna’, un trabajo que se distancia del sonido electrónico que caracterizan sus obras anteriores. El que fuese miembro de la ya desaparecida banda Late of the Pier, se embarca este mes en una gira europea para presentar su tercer largo. Pese a que no hay fechas en España, el músico inglés pasó por nuestro país para su promoción.
En una muy calurosa tarde madrileña, me reuní con él en el jardín del Hard Rock Hotel de Atocha y hablamos sobre su nuevo giro estilístico, las ventajas e inconvenientes de hacer un álbum conceptual, la onírica belleza de bucear en cuevas o la posible magia de la inteligencia artificial.
Este es tu tercer álbum en solitario, se llama ‘Fase Luna’, ¿de dónde viene este título?
Los amigos en Costa Rica que conocimos allí me dejaron grabar gratis en unas pequeñas cabañas en la jungla. Allí tenían varios panfletos sobre los proyectos que hacen, sobre un método de agricultura según el que cultivan sus frutas y verduras dentro del bosque debajo de una especie de dosel y les va sorprendentemente bien. Tenían todos estos panfletos con dibujos del bosque y los estados de la luna. Yo no entendía español así que para mí era parte de la atmósfera del sitio donde yo estaba. Pregunté si podía usarlo para la portada, por lo que durante mucho tiempo la portada iba a ser un dibujo del bosque con las palabras Fase Lunar, con esa “R” al final. Cuando iba a ponerle un nombre al álbum, nuestros amigos de allí, que también tomaron la foto de la nueva portada, me dijeron “no, tienes que llamarlo Fase Luna, es más guay”. No sé por qué, al parecer suena como más artístico. En cuanto al título se lo tengo que agradecer casi todo a mi amigo Javier porque él me dio el sitio para grabar el álbum. Pero yo siempre supe que la luna era importante para la temática acuática del disco: la vida en el océano, el moverse con las mareas… Vi todo eso como el enlace entre la luna y la temática del mar.
Claro, el mar tiene un lugar muy importante en el disco.
Sí, podía haber llamado al disco algo relacionado con el mar, pero a veces no quieres ser demasiado obvio.
Has hecho el disco en Latinoamérica, concretamente en México y en Costa Rica ¿Siempre tuviste planeado hacerlo allí o simplemente surgió así?
Desde mi primer álbum tenía la vaga idea de grabar un álbum en la playa. Solía ver una serie británica de dibujos animados cuando era pequeño que se llamaba ‘Charlie Chalk’, y es sobre un payaso y otros animales que están en una isla desierta. Siempre pensé que parecía una vida maravillosa ser náufrago en una isla al sol, no sé por qué. Siempre me ha gustado esa idea del naufragio [risas]. Cuando hice aquel proyecto llamado Soft Hair con Connor Mockasin, él y yo intentamos hacer sonidos del mar, probamos conseguir ese “vibe” marítimo, de estar en una isla desierta, y hay algunos interludios ahí que de alguna manera son precursores de este nuevo disco. Hay muchos discos que tienen un aire tropical o tienen esa especie de música de playa pero creo que no había nada que tuviese la cualidad inmersiva que estaba buscando. Quería profundizar en ese mundo con este disco.
«Siempre me ha seducido la idea de naugrafio»
En este álbum te alejas de los sintetizadores. Hasta ahora era prácticamente el elemento principal de tu música, ¿por qué?
No estaba para nada planificado. De hecho, el plan para mi tercer disco en un principio era que fuese todo sintetizadores, llevándolo bastante al extremo. Quería hacer un álbum que fuese como un viaje desde el principio hasta el final. Mis dos primeros discos lo forman canciones [independientes] que funcionan juntas, pero quería que este tercer álbum fuera una experiencia completa. Cuando llegué a México los sintetizadores no me estaban dando ese sonido [que buscaba]. Metí en una pequeña maleta todo lo que me cabía, mini teclados y cosas así. Y empecé con ellos, pero no era el sonido orgánico que me estaba inspirando cuando iba a nadar y cosas así. No sentía que los sintetizadores formaran parte de ese mundo subacuático.
¿Cuáles fueron tus inspiraciones?
¿De cualquier cosa o sólo de música?
Cualquier cosa.
En esa época, incluso antes de llegar a México, estaba viendo muchos vídeos sobre buceo en cuevas -me aficioné a ese pequeño nicho- en Youtube. Me parece muy extraño porque no creo que nunca pudiera hacer eso y odio la idea de tener que respirar a través de una manguera o algo así… Cualquier cosa de ese tipo no la veo para mí, pero hay grandes imágenes de gente yendo a estos sitios y es lo más cercano que tenemos a un mundo alienígena.
Supongo que lo que me fascina es la naturaleza de los sueños y cómo tenemos la habilidad en este mundo de experimentar situaciones que parecen sacadas de sueños. Es curioso porque no todo el mundo tiene tiempo para la fantasía en su vida y la forma en la que mucha gente escucha música es como si esta fuese la banda sonora de un modo de vida moderno: estando en una ciudad o a través de una máquina. Yo siempre pienso que tiene que haber tiempo para todos para experimentar más del mundo que nos rodea y ver su variedad. Yo he podido verla porque tengo la suerte de haber podido viajar, siento que ya he visto más de un mundo. Tengo esa ansia por conocer mundo.
«Tenemos que experimentar más del mundo que nos rodea y ver su variedad»
¿Y sobre música? ¿tuviste alguna referencia para hacer el disco?
Sí, muchas cosas. Hoy hablaba sobre Haruomi Hosono, que tiene dos discos al menos que salieron a finales de los 70 que tienen esa cosa de crear una parte del mundo dentro de un disco. Uno de ellos es una banda sonora falsa para una película india y es estupendo. Básicamente hay muchos discos que han intentado esto en el pasado y hay muchas maneras de hacerlo. No hay límites a la hora de cómo crear esas atmósferas, y yo además también quería escribir canciones y ver si podía juntar estas dos ideas, y eso fue lo más difícil. Cómo hacer una especie de banda sonora cinematográfica y a la vez escribir canciones simples. Te pierdes un poco por el camino y no sé si realmente he hecho alguna de las cosas que planeaba hacer… Demasiadas ambiciones…
Me gustaría preguntarte sobre tu proceso de escritura. Tus letras son algo elusivas, a veces no entiendo muy bien a lo que te refieres, pero ayudan a crear esa aura misteriosa que tiene el disco…
Siempre he trabajado un poco así, con que no tiene por qué tener sentido. Escribir letras siempre ha sido lo más complicado para mí porque todo lo demás es accidental en mi música: las melodías surgen casi solas, los sonidos cambian las cosas hasta que algo pasa… Pero al escribir cosas y planear, que todo tenga sentido no es algo que me guste hacer. Es, de alguna forma, pereza, lo reconozco, porque lleva mucho trabajo, pero esto también puede hacer que dejes de amar la música que estás haciendo si trabajas demasiado y te quedas estancado en intentar buscar sentido a todo o en ser inteligente usando palabras. Planear las cosas demasiado puede arruinar tu música: ya no vas a poner tu energía en esa canción. La pierdes. Me ha pasado con muchas canciones en el pasado que de repente se siente como que ya no es mía, ya no me gusta cuando la he acabado porque ha sido tan duro de hacer… Es algo mágico ver palabras que nunca verías juntas en, por ejemplo, una carta. Mucha de mi música favorita es así. Se me viene a la mente Pixies, que son un buen ejemplo en cómo usan palabras que no deberían ir juntas pero de alguna forma sabes de lo que están hablando.
«Planear las cosas demasiado puede arruinar tu música: ya no vas a poner tu energía en esa canción. La pierdes»
Es como describir un sentimiento…
Sí, encuentras una nueva forma de describir. Esa idea de que cuando no sabes cómo describir algo tienes que revolver un poco las cosas, o decir una palabra de forma diferente. Si gritas una palabra puede significar algo distinto… Hay muchos trucos que puedes usar para dar vida a una historia.
Por lo que has dicho, cuando escribes una canción las letras siempre son lo último… ¿qué viene primero?
Últimamente siempre el ritmo. Creo que debes tener un ritmo para tener una melodía. Un ritmo puede empezar a “cantar” la melodía. Cuando he probado distintas formas de grabar canciones, cambias la velocidad o el ritmo y puedes perder todo lo bueno de la música. La melodía suena como si fuese distinta, la canción entera se pierde o se gana mediante el ritmo. Creo que con este disco lo he pensado de manera en la que puedes quitar la percusión y seguiría siendo un buen disco, incluso puede que uno mejor. Las percusiones son increíbles y estoy muy contento con ellas, pero mi idea original, este rollo subacuático, casi sería mejor sin nada así de sólido, con un sonido puramente líquido. Siento que podría sacar una versión sin las percusiones, seguro que se puede hacer con un programa de ordenador o lo que sea.
«En este disco puedes quitar la percusión y seguiría siendo un buen disco, incluso puede que uno mejor»
¿Fue un reto conseguir la atmósfera total y la cohesión del álbum?
Creo que sobre todo me puse retos a mí mismo, como juntar las canciones, que es algo que siempre me ha ayudado a escribir porque sabía donde quería ir. Por ejemplo la canción ‘Silent’, tiene un cambio de tono hacia la mitad y solo porque quería que se ajustara a la siguiente canción. Esto te ayuda a escribir. Si no se te ocurre adónde ir después de un minuto, sabes que tienes que rellenar ese hueco y tiene que terminar con cierta nota o en cierta velocidad. Hay muchos cambios de velocidad a la mitad de muchas de las canciones de este disco para conseguir que todo fluya. Pero como digo, no es que sea más complicado, sino que se hace hasta más fácil. Es casi como si tuvieras un jefe diciéndote “tienes que hacer esto”. No estás totalmente abierto, solo tienes unas pocas opciones de hacerlo ahora. Lo encontré más fácil a veces.
¿Así que cuando estás componiendo una canción siempre sabes cuál va a ir después?
Nunca había hecho esto antes en ningún disco. Solo un poco en el disco de Soft Hair que, como he dicho, es un poco el precursor de este. No sé si volveré a hacerlo porque esto te fuerza a hacer un tipo concreto de música cuando tienes esta estructura. Hice como 100 canciones [para el disco] y son solo las que están en el álbum las que funcionan. Había muchas buenas canciones que he tenido que dejarlas para otros proyectos porque no encajaban en este mundo. Tendrán que ir al disco de sintetizadores o lo que sea…
«Uno de los trucos que usé fue tocar acordes que no toco normalmente»
¿Es siempre así tu proceso creativo? ¿Haces muchas canciones para cada disco y solo unas pocas pasan el corte?
Ahora consigo escribir más. Los dos primeros discos tienen realmente todas las canciones que había hecho. No tenía muchas más opciones. Ahora he encontrado algunos trucos para escribir. Tenía que encontrar una manera de escribir más y más música por la estructura [conceptual]. No encontraba la canción perfecta inmediatamente, a veces tenía que pasar por unas 20 ideas hasta que algo me hiciera “click”. No era tanto sobre escribir más música sino escribir ideas mejores hasta que diese con lo mejor que era capaz de hacer.
Uno de los trucos que usé fue tocar acordes que no toco normalmente. Cuando tocas la guitarra durante mucho tiempo, pasa esta cosa horrible en la que caes en el mismo acorde o se te va siempre a la misma melodía. Me forcé a mí mismo para escribir notas y tocar cosas que no solía tocar. Y sonaban fatal al principio. Muchas de las canciones de este disco empezaron con acordes que en un principio pensé que no iban a funcionar. Pero me decía a mí mismo que tenía que tocar esto durante un rato hasta que algo funcionase o no, y seguir adelante. Pasaba como una hora cada día haciendo 20 ejercicios con eso y después solo las escuchaba al final de la semana. Escuchaba como 100 ideas y solo una o dos funcionaban. Debería seguir trabajando así porque me fue muy bien.
¿Cuánto tardaste en completar el disco?
Desde julio de 2021 hasta marzo de 2022. Unos ocho meses. No había pensado en esto, habría pensado que era un año por lo menos. Parece que han pasado dos en realidad porque lo que uno quiere es terminarlo después de seis meses.
Supongo que puede llegar a ser una experiencia muy intensa.
Sí y ya quieres empezar a dar conciertos otra vez y hacer otras cosas con tu vida más que estar sentado en una habitación con solamente un trabajo.
¿Alguna vez llegas al punto en el que estás demasiado inmerso en el proceso que necesitas distanciarte de ello un poco?
Todo el tiempo. Para mí es siempre así. Creo porque hago muchas cosas a la vez, necesito mezclarlo mientras lo grabo porque me gusta escuchar la versión “final” incluso mientras lo estoy haciendo. Estoy intentando ser menos así. Con la última canción que grabé, el single ‘It’s You’, no hice nada de eso. Creo que es la canción más rápida que he grabado, creo que fue en dos días. Que seguramente no es para tanto, mucha gente lo puede hacer, pero para mí fue liberador grabar la primera parte, hacer la parte de guitarra, la de bajo y seguir adelante…
Me gustaría saber cómo llegaste a ese verso en español en ‘Sail On’.
Escuché la demo de esa canción y sonaba como si estuviera cantando algo en japonés. Todas las líneas terminaban en “o”. Estaba intentando encontrar algo profundo en japonés para cantar. Iba a ser en japonés, pero te puedes imaginar lo que pensé: estoy en México, en Costa Rica… si voy a poner alguna otra lengua debería ser español, y también porque el sonido “o” es muy común en español. Encajaba muy bien. No aprendí a hablar español, sino que hice trampa. Usé el traductor de Google.
A veces estas cosas pueden ser mágicas incluso si vienen de corporaciones horribles. Son raras las máquinas, no creo que quiten el misterio. A veces creo que las máquinas, aunque vengan de cosas aburridas como Google, van a la par contigo. Yo sabía el sonido que quería hacer… por ejemplo “llorando”, esa es una buena palabra para tener en tu canción. Si las máquinas junto con el ser humano podemos hacer eso, me parece estupendo.
Creo que va a favor de la canción, ese verso en español le da un toque intrigante
Sí, y estoy muy de acuerdo con mucha gente que está preocupada por la inteligencia artificial. Podrías decir que esta es una situación similar, hay una línea borrosa entre si está haciéndolo la persona o la máquina. Pero creo que hay algunas cosas que pueden salir de esto realmente mágicas. Si pudiésemos combinar nuestros esfuerzos con las máquinas… y hay humor en esto también. No sé, no soy optimista ni pesimista. Creo que no deberíamos usarlo para conseguir cosas que ya tenemos. Como cuando los sintetizadores empezaron a hacerse mainstream a finales de los 70, que menos mal que la gente no empezó a hacer sonidos de trompetas con ellos. Por suerte la mayoría de la gente empezó a hacer ruidos que se suponía que no tenían que estar en discos… Creo que eso no es lo que me has preguntado… [risas]
«También he hecho un EP. Es una manera de sacar más canciones y eso está bien»
Ya que hablas de sintetizadores, ¿tienes pensado volver a ellos en tu próximo proyecto? ¿has pensado en él ya?
Pienso en él de vez en cuando, sí. No sé, no puedo decir mucho ahora mismo. He hecho un EP. Nunca había hecho un EP antes… No me gustaba mucho la idea al principio, fue una sugerencia por parte de mi sello, pero empecé a escribir canciones y en realidad, es hacer lo que me gusta, es hacer música. Es una manera de sacar más canciones y eso está bien. A veces le doy demasiado valor a los álbumes, y debería hacerlos más rápido realmente. De otro modo estoy esperando a que las cosas sean perfectas y no saco todas las canciones que podría sacar.
Tengo muchas ganas del EP, lo he hecho muy rápido y me gustan algunas canciones más que las del álbum. Seguramente porque aún no las he escuchado tantas veces. Esto me ha inspirado a trabajar así otra vez en mi próximo largo. A hacer un álbum rápido.
Nicki Minaj suma 123 singles según la Wikipedia, que según como se mire, podrían ser un par de decenas más o un par de decenas menos. Pero lo seguro es que solo tiene 4 discos, y el último de ellos, ‘Queen’, salió hace casi 5 años.
Eso cambiará en algún momento de 2023, pues en respuesta a un tuit, la cantante acaba de revelar que su nuevo álbum saldrá este año. Y lo ha hecho referenciando el éxito de ‘Super Freaky Girl’, una de las mejores canciones de 2022 (la que sampleaba el mismo hit que MC Hammer), y también su single reciente ‘Red Ruby da Sleeze’, que de alguna manera ella considera el punto de partida.
Nicki Minaj asegura que ‘NM5’ es “lo mejor que saldrá en 2023 y sentará unas bases totalmente nuevas e inalcanzables”. Además, asegura que el tour será considerado «una genialidad». “Eso es y eso es todo”, indica la cantante sin que se termine de dilucidar si está de coña o en serio… si bien su lapso entre álbum y álbum ciertamente está ya para poca broma.
Oh yes fractions warned, SFG did what fractions warned. Red Ruby Da Sleeze MOTHERED so hard & is now the standard. NM5 is the best thing that will come out of 2023 & will raise the bar to new & unreachable heights. NM5 tour will be hailed as “genius”. That’s it & that’s all 😉 https://t.co/PWWKv2MJKk
Ha tardado en llegar, pero finalmente ya está aquí. Desde el día de publicación de su disco ‘Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd’ supimos que había un vídeo para ‘Candy Necklace’. Al fin, un mes y medio después se ha publicado y lo cierto es que no va a decepcionar a nadie.
Con un corte cinematográfico con mucho en común con Marilyn Monroe, o quizá debería decir con ‘Blonde’, ‘Candy Necklace’ escoge sumergirse en el mundo de Hollywood, en un elegante blanco y negro. Al igual que la portada del álbum.
Por supuesto ya habíamos visto a Lana del Rey coquetear con Hollywood en muchos de sus vídeos, incluso subida en el icónico letrero junto a The Weeknd, pero esta vez se han cuidado especialmente los planos, la fotografía y las referencias.
El vídeo dirigido por Rich Lee se extiende hasta los 11 minutos de duración, ayudado por los interludios, los créditos y la extensión de ciertos pasajes. No renuncia a su colaborador Jon Batiste, en esta canción que nos hablaba sobre collares de caramelo, dependencia y pensamientos suicidas.
El paso por las listas de éxitos de ‘Memento Mori’ de Depeche Mode ha sido fugaz. Parece como si a sus seguidores lo mismo les hubiera dado que el grupo hubiera seguido adelante a la muerte de Andy Fletcher que no. Los números indican que ni se han comprado el disco (el vinilo vale 47 euros, eso sí), ni mucho menos lo están escuchando en las plataformas de streaming.
En su propio país, UK, el álbum resistió tan solo 3 semanas en el top 100: del puesto 2 pasó al puesto 31, de ahí al puesto 74, y nunca más se volverá a saber. Nadie esperaba ya nada de ese gran timo llamado Billboard 200 que nadie tiene la dignidad de rectificar, pero por si alguien se lo pregunta, el álbum solo duró 1 semana en el top 200 de Estados Unidos.
En España no estamos haciendo al álbum mucho más caso, pero como aguardando su esperada visita a Primavera Sound, ‘Memento Mori’ al menos aún está en el top 100. Su 6ª semana en lista ocupa el puesto 77. Es posible que haya un tanto de «entra y sale» en las próximas semanas dada la proximidad de este macroevento.
En su top 10 de Spotify, en cambio, solo quedan ya 2 temas del álbum: ‘Ghosts Again’, que esperemos que se asiente entre sus clásicos, y ‘Wagging Tongue’, realmente a punto de desaparecer del mismo. Y aquí podemos cuestionar 2 cosas: la incapacidad de Depeche Mode o su equipo para promocionar adecuadamente canciones con más potencial que ‘Wagging Tongue’, como ‘People Are Good’ o sobre todo ‘Never Let Me Go’. Y por otro, la idiotez del algoritmo de Spotify, incapaz de apoyar ‘Ghosts Again’ en playlists significativas o recomendársela a seguidores del synth-pop de los años 80. No vaya a ser que alguien haga «skip» escuchando algo nuevo.
Por supuesto, la gira de Depeche Mode será un éxito, después de tantos años de gira, y está todo bien. Pero no hace tanto que la banda lograba colocar sus discos entre los más vendidos del año a nivel mundial, y eso no va a volver a suceder al menos de momento. No hay que irse a los 80 ni a los 90 para encontrar un éxito de Depeche Mode: ‘Delta Machine’ vendió más de 1 millón de copias en 2013 según Mediatraffic y fue uno de los 40 discos más vendidos de aquel año. Parece que algo dejó de hacer clic después, pues ’Spirit’ ya no se asomó por tal tabla y ‘Memento Mori’ podría ser el primer disco de toda su carrera sin certificación alguna, en ningún lugar. O casi.
Porque en este panorama un tanto desolador, hay que elogiar que hay mercados bastante grandes que sí están apoyando a Depeche Mode. Se trata de Italia (el disco continúa en el puesto 30), Francia (el disco continúa en el puesto 33), y sobre todo Alemania, donde el disco ha sido número 1, ha estado 5 semanas en el top 10 y además pasa la 6ª tan cerca como en el nº11. Alemania aún compra discos y es el 4º mercado más importante del mundo, por lo que esperemos que este mercado tan fiel al grupo ayude al álbum a llegar al medio millón de unidades.
El primer disco en casi 30 años de Surfin’ Bichos suena también a los proyectos en que se han involucrado sus miembros en este lapso. Sobre todo a Fernando Alfaro. La banda de indie rock noventero se caracterizó por unas letras fieras y una voz kinki medio desequilibrada, resultando influyente en artistas que han venido después, tan relevantes como Triángulo de Amor Bizarro. Ahora parecen más bien Chucho en ‘Máquina que no para‘, mientras ‘El baile del más allá’ podría ser un primo hermano carnal de ‘Camisa hawaiana de fuerza’ de Alfaro en solitario. O de su colega Joaquín Pascual.
A primera vista, es como si ambos hubieran decidido firmar esto como Surfin’ Bichos únicamente porque es la marca que mejor les ha funcionado. Algo de lo que no tienen la culpa ellos, pues su deriva artística en solitario o en paralelo no es que haya sido digna, sino que ha sido por momentos espectacular. Solo el público es responsable de no haber elevado obras como ‘La vida es extraña y rara‘ de Alfaro, ‘La Frontera‘ de Pascual, ‘Tejido de felicidad’ de Chucho o ‘Bingo’ de Mercromina a los altares de ‘Hermanos carnales’. La gente, obsesionada con la nostalgia ya por vicio puro y duro.
En cualquier caso, los imperativos que han hecho a la banda reunirse han sido tan casuales como que Fernando Alfaro ha dejado de vivir en Barcelona para volver a hacerlo en Albacete. La rutina de encontrarse con sus compañeros por las calles, no solo para puntuales giras de reunión, ha terminado propiciando que trabajaran de manera espontánea en este ‘Más allá’.
Con la excepción de ‘Conversación ultrafónica a las 4 am’, aportada por Pascual, el punto de partida continúa siendo la mano de Fernando Alfaro, en concreto encerrada en completa soledad en un gigantesco caserón de su familia durante el confinamiento duro. De ahí que muchas de las canciones nos hablen del apocalipsis (‘Señales’) y de la inminencia del fin (‘Lotus Europa’). Así que esto es un disco de Surfin’ Bichos, después de todo: nada de su claustrofóbica visión del mundo ni de su paranoia total se ha ido a ningún lado.
Rock, eso sí, hay poco. Parece relegado a ‘Máquina que no para’, además una canción de amor hasta simpática; la parodia política ‘Yo que te he visto’; el final enmarañado de ‘Señales’; o los mejores momentos de ‘Lotus Europa’, los de la marcha militar. Pero es muy llamativo que la sección de vientos, los pianos, los arreglos dulces suenen tanto en el disco. Alfaro defiende que siempre hubo vientos en Surfin’ Bichos, y sí, ahí quedaron curiosidades como ‘Abrazo en un terremoto’, saxo y ritmo de bossa incluidos. Es solo que entonces eran la excepción y no la regla, y además no parecían como producidos por Iñaki de Lucas para La Buena Vida.
A estos remiten los vientos en ‘El baile del más allá’, en ‘Alumbrando el fin’ o el piano bellísimo de ‘El caballo del mar’. Y por mucho que echemos de menos un poco de furia, más que nada porque son tiempos propicios para la misma, los resultados son más que satisfactorios. No sabía que Surfin’ Bichos podían sumergirse en la dulzura del mar con un riff tan luminoso, medio francés, medio italiano, como el de ‘Luz del Mediterráneo’, que también incorpora el acordeón de Miguel Ángel Rumbo. Me tiene totalmente obsesionado. O que pudieran entregar un villancico medio optimista, medio gracioso, a 30 grados centígrados (‘Tu propia Navidad’).
No tenía sentido que los Surfin’ Bichos de 2023 sonasen a los Surfin’ Bichos de 1994. La voz de Alfaro se ha profesionalizado porque no tenía otro camino. Ninguna persona continúa siendo la misma, y ha de ser para bien. De la misma manera que Slowdive volvieron depurados, controlados, mejorados, nada maqueteros; Alfaro, Pascual, la batería de Carlos Cuevas y el bajo de José Manuel Mora, tenían que ofrecernos algo diferente. Y lo logran además sin salir de casa: con los coros familiares de Isabel León, la producción de Fino Oyonarte y el resto de músicos amigos.
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