200 hits y un millón de Grammys después, Taylor Swift al fin consigue ser número 1 en JENESAISPOP con ‘Anti-Hero’. Es la primera vez en 16 años de historia de la web. Hasta ahora, o bien la redacción no incluía sus singles en las candidaturas (‘Shake It Off’, ‘ME!’), o bien la gente no las votaba. ‘We Are Never Ever Getting Back Together’, en su momento rechazada por nuestro público, fue solo top 33 en el top, en una semana en que curiosamente coronaba su ex Calvin Harris en compañía de Florence + The Machine. ‘cardigan’ tuvo que conformarse con el número 2 por detrás de ‘Say Something’ de Kylie Minogue, mientras ‘willow’ no pasó del top 9. Os recordamos que hemos dedicado a Taylor Swift el podcast de esta semana. Como curiosidad, es su amiga Lana del Rey quien acumula más números 1 históricos en JENESAISPOP, con un total de 14.
Por lo demás, pocas novedades aceptadas en la lista: tan solo Fever Ray llega al top 10, Nathy Peluso lo roza y Phoenix con Ezra Koenig llega al número 22.
Cari Elise Fletcher es conocida artísticamente como Fletcher, y se está convirtiendo cada vez más en otro “Fletcher” a tener en cuenta (hasta ahora en el mundo musical lo asociábamos al mítico Andy Fletcher de Depeche Mode). Estados Unidos la conoció como participante de ‘X Factor’, pero desapareció poco después y no volvió a la popularidad hasta bien entrado el 2019, cuando ‘Undrunk’ (de su EP ‘you ruined New York City for me’) llegó al #1 viral de Spotify y entró al Billboard Hot 100. Eso la llevaría a aparecer en la banda sonora de la estupenda ‘Promising Young Woman’ con ‘Last Laugh’, a sacar el EP ‘THE S(EX) TAPES’ y, finalmente, a lanzar este año su debut largo, ‘Girl Of My Dreams’.
Nada más salir, ‘Girl Of My Dreams’, que cuenta entre sus productores con gente como Ali Payami (uno de los artífices de ‘Can’t Feel My Face’ de The Weeknd) o Jennifer Decilveo (la productora de ‘The Prettiest Curse’ de las Hinds), llegó al #15 en el Billboard 200. Y no es de extrañar: hay temazos como ‘Guess We Lied’, ‘Serial Heartbreaker’ o ‘Becky’s So Hot’, que es la que hemos elegido como Canción del Día.
Y es que, aunque en términos estrictamente musicales ‘Serial Heartbreaker’ sea más redonda, ‘Becky’s So Hot’ es la que está haciendo más ruido por toda la historia que tiene detrás. La canción parece estar dirigida a su ex novia Shannon Beveridge… o, más concretamente, a la actual novia de ésta: Becky Missal. Ya el EP ‘THE S(EX) TAPES’ estaba inspirado en la ruptura entre Fetcher y Beveridge, con Beveridge dirigiendo y protagonizando los videoclips (!). Terapia de (ex)pareja.
Ahora Fletcher da un paso más allá y habla de cómo, en la mierda sin poder superar a su ex (“Listerine ain’t fixing this bad taste in my mouth”), decide stalkear su instagram, descubre a su nueva novia… y descubre que está buenísima. “Makes me wanna hit her when I see her / cause Becky’s so hot in your vintage t-shirt”, canta sobre una historia que ocurrió de verdad: la artista le contó a Zane Lowe que le dio like sin querer a una foto, y que en vez de borrarlo pensó que qué coño, que se iba a “adueñar del hecho de que, efectivamente, estaba siendo bastante creepy”.
Esa honestidad (“she’s the one I should hate / but I wanna know how she tastes”) puede que al principio fuese demasiado honesta para la nueva pareja, que quiso distanciarse del tema. Pero al final han acabado entregándose al circo, lanzando camisetas inspiradas por la letra. Win-win para todas, sobre todo para Fletcher: el videoclip que lanzó, protagonizado por Bella Thorne, lleva casi dos millones de visualizaciones, los Panic! At The Disco la han cogido de telonera para su última gira y -sin duda lo mejor de todo- ha creado un pequeño hit bollo. Ni cotiza que muchas Beckys, Shannons y Fletchers están enviándose indirectas ahora mismo subiendo esta canción a sus stories.
Después del infierno que pasaron los fans de Taylor Swift para conseguir entradas de ‘The Eras Tour’, ayer se dio la noticia que de que la venta de entradas para la esperadísima gira internacional de Taylor había sido cancelada. Las razones que ha dado Ticketmaster son la «extraordinariamente alta demanda» y el «insuficiente inventario restante de tickets». Ahora, Taylor Swift ha comunicado sus pensamientos al respecto en un Stories de Instagram y no deja muy bien a Ticketmaster.
La preventa de entradas ya había superado los 2 millones de tickets vendidos y la posibilidad de que el público general se quedase sin entradas era real. El escándalo ha sido de tal magnitud que la fiscalía de Tennessee ha anunciado que va a llevar a cabo una investigación sobre Ticketmaster en la que «utilizarán todas las herramientas disponibles para asegurar que no se violen las leyes de protección al consumidor», según un tweet del físcal general de Tennesse, Jonathan Skrmetti.
«No hace falta decir que soy extremadamente protectora con mis fans», comienza el comunicado que ha compartido Taylor esta misma tarde en redes. Refiriéndose a la cancelación de la venta general de entradas, Taylor ha dicho que lo ha hecho «específicamente para mejorar la calidad de la experiencia de mis fans haciéndolo yo misma y mi equipo, quienes se preocupan tanto por mis fans como yo». «Me resulta complicado confiar en una entidad exterior con esas relaciones y lealtades y me es insoportable ver errores ocurrir sin remedio», continuaba la artista estadounidense.
Taylor ha sentenciado, en relación a Ticketmaster, que «no voy a hacer excusas para nadie porque les preguntamos, múltiples veces, si podían manejar esta clase de demanda y nos aseguraron que podían». En la siguiente línea, la cantante aborda la situación de frente: «Es increíble que 2,4 millones de personas tengan entradas, pero realmente me toca las narices que muchas de ellas se sientan como si hubiesen pasado por varios ataques de oso para conseguirlas».
Al final, Taylor se refiere directamente a las personas que no pudieron ser tan afortunadas como para tener tickets, diciendo que espera «aportar más oportunidades para que nos reunamos y cantemos estas canciones».
Due to extraordinarily high demands on ticketing systems and insufficient remaining ticket inventory to meet that demand, tomorrow's public on-sale for Taylor Swift | The Eras Tour has been cancelled.
Hoy, Ticketmaster ha publicado un comunicado en su página web en el que la compañía se disculpa con los fans afectados por la demora en la venta de tickets y por todos los problemas causados: «Nos esforzamos para hacer la compra de entradas lo más fácil posible a los fans, pero ese no ha sido el caso para mucha gente intentando comprar entradas para ‘The Eras Tour’ de Taylor Swift».
«Primero, queremos disculparnos con Taylor y con todos sus fans, especialmente los que tuvieron una experiencia terrible intentando comprar tickets. Después, sentimos que le debemos a todo el mundo el compartir algo de información para ayudar a explicar que ha pasado», continuaba el comunicado.
El comunicado seguía con la compañía explicando que el tráfico, tanto de bots como de fans sin código, no tenía precedentes, resultando en «3,5 mil millones de solicitudes del sistema en total, cuatro veces más que nuestro anterior punto más alto». Tras compartir algunas razones técnicas para explicar la mala experiencia al comprar entradas, Ticketmaster afirmó que poseen «la tecnología líder en el mundo para la venta de entradas, lo cual no significa que sea perfecta, y claramente para ‘The Eras Tour’ no lo fue».
El comunicado concluye con Ticketmaster admitiendo que incluso si todo el apartado técnico de una venta de entradas de gran demanda funcionase sin problemas, «muchos fans se quedarían con las manos vacías». «Por ejemplo: basándonos en el volumen de tráfico en nuestra web, Taylor necesitaría actuar en 900 estadios (casi 20 veces más que el número de shows que está haciendo), eso es un actuación de estadio cada noche durante los próximos 2 años y medio», concluye de forma reveladora la declaración.
We want to apologize to Taylor and all of her fans – especially those who had a terrible experience trying to purchase tickets. We feel we owe it to everyone to share some information to help explain what happened: https://t.co/1Gn4kRIvq8
«¿Puede la parálisis transformar a una persona en cosa»?, se pregunta Lucrecia Dalt en la primera frase de ‘No era sólida’, la pista que titula y cierra su disco de 2020. El predecesor de ‘¡Ay!‘ investiga esta cuestión a lo largo de 40 hipnóticos -y a menudo angustiosos- minutos en los que la música suena parecido a lo que se siente en un estado de parálisis de sueño. Aunque emular ese estado en concreto no haya sido exactamente la intención.
La artista colombiana, tan dedicada a la experimentación con el diseño de sonido que en el año 2018 publica un disco, ‘Anticlines’, inspirado en sus estudios de geología, llega a ‘No era sólida’ a un espacio liminal, de duermevuela, casi inconsciente. Es un disco oscuro y claustrofóbico en el que Lucrecia «se disuelve en el sonido» y explora un mundo que se sitúa a medio camino «entre el fenómeno y el noúmeno», entre lo físico y lo intangible.
Es en ese no-sitio, que dirían Biznaga, donde se desarrolla ‘No era sólida’, y quien nos lleva de viaje a través de este submundo no es Lucrecia sino un personaje llamado Lia que canta en un lenguaje ininteligible (excepto en el corte final). Es un viaje sonámbulo por los sonidos oscilantes de ‘Disuelta’, que hipnotiza con su efecto tipo péndulo y con sus pitidos y voces espectrales; por las vocalizaciones neuróticas de ‘Seca’ o por las inquietantes percusiones de ‘Ser boca’, y es una aventura que se va oscureciendo y enturbiando cada vez más hasta llegar a las psicofonías terroríficas de ‘Revuelta’, donde Lia suena directamente «sumergida en plasma negro», como recita Lucrecia, después, en los últimos minutos del disco.
Si ‘No era sólida’ es una «ilusión auditiva suspendida» en el tiempo, lo es gracias a su experimentación con diferentes texturas, timbres y frecuencias, lo cual incluye la propia voz de Lucrecia pero, sobre todo, el diseño sonoro. En el disco, Lucrecia (aparentemente) da la espalda a la armonía y explora los efectos del bucle, la repetición y el drone, y encuentra belleza en sonidos espeluznantes e incómodos como las percusiones reptantes de ‘Espesa’ o los zumbidos metálicos de ‘Coatlicue S’, que parecen los de una nevera que emite ruido a las tres de la mañana. El disco llega a otro punto de ebullición en ‘Di’, una mezcla imposible de coros celestiales y sonidos que marean.
El álbum llega a su cumbre en ‘No era sólida’, un expansivo corte de 9 minutos en el que Lucrecia (o Lia) finalmente toma forma y es capaz de comunicar un mensaje recitado en castellano. Es en el momento en que se pregunta si la parálisis la ha transformado en cosa, y ese el estado en que parece llegar en ‘No era sólida’. Sin embargo, el disco suena tan sumamente cerebral que solo puede ser humano. Es un trabajo que se atreve a llegar donde otros no llegan, a un mundo espectral e incómodo que está ahí, acechando como una sombra, aunque no quieras verlo. Lucrecia es lo suficientemente valiente como para explorarlo.
‘Mykki’, el debut largo de Mykki Blanco, fue uno de los discos más infravalorados de 2016, conteniendo canciones tan redondas (y tan duras) como ‘Loner’ o mi favorita, ‘Highschool Never Ends’. Desde entonces, la artista ha conseguido mantenerse en el candelero (con puntos álgidos como el imperdible vídeo de ‘Dark Ballet’ de Madonna o los shows de apertura para Björk y Kanye), pero es verdad que no ha vuelto a conseguir tantos aplausos de la crítica.
También es verdad que ‘Broken Hearts & Beauty Sleep’, su segunda incursión en el largo (un poco en la frontera entre el largo y el EP, realmente), tardó cinco años en lanzarse, y quizás es uno de los factores que provocó que apenas hiciera ruido, pese a tener colaboraciones de renombre como Blood Orange o Big Freedia. Pero, frente a esos 5 años de hiato, el tercer disco ha tardado solo un año, y casi que guiña el ojo con su título: ‘Stay Close to Music’.
“My career has never stalled, bitch, it’s only peakin’” canta en ‘Lucky’, uno de los temas de este trabajo por el que, casi como muestra de que “it’s only peakin’”, se pasea gente como Michael Stipe, ANOHNI, Diana Gordon, Kelsey Lu, MNEK, Devendra Banhart, jónsi de Sigur Rós, Ah Mer Ah Su o Saul Williams. Precisamente el tema con Kelsey Lu y ANOHNI, ‘French Lessons‘, es uno de los singles más claros del disco. Porque, aunque la gravedad de canciones como ‘Highschool Never Ends’ nos lleve a Mykki Blanco siempre fiel al dramatismo, la artista se ve muy suelta en una canción tan accesible y sexy como ésta, en la que a veces nos llega a recordar a Lou Reed (y parece mirarnos de reojo a quienes lo estamos pensando cuando, para colmo, se pone a tararear como en ‘Walk On The Wild Side’). Hay una “single version” también curiosa, aunque se echa de menos a ANOHNI.
“No me puedes etiquetar como una travesti rapera, yo no he hecho vogue en mi vida, mi ambiente es el del punk y el de las Riot Grrrl”, se quejaba hace tiempo Blanco sobre el empeño de calificarla como “rap queer” como algunos medios. ‘Stay Close to Music’ la aleja más aún de esa etiqueta, con temas más melódicos y a la vez más rarunos. ‘Family Ties’ es otro de los grandes ejemplos, y no solo porque siempre sea un placer escuchar la voz del cantante de R.E.M., sino por su capacidad para acercar al pop algo tan complicado como la relación de un hombre marica (el ex de Blanco) con su padre. Hay una intrincada combinación de belleza y tristeza también en ‘Your Love Was A Gift‘, que la propia Blanco describe como “una de las canciones más bonitas que he escrito (…) un coming of age y a la vez una forma de entrar en la adultez aunque no te sientas querido, añores ser querido y añores ser comprendido”.
Pero, ojo, también hay espacio aquí para el humor. Blanco, que vuelve a contar con FaltyDL en la producción, suelta en ‘Lucky’ frases como “I Princess Peach his Nintendo / he eat my ass, he like lindo / he got a fat innuendo / I scream out loud, “Jesus Christo””. También es cierto que, aunque el disco tiene momentos estupendos, no llega a ser un disco estupendo (aunque no esté nada mal). Hay cortes que bajan bastante el pulso, como la bienintencionada pero simplona ‘Your Feminism is not My Feminism’ junto a Ah Mer Ah Su, la también basiquilla ‘Trust A Little Bit’, o ‘You Will Find It’. El experimento con Devendra Banhart también funciona a medias porque, quizás concentrada en meter gracietas y guarradas en algo aparentemente tan ajeno como es la meditación, se le olvida hacer algo no solo original (que lo es), sino también de buena calidad.
En ese sentido es bastante menos forzado, bastante más auténtico y, en definitiva, bastante mejor ‘Carry On‘, la colaboración con jónsi de Sigur Rós, otro de los grandes momentos del álbum, donde encaja a la perfección la mezcla de denuncias con ingenio (“seein them on CNN, they spoutin’ hate / this country blood was never really that fucking great”) con momentos que tocan la fibra (“for every little queer, every kid alone with fear / every kid that’s dressin’ up and dressin’ out, just bein’ them”) y el desnudo emocional con el que se abre la canción. “Will they wait ‘til I’m dead to give me credit?”, se pregunta Mykki en este tema. Esperemos que no: desde luego el nivel de invitados en este disco significa que muchos ven el talento que tiene. Quizás con más apoyo, puede llegarnos la obra maestra que, casi con toda seguridad, la artista es capaz de dar.
Mykki Blanco presenta este disco este sábado 19 de noviembre en Primavera Weekender a las 20.10 horas
GloRilla, natural de Memphis, comenzó su carrera musical en 2018 y lanzó su primera mixtape en 2019, pero fue en mayo de este año cuando la rapera se convirtió en una sensación instantánea al lanzar el lead single de su nuevo EP, ‘F.N.F (Let’s Go)’. El tema alcanzó el puesto 42 en el Billbaord Hot 100 y significó la primera vez que GloRilla aparecía en listas. Producida por Hitkidd y pensada para Megan Thee Stallion, quien hizo caso omiso a la propuesta, la canción se hizo viral en Tik Tok e Instagram y de esta forma GloRilla consiguió su primer contrato con una discográfica.
‘Anyways, Life’s Great…’ es el nuevo EP debut de esta artista emergente, que parece que tiene una prometedora carrera por delante. Haciendo honor a su lugar de origen, el EP está compuesto por durísimos beats de «crunk», el estilo típico del rap sureño estadounidense que se caracteriza por el uso predominante de bajo y teclas. ‘F.N.F’ (Let’s Go)’, pese a ser la canción que ha cambiado la vida de GloRilla, no es ni siquiera su mayor hit. El mismo proyecto incluye ‘Tomorrow 2’, un remix con Cardi B de otro tema de GloRilla llamado, obviamente, ‘Tomorrow’.
‘Tomorrow 2’ fue lanzada a finales de septiembre y llegó a alcanzar el número 9 del Billboard Hot 100. La empoderadora letra de GloRilla, junto a la pegadiza melodía de piano que conduce el beat y la acertadísima colaboración de Cardi B, hacen que ‘Tomorrow 2’ sea una de las canciones más comentadas en el panorama hiphopero de los últimos meses. En este mismo tema, Cardi referencia otra de las grandes sensaciones virales del año: el ‘Munch (Feelin’ U)’ de Ice Spice.
El comienzo de la carrera de Spice es mucho más reciente, teniendo su origen en 2021. En agosto lanzó ‘Munch’ y de la noche a la mañana el track ya era viral en la red, en mayor parte debido a su pegadizo estribillo : «You thought I was feelin you?/ That nigga a munch/ Nigga a eater, he ate it for lunch». Numerosas celebridades del mundo del rap, como Joe Budden o Lil Baby, reaccionaron en redes a la canción. Fue tal el hit que hasta llamó la atención de Drake, que invitó a la rapera a ir a Toronto en un jet privado para bendecir el tema y, de paso, montarse una fiesta.
P!nk ha anunciado que su noveno álbum de estudio, ‘Trustfall’, saldrá a la luz el 17 de febrero. Este será el sucesor de ‘Hurst 2B Human’ de 2019 y contendrá los dos últimos singles de la artista: la infantiloide ‘Never Gonna Not Dance Again’ y la desafiante ‘Irrelevant’.
Hablando sobre la creación del disco, P!nk ha declarado que ‘Trustfall’ es «el mejor disco que he hecho», debido a las circunstancias que tuvo que superar durante su composición: «Tuve tiempo, y me ocurrieron muchas cosas realmente devastadoras. Hace falta que tus hijos se pongan enfermo para que digas: vale, nada de esto importa. Quiero ver a mis hijos crecer. Y luego mi padre murió». La cantante estadounidense entonces decidió comenzar a escribir ‘Trustfall’: «Me queda algo de tiempo todavía, ¿no? ¿Cómo quiero gastar este tiempo?».
«Es muy auténtico respecto a lo que creo, a donde estoy, a lo que estoy sintiendo y a lo que creo que mucha gente está sintiendo», contó la autora de ‘So What’ sobre el nuevo disco durante su visita a Good Morning America. Por el momento,
el tracklist completo de ‘Trustfall’ no está disponible.
2022 puede que sea el mejor año de cine español en cuanto a calidad en muchísimo tiempo. Sean las que sean las nominadas a Mejor Película, nos va a parecer injusto para más de una que se quede fuera. Y, desde luego, será complicado elegir cuál es la mejor de entre una larga lista de películas estupendas, muchas de ellas participantes e incluso ganadoras en festivales internacionales como los de Berlín, Cannes, Toronto o Tokio. Así de corrido, hemos tenido ‘Cinco lobitos‘, ‘Alcarràs‘, ‘El Agua‘, ‘Un año, una noche‘, ‘As Bestas‘, ‘La Consagración de la Primavera’, ‘Mi Vacío y Yo’, todas excelentes, además de otras también muy interesantes como ‘Modelo 77’, ‘No mires a los ojos’, ‘Unicorn Wars’, ‘Competencia Oficial’, ‘Cerdita‘, ‘Nosotros no nos mataremos con pistolas’, ‘Libélulas’, ‘Lugares a los que nunca hemos ido’, ‘Suro’, ‘Venus’, y a puntito de caramelo para su estreno están ‘Mantícora’ de Carlos Vermut y ‘Pacifiction’ de Albert Serra (de las cuales he visto la primera y puede unirse de sobra a la primera lista). Una cosecha envidiable para muchos otros países a la que ahora se une ‘La Maternal’, por si no era suficientemente difícil la competición.
Aunque ‘La Maternal’ fuese regulera, ya tendría expectación de por sí al ser la segunda de una directora, Pilar Palomero, que se llevó con su debut no ya el Goya a Mejor Dirección Novel, sino el Goya a Mejor Película (además de Guión Original y Fotografía). Pero es que encima es muy buena. Personalmente, no compartí el fervor generalizado con ‘Las Niñas‘, en la que veía buenas ideas pero muy lejos de convertirla en una película redonda… un lugar al que ‘La Maternal’, si no llega, desde luego se queda muy cerca. Aunque en el tramo final flojee un poco con varios cierres consecutivos, es sin duda una de las cintas recomendadas de este otoño. Rodada entre Barcelona, Hospitalet de Llobregat y Badalona, la película aborda los embarazos adolescentes y, desde su primera secuencia, nos cuestiona sutilmente como sociedad (y a nuestra pésima educación sexual) frente al absurdo de que una niña tenga que sacar adelante a un bebé solo unos años más pequeño que ella.
‘La Maternal’, que pone a Carla, su protagonista, en un centro de acogida para madres adolescentes en riesgo de exclusión social, ha recibido críticas por ser una película anti-aborto (siempre he visto manipulador eso de “pro-vida”) ya que no se centra en él sino que se decanta por una lectura más sutil, y a la vez auténtica, sobre cómo estas chicas lidian con sus embarazos y sus bebés. Las declaraciones de Palomero al respecto despejan cualquier duda: “¿algún padre o madre, cuando ve la película, saca la lectura de que ojalá su hija tenga al bebé si se queda embarazada? (…) La adolescencia no es momento para ser madre sino para ser hija, es momento para descubrir quién eres y rebelarte contra el mundo, no para cuidar y entregarte a alguien que acaba de nacer”.
De hecho, para preparar la película, Palomero se reunió con trabajadores de estos centros, y con chavalas que vivían en ellos, tomando finalmente la decisión de integrar en la historia a muchas de ellas: Carol, la educadora, se interpreta a sí misma en la película, así como varias de las chicas. Esta decisión de incluir a actrices sin experiencia o incluso que no se plantean dedicarse a la interpretación más allá de esta experiencia puntual acercan, junto a algunas decisiones de estilo, ‘La Maternal’ a un documental en algunos momentos, y se combina muy bien con el hecho de tener como coprotagonista a una actriz con tantas tablas y a la vez tanto talento para la naturalidad como Ángela Cervantes. La catalana, que ya fue lo mejor de ‘Chavalas’, vuelve a brillar aquí dando vida a la madre de Carla, ofreciendo también una lectura sobre la transmisión de patrones de generación en generación, y sobre el determinismo social y la importancia de las circunstancias económicas en un tema como el que trata la película.
Pero desde luego la estrella es la propia Carla Quílez, la única que podría hacerle algo de sombra a Luna Pamiés por el Goya a Mejor Actriz Revelación, pero que, por las normas de la Academia respecto a la edad, no entrará en la competición. En el Festival de San Sebastián sí entraba, y se alzó con un premio que no era “de revelación”: era la Concha de Plata a Mejor Interpretación del Festival, ex aequo con otra revelación que nos dejó mudos en el Festival: Paul Kircher de la magnífica ‘Winter Boy (Le Lycéen)’, de la que os hablaremos cuando se acerque su estreno. Quílez (que le dedicó el premio a su madre real en un conmovedor discurso) refleja, según el momento, inocencia, rabia y compasión y, cuando se junta a su madre ficticia Cervantes, ambas reflejan un profundo cariño que intenta abrirse paso dentro de la incapacidad para comunicarse. Quizás por esto emociona tanto el uso que se hace de ‘Tu Calorro’ de Estopa, una canción que nunca hubiésemos asociado con soltar una lagrimita sino con todo lo contrario: con fiesta, alegría y hasta deseo. “Tú eras flor desarropada / y yo el calorro que te arropa” adquiere en ‘La Maternal’ un nuevo significado gracias al talento de Pilar Palomero en la que es -sin que el nivelazo de 2022 le quite fuerza a la frase- una de las mejores películas españolas del año.
Antes de ‘Renaissance‘ de Beyoncé llegó otro trabajo llamado ‘Renaissance’ firmado por el productor belga afincado en Canadá Apashe, que lleva en activo desde 2011 y ha publicado varios álbumes de estudio, el último, en 2020, bajo el mencionado título.
Apashe, cuyo nombre real es John de Buck, presentará su gira ‘Renaissance II’ el próximo 26 de noviembre en la sala Razzmatazz de Barcelona (aquí entradas) y su música es de esa que se crece exponencialmente en directo. Apashe le da a las bases duras de bass, dubstep y EDM, pero las cruza con elementos de música clásica como cuerdas épicas y coros celestiales que le dan una estética, sí, renacentista, medieval, monárquica incluso.
El mayor éxito de Apashe, que lleva el apto título de ‘Majesty’ y suma 56 millones de streamings, es el que mejor define su estilo, pero ‘Uebok Gotta Run’ es una de sus producciones más sofisticadas en su conjugación de cuerdas tremebundas, ritmos de hip-hop, coros (y raps) infantiles y sintetizadores tipo «brostep». Piensa en una mezcla entre Woodkid, Skrillex y Die Antwoord y darás con algo muy parecido a la música de Apashe, quien, además, aparece en las imágenes promocionales con armadura y espada, cual guerrero de la electrónica.
A nadie sorprenderá que ‘Lacrimosa’ samplee el ‘Réquiem’ de Mozart (como ya hicieron en su momento Evanescence en un tema llamado igual), y no pueden ser más épicas y majestuosas las cuerdas de ‘Distance’, otra de esas producciones que harían vibrar los pilares de cualquier recinto. Menos clasicsita, ‘Lord & Servant’ es una favorita personal por su elegante oscuridad.
Además de la buena recepción de su música (tiene 2 millones de oyentes en Spotify), los directos de Apashe también han recibido críticas entusiastas, pues, en ellos, el productor «recrea sus tracks junto con un arsenal completo de ediciones inéditas, así como sus remixes oficiales y originales», en palabras de Razzmatazz. Tampoco hay que perderse sus videoclips, tan cinematográficos.
Desde la tragedia de Astroworld, Travis Scott ha mantenido un perfil más o menos bajo. Ha colaborado con algún artista como DJ Khaled o Southside, ha dado algún que otro concierto, pero no ha estado precisamente sobreexpuesto y su disco ‘UTOPIA‘ sigue sin salir.
Hoy es uno de esos días en que Travis publica nueva música y lo hace de mano de Pharrell Williams. Juntos entregan un tema «bailable en un tempo de 6/8», en palabras de Pharrell, que no renuncia a su punto electrónico y oscuro y que evoca un viaje en carretera por la gran ciudad, de noche.
En concreto, Pharrell y Travis se dejan «caer por Atlanta», la «ciudad mágica», capital del estado de Georgia, e igual de mágica es la producción de Pharrell, que incorpora la voz autotuneada de Travis dentro de un registro no tan habitual en él. En la letra mezclan bebidas y intentan «no quedarse sin amor, ni sin marihuana».
‘Down in Atlanta’ no es la primera vez que Pharrell y Travis colaboran. Ambos ya aparecieron juntos en ‘Flying High’ de Travis, que incluía la colaboración de Toro y Moi, y también lo hicieron en ‘Skeletons’, una de las pistas de ‘Astroworld‘ que contaban con la participación de Tame Impala.
‘Down in Atlanta’ podría ser anticipo del nuevo álbum de Pharrell, del que ya se conocen algunos detalles. Se titula ‘Phriends’, será el primero de varios volúmenes y contará con la colaboración confirmada de BTS. Pharrell no saca disco propio desde 2014. Por su parte, Scott publicó dos singles previamente a la tragedia de Astroworld, ‘Escape Plan’ y ‘Mafia’, que, de momento, se han quedado colgados y se desconoce si formarán parte de su próximo largo.
Hoy sale el nuevo disco de Röyksopp, el tercero del año y que reseñamos ya en portada; y el de La Bien Querida, sobre el que hablamos con su autora. Otro lanzamiento destacado es el nuevo álbum de Weyes Blood y hoy publican discos largos también BROCKHAMPTON, Honey Dijon, Richard Dawson o Taburete. Sale también la reedición de ‘Thriller’ por su 40 aniversario, que se promociona con la demo de ‘Thriller’, llamada ‘Starlight’.
Fangoria publican su EP, ‘Ex Profeso’, y el single ‘Lo imposible’ abre la playlist, seguido por la reciente Canción Del Día ‘Strong‘ de Romy. Estos días hemos comentado también los sencillos que avanzan los nuevos discos de Tennis y Kelela, y también el single de Karol G inspirado El Cairo, y la sesión de Bizarrap con Duki.
Entre los lanzamientos destacados hay que comentar el regreso de Rosalía al flamenco de la mano de Niño de Elche, y también la colaboración de CARLANGAS (ex Novedades Carminha) con nada menos que Manu Chao, que no se suele prodigar con demasiados artistas. Además, Cigarettes After Sex vuelven con ‘Pistol’ y Najwa saca un tema bailable llamado ‘Aperol’.
Niña Polaca es otro grupo que publica nuevo single hoy, así como la querida PinkPantheress, que renueva su sonido de la mano de KAYTRANADA, y dani, que presenta su ‘Drum & Bossa’. Además de la canción del Mundial de Nicki Minaj, Maluma y Miriam Fares la playlist incluye también novedades de Andy Shauf, Tokischa, Phoebe Bridgers, Nia Archives, Raphael y más.
En la noche de los Grammy Latinos, que ha sido la noche de Rosalía, pues la artista se ha llevado el premio a Álbum del año por ‘Motomami’, ha visto la luz también el nuevo disco de Niño de Elche, ‘FLAMENCO. Mausoleo de celebración, amor y muerte’.
El nuevo trabajo de Paco Contreras está producido por Refree e incluye una esperada colaboración con Rosalía, lo que significa que ‘Seguiriya madre’ reúne a Rosalía y a Raúl Fernández muchos años después de que ambos firmaran juntos ese pedazo de «sleeper» que fue ‘Los ángeles‘, debut de la catalana.
‘Seguiriya madre’ se inspira en un cante popular, y se divide en dos partes, la de Niño de Elche y la de Rosalía. El primero es el encargado de incorporar esos «doblaron las campanas» en el contexto de su disco, y después irrumpe cual huracán Rosalía acompañada de palmas y del aporreo de la guitarra. Canta que tiene todo lo que quiere, pero no lo que necesita, que es estar en su tierra arropada por el amor de su madre.
Parecidas a las guitarras de ‘Los ángeles’ suenan las de ‘Seguiriya madre’, que recuerdan a la fiereza y al carácter hipnótico de aquel disco, tanto como la apasionada interpretación vocal de Rosalía, a la que hacía tiempo no escuchábamos en un registro tan folclórico.
Compuesto por 14 cortes, ‘FLAMENCO. Mausoleo de celebración, amor y muerte’ se ha presentado con los sencillos ‘Bamberas del enamorado’ y ‘Canto por no llorar’ e incluye también colaboraciones de Angélica Lidell, Yerai Cortés y Rocío Molina.
Röyksopp han vuelto este año tras casi una década de ausencia para hablar sobre los misterios de la vida. «Suena bastante pomposo. Incluso hemos añadido la palabra «profundo» para subrayar la tontería de todo esto», bromeaban este verano. Luego su música suena tan mística como siempre, sin renunciar a la pista de baile, además. A esos misterios hay que añadir la forma de desvelar toda la campaña, pues cuando empezamos a adentrarnos en ‘Profound Mysteries‘ no sabíamos que era la parte I de una trilogía que terminaría este mismo año. Aquella primera parte salía en mayo, en junio se anunciaba la segunda, que salía en agosto, y sólo entonces se confirmaba la tercera, que ahora tenemos entre manos.
El dúo formado por Svein Berge y Torbjørn Brundtland había dicho en 2014 que le cansaba el formato álbum tradicional. Primero creímos que ‘Profound Mysteries’ era un proyecto transversal enriquecido por una serie de visuales. Nos quedamos cortos. El proyecto coge cuerpo en forma de trilogía, como sucedió con ‘Body Talk’ de su compañera Robyn. No es que este tercer álbum consecutivo sea el mejor, es que da gusto ver lo que conforma. ¿Que estaríamos ante un álbum realmente sublime reuniendo las 10 mejores de estas 30 canciones en total? Obvio. Pero también hay que alabar que alguien nos ofrezca algo diferente en esta tormenta de abrumadoras novedades en que se ha convertido el mundo musical cada viernes.
«Profound Mysteries» está pensado como un proyecto en el que Röyksopp agradecen a sus influencias y colaboradores de siempre y recuerdan los tiempos en que grababan MIDIs. Corría el final de los años 90. Entre las nuevas canciones de esta tercera parte que destacan por lo buenas que son, en su sonido continuista, hay que hablar de ‘Me&Youphoria’, un electro por la resiliencia, melódico, precioso, en el que una voz nos propone «volar».
El anhelo sexual ha marcado algunas de las mejores grabaciones históricas de Röyksopp, como fue el caso de ‘Sordid Affair’, y ese es el caso de ‘The Next Day’. Escuchamos a un Jamie Irrepressible dolido porque su chica se fue en la mañana sin decirle adiós: «A la mañana siguiente se tuvo que ir, no se pudo quedar / Nunca supe por qué / Me dio un beso y dijo adiós». Parecida es la temática de ‘Stay Awhile’, donde dos seres tratan de encontrarse y darse calor, poniendo algo de sí mismos. «He esperado demasiado / Me mata estar sola / Es mejor que baje las defensas / O el momento se perderá». Uno de esos seres es Susanne Sundfør y el otro el mismísimo Svein Berge de Röyksopp.
Sundfør se ha convertido en una artista fetiche para el dúo, pues ha interpretado a lo largo de los años muchas de sus mejores canciones, como ‘Running to the Sea’ o más recientemente ‘Oh, Lover’. Y desde 2022 también nos ha convencido la incorporación deluxe de Alison Goldfrapp, en esta tanda en una canción repetitiva de vocación hipnótica, ‘The Night’. Antes de conquistarnos con Goldfrapp, hay que recordar que Alison había empezado cantando con Tricky, por lo que siempre perteneció realmente a este mundo de enigma.
Es una de las novedades de este 2022 en un proyecto que también se jacta de querer mirar al futuro. Esa labor es más tímida, pues la influencia de Jarre, Daft Punk… sigue pesando mucho en pistas como ‘Speed King’, de 10 minutos. Lo que sí es cierto es que el disco incorpora algo de otros ritmos que parecen similares y no lo son tanto, como el dream pop de ‘Lights Out’ con Pixx; el R&B de ‘Just Wanted to Know’, con Astrid S, quien parece que puede llevar a Röyksopp a nuevos territorios comerciales los próximos años; y sobre todo ‘Feel It’. Mientras la paleta de sintetizadores del dúo sigue siendo inequívoca, la voz de Maurissa Rose les lleva más al house o la rave británica, o incluso al góspel. Así que aparece también por aquí un pequeño puntito ‘Screamadelica’. Eso sí, el álbum se cierra por algo apelando decenas de veces a un «perro viejo», y es que cuanto más se rebozan Röyksopp en su particular sonido, más como en casa nos sentimos. Que todos los misterios sean como estos…
Unos días después de anunciarse las nominaciones a los Grammys anglosajones se ha celebrado la gala de sus análogos latinos, los Latin GRAMMYs. Jorge Drexler se ha proclamado gran ganador de la noche al llevarse siete gramófonos (entre ellos el de Canción del año por ‘Tocarte‘, compartido con C. Tangana), seguido por Bad Bunny con cinco, aunque el portorriqueño no ha acudido a la ceremonia. Y eso que 2022 ha sido, a todas luces, su año.
En tercer lugar, Rosalía se ha hecho con cuatro premios, pero es ella quien se ha agenciado el galardón a Álbum del año por ‘Motomami‘. Rosalía se suma así a la corta lista de artistas que han ganado el premio a Álbum del año en los Grammy Latinos varias veces: ella, como Calle 13 y Luis Miguel, suma dos gramófonos, mientras Alejandro Sanz y Juanes lo han ganado tres veces y Juan Luis Guerra, el que más, cuatro, uno de ellos como productor. Rosalía es la primera mujer que gana el premio a Álbum del año en los Grammy Latinos dos veces y ha dejado dos declaraciones interesantes al recoger el galardón: «Gracias a mi país por no dejarme caer» y «‘Motomami’ ha sido el disco que más me he peleado por hacer».
En esta ceremonia presentada por Luis Fonsi, Laura Pausini, Thalía y Anitta, que han roto el hielo con una interpretación de ‘Si no te hubieras ido’ de Marco Antonio Solís, han pasado por el escenario algunos de los nombres más ilustres de la música latina. La propia Rosalía ha cantado ‘Hentai’, ‘La Fama’ y ‘Despechá’, Rauw Alejandro ha interpretado varios temas, Christina Aguilera y Christian Nodal han cantado su ranchera, y también Romeo Santos o Karol G han actuado.
La curiosidad de la noche la ha dejado el premio a Artista revelación, compartido entre Silvana Estrada, definitivamente en otra liga después de darse a conocer durante años en el underground; y la cantante de 95 años Ángela Álvarez, que ha dedicado al premio a su hija fallecida en 1999.
Álbum del año
«Motomami» – Rosalía
Canción del año
«Tocarte» – Jorge Drexler, Pablo Drexler, Víctor Martínez y C. Tangana, compositores (Jorge Drexler y C. Tangana)
Grabación del año
«Tocarte» – Jorge Drexler y C. Tangana
Mejor nuevo artista
Ángela Álvarez y Silvana Estrada (empate)
Mejor álbum vocal pop
Dharma – Sebastián Yatra
Mejor canción pop
«La guerrilla de la concordia» – Jorge Drexler, compositor (Jorge Drexler) y «Tacones rojos» – Pablo María Rousselon de Croisoeuil, Manuel Lara, Manuel Lorente, Juan Josep Monserrat Riutort y Sebastián Yatra, compositores (Sebastián Yatra) – empate
Mejor fusión/interpretación urbana
«Tití me preguntó» – Bad Bunny
Mejor interpretación reguetón
«Lo siento bb:/» – Tainy, Bad Bunny y Julieta Venegas
Mejor álbum de música urbana
«Un verano sin ti» – Bad Bunny
Mejor álbum cantautor
«Tinta y tiempo» – Jorge Drexler
Mejor canción urbana
«Tití me preguntó» – Bad Bunny, compositor (Bad Bunny)
Mejor canción de rock
«Lo mejor de nuestras vidas» – Fito Páez, compositor (Fito Páez)
Mejor álbum pop/rock
«Los años salvajes» – Fito Páez
Mejor canción pop/rock
«Babel» – Fito Páez y Carlos Vives, compositores (Carlos Vives y Fito Páez)
Mejor álbum de música alternativa
«Motomami» – Rosalía
Mejor álbum de salsa
«Pa’lla voy» – Marc Anthony
Mejor canción tropical
«Mala» – Marc Anthony y Álvaro Lenier Mesa, compositores (Marc Anthony)
La Bien Querida llega a su séptimo álbum de estudio con ‘Paprika’, un trabajo en el que Ana Fernández-Villaverde explora diferentes estilos de la música latina como la bachata, pero sin perder de vista otros sonidos más funky o pop-rock. Ni tampoco, claro, su firma personal pues, dentro de su variedad, ‘Paprika’ es un trabajo que solo La Bien Querida podría haber firmado. Como novedad, la artista de Bilbao deja atrás Elefant y edita su elepé por primera vez en Sonido Muchacho. Hablamos con ella vía Zoom sobre el contenido de ‘Paprika’ y su debut cinematográfico de la mano de Omar Ayuso.
¿Por qué el disco se titula ‘Paprika’? ¿Es por la mezcla de sabores? ¿El anime?
También está la película italiana ‘Los burdeles de Paprika’ (1991)… En realidad, el título de ‘Paprika’ viene por Juanjo López de Los Beef, que, en otro de sus proyectos, solía llamarse a sí mismo Paprika Joe. Me hizo el gracia el nombre. Él ni lo sabe.
La portada de Mario Riviere, ¿en qué se inspira?
Un día estaba en República Dominicana, buscando inspiración para el diseño de la portada, y vi una lata de pimentón húngaro. Se la pasé a Mario y le pedí que mezclara eso con las comidas típicas de allí. Es una mezcla de las dos cosas.
Después de que ‘Brujería‘ fuera un disco conceptual, esotérico… ¿qué hay detrás de ‘Paprika’?
El disco lo empecé con David (Rodríguez) y queríamos adentrarnos en los ritmos latinos, a nuestra manera indie porque no somos ningunos virtuosos. Luego se incorporó al equipo Sergio Pérez, que controla un poquito más. El disco está liberado de disciplinas. Yo siempre lo he estado, pero en este disco se nota un poco más. Luego nos hemos arrepentido de que el disco no sea todo latino…
¿Os habría gustado algo más redondo en lo latino?
Sí, pero creo que ha quedado un disco fresco y alegre. Se parece a la película ‘Solo las bestias’ de Dominik Moll, que pasó bastante desapercibida pero a mí me chifló, y este disco tiene un poco de esa película, paisajes un poco escarpados, miedo al vacío, pasiones desbocadas…
Al ser una primera incursión más decidida en la música latina, es más tímida…
Sí, pero a lo hecho pecho y estoy contenta con el resultado. Es un disco que me ha costado muchísimo hacer, escribir las canciones, sacarlo adelante, he cambiado de sello discográfico… Me ha costado la vida sacarlo. Estoy aliviada de que salga ya.
¿Por qué te has ido de Elefant? Según la nota de prensa tú querías estar en Sonido Muchacho.
Este disco lo he financiado yo, me apetecía coger las riendas de mi trabajo y de mi negocio. Necesitaba un cambio, ver otras formas de trabajar y gestionar las cosas y pensé que era buen momento para, de algún modo, independizarme.
Hay varias bachatas en el disco. ¿Te ha inspirado la moda de la bachata actual? El single número 1 en España se llama literalmente ‘La bachata’…
La bachata viene del bolero pero el bolero siempre ha estado bien visto, es un ritmo que mantiene el aura nostálgica y elegante, y la bachata siempre ha estado mal vista. ‘La perra del hortelano’ es una bachata, pero también tiene ritmos del bolero.
Si la bachata es el sonido que más se lleva, veo natural que un artista quiera explorarlo.
A mí manera tímida, sí…
«Algo que tiene este disco que no tenía ‘Brujería’ es la mala leche»
‘La voz de su amo’ está inspirada en ‘Master and Servant’ de Depeche Mode, según nota de prensa.
Se inspira en esa canción de Depeche Mode por temática, pero el sonido lo hemos llevado más al funky, es muy actual…
Me ha recordado un poco a Moloko.
La hizo Sergio, que es un moderno. Es una metáfora: en los bailes de salón siempre tiene que haber una persona que gobierna y otra que es la persona sumisa. Uno dirige y el otro se tiene que dejar llevar.
De ‘Átame’ no me esperaba la entrada de ese solo jevi.
Las guitarras del disco las ha hecho Alberto Martínez del Río. Le pedimos una guitarra en el estilo de Prince. Queríamos reivindicar los solos de guitarra horteras de los 80. Me encantan grupos como Aerosmith. Está hecho a propósito.
La frase «el viento de tu suspiro» de ‘Juan’ me ha hecho gracia, me ha parecido muy poética y cotidiana. ¿Estás especialmente orgullosa de las letras de este disco?
Bueno, yo nunca me acabo de encantar, hago lo que puedo. Voy mejorando poco a poco. La de ‘Juan’ es una letra clásica y costumbrista, de corte popular, pero traído al día de hoy.
«Yo nunca me acabo de encantar, no termino de gustarme»
No terminas de creer en ti misma.
No termino de gustarme. Algo que tiene este disco que no tenía ‘Brujería’ es la mala leche. En ‘Mala hierba’ y ‘Como si nada’ saco eso. ‘Brujería’ era un disco muy romántico, y este no lo es tanto.
¿Te consideras demasiado exigente contigo misma?
Intento olvidar lo que he hecho en el pasado, y no juzgarme. Decirme «voy a escribir, aunque me repita». Lo saco adelante.
En tus letras percibo mucha intención artística, tienen un punto folclórico.
Yo vengo de criarme con Manuel Alejandro. Para mí una buena canción es aquella que deja claro de qué habla y que tiene una estrofa, un estribillo y un puente. Pero yo no siento cátedra, hay canciones buenísimas que hacen ruedas y no dicen nada. Pero mi guía es Manuel Alejandro.
«A la Reina Letizia le interesa mucho la música independiente; los Borbones deberían hacerle la ola»
Este año has hecho tu debut en el cine en el corto ‘Matar a la madre’ de Omar Ayuso. ¿Lo has compaginado con la grabación del disco?
Sí, lo he compaginado pero ha sido fácil. Me hizo mucha ilusión cuando me lo propuso y acepté. Pero yo el corto no lo he visto, aunque lo hemos presentado en festivales, porque no me gusta verme. Tampoco veo actuaciones que he hecho.
¿Lo pasarías mal viéndote?
Yo me lo paso bien actuando, pero no me quiero ver porque sé que me voy a sacar pegas y me voy a juzgar demasiado. Pero la experiencia me encantó y el corto ha tenido mucho recorrido en festivales. Ha sido un reto.
¿Te imponía la cámara, estudiarte un guion? ¿Cómo fue el proceso de adaptación?
Al principio pensé que no sería capaz de aprenderme el guion, y Omar cada día me pasaba una versión diferente, y cada una de ellas encuadernada. Yo le preguntaba: «Omar, ¿pero cuánto dinero te vas a gastar en encuadernar tantos guiones?» Yo tenía mis anotaciones y, al día siguiente, aparecía con una versión diferente. Pensé que iba a ser imposible aprenderlo pero al final lo haces y no sabes cómo. Además, el corto lo ha financiado Omar, se ha gastado todos sus ahorros porque tenía todo un equipo de cine con él. Yo tenía que hacerlo bien. Lo grabamos en plena pandemia, la policía nos echó por las restricciones, porque éramos muchos, eran las 12 de la noche, y pensamos que no íbamos a poder continuar…
¿Él te contactó porque era fan de tu música, vio que eras carismática para el personaje?
Tenemos una amiga en común que me dijo que Omar era fan. Yo no sabía quién era porque no soy público de ‘Élite‘. Nos conocimos un día y hubo química. Me dio el guion, me hizo una prueba y me dio el papel. El corto lo escribió Omar con 22 años. Él me parece un genio.
Hace poco te reuniste con la Reina Letizia y dijiste que habíais hablado de música. ¿De qué música?
A Letizia le interesa muchísimo la música independiente. Me habló de toda mi discografía, se lo sabía absolutamente todo, que acababa de sacar un single, ‘La perra del hortelano’… Le interesa la cultura. Yo estoy muy a favor de la Reina Letizia, creo que los Borbones tendrían que hacerle la ola. Me cae bien. Fue muy cariñosa conmigo.
No hablasteis sobre música en general sino, en concreto, sobre tu música.
Más adelante coincidí con ella también en el Mallorca Film Festival y le presenté a Omar. Ahí estaba todo el mundo: Nacho Vigalondo, Leticia Dolera, Henar Álvarez.. y la Reina habló con todo el mundo y sabía todo de todos. Le interesa mucho la cultura y no necesariamente la mainstream.
El mítico tema ‘Toro’ de El Columpio Asesino, lanzado originalmente en 2011, está dando la vuelta al mundo gracias al remix del DJ francés I Hate Models. La canción en cuestión es una versión acelerada del remix tecno de André VII, está viralizándose en Tik Tok (donde cuenta con millones de visitas), y en Spotify ya tiene más de 300k reproducciones, y subiendo cada semana. En YouTube, el vídeo con más visitas ya ha alcanzado las 600k visitas.
I Hate Models ha estado pinchando el tema en sus shows alrededor del mundo, en países como Italia, Alemania y Francia, y es precisamente en estos lugares en los que el consumo de la canción en plataformas digitales está centrado, por detrás de España claro. La lista estaría compuesta por Alemania, Francia, Países Bajos, Italia y después el resto de países, con menos impacto. Para muchos, la canción es desconocida y simplemente la llaman «Te voy a hacer bailar toda la noche».
Para los amantes del indie español, ‘Toro’ es bien conocida como la canción más importante de El Columpio Asesino y es un gusto ver como un tema de este calibre traspasa barreras y fronteras, convirtiéndose a un género totalmente aparte, como es el tecno, y significando algo totalmente diferente para una generación de otra edad, procedencia y gustos musicales.
De ‘The Man Who Fell To Earth’ (1976) a ‘Arrival‘ (2016), la ciencia ficción nunca ha dejado de producir historias sobre aliens que visitan la Tierra. ‘¡Ay!’, el nuevo disco de Lucrecia Dalt, se suma a la tradición, pero lo hace de manera muy particular. El disco narra la historia de Preta, una entidad consciente que llega al planeta azul y, adherida a un nuevo cuerpo, descubre el sentido de la percepción humana. Pero ‘¡Ay!’ también es un disco que ofrece su propia versión de la música latina, y que, al revés, transforma este sonido tan humano, tan sensual, en algo alienígena.
Colombiana afincada en Berlín, Dalt lleva años navegando un interesante limbo situado entre el pop electrónico, la música electroacústica, el ambient y la experimentación radical con el diseño de sonido. Su disco de 2013 ‘Syzygy’ funcionaba como banda sonora no oficial de una película de David Lynch, el de 2018 ‘Anticlines’ se inspiraba en su experiencia en la geotecnia, y ‘No era sólida’ (2020) exploraba los límites de lo claustrofóbico en un disco oscuro y liminal que sonaba a parálisis del sueño.
Concebido durante la pandemia, ‘¡Ay!’ nace de la necesidad de Dalt de recuperar los ritmos de la música latina con los que se crió, como la salsa, el merengue, el bolero o el mambo e, inspirado en canciones como ‘Ay José’ de Machito y Graciela o ‘I Can’t Get Started’ de Pérez Grado, propone una deconstrucción de los mismos donde los exquisitos arreglos instrumentales -de contrabajo, clarinete, flauta, trompeta, congas, etc.- se encuentran con brochas de noir jazz decadente y con pequeñas dosis de distorsión electrónica que hipnotizan y enrarecen el conjunto.
‘No tiempo’ abre el largo con una fantasía de clarinetes y trompetas que se cruzan con el sonido ‘Twin Peaks’. Su “aventura temporal” nos lleva al spoken word rematadamente sensual de ‘El Galatzó’, marcado por la voluptuosidad del contrabajo, que camina con “indiferencia erótica”. Su uso sigiloso de vientos y percusiones recuerda a Tom Waits. Más turbia, ‘Dicen’ emplea un lenguaje un poco Drag Queen (“se cree la esfinge o Medea, la muy dadá”), lo cual nos recuerda que el humor también cabe en este disco titulado ‘¡Ay!’ porque es una expresión típica de América Latina que “sirve para todo”, y que Dalt usa para aligerar el peso del concepto.
En este trabajo elegante per deliberadamente obtuso por momentos (‘Enviada’) destacan por necesidad sus momentos más accesibles, lo cual incluye la claridad de estribillos como los de ‘Atemporal’, ‘Contenida’ o ‘Bochinche’. Sin embargo, el carácter táctil y sensual de los arreglos es suficiente para mantenernos cautivados. A menudo estos suenan inspirados en bandas sonoras de los años 40 (‘La desmesura’), y el bolero de ‘Gena’ se inspira directamente en ‘Love Streams’ de John Cassavetes. Sin embargo, el ‘Epílogo’ demuestra que el supremo gusto de los arreglos es suficiente motivo para acercarse a este largo.
Con posibles precedentes en la obra del mencionado Tom Waits o Juana Molina, ‘¡Ay!’ entrega un interesante cruce entre música latina y ciencia ficción. El álbum podría haber ido más lejos en su encuentro con la electrónica, pues, con alguna excepción, las canciones se quedan más cómodas en la tradición de lo esperado. Finalmente es el concepto del disco el que dota a ‘¡Ay!’ de un sentido futurista y alienígena. Musicalmente no van tan lejos, pero su sentido de la tradición sí resulta extraño y poco familiar, y da lugar a la creación de un universo propio que, en su rareza, vale la pena visitar.
‘Autodefensa‘, que se estrena el próximo 29 de noviembre en Filmin, ya nos había interesado por las personas que están involucradas en ella. En primer lugar, su co-creadora y co-protagonista es Belén Barenys, más conocida como MEMÉ, artista solista y corista de Rigoberta Bandini. La acompaña la escritora Berta Prieto en lo que podemos llamar una destartalada aventura de pandemia, y dirige el proyecto Miguel Ángel Blanca. Director de cortos y películas (‘Magaluf Ghostown’), también es muy conocido en el mundo musical por haber liderado Manos de Topo, uno de los grupos más personales que se recuerdan en el pop español. Eran una parodia de los lloricas.
De eso hay un poco también en ‘Autodefensa’. La serie narra la vida de 2 amigas en los tiempos de hoy, con todo el sinvivir laboral, las drogas o el sexo que conlleva. Se define la historia como una mezcla de ‘Girls’, ‘Kids’ y Lars Von Trier. Añadimos que hay puntos un tanto Carlos Vermut, de incomodidad a lo ‘Vergüenza’ y también algo de existencialismo y arte y ensayo. Hoy JENESAISPOP estrena el tráiler en exclusiva por cortesía de Filmin.
‘Autodefensa’ comienza con 2 capítulos alucinantes que seguramente no son lo que esperas, tratando temas como el #MeToo o el fetichismo más «creepy». Después, versa sobre la ansiedad, la depresión o la muerte, resultando totalmente sui generis. Nuestro compañero Pablo N. Tocino la reseñará a su estreno tras verla en el Festival de Sevilla, y con suerte también podremos hablar con el equipo responsable de la que puede ser una revelación de la temporada. Porque no es precisamente lo que esperas.
De formato ligerísimo, en torno a los 15 minutos por capítulo -además, son autoconclusivos-, ‘Autodefensa’ incluye también, con mucho tino, guiños a la cultura pop actual: desde los followers que tienen Alizzz o C. Tangana, a una canción de Pantocrator que no puede estar mejor calzada, ‘No te puto pilles‘.
Sinopsis oficial:
Autodefensa va de dos amigas que hacen lo que les da la gana sin tener que pedir permiso a nadie. Va de tener veintitantos, vivir en Barcelona y querer pisar todas las líneas rojas emocionales posibles para descubrir quién eres realmente. Va de las aventuras de dos locas descaradas que no quieren que nadie les diga cómo hacer las cosas, y que han creado su propio mundo para ser las reinas. En realidad, Autodefensa va de dos chicas que están muy asustadas y que se divierten en defensa propia. Dicen que lo sienten, que todo ha sido en defensa propia, solo es que tenían mucho miedo.
Después de su exitosa edición de este año, que ha contado con uno de los mejores carteles de la temporada festivalera, gracias a la confirmación exclusiva de Arctic Monkeys y a la presencia de nombres tan atractivos como Noel Gallagher, Kraftwerk o Róisín Murphy, el festival malagueño Cala Mijas empieza a desvelar su programación de 2023.
Y también empieza fuerte: Cala Mijas confirma ya tres cabezas de cartel como son Arcade Fire, Florence + the Machine y los Strokes, y también una interesante tanda de nombres internacionales conformada por The Blaze, Foals, Metronomy y Amyl & the Sniffers.
Entre los artistas nacionales confirmados se encuentran favoritos del site como Amaia, Baiuca y Cupido, también las exitosas Cariño y los siempre interesantes Delaporte. El cartel se completa, de momento, con los artistas revelación Ballena y Judeline.
Cala Mijas se celebrará el año que viene los días 31 de agosto y 1 y 2 de septiembre en el recinto de Sonora Mijas. La preventa de entradas se abrirá el 21 de noviembre a las 9 horas y terminará el 28 a las 9 horas, y la venta general se abrirá el 28 de noviembre a las 10 horas. Toda la información está disponible en la web del festival.
Adicionalmente, Cala Mijas informa que Sonora volverá con «significativas mejoras en sus 120.000 metros cuadrados», que «garantizará la economía circular mediante contratación km0, reutilización de materiales y gestión de residuos», que «seguirá apostando por la movilidad sostenible mediante autobuses lanzadera para facilitar el acceso y salida de los asistentes» y que «continuará sus alianzas con diferentes organizaciones tales como Renta Básica fomentando el desarrollo de personas en riesgo de exclusión, la ONG Equilibrio Marino para continuar el proyecto Abraza el mar de Mijas, que busca poner en valor y recuperar la Zona de Especial Conservación (ZEC) de Calahonda en Mijas Costa o el propio Ayuntamiento de Mijas para fomentar la contratación de personal local a través de su bolsa de empleo».
Dreambeach regresa a la playa de Villaricos-Palomares de Almería en sus fechas habituales entre el 9 y el 13 de agosto de 2023. La novena edición del festival empieza ya a desgranar su programación, que contará con un cabeza de cartel del tamaño de Prodigy. Los abonos están disponibles en la web del festival.
El grupo autor de ‘The Fat of the Land’ volverá al circuito festivalero tras la desaparición, en 2019, de su vocalista original Keith Flint, a la temprana edad de 49 años. El ahora dúo formado por Liam Howlett y Maxim se encuentra trabajando en un nuevo álbum.
Por otro lado, Dreambeach continúa apostando por el «hardstyle» con uno de sus nombres mas representativos, Brennan Heart, que convivirá en el festival con el sonido mainstream de MORTEN, el house progresivo de Hernán Cattaneo, el drum & bass de Hybrid Minds y Koven; el tecno alemán de Kobosil y el dubstep de Marauda, que ofrecerá su única actuación en España en 2023. El avance se completa con la actuación de Nico Moreno.
En 2023, Dreambeach volverá a desplegar su propuesta de 5 jornadas consecutivas, 3 de las cuales (jueves, viernes y sábado) tendrán lugar en el recinto del festival con programación simultánea en tres grandes escenarios (EDM/Mainstream/Hardstyle, Techno y Drum & Bass). La zona de acampada, para más de 25.000 personas albergará dos escenarios adicionales en el camping: el primero en el pinar de la Playa de Quitapellejos y el segundo, con piscina, en el centro de la zona de acampada.
Avril Lavigne continúa con la promoción de ‘Love Sux‘, su nuevo disco, que ha pasado bastante desapercibido en listas pese a su apuesta decidida por el pop-punk, ese que tanto ha influido a una nueva generación de artistas que citan a Avril entre sus mayores influencias.
El próximo 25 de noviembre, la canadiense publica una reedición del álbum que incluirá varios temas nuevos, entre ellos una colaboración con el artista revelación YUNGBLUD que mejora considerablemente la secuencia, y que hoy elegimos como Canción Del Día.
‘I’m a Mess’ es el single principal de la reedición y llega con forma de medio tiempo con guitarras, de los que no había tantos en el disco original. Sin embargo, ‘I’m a Mess’ sí nos lleva a la época en que MTV emitía videoclips de Avril a todas horas: es básicamente una muy buena canción de pop-rock, cantada por dos artistas con química.
Atormentados por una ruptura, Avril y YUNGBLUD se echan de menos mutuamente en ‘I’m a Mess’. Es en Londres donde Avril observa dramáticamente la calzada y divaga «sin saber dónde ir», momento en el que elonga la palabra «here» con ese acento canadiense tan particular. Mientras, YUNGBLUD recuerda el episodio en que todo falló, ese «te quiero» que nunca dijo.
El sumo dramatismo de ‘I’m a Mess’ se potencia en su videoclip, en el que Avril y YUNGBLUD aparecen primero en solitario, ella en la costa californiana y él en las calles grises de Londres, antes de reunirse para cantar en una habitación de aspecto barroco.
Duki es uno de esos raperos de nueva hornada que llevan tiempo apareciendo repetidamente en la lista de singles de España. El argentino, de nombre real Mauro Ezequiel Lombardo, acumula ya varias certificaciones de Oro por singles como ‘Ley de atracción’, ‘YaMeFui‘ con Nicki Nicole y Bizarrap o ‘Una vaina loca’ con Fuego y Manuel Turizo, y un Triple Platino por ‘Goteo’. Este año, su álbum ‘Temporada de reggaetón 2’ ha alcanzado el top 3 de álbumes en nuestro país.
Precisamente Duki es el protagonista de la «sesión 50» de Bizarrap, que ya ocupa el puesto 1 de vídeos más vistos en Youtube tras su estreno. La canción es una de las más dramáticas firmadas por Bizarrap, especialmente por su uso de cuerdas épicas propias de una película bélica, y la comparación no es casual.
Es el propio Duki quien se describe a sí mismo como un «guerrero» en la canción, en la que describe su camino hacia el éxito desde sus humildes orígenes. Duki alcanza la gloria en el estribillo de la «sesión 50», en el que, arropado por cuerdas (sintetizadas) y pegado al autotune, se dirige a aquellos que hablan y critican «como si no conocieran el fracaso», a la vez que defiende el honor de su barrio.
Como decimos, la «sesión 50» de Bizarrap y Duki no supone la primera colaboración entre los dos artistas argentinos. Y tampoco la segunda ni la tercera: ambos ya se habían aliado en singles como ‘Malbec’, ‘Sin frenos’ con Eladio Carrion o ‘Unfollow’ con Justin Quiles.
Entre quienes esperaban como agua de mayo la nueva colaboración de Biza y Duki es Bad Bunny, que ha querido «irse a dormir» temprano para que la espera por la canción se le pasase más rápido. El nombre de Benito circulaba como posible protagonista de la «sesión 50». ¿Será el siguiente?
En las últimas horas se ha rumoreado que Shakira actuaría en la ceremonia de inauguración del Mundial de Futbol de Catar. La cantante colombiana NO actuará en dicha ceremonia, ha confirmado la periodista Adriana Dorronsoro en El Programa de Ana Rosa, y recogen medios como As o El Mundo. La periodista no descarta que Shakira «tenga algún papel a lo largo del Mundial».
Según la información que reproducen varios medios, la «lluvia de críticas» recibidas por Shakira por su posible participación en el Mundial habría llevado a la cantante a rechazar la oferta de actuar. Shakira ya actuó en 2010 con su éxito ‘Waka Waka (This Time for Africa)’.
En los últimos días, Dua Lipa ha desmentido que estuviera en negociaciones de actuar en el Mundial por celebrarse en Catar, un país que no «ha cumplido con los derechos humanos con que se comprometieron cuando se hicieron con el derecho a organizar la Copa del Mundial». Por su parte, Rod Stewart ha declarado haber rechazado un millón de dólares por actuar en el país.
Quienes sí participarán en el Mundial son Nicki Minaj, Maluma y la cantante libanesa Myriam Fares. Juntos, estos tres artistas han grabado ‘Tukoh Taka’, una canción interpretada en tres idiomas distintos, y que se estrenará este viernes.
Es de esperar que, debido a los nombres implicados, ‘Tukoh Taka’ obtenga mayor éxito que ‘TOKE’ de Chanel. La canción oficial de la Selección Española en el Mundial de Qatar no ha llegado a entrar en la lista de singles española, aunque se espera que lo haga durante el Mundial. El tema sí ocupa el puesto 14 entre los más radiados del país.
Bastille es uno de los grupos más exitosos surgidos de ese revival del pop ochentero que simplemente se resiste a perecer. ‘Pompeii’, su éxito de 2013, se acerca a los 2 mil millones de escuchas en Spotify cual hit de Drake o The Weeknd y, en los últimos tiempos, el grupo liderado por Dan Smith ha complicado su propuesta con discos conceptuales como ‘«Doom Days»‘ (2019). Os recordamos que Bastille actúan próximamente en España: el 29 de noviembre estarán en el Sant Jordi Club de Barcelona, y el 30 en el WiZink Center de Madrid. Las entradas siguen disponibles.
En ‘Give Me the Future‘, el nuevo álbum de Bastille, Smith y los suyos imaginan un futuro dominado por un sistema de realidad virtual llamado Futureverse donde la gente puede ser quien quiera. La relación de los seres humanos con las nuevas tecnologías, especialmente con las redes sociales, ha inspirado el álbum, que es, a su vez, más ochentero que nunca. Hablamos con Kyle Simmons, teclista de Bastille, vía Zoom para que nos cuenta su origen e influencias.
Este disco nace en la pandemia y habla sobre escapar de la realidad a través de la tecnología. ¿Este concepto te apela?
Me identifico totalmente, sobre todo porque en la pandemia vivimos a través de esos canales. El disco habla de nuestra relación, mala y buena, con la tecnología, pero sobre todo de la mala. Habla de la idea de que este mundo no existe en realidad, está en las nubes, no tiene un tejido. Si tienes una banda hoy en día se requiere que existas en internet, la gente espera que estés en todas las redes sociales. Allí puedes inventarte una identidad o ser exactamente la persona que eres. Por eso el disco está escrito en torno al concepto del Futureverse, un lugar donde puedes ser quien quieras ser.
¿Qué opinas del metaverso?
Me da curiosidad y, a la vez, me da miedo. Uno de mis libros favoritos es ‘Ready Player One’ de Ernest Cline. El libro se basa en un mundo en el que los recursos son limitados y la gente, que es pobre, vive dentro de un mundo virtual donde aplica a trabajos, va a la compra… La gente mayor pasa su tiempo dentro de este mundo. Es un gran libro porque muestra que un sistema como la realidad virtual se puede usar para educar, pero también para hacer el mal porque habrá gente que abusará de él para promover el odio, tergiversar ideas y polarizar a la sociedad. Eso es lo que pienso del metaverso; por un lado, tiene potencial para hacer bien pero, por el otro, habrá gente que abuse de él.
El disco suena escapista, las canciones tienen ese punto eufórico…
Queríamos que el disco sonase completamente diferente al resto. Los tres primeros forman una trilogía y este es muy diferente. Hemos buscado una estética sci-fi, usar muchos sintetizadores y referencias a los ochenta en el sonido de teclados, bajos… Cuando te pones a escribir un disco no sabes exactamente cómo va a ser y, a menudo, el resultado final dista mucho lo que habías concebido. Ha pasado con este disco. A medida que lo íbamos componiendo fue tomando forma, y dimos con un trabajo que tiene un sonido futurista y cinematográfico y que está lleno de sintetizadores que te arrollan.
Hablando de cine, ¿cómo ha llegado Riz Ahmed a recitar un interludio en el disco?
Nuestras agencias creativas están vinculadas, y somos fans de él desde hace años. Le pasamos la propuesta durante la pandemia, cuando estábamos confinados, y él simplemente aceptó. Ni siquiera sabemos si es fan de nuestra música. En ese momento, al menos, nos conocía. Le pasamos el disco y le gustó, y escribió un texto, nos lo mandó y nos encantó. En los conciertos, cada vez que suena su interludio, me deja sin palabras, lo adoro y creo que encapsula perfectamente todos los temas abordados en el disco. Él es un poeta.
Tocas los teclados en Bastille, así que imagino que te lo debes pasar muy bien tocando estas canciones. ¿Te gustan mucho los 80? ‘Shut Off the Lights’ suena tropicalilla, ‘Give Me the Future’ más funk…
Me lo estoy pasando muy bien tocando este álbum. Siempre nos ha gustado jugar con diferentes géneros, algo que hacemos en el disco, y en los conciertos hacemos versiones nuevas de las canciones viejas para que encajen con las del nuevo disco.
¿Crees que hay un revival de los 80 que no termina de morir? ¿Es el sonido pop definitivo?
La música es un ciclo pero, en mi caso, y en el de muchos de nosotros, el pop de los 80 es lo que escuchamos por nuestros padres. Yo nací en los 80 y la música de esa época siempre tendrá un lugar en mi corazón. Con la generación de los noventa pasa lo mismo, al final terminamos volviendo a la música que escuchamos cuando estábamos creciendo.
¿Qué podemos esperar el directo?
El directo es una celebración de ‘Give Me the Future’. En el escenario instalamos una pantalla gigante donde proyectamos un montón de imágenes para cada una de las canciones. Y, en Europa, tocaremos canciones extra porque, cuando presentamos el disco en Estados Unidos y Reino Unido, algunas todavía no las habíamos sacado. Por supuesto, también tocaremos los hits, los clásicos. Va a ser una fiesta.
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(@miguelcema) 
