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serpentwithfeet / DEACON

De la misma manera que ciertos discos post-divorcio son celebrados por su honestidad y emoción, hay ciertos artistas a los que el hallazgo de un gran amor parece haberles ablandado, como James Blake o Tame Impala: sus respectivos últimos álbumes cuentan con sus fans, pero no han encandilado al mundo por igual como sus trabajos previos. El cantante y compositor Josiah Wise, más conocido como serpentwithfeet, no teme en absoluto ablandarse o sonar cursi, de hecho lo busca y desde ese lugar busca componer la música más tierna que es capaz de hacer. ‘DEACON’ es el resultado de esa búsqueda, un trabajo de soul, R&B y gospel en el que celebra el amor en todas sus formas, desde la amistad a los grandes amores pasando por ese chico que conoces en una discoteca y que jamás vuelves a ver, pero del que por alguna razón te sigues acordando.

La idea de serpentiwhfeet con ‘DEACON’ ha sido hacer un disco amable, dulce y tierno que sonara «en comunión con la naturaleza». Para este propósito se mudó de Nueva York a Los Ángeles, donde los paseos por el bosque estimularon su creatividad. Así, el álbum deja a un lado el componente terrenal y visceral de ‘soil‘ o el EP ‘blisters’ para apostar por un sonido más suave, delicado y tranquilo. La cumbre emocional de ‘DEACON’, una ‘Heart Storm’ en la que aparece Nao como artista invitada, no busca poner los pelos de punta como lograba ‘bless ur heart’ pese a su título y a que de hecho la canción suena como si navegara en el mar, gracias a una base electrónica que parece replicar el movimiento de las olas: ni su mensaje «el cielo se va a abrir de par en par cuando nos abracemos el uno al otro» consigue arrebatar a la canción su serenidad.

A pesar de su lado celestial, ‘DEACON’ pasa la mayoría de tiempo en la tierra. Buena parte de sus cortes se titulan con el nombre de un chico: Josiah nos canta sobre Amir o Malik pero también sobre la «barba de Derrick», a la que dedica una pequeña oda desde la cama. Todos los nombres son ficticios pero representan una realidad que Josiah ha vivido porque él lo que desea es «cantar sobre las alegrías de compartir espacios románticos con hombres negros». La primera experiencia es su despertar romántico en el edificante corte inicial ‘Hyacinth’, que sorprende por su inicio un tanto 90s (esas guitarras tipo cantautor) pero que se crece en un gospel angular lleno de suculentos autocoros: «no me digas que el universo no ha estado escuchando, me fui solo a la cama y ahora me estoy besando (con alguien)». También desde la cama, la exquisita producción de ‘Wood Boy’ utiliza una base en el estilo de ‘Homogenic‘, pero más leñosa que volcánica, para sumergirse en el placer sexual, sin sutilezas.

Lo que no se ha ablandado aquí es la impronta exagerada, dramática, de serpentwithfeet en las letras de este trabajo que ha titulado «sacerdote» para preguntarse en qué otros lugares solemos ver esta figura: ¿quizá en esos amores a los que expresamos verdadera devoción? Cuando el artista de Baltimore avista a Malik en una discoteca de Atlanta, sufre un enamoramiento repentino tan fuerte que, en ese momento, ya se imagina de comida familiar con él y su suegra: «me planto en el club y veo a mi futuro rey». En la luminosa y sensual ‘Same Size Shoe’, una trivialidad como compartir el mismo número de pie con su chico sirve a Josiah para concluir que están hechos el uno para el otro. Y ya en ‘Hyacinth’ se queda a gusto cuando reflexiona que su chico «nunca ha necesitado vajilla porque yo soy su cucharita y toda la sopa de su boca se la doy yo». Si pensabas que a Josiah se le pegaría un poquito del vacile de Ty Dolla $ign después de colaborar con él -uno de los 800 artistas que lo han hecho- en su último disco, nada más lejos que la realidad: Josiah cuenta que escribir con Tyrone le ha enriquecido como compositor, pero ya: ‘DEACON’ va de amor, amor y amor.

Josiah, que se crió en la iglesia (su padre era dueño de una librería cristiana), y quedó fascinado por el góspel desde pequeño, ofrece en la mencionada ‘Malik’ una chuchería de 1 minuto y medio en este estilo. Más breve aún es ‘Dawn’, su personal interpretación del himno ‘My Lord, What A Morning’: hace gracia leer que es la primera composición que terminó para el disco, allá por 2018: dura apenas 34 segundos. Sin embargo, ‘DEACON’ no deja de poner un pie en sonidos más contemporáneos: el cuestionario amoroso de ‘Amir’ está acompañado por una base musical que recuerda al R&B de los años 2000, ‘Old & Fine’ tiene un toque a la Mariah post-«Emancipation» y ‘Sailor’s Superstition’ es un dancehall misterioso y dramático que no renuncia al toque artesano y cálido de su autor. Las ricas percusiones de ‘Fellowship‘ cierran el álbum quizá para recordarnos que ningún amor es más importante que el de la amistad. Nunca una canción había dado tantas ganas de llegar a los 30. A tenor de este disco, de hecho, deben ser maravillosos.

Garbage estrenan su himno anti-patriarcado, ‘The Men Who Rule the World’

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Garbage han anunciado que su nuevo disco ‘No Gods, No Masters’ sale el 11 de junio. El primer adelanto es ‘The Men Who Rule the World’ y ya está disponible. Se trata de un tema de rock electrónico de espíritu combativo por el que parecen asomar diversas influencias. Si las guitarras son un poco Prince, el gancho «money, money, money» parece inspirado en ABBA, pero en ‘The Men Who Rule the World’ manda ante todo la fuerza de las guitarras y los sintetizadores. Estos son un poco Yeah Yeah Yeahs, pero lo mejor es que a ellos se suma el sonido de una máquina tragaperras a modo de instrumento. Puedes comentarlo en el hilo de Garbage en nuestros foros.

Un tema, por otro lado, abiertamente anti-patriarcado, como Garbage dejan claro en su primera frase: «los hombres que gobiernan el mundo han montado un desastre de la hostia, esta es la historia del poder, y de la adoración del éxito». Antes de convertir la frase «odia al violador, destruye al violador», de manera significativa, en un gancho infalible que triunfará en los conciertos cuando estos puedan tener lugar, pues está hecho para ser gritado a pleno pulmón e incluso logra acercar el tema a la categoría de himno, Shirley Manson y compañía ofrecen su solución (idealista) a la crisis: «salvemos todos los animales, salvemos todos los calamares, carguémoslos en el buque maternal junto a los ancianos y los niños, salvemos las grandes obras maestras, y hagamos que mentir otra vez sea un crimen, para poder ver sangrar a todo aquel lleno de odio».

Sobre su próximo disco, que llega un lustro después de ‘Stranger Little Birds‘, y cuando este año se cumplen dos décadas desde el lanzamiento de ‘Beautiful Garbage’, Garbage han emitido el siguiente comunicado: «Este es nuestro séptimo disco, y su significativa numerología ha afectado el ADN de su contenido: las siete virtudes, los siete dolores (de la Virgen María), los siete pecados capitales. El disco ha sido nuestra forma de dar sentido a la locura de mundo en el que vivimos y el impresionante caos en el que nos vemos envueltos. Es el disco que teníamos que hacer en este momento». El verano pasado repasábamos la interesante trayectoria de la banda por su 25 aniversario, subrayando lo bien que ha madurado «pese a lo que pronosticaron algunos».

Wavves se sacude la depresión de encima con su canción más popera

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¿Alguien recuerda a Wavves? El proyecto de Nathan Williams protagonizó un considerable «hype» en los blogosfera (¿esta palabra se sigue usando? Es una pregunta retórica: por supuesto que no) entre los años 2008 y 2010 gracias a una serie de trabajos de garage-punk adictivos como los llamados ‘Wavves’ y ‘Wavvves’ que allanaron el terreno para lo que estaba por venir. En 2010, Williams saneó su sonido y publicó ‘King of the Beach‘, uno de los álbumes más emblemáticos de la nueva ola de punk-rock californiano surgida en la época gracias también al éxito de Best Coast o Beach Fossils.

Hace rato que Wavves no conoce «hype» similar a aquel, pero con la tontería, en los últimos 10 años ha editado hasta cuatro álbumes de estudio más, estos son ‘Afraid of Heights‘, ‘No Life for Me’, ‘V’ y, más recientemente, ‘You’re Welcome’. En todos ellos ha seguido explorando su sonido de siempre, a medio camino entre los Ramones, los Stooges, Weezer, Sum 41 y los Beach Boys, con mejor o peor resultado y con mayor o menor aceptación crítica. Desde luego, a Wavves le venía viniendo bien algún tipo de reinvención por sutil que fuera. ¿Y qué tiene que ofrecer Williams en esta década que acaba de empezar?

Hoy, el músico de San Diego publica nuevo single, ‘Sinking Feeling’, que pese a hablar sobre depresión puede ser el más popero que ha escrito en toda su vida. Algo que seguramente también ha aprendido de los Beach Boys. Es posible vincular ‘Sinking Feeling’ a los temas más pop de Weezer, de los que Williams es seguidor, pero también a los cortes más nítidos de Deerhunter o Real Estate. Sobrevuela asimismo el espíritu de los R.E.M. más comerciales en este tema producido por Dave Sitek de TV On the Radio que Wavves explica de la siguiente manera: «‘Sinking Feeling’ es una canción que habla sobre esos episodios depresivos que vuelven a ti una y otra vez. Es ese sentimiento que te hunde y que te persigue allá donde vayas».

Bad Gyal sitúa 7 temas de su disco en el top 100 español; Justin Bieber, no

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Bad Gyal entra en el número 5 de álbumes en España con ‘Warm Up’, principalmente porque 7 de los 8 temas del disco logran situarse en el top 100 de singles. En España los streamings de los dos temas más populares de un disco no cuentan para la lista de álbumes, pero sí el resto, y Bad Gyal ha ido sobrada de éxitos en este caso. “Yo ahora hago una música más hit”, nos comentaba Alba Farelo en una entrevista reciente. Pues eso.

Las canciones de ‘Warm Up’ que encontramos en el top 100 oficial en España son las siguientes: la espléndida ’44’ entra en el puesto 18, ‘Zorra’ sube al puesto 23 (triple platino sumando remezcla y original), ‘Judas’ entra al puesto 44 (sic), ‘Blin Blin’ sube al 55 (platino), ‘Pussy’ sube al 88 (definitivamente no es una de las favoritas del disco), ‘Iconic’ entra en el 91 y ‘Gasto’ lo hace en el 99. Únicamente la vieja conocida ‘Aprendiendo el sexo’ ha quedado fuera esta vez, aunque en realidad ya pasó por la lista, entrando al puesto 29 en su momento.

Muy deslucido en comparación es el paso de los nuevos temas de Justin Bieber por el top 100: ‘Peaches’ entra al top 24, ‘Hold On’ reentra al 79 (su máximo) y ni rastro del resto de temas, ni viejos ni nuevos. Lejos quedan los tiempos en que ‘Sorry’ lograba ser número 1 en España pese a estar en inglés. ‘Peaches’ sí ha podido ser número 1 directo en Estados Unidos y ronda el top 5 en Reino Unido.

Volviendo a España, las demás entradas son ’Tu veneno’ de J Balvin en el puesto 30, ‘Me fijé’ de Alex Rose y Rauw Alejandro en el 41, ‘Cuenta’ de Myke Towers en el 78 y ‘Las nenas’ de Natti Natasha, Cazzu, Farina y La Duraca en el 92.

Ni Justin Bieber, ni Lana del Rey, ni Bad Gyal pueden con ‘El Madrileño’

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‘El Madrileño’ de C. Tangana continúa en el número 1 de discos en España por cuarta semana consecutiva, certificado como disco de oro; y pese al órdago lanzado por Universal. Nada menos que 3 discos llamados a ser un éxito comercial por parte de esta compañía, publicados de manera simultánea.

El que más alto ha llegado es ‘Justice’ de Justin Bieber, vencedor de la batalla internacional por el número 1 en la mayoría de países, como Estados Unidos, Canadá, Australia, Holanda o Irlanda. En España ha de conformarse con el número 2 por detrás del álbum de C. Tangana pese a que este salió hace ya casi un mes.

La vencedora de la batalla internacional en Reino Unido, Lana del Rey, queda en el puesto 4 por aquí con ‘Chemtrails Over the Country Club’. Debido a la competencia con Bieber, Lana del Rey solo ha podido arañar esta vez un número 1 más, aparte del de UK: el de Suiza. No es la mejor marca de Lana en España, pues tanto ‘Lust for Life’ como ‘Ultraviolence’ sí fueron número 1 por aquí, y el anterior ‘Norman Fucking Rockwell!’ llegó a ser número 2 en nuestro país (esta semana reentra en el número 71 en la que es su 49ª semana en lista).

En 5º lugar queda Bad Gyal, que no obstante consigue con ‘Warm Up’ su mejor marca, incluso contando la tabla de streaming que antes funcionaba aparte de la de ventas. Si en ventas Bad Gyal nunca destacó como artista de Youtube/Spotify que es, en la lista de streaming ‘Worldwide Angel’ nunca pasó del número 11.

En el puesto 8 entra Javy Ramírez con ‘Lo que nunca te pude contar’, aunque quizá es más significativo que Camilo produce la subida de puntos más alta de la semana, manteniéndose en el número 3 con ‘Mis manos’. Sin duda será uno de los grandes éxitos del año. En la otra cara de la moneda, modesta es la entrada del debut de Paloma Mami, quien tan sólo llega al número 60 con ‘Sueños de Dalí’.

Otras entradas son ‘Duets’ de Sting en el número 29; la banda sonora de ‘HER’ que acaba de editarse al fin, en el puesto 51; ‘Now and Then’ de Paul Stanley’s Soul Station en el 84; ‘El amor en los tiempos de perreo’ de Piso 21 en el 88; ‘Brothers in Arms’ de Dire Straits en el 93; y ‘Zoom in EP’ de Ringo Starr en el 94.

Cuando un tema inédito se viraliza en TikTok

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Que el término TikTok dejó hace tiempo de asociarse a aquel hitazo de Kesha para referirse principalmente a la red social es una obviedad. Y como plataforma relativamente nueva (nació en 2016), TikTok se ha convertido en el aliado perfecto de muchos artistas de música pop. Doja Cat debe a la plataforma el bombazo de ‘Say So’ y, sin ella, ‘Savage’ de Megan Thee Stallion no habría arrasado como lo ha hecho. Luego otros virales de TikTok son para frotarse los ojos, como los de ‘Dreams‘ de Fleetwood Mac, ‘Heat Waves‘ de Glass Animals o ‘Unlock It‘ de Charli XCX, los cuales demuestran que ya no hace falta que una canción sea nueva para que arrase. Los artistas jóvenes están especialmente condicionados por este tipo de virales. En el caso de Curtis Waters, ha supuesto que firme su primer contrato discográfico.

Existe otro fenómeno de TikTok que me parece más fascinante, el de canciones que se viralizan después de filtrarse en la red pero que permanecen inéditas. Es obligado pensar en ‘Toosie Slide’ de Drake: esta canción se viralizó primero en TikTok gracias a un bailecito (el llamado «toosie slide») de esos que tan de moda están en la plataforma y después fue publicada oficialmente, con la consecuencia de que arrasó no solo en Estados Unidos, donde el tema pasó varias semanas en el número 1 del Billboard, sino también a nivel global (en España llegó al número 39).

Por supuesto, Drake no ha sido el único músico agraciado por esta curiosa tendencia: ‘Shirt’ de SZA arrasa estos días en TikTok pese a que es imposible encontrarla en ninguna plataforma porque no ha salido aún; la mencionada Doja Cat, que vive en internet, también ha conseguido viralizar un tema inédito; existe un futuro single de City Girls llamado ‘Twerkulator‘ que los «tiktokers» ya están bailando por doquier sin que haya visto la luz todavía de manera oficial, y más extraño es el caso de Billie Eilish. Como si esta necesitara algún tipo de viral a estas alturas, un fragmento de la canción inédita ‘i’m happier than ever’ que canta con FINNEAS en su recién estrenado documental también está dando vueltas por la plataforma gracias a la versión extendida (!!!) de un muchacho anónimo.

Como todo fenómeno de masas, ya hay quien lo analiza: «Impulsar una canción inédita en TikTok ya es uno de los movimientos de marketing más cruciales que los artistas más exitosos pueden emplear en 2021». Ha quedado más que demostrado, sobre todo con el éxito de Drake. Pero existe una especie de precedente de este fenómeno en la primera música house de los años 70. Como recuerda la autora Sasha Geffen en ‘Glitter Up the Dark‘, cuando los DJs pinchaban música disco y la editaban o mezclaban con otros vinilos para mejorar sus sesiones, creando lo que hoy en día se conoce como remixes o mash-ups, esta música no existía oficialmente en una grabación, ya que era producto del directo. Pero sí había personas avispadas que registraban estos directos y después los vendían en las tiendas de discos de manera no oficial, en los llamados «bootlegs». Es un ejemplo de que ya entonces, hace 50 años, desde ciertos sectores la música se popularizaba sin necesidad de que un sello la editase primero.

TikTok se ha consolidado como herramienta de promoción: el joven rapero DUDI es uno de los últimos que han conseguido triunfar gracias a la plataforma, y otro español (aunque reside en Londres), Alien Tango ha ido tan lejos de estrenar una serie de canciones de 14 segundos compuestas exclusivamente para ser reproducidas en TikTok, las cuales luego ha compilado en su álbum ‘Blink Pop, Vol. 1’. Pero que una canción inédita triunfe tiene su miga. Puede que algunos de estos virales estén calculadísimos, como el de ‘MONTERO (Call Me By Your Name)‘ de Lil Nas X, un fragmento del cual había sonado durante meses; ¿pero qué pasa si de repente arrasa esa canción de Lana Del Rey que siempre has querido ver editada pero que por alguna razón permanece en un cajón? ¿Obligará a Lana a replantearse su lanzamiento? El éxito de TikTok da un poco de miedo porque si pensabas que la música era más fluida que nunca gracias al streaming, con esta plataforma lo es más todavía: ya ni las canciones «unreleased» de los artistas se salvan de que cualquiera se las apropie para convertirlas en un nuevo viral. ¿Está preparada la industria para esto? ¿Lo está el público?

DUDI, entre lo más visto de Youtube España con ‘No te decides’, ficha por una multi

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DUDI acaba de alcanzar el número 1 de los vídeos más vistos en Youtube con ‘No te decides’, donde se mantiene una semana después entre los 10 más vistos (en el número 8). El tema es además número 22 en el top 50 de Spotify España. El joven rapero lleva un tiempo dándose a conocer con singles como ‘My Dream’ o ‘Ktepasa’, en 2019 le tocó el gordo cuando su tema ‘Like Aron Piper’ se viralizó en TikTok y en los últimos meses ha anunciado su fichaje por la multinacional Warner Music Group, con la que ha presentado el single ‘Ahora pregunta por mí’ con Beja y Cubanbeef.

Detrás de este extraño nombre se esconde el joven rapero Edu Torres, quien, nacido en el año 2002 en un «humilde barrio de Madrid» según la nota de prensa oficial, empezó a componer sus propios temas en el año 2017 hasta llegar adonde está ahora. DUDI pasó su infancia «alejado de la música» pero todo «cambió cuando descubrió el rap»… pero su flow no deja la sensación de que estemos ante un rapero amateur precisamente: en ‘No te conoces’ parece inspirarse en la rápida verborrea de XXXTENTACION, con la diferencia de que sus letras son abiertamente sentimentales: el estribillo de ‘No te conoces’ incluye la frase «te quiero» conjugada tres veces. Más macarra es ‘Ahora pregunta por mí’, que entre menciones al WhatsApp o al «casete» de Maluma, a lo que recuerda es a todo el top 50 de hits español: el dominado por Anuel AA, Ozuna o Karol G.

Como se puede comprobar, DUDI es un rapero de la generación Z: no solo usa TikTok para promocionarse sino que tampoco se casa con el hip-hop ni con ningún otro estilo y si ha coqueteado con el dancehall y el reggaetón en el single anteriormente mencionado, su repertorio incluye una balada de trap melódico llamada ‘La última página’, su canción más lacrimógena hasta la fecha. Es la composición con la que Edu Torres cambió su alias Daddipxssy para presentarse como DUDI. «Ahora todos rapaditos como Aron Piper» era hasta ahora su melodía más conocida, pero el éxito de ‘No me conoces’ y el que posiblemente obtendrá ‘Ahora pregunta por mí’ da a entender que DUDI empieza a escalar en serio.



Revelación o Timo:

‘Ámbar’ de Calavera y Eva Amaral mezcla indie-pop, Tame Impala y ‘Te necesito’

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Calavera es el proyecto de indie-pop del zaragozano Alex Ortega, del que os hablamos el año pasado con motivo de su single ‘Secretos’. Corría el año 2012 cuando Amaral señalaban, en nuestras páginas, a Ortega entre las posibles revelaciones nacionales del año con razón de su anterior proyecto, Limnopolar, y unos años después nacería oficialmente Calavera con el lanzamiento de un primer EP llamado ‘Quebranta’. ‘Exposición’, el primer álbum de Calavera, vería la luz en el año 2017 en el sello Mont Ventoux, conocido por editar trabajos de Marem Ladson, Elle Belga o Yana Zafiro.

El segundo disco de Calavera llega el próximo 9 de abril y el último single, ‘Ámbar’, que has podido escuchar este viernes en nuestra playlist de novedades, es precisamente esa colaboración con Eva Amaral que iba a llegar tarde o temprano. Pero el toque de Amaral va más allá incluso de que Eva cante la canción a dueto con Alex: es ella quien se encarga de entonar, en esta composición de indie-pop con guitarras psicodélicas a lo Tame Impala, una transición melódica que remite a la melodía de ‘Te necesito’, el hit de ‘Estrella de mar’, disco que acaba de cumplir 16 años. A propósito o no, el vínculo es evidente.

Algo parecido cuenta Ortega sobre ‘Ámbar’, señalando también la querencia clásica de las melodías de Amaral: “Ámbar” es la primera canción que hice de todas las de este disco. Desde que la compuse, noté que tanto en la melodía como en la sucesión de acordes, había partes que me llevaban directamente a pensar en la música de Amaral. Que tenía esa esencia clásica del pop español del que tan buen uso han sabido hacer Eva y Juan. Así que casi por impulso, sin pensarlo demasiado, teniendo apenas un borrador, lancé la propuesta. Fue increíble recibir un “sí” de vuelta. Luego vino lo que todos ya sabemos y mil y un impedimentos, que felizmente hemos conseguido sortear para poder hacer realidad esta colaboración, de la que nunca seré lo suficientemente consciente, ni estaré lo suficientemente agradecido».

‘Ámbar’ narra un paseo borroso por la ciudad debido a una ruptura. Toca especialmente la patata ese pasaje desesperanzado en el que Calavera y Amaral cantan «y es que prefiero recordarte así / como una luz en las oscuridad / cuando sabía dirigirme a ti», pero no falta en la canción cierto sentido del humor cuando Calavera entona: «Y aunque no mire ya en el Google Maps / sigo perdiéndome en la ciudad / si ya no tengo a dónde ir.

‘Wu Wu’ es otro adictivo single de Sen Senra

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Sen Senra ha publicado este viernes su esperado EP ‘Corazón cromado‘, el cual incluye todos sus singles recientes a excepción de ‘Nada y nadie’, una de las mejores canciones de 2020… ¿quizá porque se la guarda para un proyecto más importante? El mini álbum de 8 canciones arranca con la maravillosa ‘Perfecto’, termina con una balada acústica marca de la casa, sorprende con el grower de ‘Tumbado en el jardín viendo amanecer’ y cuenta entre lo mejor sendas colaboraciones con Feid y C. Tangana. En definitiva, es un merecido Disco Recomendado y también nuestro Disco de la Semana.

‘Wu Wu’ con Feid es la primera colaboración de ‘Corazón cromado’ que se daba a conocer, en concreto el pasado mes diciembre. El tema se ha convertido en otro mini hit para Sen Senra al sumar 2.300.000 de reproducciones en Spotify, en la media de lo que suelen registrar sus singles en solitario. El colombiano Feid es conocido por su macrohit ‘PORFA‘ con Justin Quiles y suena en su salsa en esta melancólica producción de R&B-pop con guitarras eléctricas que es 100% Sen Senra del primer segundo al último.

En primer lugar, ¿qué demonios significa «wu wu»? Una posible explicación es que el título es una variación de la secuencia de caracteres «uwu«, que según el Observatorio de Palabras de la RAE es «un emoticono que se emplea para expresar felicidad o ternura». O puede que sea completamente inventado. La chica que tiene encandilados a Sen Senra y a Feid en ‘Wu Wu’ tiene «todo el wu-wu-wu», ellos expresan que «quieren ese wu-wu-wu». Si en este punto estás pensando en el «dulce cu» de Homer Simpson no te preocupes: no eres el único.

En ‘Wu Wu’, Sen Senra expresa su encanto hacia una mujer en términos casi místicos: «Se cae la noche, nos encontramos / y la conexión parece ficción / en un segundo pusiste un hechizo / sobre mi mundo y su percepción». Feid, por su parte, va más lejos al emplear iconografía explícitamente religiosa: «Tus besos son los que me dan la luz / pero cuando tú no estás siento que cargo una cruz / ¿Por qué te ruego si no eres Jesús?» No se puede hablar exactamente de química entre ambos cuando se les supone enfrentados, pero esta delicada producción de R&B les sienta como un guante. Y Cristian no deja de agregar cierto sabor español o latino, con el sonido a bolero del puente.

Y enfrentados aparecen Sen Senra y Feid también en el videoclip de ‘Wu Wu’, en el que interpretan a dos peleles al merced de una joven de peinado extravagante que les practica vudú a través de sendos conejitos de peluche. Eso sí, en versión informatizada.

Los mejores conciertos de nuestra vida (y los peores)

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El tercer episodio de «Revelación o Timo», el podcast de JENESAISPOP, está dedicado a los conciertos. Sebas y Claudio recuerdan los mejores conciertos de su vida (también los peores) y hablan de la experiencia de la música en vivo como forma sublime de nuestra relación con la música… ¿o están los conciertos en realidad un poco sobrevalorados? Orden del día:

-El concierto como ceremonia: ¿es el fin último de la música?
-Viajar para ver grandes conciertos en otros países: Kylie, Madonna, Katy Perry…
-La gente que habla en los conciertos (este es el reportaje al que aludimos).
-Comprar entradas en una cola virtual.
-Cuántas veces ver la misma gira.
-Qué conciertos te han encandilado aunque no fueras fan.
-El concierto que más ansías ver después de la pandemia.

Suscribíos a nuestro podcast quincenal a través de Ivoox o RSS. Podéis apoyar JENESAISPOP a través de nuestra tienda online. Todos los pedidos realizados hoy lunes 29 de marzo serán EXPRESS para que lleguen antes de Semana Santa.

Karol G / KG0516

Karol G no llega a su nuevo disco ‘KG0516’ de cualquier manera, sino con una de las mayores colecciones de hits del último año. Este álbum nos viene con temática aeroportuaria quizá porque la cantante colombiana ha volado muy alto durante los últimos tiempos. Aquí reúne ‘Tusa’ con Nicki Minaj, que acaba de sobrepasar los 1.000 millones de streamings en Spotify; ‘Ay, DiOs mío!‘, que se publicaba el año pasado y desde entonces se ha convertido también en un hit internacional con cifras espectaculares; ‘Location‘, ese guiño country un tanto kitsch y pasado de rosca (parece producido por Avicii) en el que rendía homenaje a la vez a Madonna y Lady Gaga; la genial ‘Bichota’, y ahora el nuevo single ‘El Makinon’ junto a Mariah Angeliq.

Esta última es un tanto formulaica, así que detengámonos en ‘Bichota’, pues es una de las cosas más locas que puedes escuchar estos días en las listas. Karol G se empodera feminizando a los «bichotes», pues ella «se siente bichota sin salir del bloque»; se ríe de los que follan mal («Tú pa darme like en el Insta eres veloz / Pero se rumorea por ahí que eres precoz»); y crea un estribillo divertido («roncan, pero no pueden con mi pum-pum») y desafiante («todos me quieren partir y no tienen con qué»), cuando no desconcertante: ¿dice «porque puede ser que con el culo mío te topes» o «porque puede ser que con el culo no te topes»? La rima de «commentary» con «fuera de lugar y», ya si eso.

A esta ristra Karol G suma otra serie de grabaciones en las que aparece sola o acompañada, con mejor y peor suerte. Camilo, muy crecido tras publicar un disco casi de cantautor, y con una canción tan pizpireta como ‘Ropa cara’, aporta gracia en ‘Contigo voy a muerte’; mientras a continuación ‘DVD’, sin featuring, tiene toda la melancolía que necesita una buena canción de amor, casi a modo de resaca de la producción a que sucede. Por el contrario, ‘Beautiful Boy’ con Ludacris y Emilee está entre las decepciones, pues la referencia ahí para Karol G parecen más Black Eyed Peas que el homenajeado Ben E. King.

Tampoco funciona del todo la traca final a modo de ‘Leyendas’ con ciento y la madre como featuring. Están Wisin & Yandel, Nicky Jam, Ivy Queen, Zion y Alberto Stylee, y uno esperaba un macrohit del tamaño de ‘China’, pero lo que encontramos es un regular remedo de ‘Safaera’ en el que aparece hasta una recreación de ‘Sweet Dreams’ de Eurythmics. Algo demasiado sobado ya.

Una de las canciones de este disco se llama ‘Sola es mejor’ y aunque paradójicamente es una de las que sí contienen featurings para acentuar el despecho de ella y de ellos, sirve para hacernos sopesar qué aportan tal cantidad de artistas invitados, pues muchas de las mejores canciones son las que Karol G canta de hecho «sola», como la misma ‘Bichota’. Por cada dúo que funciona (‘Odisea’ con Ozuna) encontramos una decepción (‘Gato malo’ con Nathy Peluso). Las letras de Karol G deambulan constantemente entre la libertad (el corrido ‘200 copas’) y el amor ultra posesivo, que aparece una y otra vez desde la inicial ‘Déjalos que miren’. Quizá cuando prevalezca una idea concreta, estaremos ante el primer gran disco de la que es una de las cantantes más relevantes del pop actual internacional.

The Weeknd sacará una canción nueva «en espacio NFT» este sábado

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The Weeknd lanzará una canción nueva este sábado 3 de abril según informa en Twitter la plataforma digital Nifty Gateaway, que no solo cuenta con tic de verificación sino que además es seguida en la mencionada red social por artistas como Calvin Harris, Grimes o Diplo o por celebrities como Paris Hilton. Hoy mismo cabe esperar nueva música de Calvin Harris relacionada con su proyecto audiovisual en NFT, ‘TECHNOFISH’, que el productor británico ha creado en colaboración con el director Emil Nava.

¿Una canción nueva de The Weeknd esta semana cuando el artista canadiense sigue arrasando con ‘Blinding Lights’ (número 11 en el chart global de Spotify) y ‘Save Your Tears‘ (número 6) a día de hoy? ¿Qué puede publicar Abel Tesfaye un triste sábado, en plena Semana Santa? Como Calvin, el autor de ‘After Hours‘ se apunta a la moda de los NFT o «non fungible tokens», en palabras de Beat Night MX «un tipo especial de token criptográfico que representa algo único y por lo que no puede ser intercambiado». El portal continúa: «En pocas palabras, los archivos musicales digitales NFT permitirán a los artistas controlar el número de copias que se venden, a quien se venden, en dónde están y quién es el propietario».

Lejos de ser un rumor infundado, el propio The Weeknd confirmaba el pasado viernes 26 de febrero que publicaría una canción nueva «pronto», que «vivirá en el espacio NFT». A todas luces un experimento por el que el artista probablemente no arriesgará a estrenar un nuevo ‘Blinding Lights’, es decir, un posible hitazo histórico. ¿O sí? ¿Recordáis cuando ‘Blinding Lights’ parecía un «branded content» de Mercedes? ¿Nos esperará más bien un remix de ‘Save Your Tears’, como los ha habido de ‘Blinding Lights’ e ‘In Your Eyes’? ¿Quizá un descarte de su último disco?

Miguel Bosé, próximo entrevistado de Jordi Évole

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Titular «Miguel Bosé rompe su silencio» no era adecuado: el cantante ha sido noticia una y otra vez en el año de la pandemia precisamente por no quedarse callado y guardarse para sí sus opiniones conspiranoides sobre el coronavirus, que pese a haber sido refutadas una y otra vez, han sido suscritas por otras celebrities como su amiga Alaska, desde un plató de televisión nada menos; o Victoria Abril.

No obstante, hace años que el autor de ‘Morena mía’ no ofrece una entrevista propiamente dicha en España, ya que reside en México y lleva años retirado del foco público (aunque no lo parezca), y el periodista Jordi Évole ha sido el afortunado que ha conseguido sentarse con Miguel para que le cuente todo lo que le ha pasado por la cabeza en los últimos tiempos. Quizá sea momento de que Bosé le devuelva a David Broncano todas las pullas que le ha tirado últimamente… ¿o seguirá más bien insistiendo en la necesidad de usar el «derecho» a la libertad de expresión, aunque esta conlleve amplificar -desde la plataforma de Bosé- una serie desinformaciones que afectan directamente a la salud pública?

La entrevista de Évole a Bosé se emitirá el 11 de abril, es decir, este domingo no sino el que viene, en su programa post-‘Salvados’ ‘Lo de Évole’. El periodista ha escrito: «El domingo que viene descansamos… pero el 11 de abril volvemos. Y no con cualquier cosa. Después de años sin conceder una entrevista en España, rompe su silencio MIGUEL». El adelanto de la charla de Évole con Bosé no incluye palabras pero sí el ritmo de ‘Amante bandido’. Esperamos que caiga algún gancho más en los próximos días.

Recientemente, Évole ha sido noticia por el estreno de ‘Eso que tú me das‘, su entrevista exclusiva a Pau Donés que tenía lugar poco antes de que este falleciera.

Next Level Charli: dejar de colaborar con Lady Gaga por un despiste

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Charli XCX está muy contenta estos días porque su tema ‘Unlock It‘ se ha viralizado en TikTok a partir de un mash-up no oficial con ‘Superlove’ de Tinashe. ‘Unlock It’ es ya el segundo tema más escuchado de Charli en Spotify solo por detrás de ‘Spinning’ con The 1975 y porque este es reciente, por lo que posiblemente lo adelantará en los próximos días.

Pero entonces ha llegado Bloodpop para aguarle la fiesta aunque por otro motivo. La autora de ‘how i’m feeling now‘ ha acudido a Twitter este fin de semana para responder preguntas de los fans, y una de estas estaba relacionada con ‘Chromatica‘ de Lady Gaga. Charli aprovecha entonces para desvelar un dato que se desconocía: iba a colaborar con Lady Gaga en un remix de ‘911’, una de las mejores canciones de 2020. Después de alabar ‘Chromatica’, que considera la «mejor era» de Lady Gaga, y de hablar maravillas de ‘Rain on Me’, su canción favorita de 2020, la artista explica: «Bloodpop me contactó para hacer un remix de ‘911’ pero nada sucedió al final: yo habría muerto por hacerlo y lo habría hecho en un santiamén».

Raudo y veloz, Bloodpop ha contestado que el remix de ‘911’ no es una realidad a día de hoy porque la propia Charli no aprovechó la oportunidad: el productor de ‘Chromatica’ llegó a enviarle los «stems» o capas de la canción el pasado mes de noviembre pero ella nunca los vio. Así queda explicado en la captura de la conversación por mensaje privado entre Bloodpop y Charli que el primero ha compartido en Twitter. Como es visible en la conversación, la pobre Charli no da crédito.

Pero que no cunda el pánico: la puerta sigue abierta para que este remix vea la luz en algún momento: En los mensajes, Bloodpop pide a Charli que hable con su equipo para comprobar si aún guarda las mencionadas pistas, a lo que Charli responde emocionada que «okay!!!». De momento es posible escuchar remixes de ‘911’ por Weiss, Sofi Tukker y Bruno Martini.

Obituario: las maravillas que nos dejó Malcolm Cecil

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Este domingo 28 de marzo por la mañana nos ha dejado Malcolm Cecil, a causa de una enfermedad que sufría desde hace tiempo. Malcolm Cecil fue co-productor o productor asociado de algunas de las mayores maravillas que Stevie Wonder publicó a principios y mediados de los años 70.

Stevie Wonder arrasó durante aquellos años, publicando un discazo detrás de otro, como fueron en 1972 ‘Talking Book’, un año después ‘Innervisions’ (1973) y un año después ‘Fulfillingness’ First Finale’ (1974). Estos dos últimos se hicieron con el premio a Álbum del Año en los Grammy (sí, dos años consecutivos). Malcolm Cecil estuvo involucrado en estos tres discos de Stevie Wonder, realizando tareas de producción o co-producción, así como en otros puntos de la carrera del artista como ‘Music of My Mind’ (1972) y ‘Jungle Forever’ (1991).

Esto se traduce en que encontramos a Malcolm Cecil acreditado como ingeniero en ‘You Are the Sunshine of My Life’, ganadora en la categoría pop de los Grammy de su año, llevando a Cecil a compartir el premio a mejor ingeniero de aquel 1972 junto a Robert Margouleff; o como bajista en ‘Visions’ (1973).

Malcolm Cecil será recordado por haber diseñado, junto a Robert Margouleff, un sintetizador analógico llamado TONTO (Original New Timbral Orchestra) que ha sido muy utilizado en la música pop. Gil Scott-Heron y Brian Jackson estuvieron entre los artistas que lo utilizaron, posando con dicha máquina en la portada de su disco colaborativo ’1980’.

Entre los artistas que usaron este sintetizador se puede hablar de Quincy Jones, Minnie Riperton o James Taylor, entre muchos otros. TONTO ayudó a crear canciones de Stevie Wonder como ‘Superstition’, como recuerda Rolling Stone, que apunta que el sonido de teclado salió de él y también la línea de bajo.

Delaporte y Amaral, top 1 de JNSP; entran Axolotes, Pilotos, Japanese Breakfast…

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Delaporte sube al puesto 1 de lo más votado en JENESAISPOP con ‘Las montañas’, el tema que da título a su último disco, solo que ahora revisitado junto a Amaral. Es el primer top 1 para Delaporte en nuestro top 40 y el segundo para Amaral tras ‘Cuando suba la marea’ (2012). ‘Cara de idiota’ de Axolotes Mexicanos llega al número 6, mientras en la mitad baja de la tabla encontramos temas de Bad Gyal, Los Pilotos, Sleaford Mods, Nick Jonas y Japanese Breakfast. Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 4 1 2 Las montañas Delaporte, Amaral Vota
2 5 2 2 Entra en mi vida La Casa Azul Vota
3 3 3 2 Taylor Zahara Vota
4 7 2 4 Ingobernable C. Tangana Vota
5 1 1 4 Punto muerto Miss Caffeina, Ana Torroja Vota
6 6 1 Cara de idiota Axolotes Mexicanos Vota
7 6 6 2 Ventura Maria Arnal i Marcel Bagès Vota
8 9 3 6 Ya no siento nada Alizzz Vota
9 14 9 3 Pay Your Way In Pain St Vincent Vota
10 24 2 9 Perra Rigoberta Bandini Vota
11 8 8 2 telepatía Kali Uchis Vota
12 10 10 2 Te quiero y lo çabê Califato 3/4 Vota
13 17 1 7 Fiera de mí María Arnal, Marcel Bagés Vota
14 15 1 10 MERICHANE Zahara Vota
15 21 14 4 Fiesta sorpresa Espanto Vota
16 2 2 2 Himno de España Kokoshca Vota
17 23 2 6 Tell Me You Love Me Sufjan Stevens Vota
18 12 5 3 Leave the Door Open Bruno Mars, Anderson .Paak, Silk Sonic Vota
19 25 1 22 El encuentro Alizzz, Amaia Vota
20 29 20 4 Así llegué a Granada Los Hermanos Cubero, Grupo de Expertos Solynieve Vota
21 34 21 2 Volveré Tronco Vota
22 11 1 6 Remember Where You Are Jessie Ware Vota
23 23 1 44 Bad Gyal Vota
24 18 18 4 Lo único que tengo Betacam Vota
25 13 4 3 Look What You’ve Done Zara Larsson Vota
26 33 26 2 Pictures Joana Serrat Vota
27 27 1 Cenizas en el piso Los Pilotos, Pedrina Vota
28 35 8 5 Lovers Roosevelt Vota
29 29 1 Nudge It Sleaford Mods Vota
30 32 1 25 Levitating Dua Lipa Vota
31 40 1 32 Midnight Sky Miley Cyrus Vota
32 32 1 This Is Heaven Nick Jonas Vota
33 28 14 4 Reflexe Ferran Palau Vota
34 20 20 3 Carnage Nick Cave, Warren Ellis Vota
35 37 1 71 Blinding Lights The Weeknd Vota
36 39 13 11 Too Many Drugs Rigoberta Bandini Vota
37 26 1 61 Physical Dua Lipa Vota
38 31 1 11 Chemtrails Over the Country Club Lana del Rey Vota
39 30 15 6 One More SG Lewis, Nile Rodgers Vota
40 39 1 Be Sweet Japanese Breakfast Vota
Candidatos Canción Artista
White Dress Lana del Rey Vota
For Ya Paloma Mami Vota
Sublime Sen Senra Vota
Peaches Justin Bieber, Daniel Caesar, Giveon Vota
Fotos con las autoridades Espanto Vota
Neskaren kanta Verde Prato Vota
Last Day on Earth beabadoobee Vota
Streets Doja Cat Vota
What Is a Feeling Glüme Vota
Did My Best Xenia Rubinos Vota

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Love of Lesbian tocan para 4.994 personas en Barcelona: 6 positivos se quedan fuera

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Love of Lesbian han actuado la tarde de este sábado en el Palau Sant Jordi de Barcelona para presentar su nuevo disco, ‘Viaje épico a la nada’, que sale el 16 de abril.

El primer concierto masivo que ve la ciudad catalana desde el inicio de la pandemia ha sido aprobado por la Generalitat y el Ayuntamiento de Barcelona y llevado a cabo con la colaboración del Hospital Germans Trias i Pujol y la Fundació Lluita contra el Sida. La idea del concierto ha sido reunir a a 5.000 personas sin distancia de seguridad, pero con mascarillas y habiéndose realizado previamente un test de antígenos.

6 personas han dado positivo de las 5.000 reclamadas inicialmente en el concierto de Love of Lesbian, según informa Europa Press y se hacen eco medios como The Huffington Post. A estas personas se les ha denegado el acceso al recinto. A las que sí han podido acceder se les ha facilitado una mascarilla FFP2 y gel hidroalcohólico tras dejarse tomar la temperatura, mientras los accesos a bar y lavabos se han dividido por grupos.

Como el concierto que Raphael ofreció hace unos meses en el WiZink Center de Madrid, también frente a 5.000 personas, el de Love of Lesbian ha ofrecido una pista de cómo puede ser el futuro de los conciertos, al menos en un futuro cercano y mientras se suministran todas las vacunas. Como aquel o el concierto de El Drogas, el evento de Love of Lesbian ha recibido críticas por cierta parte del público por lo que supuestamente supone reunir a miles de personas en un recinto cerrado a día de hoy, a pesar de la probada seguridad del evento.

El concierto de Love of Lesbian, que ha recibido atención de la prensa europea, se ha compuesto de temas de su nuevo disco y de otros de sus éxitos, entre ellos un ‘Allí donde solíamos gritar’ que ha adquirido un significado nuevo después de la pandemia. El show ha arrancado -también significativamente- con ‘Nadie en las calles’ y ha seguido con ‘Bajo el volcán’, ‘Si salimos de esta’ o ‘Contraespionaje’ hasta llegar a ‘Club de fans de John Boy’ o ‘1999’. Tijoux y Suu han ejercido de artistas invitadas.

En Twitter, Love of Lesbian han comunicado que «han hecho historia» y que el concierto representa «un pequeño paso para Love of Lesbian, pero uno grande para la cultura».

Tronco / Nainonai

En la vida de los cantautores, una ruptura, la pérdida de un ser querido, o un trauma suelen llevar a la obra más relevante del artista. Una en la que expone sus debilidades sin pudor, casi a modo de exorcismo. En el caso de Tronco, no necesitamos conocer sus intimidades para verlos constantemente expuestos, y por extensión, comulgamos con ellos todo el rato sin necesidad de esperar ninguna obra cumbre.

Escuchar ‘Nainonai’, el tercer disco del dúo que su sello Elefant publica esta semana, es saber todo sobre su autora principal, Conxita Herrero Delfa, y su hermano Fermí, porque así lo enseñan, completamente al desnudo, por mucho que no revelen detalles innecesarios de su vida personal. Puede aparecer un nombre propio, pero solo para que esa historia cotidiana sea todavía más universal. Da igual Marina que Valencia, da igual cuál sea el estado de ánimo o civil actual de Conxita y Fermí: sus canciones siempre saben llevarte al día en que te sentiste como describen sus letras. A un día que fue importante, aunque fuera por una nimiedad.

‘Volveré’ retrata a una persona que tropieza una y otra vez en la misma piedra, en ‘Menos contigo’ habla una persona tímida, insegura, enamorada hasta las trancas. ‘Soy una roca’, adaptación de Simon & Garfunkel, es el reflejo de una persona que se quiere convencer de no sentir nada (pero todos sabemos que no podrá). ‘Famosa’ es el de una persona que quiere ser rica pero no perseguida por los fotógrafos. ‘Piropos’ solo puede haber sido escrita por alguien de gran imaginación y gusto por el detalle. Y así sucesivamente. Entre el romanticismo extremo y la observación aguda, todo es tan Vainica Doble (de ‘Lo eres todo’ a ‘La funcionaria’), que la última canción la han llamado ‘Con las manos en la masa’ sin ser una versión del televisivo tema que entonó también Joaquín Sabina.

Musicalmente continuista respecto al espléndido ‘Abducida por formar una pareja’ y ‘Tralará‘, también muy grande sobre todo en su tramo central; ‘Nainonai’ basa su encanto en el de sus historias. Con ayuda de un espectacular libreto en la edición vinilo de 12″, ilustrado por Conxita y Lucas Naranjo, inspirándose en ‘Sapo y sepo’ y ‘El principito’, e incluyendo letras y hasta acordes, cada canción conectará con una parte de tu cerebro o con un tipo de persona. ‘Un documento’ es un canto a una foto perdida en una cámara ajena que hará suspirar a los más nostálgicos. ‘Rumba veraniega para tiempos oscuros’ es lo que no sucedió y lo que sí en un día de playa en que se puso a llover: parece una escena de Éric Rohmer. ‘Qué gusto verte’ es la prueba de que se pueden hacer canciones sobre la felicidad, que no es necesario sufrir un gran drama para componer.

Todas estas canciones junto al repertorio anterior explican por qué las personas que seguimos a Tronco, lo hacemos con una devoción desproporcionada. Nos cruzamos con Conxita y con Fermí y casi nos da vergüenza mirarles a la cara porque es de nosotros, hasta en los pequeños detalles, de lo que nos han hablado sus canciones. Les entendemos tan a la perfección que es como mirarnos a nosotros mismos en un espejo demasiado rato.

‘Little’: la asombrosa historia de Madame Tussauds y su museo de cera

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El escritor y dibujante Edward Carey trabajó en su juventud como vigilante en el museo de cera de Madame Tussauds en Londres. Allí fue donde se interesó por la historia de su fundadora. Marie Tussaud, de soltera Grosholtz, fue una huérfana que aprendió a modelar la cera con un cirujano en Berna, trabajó como criada en París, vivió en el palacio de Versalles como profesora de arte de Isabel de Francia, la hermana de Luis XVI (o eso contó en sus poco fiables memorias), realizó moldes de cabezas guillotinadas durante la Revolución, fue arrestada durante el Terror jacobino, emigró a Inglaterra como artista itinerante, y fundó en Londres, en Baker Street, la calle donde “vivió” Sherlock Holmes, el museo de cera más famoso del mundo.

‘Little’ (Blackie Books) es una estupenda biografía novelada e ilustrada de Madame Tussauds. Carey narra la vida de la célebre y diminuta artista -de ahí el título- desde su nacimiento en Alsacia en 1761 hasta su marcha a Inglaterra en 1802 con un baúl lleno de cabezas famosas. Medio siglo contado por ella misma, en primera persona (un punto de vista que ayuda al autor a permitirse más de una licencia poética), que se lee como una mezcla entre novelón decimonónico dickensiano, drama histórico y macabro cuento de hadas a lo Tim Burton. Hay huérfanas, princesas, madrastras malvadas, personalidades históricas, conflictos de clase, y mucha sangre y cabezas cortadas.

Madame Tussauds es como una cenicienta de la Revolución, una superviviente del Antiguo Régimen –pobre, fea, pequeñaja, huérfana, inmigrante, malcasada- que entra en la edad contemporánea convertida en una empresaria de éxito, en una mujer independiente cuando casi ninguna lo era. Una heroína de cuento a quien Carey da voz con una gran eficacia narrativa. A lo largo de las más de quinientas páginas podemos observar cómo evoluciona su escritura y sus pensamientos, cómo la voz de una niña y su visión del mundo se van transformando en la de una joven enamorada y luego en la de una madre rebelde y abnegada.

El autor relaciona la revolución exterior -recreada de manera muy vívida, vista principalmente como la debieron ver muchos franceses en la época, desde la ventana, atemorizados dentro de sus casas- con la “revolución” interior de la propia artista, con su politización, con su toma de conciencia de clase y de género. Madame Tussauds como pionera de un feminismo temprano modelado al ritmo que impone la pura supervivencia. 8.

‘make it right’ es la mejor canción de Tune-Yards en muchos años

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Tune-Yards han publicado este viernes su nuevo disco. En ‘sketchy.‘, el dúo formado por Merrill Garbus y Nate Brenner recupera la vitalidad y el color de sus mejores discos sin renunciar al componente pop de sus mejores canciones, como ‘Water Fountain’, ni mucho menos olvidarse de su interesante discurso político en el que abordan temas como el racismo o la desigualdad de clase.

‘sketchy.’ ha sido presentado con los singles ‘nowhere, man’, ‘hold yourself’ e ‘hypnotized’: para el último, el grupo ha ideado una actuación en la tele que su equipo en España ha comparado con los muñequitos de José Luis Moreno; y de manera inexplicable ‘make it right’ sigue siendo un «album track» y no ha sido potenciado como single a pesar de que es el tema más instantáneo de todo el largo. Una locura de art-pop que alterna sintetizadores y ritmos de math-rock atropellados con vientos metales, palmas y voces copia-pegadas en estilo «collage» para armar una composición totalmente eufórica y arrebatadora. ‘make it right’ es la mejor canción de Tune-Yards en muchos años.

El nuevo disco de Tune-Yards no solo explora diversos sonidos, sino también diferentes perspectivas relacionadas con la autorresponsabilidad. La culpa blanca preocupa a Merrill desde hace tiempo, y era el tema principal de su anterior disco. En las entrevistas, la cantante de Tune-Yards imagina una sociedad en la que los debates sobre racismo son enriquecedores para las dos partes, no discusiones en la que dos personas terminan a la defensiva, y la protagonista de ‘make it right’ está dispuesta a dejarse deconstruir, a equivocarse. El diálogo de ‘make it right’ representa de hecho el estribillo de la canción: «ella me preguntó: ¿estoy dispuesta a pagar? No quiere castigarme sino que me cure de este dolor», a lo que contesté: «adelante, hazme una persona humana».

Smerz / Believer

Smerz están más cerca de conocer a Pedro Sánchez que tú y yo, ya que una de sus dos integrantes, Catharina Stoltenberg, es hija de Jens Stoltenberg, presidente de la OTAN y antiguo Primer Ministro de Noruega. Catharina y Henriette Motzfeldt se conocieron en el instituto y decidieron irse juntas a estudiar a Copenhague antes de tomar la decisión de dedicarse a la música a tiempo completo ante la mirada de circunstancia de sus amigos, que se solían quedar picuetos cuando estas les mostraban la música en la que habían estado trabajando. Quién les iba a decir que terminarían compartiendo sello con Adele o FKA twigs.

Una estudió música, la otra latín, derecho y matemáticas, y aunque ambas reconocen ser de hecho «matemáticas» en el sentido de metódicas, su música no suena nada calculada ni cuadriculada, sino libre hasta el punto de que su debut oficial ‘Believer’ es un cajón de sastre de todos sus intereses musicales, que van del hip-hop al trance pasando por la música neoclásica. En los últimos tiempos, las chicas han cosechado su propio mini hit con ‘Because’, un misterioso tema de bedroom house que suena hecho por las sombras que te visitan por la noche cuando te da una parálisis del sueño; y en ‘Believe’ las noruegas siguen explorando su oscuro y enigmático sonido desde varias vías, ya que ellas se reconocen tan fans de Jessy Lanza como de Rihanna o del Gill Scott-Heron producido por Jamie xx. Sin olvidar que han estudiado música y teatro para empaparse de unas convenciones de las que luego han huido, relajadas, para terminar haciendo lo que les ha dado la gana.

La producción de ‘Believer’ es totalmente DIY y las chicas suenan deliberadamente amateur en algunos puntos, como en el hip-hop con cuerdas desganado de ‘Rain’ -cantado en noruego- o en el tratamiento de las voces, que además suenan apáticas y «creepy» aposta: ‘Rap Interlude’ parece una primera toma y la integración de las voces de ‘Sonette’ en la música es nula. El componente amateur de ‘Believe’ le otorga todo su encanto, por otro lado: a veces no sabes si estás escuchando una mixtape entregada sin terminar, un trabajo de fin de grado o un álbum que ha buscado la mayor autenticidad posible, pues a veces parece dos o tres proyectos distintos volcados en uno solo cuando del bosquejo neoclásico ‘4 temær’ pasamos a la tralla epiléptica de ‘Hester’, o cuando de la intro a lo The Cure de ‘Guitariff’ pasamos a la intensidad de ‘Max’, un corte minimalista que se debate entre las melodías susurradas de Janet Jackson y los instrumentales más intensos de Arca. Sin embargo, la sensibilidad intimista a la par que fantasmagórica, espectral, de Smerz se hace notar en todas sus composiciones, y ‘Believer’ logra sonar unificado pese a la destartalada secuencia.

El nombre de Smerz es una combinación de las letras presentes en la expresión alemana «Schmerz im Herz», «dolor en el corazón». Una pista de lo que nos cuentan sus letras. La incertidumbre plaga la música de Smerz quizá desde que el disco alude a una creencia, y sus textos están llenos de preguntas tipo «¿crees que voy servida si solo me quedo con mi novio?» (‘Believer’), «¿debería admirarte?, ¿puedo convertirme en otra persona? ¿quién muestra el camino?» (‘The favourite’) o «¿te quedarías si te dijera que es lo que quiero?». El amor es el tema central pero Smerz huyen de lo obvio y a veces dan con imágenes algo turbias, como la de esa persona que «baila encima de una mesa de cristal» en la caótica ‘Glassbord’, uno de los cortes menos convincentes de este largo en el que tampoco los interludios instrumentales son de lo mejor, al sonar inacabados.

Es cuando Smerz reconcilian su peculiar sonido con mensajes comprensibles por cualquiera cuando más brillan. El pegadizo tema titular, que recuerda lo mucho que se inspiró Björk en el hip-hop para crear ‘Homogenic‘, nos deja una frase totalmente clásica, retro («el amor es un trabajo duro, pero yo no voy a dejar de amarte»), y el R&B de neón de ‘Flashing’, a todas luces el mejor tema del disco pues su melodía la podría haber escrito una popstar del R&B, puede llegar a emocionar cuando expresa: «pienso en cosas que no digo, sobre cosas que no puedo explicar, he tenido todo este tiempo para sentir, y todavía creo que deberías quedarte». Muestra de que, si Smerz siguen puliendo su propuesta, lo que no significa que se tengan que deshacer de absolutamente todo lo que les interesa, pueden llegar a lugares insospechados.

Karol G y Nathy Peluso, otra colaboración de divas que deja con ganas de más

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Karol G es una de las protagonistas de la semana en el mundo de la música después de publicar su nuevo disco ‘KG0516’ solo días después de anunciarlo. El álbum llega dos años después de ‘Ocean’ e incluye los exitazos ‘Tusa’ con Nicki Minaj, ‘Ay DiOs Mío!’, ‘BICHOTA’ y ‘LOCATION’ con Anuel AA y J Balvin además de otras colaboraciones como las de Ozuna, Nathy Peluso, Camilo, Ludacris o Mariah Angleliq (antes conocida simplemente como Mariah) en ‘EL MAKINON’, el nuevo single oficial, ya presente en el top 50 de canciones más escuchadas en España de Spotify (es número 39 a tiempo de redacción de la noticia).

Había ganas de averiguar qué ofrecían Karol G y Nathy Peluso en su colaboración, y con motivo: ambas lo están petando por separado, la primera sobre todo desde que ‘Tusa’ ha arrasado, la segunda sobre todo desde que «Nasty Girl» ha pegado el braguetazo. Pero ‘GATO MALO’ no va a ser otro ‘Tusa’: más bien deja frío como aquellas colaboraciones de divas de las que esperamos todo y después pasaron algo desapercibidas: Britney Spears con Madonna, Shakira con Rihanna, Beyoncé con Lady Gaga (y no al revés), Christina Aguilera con Demi Lovato o Rosalía con Billie Eilish (si se la puede considerar tal).

Un punto a favor de ‘GATO MALO’ es que huye del reggaetón o incluso de cualquier patrón rítmico reconociblemente latino para apostar por un beat de hip-hop acelerado que termina recordando a la música de proyectos de pop y hip-hop anglosajones como Lily Allen, Gorillaz o The Streets. Lo que separa a ‘GATO MALO’ de este sonido, claro, es la evidente influencia del tango en su base melódica, quizá porque Nathy es de Argentina y ambas pueden haber escrito el tema a partir de esta idea. Desgraciadamente, ‘GATO MALO’ no gana demasiado a partir de esta fusión de estilos ni suena especialmente interesante o fresco: más bien parece el primer single de cualquier triunfito.

Producida por Ovy on the Drums, ‘GATO MALO’ presenta una historia de desamor con dos protagonistas: Karol G es la chica a la que han roto el corazón, y Nathy es su amiga consejera, la que está a dispuesta a sacar las garras para que a su colega no la vuelvan a hacer daño. «Lo nuestro no le fue muy bien / Decíme en qué pude fallar / Si todo en mí te entregué / Y verte ya no podé más», lamenta Karol antes de que Nathy aparezca para poner los puntos sobre las íes: «Mamá no estarás llorando por ese mocoso / El que se quemó por los dedos por ser un goloso» es otra frase marca de la casa, y de hecho la autora de ‘Calambre‘ vuelve a ser lo mejor de una colaboración en la que aparece. Desgraciadamente, la suma de estos dos grandes nombres no ha dado lugar a un tema más grande incluso.

¿Cuál es la mejor canción de ‘Chemtrails Over the Country Club’?

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Parte de la redacción escoge su canción favorita de ‘Chemtrails Over the Country Club’, el nuevo disco de Lana del Rey, que recientemente ha reseñado en nuestro site Mireia Pería.

‘White Dress’, por Jaime Cristóbal

«Las tres canciones más brutales son ‘White Dress’, «Chemtrails» y ‘Yosemite’. Y que haga mi canción favorita de Joni Mitchell al final me conquista totalmente. Me decanto por ‘White Dress’ porque a la exquisitez absoluta de la composición (Antonoff y Del Rey sacan chispas juntos, lo siento Taylor: siempre te ganan) se suma esa increíble interpretación vocal. Caprichosa, fluctuante, pasando por diferentes moods… y yo no diría «afónica» como se dijo en JNSP, sino exquisitamente susurrante. Me da la impresión de que no es una toma con fallos y pérdida de voz que quedó mona, sino algo buscado, para expresar la fragilidad de su yo joven al que alude la letra. Esa es mi teoría. Dentro de la magia de la canción y su minimalista producción con esos detalles sutiles de fondo, casi como de diseño de sonido, está además ese momentazo en el que empotra en la métrica del verso una larguísima, imposible, frase («Down at the men in Music Business Conference»)… Me parece maravillosa esa salida de madre, muy Kate Bush, bellísima.

La letra me encanta también: habrá quien diga que la cantante rica y afamada que dice que quizá su época más feliz fue ese momento pre-fama es un cliché, la clásica romantización de los «viejos tiempos duros». Pero visto lo que la han bombardeado durante años (en Mojo hablaba de trauma), no lo veo tan raro, lo veo sincero, y forma un círculo perfecto con ‘For Free’ de Joni Mitchell en el cierre. Temáticamente tienen mucho que ver, pues habla desde la perspectiva de una música famosa que ve a un músico callejero y le parece que es mucho mejor y más auténtico que ella, que canta en sitios lujosos… Supongo que criticarán a Lana por esto también, pero me pregunto si a Joni le habrían criticado eso de ‘For Free’… lo dudo».

‘Tulsa Jesus Freak’, por Jordi Bardají

«Reconozco que no he cogido ‘Chemtrails Over the Country Club’ con demasiadas ganas, aunque también es verdad que me está costando escuchar más allá de las tres primeras canciones de la secuencia, que me parecen sobresalientes. ‘White Dress’ es un clásico, el single principal hay que recordar que también está muy bien, pero yo me quedo con ‘Tulsa Jesus Freak’ porque ofrece algo diferente. Una preciosa balada de aires country-folk que Lana canta acompañada de un efecto de autotune tan delicado y suave como una pluma, pero el tema además incorpora una base rítmica electrónica que recuerda a los momentos más sosegados de ‘Born to Die‘ (pienso en ‘Carmen’).

En la letra de ‘Tulsa Jesus Freak’, que incluye el sintagma «White hot forever», que es como se iba a llamar este disco, Lana saborea los dulces momentos que vive en una complicada relación amorosa en la que no falta el alcohol, y con referencias a la Biblia, a Jesucristo, a ‘Candle in the Wind’ de su amigo Elton John o al río Arkansas que atraviesa Tulsa, Oklahoma porque de Tulsa procede la persona a la que Lana probablemente dedica la canción (el famoso poli), obtiene una de sus composiciones más serenas, y a la vez más experimentales de su carrera. No me importaría escuchar más canciones en su estilo en el futuro».

‘Yosemite’, por Pablo Tocino

«Lana grabó ‘Yosemite’ en 2016 (de hecho no aparece acreditado Antonoff sino Rick Nowels), pero a última hora decidió excluirla de ‘Lust for life’ por ser “demasiado feliz”. A ver, en ese disco estaba ‘Get Free’, pero entendemos su point: ‘Yosemite’ es una bellísima canción que demuestra su habilidad para el optimismo y para el romanticismo de, ojo, una relación sana. Ayudan desde luego su estupenda melodía, la calidez en su voz y unos cuidados arreglos de cuerda y piano, a los que se sumarán una delicada percusión. Y mención aparte merece su excelente puente, que recuerda a otro de los mejores puentes de Lana, el de ‘Terrence Loves You’. Hay muchos temas destacables en “Chemtrails”, pero yo de momento me quedo con ‘Yosemite’».

‘Breaking Up Slowly’, por Sebas E. Alonso

«Supongo que ‘White Dress’ pasará a la historia como la mejor canción de ‘Chemtrails Over the Country Club’. Fue ‘Yosemite’ la composición que me logró meter en este álbum con su ambiente de hoguera en la línea de Nick Drake, Françoise Hardy, Joan Baez… en los últimos suspiros de los años 60 (y por extensión recordando también a los Goldfrapp de ‘Tales of Us’). Pero lo mejor de ‘Chemtrails Over the Country Club’ es cómo se crece sin rellenos en las pequeñas cosas y ahí ‘Breaking Up Slowly’ es la composición que me ha tocado la patata. ‘Breaking Up Is Hard to Do‘ siempre ha sido una de mis canciones favoritas, Lana del Rey conoce bien el trabajo de su autor Neil Sedaka porque ha llegado a grabar una versión de ‘Where the Boys Are’ y la referencia de la letra a Tammy Wynette tiene todo el significado. Canta Nikki Lane:
«¿Son estos mis años buenos o no he tenido ninguno en absoluto?
¿Son estos buenos años realmente para todo el mundo?
No quiero vivir llena de arrepentimiento
No quiero acabar como Tammy Wynette».

A continuación entra el estribillo con más y más referencias a ‘Breaking Up Is Hard to Do’, y después Lana del Rey canta como si ella fuera la misma Tammy Wynette dirigiéndose a su esposo, «George». Tammy Wynette se casó 5 veces, 2 de ellas con sendos artistas llamados George: el cantante George Jones y el autor y productor George Richey. La canción se refiere a este último, porque fue su último marido, hasta su muerte, y el más conflictivo: «George fue arrestado ahí fuera / Creo que vamos a romper después de esto», dice Lana, metiéndose en el cuerpo de Wynette. En 1978, año de este último matrimonio, esta sufrió un secuestro y luego declaró que se lo había inventado porque no quería denunciar los malos tratos que sufría de su marido, algo que él negó. Todo esto sirve como metáfora para Lana del Rey para rebelarse contra las críticas sobre su no-feminismo. «No me mandes flores, como siempre haces / Es duro estar sola pero es lo correcto», es la conclusión de la canción.

¿Cómo acabó Tammy Wynette? ¿A qué se refiere la letra? La cantante fallecía en 1998 aquejada de varios problemas de salud tras haberse sometido hasta a 26 operaciones importantes a lo largo de su vida (apéndice, riñón, vesícula biliar, nódulos en la garganta… de todo). Adicta a los calmantes como tantas estrellas estadounidenses, terminó falleciendo en un sofá de su casa de Nashville mientras dormía a los 55 años. Una de sus hijas intentó vivamente que se condenara a George Richey indirectamente por su muerte, pero la causa fue desestimada».

¿Cuáles son tus canciones favoritas de 'Chemtrails Over the Country Club'?

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‘Hierro 2’: Candela Peña se va por la puerta grande con lo más visto de Movistar

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“Más triste, más sola y más enfadada”. Esta frase, que recuerda a aquella portada de Terelu, podría ser de cualquiera de nosotros para referirnos a cómo nos tiene la situación actual, pero es también la que eligió Candela Peña para describir a la protagonista de ‘Hierro’ en esta segunda temporada. La serie de Movistar que os recomendamos hace dos años nos encandiló por varios motivos, pero quizás el principal era su protagonista: la jueza de Candela Peña podría estar investigando en El Hierro o en Coria del Río, que nos seguiría interesando por su actitud y su intuición. Pero es que además El Hierro es protagonista también de la serie y no solo circunstancia. Y es que además está el mano a mano con Díaz, ese co-protagonista interpretado magistralmente por Darío Grandinetti.

Todo eso volvemos a tenerlo en esta segunda temporada, y especialmente la serie se sale con el último punto que comentábamos: hay dos conversaciones entre Grandinetti y Peña que son una delicia (una a la mitad, otra muy cerca del final) y que sintetizan las diferencias entre sus personajes y, a su vez, qué es lo que les une y lo que hace que este amor/odio tenga sentido. “La vida, a veces, se vuelve muy cabrona” dice la jueza en otro momento crucial, y en eso estaría de acuerdo su némesis Díaz.

Y de nuevo tampoco decepcionan los secundarios: quizás el personaje de Iris Díaz queda más desdibujado, pero Kimberley Tell brilla más si cabe aquí, y es increíble lo que hacen las más pequeñas, Helena Sempere y Naira Lleó. Incluso la figura del “Big Bad” vuelve a ser un acierto, aunque sea complicado suplir a aquella Antonia San Juan pasada de vueltas. Aquí se ha optado por un ‘Superman II’: a falta de un sustituto, tres. Tenemos a Matías Varela como el empresario por el que comienza la trama de la temporada, al hijo de Samir (Enrique Alcides) recordando a Evan Peters en ‘Cult’, y desde luego al que se lleva la palma: Clara, el personaje interpretado por Celia Castro, a quien compramos desde su primera aparición en pantalla. A todo esto hay que sumar la cuidadísima ambientación y fotografía de la serie y una trama que, aunque es más dispersa que en la anterior, funciona cuando llegamos al desenlace (un puntazo ese paralelismo entre la lucha y la Bajada de la primera temporada).

En definitiva, los hermanos Coira (Jorge en dirección, Pepe en guión) vuelven a entregar un producto muy mimado que no inventa nada y aún así destaca y se hace con el cariño del público; no en vano, es la serie original más vista de Movistar. A pesar de ello, ya se ha confirmado que ésta será la última temporada: sus creadores no quieren saltar el tiburón y que aquella pequeña isla acumule más cadáveres que la laguna de ‘El Internado’. Lo cual tiene sentido en una serie que, sin renunciar al entretenimiento, prefiere el realismo al efectismo, la humanidad a lo procedimental. Prueba de ello es uno de los mejores momentos de esta segunda tanda, esa escena del coche coronada por un “¡yo qué sé, es la primera vez que me intentan matar!” que resume a la perfección el espíritu de ‘Hierro’ y los motivos por los que se va por la puerta grande. 7,5