Olivia Rodrigo publica hoy ‘SOUR’, su álbum debut. El disco viene precedido por tres éxitos mastodónticos como están siendo ‘drivers license‘, ‘deja vu‘ y ‘good 4 u‘, tres temas que han venido a reflejar muy bien lo que el disco contiene al fin y al cabo: guitarras, matices alternativos, pasión y despecho adolescentes pero sobre todo muchas baladas.
Muchas de estas baladas ni siquiera parecen de Lorde o Taylor Swift, como ‘drivers license’. ‘enough for you’, el «focus single» ahora mismo, es la típica canción acústica, de hoguera, que habría hecho el primer Ed Sheeran, ‘traitor’ desprende el dramatismo de una balada de Adele o Lana Del Rey, ‘happier’ es incluso más clásica, casi propia de Brill Building (Olivia creció escuchando a Carole King), y ‘1 step forward, 3 steps back’ es la más intimista de todas, al componerse exclusivamente de un delicado arreglo de piano.
La gran sorpresa de ‘SOUR’ la pone su gusto por las sonoridades del grunge de los años 90: ‘brutal’ no se sabe si se inspira en Hole o en Alanis, pero suena a las dos (en realidad parece que samplea ‘Voodoo Child’ de Rogue Traders); y las guitarras eléctricas de ‘jealousy, jealousy’ y la pista final ‘hope ur ok’ apuntan también a este sonido mientras, como hemos dicho, ‘good 4 u’ es pop-punk y ‘deja vu’ más rock alternativo. Es a través del grunge donde Olivia explora su rebeldía adolescente, porque las letras no pueden estar más llenas de inseguridad.
Los desamores de Olivia la hacen dudar de sí misma, de su propia belleza, de su propio talento; en ‘enough for you’ se pregunta por qué «no ha sido suficiente» para esa persona y en ‘happier’ le pide que encuentra a una chica que mole pero que no sea mejor que ella. Cuando, en ‘drivers license’, Olivia alertaba de que la chica con la que sale su ex representa «todo aquello por lo que me siento insegura», nos avisaba también de por dónde irían las letras del disco.
Las primeras escuchas de ‘SOUR’ descubren un talento muy maduro para los 18 años de Olivia: las canciones están perfectamente construidas, la producción incorpora algún matiz electrónico que no se pasa de la ralla y el disco se pasa en un suspiro. Se echa de menos más unidad entre canciones, menos baladas intimistas y más variedad en las letras pero Olivia tiene toda su vida por delante para limar las asperezas de lo que no deja de ser su primer disco.
Y eso mismo parecen opinar en los foros las personas que ya están escuchando ‘SOUR’. En Popjustice se destaca especialmente la calidad de las melodías y de las actuaciones vocales de Olivia, así como la rapidez con la que ha llegado este lanzamiento, apenas unos meses después de que ‘drivers license’ haya arrasado, pero se critica para mal lo monotemáticas que llegan a ser las letras, dedicadas a esa ruptura sobre la que Olivia canta una y otra vez.
GusGus, el dúo de música electrónica islandés compuesto por Biggi Veira y Daníel Ágúst, publica nuevo disco el 28 de mayo, un ‘Mobile Home’ que ha contado con cuatro adelantos como han sido ‘Our World’, ‘Higher’ con VÖK, ‘Stay the Ride (Cast a Light)’ y ‘Love is Alone’ con John Grant. JENESAISPOP tiene el honor de estrenar en exclusiva mundial el videoclip de este último single, hoy la «Canción Del Día».
Si los tres singles previos a ‘Love is Alone’ han destacado por su sonido clubero o synth-pop, ‘Love is Alone’ lo ha hecho por ser el más pop de todos, una idea a la que por supuesto ha contribuido la bonita y cristalina voz de John Grant. No es, por cierto, la primera vez que Grant colabora con GusGus, como, por otro lado, tampoco es de extrañar, pues el cantautor estadounidense, que el 25 de junio saca su propio disco, reside en Islandia desde hace varios años.
‘Love is Alone’ presenta el tipo de sintetizadores gélidos y ásperos que tanto les gusta a GusGus pero también una extraña base rítmica que no se decide a ser del todo bailable, optando por centrarse en un «groove» sensual con ciertos ecos acid y deep-house y texturas fluorescentes y alienígenas. La voz de Grant planea sobre esta base con sumo gusto y elegancia mientras la letra plantea que el amor es solitario «como un satélite desconectado» y lo compara a un «apetito monocromático».
El videoclip de ‘Love is Alone’ ha sido creado por Arni & Kinski con la colaboración de Hrafnhildur «Raven» Hólmgeirsdóttir y vestuario de Palomo Spain y sitúa a sus dos protagonistas en algún lugar remoto de Islandia, frente a una pared llena de grafittis y ante la inmensidad de la montaña, «felices» en su soledad compartida y vivida en una caravana. Estas dos personas resultan ser los integrantes de GusGus superpuestos en sendos cuerpos que no son los suyos pero que llevan bastante marcha en el cuerpo. El vídeo bordea el mal rollito de Aphex Twin por momentos pero sin alcanzar sus mismos niveles.
El 29 de mayo, a las 20.00 hora española, GusGus presentará su nuevo disco en un único concierto retransmitido por streaming para todo el mundo desde Sundlaugin Studio, el mítico estudio de ensayo y grabación de Sigur Rós, donde también han grabado Björk o Jon Hopkins, entre otros. JENESAISPOP regala 2 invitaciones para presenciar el show a los dos fans de GusGus que envíen a jenesaispop(a)gmail.com las respuestas más ingeniosas a la siguiente pregunta: «¿adónde te irías en caravana ahora mismo si pudieras?»
El concierto, que se retransmitirá a través de la plataforma Moment House, contará con estrellas invitadas como John Grant o Margrét Rán de VÖK y contará con «espectaculares» visuales ideados para la ocasión. A través de este enlace se pueden adquirir ya las entradas, así como reservar un «meet & greet» con GusGus, comprar nuevo merchandising y ganar acceso a la after-party online que el grupo celebrará en el mítico Kaffibarinn de Reykjavík.
Lana del Rey ha estrenado este jueves por sorpresa 3 canciones nuevas extraídas de lo que suponemos será su próximo álbum. Las portadas de ‘Blue Banister’, ‘Text Book’ y ‘Wildflower Wildfire’ están dentro de la estética de lo que había anunciado como su disco ‘Blue Banisters’ de cara al 4 de julio, por lo que suponemos que a ese pertenecen. Estos nuevos temas llegan tan solo un par de meses después de otro disco, el excelente ‘Chemtrails Over the Country Club‘. A continuación, parte de la redacción evalúa los tres temas en conjunto. Una valoración a favor y otra en contra:
«¿Es casualidad que estas tres canciones salgan justo un año después (bueno, un día antes, porque pa qué lo va a hacer un viernes) de su polémica carta, y con esas portadas, después de que ya nos espantara la de ‘Blue Banisters’? Puede que sí, o puede que todo forme parte de una actitud “me la suda” de Lana frente a quienes salivan a la espera de que se equivoque para poder atacarla. En ese caso, good for her, porque además parece estar más cómoda que nunca con su música; el continuismo en estos tres temas respecto a “Chemtrails” es evidente. Y tanto ‘Blue Banisters’ como ‘Wildflower Wildfire’ funcionan en ese aspecto, ambas con pequeñas sorpresas de producción en el tramo final, y más cerca de la Lana confesional que de la metafórica, acordándonos por ejemplo de “Mariners”. Pero mi favorita es ‘Text Book’, también la más innovadora de las tres, y a su vez con un regusto a su EP ‘Paradise’. Con un inicio que recuerda a ‘Bang Bang’, se le están haciendo también comparaciones con Amy Winehouse, y es cierto que hay algo de eso aquí. Lana recuerda en ‘Text Book’ el día en que conoció a su actual pareja, se muestra ilusionada con las esperanzas que tiene puestas en esta relación frente a su pasado, e incluso se adelanta a un posible final, y a intentarlo de nuevo. La estupenda progresión de los instrumentos, las joyitas que se pueden encontrar en la letra (del «Let’s rewrite history, I’ll do this dance with you», al juego de «in your back / finally, I’m not wondering why» o , sí, al verso de Black Lives Matter) y una entregadísima interpretación de Lana, dulce y honesta, ‘Text Book’ tiene pinta de acabar convirtiéndose en un clásico de la artista». Pablo Tocino
«Está bien que Lana saque música cuando quiera, aunque hayan pasado apenas unos meses desde su último disco; está bien incluso que use las portadas que quiera, por feas y desprovistas de cualquier atisbo de talento gráfico que sean. También está bien pasar página de un artista cuando ya no te ofrece nada que tú consideras interesante. ‘Chemtrails Over the Country Club’ es un disco demasiado conservador para mi gusto, y estas tres canciones siguen una línea parecida, con algún matiz recuperado de la Lana del pasado en arreglos. El momento «Black Lives Matter» de ‘Text Book’ quizá pase a la historia, pero la canción tampoco es particularmente memorable, y las otras dos parecen simples «album tracks» de sus anteriores discos. ‘Blue Banisters’ es una balada a piano soporífera que Lana ha escrito ya 200 veces, y ‘Wildflower Wildfire’ es igual pero incorpora una base electrónica un tanto extraña y amateur que termina por echarme totalmente para atrás. Son tres canciones anecdóticas en la carrera de Lana y poco más». Jordi Bardají
Como había prometido, Lil Nas X ha publicado hoy viernes su nuevo single, ‘Sun Goes Down’, cuando ‘MONTERO (Call Me By Your Name)’ sigue siendo una de las 3 canciones más exitosas actualmente a nivel global… y lo que le queda. Este sábado, Lil Nas X presentará ‘Sun Goes Down’ en Saturday Night Live.
El tercer single de ‘MONTERO’, el álbum que Lil Nas X publica este verano, es diferente a lo ofrecido por ‘HOLIDAY’ y ‘MONTERO (Call Me By Your Name)’, pues se entrega al formato de medio tiempo acústico, aunque incorporando una percusión programada que se aproxima al pop-rock. Dos precedentes recientes del sonido ofrecido por Montero en ‘Sun Goes Down’ es ‘Delete Forever‘ de Grimes o el trabajo de Post Malone.
En ‘Sun Goes Down’, Lil Nas X recuerda su juventud, marcada por la soledad y la depresión «desde que tenía 10 años». Canta que se solía preguntar por qué sus «labios son tan grandes» y si era «demasiado oscuro» para ser aceptado por los demás, y reflexiona sobre la homofobia interiorizada que ha sufrido. «Estos pensamientos gays siempre me perseguían, rezaba a Dios para que me librara de ellos».
Todas estas ideas llevaron a Montero a pensar en el suicidio, como de hecho reza el mismísimo estribillo de esta canción: «Quiero escapar, no te voy a mentir, no quiero vivir, pásame una pistola y veré el sol». Su refugio era Nicki Minaj, mencionada en la letra, y por la que Montero «militaba de la noche a la mañana». Como es sabido, el cantante llevaba una página de fans de Nicki en Twitter antes de hacerse famoso.
El vídeo de ‘Sun Goes Down’ pone estos temas en contexto para mostrar a un adolescente Lil Nas X que lidia con sus problemas rezando o llorando en el baño en el baile de fin de curso. Finalmente, es él mismo quien logra salir de la depresión.
Hoy 21 de mayo sale el esperado debut de Olivia Rodrigo, así como los nuevos álbumes de Kokoshca, que reseñamos en portada; Twenty One Pilots, Gary Numan, Mdou Moctar, CHAI, Erika de Casier, Georgia Anne Muldrow o el recopilatorio ‘Hotel Records España, Vol. 1’ con temas de Los Nasty, Las Odio, Los Bengala o Exnovios. También salen nuevos EPs de la revelación Biig Piig y de la también revelación rebe.
Otra gran novedad de la semana son los tres nuevos singles de Lana Del Rey, así como la canción de Florence + the Machine para la banda sonora de ‘Cruella’, pero desde hoy viernes es posible escuchar también nuevos temas de BTS, el discotequero nuevo single de Little Mix con Galantis y David Guetta, la colaboración de Marshmello con Jonas Brothers o el remix de ‘Starstruck’ de Years & Years con Kylie Minogue.
A ellos se suman nuevas propuestas de Rufus T. Firefly, Viva Suecia, Tirzah, HAERTS, Los Vinagres con dani, A.G. Cook con Oklou, Zenet con Sílvia Pérez Cruz, Twin Shadow, BTS, Gabriella Richardson, Grasias, Arnau Griso, Angel Stanich, Duncan Laurence o Rocío Saíz.
Habíamos avanzado la playlist de novedades «Ready for the Weekend» con los nuevos singles que han salido en los últimos días. Sharon van Etten y Angel Olsen han lanzado single conjunto, Garbage han seguido avanzando su disco con ‘Wolves’, Bleachers (el proyecto de Jack Antonoff) ha anunciado el suyo por fin con ‘Stop Making this Hurt’, MARINA ha sorprendido con el sonido de ‘Ancient Dreams in a Modern Land’, Faye Wesbter ha estrenado la encantadora ‘I Know I’m Funny haha’ y Oneohtrix Point Never y Rosalía han presentado una versión actualizada de ‘Nothing’s Special’.
Entre las novedades que ha dejado la semana previamente al viernes hay que contar también los nuevos temas de Lucy Dacus, black midi, Mr Jukes (Jack Steadman de Bombay Bycicle Club) y Barney Artist, John Grant, Okkervil River u Orquesta.
Albania, Serbia, Bulgaria, Moldavia, Portugal, Islandia, San Marino, Suiza, Grecia y Finlandia son las 10 clasificadas para la final de Eurovisión el próximo sábado, tras una segunda semifinal menos reñida que la del pasado martes, cuando Hooverphonic lograron clasificar a Bélgica, se desconoce si por los pelos.
Eso significa que el sábado veremos propuestas tan distintas como el rap de San Marino featuring Flo Rida, la canción clásica con final bluesero de Portugal o la espectacular puesta en escena de Grecia, cuyos cromas con bailarines nos han dejado anonadados como si nunca hubiéramos visto uno.
Islandia ha podido clasificarse pese al positivo en covid-19 de su delegación, y proyectar un vídeo de los segundos ensayos como estaba acordado. El grupo, divertido, ha sido saludado en vivo con dos componentes -los contagiados, suponemos- representados en forma de ipad. Algo decepcionante ha resultado en cambio la Billie Eilish de Bulgaria, que no obstante, continúa bien situada en las apuestas, al igual que la balada suiza.
También se podrá disfrutar el sábado del tema metalero de Finlandia, pese a lo que han debido de sufrir sus representantes al ser los últimos anunciados. Y pueden darse con un canto en los dientes las Beyoncés de Serbia, la Britney de Moldavia o el popurrí de Albania. El simpático representante checo no ha tenido tanta suerte como ellas.
Aunque si hay que lamentar alguna ausencia entre los clasificados, ha sido el caso del dúo danés, a los que habíamos calificado como «los Varry Brava de Dinamarca», dado su homenaje a los 80 de Modern Talking y CC Catch. Quizá la canción se hacía un poco larga para lo que representaba la propuesta, pero peores cosas han pasado. Puedes leer nuestra reseña de las 17 canciones de la semifinal, aquí.
Conocimos a los navarros Kokoshca con canciones tan icónicas como ‘La fuerza’ y ‘No volveré’, punk pop agitado de base underground pero con el potencial comercial de Alaska y los Pegamoides. La banda liderada por Iñaki López y Amaia Tirapu ya va por su 6º disco y en esta década de carrera les hemos visto pegarle a géneros dispares como el bolero, la canción latina o incluso el flamenco, siempre a modo más bien de condimento, sin alejarse demasiado de su esencia rock.
En este disco homónimo, Kokoshca han querido dejar en un segundo lugar la guitarra para jugar más bien con los teclados y los ritmos, con la asistencia del productor Raúl Pérez y los teclados de Javier Carrasco «Betacam». Como resultado, hemos conocido singles que se salen bastante de su zona de confort, como ‘Himno de España’, uno de esos temas en fases en que caben los ritmos funk y los acordes andaluces; y el kraut ‘Asia’, dedicado a Iñaki Ochoa de Olza, un montañero de Pamplona, «punk, fan de Bob Dylan, escritor y alma libre que murió en la pared sur del Annapurna».
‘Himno de España’ fue el primer single y ‘Asia’ es lo primero que encontramos al enfrentarnos al disco ‘Kokoshca’, si bien la banda de Pamplona no ha descuidado sus himnos de pop prestos para el pogo. Incluso se le dan mejor: la historia de Asia fluye ayudada por su guiño a ‘Heroes’ de Bowie’, pero lo de ‘Himno de España’ es complicado. Presenta un retrato satírico de las contradicciones de nuestro país, con un mensaje que se queda en medio de la nada, incomodando a propios y extraños por su tibieza, en tiempos sin lugar para las medias tintas. Y, sobre todo, su clímax (los últimos «hace mucho calor») tarda minutos y minutos en llegar, haciendo que nos preguntemos si para ese final explosivo imaginario del concierto, quedará ya alguien en «la sala Dabadaba».
En cambio, lo de ‘Te sigo esperando’ y ‘Voy a salir de esta’ es amor a primera vista. Esta última es muy Punsetes en lo melódico, o muy Ataque de Caspa si lo preferimos, pero añadiendo un teclado muy eficiente y sobre todo un buen estribillo con una letra de lucha interna, que trata de levantarse para superar un momento bajo. Es una gran canción de autoayuda. Y ‘Te sigo esperando’, con la colaboración de Mujeres, es la típica canción perfecta de Kokoshca, con ritmazo trotón, estribillaco, ganchos y una historia con la que la generación Tinder va a comulgar muy fácilmente: la letra habla sobre no perder la fe en encontrar el amor. Y lo hace con ternura («aunque me han hecho mucho daño, no he aprendido a hacer daño») y humor («me he tatuado tu nombre sin conocernos, para que no haya dudas al conocernos»).
Kokoshca completan su álbum con canciones muy buenas, como la historia costumbrista de ‘Regresando a la ciudad’, en la que Iñaki y Amaia dialogan para contar una historia de amor y reencuentros (el registro pimpinelesco no es el que más explotan como dúo, por lo que la canción funciona por lo que tiene de excepcional); y no tan buenos. La psicodélica ‘El rayo’ y sobre todo ‘Lo tiro’, sobre una pelea con el director de su sello (Luis de Sonido Muchacho, también bajista de Punsetes), vuelven a quedarse en la broma interna como ellos también suelen acostumbrar.
La balada 50’s ‘Aire’ situada al final y dedicada a un amigo fallecido, y el atractivo juego de teclados de ‘Confusión’, una canción que llama a apreciar las cosas importantes, terminan de equilibrar la balanza hacia el notable alto. Pese a la errática elección de singles y a cierta tendencia a complicarse la vida, a fin de cuentas el disco reúne interesantes pedazos de nuestra sociedad -de ese barrio que vota al completo al PP a ese personaje que no pierde la fe en el pop- junto a una considerable amalgama de estilos. Se percibe en los textos promocionales cierto empeño (cierto agobio) por la llegada del disco definitivo de Kokoshca que les haga subir ese peldaño en la industria musical que merecen desde el principio, y por eso quizá este álbum es, a estas alturas, homónimo. Pero hay otra cosa que poner en valor y es el gran número de canciones sobresalientes que acumula el cuarteto después de 6 discos. Si este no lo peta, fliparemos con el «Kokoshca Greatest Hits Tour».
Kelly Reichardt se dio a conocer en 2006 con ‘Old Joy’, una delicada y melancólica historia de amistad masculina protagonizada por el músico Will Oldham (más conocido como Bonnie «Prince» Billy), escrita por Jonathan Raymond (su guionista habitual, autor también del libreto de la estupenda serie ‘Mildred Pierce’, de Todd Haynes), ambientada en el estado de Oregon (como casi todas sus películas), y musicada por Yo la tengo.
Quince años después, tras varios retratos femeninos (las extraordinarias ‘Wendy y Lucy’ y ‘Certain Women’), un western poético y anti-épico (‘Meek’s Cutoff’), y un sugerente thriller (‘Night Moves’), la directora regresa con otra historia de amistad masculina. Otro western atípico, ambientado en Oregon (en 1820, durante la fiebre del comercio de pieles), escrito nuevamente por Jonathan Raymond, y con música de William Tyler, antiguo miembro de Lambchop.
Si en ‘Old Joy’ se narraba el fin de una amistad, en ‘First Cow’ se cuenta el inicio: el encuentro entre un sensible cocinero de una expedición de cazadores de pieles y un enigmático inmigrante chino. La historia de estos dos hombres fluye, tranquila y sosegada, como el rio Columbia por donde llega esa “primera vaca” que da título a la película. Una vaca que le sirve a la directora como observadora silenciosa de los humanos y como metáfora para hablar sobre el establecimiento del capitalismo durante la conquista del Oeste.
Como ‘Meek’s Cutoff’, ‘First Cow’ es un western heterodoxo y a contracorriente. El paisaje no es amplio, seco y filmado en panorámico, sino estrecho y húmedo como un bosque y filmado en 4:3. Los protagonistas no son duros cowboys, sino hombres tiernos y delicados que cocinan buñuelos en vez de marcar reses, y se mantiene al margen en las peleas de bar. No hay épica ni trascendentalismo crepuscular, sino intimismo y cotidianidad. No hay grandes acciones, sino pequeños gestos.
‘First Cow’ es la confirmación (si es que hacía falta) de que Reichardt es una cineasta vocacionalmente independiente. Una autora irredenta e insobornable, con discurso y mirada propia, que no utiliza el “indie” como trampolín para dar el salto a Hollywood y rodar una de superhéroes (como la oscarizada Chloé Zhao), sino como espacio de libertad creativa. No es una cuestión de romanticismo, sino de coherencia moral y artística. Ya le gustaría a Reichardt, como dice ella misma, “tener un sueldo y una casa a mis cincuenta y muchos años”. Pero no a cualquier precio. Afortunadamente mantiene su ritmo de trabajo. La próxima: ‘Showing Up’, con Michelle Williams nuevamente como protagonista.
Con motivo del final del ciclo de Girando por Salas, el circuito de música emergente anuncia que mostrará en su página web y en su canal de YouTube una canción en directo de cada uno de los artistas participantes en su décima edición. Durante los próximos días, Girando por Salas publicará vídeos de estreno, grabados en exclusiva para este festival online.
En orden alfabético, los grupos y artistas que participan en la décima edición de Girando por Salas son Aaron Rux and the Crying Cowboys, Artistas del Gremio, Ayoho, Balkan Paradise Orchestra, Bambikina, Carlos Cros, El lado oscuro de la broca, Embusteros, Iván Sanjuán Cuarteto, J Dose, Kitai, La Sra. Tomasa, Las Sexpeares, Los Fesser, Los Saxos del Averno, Machete en Boca, Marem Ladson, Mourn, Sweet Barrio, The Levitants, The Prussians, Tu Otra Bonita, Uniforms, Veintiuno, Wily Naves y Wom’s Collective.
Han sido centenares de grupos y solistas los que han participado en las 10 ediciones de Girando por Salas, entre los que destacan bandas como Sidecars, Triangulo de Amor Bizarro, Los Chicos del Maíz, Varry Brava, Novedades Carminha, Rayden, Izal, La M.O.D.A., Miss Cafeina, Carmen Boza, Tórtel, El Kanka, Antonio Lizana, Sexy Zebras, Viva Suecia, Morgan, Alice Wonder y Los Estanques, entre otros.
Mad Cool ha anunciado que su edición de 2021 queda aplazada a 2022 «por las circunstancias que todos conocemos». El macrofestival sigue la estela marcada por otros como Primavera Sound, Sónar o, recientemente, Bilbao BBK Live y Azkena Rock. No hace falta recordar que la situación de la pandemia no hace viable aún la celebración de un festival de su magnitud.
Las nuevas fechas de Mad Cool son los días 6, 7, 8 y 9 de julio. El próximo 7 de julio, el festival dará a conocer el cartel de la edición del año que viene, la de su quinto aniversario, «manteniendo los máximos artistas de este año y sumando novedades». A partir de esta fecha se abrirá el proceso de devolución o cambio de entradas, que se prolongará hasta e día 21.
En un comunicado, Mad Cool explica que el aplazamiento de esta quinta edición del festival «es una decisión muy meditada y dolorosa, porque nuestra ilusión y la de todos era volver a encontrarnos de nuevo en Mad Cool, pero también queremos transmitiros que es una decisión que creemos coherente, acertada y correcta. La salud está por encima de todo».
La edición de Mad Cool 2021 había confirmado la presencia de Red Hot Chili Peppers, The Killers, Deftones, Placebo, Mumford & Sons, Faith No More, Pixies y Royal Blood como cabezas de cartel. También estaban confirmados Carly Rae Jepsen, Glass Animals, Wolf Alice, Angel Olsen, Foals, Alt-J, London Grammar, Puscifer, Major Lazer, The Rapture y muchos más.
Sentimos tener que comunicar que nos vemos de nuevo obligados a aplazar nuestro 5º aniversario.
Desde ya, trabajamos en #MadCool2022. El reencuentro con vosotrxs, con la música, con la normalidad y en definitiva con la vida, promete ser inolvidable.
Esta noche se celebra la segunda semifinal de Eurovisión, en la que participarán países favoritos como Bulgaria o San Marino. Islandia no podrá actuar en directo debido al positivo en covid de una de sus integrantes. En el caso de España, un adelanto de la actuación de Blas Cantó podrá verse esta noche, con el cantante seguramente más aliviado de la pequeña polémica que ha protagonizado en las últimas horas, sin quererlo ni beberlo. Te invitamos a comentar la noticia en el foro de Eurovisión.
Un programa de la televisión noruega que comenta las candidaturas de Eurovisión ha metido la pata criticando ‘Voy a quedarte’ con las palabras menos adecuadas. Un colaborador ha afirmado que la balada, dedicada a la abuela de Cantó, fallecida por covid, no transmite, pero luego otro ha expresado que la actuación «parece un sketch» y que «hay algo paródico ahí» e incluso ha sugerido que «tal vez sea» la abuela «quien acuda» a Eurovisión, dando a entender que ese será el golpe de efecto de la actuación o incluso que de hecho debería serlo.
Ante las palabras de los colaboradores de ‘Adresse Rotterdam’, el público ha entendido que el programa noruego se ha burlado de ‘Voy a quedarme’ y Blas Cantó ha decidido contestar afirmando que «nadie sabe por lo que estoy pasando ni el esfuerzo que hago incluso para seguir vivo», añadiendo a sus palabras: «No les culpo, seguro que ellos están perfectamente. Todo mi amor siempre».
Tras la polémica, la televisión noruega ha decidido disculparse con Blas Cantó explicando que «‘Adresse Rotterdam’ es un espacio en el que invitamos a famosos y colaboradores de la televisión pública para que compartan sus opiniones subjetivas sobre las candidaturas de Eurovisión» y que, «en la valoración de España, algunos de estos miembros emitieron algunas declaraciones sobre el vídeo que pueden ser interpretadas como insensibles. Esto es desafortunado. Queremos compartir nuestra simpatía por Blas».
A falta de que se produzcan cambios significativos, la puesta en escena de ‘Voy a quedarme’ estará presidida por la presencia de una Luna gigante. Dicha puesta en escena era desvelada a la audiencia hace unos días, cuando Blas Cantó era noticia otra vez sin buscarlo, al sufrir un hackeo en sus redes sociales.
Muchos recordaréis a Ethan Gold por ser uno de los personajes secundarios de ‘Queer as Folk’, interpretado por Fab Filippo, pero resulta que este también es el nombre de un artista neoyorquino que este viernes ha lanzado uno de los singles que has podido escuchar en la playlist de novedades.
Ethan Gold es conocido por haber compuesto bandas sonoras para películas como ‘Adventures of Power’ o ‘The Song of Sway Lake‘, dirigidas por su hermano gemelo Ari Gold, pero también ha emprendido su propia carrera de cantautor y, después publicar su debut ‘Songs from a Toxic Apartment’ en 2017, se prepara para publicar una trilogía de álbumes sobre la vida neoyorquina, el primero de los cuales verá la luz el 11 de junio bajo el título de ‘Earth City 1: The Longing’. Los otros dos saldrán ya en 2022.
Hasta la fecha, los avances del disco han sido dos, ‘Alexandria & Me’, de ecos grunge-pop, e ‘In New York’, más pianística y jazzy. Pero es el tercero el que puede despertar verdadero interés por el proyecto. ‘Pretty Girls’ es la típica canción mona de cantautor que se mueve a medio camino entre el pop-rock y el folk sin dejar de lado ciertos destellos electrónicos, pero a Ethan Gold le ha quedado una composición especialmente pegadiza esta vez, como demuestra su uso de una melodía tarareada que podría durar horas.
Algo más desfasada suena la letra de esta canción dedicada a las «chicas guapas» que «parece que siempre están ligando» y que «ciegan a los hombres, sin importar lo que hagan» y que, bajo su bella máscara, solo esconden dolor e incluso «se desvanecerían si pudieran». Cuando Ethan Gold canta que el amor de estas chicas «nunca es sincero» pero que a «nadie parece importarle», me parece escuchar de lejos la alarma del frágil ego masculino. Pero ese tarareo final es demasiado irresistible para tener eso demasiado en cuenta.
Cher, que hoy 20 de mayo cumple 75 años, ha anunciado que se encuentra trabajando en su propio biopic con los productores de ‘Mamma Mia!’, estos son, Judy Craymer y Gary Goetzman. Universal producirá la cinta biográfica con guion de Eric Roth, ganador del Oscar por ‘Forrest Gump’, y quien ya trabajó con Cher en la película de 1987 ‘Suspect’.
La película narrará la historia de Cher como icono de los 60 por su etapa en Sonny & Cher, icono de los 70 por su etapa televisiva, icono de los 80 por su etapa rock y cinematográfica, icono de los 90 primero como actriz de anuncios de televisión y después por el lanzamiento del histórico single ‘Believe’ e icono del siglo XXI por hitos como su exitosa residencia en Las Vegas, que ha continuado hasta nuestros días; o por curiosidades como su divertido uso de Twitter o los virales que suele protagonizar de vez en cuando en las redes. Vienen a la mente aquella entrevista en la que llama «gilipollas» a David Letterman en la cara o aquella otra en la cuenta que, cuando su madre, la cantante Georgia Holt, le sugirió que se casara con un hombre rico, ella contestó que ella ya «es un hombre rico».
Como es sabido, Cher formó parte del reparto de ‘Mamma Mia! Here We Go Again‘, la segunda parte de la exitosa comedia romántica estrenada en 2008, que llegó 10 años después, e incluso lanzó un cuestionable álbum de versiones de ABBA. Los creadores de la película han declarado que están «emocionados» de volver a trabajar con Cher esta vez para «llevar a la gran pantalla la verdadera odisea que ha sido su vida» porque «uno no puede evitar sentirse atraído por su talento, fortaleza, ingenio, calidez y visión».
El de Cher se sumará a la lista de biopics con los que Hollywood está haciendo caja en los últimos tiempos: el de Queen ha hecho historia al convertirse en la película biográfica más taquillera de todos los tiempos a pesar de sus malas críticas, y estos días ha vuelto a ser un enorme éxito en su estreno en Telecinco. Y el de Elton John también ha sido un gran éxito. Mientras Madonna dirige el biopic sobre Madonna, lo cual es a todas luces una idea pésima, está por ver si el de Cher sumará un nuevo hito a la carrera de esta multipremiada artista.
Este jueves a las 21.00 se celebra la segunda semifinal de Eurovisión, en la que sorprendería bastante que Islandia y Bulgaria no se clasificaran, si bien hay que recordar que ninguno de los dos países cuenta con un historial demasiado boyante en el certamen. Bulgaria pudo quedar 2ª hace pocas ediciones, pero tan sólo se ha clasificado en 4 de las 12 ocasiones en que ha concurrido a las «semis». Por su parte, Islandia solo ha conseguido 1 de los 5 últimos pases para la gran final, por lo que, pese a la falta de competencia en esta segunda semifinal, abramos por si acaso la puerta de esa posibilidad, la del EURODRAMA. De hecho, Islandia no podrá actuar en la segunda semifinal tras haber dado positivo en covid-19 uno de sus miembros, por lo que toda la banda está en cuarentena. Os dejamos con nuestra tradicional guía para seguir la semifinal del jueves, en la que vota España.
San Marino: el featuring de Flo Rida
San Marino ha dado esta semana una enorme campanada al añadir al rapero Flo Rida a su presentación en directo, que además abrirá la segunda semifinal de este jueves. Senhit acude con ‘Adrenalina’, una canción de tintes orientales de los que tan buenos resultados ha dado en otras ocasiones a Grecia y a Turquía. El rapero, de origen americano, había formado parte de la producción del tema y del vídeo, y se ha fraguado un permiso especial para que pueda desplazarse a Rotterdam, siguiendo los protocolos pertinentes. San Marino, que a duras penas suele clasificarse para la final, ronda el top 10 en las apuestas.
El “Hurts” de Estonia
Con muchas menos opciones, el medio tiempo ochentero de Uku Suviste por Estonia, ‘The Lucky One’. Pese a que su puntito Hurts / Spandau Ballet no es lo peor que escucharás esta noche, aparece a la cola en las casas de apuestas. Ojalá tenga suerte superando la maldición de salir en 2º lugar (saludos a Amaia y Alfred).
El simpático popurrí de República Checa
Tampoco merece su penúltimo lugar en las casas de apuestas Benny Cristo, que al menos pondrá un poco de ritmo sobre el escenario de Rotterdam. ‘omaga’ es en lo musical una producción de pop-rock bailable por la vía de Maroon 5 y DNCE (los de ‘Cake by the Ocean’), mientras su vídeo rinde homenaje a clásicos del cine pop como ‘Grease’, ‘El resplandor’ o ‘Forrest Gump’, entre otros.
El baile virtual de Grecia
Se da por segura la clasificación de Stefania por Grecia, sobre todo porque excepto en 2 ocasiones, este país siempre ha llegado a la final. Pero también porque ‘Last Dance’ se levanta en su segunda mitad para dejar un mensaje optimista, y lo celebrará en vivo con un acompañante virtual.
El otro “Amen” de Austria
Dos canciones concurren este 2021 para Eurovisión llamándose igual, ‘Amen’. Ninguna con la contundencia de una verdadera «oración». El primer ‘Amen’ era la balada de Eslovenia, tipo ‘Hello’ de Adele y ya eliminada; mientras el ‘Amen’ de Austria trata de ser un poco más reconfortante y optimista, inclinándose hacia Take That. Pelea por pasar, pero va muy justa.
Polonia, entre a-Ha y Abel Tesfaye
Marcada por un positivo en covid-19 en su delegación, Polonia interpretará, si la última hora se lo permite, su canción de pop-rock. Si no, se proyectará la actuación grabada previamente, a la australiana. RAFAL presenta una ‘The Ride’ llena de luces de neón sacadas de los tiempos de a-ha, que tratará de aprovecharse también del éxito del último The Weeknd.
La Britney de Moldavia
Ni Polonia ni Moldavia parecen tener demasiadas opciones de ganar. La apuesta de estos es el tema de baile de Natalia Gordienko, que en caso de llegar a clasificarse tendrá que enfrentarse a la retahíla de Arianas, Duas y Gagas que lo dieron todo en la primera semifinal. ‘SUGAR’ es una canción peor dibujada, que deja su gancho a un break instrumental, como si siguiéramos en 2014.
Islandia, nuestra ganadora
Después de que un miembro de la delegación islandesa diera positivo en covid-19 este domingo, la banda fue puesta en cuarentena, pero un componente del grupo ha dado positivo unos días después. Por tanto, no podrán actuar en directo. Se emitirá un vídeo suyo de los segundos ensayos, pero suponemos que interferirá en las posibilidades de Islandia. El año pasado Daði og Gagnamagnið lograron viralizar su canción, consiguiendo que su tema fuera uno de los más imitados durante el confinamiento (y ser remezclado por los mismísimos Hot Chip). Este vuelven con un exquisito tema de disco-funky moderno que tenía todas las de ganar esta semifinal. Veremos si las condiciones de actuación no repercuten en el voto, de momento han bajado un puesto en las apuestas, al 6º lugar.
Las Lolas Indigo de Serbia
Hablando de divas, Serbia presenta tres: las componentes del grupo Hurricane, que lejos de referentes clásicos del R&B como Destiny’s Child y TLC, tirarán aquí más bien por la moda latina/tropical que no se termina de ir. ‘LOCO LOCO’, así chillado, podría ser un temita de Lola Indigo.
Georgia, posible farolillo rojo
Tornike Kipiani compite constantemente con España por el último puesto en las casas de apuestas. Pocas posibilidades para la balada ‘You’, que supera todos los límites de lo adormilado para un festival de estas características. En el vídeo aparece Tornike incluso sentado en una silla: no hace falta decir nada más.
El popurrí folclórico de Albania
Con muy pocas posibilidades más aparece la canción “chan chan chan” de Albania, con una Anxhela Peristeri que va evolucionando de la película de terror a la balada y de la balada al medio tiempo folclórico de tintes brostep. Es la versión “quiero y no puedo” de Ucrania.
Portugal vuelve a diferenciarse
La victoria de Salvador Sobral hace pocos años anima a Portugal a volver a jugar la carta de la diferenciación. Esta vez la canción de Black Mamba parece un poco menos evidente, por lo que todo dependerá del grado de puretas que sintonicen con Eurovisión no el sábado, sino el jueves, que es cuando la canción necesita despuntar. Las apuestas son favorables, pero cualquiera se fía.
Bulgaria, otra gran favorita
Otra de las grandes favoritas de las apuestas y también en la redacción es ‘Growing Up Is Getting Old’, una canción de Victoria, una cantante de 23 años con cualidades musicales y vocales para conectar con seguidores de Clairo o Billie Eilish. Una buena producción minimalista y con arreglos muy bonitos, cuya puesta en escena en vivo puede conquistar también al público familiar.
Finlandia, metal y gorilas
Finlandia es uno de los mercados clave para las bandas de jevi, hardcore, y amigos. Sin competencia rockera, la clasificación de Blind Channel parece asegurada con este ‘Dark Side’ que puede conquistar a los seguidores de Chester de Linkin Park… y también un poquito a los del ‘Baile del gorila’ de Melody. De clasificarse, en la final tendrán que vérselas con la canción de rock de Italia y la puesta en escena de ángeles caídos de Noruega, en verdad mucho más pop.
La canción “Diploide” de Letonia
Más suspicacias ha despertado la clasificación de Letonia, con una canción, ‘The Moon Is Rising’, que opta por los ritmos que Mad Decent convirtió en éxitos masivos ya hace casi más 10 años que 5. Samanta Tina va a tener que currarse mucho la puesta en vivo para no resentirse a estas horas de la noche de cierto agotamiento, pues sale antes y después de favoritos.
El hype de Suiza
Megapromocionado en Telecinco y otras televisiones, el suizo Gjon’s Tears actúa en Rotterdam en buena posición, penúltimo lugar de la segunda semi, pero con el hype un poco apagado. España vota en esta semifinal, por lo que sus puntos los tiene asegurados, pero el sábado habrá de competir con la balada francesa, que es la que más se ha destacado en los últimos días. Veremos qué sucede porque Francia tampoco se caracteriza por sus grandes alianzas.
Los Varry Brava de Dinamarca
Cerrará la noche y con posibilidades de clasificación la canción de Fyr & Flamme, que comienza con un beat de C.C. Catch, sigue como una producción de ABBA y termina como una canción de Los Pecos. Sí, queremos ver esta constante explosión de confetti imaginario en la final. Te gustará si te gusta… Varry Brava.
Miren Iza, Tulsa, parece ya definitivamente lejos del rock angosto que practicaba en ‘Espera la pálida‘ o ‘Solo me has rozado’. ‘Ese éxtasis’ ahonda en la vena más pop, la que se abrió en la era ‘La calma chicha‘. Después del pletórico ‘Centauros’, Tulsa se muestra más synth-pop que nunca. ‘Ese éxtasis’ fue grabado en Daimiel en julio, en una casa en la piscina, junto con los músicos, entre ellos Betacam, justo en ese momento en que la pandemia y el confinamiento se relajaban y todos nosotros respiramos… antes de que el zarpazo de la Covid-19 regresara para amargarnos otra vez. Esta “calma chicha” (si se me permite el chiste), se refleja muy bien en el disco, más fruto del azar que de una planificación, si hemos de hacer caso a su hoja promocional. Aunque hay tres temas que ya eran conocidos de antemano: ‘Autorretrato’, ‘Tres venenos’ y ‘Yo no nací así’.
Y precisamente, abrir con ‘Autorretrato’, una de las mejores canciones de 2020 puede ser un tanto arriesgado. ¿Es el mejor tema de la historia de Tulsa? Al menos lo parece. Una balada inmensa en su emotividad y en su calma, un tanto tensa, hasta que rompe en su última parte, pletórica, en la que Miren canta como nunca. Como bien señalaba mi compañero Sebas, Tulsa ya tiene una andanada de himnos, pero este conmueve especialmente, porque es realista y es tierno, porque tiene una letra memorable, porque todos podemos sentirnos reflejados en alguno de sus versos. Mi favorito es «me gusta tener hermanos / ellos ya saben cómo soy».
No sé hasta qué punto abrir con una canción tan buena es contraproducente para el resto del álbum. Porque después de un retrato tan íntimo, esperas un disco confesional. Pero más bien Miren se decide por un disco de relatos, de retratos bufos sobre las relaciones, o las convenciones sociales. Y muchos temas parecen hechos como un patchwork; algunos brillan más en sus partes que en su conjunto. ‘Destrucción mutua asegurada’ tiene un aire medio reggae medio pop sofisticado muy ochentas, en que una letra aparentemente amorosa acaba deviniendo un agridulce retrato de la guerra fría en el amor. A ‘Tres venenos’, tras un puente un tanto insulso, la rescata un estribillo rotundo. ‘Dinero caído del cielo’, una fábula anticapitalista, va creciendo en su desarrollo de los R.E.M. más dulces.
Pero también hay temas redondos de principio a fin, como el disco chungo y asfixiante a la New Order de ‘Los volcanes avisan’, lo más parecido a un hitazo bailable que nos ha regalado Miren. Al final, las canciones que tienen más fuerza son las confesionales, emotivas, autobiográficas. Es el caso de ‘Os oigo follar’, un relato de anhelos y melancolías un tanto amargo, un tanto resignado, o de ‘Yo no nací así’, un desarrollo lírico, doliente, de esos que sólo Miren sabe cantar, que acaba estallando en otro precioso estribillo.
Por mucho savoir faire y más calma que pretendan aparentar, las canciones de Tulsa siempre esconden algo inquietante e inasible. Y ‘Ese éxtasis’ no es una excepción. Tengo la sensación constante de que aquí hay algo que se me escapa, por más escuchas que le dé: un motivo más para ir volviendo, hasta que descubra el secreto. Y, como siempre, es un gustazo siempre encontrarse con Tulsa, su voz rasposa, dulce y desafiante, esa manera suya de escribir, tan literaria, que juega a descolocar letras y música. Sí: queremos mucho a Tulsa.
Marina publica hoy el tercer adelanto de su nuevo disco, ‘Ancient Dreams in a Modern Land’, que sale el 11 de junio. El tema escogido es el que da título al álbum y musicalmente es el más potente de todos. Sus baterías remiten primero a la Katy Perry de ‘I Kissed a Girl’ y después a los himnos de los Depeche Mode más comerciales o incluso a los Muse de ‘Uprising’, que incluso parece una referencia directa por lo épico y grandilocuente de la composición, pero después el tema introduce una capa de sintetizadores que tiran más por los Goldfrapp más electro. Todas estas influencias asoman en una canción que no deja de resultar distintivamente propia de MARINA, por otro lado.
La letra de ‘Ancient Dreams in a Modern Land’ vuelve a hacer gala de la responsabilidad que sienta MARINA por hacer de este un mundo mejor, ante las adversidades a las que se enfrenta la humanidad hoy en día. Si ‘Man’s World‘ afrontaba el heteropatriarcado y ‘Purge the Poison‘ otros temas como el cambio climático o el movimiento #MeToo, ‘Ancient Dreams in a Modern Land’ habla sobre la importancia de no conformarse con el estatus quo y ser una misma. «No tienes que ser como todo el mundo, no tienes que adherirte a la norma, no estás aquí para conformarte» es el mensaje que deja el robótico estribillo de la canción, en el que después MARINA pasa a hacer sus habituales piruetas operísticas.
En sintonía con el resto de singles del álbum, ‘Ancient Dreams in a Modern Land’ busca una solución en el pasado para solucionar los problemas del presente. Vuelven a resultar algo naífs frases como «nuestros ancestros tuvieron que luchar para sobrevivir, para que nosotros pudiéramos tener una oportunidad en la vida, no estamos aquí para echarlo todo por la borda» o «intento volver atrás en el tiempo, a un tiempo antes de que yo tuviera forma, a un tiempo antes de que yo naciera», pero no queda muy claro a qué tiempo busca MARINA regresar y por qué le parece el pasado tan sumamente atractivo. Seguramente se refiera a un tiempo sin redes sociales ni teléfonos móviles, en el que la humanidad estaba en mayor contacto con la naturaleza.
El caso es que a Rosalía también le ha gustado especialmente y ahora ha decidido sumar su voz a esta grabación. La letra es la original pero traducida al castellano. Culminan así unos rumores de colaboración que nos remiten a 2018, cuando la cantante catalana compartía una instantánea de ambos juntos, desatando la imaginación popular.
Curiosamente, ya en nuestra crítica de ‘Nothing’s Special’ una hipotética aparición de Rosalía en la canción nos parecía posible, quizá por lo dramático de su preciosa melodía: «Es una balada de formas abstractas, pero una balada al fin y al cabo, con cara y ojos, que pasará desapercibida por el público generalista pero que merecería una aparición en cualquier banda sonora en la que Lopatin trabaje próximamente. ¿No pegaría por aquí su amiga Rosalía?»
‘Magic Oneohtrix Point Never’ fue lanzado el 30 de octubre de 2020 e incluía la voz del productor ejecutivo, The Weeknd, en ‘No Nightmares’. Las colaboraciones entre Oneohtrix Point Never y The Weeknd han sido constantes en los últimos meses, lo que incluye la mismísima Super Bowl y también la ceremonia de los Brits. Rosalía también ha colaborado con el propio The Weeknd en un remix de ‘Blinding Lights’: aquí todo queda en casa.
En el disco de OPN también encontrábamos a Caroline Polachek, Arca, Nate Boyce y Nolanberollin. Los cineastas Josh y Benny Safdie dirigieron el videoclip para el tema ‘Lost But Never Alone’, una continuación de la colaboración entre los hermanos Safdie y OPN para dos de sus icónicas películas: ‘Uncut Gems’ y ‘Good Time’, por la que recibió el premio a la Mejor Banda Sonora en el Festival de Cine de Cannes en 2017.
Entre la playlist de este mes de nuestro excodirector Raúl Guillén «Flores en el estiércol«, aparece Fred again.., el proyecto del productor británico Fred John Philip Gibson, que posiblemente te suene por su colaboración reciente con FKA twigs, por sus créditos en la discografía de Ed Sheeran o en varios hits de los últimos años, como es el caso de ‘After the Afterparty’ de Charli XCX.
Esta primavera ha publicado un disco llamado ‘Actual Life (April 14 – December 17 2020)’, en el que muy al margen de su trabajo con Ed Sheeran, que seguramente le dé de comer, exprime su faceta de productor a medio camino entre Jamie xx y el Moby de ‘Porcelain’. Algo perceptible en canciones de ritmos house como su hit ‘Kyle (I Found You)’, recogida aquí aunque procede de 2019, o la estupenda ‘Julia (Deep Diving)’, que salía a finales de 2020 remitiéndonos ligeramente a The Field o a Burial, a quien reconoce como influencia fundamental en sus tiempos mozos.
Fred again.. está triunfando con su bonus track junto a The Blessed Madonna, ‘Marea (We’ve Lost Dancing)’, que incluso se ha quedado a las puertas de ser top 40 en Reino Unido. Pero hoy seleccionamos como “Canción del Día” una de las joyas perdidas del álbum, la llamada ‘Yasminah (See Your Face Again)’.
También cercana en espíritu a Caribou, la canción no deja de repetir simplemente “I can’t wait to see your face again” una y otra vez (luego sí se añaden unas palabras extra), dejando que guíen el tema los trucos de producción que se van sumando. Entre ellos, samples vocales, una percusión que va ganando peso y una nube de sintetizadores relacionados con el mundo dream pop, que sitúan su proyecto junto a los que, dentro de la electrónica, cuentan con una sensibilidad especial.
A$AP Rocky ha hablado sobre su nuevo disco en la revista GQ, en cuya portada aparece vistiendo una falda escocesa. El álbum, que sucede a ‘Testing‘, lanzado en 2018, se llama ‘All Smiles’ y es un «relato de amor en el gueto», pero el dato más interesante que desvela el rapero sobre este trabajo es que Morrissey -sí, el mismo- es uno de los artistas involucrados en él.
En 2018, Rakim Athelaston Mayers expresó su deseo de trabajar con el ex líder de los Smiths para hacer juntos «música emo, real, de inspiración retro y que suene a puto 2018» y parece que su sueño se ha hecho realidad. Según la entrevista, Morrissey ha estado «escribiendo y produciendo» para el disco de A$AP Rocky durante el último año y también ha aportado tomas vocales. A$AP destaca de Morrissey su profesionalidad: «todo lo que necesitas que él haga, lo hace».
Morrissey ha sido noticia recientemente por quejarse de la representación que Los Simpson ha hecho de él en uno de sus últimos capítulos, el cual ha retratado al músico británico como una persona xenófoba que finge su veganismo. En los últimos tiempos, sus declaraciones políticas, en las que ha mostrado su simpatía por la derecha, le han hecho protagonizar más de una polémica.
En otra parte de la entrevista, A$AP Rocky confirma que está saliendo con Rihanna, a la que llama el «amor de su vida». De hecho, se deshace en buenas palabras hacia ella y dice que es la mejor pareja que ha tenido jamás. Y dice que ella ha «influido absolutamente» su nuevo disco, pues es a ella a quien ha consultado muchas de sus decisiones artísticas con el propósito de obtener «un punto de vista diferente».
En su charla con GQ, A$AP habla también sobre su breve estancia en una prisión de Estocolmo tras ser condenado por agredir a un joven que le estaba acosando en la calle. Dice que pasó los días «rezando», haciendo deporte y trabajando en una línea de moda.
El director Bill Benz, fogueado en series como ‘Portlandia’ o ‘Medical Police’, realizó el año pasado ‘The Nowhere Inn’, un falso documental escrito y protagonizado por Carrie Brownstein (creadora de ‘Portlandia’) y por Annie Clark (St. Vincent). El filme, una juguetona sátira sobre los documentales para fans, presentaba una realidad que se resquebrajaba a golpe de ficción.
En ‘Down’, tercer videoclip dirigido por Benz para St. Vincent tras ‘Pay Your Way in Pain’ y ‘The Melting Of The Sun’, la realidad también aparece distorsionada, amenazante. Tras un prólogo donde vemos una caída por unas escaleras en plano subjetivo, comienza un relato que imita y combina las formas y texturas (incluidas las del celuloide) del cine de género de los setenta. Una decisión estilística que está en sintonía con la inspiración setentera de su nuevo disco, ‘Daddy’s Home’.
Con un ojo puesto en el ambiente claustrofóbico, paranoico y tecnológico de ‘La conversación’ (1974), de Francis Ford Coppola, y otro en las ficciones de espías populares tipo ‘Superagente 86’, el director construye un atractiva narración que juega con los tópicos del género: sistemas de escucha, mensajes ocultos, microfilmación de documentos… Un juego del ratón y el gato del que sale vencedora la superagente St. Vincent.
Bella Poarch es uno de esos personajes que solo podían haber nacido en el siglo XXI y que refleja el extraño momento cultural en que se encuentra la humanidad en general, capaz de convertir en una superestrella hasta a la persona más random del planeta (y no estoy hablando de Lewis Capaldi… al menos no en este caso).
Esta joven estadounidense, originaria de Filipinas, tiene el dudoso honor de ser autora del vídeo de TikTok que más «me gustas» ha recibido de la historia. En el vídeo de 15 segundos, Poarch aparece sincronizando los labios a la canción ‘Soph Aspin Send’ de la rapera británica Millie B. 49 millones de personas han considerado el simpático vídeo digno de admiración.
¿Y qué haces cuando eres la tercera persona más seguida de TikTok? Obviamente intentas hacerte un hueco en el mundo de la música. Poarch, que de joven sirvió en la Marina de Estados Unidos, y durante años estuvo destinada en Japón, según su biografía oficial, explica que ser artista es el sueño de su vida y que no parará hasta conseguir ser respetada como músico al margen de su fama en TikTok, por lo que solo cabe celebrar que su sueño se esté cumpliendo aunque lo haga a un ritmo absolutamente vertiginoso.
De momento, el pasado 14 de mayo llegó al mercado el primer single oficial de Bella, ‘Build a B*tch’, que lleva más o menos desde entonces entre los vídeos más vistos de Youtube España y ha acumulado más de 60 millones de visualizaciones (sus escuchas en Spotify bordean los 8 millones, por lo que son más modestas: se nota dónde está su público, aparte de en TikTok). La canción es una especie de híbrido entre Fifth Harmony, Bebe Rexha y Melanie Martinez y no está mal, aunque tampoco hará historia, a menos que ocurra un milagro.
En Vogue, Poarch ha explicado que ‘Build a B*tch’ va sobre » «aceptar tus imperfecciones y defectos» porque «la sociedad e internet nos meten muchísima presión para ser perfectas o parecerlo» y le «gustaría que el mundo se diera cuenta de que no hace falta ser perfectos, que está bien no serlo». El vídeo es una superproducción solo a la altura de las grandes estrellas, aunque estas solo tengan un single en el mercado, y ya deja entrever algunos de los intereses estésticos de Bella, como la cultura japonesa o la imagen de Hastsune Miku.
¿Cuál es el próximo paso para Bella? Seguir trabajando en nueva música. Billboard informa que ha estado en el estudio con Benny Blanco y Ryan Tedder, dos de los compositores y productores más solicitados en el mundo del pop, así que en algún momento del futuro cercano, Bella pasará página de ‘Build a B*tch’ y, con suerte, ofrecerá material más interesante y distintivo.
Demi Lovato ha compartido con sus seguidores que se identifica como persona no binaria y que pasa a usar los pronombres neutros «they/them», de los que no existe traducción oficial en español, si bien el pronombre «elle» goza de cierto uso popular sobre todo dentro del colectivo LGBTQ+ aunque no ha trascendido al vocabulario mainstream ni de hecho está recogido oficialmente en el diccionario. Lovato ya se había identificado como persona de género fluido.
En un comunicado subido a sus redes, Demi ha dicho que ha llegado a la conclusión de que se identifica como persona no binaria «después de un periodo de terapia y autorreflexión», apunta que «aún estoy aprendiendo y convirtiéndome en mí misma» y que «no pretendo ser experta ni la portavoz de nadie». También añade que hace pública su identidad de género para «ayudar a quienes no han podido compartir quienes son de verdad con sus personas queridas» y pide a sus seguidores que «sigan viviendo su verdad».
Soleá Morente estrena hoy el single de su nuevo disco, que se anunciaba solo un año después de que viera la luz al anterior, ‘Lo que te falta‘, que alcanzó el top 12 de la lista de álbumes española. ‘Iba a decírtelo’ es el nombre del primer sencillo, en el que como se había advertido en la nota de prensa previa, la influencia de Beach House es muy palpable. Todo el álbum de Soleá Morente ha sido compuesta por ella misma, y nadie más, por primera vez. Foto: Rebeca Ibáñez.
Juanma Carrillo, habitual de La Bien Querida, ha dirigido el videoclip, del que habla así: «Enfrentarme a “Iba A Decírtelo” me suponía un triple desafío. El primero trabajar con una artista que respeto y admiro desde sus inicios y sus orígenes familiares. El segundo, trabajar con una música aparentemente sencilla, pero con un estado de ánimo muy concreto en el que parece que se ha detenido el tiempo y donde la instrumentación me llevó desde la primera escucha hacia una arquitectura brutal y fría. Y el tercero y más determinante, una letra y un título que me hizo pensar directamente en un lugar sacro y en una “performance” aséptica (homenaje al maestro Bill Viola), donde el agua representase el amor y al mismo tiempo la liberación y purificación».
‘Aurora y Enrique’ es el título del álbum, el cual alude a los nombres de los padres de Soleá. El disco, aparte de por Beach House, está influido por The Cure y Cocteau Twins, pero también Camilo Sesto o Cecilia.
El sello Elefant volverá a publicar el disco de Soleá Morente, como ya hiciera el año pasado con ‘Lo que te falta’, uno de los mejores discos de 2020 (exactamente el número 28 para nuestra redacción). «El gran valor de ‘Lo que te falta’ es que Morente se consolida como una cantante capaz de hacer suya cualquier canción, sin importar quién la haya escrito ni el palo que emplee» era la valoración que realizábamos del disco entonces, destacando especialmente cortes como ‘Viniste a por mí’, ‘No puedo dormir’, ‘Lo que te falta’ o ‘Pero es de noche’. Antes, ‘Lorelei‘ fue el 18º mejor disco de 2018 para la redacción, y ‘Tendrá que haber un camino‘, su debut, el 36º mejor disco de 2015.
En los últimos tiempos, Soleá ha aparecido en la versión de ‘Soy una nube’ de Unidad y Armonía, un simpático corte de easy listening, pop-rock y flamenco que se mantiene como su canción más popular en Spotify a día de hoy; y, más recientemente, en el remix de ‘ASMR (para ti)’ de Triángulo de Amor Bizarro.
Duran Duran estrenan hoy el primer single de su nuevo disco, el que sucede a ‘Paper Gods‘ después de 6 años. Eso sí, no verá la luz hasta el otoño. ‘Future Past’ se compondrá de 12 canciones (15 en la versión deluxe) y saldrá el 22 de octubre. Adivinamos que su título va a ser muy descriptivo.
El tema que podemos conocer desde hoy se llama ‘Invisible’, está muy influido por el David Bowie de finales de los 70 y principios de los 80 y, por si no ha quedado claro, su nuevo disco cuenta con la colaboración de Mike Garson, que fue teclista del Duque Blanco. Además, hace tan solo unos meses Duran Duran publicaron una versión de ‘Five Years’, deshaciéndose en elogios hacia Bowie. También puedes recuperarla bajo estas líneas junto a ‘Invisible’. El enfoque es bastante curioso, porque Duran Duran proceden de principios de los 80, a su vez.
En los créditos de ‘Invisible’ vemos a Graham Coxon de Blur en cuanto a composición, mientras la co-producción ha corrido a cargo de Erol Alkan. No será la única sorpresa que podremos encontrar en el álbum, pues Lykke Li, un tanto desaparecida del mapa, aportará voces.
Giorgio Moroder y Mark Ronson también tendrán créditos según la propia página web del álbum, donde ya pueden hacerse los prepedidos. Duran Duran estarán actuando esta semana en los Billboard Music Awards. Serán el domingo 23 de mayo.
