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Marilyn Manson hizo «arder el mundo» en ‘Antichrist Superstar’, su gran obra maestra

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Marilyn Manson no cree haber expresado sus ideas sobre la hipocresía de la religión y la sociedad americana lo mejor que ha podido en su debut de 1994 ‘Portrait of an American Family‘, así que se dispone a hacer una labor mejor en su disco siguiente, ‘Antichrist Superstar’. El resultado es su gran obra maestra, la que sentará las bases para todo lo que ha hecho después.

Dándole la vuelta a las críticas que recibe desde el principio de su carrera sobre todo por parte del sector más religioso y conservador de la sociedad americana, que ve en la música rock y, en concreto, en el trabajo de Marilyn Manson, el origen de todos los males del universo, en su segundo disco Brian Warner decide absorber todo el odio que suscita y convertirse en el mismo Anticristo. Le sale un álbum conceptual obviamente inspirado en el popular musical de 1971 ‘Jesucristo Superstar’ de Andrew Lloyd Webber hasta el punto que ‘Antichrist Superstar’ también es considerado una ópera rock (aunque no existe musical basado en el álbum), pero también en la letra de la canción ‘We Are the Dead’ de David Bowie, inspirada a su vez en ‘1984’ de George Orwell, y en los textos del filósofo alemán Friedrich Nietszche, tales como ‘El superhombre‘ o ‘El anticristo‘. De hecho, el álbum es dividido en tres ciclos: ‘The Hierophant’, ‘Inauguration of the Worm’ y ‘Disintegrator Rising’, a través de los cuales Marilyn Manson narra la historia de una estrella del rock demagoga que toma el poder político del mundo para eventualmente exterminar a toda la raza humana y destruir el planeta mismo. El típico tirano fascista solo que en esta ocasión hace música y quema Biblias en el escenario.

La gira del álbum, ‘Dead to the World‘, histórica, es asediada con frecuencia por religiosos y objeto de polémicas que cuesta creer fueran posibles a día de hoy: el grupo es acusado -de manera infundada- de usar su escenario para consumir drogas, practicar rituales satánicos, torturar animales o abusar sexualmente de niños, al tiempo que recibe constantes amenazas de bomba («mientras no se aburran de bombardear clínicas de aborto, estaré a salvo», declara Warner a SPIN en esta época). Grupos de religiosos americanos intentan por todas sus fuerzas que todos los conciertos de Marilyn Manson sean cancelados para proteger los «valores de la comunidad». Salas de conciertos se niegan a contratarlos por miedo de que cometan actos ilegales como los descritos. Políticos estadounidenses organizan conferencias de prensa para cuestionar la existencia de la música de la banda. En un triste episodio narrado en su autobiografía de 1998, Warner cuenta que los paramédicos de la gira se niegan a darle oxígeno para su agotamiento por no compartir sus ideales. Él entonces escribe: «Dios ha encontrado la manera de colarse en el juramento hipocrático: aparentemente Jesucristo salva vidas, pero los paramédicos de aquí no».

La grabación de ‘Antichrist Superstar’ también está marcada por la tensión, en este caso de manera provocada: el grupo experimenta con el consumo de drogas y prácticas como la privación de sueño para crear un entorno hostil en el estudio que refleje el contenido de las letras. Las primeras sesiones acaban con el estudio y los instrumentos del grupo destruidos. El guitarrista Daisy Berkowitz termina abandonando la formación poco después de que Trent Reznor de Nine Inch Nails, productor del álbum, destruya su guitarra -un regalo de su padre, que acababa de fallecer- durante una sesión de grabación y de hecho Marilyn Manson y Reznor, también enemistados, jamás vuelven a producir música juntos después del lanzamiento de este disco. Fuera o no necesario todo este caos para la producción de ‘Antichrist Superstar’, lo que queda es un álbum impreso en la historia que representa a Marilyn Manson mejor que ninguna otra de sus obras.

Demostrando más sentido del humor que muchos, ‘Antichrist Superstar’ se abre con un tema llamado «himno de odio irresponsable» que es básicamente una pequeña cápsula de ira expresada a través de la ironía, la misma que lleva a ciertos sectores de la población cristiana a amar a unos y a discriminar a otros: «soy tan americano, te vendo suicidios, soy totalitario, tengo abortos en mis ojos, odio al que odia, y violo al que viola: soy el animal que jamás será él mismo». El tema, interpretado «en vivo», da paso a ‘The Beautiful People’, el single más icónico de toda la carrera de Marilyn Manson, que no el más vendido (ese es su cover de ‘Sweet Dreams (Are Made of This)’ de Eurythmics publicado en su EP largo de 1995, ‘Smells Like Children‘). Esta grabación absolutamente demoníaca equipara capitalismo con fascismo, habla de aquellas personas débiles que serán pisadas por las fuertes en la carrera hacia el éxito, y sus ritmos trotones han sido sampleados por Christina Aguilera y Avril Lavigne, en el caso de la segunda, con la colaboración del propio Manson. Las texturas electrónicas y ritmos robustos de ‘Dried Up, Tied and Dead to the World’ obligan a pensar en el trabajo de Nine Inch Nails como harán más adelante los guitarrazos autodestructivos de ‘Mister Superstar’ o el muro de sonido de ‘Kinderfeld’, inspirada en el momento en que el pequeño Warner descubre a su abuelo masturbándose en el sótano, con sus manos con uñas marrones «como alas de cucaracha»; y la balada ‘Tourniquet’ demuestra que Warner es capaz de componer canciones bonitas a pesar de que él mismo reconoce haberse sentido «apático» durante la grabación del elepé. De hecho, Warner cuenta que arranca a llorar durante la grabación de otra de las baladas, ‘Minute of Decay’, en la que empieza cantando: «no queda mucho por amar, me siento demasiado cansado para odiar, me siento vacío».

Escalofriante en su descripción de una relación tóxica en la que Warner sirve de torniquete a una persona «hecha de pelo y huesos y pequeños dientes, y de cosas que no puedo mencionar» y cuya «espina» es una «cuerda», ‘Tourniquet’ es extraído como segundo y último single de ‘Antichrist Superstar’ a pesar de las enormes composiciones que aún quedan por descubrir dentro de su secuencia. La maraña de guitarras distorsionadas de ‘Deformography’ es una de ellas y marca el momento en que nace el Anticristo, con este clamando: «enterraré a tu Dios en mi escupitajo cálido, tú quedarás deformado por tu porno». Más adelante, ‘Wormboy’ funciona como la canción pop del álbum que nadie esperaba; en ‘Angel with Scabbed Wings’, el Anticristo parece convertirse de hecho en Dios mientras la desgarrada actuación vocal de Warner bordea el exorcismo. El tema titular presenta el verso que Warner recitará mientras quema Biblias en la futura gira, avanzado a su vez dentro del álbum al ser incorporado en una de las pistas previas, ‘Cryptorchid‘, la más sutil y electrónica, para la que Manson publica un videoclip oficial hecho con imágenes de la película de Edmund Elias Merhige de 1989 ‘Begotten‘. «Pínchate el dedo, hemos acabado, la luna ha eclipsado al sol, el ángel ha extendido sus salas, ha llegado el momento de que pasen cosas amargas» es el mencionado verso. Pero para referencias internas la de ‘1996’, cuyo estribillo dice textualmente «soy tu anticristo superestrella» pero resulta ser una canción mucho mejor que la propia ‘Antichrist Superstar’. ‘1996‘, que podría llamarse «2020», es probablamente la grabación más psicótica de toda la carrera de Marilyn Manson: cita una serie de cosas a las que el artista -o mejor dicho, el anticristo- se opone, como las «banderas», los «gays», el «Papa» o los «maridos y esposas», para terminar explotando en un ataque de cólera que pone los pelos de punta: «quemo una vela por cada pecador y arde el mundo entero», plantea al principio… y la canción podría de hecho hacer arder el mundo. ¿No será esta de verdad la mejor canción de Marilyn Manson?

A pesar de producir tan solo dos singles oficiales, ‘Antichrist Superstar’ es presentado con los singles promocionales de ‘Cryptorchid’, ‘Antichrist Superstar’ y ‘Man that You Fear’, para el que Manson de hecho publica un videoclip inspirado en la historia corta ‘The Lottery’ de Shirley Jackson y en la película ‘Santa Sangre’ de Alejandro Jodorowsky. Siempre será una injusticia que ‘The Reflecting God’ nunca obtuviera el videoclip que merecía: como grabación es una de las más contundentes, rotundas y brutales de la trayectoria de Marilyn Manson, y como canción, narrativamente puede ser la más importante de todo el disco. Conocida como la «cumbre nihilista» de ‘Antichrist Superstar’ («no hay salvación, no hay perdón»), ‘The Reflecting God‘ representa la unión perfecta de Marilyn Manson y Trent Reznor en la que muchos consideran la verdadera «masterpiece» de ‘Antichrist Superstar’. También es una de las más inspiradas, lo que en este caso no es mucho decir: ‘Antichrist Superstar’, que por cierto vende más de 7 millones de copias en todo el mundo, es una de las obras cumbres de la música pop del siglo XXI, da igual el género.

Clasificación: 10/10
Lo mejor: ‘Irresponsible Hate Anthem’, ‘The Beautiful People’, ‘Tourniquet’, ‘1996’, ‘The Reflecting God’
Te gustará si te gusta: Nine Inch Nails, Korn, Ministry, Rammstein

«‘Oxena’ es un paso hacia lo que es DORA de verdad»

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Unas horas antes de que salga ‘Oxena’, DORA acude puntual como un reloj a nuestra cita a través de Zoom. Esta es una de sus producciones más complejas, hasta el punto de que los días de ‘Hoy’ empiezan a sonar tremendamente lejanos, y la artista se muestra entusiasmada y muy segura de este tema en particular. Su padre Diego Postigo asoma la cabeza un momento para decir «hola», pero por lo demás permanece fuera de plano sin aportar nada, pues apenas DORA le cuestiona si lleva trabajando con Pional 2 o 3 años. Por lo demás, está claro que es la cantante quien toma sus decisiones según le da: ‘Oxena’ aparece en las plataformas de streaming como una grabación del sello «Dora Records». No faltan las marcas en sus vídeos ni el apoyo de personajes clave en esta familia de artistas (DORA va a protagonizar la próxima película de Paco León), pero su proyecto musical se huele libre desde la distancia.
Parecía que esta entrevista se iba a retrasar por el comienzo de las clases, pero veo que no. ¿Cómo ha ido?
Era la presentación, acabo de llegar a casa. Ha sido solo una horita. He ido para que nos dijeran las medidas del coronavirus, no han dado clases, han dicho que tenemos que estar con distancia… todo eso».

Esta canción que presentas esta semana tiene dos partes. ¿Cómo ha surgido?
Al principio era una balada, y la primera parte es la que he hecho yo sola en mi cuarto. Es uno de los últimos temas que escribí, en pleno confinamiento. En principio ese era el tema, pero un día estábamos en el estudio y Pional se puso a jugar, salió la parte más garage, y dijimos: «vamos a cambiar todo el tema, vamos a hacerlo a saco».
¿Trabajáis juntos o también en la distancia?
Tenemos el mismo estudio, está cerca de mi casa.
La segunda parte de la canción, que es más de desmadre discotequero, está muy acorde con lo que dice la letra, «estoy mejor sin ti».
Todo el tema tiene un punto como sin explotar, hasta que llega la segunda parte. Se está conteniendo y luego hay un punto en que explota. El vídeo es como un trip, es como muy surrealista, es ambiente de club. Es sobre algo que llevas dentro mucho tiempo, que tiene que salir y ya explota.

¿Por qué se llama ‘Oxena’?
La canción es sobre un amor fallido y viene de mi exnovio (risas) Hay buen rollo, es su nombre. Le escribí para preguntarle, en plan: «¿no te importa?». Pero se lo tomó muy bien, le hizo mucha gracia.

Ya habías dicho en otra entrevista que era un tema post-ruptura…
Así es. El tema que saqué antes, ‘Hoy’, también era sobre una ruptura. Pero esto está llevado a otro sitio, se puede interpretar de varias maneras, cualquier otra persona se puede identificar. «Estoy mejor sin ti» puede ser un mensaje para muchas cosas. A cualquier cosa en la vida que no te venga bien, le puedes decir: «estoy mejor sin ti, déjame en paz».

¿Dónde habéis hecho el rodaje?
Es un plató, tiene ese ambiente de discoteca pero era un plató. Toda la magia se hizo con las luces y los colores.

Te lo pregunto por si se había hecho en una discoteca en la que todavía no podías entrar…
¡Que me cuelo! Pues igual de repente puede ser otra opción de la historia: me rebelo y me cuelo (risas).

No sé si no has podido actuar en sitios por ser menor, esto cambió hace unos años…
Tengo 16, nunca he tenido problemas, llevo haciendo conciertos desde antes. Hay que llevar la firma de los padres.

Este tema tiene una producción chula. No sé si es indicativo de lo que puede estar por venir o solo es un tema más…
Todos los temas especiales, son como mis hijos. Pero este es mi ilusión, es un paso entre lo que he hecho y más adonde quiero tirar, más mi sonido. Es un paso hacia lo que es DORA de verdad. Yo estaba flipando viendo el vídeo porque decía: «¡exactamente esto es lo que quiero!». Era perfecto.

Luego está ‘Ojos de serpiente’, que es algo más clásico. Es un bolero. Es un poco como que se sale de lo que está de moda. Siempre hay alguien que reivindica la tradición, pero si coges una playlist de Spotify de hits o de canciones que están de moda, es raro dar con un bolero. No sé si es es algo que vas a seguir explorando, o fue una excepción.
Tengo muchas referencias musicales y, en piano, empecé tocando boleros. Me salió solo pero siempre voy a querer experimentar. Puedo hacer un bolero y al día siguiente me saco un blues. Me gusta probar de todo.

Dices que tienes referencias variadas. Cuando me dijeron «la hija de Bimba Bosé está haciendo cosas muy chulas», pensé que tu madre podía ser un referente, pero creo que más bien lo ha sido en otros campos…
Sí, así es. A mi madre la veo como un gran referente en términos de su actitud, su ropa, su presencia… En la música hay cosas que sí porque admiro el disco que se hizo con mi padre, me encantaría tirar para el rock en un punto de mi vida. Pero yo voy tirando con mis cosas, con mis referencias…

«A mi madre la veo como un gran referente en términos de su actitud, su ropa, su presencia»

¿Qué evolución has tenido como fan de la música desde pequeña?
De pequeña escuchaba a Aretha y todas las míticas de soul. También Ray Charles, James Brown… han sido siempre mi base más fuerte. A mi lado con locura. Luego he tirado por el rock con mi padre: Los Ronaldos, Arctic Monkeys… ahora estoy tirando más hacia el hip hop. Wu-Tang Clan, Erykah (Badu), que me encanta. Todo…

Al escuchar tu single me venían a la cabeza más bien nombres como The xx, James Blake… pero estás escuchando cosas bastante antiguas.
Me gusta escuchar las raíces. Escucho mogollón de cosas que salen ahora y me gusta estar al día de lo que escucha la peña. O escuchar lo que salió hace 5 o 10 años. Pero tengo tan interiorizado Erykah y Outkast, que escuchas a los de ahora y es como: «entiendo de dónde lo has pillado».

«Tengo tan interiorizados a Erykah Badu y Outkast, que escuchas a los de ahora y es como: «entiendo de dónde lo habéis pillado»».

¿Cómo es trabajar con Pional y cómo surge?
Trabajar con «Pio» fue por mi padre. Nuestro encuentro fue raro. Yo iba a hacer un jingle para Carolina Herrera que quedó en el aire, pero empecé a escribir y con él fluyó todo muy rápido, conectábamos mucho e hicimos como tres canciones muy rápido. Pruebo con todos, he estado probando con más gente, pero Pional siempre ha sido con el que mejor conecto.

¿Cuánto tiempo llevas trabajando con él?
Casi 3 años, 2 o 3 años.

¿Os soléis organizar así? ¿Tú empiezas un tema a piano y luego lo trabajáis juntos?
Hay muchas maneras, se me ocurre una melodía y meto ya el piano. O hay una progresión y cambia la melodía. Probamos un poco de todo. Depende mucho, hay veces que los temas son 100% mi estructura, y me quiero quedar con lo escrito en mi cuarto, y otras veces busco un cambio. Otras veces él me pasa una base, como la de ‘Call Me Back’, que me puso una base, la tiró un poco, y ahí ya me escribo yo cosas. «Pio» también se graba muchas vocecitas y cosas. Y mola.

«Eso de meter muchos singles en un disco… esa idea no la entiendo. Estoy pensando cómo hacer mi concepto y montármelo bien»

¿Tenéis muchas canciones?
Hay bastante material, más del que pensamos. Si nos ponemos a revisar, hay incluso para hacer un disco. Pero eso de meter muchos singles en un disco… esa idea no la entiendo. Estoy pensando cómo hacer mi concepto y montármelo bien. Cuando tenemos un tema que queremos sacar, lo sacamos. En un mes o dos, saldrá otro que por ejemplo sonaría muy bien como en una playlist. A veces pienso en cómo encajaría un tema detrás de otro.

Quieres decir que los singles que ya tienes publicados no encajarían dentro de un disco.
Veo muy diferente el concepto single y el concepto disco. Tengo muchos temas, pero no quiero amontonarlos. Me mola que en un disco haya una historia. Tiene un peso diferente. A mí personalmente me gusta escucharme los discos con calma, saber de qué van, por qué esta canción, por qué esta otra, por qué las letras…

«Hay unos discos increíbles que es una pena dejar atrás si se pueden hacer otras cosas, se puede crear otro mundo a partir de ellos»

Es un concepto que se daba por muerto. Pero han salido discos con conceptos chulos, como Rosalía, Bad Bunny… Tu perspectiva es clásica. No sé si tus amigos tienen esta misma pasión.
La gente con que me junto no escuchamos lo mismo, pero somos muy inquietos musicalmente. Tengo un amigo al que le encanta Freddie Gibbs, me pasa cosas de hip hop. O yo a ellos. Pero somos bastante oldies, nos mola lo clásico (risas).

¿Qué música española escuchas?
Ahora estoy con el primer disco de Los Ronaldos entero. Alice Wonder, Kaydy Cain, Siniestro Total, Derby Motoreta’s…

Yo soy mucho mayor pero es que hasta yo ya si me gusta algo, les paso un tema suelto a mis amigos, antes que un disco entero. Se está perdiendo…
Me da mucha pena eso. Estoy en una lucha para recuperarlo. Hay unos discos increíbles que es una pena dejar atrás si se pueden hacer otras cosas, se puede crear otro mundo a partir de ellos. Porque hacer un disco es un mundo.

¿Cuál es tu meta a largo plazo?
Sacar muchos discos, vivir de ello… lo que he querido desde pequeña, es lo que siempre he querido, quiero hacer giras, tengo muchas cosas pensadas, un disco con mi padre, muchas cosas…

Un disco con tu padre sonaría muy distinto a uno con Pional.
(risas) Sí, mi padre sabe mucho de música, sería algo más clásico a nivel de producción. Bueno, clásico… habrá que verlo.

En tu familia siempre ha habido muchos artistas, y dices que siempre has querido dedicarte a esto. ¿Esto cómo se ha visto? ¿Cómo se vive desde dentro? Es un trabajo de largo recorrido y mucha paciencia. Y de disciplina.
Es que me gusta tanto que a mí no me cuesta. Miro atrás, me doy cuenta del trabajo que he hecho y digo: «¡sí que he hecho cosas!» (risas) Creo que en la familia sí que se ha dicho lo típico de «la niña canta», pero mi padre no me empezó a tomar en serio hasta que escribí mi primer tema y ahí fue: «esto ya va en serio».

¿Qué tema fue?
Uno que nunca se publicó, llamado ‘Monsters’.

«Si saco un single, ya estoy pensando en el segundo. No me quedo estancada en los comentarios, en el «hate», no aporta nada»

La fama tiene un punto negativo. Puedes hacer una declaración que tiene muy mala recepción, decir algo que sienta muy mal o críticas muy malas. A mí es un tema que me produce mucha inquietud, ¿no has tenido miedo de ello o nunca te ha producido cierto rechazo?
Es una cosa al final del trabajo. Si tienes esta ambición de darte a conocer, estás en una posición en la que estás muy expuesto. Tienes que tener tu círculo muy ubicado sobre lo que quieres hacer y no escuchar el ruido de fuera. Así es como me protejo. Si saco un single, ya estoy pensando en el segundo. No me quedo estancada en los comentarios, en el «hate», no aporta nada.

Estás en la película nueva de Paco León, no sé si está en pre-producción, has leído el guión…
Todavía no he leído nada, pero sí me sé la historia. Es increíble, tengo muchas ganas, me da vértigo. Sí que había pensado: «cuando sea más mayor me lanzo». Pero no ha sido como «quiero ser actriz». Es una oportunidad que se me plantea y creo que voy a aprender mucho.

Pero tú eres la protagonista, ¿no? ¿Has hecho pruebas?
La verdad es que nos quedamos en shock cuando vino Paco a presentarnos el proyecto. Hicimos el vídeo de ‘Ojos de serpiente’, nos contó «esto es lo que pasa», que quería que fuera prota y nosotros flipando. Muy surrealista, en verdad. Me da tranquilidad hacerlo con Paco, porque transmite muy bien lo que quiere hacer. Cuando estábamos haciendo el vídeo, enseguida entiendes dónde quiere ir, tiene una manera de expresarse y de transmitir que a mí me asegura mucho.

Supongo que tiene que ver con las pelis que ha hecho con su madre, el captar lo natural…
Sí, es así, su madre yo creo que nunca había actuado, eso es lo que me estaba contando, y se especializa en trabajar con gente así, muy natural. En sus pelis coge gente bastante real. Las personas que coge para sus cosas ya son para él un personaje en sí mismas.

Antes de la pandemia estabas actuando, en Madrid creo que para unas 300 personas. Supongo que se te han estropeado los planes para este año.
Ha sido todo como que se ha derrumbado, tenía festivales y me apetecía mucho. Me jode pero tengo suerte de que no me afecta tanto, no vivo a base de los conciertos. Es una época para crear, para escribir, para hacer las cosas que no se pueden hacer normalmente.

¿Cómo has llevado estar encerrada en casa? No sé si eres muy callejera…
Ahora que se ha levantado el confinamiento estoy súper callejera, pero me gusta estar en mi cabeza, en mi movida, me encierro a veces a escribir y a hacer cosas. He estado mucho conmigo misma, con mi familia, me ha traído mucha paz.

Entiendo que ayuda que te lleves bien con tu padre, que no es el caso de todo el mundo…
Me llevo muy bien. Bueno, es un poco mitad, mitad. Porque hacer de padre y de mánager es un poco… (risas) Pero nos llevamos súper bien.

‘Calor’ puede ser un punto de inflexión para Monterrosa y Miqui Brightside

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Monterrosa estrenan otro de sus rompepistas, aunque este es algo diferente. Se trata de ‘Calor’, una tardía canción del verano que han perpetrado esta vez no en solitario como dúo, sino junto al productor de música electrónica Miqui Brightside, conocido por singles como ‘Home’ o el genial ‘Burning Bridges’ o por sus sesiones en todo tipo de eventos y festivales dentro y fuera de nuestras fronteras. Foto: Raquel Xallas.

La canción, que habla de ligoteo al modo de una canción de Cassino tipo ‘Tu noche en mi coche’ («dónde hay que firmar para tenerte dentro un rato más»), presenta una base muy 90’s, conformando una de las producciones más elegantes del dúo formado por Rocío de Las Chillers y Esnórquel DJ. Con el estribillo melódico que aportan Monterrosa (sobre todo el de «Tanto calor nubla mi mente / me escogiste entre tanta gente») y el sencillo estribillo instrumental de Miqui Brightside, ‘Calor’ podría ser un punto de inflexión tanto para unas como para el otro: es la canción del dúo más presta a una sesión de «voguing» y definitivamente la aproximación más descaradamente pop de Miqui, que logra que el beat nunca caiga en lo zafio.

Hablamos con los tres sobre este tema que pertenece al proyecto «Home Feat Jägermusic» del que os hablamos la semana pasada a raíz de la colaboración de PUTOCHINOMARICÓN con AWWZ. El álbum sale el 2 de octubre en formato digital, y a finales de octubre en edición vinilo limitada a 1000 copias, componiéndose de colaboraciones realizadas en confinamiento por artistas del roster de Jägermusic.

Monterrosa: «Nos propusimos hacer nuestra canción del verano»

¿Cuál es el origen de la letra? Es una historia tan vuestra que parece difícil que la hayáis creado ad hoc para este proyecto. Es tan 100% vosotras que parece haber estado siempre ahí…
Hablando con Miqui nos propusimos hacer algo ultraveraniego, nuestra propia canción del verano. Quisimos que la letra fuera sencilla y directa, y que hablara de esas tórridas y efímeras pasiones que parecen solo posibles durante el estío. Hemos querido capturar el momento en el que las señales parecen claras, pero todavía dudas de si esa persona quiere rollo o solo está jugando. Ese instante y ese juego a veces es más excitante que lo que viene después.

La historia es súper sexual («¿dónde hay que firmar para tenerte dentro un rato más?»), y surge de un DM, ¿con las discotecas cerradas, sin festis… ¿los DM’s son lo único que nos queda para ligar?
Personalmente creo que se ha instaurado totalmente. Los fueguitos, los mejores amigos, las fotos bomba y los DMs de instagram es el terreno de ligue predominante ahora mismo, al menos entre los maricones. Es más relajado que otras apps como Grindr y da mucho juego. Si antes ligar por internet era un tema novedoso que daba para varios programas de ‘El diario de Patricia’, yo creo que ahora ya casi no se liga si no es por internet. Y con el confinamiento mucho más, claro.

Vuestras canciones tendían a ser autoproducidas, así que en este caso hay un cambio de registro, ¿cómo os sentará si alguien piensa que esta es vuestra canción mejor producida?
El gusto es por definición personal y subjetivo; nos alegrará mucho si la canción gusta, porque hemos querido alejarnos de nuestra marca como grupo y siempre está bien experimentar cosas nuevas. Miqui ha hecho un gran trabajo y a nosotras el resultado nos encanta. Queremos poner ‘Calor’ a toda pastilla y restregarnos con muchas personas en cuanto la seguridad y la salud pública lo permita.

Miqui Brightside: «Ha quedado en un punto perfecto de sutil y desmadrado»

¿Qué te gustaba o conocías de Monterrosa antes de este proyecto conjunto?
Personalmente nos conocíamos de antes y he de decir que ya se había comentado en algún momento la idea de hacer algo conjunto, más dirigido a un remix, aun así. Además tocamos en Valencia un día que abrí yo y Rocío me pidió que metiera tralla aún siendo la una de la tarde, yo encantado evidentemente. La conexión siempre fue buena, y ¡ahora, más!

La producción tiene su parte instrumental como gancho, su drop y su pequeña parte de subidón, ¿para ti el resultado es sutil y lleva tu marca o querías hacer algo más desmadrado y gamberro?
Yo personalmente llevaba un tiempo con la idea de hacer un tema cuyo bajo fuera la parte principal de la canción, pero esto siempre necesita que se acompañe de unos buenos vocales. Un buen ejemplo es Channel Tres. En España no tenía muy claro cómo podía ejecutarlo pero creo que con las voces de Monterrosa ha quedado en un punto perfecto de sutil y algo desmadrado. Tengo muchas ganas de escucharlo en directo y confío en que sea pronto, toco madera.

También es un cambio de registro para ti, ¿crees que te picará el gusanillo y harás más producciones pop, en castellano, revientapistas… o lo ves como una excepción entre lo que estás haciendo últimamente?
Quiero ver un poco cómo evoluciona. Sí que es cierto que tengo en mente abrirme un poco en cuanto a producciones para más artistas se refiere, ya que me da miedo no conseguir adaptarme a otros artistas. Pero tengo claro que los temas que siga haciendo 100% para mí serán con ese estilo del cuál creo que aún me queda bastante por explotar.

Lo mejor del mes:

La camiseta gafe de Declan McKenna: los Rolling le dejan sin número 1 pese a su llamamiento

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Hacía tiempo que no había una batalla día a día tan emocionante por el número 1 de álbumes en Reino Unido. Sobre todo porque desde que supimos que Taylor Swift adelantaba 3 días la salida del CD de ‘folklore’, Fontaines DC no tenían ninguna opción de ser número 1, pese a la calidad de su disco.

Pero esta semana era diferente. Declan McKenna estaba encaminado a ser el nuevo top 1 según las “midweeks” del fin de semana con su segundo álbum ‘Zeros’, pero la diferencia era de muy pocos cientos de copias sobre los Rolling Stones. Estos tenían la reedición de su disco de 1973 ‘Goats Head Soup’ acechando, y después de varios días al borde del empate técnico, finalmente han tomado la delantera.

‘Goats Head Soup’, que ya fue top 1 en Reino Unido a su edición, es el nuevo número 1 en Reino Unido tras vender 13.100 unidades en 7 días y ‘Zeros’ ha de quedarse con el top 2 tras despachar 12.400. Para los Rolling es además un récord, pues con este 13er. número 1 en las listas británicas, resultan haber sido número 1 en las mismas durante 6 décadas consecutivas. Además, empatan con Elvis y Robbie Williams en cantidad de números 1, tan solo por detrás de los Beatles, que tienen 15. De hecho, no superan el mayor lapso entre números 1 del mismo disco, pues ‘Abbey Road’ volvió a ser número 1 con motivo de su 50º aniversario, recientemente.

Lo gracioso de la historia es que Declan McKenna había contraatacado esta semana en la reñida rivalidad recordando que hubo un buen día que se puso una camiseta que decía “¿QUIÉN COÑO ES MICK JAGGER?”. Ayer escribía en Instagram, todo en mayúsculas: «Estoy tan cerca de un número 1. Vuestro apoyo lo significa todo. El streaming no va a contar ahora mismo, comprad una copia, decídselo a un amigo, podemos hacerlo». Como veis, no ha surtido mucho efecto. Lo de la camiseta sería una broma, pero es inevitable dejar el chascarrillo fácil: quizá ahora se haya enterado, pues se ha quedado sin saborear su primer número 1.

Su debut ‘What Do You Think About the Car’ fue top 11 en 2017 y, eso sí, al menos con este ‘Zeros’ que ha presentado con singles como ‘Beautiful Faces’, ‘The Key to Life on Earth’ y ‘Be an Astronaut’, mejora el dato. Con humor, eso sí, ayer Declan McKenna versionaba ‘Satisfaction’ en TikTok, ya oliéndose la tostada. No pertenece en realidad a este disco de los Rolling, pues es bastante anterior, pero lo que cuenta es la intención.

Respecto a los Rolling, ‘Goats Head Soup’ era el álbum que traía nada menos que la ultra popular ‘Angie’, una de las canciones más populares de la banda. Otros temas destacados de aquel álbum fueron ‘Dancing With Mr D’ y ‘Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)’. La reedición con descartes y maquetas se ha promocionado con temas como ‘Criss Cross’, ‘Scarlet’ y ‘All the Rage’. ‘Scarlet’ es una grabación perdida que se realizó en octubre de 1974, con la participación de Jimmy Page y Ric Grech junto a Mick Jagger y a Keith Richards.

Roy Borland / ESPESSO

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Demasiada atención mediática para los concursantes que salen de Operación Triunfo y muy poca para los que salen de otros programas con buenos datos de audiencia pero dinámicas menos propias de «reality». Roy Borland pasó por La Voz, y antes era conocido como uno de los chicos que cantaban en la calle, en concreto en el Templo de Debod. Nacido en Madrid, sobrino-nieto del icónico artista panameño Manny Bolaños e hijo de un pianista de jazz llamado Vicente Borland, Roy se ha criado embelesado lo mismo por la música de Bobby McFerrin (el de ‘Don’t Worry, Be Happy’) que por la del cantante de R&B Brian McKnight o Coldplay.

La pulcritud del soul más apto para toda la familia marca la deriva de ‘ESPESSO’, su primer disco, una colección de 10 canciones en inglés bienintencionada y agradable que pretende capturar, cronológicamente, una relación de amor desde las chispas del primer encuentro, hasta la desazón del final. Así, el álbum se abre con un tema jazzy (al modo de Billie Eilish o James Vincent McMorrow), que se pregunta «¿quién no se enamoraría de ti?»; pronto nos muestra al buenino de Roy convertido en un servicial muchacho que te trae «vino» y «chocolate» (‘CHEESE’)… hasta que las cosas se van torciendo. «Subí a la cima y caí» es una frase de ‘VALENTINE’, ‘I LOVE YOU, BUT…’ lo dice todo con la adversativa de su título y el álbum termina con la tristona ‘TREE’, entre Frank Sinatra y Henry Mancini, y la conclusión «dejaremos que las cosas sigan su curso».

Roy Borland ha escrito la letra y la música de todas estas canciones, implicándose en la producción junto a Sergio Fernández, que además se ha encargado de la importante labor, en este género, de tocar bajo y contrabajo. Juntos desarrollan ideas tan hábiles como la unión de las dos primeras pistas y el modo en que emerge ‘MY SUN’, la gran composición del álbum en sus guiños al easy-listening y las bandas sonoras sesenteras (además de a Kiefer y Nat King Cole, como dice).

Eso sí, no siempre las calculadísimas decisiones estéticas son las mejores: ‘CHEESE’, que parecía tener un poco de garra, se pierde en su bobalicón tarareo. Nada que no sepa el mismo Roy, pues ha titulado esta canción en honor a la palabra «cheesy», que en inglés se utiliza para designar algo ñoño.

Por suerte, a continuación ‘AWAKEN’ huye de ello con la voz de María Yfeu, que sí es de la escuela de Dinah Washington y su mejor discípula aunque ella no lo supiera, Amy Winehouse. En sus momentos más atrevidos, Borland tiene un timbre trémulo que recuerda a los momentos más cálidos y cercanos de Devendra Banhart, como sucede en la mencionada ‘I LOVE YOU, BUT…’, mientras en lo musical hallamos pequeños riesgos: las locuciones de Alan Watts dan bastante cuerpo, ‘DREAMY’ juega a ser un vals que plantea con sabiduría que «los sueños, sueños son… y fuente de arrepentimiento» y ‘VALENTINE’ es una aproximación a los ritmos cubanos bien resuelta. Veremos qué tal se le da su plan de hacer un disco en castellano, ahora que el inglés no está muy de moda.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘MY SUN’, ‘AWAKEN’, ‘DREAMY’, ‘I LOVE YOU, BUT…’, ‘TREE’
Te gustará si te gusta: Francis White, Russian Red, Virginia Labuat
Youtube: vídeo de ‘MY SUN’

David Guetta se refina junto a Sia, ahora subiéndose al carro 80’s

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David Guetta estrena hoy un nuevo tema llamado ‘Let’s Love’ en el que repite equipo con Sia. Con ella ya había perpetrado el macrohit ‘Titanium’ y muchas otras canciones después, pero esta es diferente.

‘Let’s Love’ es una producción de synth-pop muy próxima a ‘Blinding Lights’, aquella canción de The Weeknd que nos conquistaba a finales de 2019 y que ha arrasado y continúa arrasando este 2020. De hecho, continúa en el top 5 del global de Spotify cuando nos aproximamos a su año de edición: con 1.400 millones de reproducciones solo en esta plataforma, ya podemos concluir que va a ser una de las canciones más exitosas de la historia.

Más listo que el hambre, David Guetta se aproxima ahora a este sonido en esta buena canción, mucho más elegante que su registro habitual; exactamente igual que se acercó al sonido Daft Punk en ‘Dangerous’ (2014) justo después de que Daft Punk petaran con ‘Get Lucky’ (2013).

En todo caso, es un avance un par de semanas después de que David Guetta estrenara un tema colaborativo llamado ‘Pa’ la cultura’, completamente espantoso, inspirado en ‘Mi gente’, y eso sí, con carácter benéfico. En él colaboraron Abraham Mateo, Zion & Lennox, Lalo Ebratt, Thalia y un largo etcétera.

Respecto a Sia, es una de sus canciones más synth-pop, si no la que más, que llega mientras la australiana celebra otro éxito. Se trata de ‘Del mar’ con Ozuna y Doja Cat, una de esas canciones latinas que sin ser número 1 o top 10 en ningún país en particular va sumando streamings multimillonarios en las plataformas de streaming, sumando un poquito de cada territorio, latino y anglo.

‘La valla’ predijo el futuro, pero pertenece al pasado

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Todavía tengo pendiente ‘Mrs América‘, se me olvidó que volvieron ‘DARK‘ y ‘La casa de las flores‘, abandoné por aburrimiento ‘The Walking Dead’ hace mucho y ‘Tiger King‘ hace poco, se me pasó grabarme la última de ‘Homeland’, no sé bien qué tengo que hacer para poder ver ‘Normal People’ ni ‘Veneno’, me quedaba siempre dormido intentando ver ‘La zona’, me gustaría volver a ver la tercera temporada de ‘Twin Peaks’ pero cada día me suena más utópico y tengo la fantasía de alguna vez poder ponerme al azar una serie. Con la oferta creciente en cada plataforma, cada vez de más maneras… ¿de verdad alguien tiene ánimo de ponerse una nueva serie que estrenen en Antena 3 o Telecinco?

‘La valla’ tenía anoche un atractivo que ‘Madres’ antes de anoche, no: haber predicho el futuro. La serie, cuyo tráiler llegaba a estrenarse en 2019, habla de un extraño virus mortal que amenaza a la población. El presidente del gobierno aparece en televisión declarando el estado de excepción, se recortan las libertades, se pide a la gente que se quede en sus casas, hay toque de queda, la gente pobre vive hacinada mientras los ricos continúan comiendo jamón serrano y merendándose un vino tinto… Sólo han faltado un plano de gente lanzándose a la desesperada y sin motivo a la compra ingente de papel higiénico, y un cameo de Fernando Simón, para que reconociéramos nuestra vida actual en la pequeña pantalla. También sobraba una Tercera Guerra Mundial sobre la que poco se sabe de momento.

La serie creada por Daniel Écija sitúa la acción en 2045, en un Madrid polvoriento, gris, desolado por la escasez de recursos. No queda agua, aunque sí hip hop y fiestas de sexo. En lugar de la ciudad dominada por la tecnología que imaginábamos, parecemos estar más bien en el Berlín separado por un muro («la valla» bien podría ser una suerte de Checkpoint Charlie) o la España de Franco, incluso por vestuario. En su retrato de un estado totalitario, que llegó porque en situación de crisis, «el pueblo requirió de gobiernos fuertes», la serie es una mina para que los bots de Twitter se pongan las botas viendo la paja en el ajeno. Entre referencias a ‘El cuento de la criada’ y autorreferencias a ‘El internado’, que además estará de vuelta el año que viene, la serie no termina de situarse en «el futuro», y no porque a sus personajes les hayan quitado la internet.

Duelen las comparaciones internacionales, pero después de la viralización de ‘La casa de papel‘ fuera de nuestras fronteras, hay que apuntar más alto: ‘La valla’ no resiste las comparaciones con la que ha sido una de las grandes series de este verano, ‘Colapso’, disponible en Filmin. Donde la serie francesa premonitoria presentaba una estructura original, un ritmo de cortar el hipo, y un guión que da verdadero miedo por lo que pueda anticipar sobre nuestro incierto sino; la propuesta de Antena 3 no se decide entre lo underground y lo generalista. Parece optar a lo primero con un guión demasiado caótico y con demasiados frentes abiertos (los chips, la propia Guerra Mundial, el ministro, el colegio, las diversas antagonistas), ante el que fueron muchos los usuarios que anoche manifestaban en redes no estar enterándose de nada. La serie fue un éxito de audiencia con un 15% de share, pero mucho va a tener que mejorar para sostenerse, para captar a la audiencia que a estas horas de la noche entre semana (‘El Hormiguero, ese programa, acaba casi a las 23.00) solo busca evadirse.

Pero para la audiencia más exigente, ‘La valla’ tampoco parece la mejor opción. La situación de alerta máxima que recrea debería ser carne de cañón para un guión que reflexionara sobre hasta qué punto peligran nuestras libertades, hasta qué punto aterra que el gobierno controle toda la información, o qué puede pasar con la diversidad y la desigualdad en un mundo como este. Este guión enrevesado por un lado y paradójicamente con sus flashbacks y subrayados por otro, resulta vago y viejuno. «Nos quitaron lo más importante que tenemos las personas: la libertad» es la frase estelar de la pobre Ángela Molina, que logra mantener en pie este producto lo mismo que Olivia Molina. A Unax Ugalde le tocó caer al suelo… varias veces. Ya se me había olvidado que existían los «teasers» del capítulo siguiente, entre atracones de series y series a demanda. Y más miedo que el himno de la Nueva España que se ha creado y cerró anoche, da que lo mejor que tengan para el segundo episodio sea a Ugalde diciendo que «va a cruzar esa puta valla». 5.

Muere Jotamayúscula, pionero del hip hop en castellano

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Radio 3 informa de que ha fallecido Jotamayúscula. Según algunas fuentes, la causa de la muerte ha sido un infarto, aunque no se ha confirmado de manera oficial. De verdadero nombre Jesús Bibang González, fue pionero del hip hop en nuestro país al formar parte de El Club de los Poetas Violentos, después conocidos como C.P.V. (con estas siglas debéis buscarlos en las plataformas de streaming), tras haber ganado un concurso de talentos en Madrid tan pronto como en 1993, cuando este género estaba a años luz de ser mainstream en nuestro país.

Con el colectivo del que formarían también parte El Meswy, Kamikaze, Mr. Rango, Paco King y Supernafamacho, Jotamayúscula publicó en 1994 ‘Madrid Zona Bruta’, considerado el primer álbum de hip hop en castellano, y que el año pasado celebraba su 25º aniversario. Con motivo de esta efemérides, Jotamayúscula declaraba a Cuarto Poder: “El disco lo hicimos con inocencia, éramos jóvenes, todo era nuevo y estábamos emocionados e ilusionados. No esperábamos tampoco ningún tipo de repercusión, lo hicimos porque teníamos ilusión por lo que nos gustaba. En la vida pensábamos que nos iba a firmar una discográfica, España todavía estaba en pañales en ese aspecto”. El grupo era conocido también por su vocación antifascista. Jotamayúscula comentaba en esta entrevista: “Había un tipo de mensaje revolucionario que hoy en día, en la situación que vivimos, es aplicable».

Jotamayúscula desarrolló después de otros álbumes una carrera en solitario, y continuó colaborando con gente como 7 Notas 7 Colores, Violadores del Verso, Mala Rodríguez o Kase.O, entre muchos otros. Entre estas colaboraciones, destaca su aparición en ‘Genios’ de ‘Violadores del verso’ y en varios álbumes de Mala Rodríguez, desde sus inicios en ‘Yo marco el minuto’ en 1999 (un año antes de ‘Lujo ibérico’) hasta la relativamente reciente ’33’, una excelente producción que era suya y que era incluida en 2013 en ‘Bruja’.

También era conocida su labor al frente del programa El Rimadero (‘Rimadero’ se llamaba una de las canciones de ‘Madrid Zona Bruta’) en la mencionada radio pública, que desarrolló durante más de 20 años: desde 1998 hasta nuestros días, resultando ahí indispensable como divulgador del hip hop. Hace muy pocos días había compartido las novedades del programa en las redes sociales.

Entre quienes han lamentado su muerte encontramos nombres tan dispares como los de Pablo Iglesias («El hip hop que hoy podemos escuchar aquí, no sería posible sin Jotamayúscula»), Los Chikos del Maíz (Nega afirma saberse de memoria ‘Madrid Zona Bruta’ mejor que sus propios discos), o incluso músicos procedentes del indie como Pepo Márquez y periodistas televisivos como «Gonzo», y especializados, como Diego Manrique. Haze ha dejado uno de los mensajes más sentidos: «Llevo 15 minutos llorando. No era mi hermano, ni mi amigo ni siquiera un conocido. Sin embargo, estuvo en los duros inicios, en la raíz, en el origen del hip hop español. Ha muerto Jota Mayúscula, presentador durante décadas de El Rimadero… ¡¡¡LOCOOOO!!! DESCANSA EN PAZ».



DORA supera una ruptura en la pista de baile en ‘Oxena’

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DORA, a la que en breve dejaremos de conocer como hija de Bimba Bosé y Diego Postigo, ha sorprendido en su media docena de singles publicados hasta la fecha, dada su considerable variedad de registros, lo que incluye canciones de las que alternan guitarra acústica y electrónica como su gran éxito de momento ‘Call Me Back‘, temas más bailables como ‘Stay’ y ese neo-bolero cuyo vídeo dirigía Paco León, ‘Ojos de serpiente‘.

El nuevo single que publica esta noche es un paso más. Se llama ‘Oxena’, como la persona a quien se dirige esta canción post-ruptura, y se divide claramente en dos mitades: una primera que supone un lamento («¿Sabes qué pasa? / Siempre lo doy todo por quien no lo merece / Y al final me rompo»); y una segunda que «rompe» con eso sobre una base más UK Garage o drum&bass, sobre la que repite una y otra «estoy mejor sin ti», hasta el punto de que este podría ser el título de la canción. Una producción avanzada que también ha construido junto a su mano derecha Pional y que podríamos emparentar con Jamie xx, Flume o también la primera Najwa (la de ‘That Cyclone‘, ¿nadie la recuerda?), si no fuera por la peculiaridad de las dos partes.

En breve publicaremos una entrevista con DORA realizada este jueves vía Zoom, en la que la artista nos habla de su carrera y ambiciones, pasando también por otros temas, sus influencias o la película que protagonizará de la mano de Paco León. Sobre ‘Oxena’ nos ha explicado: «Al principio era una balada, y la primera parte es la que he hecho yo sola en mi cuarto. Es uno de los últimos temas que escribí, en pleno confinamiento. En principio ese era el tema, pero un día estábamos en el estudio y Pional se puso a jugar, salió la parte más garage, y dijimos: «vamos a cambiar todo el tema, vamos a hacerlo a saco»».

Continúa: «Tiene un punto como sin explotar, hasta que llega la segunda parte. Se está conteniendo y luego hay un punto en que explota. El vídeo es como un trip, es como muy surrealista, es ambiente de club. Es sobre algo que llevas dentro mucho tiempo, que tiene que salir y ya explota». Efectivamente, el vídeo realizado por su tío Gorka Postigo que se estrena a lo largo de este viernes se sitúa en una discoteca, un escenario en el que liberar los fantasmas de dicha relación fallida. El exnovio, por cierto, ha dado su consentimiento para aparecer en el nombre del tema: «Hay buen rollo, es su nombre. Le escribí para preguntarle, en plan: «¿no te importa?». Pero se lo tomó muy bien, le hizo mucha gracia».

No obstante, DORA quiere que el mensaje de ‘Oxena’ sea mucho más universal: «El tema que saqué antes, ‘Hoy’, también era sobre una ruptura. Pero esto está llevado a otro sitio, se puede interpretar de varias maneras, cualquier otra persona se puede identificar. «Estoy mejor sin ti» puede ser un mensaje para muchas cosas. A cualquier cosa en la vida que no te venga bien le puedes decir: «estoy mejor sin ti, déjame en paz»». Publicaremos la entrevista completa en breve.

Lo mejor del mes:

Lo nuevo de James Blake, Annie, Matt Berninger, Omar Montes…

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Esta noche se han publicado discos de artistas como Marilyn Manson, Everything Everything, Doves, el productor Paul Epworth y Flaming Lips, este incluyendo su corte con Kacey Musgraves (el de Will Butler sale finalmente el día 25). También hay nuevas canciones de DORA, Sia con David Guetta o La Habitación Roja que sumamos en nuestra playlist “Ready for the Weekend” a los temas que hemos ido conociendo de New Order, Gorillaz con Robert Smith, Mala Rodríguez y Janelle Monáe durante la semana.

Pero también tenemos ya nuevos temas de Django Django, Maga, Matt Berninger, Bob Mould, Gabriel Garzón-Montano, Sean Nicholas Savage, of Monsters and Men o Stats, que es el guitarrista de Dua Lipa y La Roux en directo. Carly Rae Jepsen es la artista invitada del delicado tema de mxmtoon, que además ha sacado un corte llamado ‘bon iver’, tal cual. David de La M.O.D.A. continúa con su proyecto experimental nostalgia.en.los.autobuses.

Entre las novedades que nos deja el mainstream encontramos lo nuevo de Mr Eazi con Major Lazer y Nicki Minaj, Marshmello con Demi Lovato, Daddy Yankee con Anuel AA (llamados a petarlo con ‘Don Don’), Omar Montes con Rvfv, Usher, el baladón adulterado de Danna Paola con MIKA o Alicia Keys. Entre las curiosidades, James Blake versiona a Frank Ocean, y temas de Rhye, beabadoobee, MICHELLE con Arlo Parks y Dizzee Rascal. También hay remixes de Róisín Murphy, Kylie y los de Dua Lipa se lanzan también por separado. Aunque para curiosidades, inéditos de Tom Petty y Joni Mitchell para sus futuras cajas y un tema de un EP punk que Beastie Boys sacaron en los 90.

El pop español nos deja canciones de Chef Creador y Malamute, Alexanderplatz, Monterrosa y Miqui Brightside, La Habitación Roja, Maria Rodés, Cosmen, Mediapunta, Paula Cendejas, Caravan Trip con MuéveloReina (va sobre mascarillas, en concreto de quitarse todo), Fon Román con Coque Malla y Yung Beef.

Completamos la playlist de momento con canciones nuevas de Slow Pulp, King Hannah, Sylvan Esso, Mint Field, This Is the Kit, Eartheater, Asha Imuno, Omar Apollo y Action Bronson. Good Sad Happy Bad es el nuevo proyecto de Micachu & the Shapes. No olvides dejarnos en la sección de comentarios qué canciones te parece qué faltan o cuáles te gustaría ver reseñadas en nuestra web.

20 años de ‘Overload’, el debut de una disruptiva máquina de hits llamada Sugababes

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El 11 de septiembre de 2001 dos aviones de pasajeros impactaban sobre las Torres Gemelas de Nueva York, en un ataque terrorista simbólico sin precedentes en el mundo occidental, cambiando para siempre la realidad de varias generaciones. Justo un año antes, todo era diferente. Aliviado el planeta al contemplar que el Efecto 2000 no había sido para tanto, todo era más plácido. O, mejor dicho, solo lo parecía: en España, ETA recrudecía sus asesinatos en supuesta defensa de la independencia de Euskadi; en USA, Clinton se preparaba para culminar sus dos mandatos dejando la presidencia del país en manos de George W. Bush; el petróleo vivía una escalada de precios descomunal; el euro se depreciaba por la subida de tipos del Banco Europeo; se estrenaba el primer capítulo de Dora, La Exploradora… Y ese cambio de siglo también trajo cambios en la música: Radiohead cambiaban el devenir del rock con ‘Kid A’, Madonna el del pop con ‘Music’, Coldplay debutaban a lo grande con ‘Parachutes’, se separaban The Smashing Pumpkins, se consolidaban los fenómenos comerciales de Britney Spears y Christina Aguilera… y, precisamente hace hoy 20 años, se publicaba ‘Overload’, primer single de una máquina de hits enmascarada tras tres casi niñas bajo el nombre de Sugababes.

Los artistas y discos citados en el párrafo no están escogidos a vuelapluma, sino que nos ayudan a plasmar cuál era el «estado del pop» en la época: el grunge había sido asimilado y deglutido por la industria hasta no quedar nada (o reconvertirse al metal, de fans siempre fieles), el rock estaba mutando a espacios más eclécticos (Coldplay) y experimentales (Radiohead), y el pop se nutría del nuevo auge del R&B y el soul adoptado por artistas blancos, mientras que Madonna mostraba una vía audaz en la que lo electrónico y lo orgánico iban de la mano, claro anticipo de la fusión de estilos que ha predominado en lo que llevamos de milenio. Y en Reino Unido, el resacón sin vuelta atrás del britpop había devuelto el cetro de los éxitos a grupos pop como S Club 7 –o lo que quedaba de alguno de ellos, con Robbie Williams triunfando al margen de Take That– o girl groups como All Saints. Precisamente el creador de estas, Ron Tom, fue el hombre que también propició el germen del jovencísimo trío.

Tom había fichado para su agencia a unas talentosas chicas de apenas 12 años, Siobhán Donaghy y Mutya Buena. En principio la idea era lanzarlas como solistas, pero un día en 1998 coincidieron en el estudio, se entendieron bien y comenzaron a escribir (sí, escribían sus letras: toda una anomalía) sus canciones sobre bases del propio Ron Tom o de Cameron McVey y Paul Simm, tándem conocido por sus éxitos para las mentadas All Saints y Neneh Cherry (recordemos que el primero era pareja de Cherry por entonces, padre además de la ahora estelar Mabel). A esas sesiones se sumó Keisha Buchanan, una amiga de la infancia de Buena, y la química de las tres convenció al mánager y también al sello London Records, que inmediatamente acordó con ellos la publicación de su álbum debut. Tras dos años de trabajo, ‘One Touch’ veía la luz a finales de noviembre de 2000, precedido por el citado single con el que debutaba. El impacto de ‘Overload’ y Sugababes fue considerable de primeras. Y no tanto porque las tres jóvenes apenas tuvieran en la fecha en torno a quince años, sino también por la mezcla racial, reflejo de una realidad de la sociedad británica que raramente, por entonces, era mostrada tal cual en la industria del entretenimiento. Tampoco eran arquetipos de belleza al uso, sino chicas normales, de aparente autenticidad, lo cual aportaba credibilidad al proyecto. Y, sobre todo, mostraban una propuesta nueva y fresca para el pop del nuevo milenio.

‘Overload’ era el epítome de lo que contenía ‘One Touch’: soul, R&B, hip hop, funk ejecutados con una premisa claramente minimalista y contundente, limpia pero rotunda. En este caso, una base formada por una batería funky muy vigorosa y realista –sólo el hi-hat que irrumpía tras el primer verso suena a caja de ritmos–, y un bajo de extraordinario músculo que constituye el leit motif básico de la canción. Una base en la que, pese a los constantes overdubs, scratches y efectos fantasmales, primaba la naturalidad, y en la que los instrumentos tradicionales dominaban sobre los electrónicos (una evidente conexión con el ya citado ‘Music’). Mención aparte merecen las guitarras eléctricas –solo surf-rock incluido– y unos tímidos arreglos de metales que aludían a clásicos de la música negra, en una suerte de precedente de la relevancia de Amy Winehouse un lustro después. Y no es caprichoso decir esto, porque Paul Simm participó con su colega Felix Howard en la grabación de algunas canciones relegadas a caras B (la versión de ‘Someone to Watch Over Me’ de los Gershwin y ‘Close to the Front’, principalmente) de las sesiones de ‘Frank’ y ‘Back to Black’. Y su influencia fue incluso más allá: en ‘Stripped’ de Christina Aguilera, publicado dos años después, se incluía ‘Make Over’, un tema firmado por ella y Linda Perry que, entre arreglos folclóricos y giros «grungy», tenía una melodía que de manera muy obvia bebe de ‘Overload’. Incluso, en un verso, tiene el morrazo de cantar el título de esa canción. Dos años después, la sociedad de autores estadounidense ASCAP reconocía créditos en esta canción a los autores del tema de Sugababes, reflejándose en nuevas tiradas de ‘Stripped’.

Volviendo a ‘Overload’, por supuesto que esa base no sería casi nada sin una melodía excelente, cautivadora desde el primer instante. Sencilla, pero tampoco facilona. Donaghy arranca cantando en solitario ese tuétano musical, sumándose a ella Buchanan y Buena en el fabuloso estribillo. La última se adueñaba del curioso puente dubstep, que acentuaba la absoluta contemporaneidad de la propuesta, mientras que Keisha se luce en los contrapuntos finales. La letra, evidentemente, no podía tratar de otra cosa que no fuera los picores erótico-sentimentales con algún mozuelo –más bien chav– del popular y multiétnico Noroeste de Londres del que provenían Mutya y Keisha. Pero no dejaba de sorprender cierta madurez en sus textos, bastante alejada de la inocencia impostada por Britney en ‘Oops!…I Did It Again‘. Aquellas niñas, sabían que saltarse las clases por su crush estaba abocado al desastre, como bien expresa, con un punto tragicómico, el gancho principal: «El tren viene y ya sé cuál es su destino: es un viaje solo de ida a una situación demencial». La tesitura de clásico de ‘Overload’, marcando distancias con «rivales» como Atomic Kitten (mucho más esclavas de las tendencias de mercado), quedaba también demostrada en esta rara versión acústica en televisión, con arreglos de jazz-folk psicodélico propios de Terry Callier o el maldito Sixto Rodriguez.

‘Overload’ no sólo fue su primer single sino también el primer top 10 en la lista de singles británica de los 18 que han conseguido Sugababes en toda su trayectoria. Tenía madera de número 1 y no lo fue: se quedó en el 6, posición que sin embargo superó en Alemania, Grecia, Austria. Pero la crítica la ha celebrado incluso más positivamente: no solo optó al BRIT a mejor single de aquel año, sino que publicaciones como NME y Pitchfork la han destacado en resúmenes de la música más importante de los últimos 20 años. El resto de buenos (aunque no tan fulgurantes) singles de ‘One Touch’ –’New Year‘, ‘Run for Cover‘ y ‘Soul Sound‘– estuvieron aun más lejos de coronar las listas, pero no fue un flop ni mucho menos. Al contrario, su comportamiento fue más bien el de un sleeper, probablemente gracias a que es un gran disco lleno de temas tan espectaculares como ‘Look at me’ o ‘One Foot In’, en los que se mezclan sonidos orgánicos y atemporales con guiños a estilos rabiosamente modernos entonces como el UK garage o el drum n bass. Fue subiendo muy poco a poco en la lista de álbumes, hasta alcanzar el puesto 26 en la primavera de 2001 y ser certificado disco de oro en UK. En todo caso, este debut era un anticipo de lo que se confirmaría en años posteriores como una auténtica máquina de hits: ningún otro grupo femenino desde Spice Girls había logrado seis números 1 de singles en su país –’Freak Like Me’ sería el primero y ‘About You Now’ el último–, y alcanzaron un hito que se le había escapado incluso a las Chicas Picantes: coronar simultáneamente la lista de singles (con ‘Push the Button’), álbumes (‘Taller In More Ways’), airplay y descargas durante una semana de 2005.

En todo caso, esa brillante carrera en números ha estado acompañada de cierta controversia, con una formación repleta de cambios hasta extremos delirantes. Tratando de resumir mucho, todo comenzó poco después de su debut cuando, en mitad de un entrevista promocional en Japón, Siobhán decidió abandonar no solo la charla con el periodista sino también el grupo (años después negaría, eso sí, haberlo hecho saliendo por la ventana de un cuarto de baño). Tiempo después, al emprender su trayectoria en solitario, aseveraba que casi desde un primer momento se sintió completamente desplazada por la amistad de las dos chicas de barrio, Mutya y Keisha, llegando a acusar de manera explícita a la última de ser una bully. Donaghy sería inmediatamente sustituida por Heidi Range, un descarte de Atomic Kitten con pinta de pija y que se alejaba de la primigenia imagen de normalidad del trío. Poco importaba, puesto que esa era devino en la de mayores éxitos del grupo con el estupendo ‘Angels with Dirty Faces’ (2002) y el más regulero ‘Three’ (2003)… hasta que fue Mutya la que emprendió las de Villadiego, primero aduciendo una enfermedad y luego el nacimiento de su primera hija.

Amelle Berrabah ocupaba su sitio a instancias del management, dejando a Keisha como la única miembro original de Sugababes. Tres discos más –el mentado ‘Taller In More Ways’, ‘Change‘ (2007) y ‘Catfights and Spotlights’ (2008)–, con el celebrado recopilatorio ‘Overloaded‘ –no podía llamarse de otra forma– entre medias, fue lo que resistiría en el proyecto Buchanan. Tras nuevas quejas de acoso por parte de Berrabah y un amago de espantá de esta, era Keisha quien se marchaba, ante el pragmatismo del equipo que dirigía la franquicia: resultaba más fácil dar con un nuevo miembro –sería Jade Ewen, concursante de Eurovisión 2009– que dos teóricas «víctimas» para la miembro original. Esta, hace muy poco, daba una nueva visión del asunto, defendiéndose y denunciando que, aunque no supo verlo en su momento, aquello fue una estratagema que denota el «racismo sistémico de la industria musical».

Todo este folletín continuaría, con la paradoja de que, mientras las «nuevas» Sugababes languidecían promocionando un mediocre ‘Sweet 7‘ (2010) que supondría el fin definitivo de la franquicia, las «viejas» limaban sus asperezas para reunirse, ilusionadas, y grabar un nuevo álbum bajo el nombre de Mutya Keisha Siobhan o MKS. ¿Pensáis que la loca historia de esta anómala franquicia podría concluir así, con un final medio feliz? Ni modo: tras adelantar oficialmente en 2012 el single ‘Flatline‘ y mostrar ‘Boys‘, el disco ‘The Sacred Three’ se filtraba y las chicas decidían no publicarlo y seguir trabajando en otro, mientras en paralelo seguían pugnando en los tribunales por recuperar la marca original. Las últimas noticias en ese sentido parecían esperanzadoras: el año pasado, tras reaparecer con una versión orquestal de ‘Flowers’ junto a DJ Spoony, Buena confirmaba que querían celebrar este 20º aniversario que hoy nos ocupa con nueva música y una gira. Pero sorpresa: algo ha fallado y seguimos sin saber nada. Pocos proyectos en la historia del pop pueden presumir de tantos éxitos como vaivenes como esta anomalía conocida como Sugababes.

Pablo Alborán denuncia el sospechoso parecido de un single turco al de su éxito ‘No vaya a ser’

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Pablo Alborán sigue trabajando en su nuevo disco -ese que anunció en el vídeo de su salida del armario así como quien no quiere la cosa- y mientras ha acudido a Twitter para mostrar su sorpresa ante el nuevo single del cantante turco Erkan Erzurumlu.

El tema se llama ‘Kalbin Nereli’ («¿dónde está tu corazón?»), es el único editado por Erzurumlu hasta la fecha al menos hasta donde puede verse en Spotify, ha sido publicado oficialmente por la rama turca de Sony Music… y guarda un parecido harto sospechoso con el single de Pablo Alborán de 2017, ‘No vaya a ser’. Melodía, ritmo, instrumentación… ambas canciones son prácticamente iguales. Apenas el idioma las separa de ser la misma canción. El supuesto plagio puede parecer una casualidad hasta que descubres que las portadas de ‘No vaya a ser’ y ‘Kalbin Nereli’ también son prácticamente la misma: mismo fondo, mismo vestuario, misma fuente. El videoclip, también muy parecido, incluye la presencia de una mujer que muestra alegremente un abanico de España, momento en que te das cuenta que la copia ha debido ser a propósito.

Las palabras de Pablo Alborán ante la descarada copia han sido «no tengo palabras», seguidas de un emoji de enfado. Se desconoce si el cantante malagueño tomará medidas legales -como sus fans le están sugiriendo- para defender sus derechos como autor o preferirá adoptar la filosofía de su amiga Pastora Soler, que a su tuit de denuncia ha contestado alegremente: «Oooooooh! Muy fuerte!!!! 🤭 Besitos grandes!» Otro que ha opinado sobre la copia ha sido Cepeda: «Ni el tono le ha cambiado», ha escrito. Lamentablemente, el videoclip de Erkan Erzurumlu ha sido eliminado de Youtube sospechosamente muy poco después de la polémica provocada por el tuit de Alborán, pero la canción sigue estando disponible en Spotify para quien quiera realizar la comparación pertinente. ¿Habrá tenido Alborán algo que ver con la desaparición del vídeo de Youtube? ¿Quizá su sello, Warner Music, ha tomado medidas después del revuelo visto en redes?

De haber copiado ‘No vaya a ser’ Erkan Erzurumlu, el cantante puede decirse que ha sido hasta valiente, pues el primer single de ‘Prometo‘, compuesto exclusivamente por Alborán y producido exclusivamente por Julio Reyes, no es desconocido precisamente para el público de habla hispana: con casi 100 millones de reproducciones en Spotify es uno de los mayores éxitos de la carrera de Pablo Alborán y en España ha sido top 9 en la lista oficial de singles y ha sido certificado como doble platino.

Bruce Springsteen anuncia su disco número 20, ‘Letter to You’, y comparte el tema titular

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Bruce Springsteen ha anunciado nuevo álbum de estudio grabado junto a su mítica E Street Band. ‘Letter to You’ sale el 23 de octubre, ha sido producido por el propio Bruce junto a Ron Aniello y se compone de 12 pistas, 3 de las cuales han sido recuperadas de su repertorio de los años 70 y después regrabadas. Estas son ‘Janey Needs a Shooter’ (1978), ‘If I Was the Priest’ (1972) y ‘Song for Orphans’ (1972). La segunda es considerada por fans del Boss una de las canciones más importantes de su carrera a pesar de nunca haber sido editada, ya que con ella el artista consiguió ser fichado en Columbia después de presentar dicha composición a uno de los ejecutivos del sello.

Explica la nota de prensa: «Grabado en el propio estudio de Springsteen en Nueva Jersey (con su productor y buen amigo Ron Aniello), mezclado por Bob Clearmountain (The Rolling Stones, Bon Jovi) y masterizado por Bob Ludwig (Led Zeppelin, Queen), ‘Letter to you’ es un álbum de puro y auténtico rock, con el mítico sonido orgánico y directo característico de la banda de su vida. Banda fiel, en la que militan su pareja Patti Scialfa y Nils Lofgren (Crazy Horse), entre otros». El mismo Boss añade: «Me encanta el disco, estoy feliz por cómo ha quedado la parte emocional impresa en él. Lo grabamos en sólo cinco días y resultó ser una de las mejores experiencias de grabación que he tenido en mi carrera. El sonido de la E Street Band tocando en mi estudio completamente en vivo y sin re-grabaciones es espectacular, algo que nunca antes habíamos hecho».

Precisamente a Bruce y a su banda tocando en directo es lo que muestra el videoclip del primer adelanto de ‘Letter to You’, el tema titular. Se trata de un corte esperanzado en el que Bruce canta sobre haber mandado a alguien una carta en la que ha plasmado todo lo malo y lo bueno que se le ha pasado por la cabeza: «en la carta que te me ha mandado he expresado todos mis miedos y mis dudas, todas las cosas duras que he descubierto, y todo aquello en lo que he visto la verdad», canta, para después añadir: «he plasmado toda la luz del sol y toda la lluvia, toda mi felicidad y todo mi dolor, las oscuras estrellas de la noche y el cielo azul de la mañana».

Aunque la discografía de Bruce es dilatada y abarca ya 19 discos, sin contar sus 6 álbumes en directo editados -‘Letter to You’ será el vigésimo nada menos-, quizá no esperábamos un nuevo trabajo por su parte tan poco después del lanzamiento del último, ‘Western Stars‘, que salió el pasado verano y fue un éxito rotundo de público y crítica.

Así queda el tracklist de ‘Letter to You’:

01 One Minute You’re Here
02 Letter to You
03 Burnin Train
04 Janey Needs a Shooter
05 Last Man Standing
06 The Power of Prayer
07 House of a Thousand Guitars
08 Rainmaker
09 If I Was the Priest
10 Ghosts
11 Song For Orphans
12 I’ll See You in My Dreams

Marilyn Manson / WE ARE CHAOS

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Marilyn Manson ha presentado su nuevo disco con un single que, aleluya, apetece ponerse en bucle: el baladón ‘WE ARE CHAOS‘ es uno de los temas más pop que ha compuesto jamás, y también uno de los más bonitos. La marca de David Bowie, gran ídolo de toda la vida de Brian Warner, se nota especialmente en las estrofas, pero luego la canción se crece en un estribillo cantado a coro («estamos enfermos y jodidos y somos complicados») que, en su heroico tramo final, llega a poner los pelos de punta.

‘WE ARE CHAOS’, el single, también es un pequeño engaño, pues el nuevo álbum de Marilyn Manson no profundiza en sus influencias glam a pesar de que Brian Warner y su productor Shooter Jennings escucharon un montón de música de este estilo durante la composición del disco: Shooter le pasaba a Warner música de T.Rex o de los Kinks, él sus elepés favoritos de Bowie, ‘Diamond Dogs’ y ‘Scary Monsters’, o ‘Welcome to My Nightmare’ de Alice Copper. Como ‘Diamond Dogs’, el sucesor de ‘Heaven Upside Down‘ se abre con un interludio recitado y enturbiado por un efecto robótico, pero lo que sigue después es un corte de rock duro de Marilyn Manson más. Tiene tan poco misterio como su poema de apertura, en el que Warner interpreta a una abeja que «destruirá todas las flores» y «cubrirá la tierra de miel» para que «todo el mundo se coma a sí mismo». Es el mismo escenario apocalíptico, marcado por el dilema entre el bien y el mal, que ha preocupado a Warner durante toda su carrera. «Mis ojos son espejos: solo veo dioses a la derecha y demonios a la izquierda», concluye el artista, para más señas.

Warner, ya el único integrante original de Marilyn Manson que queda dentro de la formación, compuesta a su vez por el guitarrista Paul Wiley, el bajista Juan Alderete y el batería Brandon Pertzborn, explica que su propósito con ‘WE ARE CHAOS’ ha sido precisamente distanciarse de todos los temas que han solido atormentarle, como la política o la religión: «el disco trata más sobre cómo puedo yo conectar con el resto del mundo tanto emocional como mentalmente: es un disco conceptual que cuenta una historia que va a ser diferente para cada persona». Si ‘WE ARE CHAOS’ presenta un concepto, es el de un hombre que guarda una visión tremendamente pesimista del mundo, hasta el punto que muchos cortes del álbum hablan de la muerte de una manera cercana. El siguiente single del disco de hecho se titula ‘DON’T CHASE THE DEAD’, es uno de los destacados por su furiosa energía y -en este caso sí- sonidos inspirados en la época berlinesa de Bowie, y su estribillo clama «no persigas a los muertos» para inmediatamente añadir: «o los muertos te perseguirán a ti». La inminencia de la muerte es mentada en’INFINITE DARKNESS’, título también de la pintura que se ha usado como portada del álbum, obra del propio Warner. En este rabioso tema que evoca a la época ‘Antichrist Superstar’, Warner señala que «solo porque seas famoso no significa que valgas algo en este mundo o en el siguiente» para después sentenciar: «alguien va a morir pronto, no te metas en medio, tú no eres el héroe».

A partir de este pesimismo, ‘WE ARE CHAOS’ es un trabajo eminentemente oscuro, probablemente el más oscuro de Marilyn Manson desde el vampírico ‘EAT ME, DRINK ME’. Es un poco gótico el corte ‘SOLVE COAGULA’, que con sus atmósferas desoladas y abatidas, expresa el que puede ser el mensaje último de todo el disco: «no soy especial, simplemente estoy roto y no quiero que nadie me arregle». En el mismo tema, Manson canta que no existe «nadie a que quiera parecerse» y que por eso «ha seguido siendo el mismo», y en el blues-rock de ‘KEEP MY HEAD TOGETHER’, el artista directamente canta: «no intentes cambiar a nadie, terminarás cambiándote a ti mismo» para después soltar una frase gráfica de las suyas: «como cristal y escupo diamantes». Y en un estilo más cercano a la «torch song», ‘HALFWAY & ONE STEP FORWARD’ parece situar al oyente directamente en un funeral para ofrecer una triste reflexión sobre la vida, que «trata sobre cuánta gente llora cuando mueres, no sobre el torrente de lágrimas que echas cuando estás vivo».

Dicho esto, ¿en qué posición colocar ‘WE ARE CHAOS’ en de la discografía de Marilyn Manson? Las canciones vuelven a no ser las más inspiradas de su carrera reciente, y para muestra una ‘PERFUME’ que no pasa de imitar los típicos clichés del rock’n roll sin nada realmente interesante que ofrecer. En general, musicalmente no existe riesgo de ningún tipo en estas composiciones, ni aparentemente un solo ápice por crear algo que se salga de la norma de lo que ha sido la última etapa de la banda. Buenas canciones como ‘WE ARE CHAOS’, ‘DON’T CHASE THE DEAD’, ‘KEEP MY HEAD TOGETHER’ o ‘PAINT YOU WITH MY LOVE’, la más clásica de las baladas, casi Motown, son alternadas con otras que pasarán a ser olvidadas la semana que viene, como «HALFWAY» o ‘BROKEN NEEDLE’. Ya sin grandes conceptos a la vista ni interés por explorar nuevos lugares musicales, Marilyn Manson vuelve con un trabajo que al menos destaca por su personal y oscuro mensaje y por unas estupendas letras llenas de pensadas metáforas que vuelven a estar bastante por encima de la media.

Calificación: 6,9/10
Lo mejor: ‘WE ARE CHAOS’, ‘DON’T CHASE THE DEAD’, ‘PAINT YOU WITH MY LOVE’
Te gustará si te gusta: la etapa reciente de Marilyn Manson tanto como la primera
Youtube: vídeo de ‘WE AR CHAOS’

Niño de Elche, Maria Arnal y Chenta Tsai revelarán sus nuevos proyectos en Sónar 2020

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Sónar ha dado con una manera de poder celebrar algo de alguna manera, pese a la pandemia que vivimos en todo el mundo. En tan sólo unos días, el 18 y el 19 de septiembre, entre las 10.30 de la mañana y las 2 de la madrugada se podrán seguir vía streaming varias actuaciones y ponencias de manera gratuita y a través de dos canales de streaming. Será a través de a través de www.sonar.es y www.sonarplusd.com.

También habrá actividades presenciales en vivo, con aforos limitados, en el CCCB de Barcelona. Las sesiones de DJ desde la Torre d’Alta Mar podrán seguirse únicamente online de 12:00h del mediodía hasta la medianoche: en este caso será una selección de artistas de la escena local. Un total de 140 artistas y ponentes participan en más de 70 actividades entre conciertos, debates, Dj sets, workshops, exposiciones y nuevos formatos como vídeo cápsulas producidas expresamente para el festival por numerosos artistas.

Arca ofrecerá en el Teatre del CCCB un dj set especial que será su primera actuación tras el confinamiento. En el mismo lugar se podrá ver a Maria Arnal i Marcel Bagés presentar su nuevo álbum en formato showcase (cosa que iban a hacer en el Sónar original que iba a celebrarse a finales de esta primavera, como recordamos). Laurel Halo actuará desde Berlín, Daito Manabe lo hará desde Tokio y Nicola Cruz desde Quito, mientras Max Cooper presentará «Max Cooper Live AV show», un show audiovisual exclusivo. desde Kings Place Studios de Londres.

Desde Madrid podremos ver a Niño de Elche, que presentará en vivo la pieza “Segunda diferencia: Oraciones del siglo XXI”, avance de su próximo trabajo; también a Ms Nina ya Chenta Tsai presentando un proyecto audiovisual inédito. Este está inspirado «en una colección de historias sobrenaturales escrita por el poeta y erudito de la dinastía Qing ‘Yuan Mei’ (袁枚, 1716-1798). Su performance se compone de sonidos, imágenes y espacios que han sido significativos para Chenta Tsai a la hora de reconectar con sus raíces como persona racializada migrante asiática disidente sexual».

En otros lugares actuarán John Talabot con Desilence, Morad en representación del trap más rompedor, entre muchos otros que podéis consultar en la web. Por su parte, las conferencias seguirán 5 ejes temáticos: el tema principal será la ciencia y su enfoque transdisciplinar en los campos de la bioacústica, la neurociencia, el biohacking y el cambio climático. Los otros cuatro ejes se centran en la robótica y su interacción con entes vivos, los avances en tecnología inmersiva e hiperrealidad, la inteligencia artificial y su papel en las economías de la creatividad y los nuevos interfaces y herramientas para la creación musical y audiovisual.

«Éramos tan felices que dábamos puto asco» puede ser el hit de Chef Creador

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Chef Creador es el dúo formado por Isra y Fran, dos salmantinos a medio camino entre Madrid y su ciudad de origen, que ya habían publicado en 2015 un álbum llamado ‘Nuevos jardines’, donde incluyeron el sencillo ‘Nuevos jardines versallescos’ y una colaboración con Joaquín Pascual; y en 2017 el EP ‘Sucesos extraños’, con temas cuyo título dicen mucho de Chef Creador, como ‘Winona Forever’ y ‘Cómo matar a un zombie’, este último con un punto épico y planetero que parecen haber perdido en los últimos tiempos.

Recientemente han fichado por Intromúsica, hogar de Dorian o Chucho, y han venido publicando una serie de canciones sueltas, como ha sido el caso de ‘Tus putos emojis’ y ‘Alien 3’. Si ‘El poder mágico del ritmo’ llegó a contar con un poderoso «2020k Remix» que les acerca a los territorios de New Order, lo suyo es en verdad el indie noventero, con un punto punk-pop como el exhibido en la mencionada ‘Alien 3’. Y la canción que publican esta medianoche y estrenamos en JENESAISPOP puede ayudarles a dar un salto. Es hoy nuestra «Canción del Día».

‘Tan Felices’, que cuenta con la colaboración de Diego e Irene de Malamute a las voces y coros y Juan Pedrayes de Carolina Durante a la batería, es «una canción que habla sobre la amistad, sobre la nostalgia y sobre cómo las redes sociales han cambiado la forma de relacionarnos con nuestros recuerdos». El tema parte de una de esas alertas de Facebook que te sitúan en una fiesta de hace 10 años, con gente que ya ni recordabas, ante lo que concluyen que «el algoritmo no tiene sentimientos».

Carlos Hernández, conocido por sus trabajos con Triángulo de Amor Bizarro, Los Planetas y media escena indie nacional, está a los mandos de esta producción tan ágil, en la que el estribillo es tan imponente como «Éramos tan felices que dábamos puto asco», si bien cierto optimismo trata de abrirse camino: «Es puto deprimente todo este momento /
pero si me haces caso, todo se vuelve bueno (…) Hoy no puedo con tanta intensidad / pero tus memes siempre calman mi ansiedad».

Por su parte, Malamute continúan su carrera ascendente desde que ficharan por Snap! Clap! Club el año pasado. El dúo de Diego e Irene ha pasado con ‘La espiral’ por nuestra playlist con lo mejor del mes (la recordarás por su anti-estribillo “sería tan guay si tuviera carisma”) y después ha publicado la también divertida ‘Todo el mundo está en Japón’: “todo el mundo está en Japón / y yo sigo aquí aburrida / ya no puedo con la vida / ¿De dónde sacan el dinero, cuando salen del agujero?”. Os recordamos que este nuevo temazo conjunto, ‘Tan felices’, aparecerá esta noche en las plataformas de streaming.

Qué tiene ‘CTRL’ para ser el gran single de comeback de M.I.A…. y qué le falta

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A primera hora de la tarde de ayer, una nueva canción de Mathangi Arulpragasam «Maya» aparecía anunciada en su muro de Facebook, como nos informaba la usuaria Slavin en el foro de M.I.A. El tema se llama ‘CTRL’ y solo se puede escuchar a través de su página web: es la misma situación exactamente que la de otro corte que ha compartido este año, ‘OHMNI 202091’, solo disponible a través de la misma web, que precisamente se llama ohmni.com, diseñada con la estética con que la cantante nos volaba la cabeza hace 15 años.

‘CTRL’ es una canción muy inmediata y llena de ganchos que podrían conformar un single potente para M.I.A. El tema apela de manera muy sonora a la «libertad de expresión» y tiene un estribillo tan poco dubitativo como «Hands up, hands down / Wake up, snap out», entre referencias al «control» que quieren ejercer sobre nosotros los demás. «Yo controlo mi propio cerebro», responde en la letra, en la que se dirige a «trolls» y «haters»: de «todo lo que dicen de mí es falso» a «¿por qué tienes que joder conmigo? / ¿solo por ser una zorra? / sí, la primera cantante femenina de la lista negra».

Con todo lo contundente que es la canción, es ella misma quien se encarga de aclarar desde el segundo cero que esto no es su single de regreso ni nada que presente su «esperado nuevo álbum». Lo bueno es que sabemos por tanto que tal álbum existe, aunque conociéndola, lo mismo podría llegar este año en cualquier momento, que al otro, o al otro. Cabe preguntarse si M.I.A. puede tener bajo la manga una canción tan inmediata como ‘CTRL’, pero también es posible que para presentar el sucesor de ‘AIM‘, después de 4 años, lo haga con algo más ambicioso, menos predecible, menos machacón, pues las críticas a este álbum fueron regulares.

Al margen de lo que nos aguarde el futuro, M.I.A. sí ha presentado un single en las plataformas de streaming este verano. Se ha tratado de ‘Up Inna’, una canción colaborativa con Cadenza y GuiltyBeaz que ha aparecido junto a una sucesión de remixes. Apta para seguidores del sonido clásico de Maya, la canción parece haber pasado algo desapercibida, quizá dado su carácter casi instrumental. Guilty Beatz dijo sobre la colaboración: «Cadenza y yo hemos estado trabajando juntos bastante tiempo, pero en esta ocasión queríamos utilizar sonidos más energéticos, así que nos inspiramos en la música de Sudáfrica, en Jamaica y con un toque de Ghana. Es un género de música raro, con afro-house y dancehall».

M.I.A. también generó cierta polémica en redes el pasado mes de marzo, justo los tiempos en que comenzaban los tiempos duros de confinamiento, por declararse en plena pandemia contraria a las vacunas. La cantante proclamaba: «si tengo que escoger entre la vacuna o el chip prefiero la muerte». Y después afirmaba que no poder decidir si vacunar a su hijo o no era «lo más duro» que había vivido. «No quiero sentir eso otra vez. Estuvo enfermo durante tres semanas porque los médicos le tuvieron que atiborrar de antibióticos para aliviar la fiebre que le provocaron tres vacunas». La cantante fue tildada de «irresponsable».

Adiós a Ronald Bell de Kool & The Gang, co-autor de ‘Celebration’ y multitud de top 10

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Ronald Bell, también conocido como «Khalis» (a la derecha en la foto), ha fallecido a los 68 años según ha informado su portavoz, y sin que se conozcan las causas de la muerte, pero sí que se ha producido de manera «repentina» mientras estaba en su casa junto a su esposa Tia Sinclair Bell.

Ronald fue co-autor de muchos de los hits de Kool & The Gang, pues fue co-fundador de la banda, la mayoría editados entre la segunda mitad de los años 70 y la primera de los años 80. Entre ellos hay que destacar la estupenda ‘Celebration’, que fue número 1 en Estados Unidos, pero también muchísimos otros top 10 de Kool & The Gang en las listas de pop de la época, como ‘Get Down on It’ en 1981, ‘Ladies’ Night’ en 1979 o a mediados de los 70 ‘Jungle Boogie’ (utilizada en ‘Pulp Fiction’), ‘Summer Madness’ (usada en ‘Rocky’) y ‘Hollywood Swinging’. Esta última sirvió de inspiración para el mismísimo Nile Rodgers, como reconoció en su momento el co-líder de Chic.

Kool & The Gang han permanecido más o menos en activo hasta nuestros días, y Ronald ha seguido en el grupo, lo mismo que su hermano y co-fundador Robert «Kool» Bell. Su último álbum de estudio fue ‘Kool for the Holidays’ (2013). Inspirados por el jazz («John Coltrane era su Dios», como se recuerda en el amplio obituario de U Discover Music), se convirtieron en una influencia fundamental para los seguidores del funk y el R&B más pop de la década de los 70.

Mala Rodríguez y Nyno Vargas ya son top 1 en Youtube España con ‘Toto’

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Como había dejado caer hace unos días en Instagram, Mala Rodríguez tiene un tema nuevo con Nyno Vargas llamado ‘Toto’ que se ha dado a conocer en la tarde de este miércoles. No, Bad Gyal no tiene el monopolio de esta palabra. En este caso se trata del retrato de una infidelidad («esta noche vamos a beber (…) solo será por una vez»), con la rima del «toto» de ella con lo «loco» que él se va a volver si no consuma pronto. El tema, producido por SBR, es de corte reggaetón uptempo, con fraseos de la escuela de Daddy Yankee. Además, ‘Toto’ se publica al mismo tiempo que se ha estrenado su vídeo, entre motos, discotecas y coreografías. Fue rodado en agosto y cuenta con la participación de Yiya, compañera de Nyno en la última edición de ‘Supervivientes’. Ha sido realizado por Mario Ruiz y producido por Krea Films. La canción se ha situado directamente en el número 1 de tendencias de Youtube España.

Nyno Vargas, criado en el barrio de Las 613 en Burjassot, Valencia, es conocido por su fusión de rap, latino, reggaetón, flamenco y pop, como sucedía por ejemplo en ‘Que te perdone Dios’ en 2017. Sus álbumes ‘Dicen de mí’, ‘El efecto Nyno’ y ‘Esa historia’ han alcanzado todos el top 3 de ventas en nuestro país entre 2016 y 2018, pero su mayor hit hasta ahora ha resultado ser recientemente ‘Hola, nena’ junto a Omar Montes. Este tema ha sido top 10 en España y aún continúa en lista, a punto de lograr el doble platino, como informa Warner.

Respecto a Mala Rodríguez, este año ha publicado un álbum llamado ‘Mala’, notable a pesar de la disparidad de géneros y estilos desplegados en el mismo, y del que quedan por explotar canciones como ‘Pena’, el dúo con Cecilio G que justo acaba de rebasar el millón de reproducciones en Spotify sin haber sido single.

No dará esta canción lo que piden los fans de la Mala Rodríguez más rapera, por mucho que aquí despliegue parte de su buen hacer en la última parte; y la cantante continuará recibiendo «hate» al respecto en sus redes sociales por entregarse de lleno a lo latino. A veces incluso contesta. Sin embargo, adivinamos que el tema puede ser un éxito dado su enorme gancho y comprobado que Nyno Vargas está dispuesto a poner en esta promo toda la carne en el asador.

¿Qué te parece 'Toto' de Mala Rodríguez y Nyno Vargas?

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«10 fotos»: el retiro de Amaia y Labienque, la boda de Lily Allen, Charli XCX bailando ‘WAP’…

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Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes sociales.

Amaia, con La Bien Querida y ‘Paquita Salas’

Sabíamos que Amaia era una gran fan de La Bien Querida y que se conocían, de hecho llegaron a cantar juntas, pero parece que últimamente ambas artistas han tenido tiempo de charlar más: en una foto llamada «Convivencias de fin de semana en Fort Apache» podemos verlas junto al «guía espiritual» Álex de Lucas, que no es otro que el miembro de Parrots al que también conoces como actor de ‘Paquita Salas’. De hecho, podéis ver por ahí a Brays Efe y a Josh Hutcherson.

Mala Rodríguez baila bops

Además de publicar hoy su nuevo single ‘Toto’ junto al exitoso Nyno Vargas, Mala Rodríguez también ha tenido tiempo de bailar lo de los demás. Juramos haber visto un vídeo suyo bailando ‘Santería’, el nuevo hit de Lola Indigo, Danna Paola y Denise Rosenthal, pero por alguna razón ha desaparecido de IG. ¿Quizá abrumada por quien había entendido que había «remix» en camino, una nueva colaboración junto a su compañera en ‘Mujer bruja’? Igualmente, ha tenido a bien compartir otro vídeo donde la vemos ejercitarse con otro temita, ‘Coco’ de la revelación Elena Rose.

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No me mires así!!!!! #reels @elenaroseoficial 😘😜😜

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Charli XCX bailando ‘WAP’

En la línea, Charli XCX dándolo todo con ‘WAP’, el que continúa siendo el número 1 global ahora mismo en todo el mundo. Ante la decisión de Instagram de borrar el vídeo de Charli XCX danzando esta obra de Cardi B y Megan Thee Stallion por considerar sus movimientos demasiado calenturientos, la autora de ‘Charli’ protestaba y volvía a subirlo. Esta vez, por suerte, Instagram ha recapacitado y ha decidido mantenerlo. «Que yo sepa, no era ofensivo bailar en biquini», había protestado.

Clairo, de pequeña

Clairo es uno de esos talentos de juventud insultante que hemos conocido en los últimos años, pero hubo un día en el que fue incluso más joven. En esta instantánea recién compartida recuerda el día en que quería ser una artista, como inspirada por Britney o Hannah Montana. Arlo Parks y Flume están entre quienes han comentado, respectivamente, «no puedo explicar cuánto me gusta esto» y «ya eres una estrella».

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i want to be famous

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Menú Travis Scott

Sumándose a otros músicos que han vendido cosas curiosas, como Christina Aguilera galletas o los Jackson 5, cereales, Travis Scott ha alcanzado un acuerdo con McDonald’s. Posaba así de casual frente a un restaurante de esta cadena tras convertirse en la primera persona que tendrá un menú propio desde Michael Jordan. El menú valdrá 6 dólares, pero del precio del merchandising creado ad hoc, ya hablaríamos, si eso. Haz scroll en el link y flipa.

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Vicente Navarro con Paco Clavel

Entre los breves encuentros que cabe destacar, aunque sea mascarilla mediante, se ha producido el de dos artistas separados por generación y más aún por sus estilos. Vicente Navarro ha posado junto a Paco Clavel durante el rodaje de la nueva temporada de ‘Un país para escucharlo’ de RTVE. El programa de Ariel Rot también contará en su visita a Ciudad Real con nombres como Ricardo Fernández del Moral y Los Hermanos Cubero.

Paco León denuncia censura en Instagram

Siguiendo con la censura de Charli XCX, tenemos las vacaciones de Paco León, rumbo a batir un récord de desnudos desde aquel icónico cuando llegó a algún número de followers. El actor y director, ahora trabajando con DORA en su nueva película, se quejaba de que Instagram le hubiera vuelto a censurar una foto donde celebraba «la naturaleza, los cuerpos, la libertad». Kira Miró le apoyaba: «Es que mira que enseñar las ingles… Paco… ya te vale!!!»

Shakira se hace su propio biquini

Hablando de vacaciones, Shakira era quien conseguía ser «trending topic» varias veces durante estos días, primero por ser objeto de un macrorreportaje sobre evasión fiscal por parte de El País, y después por hacerse su propio biquini. La broma ha acumulado 5 millones de «me gusta», entre ellos los de Barei, Bea Pelea y J Balvin, para quienes opinaban que tenía algún tipo de «beef» con este. No es el caso.

Lily Allen y familia

En el episodio vacacional, finalmente hay que hablar de Lily Allen, que posaba con su pareja e hijos en Croacia… inmediatamente antes de casarse en una ceremonia oficiada por un imitador de Elvis Presley. Un clásico en la ciudad que vio ‘ENIGMA‘ nacer. Sí, como puedes observar, la pareja de Lily Allen es David Harbour, muy conocido por ser protagonista de ‘Stranger Things’.

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❤️❤️❤️

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FKA twigs en «¿Pero qué perro?»

Aunque para «enigma», este. A FKA twigs, últimamente de actualidad por estrenar vídeo y una colaboración con 645AR y El Guincho, le han dejado una nota en la puerta diciendo: «tengo tu perro/a, vivo al lado, saludos». Parecía un/a vecino/a muy amable, pero solo hay un problema… FKA twigs no ha perdido a su mascota. Más madera para Mulder & Scully.

La SGAE recurrirá la aprobación de la SEDA, la alternativa de Patacho Recio, Amaro, Kiko Veneno…

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El Ministerio de Cultura ha dado luz verde al inicio de actividades de SEDA (Sociedad Española de Derechos de Autor), una entidad de gestión colectiva de derechos de autor que desafía el monopolio de la SGAE (Sociedad General de Autores y Editores). En su web, SEDA se define como “una organización de naturaleza asociativa y sin ánimo de lucro constituida por un grupo de autores y editores el 5 de noviembre de 2019 como alternativa a otras entidades de gestión. El objetivo social de SEDA es la gestión de derechos o categorías de derechos de propiedad intelectual sobre obras musicales confiados a la entidad por sus compositores, autores de las partes literarias, editores y derecho-habientes, así como la protección de los derechos morales de los socios y la promoción cultural de sus obras, la difusión del repertorio y la prestación de servicios de carácter asistencial en beneficio de sus socios”.

En su web se puede consultar su información, así como su organigrama, con Patacho Recio en la presidencia y Amaro Ferreiro en la vicepresidencia. Entre los socios fundadores encontramos nombres tan conocidos como Kiko Veneno, Luis Carlos Esteban o Rosa León. En una entrevista con El Diario de esta semana, Patacho Recio indicaba que su «intención es demostrar que se puede llevar una gestión profesional y transparente donde nadie, absolutamente nadie, va a cobrar ni un euro más ni un euro menos de lo que le corresponda». Además, se mostraba muy crítico con las cuentas de la SGAE, sus pérdidas, su ausencia de ERTE’s y escándalos como el de «la rueda».

La respuesta de la SGAE no se ha hecho esperar e informa mediante un comunicado de prensa de que el Consejo de Dirección de la Sociedad General de Autores y Editores ha decidido interponer recurso contencioso-administrativo contra la resolución del Ministerio de Cultura y Deporte. Dice el comunicado que lamentan «tener que haber tomado esta medida después de haber recuperado el diálogo y las buenas relaciones con el Ministerio de Cultura y Deporte, pero nos vemos obligados a tomar esta decisión en defensa de nuestros socios, de la propiedad intelectual en el sector de la música y del conjunto de la Cultura de este país».

En la SGAE están preocupados «por las graves consecuencias que puede tener para el patrimonio cultural español y para el mercado europeo de las entidades de gestión y creemos que lejos de favorecer los intereses generales de la propiedad intelectual en la música, supondría un elevado riesgo para los titulares de derechos de autor y una gran inseguridad jurídica para los usuarios».

Critican abiertamente una entidad “que carece de plan de viabilidad, que no dispone de los medios materiales para desarrollar su función, que no cuenta con el conocimiento propio de la gestión de la propiedad intelectual y que cede gran parte de la administración de sus derechos a entidades extranjeras», pues según ellos «pone en riesgo el sector cultural español». Concluyen: «no entendemos cómo es posible que el ministerio haya podido conceder esta licencia de entidad de gestión en el ámbito musical cuando un informe técnico objetivo y fundamentado, elaborado por la Subdirección General de la Propiedad Intelectual, máximo órgano competente, rechazaba precisamente esta posibilidad».

Robert Smith, en la Luna para Gorillaz… y en la Tierra avanzando con el álbum de The Cure

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Tras haber sido uno de los grupos más vendedores de principios de siglo, Gorillaz siguen con su carrera, ahora de manera más abstracta. Tras un disco conceptual sobre el calentamiento global como fue ‘Plastic Beach’ y proyectos como ‘Humanz’ y ‘The Now Now‘, la otra banda de Damon Albarn está este año enfrascada en una serie de canciones llamada «Song Machine» que se compone de fragmentos leídos y temas entonados por estrellas. Este año hemos conocido ‘Momentary Bliss‘ con slowthai y Slaves, ‘Aries’ con Peter Hook y Georgia y ‘PAC-MAN’ con ScHoolboy Q, entre muchas otras.

El invitado estelar de la nueva canción es Robert Smith, cuyo nuevo disco al frente de The Cure no termina de llegar, por lo cual cada palabra suya en cualquier tipo de música es esperada por sus seguidores. Esta ‘Strange Timez’ se aleja por completo de los estándares de The Cure y tampoco es una aproximación a la pista de baile como lo fuera aquel remix de Crystal Castles para ‘Not In Love’ que lideró sin reparos. Aunque en un momento de esta grabación pueda parecerlo, ya tan solo por el número de veces que se machaca el verbo «spin around». Ni Dead or Alive.

El tema se presenta junto a un videoclip con las animaciones habituales de Gorillaz, en este caso con lo que parecen referencias a ‘2001: Odisea en el Espacio’ e ‘Interstellar’, y en el que Robert Smith primero parece directamente la luna… pero después continúa con su órbita por el espacio. El mensaje final que leemos incita al cambio, invitando al público a tomar parte con ese «be the change», mientras la letra de la canción concluye que estamos en un «extraño momento para estar vivo». Damon Albarn ha explicado que han hecho esta colaboración vía mail y que a Robert le encantó porque le parecía «excelente». Además, el NME tiene una actualización sobre el estado del disco de The Cure, pues Robert Smith ha dicho que ha podido aprovechar el confinamiento para avanzar bastante. Ninguna fecha de edición es por supuesto sugerida.

El disco de Gorillaz bajo el nombre de ‘Song Machine: Season One – Strange Timez’ sale el 23 de octubre y todavía nos quedan por escuchar aportaciones de St. Vincent, Beck y Elton John, pues así está quedando su suculento tracklist:
Song Machine: Season One – Strange Timez:
01 Strange Timez [ft. Robert Smith]
02 The Valley of The Pagans [ft. Beck]
03 The Lost Chord [ft. Leee John]
04 Pac-Man [ft. ScHoolboy Q]
05 Chalk Tablet Towers [ft. St. Vincent]
06 The Pink Phantom [ft. Elton John and 6LACK]
07 Aries [ft. Peter Hook and Georgia]
08 Friday 13th [ft. Octavian]
09 Dead Butterflies [ft. Kano and Roxani Arias]
10 Désolé (Extended Version) [ft. Fatoumata Diawara]
11 Momentary Bliss [ft. slowthai and Slaves]

Varry Brava / Hortera

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Varry Brava han forjado su carrera a base de cosas que hay quien en algún lugar del mundo ha considerado «horteras», como por ejemplo Tino Casal o La Unión, por cierto el uno en las antípodas de los otros. Así que a nadie sorprende verles vestir de rosa en este disco que han titulado ‘Hortera’ y cuya portada es casi lo mismo que el emoticono de la mierda de WhatsApp, cubierta de brilli-brilli. Tan lejos han llegado con el concepto que también las letras en el encarte del vinilo conforman un excremento, poniéndoselo en bandeja a los «haters» más holgazanes para que proclamen que ciertamente su música es una «mierda», y ya una vez dentro, lo que escriben.

Rizando el rizo, se atrevían hace ya tantos meses que casi no nos acordábamos, a presentar este álbum con un reggaetón. Y ahí sí que se han metido en camisa de once varas, pues igual que sus seguidores tienen bien asumido que los teclados, las hombreras y la huida de la masculinidad más trasnochada forman parte de su imaginería, lo del reggaetón no está nada asumido por parte de su público. Por ahí, queda poco claro si Varry Brava consideran el reggaetón algo «hortera» o no, y la nota de prensa no es que ayude mucho cuando presume de que el grupo ha sido «capaz de hacer una canción con bases de reggaeton, ese género tan castigado por machista, vestido de rosa».

No suena demasiado revolucionario si recordamos que hasta Maluma ya tuvo el año pasado el pelo teñido de este color, y lo cierto es que ‘Loco’ no les ha quedado muy allá. Una canción de reggaetón no es solo el ritmo, también es el flow, los ad-libs, el cerdeo y en el mejor de los casos la desestructura, los ganchos, la superposición de ideas que atrapan. Lo peor no es que Varry Brava hayan hecho un reggaetón, no se haya entendido y dos personas les piten cuando toquen ‘Loco’ al fondo de una multitud (DEP), sino que han puesto sobre la mesa que hacer funcionar un reggaetón no es nada, pero nada fácil.

No estábamos aquí, de todas formas, para un disco conceptual de Varry Brava sobre qué es «hortera» y que no, para empezar porque el tema así llamado no es otra cosa que una canción de amor: «si estoy contigo me da igual, que todos nos llamen hortera». Cuando dejan de pensar qué «mola» y qué no, cosa que hacen en la canción que habla sobre «salir a molar», que contiene una referencia a La Prohibida («canta La Prohibida a las 3, y si llego bien, y si no, da lo mismo»), los murcianos, de hecho molan, pues son capaces de construir varias pistas de buen pop sintético, en la línea de lo perpetrado por sus colegas Miss Caffeina o la banda más popular de Guille Mostaza.

‘Mi mejor momento’ recuerda a Ellos por melodía y «middle eight», a Shakira por fraseos y a Fangoria por letra: «dices que no tengo valores ni moral / que mi palabra reina en la mediocridad». Funciona una ‘Luces de neón’ que poco parece tener que ver con Lori Meyers, si bien la mejor es ‘Ritos exóticos’ gracias a un decidido estribillo que incluye un homenaje, como siempre muy necesario, a Franco Battiato. Varry Brava tienen bastante gracia introduciendo referencias pop inesperadas, y justo después de esta canción, «Cuando caliente el sol aquí en la playa» es la primera frase de ‘PlisDonGou’, a su vez un homenaje al hit de 1992 de ‘Double You’. El álbum se cierra con un pelín de drama respecto a lo que había sido hasta entonces, mejor por supuesto cuanto menos triste se plantea ser: ‘La culpa’ es un buen tema de superación y rechazo hacia alguien que nos dijo que no, pero más aburrida resulta esa ‘KitKat’ a la que solo impide ser una balada de Sergio Dalma la frase «nos salvó una canción de mierda». Nos quedamos con su faceta divertida y sintética: himnos que seguro que a Maluma o a Bad Bunny no les saldrían, pues tampoco son tan sencillos como pueda parecer.

Calificación: 6,7/10
Lo mejor: ‘Ritos exóticos’, ‘Mi mejor momento’, ‘Luces de neón’
Te gustará si te gustan: Miss Caffeina, Tino Casal, Ellos
Youtube:Mi mejor momento

Lana Del Rey habla sobre su nuevo disco, que aún no ha terminado al no ser «perfecto»

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Lana Del Rey es este mes portada de la revista Interview, donde ha compartido una charla con su amigo y productor, Jack Antonoff. Por supuesto, uno de los temas tratados en la conversación es el nuevo disco de la cantante, ‘Chemtrails Over the Country Club’, que Jack ha vuelto a producir y que salía el pasado 5 de septiembre… cosa que obviamente no ha sucedido.

Según la revista, ‘Chemtrails Over the Country Club’ sale «este mes», sin embargo, Lana cuenta que aún no lo ha terminado porque cree que falta en él una canción potente que termine de redondearlo, de hacerlo perfecto. Y esa canción podría ser una cuyo título la cantante desvela sin problema, ‘Dealer’, en la que dice se «desgañita gritando», cosa que no ha solido hacer en su carrera, ni siquiera en un álbum tan atormentado como ‘Ultraviolence’. En la charla, Jack asegura encontrarse en ese momento trabajando en el nuevo trabajo de Elizabeth Grant, a lo que esta contesta que están «muy cerca» de finalizar por fin su producción.

Lana habla de otras dos canciones más en la entrevista. En primer lugar, afirma que la canción definitoria del disco será ‘White Dress/Waitress’, de la que explica: «Lo que me gusta de esta canción es que, por muy rara que sea, cuando llegas al final de ella, entiendes exactamente de qué va». La artista añade que «odia cuando una canción tiene una gran melodía pero no sabes de qué está hablando», algo que según ella no sucedía con el grunge, donde las letras eran «súper abstractas» pero por el «tono» de las canciones el oyente podía saber sobre qué estaba cantando el artista. También da detalles del tema titular, un homenaje a sus hermanos y a sus amigas. «»Chemtrails» es el título del disco porque los menciona a todos y también habla sobre querer ser normal y darte cuenta de que, cuando tienes una mente excéntrica y demasiado activa, un disco como «Chemtrails» es lo que te va a salir».

En cuanto al sonido general del álbum, Lana lo sitúa en el Medio Oeste de Estados Unidos, al que pertenecen estados como Illinois, Michigan, Ohio, Wisconsin, Kansas, Misuri o Nebraska, si bien la autora de ‘Norman Fucking Rockwell!‘ menciona exactamente lugares más al suroeste del país como Arkansas u Oklahoma. «El álbum sonaba al Medio Oeste antes de que yo visitara el Medio Oeste», señala. «Lo que me interesa de tener una verdadera musa, es que estás a su merced. Cuando canto sobre Arkansas, hasta yo me pregunto por qué lo estoy haciendo. La manera en la que describiría el Medio Oeste, Oklahoma en particular, es que no está sobresaturado: aún te ofrece espacio para encontrar la inspiración». Desde Bruce Springsteen a Sufjan Stevens, son muchos los artistas pop que alguna vez han dedicado discos a algunos de estos estados.

Este año, Lana ha lanzado su primer poemario, ‘Violet Bent Backwards Over the Grass’, también en formato audiolibro. Un segundo poemario llamado ‘Behind the Iron Gates – Insights from an Institution’ ha sido anunciado por la cantante y su lanzamiento se espera ya para marzo del año que viene.