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Kanye West se disculpa con Kim Kardashian mientras ‘Donda’ sigue en el aire

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Este fin de semana ha sido especialmente activo por parte de Kanye West… pero no por las razones que nos gustaría: no, finalmente su nuevo disco antes titulado ‘God’s Country’ y finalmente ‘Donda’ no vio la luz el viernes 22 de julio tal y como prometió. Sin embargo, su lanzamiento no está descartado en absoluto: en las últimas horas West ha compartido la que parece ser –al menos de momento– la portada de este nuevo trabajo –una especie de eclipse solar con tres figuras descendiendo a la Tierra–. Y si tenemos en cuenta el último tracklist publicado, ‘Donda’ finalmente sí incluiría el single ‘Wash Us In The Blood‘ y varios nuevos cortes –incluido uno titulado ‘With Child’, al parecer importante para él– que ampliarían el número de cortes hasta 17. ¿Será este próximo viernes, finalmente, su fecha definitiva de publicación?

Mientras no podemos pasar por alto la sospecha de que la razón haya podido ser por evitar la simultaneidad con ‘folklore’ de su archienemiga Taylor Swift, cabe especular con otras razones por las que ‘Donda’ no haya visto la luz aún. Días atrás, Ye se dirigía al grupo de rock The Mars Volta diciéndoles «necesitamos terminar este álbum», acompañando su mensaje de un vídeo en el que suena su tema ‘The Widow’. ¿Se referiría a la aprobación de un sample o a la participación directa de Omar Rodriguez_lopez y Cedric Bixler Zavala? Minutos antes, y con las mismas imágenes de una competición de marcha, West decía añorar a «su amigo Paul» McCartney mientras sonaba ‘Come Together’ de The Beatles. Otra posibilidad es que esté tratando de llegar a un acuerdo con su amigo-enemigo Jay Z para que este colabore en el disco: en otro confuso tuit, venía a decir que tanto él como Rihanna necesitaban a Jay abriendo cada uno de sus discos, del mismo modo que Nicki Minaj y Drake necesitan a Lil Wayne para hacer lo mismo.

En medio de esta hiperactividad –desplazado en su rancho de Wyoming, a través de sus redes sociales podemos verle ampliando las instalaciones, diseñando modelos para su colección de ropa, contratando a una diseñadora para su equipo, trabajando en ‘Donda’, recibiendo a amigos como el cómico David Chappelle…–, Kanye también ha dedicado una disculpa a su esposa, Kim Kardashian, por haber revelado detalles de su vida privada en su sonado primer mitin de campaña electoral. «No la protegí como ella me ha protegido a mí», dice, claramente en referencia a la carta que ella hizo pública días atrás pidiendo empatía al público y medios de comunicación. «Sé que te hice daño. Por favor, perdóndame. Gracias por estar siempre ahí por mí», concluía. Se especula con que el instigador de esta disculpa ha podido ser Justin Bieber, que horas antes visitaba a su amigo haciendo una parada en un viaje por carretera.

En cuanto a su megalomaníaca intención de presentarse a las elecciones presidenciales de Estados Unidos, de momento no se rinde: tras conseguir las firmas necesarias –según TMZ, previo pago de 30.000 dólares–, West también aparecerá en las papeletas del estado de Illinois. De hecho, tanto se ha crecido que ha llegado a decir que iba a «superar a Biden» en inscripciones. Según las últimas encuestas publicadas, Biden supera en intención de voto por varios puntos no ya a West (es obvio), sino también a Donald Trump.

Adiós a Olivia De Havilland, la última gran estrella del cine clásico

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Según reporta la revista especializada Entertainment Weekly, la actriz Olivia De Havilland ha fallecido este sábado en su casa de París, a la edad de 104 años. Se va así la última estrella del Hollywood clásico, después que despidiéramos el pasado mes de febrero a Kirk Douglas.

De Havilland había cosechado en su carrera dos Oscar a la Mejor actriz protagonista por ‘La vida íntima de Julia Norris (Mitchell Leisen, 1946) y ‘La heredera’ (William Wyler, 1949). Si bien el papel por el que quedará en la memoria de todos es el de Melanie Hamilton en la superproducción ‘Lo que el viento se llevó’, que recientemente desaparecía temporalmente de plataformas de streaming por su contenido claramente racista, para después volver con las advertencias correspondientes.

Nacida curiosamente en Japón por el trabajo de su padre, abogado de profesión, De Havilland comenzó a desarrollar su carrera cinematográfica en los años 30, formando pareja protagonista con Errol Flynn en las películas de Michael Curtiz ‘El capitán Blood (1935), ‘Robin de los bosques’ (1938) y ‘Dodge, ciudad sin ley’ (1939). Pero fue su papel en la inmortal película de Victor Fleming, la que la encumbraría para la eternidad en la historia del cine. Nominada al Oscar a Mejor actriz secundaria por esa película, sería su compañera de reparto Hattie McDaniel –la mucama Mami– la que se lo llevaría, convirtiéndose en la primera actriz negra de la historia en lograrlo.

El reconocimiento le llegaría pocos años después en las películas antes citadas, pero su carrera se iría devaluando en los años 50 y 60, siendo la serie basada precisamente en la Guerra Civil norteamericana ‘Norte y Sur’, en los 80, su último papel relevante. En los últimos años, había recibido importantes premios por su carrera, como la Legión de Honor francesa o el de Dama del Imperio Británico.

Taylor Swift inicia su etapa «indie/alternativa» con cifras récord

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Taylor Swift terminó los 10s con el cartel de «Mujer de la Década» otorgado por Billboard, gracias al éxito e influencia de su obra durante esos años, que culminaban con la publicación de ‘Lover‘. Y, por sorpresa, este viernes daba inicio a una nueva era con ‘folklore’, un álbum creado mano a mano con Aaron Dessner de The National –aunque su habitual colaborador Jack Antonoff también tiene su protagonismo en él–, con orquestaciones del hermano de este y también miembro de esa banda, Bryce Dessner, y la participación vocal de otra estrella del pop rock alternativo, Bon Iver. Foto: Beth Garrabrant.

Lejos de espantar a su público pop habitual –que cada vez se ha ido diversificando y ampliando más– con este giro a lo teóricamente más serio y solemne del ámbito indie, la respuesta al disco, tanto comercial como crítica, está siendo bastante espectacular, tal y como ha hecho público el sello Republic Records hace unas horas. En sus primeras 24 horas, dice la nota de prensa, ‘folklore’ ha despachado nada menos que «1,3 millones de copias», asumiendo que se refiere a la suma de copias físicas, digitales y equivalentes a estas por streaming.

De hecho, el octavo disco de estudio de Swift despacha también varios récords en esas plataformas de consumo de música: en Spotify, con 80,6 millones de reproducciones acumuladas –los 16 cortes de ‘folklore’ se distribuyen en el Top 50 Global, con ‘cardigan’, ‘exile’ y ‘the 1’ copando las primeras posiciones–, establece un nuevo récord de streaming para un disco firmado por una mujer en sus primeras 24 horas de publicación; en Apple Music, 35,47 millones de streamings le llevan a ser el «álbum pop» más escuchado de esa plataforma en su primer día; mientras que para Amazon Music, bate una marca como «álbum indie/alternativo». Es una cuestión de etimología bastante subjetiva, pero no deja dudas de que este viraje de Taylor ha sido mejor que bien recibido.

Y no menos celebrado está siendo por la crítica. La subsidiaria de Universal recopila fragmentos de las reseñas publicadas por The Guardian (5 estrellas de 5), The Daily Telegraph (5 estrellas), The Sun (5 estrellas), Rolling Stone (4,5 estrellas), NME (4 estrellas), The Times (4 estrellas), The Line Of Best Fit (9 sobre 10) y un largo etcétera. En Metacritic, promedia un 94 con 14 críticas recogidas, todas muy positivas. ¿Estamos ante una nueva metamorfosis, similar a la obrada con ‘Red’, que abre nuevas perspectivas artísticas para Swift? Todo apunta a que sí.

Así fue el show de Katy Perry en la edición virtual del festival Tomorrowland 2020

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Tomorrowland es uno de los festivales más populares del mundo. Con sede habitual en la ciudad belga de Boom y centrado sobre todo en la presencia de DJs, se precia de ser uno de los eventos musicales más tumultuosos del globo, contabilizando según su promotora ID&T 400.000 visitantes de 200 nacionalidades distintas. Pero este año, como prácticamente cada gran festival, no ha podido celebrarse en los términos habituales. Sin embargo, la organización no ha renunciado del todo a su celebración y ha apostado por un planteamiento innovador: este fin de semana, 25 y 26 de julio, se celebra la edición especial «Around The World» –holi, Aless Gibaja– ofreciendo en formato virtual –incluyendo un público de 280.000 avatares, cada uno con sus características morfológicas e identidad propias– y espectaculares escenarios 3D, en el que el público «real» puede ser cualquier internauta de cualquier parte del mundo. Pagando, eso sí, entrada de día (12,50€) o abono (20,00€) para ver las presentaciones desde sus dispositivos domésticos, teniendo además acceso libre a todas las actuaciones durante la semana posterior.

Y el cartel, para los interesados en la música dance y electrónica más hedonista, no es ninguna baratija: nombres tan célebres de esa escena como David Guetta, Nervo, Armin Van Buuren, Charlotte Dewitte, Oliver Heldens o Dimitri Vegas & Like Mike se han apuntado a esta edición tan particular. Además, se abren a la presencia de artistas pop mainstream como es el caso de Katy Perry. Sí, esa misma que está embarazada de nueve meses de su primera hija y a la vez a punto de editar su nuevo álbum, ‘Smile’.

Ayer sábado era el día de la actuación de Perry y, gracias a diversas crónicas, tuits y un único vídeo oficial del festival –el que recoge la parte final del show, su himno ‘Firework’– podemos saber cómo fue esta curiosa presentación. Fue un show corto, de algo más de 15 minutos, que Perry y su equipo plantearon en modo sesión de DJ: «Hicimos todos mis éxitos, porque cada DJ sabe lo que el público espera. E hicimos versiones dance. De hecho, es un medley de 15 minutos de todas las canciones conocidas, pero de un modo muy rápido. ¡Fue muy excitante!», declaraba después Perry. Ese medley se abría con el reciente single que da nombre al inminente ‘Smile’, seguido de clásicos como ‘Teenage Dream’ y ‘California Gurls’, más ‘Chained to the Rhythm’ (single principal de ‘Witness’) y ‘Dark Horse’. Tras un popurrí que mezclaba ‘Daisies‘ con ‘I Kissed a Girl’, ‘Peacock’, ‘Walking On Air’ y ‘Swish Swish’, culminando con ‘Roar’ y la ya mencionada ‘Firework’.

Como se veía en una preview de la actuación, una Katy ataviada con un chillón vestido de lunares naranja y peluca a juego descendía sobre el escenario con su prominente tripa en un globo con forma de clown. Allí se situaba en el centro de un escenario en el que la rodeaba su banda. Músicos que sí eran reales, aunque no lo parecieran al estar ocultos en llamativos disfraces con forma de sombreros de copa rojos. Tras ellos, una construcción virtual espectacular –entre un palacio Disney y la puerta de la Feria de Abril– servía de fondo para la actuación. La literal traca final de fuegos artificiales también fue virtual, aunque estaba realmente conseguida, a la altura de la expuesta en los conciertos «físicos» de KP.


Grimes aprueba el rap-pop-metal futurista de Ashnikko y su ‘Cry’

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En la música pop se agradecen mucho los artistas que aportan un punto de fantasía y delirio en su propuesta estética, aportando un componente imaginativo que contribuye a evadirnos de la realidad, en contra de una supuesta autenticidad que en muchos casos es más bien impostada. Especialmente en el rap, donde toda esa calle y barrio que se vende a veces es solo una fachada. Precisamente ese es el género de partida de la artista que presentamos hoy en la sección de artistas con proyección de futuro «Revelación o Timo». Se trata de Ashnikko –apelativo que viene de su nombre real, Ashton Nicole Casey–, una artista nacida en Carolina del Norte que, pese a que en casa de sus padres se escuchaba sobre todo música country y Slipknot, se enamoró del hip hop gracias a M.I.A. y su ‘Arular’. Tras vivir su adolescencia en Estonia, se estableció en Londres para iniciar su carrera musical, debutando oficialmente en 2017 con el EP ‘Sass Pancakes’.

Ya por entonces, con bases de hip hop entre duro y cómico a cargo de Raf Riley (Labrinth, James Arthur, Jeffree), lucía su característico pelo azul y daba muestras de su fascinación por la cultura manga con títulos como ‘Fuck Me In Shibuya’. Su siguiente disco corto, ‘Unlikeable’, ampliaba su imaginería al cine gore de serie Z (‘Nice Girl‘) o el emo-core (‘No Brainer‘), animándose a cantar además de rapear, liberando la herencia familiar metalera, y exponiendo su condición queer.

Tras esos primeros pasos algo bisoños pero contundentes, su confirmación definitiva llegaba el pasado año con ‘Hi, It’s Me’, nuevo EP en el que alcanzaba varios logros significativos. Por un lado, dar con una identidad estética distintiva y divertida a través de sus vídeos, situada en órbitas próximas a las de Charli XCX, Dorian Electra, Poppy, lxs artistxs de PC Music o Brooke Candy –no en vano participaba en su ‘Sexorcism’–. Por otro, y más importante, hacer una aproximación más evidente al pop, con temas como ‘Hi, It’s Me‘ o ‘Working Bitch‘, que no distan tanto de artistas masivas como Halsey o Doja Cat, pero sin perder su esencia hip hop (‘Special‘). Y, por último, alcanzar su primer gran hit, una ‘STUPID‘ en la que la apoya la rapera británica Yung Baby Tate y que cuenta sus reproducciones globales ya por cientos de millones. Fue impulsada en gran medida por su viralidad en TikTok, pero curiosamente es uno de sus temas más agresivos y oscuros. Y su vídeo, un baño de sangre.

Aprovechando esa inercia ascendente, Asnikko no ha dado respiro este 2020 y ha presentado ya tres singles que, si no nos equivocamos mucho, podrían derivar en el lanzamiento de su primer álbum/mixtape largo. Primero fue una ‘Tantrum‘ que, con clip de inspiración gamer, aúna future bass, rap y electrónica contundente sin perder ya ese punto melódico, al igual que sucede en el reciente ‘Daisy‘. Pero de sus lanzamientos recientes sin duda destaca y llama la atención ‘Cry’.

Se trata de un tema enormemente magnético, en el que esa querencia metalera no solo emerge en unas guitarras sino también en la entonación desgañitada que Casey hace de su gancho cantado. Producida por Ebenezer (Craig David, Ty Dolla $ign, Jeremih, Rejjie Snow), lo más llamativo de ‘Cry’ es la presencia en ella de Grimes, que aporta un segundo verso en modo ninfa –también en el bizarro vídeo 3D del tema–, adaptándose perfectamente a la estética de ‘Miss Anthropocene‘. Lo peor de la canción, sin duda, es que sus dos minutos se hacen cortísimos y piden, como poco, un verso más. Aún así, es suficiente para determinar que, de seguir así, Ashnikko podría ser una nueva estrella del pop en el futuro más inmediato.

Lo mejor del mes:

Escucha los «Revelación o Timo»

Westerman recurre al artista gráfico de Frank Ocean y Róisín Murphy en una de las ediciones físicas del año

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Your Hero is Not Dead‘ de Westerman es uno de los discos que hemos recomendado este año debido a su interesante mezcla de dream-pop e instrumentación surrealista. La edición física del álbum refleja brillantemente su contenido con una estética DIY en la que priman los fondos blancos y los colores. En la portada de ‘Your Hero is Not Dead’ se pueden apreciar dos manos que sujetan un trozo de espejo, y este espejo ha sido impreso con una textura reflectante, a la manera de la portada de ‘I See You‘ de The xx, y es igual de significativa, pues viene a decir que nosotros somos nuestros propios «héroes».

La maravillosa edición física de ‘Your Hero is Not Dead’, recomendable sobre todo en vinilo pues incluye ilustraciones adicionales a las que pueden encontrarse en el CD, es obra del artista portugués Bráulio Amado, que ha trabajado en proyectos recientes de Frank Ocean (la portada de ‘In My Room’, por ejemplo) y Róisín Murphy (las portadas de todos sus singles de 2017, así como del «merchandising»). En una entrevista, Amado ha contado que el disco le gustó tanto en una primera escucha que le costó dar con una estética adecuada para él mismo, pues no querría «arruinarlo»; pero que después de llegar a casa tras unos problemas con su visado, fue capaz de crear una imaginería tan original que ni siquiera la considera del todo propia, al ser tan diferente a lo que él ha solido hacer.

El libreto de ‘Your Hero is Not Dead’, que cuenta con una portada diferente a la del «digipack», la cual muestra una ilustración de una flecha blanca sobre un fondo negro, atribuye una ilustración diferente a cada una de las pistas del disco, respondiendo a la necesidad sinestésica de Westerman de atribuir a cada una de las canciones un color: por ejemplo, a ‘The Line’ le corresponde el dibujo de medio cuerpo femenino realizado con un trazo de verde oscuro, a ‘Dream Appropriate’ el busto de una mujer anciana que parece estar llorando dibujado con líneas lilas, a ‘Blue Comanche’ la figura en color azul de una mano que toca una mazorca; y a ‘Confirmation’ la figura de una casa. Todos estos dibujos desprenden un aire infantil que enriquece visualmente la escucha de este disco ya de por sí tan visual. Por otro lado, el «digipack» incluye el curioso retrato de Westerman a lo René Magritte, redondeando su concepto surrealista.

Pretenders / Hate for Sale

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Pocas veces este siglo ha apetecido tanto enfrentarse a un disco de Pretenders: aunque solo sea por falta de competencia, este es un álbum de rock de 10 canciones y media hora de duración que se puede beneficiar del hecho de que no termine de pasar gran cosa con ninguna de las últimas revelaciones del rock. Tenemos a los IDLES o a Fontaines D.C., pero entiéndase por «gran cosa» lo que pasó cuando salieron The Strokes, Arctic Monkeys, The White Stripes o The Black Keys, cada una en su estilo: bandas de guitarras llamadas a llenar grandes estadios. The Pretenders nunca fueron la banda número 1, al menos desde que lo consiguieron con su debut en los tiempos de ‘Brass in Pocket’ (1979) -en cierta ocasión El País los llamó «los eternos teloneros»- pero sí se han mantenido durante 40 años en activo gracias al carisma de Chrissie Hynde.

En este álbum Hynde ha escrito a medias con el guitarrista James Walbourne, ha contado por primera vez en casi 20 años con el baterista original Martin Chambers y vuelve a producir a la banda Stephen Street, conocido por su trabajo con el primer Morrissey, Blur y Suede, además de experto en devolver su sonido primigenio a proyectos a la deriva, como fue el caso de los últimos pasos de The Cranberries. Aunque Hynde sea y continúe siendo el foco de Pretenders, que estaría bueno, este es el tipo de detalles que logran que se concluya que se ha recuperado cierta magia perdida, en contraste con el álbum anterior. ‘Alone’, en 2016, ocho años después del anterior, recurría a Dan Auerbach como productor de Black Keys quizá para intentar llegar a los seguidores de estos, pero como suele pasar en estos casos, lo que ocurrió es que casi nadie se enteró de aquello.

‘Hate for Sale’ presenta una buena variedad de registros que muestran a Chrissie Hynde tal y como la hemos conocido a lo largo de las décadas. En la vertiente del rock hallamos el corte titular, que se ha concebido como un homenaje a The Damned porque ella dice que se trata de «la banda más musical del punk». Hay espacio para el indie pop en el buen single ‘The Buzz’, que habla de cómo las relaciones amorosas pueden generar la adicción de una droga. También hay guiño jamaicano en ‘Lightning Man’, una canción que nos habla sobre demonios; para el blues, como dice ‘Junkie Walk’ casi desde su mismo título, y para las baladas. En concreto una al final de cada cara.

‘You Can’t Hurt a Fool’, la de la cara A, es la más acertada, al hablar de vulnerabilidades desde un punto de vista femenino, tratando colateralmente el tema de la discriminación por edad («mírala, en el centro del escenario / demasiado vieja para ser sensata / demasiado joven para su edad»), todo ello con un aroma a clásico R&B. Más controvertida resulta ‘Crying In Public’, un título recientemente exprimido por Chairlift que aquí retoma el tema del feminismo, ya controvertido en el caso de Hynde, para defender que las mujeres tienen una sensibilidad diferente al «llorar en público»: «Las feministas proclaman que todos somos iguales / pero yo no conozco a ningún hombre que haya sentido esta misma vergüenza». Otro tema sobre sexismo es el mencionado ‘Hate for Sale’, una parodia de un sujeto masculino envuelto en «mujeres, coches y motos», que ve «porno todo el día», y «va al gimnasio», aunque dejando la puerta abierta a la autoparodia también («pecho encerado, oh… si soy como él»). Por su parte, otro tema rockero parodia desde su título a los «daddys» de las «casas de apuestas»: ‘Turf Account Daddy’ recuerda un poquito a ‘Rip Her to Shreds’ de Blondie.

Más por lo repetitiva que resulta, al margen de si es polémica o no, es una pena que ‘Hate for Sale’ se cierre con una balada y no con un tema tan directo y bailable como el rockero ‘Didn’t Want To Be This Lonely’. Es en su inmediatez, en la de la retrospectiva de ‘I Didn’t Know When to Stop’ (en la línea de su hit ‘Popstar’) o en el riff encantador a lo R.E.M. de ‘Maybe Love Is in NYC’ donde este disco de rock encuentra su mejor virtud.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘The Buzz’, ‘I Didn’t Know When to Stop’, ‘Maybe Love Is in NYC’, ‘You Can’t Hurt a Fool’
Te gustará si te gusta: R.E.M., Rolling Stones, Blondie
Youtube: vídeo de ‘The Buzz’

Muere a los 73 años Peter Green, fundador de Fleetwood Mac

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Peter Green, guitarrista y co-fundador del grupo Fleetwood Mac, ha fallecido hoy a la edad de 73 años. Así lo ha confirmado un portavoz de su familia a BBC: «Con gran tristeza la familia de Peter Green anuncia su muerte este fin de semana, apaciblemente mientras dormía. En los próximos días se facilitará un comunicado más amplio».

Green estaba considerado uno de los mejores guitarristas de su generación, y, claro, también de la historia del rock. Dio sus primeros pasos en los Bluesbreakers de John Mayall, donde entró a sustituir a nadie menos que a Eric Clapton. En 1967 proponía al batería Mick Fleetwood sumarse a él en un grupo, que se llamaría Fleetwood Mac una vez convencieran a John McVie de sumarse a ellos como bajista. Enraizados profundamente en el blues norteamericano, juntos publicaron los primeros discos del luego archiconocido grupo, ‘Fleetwood Mac’ (1968), ‘Mr. Wonderful’ (1969) y ‘The Play On’ (1969), dejando su maestría en la guitarra y composición en temas tan míticos como ‘Black Magic Woman’, ‘Man of the World’, ‘Oh Well’ y la instrumental ‘Albatross’, que supuso el primer número 1 en Reino Unido para la banda.

Hacia 1970, Green comenzó a dar síntomas de esquizofrenia, luego atribuidos a su excesivo consumo de LSD, derivando en su salida de Fleetwood Mac. Sus problemas mentales, con algún episodio violento con el mánager del grupo Clifford Davis –al que, se dice, reclamó dinero escopeta en mano–, prosiguieron durante toda esa década, con entradas y salidas constantes de hospitales psiquiátricos. La enfermedad se atemperó en los 80, y volvió a tocar y grabar álbumes, tanto en su propio grupo, Katmandu, como en el debut en solitario de Mick Fleetwood, por ejemplo. Y en los 90 fundaría Peter Green Splinter Group, publicando siete álbumes en los que participarían miembros de Black Sabbath, si bien sus problemas mentales le perseguirían toda su vida. En 1998, cuando Fleetwood Mac fueron introducidos en el Rock and Roll Hall of Fame, Green formó parte de la distinción.



Alanis Morissette se sincera sobre sus adicciones y su huida de la fama, a días de publicar su nuevo disco

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Como tantos otros artistas, Alanis Morissette cambió sus planes de publicar su nuevo álbum –el primero desde ‘Havoc and Bright Lights‘, publicado hace ya ocho años– el pasado mes de mayo. Finalmente, será este próximo 31 de julio –es decir, el viernes de la próxima semana– cuando verá la luz ‘Such Pretty Forks in the Road‘, noveno álbum en la carrera de la ex-superestrella canadiense. Por eso hace unas horas se ha publicado una extensa entrevista con The Guardian en la que desgrana algunos detalles sobre este trabajo y, de manera más reveladora, sobre su vida y la fama global que tantísimo la hizo sufrir allá por los 90, cuando publicaba un ‘Jagged Little Pill’ que precisamente acaba de cumplir 25 años, siendo objeto de una reedición.

De la conversación con la periodista Eve Barlow el rotativo británico destaca el llamativo titular «sin terapia, no creo que estuviera todavía aquí». El contexto de esa sentencia es el sufrimiento que ha arrastrado por una «experiencia sexual traumática» de la que no da detalles, si bien lo relaciona con la «división, misoginia, sociopatía, falta de integridad y el narcisismo» que ha padecido por parte de los hombres de la industria musical toda su carrera. Algo que relaciona también con su exagerado nivel de fama que adquirió como «chica blanca enfadada» que la industria quiso otorgarle en su pico de fama de los 90, convirtiéndola en la diana contra la que los hombres podían descargar su frustración.

En la charla habla sobre esa popularidad, que llegó al punto de que los fans se colaban en sus habitaciones de hotel y robaban su ropa interior. «Sabían que la guardaba bajo mi almohada, era invasivo», asegura, diciendo que vivió la pérdida de intimidad como «un luto». Sin embargo se sentía muy sola y no encontró amigas ni empatía en sus compañeras de escena. «Pensé que iba a telefonear a Björk y a Tori (Amos) y todas nos íbamos a adorar. Contacté a un montón de gente. A menudo era recibida con un «¿por qué me llamas?». Se cuida de no dar nombres, según Barlow, pero ha dicho dos. En todo caso, cuando en los 2000 fue relegada por artistas pop como Britney Spears, se sintió liberada y fue lo que hizo que su vida volviera a estar bien. «La fama no es una circunstancia que quiera sostener», concluye.

En la entrevista también se reconoce como una «gran adicta», al hilo del vídeo de su reciente single ‘Reasons I Drink‘ –en cuyo vídeo forma parte de la típica sesión de terapia de desintoxicación–, si bien escurre un poco el bulto diciendo que sus mayores adicciones son el trabajo, el amor y la comida», añadiendo que padece un trastorno alimenticio desde la adolescencia.

En ‘Such Pretty Forks in the Road’, en cambio, aborda sus preocupaciones actuales: ‘Nemesis’, por ejemplo, habla sobre afrontar un embarazo inesperado –a sus 45 años, daba a luz el pasado septiembre a su hijo August, que se lleva 9 años con su hermano mayor, Ever, y 3 con la mediana, Onyz–, mientras que en ‘Pedestal’ y ‘Reckoning’ expone la estafa de millones de dólares por parte de su ex-mánager. En el aspecto musical, Barlow describe el álbum como «canciones enraizadas en el rock de guitarra y piano», como han mostrado claramente los singles que ha venido presentando del disco.

Como decíamos, primero se reveló ‘Reasons I Drink’, promocionada después con ese irónico clip sobre terapias. Más tarde mostraba ‘Smiling’, una balada con aspiraciones de himno que ha sido potenciada con remixes y, llamativamente, con una versión alternativa interpretada junto al elenco de ‘Jagged Little Pill’, musical de Broadway inspirado en ese álbum y que ha cosechado un considerable éxito. Y ya en las últimas semanas se han presentado ‘Diagnosis’ y ‘Reckoning’, medio tiempo y balada de sonido similar. Del mismo modo que se pospuso la fecha de edición de ‘Such Pretty Forks in the Road’, su tour mundial previsto para el próximo otoño y que paraba en España ha sido aplazado un año más allá: Alanis actuará en nuestro país el 10 de noviembre de 2021 en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 11 de noviembre de 2021 en el Wizink Center de Madrid.

Triángulo de Amor Bizarro lanzan ‘Vixiantes do espello’ celebrando el Día Nacional de Galicia

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Hoy, 25 de julio, día de Santiago Apostol, se celebra también el Día Nacional de Galicia, festividad autonómica del pueblo gallego. Y con esa coartada, Triángulo de Amor Bizarro lo celebran presentado una versión cantada en galego –su lengua natal, puesto que son de A Coruña– de uno de los temas más destacados de su excelente –otra vez– nuevo álbum ‘oɹɹɐzıqɹoɯɐǝpolnƃuɐıɹʇ‘, sin duda uno de los mejores publicados en lo que llevamos de año. Se trata de ‘Vigilantes del espejo‘, el ultrapop segundo adelanto del álbum lanzado allá por principios de marzo.

Se titula ‘Vixiantes do espello’, y básicamente traduce literalmente esa letra –»volve a fariña» vs «vuelve a las drogas» y el añadido de La Ribeira a la lista de garitos en los que perderse son de las pocas variaciones– sobre adocenarse al alcanzar la madurez, con un diabólico amigo que nos tienta para dejar las responsabilidades y abandonarse al hedonismo. «La intención fue «vamos a hacer la canción más maligna que podamos», o sea, que el mal haya entrado en ti sin que te hayas… La letra es realmente para joderle la cabeza a nuestros amigos cuarentañeros», nos decía sobre ella Rodrigo Caamaño cuando le entrevistábamos, junto al batería Rafa, poco antes de la salida del álbum. Horas después de estrenarse la canción, el grupo pasaba por un especial televisivo de TVG en conmemoración del Día de Galicia, haciendo un playback enmascarillado –salvo Rodrigo, que ejerció de front-man sin guitarra– para presentar esta nueva versión playback mediante.

2020 está siendo un año feliz para TAB, a pesar de las evidentes dificultades que suponen para ellos, como para muchos otros grupos, no poder en tocar en directo, el motor económico que les permite vivir de la música. Por eso celebraban tanto, a pesar de las medidas de seguridad impuestas, los dos conciertos que ofrecían la pasada semana en Madrid y Barcelona. Y es que, además del lanzamiento de este quinto largo que está siendo tan bien recibido, Rodrigo e Isa han sido padres por primera vez, lo cual hacían público días atrás. Recordemos que sigue programado, de momento, un concierto en la sala Ochoymedio de Madrid el próximo 2 de octubre que, ojalá, se pueda celebrar con cierta normalidad.

Billie Eilish confirma la inminente publicación de ‘My Future’, su nuevo single

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Hoy Billie Eilish sorprendía a todos a finales de la pasada semana anunciando la publicación de algo titulado ‘My Future’ este jueves, 30 de julio. A todas luces parecía ser una nueva canción de la gran nueva estrella del pop mundial. O eso queríamos asumir la prensa musical y fans de todo el mundo de la jovencísima –el pasado diciembre cumplía los 18 años– artista californiana. Lo comunicaba con su primera publicación en redes sociales en más de un mes: una foto de ella misma subida a la azotea de un edificio en su Los Ángeles natal, ataviada con un chandal gris y una mascarilla anti-Covid de color negro. Y, días después, ha venido a confirmarlo mostrando una imagen que parece su portada: un dibujo de ella de espaldas sentada y mirando la luna llena. También ha confirmado la hora del lanzamiento del jueves: 4:00 PM, hora del Pacífico. Es decir, ya la 1:00 AM del viernes en Europa.

Hay cierta esperanza de que estemos ante el primer adelanto de su segundo disco tras el exitoso y celebrado ‘WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?‘, su álbum debut. Al frustrarse su segunda gira mundial, que comenzó a desarrollar pero hubo de ser cancelada a causa de la pandemia de Covid-19, quizá haya tenido tiempo de avanzar junto a su hermano FINNEAS en la creación de ese tan ansiado nuevo trabajo.

No podemos decir que haya dado pistas en sus redes sociales, que ha dedicado en los últimos meses sobre todo a apoyar el movimiento Black Lives Matter. Y no parece que ‘My Future’ se trate, dado el silencio de la barcelonesa, de ese single con Rosalía que, cuando esta avanzaba ‘TKN’ –single con Travis Scott–, decía tener a punto. En cambio, ese segundo trabajo era una realidad desde finales de 2019, haciéndose público entre premio y premio que tanto ella como su hermano –co-autor y productor principal de su música– estaban inmersos en él. No sería descabellado pensar, por tanto, que vea la luz de cara a un 2021 en el que se confía que pueda retomar su tour –de manera oficiosa, un medio generalista la daba por confirmada en la edición de Mad Cool 2021, después de que se hubiera pospuesto la edición de este año en la que ejercía de gran reclamo junto con Taylor Swift–. O incluso este mismo año, quién sabe. ¿Os imagináis que se hace, precisamente, un Taylor Swift? ¿Por qué no soñar?

En todo caso, ‘My Future’ no será la única canción que publica Eilish publicaba tras el lanzamiento de su álbum debut. A finales de 2019 lanzaba la preciosa ‘everything i wanted‘, que se convertía en otro gran éxito para Billie y Finneas –al que, por cierto, iba dedicada la canción–: sus streamings superan hoy ampliamente los de singles tan celebrados como ‘ocean eyes’ o ‘wish you were gay’, mostrando además cierta madurez en su sonido. En ese momento hablaba de dos singles post-disco, pero no era hasta varios meses después, ya en 2020, que conocíamos otra canción.

Hablamos de ‘No Time to Die’, tema principal para la banda sonora de la nueva película de la franquicia James Bond, ‘007: sin tiempo para morir’. Un papel para el que Billie parecía la idónea tanto por su papel preponderante en la industria musical como por su capacidad para el dramatismo y la oscuridad. En ese sentido, ‘No Time to Die‘ no decepcionaba, y sacaba buen partido de los espectaculares arreglos orquestales del oscarizado Hans Zimmer, sabiendo mantener el tono clásico de los temas Bond sin renunciar a su personalidad –Finneas continuaba dando su pátina característica a la producción–. De hecho, el tema comenzó haciendo muy buenas cifras de streaming, pero que obviamente se desinfló al detenerse la maquinaria promocional del film cuando estalló la crisis del coronavirus, se cerraron las salas de cine y se paralizó su estreno –ahora mismo se prevé para el día 12 de noviembre–.

En última instancia, como decíamos, Billie daba los primeros conciertos de una nueva gira, con nueva escenografía y repertorio, justo cuando en Europa comenzaban a preocupar los contagios de Covid-19 en Italia, y al extenderse a EEUU, se veía forzada a cancelar todos los conciertos previstos. En ellos era muy sonado un interludio en el que, a través de un vídeo, la joven O’Connell abordaba las críticas hacia su cuerpo. Muchos internautas habían hecho –de manera repugnante, añado– comentarios sobre su figura a causa de la ropa holgada que acostumbra a lucir, precisamente debido a las inseguridades que sufría por las críticas. En el vídeo titulado ‘Not My Responsibility’, que hace pocas semanas subía íntegramente a su perfil oficial de Youtube, hace frente a esos comentarios mientras se despoja de prendas hasta quedarse frente a la cámara en ropa interior.

‘_Casamurada’ de _juno carece de estribillo pero sobrevive incluso a los fantasmas

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Una de las pocas cosas que se pueden reprochar a _juno es que ‘_BCN626’, nuestro «Disco de la Semana», haya salido cuando estamos a 40º, cuando su sonido remite más a cabaña en la que resguardarse de la nieve. No es una manía personal, lo insinúa incluso esa letra que habla del invierno en presente y del verano en futuro: ‘_Domingo de resurrección’ pasa de «parece que en Madrid se pondrá a nevar» a la esperanza de «el verano llegará y seguiremos en ese instante».

En cualquier caso, sí es un álbum nocturno, y una de las pistas destacadas que seguro que recuperaremos en unos meses manta en mano será ‘_Casamurada’, la que se sitúa «a las 5 de la mañana» para hablarnos de fantasmas. Zahara y Martí Perarnau IV cuentan que querían evitar el efecto Pimpinela, y así hay pistas que cantan solos o por partes en lugar de abusar del formato dueto. Pero eso no hace sino crecerse los pocos momentos que utilizan ese recurso, que es lo que sucede en esta composición en la que sí llegan a ofrecernos un diálogo, tal como «Pensaba que el viaje era hacia algún lugar…» «… Y era hacia tus entrañas»; aunque también podrían estar dando voz a la misma persona o al mismo sentimiento sin más.

No es una canción de amor al uso, pues llega a cuestionar el mismo cuando habla de «guardar un instante eternamente» («¿quién coño sabe qué significa siempre?») con cierto nerviosismo («yo solo fumaba, pensaba en tu belleza en cada calada»), y además incorpora la ya conocida historia de fantasmas de los famosos estudios de Casa Murada, sobre la que han profundizado en Instagram: «En La Casa Murada hemos grabado, entre otras muchas cosas, “¿Hay alguien en casa?” y “La pareja tóxica”. Decidimos volver a este lugar para _BCN626 porque queríamos alejarnos de todo y a la vez allí nos sentíamos como en casa. Compusimos esta canción mientras esperábamos que llegase el afinador del piano que apareció con cuatro horas de retraso. La frase “No va a venir, ¿verdad?” se refiere precisamente a él, pero como toda la canción habla sobre los fantasmas que habitan La Casa Murada nos pareció que en la letra cobraba un significado completamente diferente».

Continúan revelando que en la casa YA NO hay fantasmas: «Se trata de un estudio flipante y entre sus muchas particularidades tiene una en concreto que lo hace muy especial: allí hay fantasmas. Mejor dicho, había. Hace unos años un exorcista los expulsó de la planta de arriba de este estudio donde atemorizaban a quienes descansaban en sus habitaciones. Se deshicieron de todas esas presencias centenarias que habitaban la parte antigua de la casa, pero se olvidaron de María, que se quedó sola en la planta de abajo. Rápidamente se hizo nuestra amiga, especialmente de Zahara que era quien la veía. Martí cada mañana le daba los buenos días en catalán y le comentaba un par de cosas bonitas para que se sintiera a gusto. Fuimos dos veces a Casa Murada: Primero en septiembre, cuando el agua de la piscina estaba helada; y más tarde, en noviembre, cuando decidimos componer, producir y grabar la última canción del disco allí. Desde el primer día fuimos acercándonos a ella, hasta que, como si de uno de esos fantasmas de los que habla la canción se tratase, se nos apareció junto al piano recién afinado. Queríamos que hablase de esos mosquitos devoradores, de esa sensación extraña de estar viviendo algo precioso sin saber si volverás a sentir alguna vez algo así. El mismo día que vosotras y vosotros descubristeis _juno nosotros supimos que María también había sido expulsada de la Casa Murada. Si queréis que aparezca alguna vez solo tenéis que escuchar esta canción».

Previamente, en entrevista con JENESAISPOP, _juno habían hablado sobre los reverbs naturales que ofrece este estudio catalán: «Allí el disco da un salto, porque está grabado aquí en mi estudio», indica Martí. «Era más digital, y más seco. Allí amplificamos la parte más electrónica. La Casa Murada tiene dos pozos para hacer reverbs, como la sala de eco de Abbey Road, pero en plan natural, para que la electrónica sea más orgánica y no viva en el ordenador». Podéis escuchar los ecos muy especialmente en la voz de Zahara en una grabación que alterna la truculencia de ‘Poltergeist’ con el romanticismo de ‘A Ghost Story’; una composición que sin estribillo alguno logrará perdurar en el tiempo, merced a ese piano de pop de cámara, que en un momento dado recuerda a La Buena Vida.

Lo mejor del mes:

‘Say Something’ de Kylie Minogue mejora a la 5ª escucha: ¿hay paciencia para eso hoy en día?

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La redacción de JENESAISPOP evalúa el single de regreso de Kylie.

«Kylie se ha dado prisa en volver y en medio de un futuro incierto sobre todo para la música en directo -un porcentaje importante de sus ingresos actuales- anuncia disco y saca single. Antes de que pueda pasar de moda el hedonismo popero de Dua Lipa e incluso The Weeknd, Kylie deja el country y vuelve a lo que hace mejor… con una canción demasiado inspirada en la zona media de sus «greatest hits» (‘I Believe In You’, ‘Like a Drug’, etcétera). Uno querría que hubiera apretado las tuercas a los artistas más jóvenes con una canción un poquito más contundente, con el mismo brilli-brilli que prometía la portada de ‘DISCO’. En contraste con ese exceso, en producción parece haber primado ese «disco maduro» al que hacía referencia durante la promoción, quedándose algo corta: el tema mejora en la 5ª escucha, exactamente la que el público generalista no va a concederle. Eso sí, el álbum sale el 6 de noviembre, de lo cual deducimos que hay como mínimo un segundo single programado en otoño. Esperemos que el nuevo ‘Get Outta My Way’, que también fue un segundo single». Sebas E. Alonso.

«En papel, ‘Say Something’ parece la introducción perfecta al mundo que Kylie ha construido en ‘DISCO’, su nuevo álbum: no es exactamente disco, sino más bien synth-pop o electro-pop, por lo que no cabe esperar un álbum centrado exclusivamente en este estilo, pero además incorpora unas guitarras que nos remiten al disco anterior, como queriendo establecer un puente entre ambos trabajos que posiblemente se derrumbará una vez lanzado el segundo single, confirmado por la propia australiana. Ya la portada de ‘DISCO’ nos abría las puertas al sonido «galáctico» de esta emotiva canción cuya estructura la hace sonar como un cohete que poco a poco despega hacia el cielo, más que como una canción de pop con estrofa y estribillo convencional. Irónicamente, el hecho que ‘Say Something’ no suene como un primer single ideal es lo que lo convierte en un primer single ideal: funciona a modo de «reset» y además no hace más que crecer con las escuchas. Por poner una pega, la producción de Biff Stannard (‘Love at First Sight’, ‘In Your Eyes’) suena plana y monocromática, no termina de hacer relucir la supuesta riqueza que esconde la música, sin embargo, la embriagadora euforia que alcanza el tema en su final lo compensa con creces». Jordi Bardají.

«Me sabe mal decir esto, pero por muchas vueltas que queramos darle, ‘Say Something’ decepciona. Mucho se criticó de más a ‘Golden‘, un disco que no estaba tan mal como se dice, pero ya le gustaría a ‘DISCO’ haber contado con un primer single tan rotundo como ‘Dancing‘. Una canción pop en los cánones, independientemente de si aquella pseudo-armónica o el banjo eran arreglos atinados o no. Precisamente eso es lo que falla en ‘Say Something’: al experimentar con las estructuras pop como marca el pop de hoy en día, se cargan (no solo ella, sino también su equipo de productores) el potencial que indudablemente tiene. La canción comienza entregándonos su gancho principal –esos «uuuh-uuuuh-uuuuh»s– inadvertidamente, para tras un buen pre-coro, entregarnos un feísimo «estribillus interruptus» –ese «s-s-s-say something»– que da un bajón terrible al ser cortado de raíz, mal rematado. Y resulta que hay que esperar dos minutos y medio para que sea el puente el que brille de verdad y nos lleve, entre ciertos ecos de ABBA, hasta un, ya sí, bonito final de la canción. Mira que se le critica por repetitivo, pero ¿dónde está Stuart Price cuando se le necesita? Y digo más: ¿dónde quedó el disco en el primer avance de ‘DISCO’?». Raúl Guillén.

Troye Sivan, La Bien Querida, _juno y Los Planetas, entre lo más votado de JNSP

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Jessie Ware recupera el número 1 de lo más votado de JENESAISPOP en una semana en la que lo más destacado es la subida de Zara Larsson hasta el número 3 con ‘Love Me Land’. Hay numerosas entradas, a destacar Troye Sivan, La Bien Querida y _juno dentro del top 20 y Los Planetas en la zona baja de la tabla con su single anti-capitalista. Toca despedirse de varios temas de Perfume Genius, Charli XCX, Katy Perry y Doja Cat, ya en la mitad baja de la tabla y con 10 semanas o más de permanencia. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 4 1 3 What’s Your Pleasure? Jessie Ware Vota
2 1 1 9 Rain On Me Lady Gaga, Ariana Grande Vota
3 15 3 2 Love Me Land Zara Larsson Vota
4 6 2 34 Blinding Lights The Weeknd Vota
5 2 1 25 Physical Dua Lipa Vota
6 10 2 11 Save A Kiss Jessie Ware Vota
7 12 6 8 TKN Rosalía, Travis Scott Vota
8 3 1 17 Break My Heart Dua Lipa Vota
9 5 1 38 Don’t Start Now Dua Lipa Vota
10 7 1 21 Stupid Love Lady Gaga Vota
11 11 1 Easy Troye Sivan Vota
12 8 5 18 In Your Eyes The Weeknd Vota
13 13 13 10 Watermelon Sugar Harry Styles Vota
14 17 14 4 Mequetrefe Arca Vota
15 14 13 3 America Sufjan Stevens Vota
16 16 1 Un gatito La Bien Querida Vota
17 28 15 5 Do It Chloe x Halle Vota
18 18 1 _BCN626 _juno Vota
19 37 19 2 Natalie Don’t RAYE Vota
20 13 1 49 The Greatest Lana del Rey Vota
21 21 16 9 Time Arca Vota
22 22 1 5 ¡Hoy no! Mónica Naranjo Vota
23 21 7 12 On the Floor Perfume Genius Vota
24 19 11 10 claws Charli XCX Vota
25 36 25 8 Peleadora Mala Rodríguez Vota
26 20 20 3 Don’t Wanna HAIM Vota
27 25 10 4 Corazón astral Javiera Mena Vota
28 34 27 9 You’re All I Want Cigarettes After Sex Vota
29 38 29 2 For Sure Future Islands Vota
30 11 6 21 Say So Doja Cat Vota
31 16 11 10 Daisies Katy Perry Vota
32 26 26 3 This Love Isn’t Crazy Carly Rae Jepsen Vota
33 31 28 3 Bad Friend Rina Sawayama Vota
34 32 3 5 Blame It On Me Melanie C Vota
35 35 17 5 BLACK PARADE Beyoncé Vota
36 29 20 7 La fuerza La Bien Querida Vota
37 32 31 3 Chicos transparentes Algora Vota
38 38 1 La nueva normalidad Los Planetas Vota
39 33 15 5 De dónde vienes Delaporte, PUTOCHINOMARICÓN Vota
40 40 22 4 My Own Soul’s Warning The Killers Vota
Candidatos Canción Artista
Post Humorous Gus Dapperton Vota
The Buzz Pretenders Vota
A Boat to Drown In METZ Vota
Perfecto Sen Senra Vota
Fix Me Up Katy J Pearson Vota
House Music All Night Long JARV IS Vota
cardigan Taylor Swift Vota
Un día (One Day) J Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny, Tainy Vota
Reflecting Light The Avalanches Vota
La partida Cómo vivir en el campo Vota
Distant Axis Matt Berninger Vota
Say Something Kylie Minogue Vota
Chicken Tenders Dominic Fike Vota
Start Ellie Goulding Vota

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Tina Turner logra su primer top 40 en más de 15 años, gracias a Kygo

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Hace una semana Kygo publicaba un remix de un viejo tema de Tina Turner en busca de un hit como el que recientemente ha construido junto a Whitney Houston, ‘Higher Love‘. Tina Turner está viva, recientemente ha cumplido 80 años y ahora es suiza, pero está retirada del mundo discográfico, optándose en este caso por reinventar una canción muy conocida suya en lugar de por rebuscar en su discografía.

‘What’s Love Got To Do With It’, originalmente editada en 1984, cuando alcanzaba el top 3 en Reino Unido, el top 1 en Estados Unidos y el top 6 en España, ha sido la composición escogida y la verdad es que la adaptación que ha realizado Kygo es menos atrevida que la de Whitney: unos toques de subi-subidón por aquí y por allá a la moda de 2012 han sido más que suficientes. Eso y un vídeo protagonizado por gente joven, en el que los problemas de comunicación, el no sentirse valorado dentro de una pareja y el no saber valorar las cosas son el centro de atención.

Pese a lo manido de todo esto, la nueva versión de la canción iba muy bien posicionada en las midweeks gracias a las descargas, en torno al puesto 25 el pasado lunes, y una vez transcurrido el efecto sorpresa y dado el escaso apoyo de radios y playlists, el tema ha caído. Pero no lo suficiente como para no aparecer en el top 40 británico, por los pelos, en el número 40, otorgando a Turner su primera posición en dicho top 40 desde 2004.

Bajo estas líneas podéis encontrar el histórico del top 75 de la cantante suiza en las islas británicas, por cortesía de Buzzjack: sirva como recordatorio de todos sus hitss, dado que el tema no tiene opción alguna de triunfar en el Billboard Hot 100, al menos de momento. Como observáis, Tina no ha logrado nunca un número 1 en las islas, ¿pero quién lo necesita cuando tienes tus temas en el top 75 durante 7 décadas seguidas?

1966 03 River Deep – Mountain High (Ike & Tina Turner)
1966 48 Tell Her I’m Not Home (Ike & Tina Turner)
1966 16 A Love Like Yours (Don’t Come Knocking Everyday) (Ike & Tina Turner)
1973 04 Nutbush City Limits (Ike & Tina Turner)
1983 06 Let’s Stay Together
1984 40 Help!
1984 03 What’s Love Got To Do With It
1984 45 Better Be Good To Me
1984 26 Private Dancer
1985 57 I Can’t Stand The Rain
1985 03 We Don’t Need Another Hero (Thunderdome) -OST-
1985 55 One Of The Living -OST-
1985 29 It’s Only Love (Bryan Adams & Tina Turner)
1986 33 Typical Male
1986 43 Two People
1987 30 What You Get Is What You See
1987 43 Break Every Rule
1987 56 Tearing Us Apart (Eric Clapton & Tina Turner)
1987 78 Paradise Is Here
1988 71 Addicted To Love (Live)
1989 05 The Best
1989 08 I Don’t Wanna Lose You
1990 13 Steamy Windows
1990 31 Look Me In The Heart
1990 28 Be Tender With Me Baby
1990 05 It Takes Two (Rod Stewart & Tina Turner)
1991 23 Nutbush City Limits (The 90s Version)
1991 13 Way Of The World
1992 29 Love Thing
1992 22 I Want You Near Me
1993 07 I Don’t Wanna Fight
1993 12 Disco Inferno
1993 16 Why Must We Wait Until Tonight
1995 10 GoldenEye
1996 23 Whatever You Want
1996 13 On Silent Wings (feat. Sting)
1996 12 Missing You
1996 27 Something Beautiful Remains
1996 32 In Your Wildest Dreams (feat. Barry White)
1999 10 When The Heartache Is Over
2000 27 Whatever You Need
2004 25 Open Arms
2010 62 Proud Mary
2020 40 What’s Love Got To Do With It (Kygo & Tina Turner)

Maroon 5 piden la legalización de la marihuana con ‘Nobody’s Love’, su nuevo single

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Maroon 5 han publicado hoy su primer single después del enésimo hit-cuando-parecía-que-se-la-iban-a-pegar de su carrera con ‘Memories‘. Se trata de ‘Nobody’s Love’, un medio tiempo introducido por un órgano que parece sacado de un disco de la edad de oro Michael McDonald y que va virando hacia lo bailable con la producción de The Monsters & Strangerz (Katy Perry, Dua Lipa, Camila Cabello, Halsey, Ellie Goulding) y B Ham, que ya se encargaban de esa tarea en el éxito previo del grupo comandado por Adam Levine.

El para muchxs sex-symbol protagoniza un llamativo videoclip para la canción. Y no porque sea algo espectacular, ni mucho menos. De hecho, sorprende que un grupo de su estatus y medios publique un vídeo que parece (bueno, es) una grabación doméstica amateur. Pero aún así, el clip tiene mandanga… literalmente: Levine, llamativamente rapado a cero y con una poblada barba, aparece casi en primer plano sentado en un jardín mientras canta la canción. Sucesivos planos revelan que, mientras nos canta, Adama se está liando un cigarrito. Y sí, es de la risa: una buena pila de cogollos de marihuana ocupan la mesa ante él. No es casual: el vídeo se cierra con un texto escrito que aboga por «el fin de la guerra contra la marihuana». Básicamente, defiende que la persecución criminal de «cientos de miles» de consumidores solo sirve para gastar impuestos que deberían revertir en la sociedad de mejor forma.

Este inesperado alegato de un grupo tan masivo al consumo de cannabis llega una semana después de que Mickey Madden, hasta ahora bajista de Maroon 5, anunciara una «excedencia en el futuro próximo» de su actividad con el grupo. Un comunicado suyo indicaba que «se enfocaría en resolver algunas cosas que debía tratar», refiriéndose a su arresto por violencia doméstica hacia una persona no revelada, conocido un par de semanas antes. De ser procesado, Madden podría enfrentarse a una pena de prisión de entre 2 y 4 años. Maroon 5 manifestaron estar destrozados por la noticia y anunciaron que dejarían «espacio» a los implicados para resolver la cuestión.

Cómo vivir en el campo / Siempre te he amado, nunca he…

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Antes de que nadie nos lo diga, somos perfectamente conscientes de que el título exacto del cuarto largo de los madrileños Cómo vivir en el campo es ‘Siempre te he amado, nunca he dejado de quererte, toda mi vida es para ti’. Casi nada. Uno sospecha que, además de lirismo, tras esa retahíla de tópicos de romanticismo exacerbado hay también algo de retranca: el trío formado por Pedro Arranz, Carlos Barros y Miguel López se habrá echado alguna risa viendo cómo descoyunta maquetaciones de publicaciones de papel (las que quedan, ay) y online (las que resistimos, *suspiro*) o agota la capacidad de tuits. Pero sobre todo marca el carácter de un proyecto que siempre fue a la suya. «Siempre te he amado» es, en buena manera, la sublimación de ese camino propio. Y la alcanzan, con toda la paradoja que eso supone, con la intención de hacer un disco de cante y de baile. Ellos, que renuncian de manera manifiesta al estribillo –que no al gancho–, a la estructura obvia, a la grandilocuencia y a la electrónica de barraca de feria.

Y, como espantando cualquier idea preconcebida al respecto, el disco arranca con ‘Starry Belle’, una ensimismada letanía de casi 7 minutos que abunda sin rubor en el imaginario uno de sus principales referentes, Yo La Tengo, yendo de un quedo instrumental con giro rock a una enérgica recta final ya cantada. Muy intencionadamente, como poniendo un lazo, el disco se cierra con una ambiental ‘Razón de amor Nº3’ que hasta un solo de saxo a lo late-Bon Iver tiene, pero no es para nada la tónica de ‘STHA, NHDDQ, TMVEPT’ (no, tampoco ayudan los acrónimos). Al contrario, estamos ante una colección de canciones muy terrenales y orgánicas, casi por momentos folclóricas, entendiendo por tal a Los Brincos, Los Coyotes, Al Green y Allman Brothers, citados varios de ellos en la nota de prensa del sello El Genio Equivocado.

Buena parte de esa querencia castizo-castellana que yo veo al disco viene de la mano de unas letras realmente bonitas en las que prima el sonido por delante del significado. Arranz es un amante de la poesía de Pedro Salinas y Nicanor Parra, y eso se refleja en figuras y versos que describen tanto como emocionan y evocan. Estrofas como «Y a mí que me tienen por necia quieren decirme cómo se le habla a las flores cómo se muerden los versos, a mí que ya fui presa» (‘Malbaratada‘, el impetuoso y desafiante monólogo una mujer madura que se revela contra el ageism); «Llévame contigo, balsera, planta limones por donde quiera que piso, o haz de mi carne un guiso, una caldereta de penas’ (‘Por favor, mátame’) o «Ese zorzal que te cantaba me viciaba de puro rabia, y tal que sus canciones te estuvieron por endemoniar, será que las mías no valían un real» (recitada en ‘Caudal’) son de esas que apetece (gracias también a la dicción, tan musical y gustosa, de Pedro) leer y escuchar. Tanto como rápido se instalan en nosotros mensajes sencillos y claros como «Sólo mátame o llévame de verbena» (‘Por favor, mátame’, aunque esa frase precisa es un préstamos tomado a una amiga) o «Un final no es un final contigo» (‘La partida’). Unas piruetas poéticas que tienen una cumbre en la musicalidad casi infantil (la más difícil de acometer, como bien sabían Vainica Doble) de ‘Refugio del martes’, realmente deliciosa.

Ese lirismo va tan a contracorriente como la manifiesta voluntad de hacer canciones bailables –aunque, curiosamente, sea un disco perfecto para disfrutar en decúbito y sin hacer nada más– sin (apenas) ordenadores, samples, cajas de ritmo ni loops. El northern soul y el funk más elegante, en cambio, nutren «Siempre te he amado» (deslumbrantes ‘Por favor, mátame’, ‘Malbaratada’, ‘Caudal’, ‘Bodas‘, ‘Rubí’) incluso más que el pop de guitarras (si ‘Refugio del martes’ es una suerte de equilibrio entre boogie e easy-listening, ‘La partida’ evoca en varios sentidos a los eternos La Costa Brava). Y, por sorprender, hasta se marcan una inesperada pero coherente aproximación a ritmos tan exóticos como el candombe en la sinuosa ‘De búho a alondra‘, tan inclasificable como el propio grupo.

Y además esa variedad se percibe siempre como parte de un todo, con el ritmo, la vibración y la calidez cosiendo fuerte el conjunto. La culpa es del palpablemente cuidado tratamiento instrumental por parte del trío, al que apoyan con coros, palmas y percusiones distintos músicos amigos, ninguno demasiado popular ni invitado para dar relumbrón. Porque está claro que CVEEC no están en esto para ser famosos o estar de moda. No hay colaboradores de renombre y no hacen estribillos memorables. Esto último puede ser un problema (y en cierta medida lo es en este disco), en tanto que a veces se eche en falta algo de pellizco en las canciones, algo que llevarte «puesto» cuando la aguja se levanta del vinilo. Muchas tienen gancho, y acaban adhiriéndose a nosotros con no tanto esfuerzo. Pero es que, sencillamente, no es lo suyo. Lo suyo, en cambio, podría ser uno de esos grupos que no se queman, que trascienden, que se recuerdan con cariño pasados los años, o que son redescubiertos por generaciones posteriores. Lo que más importa, en fin.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘La partida’, ‘Por favor, mátame’, ‘Malbaratada’, ‘Rubí’, ‘Refugio del martes’
Te gustará si te gusta: Yo La Tengo, Al Green, Espanto, Los Brincos.
Youtube: álbum completo

Pol Granch pide disculpas por los mensajes franquistas que publicó cuando era adolescente

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Pol Granch, ganador de ‘Factor X’ en 2018, se encuentra en un estupendo momento profesional después del lanzamiento de su primer disco, ‘Tengo que calmarme‘, y de haber sido confirmado en el reparto de la próxima temporada de ‘Élite‘, que sigue sin fecha de estreno.

La popularidad de Granch implica que más personas mirarán con lupa todo lo que hace en el presente o ha hecho en el pasado, y es el caso de unos tuits que han salido a relucir, que Granch publicó hace 7 años, cuando era adolescente, en los que hacía uso de un lenguaje explícitamente franquista (repetía varias veces la proclama de «arriba España» y reproducía pasajes de la letra de ‘Cara al sol’), machista (retuiteaba mensajes con insultos misóginos) u homófobo (utilizaba la palabra «gay» como insulto en un tuit descubierto que decía «puto tito, vaya cacho de gay»).

Por estos mensajes, Granch ha decidido publicar una carta de disculpa, en la que insiste que estos fueron escritos por un joven inconsciente. «Este mensaje nace de una necesidad interior de explicarme sobre los tuits escritos por mí en el pasado desde una cuenta personal y que se han hecho públicos en los últimos días», empieza el mensaje. «Esas desafortunadas afirmaciones se hicieron hace 7 años desde la cuenta de un chico inmaduro e inexperto con el que en el presente no me identifico en absoluto, ni comparto uno solo de esos mensajes y el trasfondo tan grave que tienen, del que yo no era consciente en ningún momento».

El cantante añade: «La edad no es excusa para justificar el herir los sentimientos de otro ser humano y por esta razón hoy quiero pedir disculpas y mostrar mi arrepentimiento a todo aquel al que haya herido con los comentarios de un chaval inconsciente. Hoy he crecido y madurado y mi único objetivo es seguir aprendiendo, trabajar para poder compartir mi música y afrontar nuevos retos profesionales con la mayor humildad y deseo de hacer las cosas lo mejor que sepa. Un abrazo, Pol».

Escucha lo nuevo de Jessy Lanza, Novedades Carminha, Gorillaz, PJ Harvey, Ozuna, Ana Guerra…

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A la espera de tener la certeza (no nos lo creeremos hasta que lo veamos con nuestros ojos, dados los antecedentes) de que efectivamente, como ha prometido, ‘Donda’ de Kanye West ve la luz hoy, el gran lanzamiento del día es ‘folklore‘, el disco sorpresa creado junto a miembros de The National y Bon Iver, entre otros, que Taylor Swift ha publicado hoy. Su presencia es imprescindible, por tanto, en la playlist de novedades «Ready for the Weekend», que actualizamos cada viernes. Y lo cierto es que de no ser por ella (¿ellos?), sería una semana harto desangelada en cuanto a nuevos álbumes y EPs. Aun así, contamos con el nuevo álbum de la siempre interesante y a la vez divertida Jessy Lanza, el último disco (eso dice él) antes de dedicarse íntegramente a su familia del rapero Logic, discos de proyectos de pop electrónico alternativo como MisterWives, Neon Trees y The Naked And Famous y también de dos figuras femeninas del folk de diferentes generaciones: Lori McKenna y Shirley Collins.

De manera llamativa, de lo que sí hay una verdadera avalancha esta semana es de nuevos EPs. Nada menos que Devendra Banhart, Bombay Bicycle Club, Planningtorock, Maverick Sabre, la revelación Becky and the Birds, el dúo barcelonés de electrónica Akkan, el debut de la cantautora Skullcrusher, Los Mambo Jambo, el proyecto con colaboraciones de Love of Lesbian o Dorian de L E O y la «boyband» danesa Liss (que teloneó a Vampire Weekend en su última gira europea) publican hoy discos con inéditos, nuevas versiones y/o rarezas de su discografía. Además, recuperamos el nuevo álbum que el valenciano Bearoid publicaba siete días atrás y que, involuntariamente, pasábamos por alto entonces.

Pero donde no podemos tener quejas es en el apartado de singles: hay de todo y casi todo bastante bueno. Ya sean los temas que publican figuras masivas como Dua Lipa con Bad Bunny, J Balvin y Tainy, el nuevo pelotazo de Lola Indigo & Rvfv, los nuevos temas con pinta de hit veraniego de Jason Derulo, Little Mix, Ana Guerra & Lérica u Ozuna & Wisin, como los que presentan artistas de corte alternativo como Novedades Carminha, Gorillaz (ft. Schoolboy Q), Dorian Electra, Princesa Alba, Headie One & Drake, Biig Piig, Katy J Pearson, The Limiñanas & Nuria, Metz, Sinead O’Brien, Fuzz (vuelve el grupo de Ty Segall), Sin Fang, Dent May, Elvis Perkins, Sylvan Esso, PHOAC, Feroe, Chef Creador, Fresquito y Mango, Band À Part, Lashormigas, ROLE MODEL… Y también cabe destacar los nuevos singles de Maroon 5, LP, Lee Fields & The Expressions, Bruce Hornsby (con Jamila Woods y Vernon Reid, de Living Colour), Ricky Reed (con Jim James de My Morning Jacket y la interesante duendita), J. Cole, Blake Shelton & Gwen Stefani, Bon Jovi

Por último, como siempre, señalamos algunas ediciones deluxe, remezclas o versiones que se lanzan hoy. Se han publicado nuevas ediciones de los últimos lanzamientos de Earl Sweatshirt y el lamentablemente asesinado Pop Smoke con varios temas inéditos, por ejemplo. También remixes o reinterpretaciones de canciones de 070 Shake (a cargo de Tame Impala), Alec Benjamin (por él mismo) o Miss Caffeina, que han adaptado al portugués su himno ‘Reina’. Y una curiosísima versión pop punk de ‘Si veo a tu mamá’ de Bad Bunny a cargo de Brigitte Laverne. Además, Andy Shauf publica dos canciones que se quedaron fuera de su excelente nuevo disco ‘The Neon Skyline‘. Y, por último, destaca la publicación íntegra de las demos previas a la grabación de ‘Dry’, el debut de PJ Harvey. ¡A por ello!

Escucha la playlist «Ready for the Weekend»

Primeras impresiones de ‘folklore’ de Taylor Swift: cuidadas historias en su disco más «alternativo»

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Taylor Swift publica hoy su nuevo disco anunciado este viernes por sorpresa, un ‘folklore’ que llega menos de un año después del lanzamiento de ‘Lover’ y que aleja a la artista de las grandes superproducciones pop de sus últimos trabajos para devolverla a las coordenadas folk/country de los primeros, aunque desde un prisma mucho más adulto y maduro (Apple Music lo lista como «Alternativo»).

Un dato imposible de pasar por alto en una primer escucha de ‘folklore’ es que que Taylor ha co-escrito la mayor parte del álbum junto a Aaron Dessner de The National, co-autor de 11 de sus 17 pistas. La firma de Taylor es obviamente perceptible en letras y melodías como siempre ha sido el caso, mientras la de Dessner ejerce un peso enorme en el sonido de pianos y arreglos orquestados, hasta el punto que estos parecen inspirarse directamente en los arreglos de álbumes de The National como ‘Boxer‘ o ‘Sleep Well Beast‘. Esto es evidente por ejemplo en el single ‘cardigan’, uno de los varios temas del álbum que Dessner ha co-escrito y producido. El segundo productor presente en ‘folklore’ es Jack Antonoff -está en ‘mirrorball’, entre otras- y ambos aparecen juntos por ejemplo en ‘betty’, una de las pistas del largo que están siendo tendencia en la mañana de hoy.

Las letras de ‘folklore’ siguen hablando de amores pasados (‘the 1’, ‘my tears ricochet’) y algunas parecen dirigirse a los enemigos de Taylor (‘mad woman’) pero no son necesariamente autobiográficas en su totalidad. ‘the last great american dynasty’ habla de la mecenas Rebekah Harkness, en cuya casa en Rhode Island reside Taylor ahora, mientras ‘cardigan’, ‘august’ y ‘betty’ forman el «triángulo de amor adolescente» del disco, con el que Taylor ha querido contar una historia de infidelidad desde los tres puntos de vista. Por otro lado, en ‘my tears ricochet’, la de Tennessee canta desde el punto de vista de una joven que ha muerto. Acorde con la estética tan propia de los años 20 del álbum, algunas letras mencionan directamente esta época (los «locos años veinte» de ‘the 1’) o utilizan simbología bélica (‘my tears ricochet’) cuando no buscan el anacronismo de una historia de amor gay vivida a escondidas (‘seven’). En el álbum también hay lugar para la reflexión personal de temas como ‘mirrorball’, que habla sobre la tendencia de Taylor a imitar las personalidades de los demás para encajar; o ‘peace’, una pequeña contemplación sobre la infancia.

Musicalmente, ‘folklore’ es un álbum tranquilo, sereno, maduro, que no puede sonar más alejado del pop electrónico de ‘Lover‘ o ‘reputation‘, y que parece haber esquivado deliberadamente la búsqueda del hit, si bien ‘the last great american dynasty’ podría serlo sin problema. Manda el estilo de los temas más folki de ‘Red‘, como ‘Begin Again’, o de aquel single que Taylor sacó con The Civil War para ‘Los juegos del hambre’ llamado ‘Safe and Sound’. Es un trabajo contemplativo ante todo en el que por momentos parecen asomar ecos a los Mazzy Star de ‘So Tonight I Might See’ (‘seven’), por supuesto a Lana Del Rey, a quien Taylor considera la artista más influyente de la década (‘cardigan’) o a célebres autoras de folk contemporáneo como Alela Diane y que, cabe apuntar, ha contado con la colaboración de Bon Iver en una de las pistas, ‘exile’, una de las pocas del álbum que presentan tímidos arreglos electrónicos.

No por esperada, la vuelta de Taylor ha este sonido ha sido menos sorprendente, dada su prontitud. Por supuesto, las circunstancias de la cuarentena han motivado a la cantante a escribir un álbum modesto e íntimo, pero la calidad de las canciones y del conjunto está llevando a la crítica a puntuar este álbum, ya en el día de su salida, con cinco estrellas, o incluso a considerarlo el mejor de su carrera. En foros el entusiasmo también es palpable, especialmente ante la cuidada narrativa de estas composiciones y la naturalidad de sus melodías y arreglos. En nuestro foro hay quien ha mostrado decepción por que ‘folklore’ no haya arriesgado más a la manera de «Feist o Sufjan» (ojo porque un colaborador de Sufjan, James McAlister, aparece acreditado en este álbum), pero la sensación general, también en foros anglosajones como el de Popjustice, es que Taylor ha publicado uno de sus mejores trabajos, uno que sus fans llevan tiempo esperando.

¿Puede ser Tainy lo mejor de ‘Un día (One Day)’, el tema de Dua Lipa, J Balvin y Bad Bunny?

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El día ya llegó. Esta madrugada -hora española- ha aparecido en el canal de J Balvin de Youtube la colaboración que se ha marcado junto a Dua Lipa y Bad Bunny y que se ha conocido durante estos últimos meses como «Plateado», pues era el nombre con el que había sido registrada.

Se trata de una canción en Spanglish en la que comienza cantando Dua Lipa primera estrofa y estribillo, para dar después lugar a J Balvin en la segunda estrofa. Bad Bunny aparece en último lugar finalmente para merenderse su parte: «Y yo voy a que te beso de nuevo en London / O si no en Marbella / Encima de la arena viendo las estrellas / Yo sé que ni las olas han borrado mi huella / Pero tu pichaera es lo que me atropella». Precisamente sorprende que el tema esté en el canal de J Balvin, pues es quien parece pasar más desapercibido en este tema, un poco perdido en la parte más desagradecida de la composición, la central. Cosa que, ojo, no pasaba precisamente en ‘Despacito’ cuando entraba Daddy Yankee.

Sin embargo, si por algo destaca ‘Un día’ es por su atípica producción. El ritmo característico del reggaetón está ahí, pero llaman mucho la atención una serie de teclados y sintetizadores muy poco frecuentes en el género que nos llevan hacia la electrónica de Moby en ‘Play’ o incluso una banda de synth-pop o dream pop, de Beach House a Apparat. Es ese fondo la baza más exquisita de la canción, y no en vano Tainy ha sido acreditado como «featuring» dado su peso. Según los créditos visibles en Tidal, la producción corresponde a J Balvin y a Tainy y pese a que este no llega a decir «esta boca es mía», se ha considerado su participación y su trabajo en la ingeniería de la grabación suficientes como para otorgar un «featuring». Por algo será.

El hombre detrás de ‘Safaera’, ‘Yo perreo sola’, ‘Callaíta’ o ‘I Like It’ de Cardi B logra así un ápice de la visibilidad de los tres artistas principales… y de Úrsula Corberó. Convertida en estrella mundial dado su protagonismo en ‘La casa de papel’, la actriz es la protagonista de este vídeo típico de la era «covid», ciertamente «plateado», perfecto desde su soledad para hablarnos de una ruptura. Y ojo porque hay que recordar que esto es un sueño hecho realidad para Bad Bunny: es tan fan de ‘La casa de papel’ que la serie ya ha aparecido un par de veces en sus letras.

Lo mejor del mes:

Se busca a… Lady Gaga en ‘Chromatica’

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Este viernes 24 de julio arrancaba originalmente la gira de ‘Chromatica‘ de Lady Gaga, que ha sido aplazada a 2021 debido a la pandemia. Con la gira pospuesta cabría pensar que Gaga hubiera maquinado algún plan para seguir promocionando su excelente nuevo disco desde el confinamiento, pero desde el lanzamiento del espectacular videoclip de ‘Rain on Me’ con Ariana Grande, estrenado el pasado 22 de mayo y rodado meses antes de la pandemia, apenas ha publicado un extraño «lyric video» para ‘Sour Candy’ con BLACKPINK -sin que este tema haya sido lanzado oficialmente como single- y un par de remezclas de ‘Rain on Me’ por Purple Machine, a los que pronto seguirán dos nuevos remixes para ‘Stupid Love’ (por Ellis) y ‘Free Woman’ (por la gran Honey Dijon).

La «ausencia» de promoción de ‘Chromatica’ puede explicarse más allá de que su gira haya sido lógicamente postergada al año que viene. En primer lugar, las muerte de George Floyd el pasado mes de mayo daba la vuelta al mundo a muy pocos días del lanzamiento del disco, y Gaga decidía entonces centrarse en apoyar el movimiento Black Lives Matter, por ejemplo cediendo su perfil de Instagram a activistas y organizaciones del movimiento para «amplificar sus voces», como hacían también otros artistas como Selena Gomez.

Pero sobre todo existe una razón comercial, pues el disco se está manteniendo dignamente en listas sin necesidad de haber llevado a cabo dicha gira ni de pensar posibles terceros o cuartos singles: es a día de hoy el 10º disco más vendido de 2020 en todo el mundo, de hecho está a punto de alcanzar el millón de copias vendidas, y parece que le queda cuerda para rato pues ‘Rain on Me’ sigue fuerte en listas (top 4 en Reino Unido, top 28 en Estados Unidos) y es una de las varias canciones del verano que nos está dejando este extrañísimo inicio de década. Las comparaciones son odiosas pero oportunas: Mientras The Weeknd ha sacado un «remix» de ‘In Your Eyes’ con Doja Cat y este mismo miércoles un vídeo animado para ‘Snowchild’, Katy Perry se ha currado algunos de los directos más llamativos de la cuarentena y Dua Lipa se ha dignado a sacar un cuarto single de ‘Future Nostalgia‘ para el que también ha presentado un vídeo animado, Lady Gaga no está haciendo nada y le está funcionando.

¿Pero hasta dónde llega la aparente indiferencia de Gaga hacia la promo de ‘Chromatica’? De acuerdo que la situación actual está dificultando enormemente las cosas, pero tampoco está impidiendo a algunos artistas seguir defendiendo sus nuevos trabajos. Lady Gaga parece haber optado por esperar a poder hacer las cosas como es debido, y visto lo visto, le está yendo bien; pero la sensación que está dejando la escasa promoción del álbum es de cierta dejadez y abandono. Efectivamente parece que esta etapa ya sea cosa del pasado a pesar de que ‘Chromatica’ era editado hace apenas dos meses. No está habiendo nuevos singles cuando la competencia era escasa al menos hasta la bomba que acaba de soltar Taylor Swift y por ejemplo ‘Free Woman’ o ‘911‘ podrían funcionar… pero tampoco se está potenciando ‘Rain on Me’ o ‘Sour Candy’ de ninguna manera; y quizá por lo doloroso de algunos temas tratados en el álbum, la cantante tampoco ha concedido demasiadas entrevistas para hablar de él.

Al margen de estas decisiones creativas y promocionales que necesariamente involucrarían a mucha más gente, Gaga tampoco se está prodigando demasiado en las redes estos días y apenas ha vuelto a ellas para mencionar su línea de cosméticos o su colaboración con una marca de relojes. Gaga, ¡has sacado un disco! ¿La bueno de todo este asunto? Que cuando Stefani Germanotta quiera volver a lo grande, difícilmente el público le dará la espalda, pues ‘Chromatica’ está demostrando una resistencia comercial envidiable. ¿Lo malo? A pesar de las circunstancias, la experiencia fan de esta nueva etapa de Lady Gaga está siendo un aburrimiento. Entre lo más emocionante que ha pasado, un montaje de ‘Babylon’ con escenas de ‘Pose‘ que da todas las ganas que ser oficial…

Big Boi y Kate Bush, la posible colaboración

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Big Boi es conocido por dos cosas, por haber sido integrante de Outkast, una de las bandas de hip-hop más importantes del siglo XXI, y por ser el mayor fan de Kate Bush sobre la faz. Tal es la admiración de Big Boi por la autora de ‘Hounds of Love’ que SPIN llegaba a publicar una cronología de sus declaraciones sobre ella en la prensa, en las que afirmaba adorar su estilo y sus letras después de que su tío le introdujera en su música cuando él iba a la escuela.

El rapero fue una de las pocas personas afortunadas que consiguieron asistir a ‘Before the Dawn’, la serie de conciertos que Kate Bush realizó en Londres en el año 2014, 35 años después de su última actuación en directo. En 2017, Big Boi reveló que había compartido una comida con Kate Bush, y sobre ella ha hablado el rapero en una entrevista reciente: «Al final de ‘Before the Dawn’ nos invitó a mi mujer y a mí a tomar una copa de vino, y no mucho después de aquello, quedamos para cenar. Ella y yo, charlando un par de horas». El artista explica que ambos hablaron de sus hijos, que Bush le descubrió un tipo de coñac de almendras y que es una «señorita muy agradable».

Cuestionado por si lleva mucho tiempo intentando colaborar con Kate Bush, Big Boi responde que «estemos atentos», lo que da a pensar que la autora de ‘Wuthering Heights’ podría aparecer en el próximo álbum del rapero, ‘Big Sleepover’, su esperado disco colaborativo con Sleepy Brown. De ocurrir esta colaboración sería un milagro: si la artista saca pocos discos (va a uno por década, el último data de 2011), ya ni hablar de colaboraciones. Este año, en medio de la pandemia,hemos repasado sus 50 mejores canciones.

La sombra de The National es alargada en ‘cardigan’, lo nuevo de Taylor Swift

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Taylor Swift ha anunciado este jueves nuevo disco por sorpresa. Se titula ‘folklore’ y ha salido esta misma noche como se prometía desde su página web. «Es un disco de «canciones nuevas en las que he vertido mis deseos, sueños, miedos y ruminaciones», indicaba. La edición física de ‘folklore’ contará con hasta 8 ediciones de lujo tanto para vinilo como para CD «porque este es (su) octavo álbum».

El sucesor de ‘Lover‘ es un trabajo compuesto durante el confinamiento, como explica Taylor en una carta que acompaña al anuncio del disco, y para su misma sorpresa, pero que a su vez ha contado con la colaboración de algunos «héroes» de la cantante, entre los que se encuentran Bon Iver, co-autor de una de las 16 canciones que contiene el disco, en la que además hace coros, y Aaron Dessner de The National, co-autor de 11 de estas 16 nuevas composiciones. Jack Antonoff y William Bowery también han participado en el álbum.

Esos 11 créditos nada menos apuntan a una influencia de The National muy jevi en el álbum de Taylor Swift, lo que ha sido confirmado por el delicado single ‘cardigan’, más cercano al sonido de la banda de los gemelos Dessner que a los álbumes de country de la cantante. De hecho, pocas veces ella misma, con una personalidad tan marcada sea cual sea el estilo, ha sucumbido tanto a la identidad de un colaborador. El vídeo ha sido dirigido por la propia Taylor, en las situaciones que la pandemia de covid-19 han permitido, pero con bastante imaginación y recursos al respecto.

01 the 1
02 cardigan
03 the last great american dynasty
04 exile (feat. bon iver)
05 my tears ricochet
06 mirrorball
07 seven
08 august
09 this is me trying
10 illicit affairs
11 invisible string
12 mad woman
13 epiphany
14 betty
15 peace
16 hoax
17 the lakes (bonus track)