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Teenage Fanclub estrenan ‘Home’ de su nuevo álbum, ‘Endless Arcade’

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Los incansables Teenage Fanclub, autores de álbumes tan icónicos de la historia del indie como ‘Bandwagonesque’, anuncian su primer lanzamiento desde ‘Here’ (2016).

El álbum nuevo se llama ‘Endless Arcade’ y para tenerlo en nuestras manos habrá que esperar hasta el 5 de marzo. Eso sí, hoy se ha subido a plataformas digitales su primer single, ‘Home’, marca de la casa, que abrirá este disco. Y ojo porque ante la imposibilidad de presentar el próximo álbum en vivo… confirman que ya preparan otro nuevo para más adelante.

Su sello describe ‘Endless Arcade’ de la siguiente manera: «El nuevo álbum es la quinta esencia de TFC: las melodías son a partes iguales conmovedoras y dolorosas; las guitarras repican y distorsionan; las líneas del teclado son de malla y espiral; y los coros revestidos de armonía estallan como el sol en un día de tormenta (…) Si en este siglo, álbumes como «Shadows» y «Here» han documentado un Fanclub más relajado, menos «teenage», que refleja la etapa de vida y el estado mental de la banda, ‘Endless Arcade’ encaja perfectamente. El álbum recorre una hermosa línea equilibrada entre lo melancólico y lo edificante, impregnado de verdades simples. La importancia del hogar, la comunidad y la esperanza está entrelazada con pensamientos más agridulces, a veces más oscuros: inseguridad, ansiedad, pérdida».

El disco también incluye un tema lanzado en 2019 que ahora parece premonitorio, ‘Everything Is Falling Apart’, de Raymond. El disco estaba casi acabado antes del confinamiento, aunque ahora parezca significativo que se presente con algo llamado ‘Home’, el tema nuevo, que es de Norman. Dice la nota de prensa: «La búsqueda de Norman de “hogar» podría ser literal: después de todo, ha estado viviendo en Canadá durante los últimos 10 años. Pero también es figurativo. Como las otras canciones en ‘Endless Arcade’ de Norman – “The Sun Won’t Shine On Me”’, “ Warm Embrace”, “I’m More Inclined”, “Back In The Day” y “Living With You” – sus palabras en “Home” están grabadas por la pérdida y el anhelo. “Sin entrar en demasiados detalles, los últimos dieciocho meses han sido un desafío para mí a nivel emocional”, admite. «Pero ha sido catártico canalizar algunos de estos sentimientos y emociones en canciones. Por el contrario, las canciones de Raymond (también es responsable de «Come With Me», «In Our Dreams», «The Future» y «Silent Song») son filosóficas y de búsqueda. Como canta en «The Future»: «Es difícil caminar hacia el futuro cuando tus zapatos están hechos de plomo», pero aún así lo intentará, «y ver cosas que nunca hemos visto»».

Canciones del álbum:
1. Home
2. Endless Arcade
3. Warm Embrace
4. Everything is Falling Apart
5. The Sun won’t shine on me
6. Come With Me
7. In Our Dreams
8. I’m more inclined
9. Back in the Day
10. The Future
11. Living with You
12. Silent Song

Sesión de Control: Escucha lo nuevo de La Cebolla, Confeti de Odio, Pedro LaDroga…

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Renovamos nuestra playlist dedicada al pop nacional y en castellano «Sesión de Control» con algunas de las novedades más suculentas editadas durante las últimas semanas. Comenzamos con Unidad y Armonía, que desde Casa Maracas, el sello de Los Planetas, han hecho una versión -junto a las hermanas Morente- de un tema muy querido en el site, ’Soy una nube’ de las imprescindibles Elia y Elizabeth.

En la playlist reunimos una serie de proyectos de bedroom pop o lo-fi, como es el caso de julia amor, Perdón con su corte ‘Eres una mierda’, desde Elefant «Laborde» (cantante de Lisasinson), o la valenciana Carlota, que ha sacado un nuevo EP tras triunfar con su tema ’Tobillos’. En la línea, Confeti de Odio colabora con Alicia Te Quiero (la de ‘yo por ti, tú por mí’ con Luichi Boy). Más rockeros son los temas de Cora Yako, Cuchillas (a medio camino entre Tulsa y Pixies), Chloral, o Emilia, Pardo y Bazán, que cantan a la cita de Tinder que nunca llegó y al reggaetón de Rosalía.

La canción de Innercut con Juancho Marqués y Pedro LaDroga, rockera, serviría de puente entre secciones «urbanas» e indies, y también sorprende el tema lleno de folclore latino que se ha marcado Yung Beef: 7 minutazos de mambo con varios colaboradores chilenos y españoles (Pablo Chill-e, Julianno Sosa, Drago200 y Harry Nach desde Chile). La Cebolla, desde el sevillano barrio de las Tres Mil Viviendas, ha estrenado hoy mismo un tema con Negro Jari tras el pelotazo de ‘Habibi’, mientras Flavio de OT ha sacado la interesante ‘Ya’ junto a Daniel Sabater.

REYKO han empezado a presentar temas de su disco del año que viene, y entre quienes ya lo tienen en el mercado hay que hablar de Mourn y Alberto Montero (del que presentamos un tema con Laetitia Sadier). El proyecto de electrónica Fur Voice tiene nuevo EP.

Temerario Mario (miembro de Carolina Durante) y shego, que ya pasaron por esta sección, continúan estrenando nuevos temas, y completamos la playlist con nuevas canciones de Lost Tapes (el proyecto indie pop de Pau Roca); Papá Topo, que hacía una nueva y reivindicable versión de ‘La chica vampira’ con María Daniela; The Grooves y Yahaira, que se unen en un remix electro de ‘Todos a las llamas’; Izah, DEVA, Perapertú, Ganges y
Kermesse. Entre las curiosidades, el tema que Miqui Brightside ha hecho para el 4º episodio de la exitosa serie ‘Veneno’, como contaba en Facebook.

¿Qué artistas de "Sesión de Control" te han gustado más?

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Woodkid / S16

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Woodkid es uno de esos artistas singulares capaces de sostener el interés por su proyecto durante largos años aún sin novedades que llevarse a la boca. En el caso de Yann Lemoine han pasado 7 años desde que publicara su primer disco, un ‘The Golden Age‘ que es recordado sobre todo por los singles multimillonarios ‘Run Boy Run’ e ‘Iron’. El nuevo trabajo de Woodkid es a todas luces una evolución de aquel en todos los sentidos.

‘S16’ recibe su título del número atómico y símbolo con los que es representado el azufre en la tabla de elementos químicos, y esto se debe a que es un trabajo inspirado en el industrialismo. Durante la composición del álbum, Lemoine visitó plataformas petrolíferas, minas de carbón y centrales nucleares y aprendió a manejar maquinaria industrial gracias a los profesionales a los que entrevistó, con el objetivo de inspirarse en los «procesos estéticos» de estas máquinas. Quedó especialmente fascinado con el sulfuro, mineral que en el ámbito industrial es usado para la creación de fertilizante y que, por un lado, forma la «base de la vida» y por el otro «puede ser utilizado como arma mortal por los humanos». Un elemento, en palabras del artista, tan «aterrador y atractivo» como el propio mundo en que vivimos.

El concepto industrial de ‘S16’ es representado en portadas, videoclips… y por supuesto también en el sonido del disco. Woodkid, que también es director de videoclips (ha trabajado para Katy Perry o Lana Del Rey), sigue interesado en orquestar sus composiciones como si fueran a sonar en ‘Ben-Hur‘, y los arreglos de cuerda de este trabajo dejan verdaderamente con la boca abierta; pero ahora también hay cabida en ellas para la presencia de percusiones -orgánicas y electrónicas- que suenan industriales, metálicas, duras y frías como el acero… pero a su vez ultra-refinadas, casi futuristas. Sin embargo, las canciones de ‘S16’ no están dedicadas a la contaminación ni al cambio climático sino a la propia vida de Woodkid: el artista nos habla en los textos de su incapacidad para asimilar el amor de los demás, de su dependencia emocional y también de una adicción a las drogas que ha superado, en canciones íntimas que la música hace necesariamente enormes.

Solo ‘Goliath’, la canción de apertura, está dedicada explícitamente a temas externos. Woodkid apunta en esta épica composición a la idea de que el pueblo puede y debe luchar contra las grandes fuerzas que cometen injusticias, y su videoclip presenta referencias al colapso climático o al auge de la extrema derecha. Musicalmente es una producción tan bélica como interesante en su uso de la música electrónica, en el que el sonido de unas capas como de hiedra metálica brota para carcomer la producción. Después, las letras personales de Woodkid toman el protagonismo. En la balada ‘In Your Likeness’, de densa orquestación, el artista lamenta sentirse «solo y cínico» mientras echa de menos a su persona amada, y ‘Pale Yellow’ esconde en su letra romántica una historia de adicción a los antidepresivos. Es la composición de ‘S16’ que mejor equilibra su uso de orquestas y percusiones industriales con la grandeza de una melodía preciosa, calamitosa en su dramatismo.

Como ya pasaba en ‘The Golden Age’, las canciones de Woodkid dependen demasiado de todo lo que sucede a su alrededor. Especialmente monótona es ‘Shift’ y una segunda mitad que se hace demasiado homogénea. Sin embargo, nadie podría escuchar ‘S16’ y afirmar que el artista no ha puesto todo su empeño en que suene lo mejor posible. Los arreglos neoclásicos de ‘Enemy’ son divinos y la canción parece de Owen Pallett… pero es que su dramático arreglo orquestal haría a la mismísima Björk mearse encima. Especialmente agresivas a la par que exquisitas suenan las percusiones de ‘Highway 27’ a pesar de que Woodkid canta en esta canción con el alma al suelo; y de las baladas es especialmente bonita ‘Horizons into Battleground’, sobre su dificultad para aceptar el amor de los demás. Entre composiciones más sexuales (‘So Handsome Hello’) y otras edificadas por la presencia de unos coros infantiles (‘Reactor’), el álbum se cierra con ‘Minus Sixty One’, que Woodkid considera su canción más importante, y en la que otro coro infantil es acompañado por un arreglo de cuerdas que deja de piedra.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Goliath’, ‘In Your Likeness’, ‘Pale Yellow’, ‘Minus Sixty One’
Te gustará si te gusta: Owen Pallett, la última Björk, Perfume Genius, Julia Holter
Youtube: vídeo de ‘Goliath’

Rozalén deja sin top 1 en España a Antonio Orozco; Ariana Grande decepciona

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Rozalén es el nuevo número 1 en España con su nuevo disco ‘El árbol y el bosque’. ‘Quién me ha visto’ y ‘Cuando el río suena’ ya fueron top 1 en nuestro país, por lo que la pregunta más bien es si ‘El árbol y el bosque’ resistirá también 2 años en lista como los álbumes anteriores de la artista. La fulgurante entrada de Rozalén deja a Antonio Orozco en el puesto 2 con su último álbum ‘Avionica’. Es el primer disco del cantante desde 2015, cuando ‘Destino’ fue top 4, por lo que en realidad el asunto era pan comido para Rozalén.

Al ver las cifras internacionales de ‘positions’ de Ariana Grande, habíamos observado que la cantante era número 1 en Reino Unido y Estados Unidos, pero con datos mucho peores que en los tiempos de ‘thank u, next’. Es el caso de España, donde el álbum tiene que conformarse con el número 5, lejos del top 1 logrado por ‘Sweetener’ y también por debajo de lo conseguido por ‘thank u next’ (top 3). Ariana queda así por detrás incluso de ‘Letter to You’ de Bruce Springsteen, que baja del 2 al 3, y de Vanesa Martín, que baja del 1 al 4, pese a que ambos están en su segunda semana, y no en la primera.

También decepcionante es la entrada de ‘Love Goes’ de Sam Smith, fuera del top 10, en el puesto 13. El disco ha sido top 2 en Reino Unido y top 5 en Estados Unidos, pero ha logrado lugares modestos en Alemania (11), Italia (20) y Francia (29).

Otras entradas que llaman nuestra atención son la de Eels con su nuevo álbum, ‘Earth to Dora’. Es solo un puesto 87 pero recalca la fidelidad del público español a la propuesta de Mark Everett. Este disco y el anterior ni siquiera han entrado ya en el Billboard 200, pese a que Estados Unidos es su propio país. Y también hay que hablar de ‘Deseo carnal’ de Alaska y Dinarama, que llega al puesto 52, suponemos que gracias a una edición en vinilo transparente. El segundo álbum de Dinarama, salió en 1984, fue número 2 en ventas, pero en 1985 su popularidad se desbordó gracias al éxito del segundo single, ‘Ni tú ni nadie’. En abril del 85, cuando ya llevaba medio año en la calle, subió al número 1, que ocupó durante 16 semanas, terminando siendo el disco más vendido del año en España de aquel año. Ni Alaska y Dinarama ni Fangoria volverían a dominar el país de tal manera, pese a los numerosos éxitos que les aguardarían, de ‘A quién le importa’ a ‘Dramas y comedias’.

El resto de entradas de la semana son La Polla Records con ‘Levántate y muere’ en el número 9, María Jiménez con ‘La vida a mi manera’ (16), Bryant Myers con ‘Bendecido’ (17), U2 con la edición 20 Aniversario de ‘All That You Can’t Leave Behind’ (19), Depeche Mode con una reedición de ‘Songs of Faith and Devotion’ (35), Motorhead con ‘Ace of Spades’ (36) , Keith Jarrett con ‘Budapest Concert’ (65) y Mr Bungle con ‘The Raging Warath of the Eastern Bunny Dem’ (85).

Amaia cancela sus conciertos en Donosti tras dar positivo en covid

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Amaia ha informado en redes de que ha dado positivo en covid-19, por lo que sus próximos dos conciertos, que tenían lugar el mismo día en Donosti (e 15 de noviembre) quedan cancelados. El día 18, la artista aún participa en la iniciativa de «últimos conciertos» de la Sala Apolo de Barcelona.

La artista ha escrito: «He dado positivo en covid, ha sido inesperado y tendré que pasar los próximos días en casa. Estoy bien pero me da mucha pena porque no podré hacer los conciertos de Donosti, que ya se habían aplazado por otro positivo… Lo siento mucho y espero veros muy pronto». Después ha publicado una curiosa imagen de ella convaleciente, con la mascarilla puesta, y satisfaciendo sus «caprichos de enferma».

La autora de ‘Pero no pasa nada‘ estrena esta tarde una actuación en directo pre-grabada de ‘El encuentro’, su nuevo single con Alizzz. El tema se aproxima a los 2 millones de streamings en Spotify y va camino de convertirse en el mayor éxito de la carrera de la navarra. El tema se mantiene actualmente en el número 59 del top 200 de singles más escuchados en Spotify España, más o menos donde entró hace unas semanas, cuando los singles en solitario de Amaia han solido desaparecer de la lista a muy poco días de registrar su primera entrada.

Joe Crepúsculo se va a un hangar a bailar el fin del mundo

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Supercrepus II‘ de Joe Crepúsculo es uno de los discos destacados del año y, por lo tanto, uno de los mejores en la carrera de este incansable artista que sigue sin conocer artísticamente techo alguno.

En este trabajo de 18 pistas que iban a ser 20 en un principio despuntan el jangle-pop de ‘Discoteca en ruinas’, el rock nuevaolero de ‘Hoy no sale el sol‘, la experimentación de ‘Comiendo shawarmas’ o la rumba castellanizada de Roxette (‘No sé si es amor‘ con Tomasito), pero también merece destacar la primera de todas por mucho que después quede camino por recorrer en el disco. ‘Calaveras negras’ es, por estilo, parecida a ‘Hoy no sale el sol’, recuerda especialmente al sonido de Gabinete Caligari hasta el punto de que el propio Crepus suena un poco como Jaime Urrutia aunque no haya sido en absoluto intencionado, y, en cualquier caso, es un temazo de pop-rock apocalíptico que triunfará en los conciertos de presentación del álbum que Crepus ofrecerá, si todo va bien, a finales de este mes de noviembre.

En una entrevista reciente, Crepus nos ha contado que es un gran aficionado a la ciencia ficción, y la historia de ‘Calaveras negras’ transcurre en un mundo en guerra en el que una sociedad de robots se dispone a destruir a toda la humanidad. «‘Calaveras negras’ antes se llamaba ‘Terminator II’ porque habla de un momento en el que la humanidad está luchando contra los robots y va perdiendo», explicaba el artista. «En la canción, la humanidad lleva mucho tiempo en guerra y está a punto de desaparecer. Entonces, en un día de luna llena, los humanos deciden hacer una fiesta, y durante esta fiesta aparecen unos drones que empiezan a atacar (a la población). El protagonista solo quiere salir de fiesta y en lo único en que está pensando es en besar a una chica. Podría decirse que la canción habla de amor, pero lo importante en este caso es el escenario».

De sonido ultra clásico situado en el pop-rock new-wave de los 80, con ese ritmo de batería bailable y esos punteos de guitarra tan Blondie, ‘Calaveras negras’ nos lleva directamente a una fiesta que transcurre dentro de un hangar, ese lugar dentro de los aeródromos donde se guardan y mantienen aeronaves de grandes dimensiones. Un escenario industrial que cobija a Crepus y a todos los presentes de la guerra que acontece ahí afuera. A medida que la canción avanza, también lo hacen los robots en la historia hasta el punto de que el «fuego» de sus armas «empieza a quemar». Así, una declaración como «los robots se acercan, no sé si quieren bailar, todo el mundo se dispersa, la alarma empieza a vibrar» llega a producir escalofríos por lo inminente de ese final trágico que Crepus conocerá bailando, entregado a la música… y en busca de ese beso.

«10 fotos que»: Sia se «jubila», Shakira patina con ‘Dreams’, Casey Spooner enseña cacho…

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Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes sociales.

Cuidado: llega el villancico

Es noviembre, es decir, absolutamente ya es Navidad si lo que esperas en todo el año es que ‘All I Want for Christmas is You’ vuelva a dominar tu vida las 24 horas del día hasta que cambie el año y desaparezca como si todo hubiera sido un sueño. Hace unos días, un internauta descubría que las búsquedas en internet de ‘All I Want for Christmas is You’ habían empezado a acusar una ligera subida, advirtiéndonos de que el monstruo acecha. Mariah contestaba: «todavía no». Claro, es que la Navidad no empieza hasta que ella lo diga. Y lo ha dicho.

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Guess what? ❄️

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Vega y Christina Rosenvinge, juntas por Cohen

Este 7 de noviembre, Vega ha protagonizado junto a su banda un concierto de Movistar Plus dedicado a Leonard Cohen. En «Canciones desde la azotea», la autora de ‘La Reina Pez‘ ha contado con la aparición de artistas invitados como Christina Rosenvinge (de actualidad tras su última incursión cinematográfica), MABU o Budiño. La cordobesa ha celebrado el encuentro: «Al final, sí sientes nostalgia de ti misma, de dedicarte a algo tan hermoso como la música, resulta que hay algo roto dentro».

El masaje de Charlie Puth

El autor de ‘Girlfriend’ es muy activo en las redes sociales, donde suele subir vídeos de sí mismo improvisando música en su teclado o haciendo beatbox. Rara vez le vemos haciendo otra cosa que no sea componer música, pero en esta imagen aparece simplemente a punto de recibir un masaje, mirando de manera seductora a cámara, con la toalla medio bajada mostrando parte de su trasero, su perrita acompañándole, y el piano decorando el fondo, porque esto es una foto de Charlie Puth, por supuesto. Así, el artista reclama la «atención» a sí mismo pero de otra manera.

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The best!

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Sia aparece… para decir que se «jubila»

Sia es como una leyenda, oyes hablar de ella pero nunca la ves. Ahora ha aparecido cual fantasma para hablar con Variety sobre sus nuevos proyectos, entre ellos el álbum y película ‘Music’, que pasa ya a 2021. Como indica Sia Fans Spain en Instagram, la australiana ha dicho que le quedan varios álbumes por sacar que verán la luz el año que viene, pero que no se ve escribiendo más ni mucho menos saliendo de gira, llegando a afirmar que «se está jubilando». Buenas noticias porque aún queda música por escuchar, malas porque puede ser la última, aunque nunca se sabe.

Tove Lo, a la antigua

La autora de temazos pop como ‘Cool Girl’, ‘Habits (Stay High)’, ‘sadder badder cooler’, ‘Really don’t like u’, etc. y del estupendo ‘Sunshine Kitty‘ es conocida por tener siempre un pie metido en la modernidad, en los sonidos medio avanzados. Sorprende, por tanto, verla con estas pintas tan antiguas. La razón de esto es que Tove Lo se encuentra rodando una película, en concreto un «remake» de la cinta sueca de 1971 ‘Los emigrantes’, que está basada en la época victoriana. Su amiga Charli XCX, comenta, tan sorprendida como todos nosotros: «OMG».

Stevie Nicks… y Shakira también patinan con ‘Dreams’

El vídeo del hombretón desplazándose por la calle en patinete con ‘Dreams’ de Fleetwood Mac de fondo, absorbiendo la magia de la vida, ha sido uno de los virales de la temporada. El propio Mick Fleetwood recreaba el viral al poco de este trascender, pero es que después también Stevie Nicks -subida a unos patines en realidad- y Lindsay Buckingham se han apuntado al carro. Y al margen de Fleetwood Mac, también celebridades como Shakira han recreado el vídeo, esta ya viviendo otra vida después de la Super Bowl, que fue hace 100 años, ¿verdad?

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Morning vibe #feelinggood @doggface208 🥰🛹

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El culo de Casey Spooner

Para variar un poco de los desnudos semanales de Diplo y Paco León, os traemos el desnudo de Casey Spooner, que posa frente al parque nacional de Yosemite situado en la Sierra Nevada de California. En su post, publicado antes de que se conocieran los resultados electorales, el artista citaba un fragmento de la canción patriótica estadounidense ‘America the Beautiful’, pero su propósito era el de anunciar el lanzamiento de un single llamado ‘The Most American Thing’. ¿Algo más americano que esta foto, de hecho?

La sesión urbana de Arca

La autora de ‘KiCk i‘ reside en Barcelona desde hace tiempo y su última idea ha sido acercarse al barrio del Raval para protagonizar una extravagante sesión de fotos junto a sus «brillantes angelitas exterminadoras» frente al MACBA (el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona) y con la dirección fotográfica de Carlota Guerrero. La sesión puede verse en el último número de la revista The Travel Almanac, donde la productora venezolana ha hablado de unidad, empoderamiento o dignidad. Carlota ha declarado que en la sesión se creó una «magia» especial.

Bunbury recuerda el pasado

Enrique Bunbury ha sido noticia este año por publicar el disco ‘Posible‘ y, meses después, por anunciar otro llamado ‘Curso de levitación intensivo‘ que verá la luz el próximo 11 de diciembre. Sin embargo, en Instagram, el músico ha decidido mirar al pasado publicando dos imágenes de él tomadas en los años 1988 y 1997. Casualidad o no, son los años en que salieron los debuts de Héroes del Silencio (‘El mar no cesa’) y de Bunbury en solitario (‘Radical Sonora’).

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Enrique Bunbury, 1988

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Enrique Bunbury, 1997

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Lil Nas X también vuelve por Navidad

Como el villancico de Mariah, el rapero Lil Nas X vuelve de cara a las festividades, y este viernes publica su nuevo single ‘Holiday’ con esta portada que no sabemos si nos parece genial o nos horroriza. Se trata del gran «comeback» de Lil Nas X después de arrasar con ‘Old Town Road’ y de publicar un EP de debut que dejó otro éxito (‘Panini’) y que obtuvo una nominación al Grammy. Ya puede ser bueno o al menos divertido porque la sombra de aquel éxito con Billy Ray Cyrus es alargada…

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HOLIDAY! 11/13! 🎅🏾🤍

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Rough Trade vuelve a adelantarse y publica lista de sus discos favoritos del año

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Como cada año, Rough Trade se ha adelantado a todo el mundo y ha publicado su lista de los 100 mejores discos del año. Un año extraño marcado por la pandemia pero también por las demandas de un pueblo harto del racismo y de la brutalidad policial que ha «subrayado la importancia de la música y del papel que juegan en nuestras vidas». Sin interés por los grandes «blockbusters» musicales, la tienda de discos y sello discográfico repasa lo que ha dado de sí el pop alternativo durante este año.

El disco del año para Rough Trade es ‘Untitled (Black Is)’ de SAULT, uno de los varios trabajos discográficos que el misterioso colectivo de hip-hop de Reino Unido -cuyos integrantes se desconocen, si bien se sabe que Inflo es su productor- ha publicado este año, y que precisamente denuncia el racismo que se vive hoy en el mundo. El top 3 de mejores discos del año para Rough Trade está conformado por ‘Punisher‘ de Phoebe Bridgers y ‘SAWAYAMA‘ de Rina Sawayama, y completan el top 5 los últimos trabajos de Laura Marling y JARV IS, el nuevo proyecto de Jarvis Cocker.

De hecho, el rock tiene bastante presencia en la lista de Rough Trade y entre los títulos que aparecen solo dentro del top 10 se encuentran los trabajos más recientes de Dream Wife, la banda de «shoegaze gótico» Bdrmm o Porridge Radio. Más adelante, dentro del top 20, asoman IDLES, Thurston Moore o Working Men’s Club. El álbum electrónico destacado de 2020 para Rough Trade ha sido el de Caribou, y la curiosidad de la lista es su reivindicación del último disco de Cornershop.

01. SAULT – Untitled (Black Is)
02. Phoebe Bridgers – Punisher
03. Rina Sawayama – SAWAYAMA
04. Laura Marling – Song for Our Daughter
05. JARV IS – Beyond the Pale
06. Dream Wife – So When You Gonna
07. Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs – Viscerals
08. Bdrmm – Bedroom gothic shoegaze
09. Porridge Radio – Every Bad
10. Rolling Blackouts Coastal Fever – Sideways to New Italy

11. Cornershop – England Is A Garden
12. Waxahatchee – Saint Cloud
13. Osees – Protean Threat
14. Idles – Ultra Mono
15. Caribou – Suddenly
16. Tom Misch + Yussef Dayes – What Kinda Music
17. Thurston Moore – By The Fire
18. Oklou – Glamour
19. Working Men’s Club – Working Men’s Club
20. Hazel English – Wake Up!

‘El encuentro’ de Amaia y Alizzz, nuevo top 1 de JNSP; suben Rigoberta y Romy

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‘El encuentro’ de Amaia y Alizzz, que va camino de ser la canción más exitosa de la primera, pues se mantiene fuerte en torno al top 50 en Spotify España dos semanas después de su edición, sube del puesto 19 al puesto 1 de nuestro top 40, en una semana en la que destacan las subidas de Ariana Grande o Rina Sawayama. Rigoberta Bandini llega por primera vez al top 10, mientras Romy llega por primera vez al top 20. Entran Nena Daconte, Novio Caballo, Ava Max, Joe Crepúsculo, Busta Rhymes, Bad Bunny, Oneohtrix Point Never, Maren, Danny Elfman y Ana Béjar. Esta semana no habrá eliminados en la segunda mitad de la tabla debido a un problema técnico en la encuesta múltiple. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 19 1 2 El encuentro Alizzz, Amaia Vota
2 8 1 6 Magic Kylie Minogue Vota
3 1 1 7 911 Lady Gaga Vota
4 11 1 15 Say Something Kylie Minogue Vota
5 9 1 18 What’s Your Pleasure? Jessie Ware Vota
6 20 6 2 positions Ariana Grande Vota
7 26 7 2 XS Rina Sawayama Vota
8 2 1 12 Midnight Sky Miley Cyrus Vota
9 9 2 51 Blinding Lights The Weeknd Vota
10 30 10 8 In Spain We Call It Soledad Rigoberta Bandini Vota
11 11 1 Hojas secas Nena Daconte Vota
12 25 12 7 betty Taylor Swift Vota
13 13 1 Celebritis Novio Caballo Vota
14 12 1 64 The Greatest Lana del Rey Vota
15 16 9 25 Watermelon Sugar Harry Styles Vota
16 21 16 2 Golden Harry Styles Vota
17 4 1 23 Rain On Me Lady Gaga, Ariana Grande Vota
18 18 1 OMG What’s Happening Ava Max Vota
19 13 5 33 In Your Eyes The Weeknd Vota
20 29 20 5 Lifetime Romy Vota
21 39 21 5 Salt Licorice Jónsi, Robyn Vota
22 3 4 5 Levitating Dua Lipa Vota
23 5 1 40 Physical Dua Lipa Vota
24 18 18 4 Demasiadas mujeres C. Tangana Vota
25 38 25 6 Can I Believe You Fleet Foxes Vota
26 26 1 Serenata Joe Crepúsculo Vota
27 7 1 54 Don’t Start Now Dua Lipa Vota
28 32 14 9 Modo avión Cariño, Natalia Lacunza Vota
29 33 28 3 Before James Blake Vota
30 30 1 Look Over Your Shoulder Busta Rhymes, Kendrick Lamar Vota
31 31 1 Dákiti Bad Bunny, Jhay Cortez Vota
32 32 1 Long Road Home Oneohtrix Point Never Vota
33 15 2 26 Save A Kiss Jessie Ware Vota
34 17 2 15 cardigan Taylor Swift Vota
35 28 13 4 Crying at the Discotheque Sophie Ellis-Bextor Vota
36 36 26 5 Sana, Sana Nathy Peluso Vota
37 37 1 La estación espacial de Teruel Maren Vota
38 38 1 Happy Danny Elfman Vota
39 39 1 Sahara Star Ana Béjar Vota
40 10 1 33 Break My Heart Dua Lipa Vota
Candidatos Canción Artista
Tú me dejaste de querer C. Tangana, Niño de Elche, La Húngara Vota
Want Me Baby Queen Vota
La clase media La Trinidad Vota
Love of Your Life RAYE Vota
Together We Stand Myd Vota
Straight to the Morning Hot Chip, Jarvis Cocker Vota
Letter to You Bruce Springsteen Vota
Ya no hay verano Depresión sonora Vota
Una voz Amatria Vota
Oh Yeah A.G. Cook Vota

Vota por todas las canciones que te gusten

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Eels / Earth to Dora

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Mark Oliver Everett llega al decimotercer disco de los Eels con la dificultad de tener que ofrecer algo con suficiente entidad como para ser recordado y diferenciado en una colección de álbumes ya tan abultada. Si ‘The Deconstruction‘ en 2018 renunciaba a ser un álbum post-divorcio, en este caso ‘Earth to Dora’ renuncia a ser un álbum de confinamiento, pues ya estaba escrito antes de la pandemia y únicamente el single ‘Are We Alright Again‘ ha sido compuesto después.

Se da la circunstancia de que estamos ante la mejor composición del autor de ‘Last Stop: This Town’ en 6 años, una entusiasta producción que se empeña en poner al mal tiempo buena cara a través de un arreglo de cuerdas y de una letra con «pájaros y abejas cantando» que se postula como «un himno para el vecindario». Lo cierto es que lo consigue, siendo una de sus melodías más recordables. Pero no termina de ser indicativa de un álbum variado, con historias reales e inventadas, y cuyo título responde a un asunto tan vago -al menos para los oídos del fan casual- como un WhatsApp de Dora, una persona de su equipo.

Esta circunstancia random no echa una mano a la comprensión de unas canciones que hablan de amor o de desamor indistintamente. ‘Who You Say You Are’ habla con recelo de un desengaño amoroso cuando una persona que nos ha devuelto la fe en el amor traiciona nuestra confianza. Por el contrario, ‘Waking Up’ es una propuesta llena de esperanza: «¿por qué no tomas mi mano y le das una oportunidad al amor (…) me estoy despertando / me estoy despertando a tu lado». Entre medias, ‘Dark and Dramatic’ suena algo anticuada con su rollo «es guapa pero no juega limpio», incluso como chiste.

Para no ser el disco alegre que de alguna manera anunciaba ‘Are We Alright Again’, ‘Earth to Dora’ decepciona sobre todo cuando sus momentos más tristes y folkies no lucen nada ni siquiera con el añadido de bonitos arreglos. Una indiferencia gélida rodea ‘Of Unsent Letters’ quizá porque Mark Oliver Everett ya hizo esto mismo antes y mejor, la mencionada ‘Waking Up’ no deja mucha huella como pista final y ‘Are You Fucking Your Ex’ decepciona tras tan potente título. La inspiración en Portishead vuelve a ser excesiva en ‘I Got Hurt’ y también la impronta de Lou Reed en ‘OK’.

Más simpática resulta la cita a los Beatles y a Taylor Swift en la misma frase de ‘Anything for Boo’ («Abbey Road Deluxe or Lover are on repeat / Tay singing about being dramatic and true»), más contundente el potencial de ‘Baby Let’s Make It Real’, y más sólida la melodía de ‘The Gentle Souls’, una de las canciones más monas -como lo podía ser una composición de The La’s- del que fuera uno de los autores claves del underground a finales de los años 90. En esa mitad de ‘Earth to Dora’, su talento continúa coleando.

Calificación: 6,8/10
Te gustará si: le echabas de menos.
Lo mejor: ‘Are We Alright Again’, ‘Baby Let’s Make It Real’, ‘The Gentle Souls’, ‘Anything for Boo’.
Escúchalo: ‘Are We Alright Again’

C. Tangana responde un test «¿has olvidado a tu ex?» en La Resistencia

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C. Tangana ha vuelto a La Resistencia, en este caso para promocionar «la canción más importante de su carrera», ‘Tú me dejaste de querer‘, que este fin de semana ha batido el récord de streamings diarios en Spotify España y en esas cifras se mantiene casi aún (1,3 millones este lunes, en su cuarto día de vida).

Puchito ha explicado que el lanzamiento del tema ha sido algo agridulce porque ha coincidido con una operación de su madre, que no era grave, pero preocupaba por la pandemia de covid-19 y ha respondido algunas de las particulares preguntas de David Broncano, que se declara fan de un tema perdido del artista, ‘Yelo‘, editado este año pero olvidado después de ‘Nunca estoy‘. Entre otras cosas ha hablado de si le gustan Maná, y si es más seguro practicar el sexo oral que besarse durante esta pandemia. Como el presentador ha dado negativo y el cantante ya pasó el coronavirus, en un momento Broncano propone: «ahora mismo podríamos follar». No se ha dicho nada sobre si su nuevo disco llegará este 2020, pero sí que tiene «muchísimos temas» preparados y que no dejará «descansar» al público.

Lo más interesante de la entrevista, dado el carácter romántico de sus últimas canciones, ‘Tú me dejaste de querer’ y ‘Demasiadas mujeres‘, es la realización del primer test que aparece en Google para la pregunta «¿has olvidado a tu ex?». En ningún momento se menciona a Rosalía, pese a que parece una referencia estética en portada y videoclips, así que Antón sale adelante, en abstracto, contestando preguntas como quién lo dejó (ella) o si la saludaría en una fiesta a la que acude con su nuevo novio. La resolución del test de Foro En Femenino es que sí la ha olvidado.

C. Tangana parece querer decir que compone en base a recuerdos de algo «potente» o un momento bajo cuando explica, sin que Broncano le pregunte: «Igual que no soy todo el rato un chulo como esas canciones de ambición de una persona joven que quiere petarlo, no siempre estoy en el mismo mood que las otras canciones. No es todo el rato una constante. Uno se inspira en la vida y luego escribe sobre cosas que merecen la pena. Si escribiésemos cosas de lo que nos pasa todo el rato, imaginad un disco de estar en casa y cuando salgo, me pongo la mascarilla».

Por último, hay tiempo para comentar el incidente de aquel día en que C. Tangana no se quiso dejar entrevistar por Roberto Leal cuando acudió a Operación Triunfo para presentar ‘Un veneno‘. Puchito cuenta que ya había advertido al programa que él iba a actuar pero no iba a hablar, y que fue cosa del programa tratar de provocarlo. Finalmente bromean sobre lo poco que debió de importar, de todas maneras, al entonces presentador de OT, pues este incluso «duerme» con una sonrisa en la boca.

A Geezer Butler de Black Sabbath le da «asco» la letra de ‘WAP’

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El bajista de Black Sabbath Geezer Butler, en la banda desde 1968, ha concedido una entrevista a Kerrang! en la que repasa su carrera y narra cuándo estuvo a punto de morir por un problema digestivo.

Hablando sobre su canción ‘Unspeakable Elvis’ de su disco en solitario de 1997 ‘Black Science’, que acaba de ser reeditado, ha empezado a hablar sobre cómo un ídolo de una generación musical puede ser percibido como el diablo por la gente. «Cada vez que sale nueva música, es vista como la música del diablo. Cuando Elvis Presley salió, todo el mundo dijo que era Satán. Y en los 60 y en los 70 se convirtió en el tesoro nacional de América. Pasa con cada ola de nueva música. Como con el metal obviamente. Los cristianos se volvieron locos cuando Sabbath salimos. Y cuando el rap salió, la gente alzó los brazos sobre qué palabras concretas estaban usando los raperos».

A pesar de lo moderno de su discurso, que sirve para explicar por qué cada género nuevo que sale produce un rechazo frontal en un sector de la población (la última víctima sería el reggaetón), hace una excepción al hablar de ‘WAP’, el éxito de este año de Cardi B junto a Megan Thee Stallion. «Tengo que decir que Cardi B me toca las narices con esa canción de ‘WAP’. Es repugnante, pero ahí la tienes», indica refiriéndose a sus «letra sexualmente explícita». «Un/a colega no sabía de qué iba la canción, pero su hija de 10 años la estaba cantando. Y me dije: «¿qué? Que pongas algo así en un álbum, pues vale. ¿Pero en un single? Es un poco demasiado». Pero vuelvo a decirlo: tengo 71 años. Soy una maldita cabra vieja».

Autocrítico y divertido en su argumento un tanto carca, Geezer Butler está haciendo referencia al lenguaje explícito de la letra de la canción, que repite unas 150 veces «hay putas en la casa» en base a un sample de una canción de los 90, y contiene un texto más sexual, imposible. Hasta el punto de que ‘WAP’ es un acrónimo de «wet-ass pussy», que alguien en Genius ha traducido de manera muy elegante como «vagina bien mojada».

El tema ya generó cierta controversia, con la derecha americana preguntándose si esto de verdad podía ser considerado «feminismo» o empoderamiento. Cardi B consideraba una victoria haber cabreado a los conservadores.

A falta de amor, Baby Queen dedica ‘Want Me’ a la asesina en serie de ‘Killing Eve’

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Una de las canciones que más nos han gustado esta semana de la playlist de novedades semanales «Ready for the Weekend» es ‘Want Me’, el nuevo single de Baby Queen. Se trata del proyecto de una joven de Sudáfrica asentada en Londres, que responde al nombre de Bella Latham y que escribe música desde los 10 años, si bien fue a los 16 cuando se puso en serio. En el NME se reconoce seguidora de gente como Billie Eilish y The 1975.

Baby Queen ha despuntado con la edición de 5 canciones hasta ahora, las más famosas de las cuales han sido ‘Internet Religion’, que se acerca al millón de streamings en Spotify, y ‘Buzzkill’, que pasaba recientemente por la 34ª edición del JNSP Song Contest de nuestros foros, presentada por el usuario wastydkyss, si bien quedando tan solo en 15ª posición. Todas formarán parte de su EP ‘Medicine’ que sale este mismo viernes, 13 de noviembre.

‘Want Me’ es una de sus producciones más llamativas, pues deja de intentar rapear o acercarse a los territorios oscuros que tanto asociamos con Lorde, para ofrecer una excitante producción en la que se alterna el uso de guitarras eléctricas con los sintetizadores, quedando cerca de lo que en nuestro país practican artistas como Brigitte Laverne. El resultado es como si la Taylor Swift de ‘Welcome to New York’ hubiera producido ‘I Kissed a Girl’ de Katy Perry.

El tema tiene un estribillo lleno de «buzz» sin renunciar a esa base un tanto italo ni a los sintetizadores de la era Kraftwerk, añadiendo un loco puente en francés y un montón de frases que entran por los ojos, como «ojalá pensara que soy guapa para poder ponerte» o «es tan típico de mí obsesionarme fácilmente / pero en mi cabeza estás en mi cuarto y te estás desvistiendo».

La artista ha explicado a DIY Mag que la canción está inspirada en Jodie Comer, la asesina en serie de ‘Killing Eve‘: «Escribí ‘Want Me’ sobre una actriz de uno de mis programas favoritos, lo cual es un poco extraño. Recuerdo verlo y pensar «vamos a ello». No me había gustado nadie en como 2 años y no tengo tiempo para ningún tipo de involucración sentimental en mi vida ahora mismo, así que me encajaba tener a una extraña como objeto de mis afectos (…) Esta canción es sobre un «crush» infantil y sobre el amor no correspondido, pero también sobre mis inseguridades y autocríticas cuando me gusta alguien».

Revelación o Timo:

Lo mejor del mes:

Bruce Springsteen mantiene a sus fans, Bon Jovi se hunde

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Hits


Letter to You’ ha vuelto a representar un gran éxito de ventas para Bruce Springsteen, siendo número 1 en Reino Unido -con cifras excelentes-, Irlanda, Holanda, Australia, Noruega o Suecia, además de número 2 en Estados Unidos, Canadá, Alemania o España. Mediatraffic estimaba que solo durante su primera semana se despachaban casi 250.000 copias, que es hoy en día lo que artistas como Miley Cyrus han vendido de sus últimos discos en total, streaming incluido.

Mejor aún, la 2ª semana ha sido buena para ‘Letter to You’, que mantiene el número 1 en Suiza, solamente baja al puesto 4 en Reino Unido (en la 3ª semana podría ser aún top 6 según las midweeks) o incluso se espera que “solo” baje al 20 en su 2ª semana en el Billboard 200. Puede parecer una gran caída, pero a día de hoy, los artistas veteranos tienden a caer 100 puestos o casi en su segunda semana debido a lo mal ponderado que está el streaming en la tabla estadounidense. El Boss resistirá bien en la lista que se publicará hoy.

Teniendo en cuenta las buenas críticas que ha tenido el disco (88/100 en Metacritic), lo que está gustando entre sus seguidores, y que se aproxima Black Friday y la Navidad, no sorprendería que ‘Letter to You’ superara muy holgadamente el medio millón de copias a nivel global, o incluso se acercara al millón, a diferencia de lo que sucedía con su predecesor, ‘Western Stars’, que se publicaba en verano y tuvo peores datos en su primera semana a nivel mundial: 228.000 unidades.

Flops


Un escenario muy diferente es lo que se ha encontrado Bon Jovi a su regreso en 2020 con un disco llamado ‘2020’. El álbum ha sido tan sólo número 19 en Estados Unidos cuando el anterior ‘This House Is Not for Sale’ había sido número 1. En este caso, el álbum no ha conseguido ningún número 1 significativo, quedando en el puesto 5 en Reino Unido, en el puesto 3 en Alemania, en el puesto 11 en Italia, o en el puesto 63 en Francia.

En este caso, Mediatraffic estima que tan sólo se vendían 68.000 copias en la primera semana a nivel global. Y lo peor ha venido después: una caída en este caso sí típica de artista veterano que ha llevado ‘2020’ a hundirse del puesto 19 al puesto 145 en su 2ª semana en Estados Unidos para luego desaparecer. En Reino Unido el álbum aún resiste en el puesto 91 en su 5ª semana, pero las 600.000 copias que vendía el anterior disco en todo el mundo están a años luz. Tendrá que contentarse con un tercio de ellas aproximadamente.

Hace ya 7 años que Richie Sambora no forma parte de Bon Jovi, y el álbum anterior ya tuvo críticas negativas (59/100 en Metacritic), por lo que las causas de este desplome hay que buscarlas en otro sitio: este disco no ha tenido “bundles” en Estados Unidos. Se anunció en enero que cada entrada de la nueva gira mundial de Bon Jovi incluiría una copia del álbum, pero la gira ha tenido que ser cancelada debido al coronavirus, por lo que entendemos que este es uno de los primeros grandes perjudicados de la ausencia de «bundles», en los últimos tiempos mirados con lupa por las nuevas normas del Billboard.

Miley Cyrus y Stevie Nicks se quedarán sin número 1 con el remix de ‘Midnight Sky’

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Miley Cyrus está muy presente estos días en la vida de multitud de ciudadanos estadounidenses después de conocerse la victoria de Joe Biden y Kamala Harris en las elecciones presidenciales, la cual ha propiciado que su single de 2009 ‘Party in the U.S.A.’ haya sonado a todo trapo por las calles del país.

Sin embargo, Miley sigue arrasando sobre todo en Reino Unido: su reciente single ‘Midnight Sky’ ha sido un gran éxito allí al contrario que en su propio país -ha llegado incluso a ser el éxito más radiado del momento en las islas- y ahora lucha por dar a su autora su primer número 1 en singles en muchos años. En concreto, en 7: los únicos números 1 de Miley en Reino Unido hasta la fecha son los obtenidos por ‘We Can’t Stop’ y ‘Wrecking Ball’ en el año 2013, si bien ‘Nothing Breaks Like a Heart‘ con Mark Ronson se quedó cerca al alcanzar el número 2 hace un par de temporadas.

‘Midnight Sky’ había alcanzado el número 5 en las islas, esta última semana ha subido del 9 al 7, resistiendo estupendamente dentro del top 10; y ahora pelea por desbancar a Ariana Grande y su ‘positions‘ del número 1 gracias al lanzamiento de ‘Midnight Sky (Edge of Seventeen)’, el nuevo remix del tema publicado este pasado viernes que no solo samplea el éxito de Stevie Nicks sino que ha contado con la participación vocal de su autora. Menos de 1.000 ventas separaban a ‘Midnight Sky’ de ‘positions’ este fin de semana, según UK Official Charts, mientras ‘Dreams’ sigue entre las canciones más escuchadas en todo el mundo gracias a un viral de TikTok que ha terminado siendo imitado hasta por los miembros de la banda autora de ‘Rumours’.

Sin embargo, las cifras de este lunes eran ya mucho más favorables a ‘positions’, con ‘Midnight Sky’ situándose a demasiada distancia en el top 3:
1 Ariana Grande – positions (14.2k)
2 Internet Money & Gunna feat. Don Toliver & NAV – Lemonade (12.0k)
3 Miley Cyrus – Midnight Sky (11.5k)
4 Little Mix – Sweet Melody (11.1k)
5 Wes Nelson & Hardy Caprio – See Nobody (10.5k)

Plastic Hearts‘, el nuevo disco de Miley Cyrus, sale el 27 de noviembre incluyendo ‘Midnight Sky’ y su remix con Stevie Nicks así como las versiones en directo de ‘Zombie‘ y ‘Heart of Glass‘.

La Trinidad / Los edificios que se derrumban

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La Trinidad son uno de esos grupos de guitarra, batería y bajo que tratan de abrirse camino en una época en la que el algoritmo dice que no toca. Su fichaje por Sonido Muchacho, un sello-promotora que últimamente trabaja con artistas de éxito tan dispares como Natalia Lacunza, Cupido, Sen Senra, Cariño, Carolina Durante y Hinds, parece casi un capricho de su fundador Luis Fernández, también bajista de Los Punsetes. El de recordar los inicios del sello con bandas como Juventud Juché, Terrier o Tigres Leones.

La banda malagueña formada por Sixto Martín (cantante y guitarras), Carlos Guerrero (batería) y Jorge Zúñiga (bajo y voces) ha producido su álbum junto a Paco Loco, una leyenda del indie español por motivos por todos conocidos, y lo ha mezclado con John Agnello, quien ha trabajado mano a mano con Sonic Youth o Dinosaur Jr. La Trinidad son un grupo de rock pero no los más extremos de todos los puretas: en su música caben más acercamientos al pop que en la banda de Kim Gordon y Thurston Moore, comenzando por una base rítmica muy Smiths, y terminando por un tipo de melodía muy cercana a «la edad de oro del pop español». Expresión que en ciertos entornos, puede dar un poco de dentera.

El grupo de Sixto Martín, autor único del disco y estudiante de Filología Hispánica, logra su propia voz en la escena entre esa falta de miedo a ofrecer un retrato tierno del «loser» de instituto, como sucede en ‘La mundial’, y la riqueza de imágenes en unas letras que alternan la decepción en lo personal y la decepción socio-política como si ambas fueran la misma cosa. ‘La mundial’ incluye frases como «Déjame mirarte como mira la policía a la gente normal», y más conseguida aún está ‘Sensación extraña’, en la que el amor es el bálsamo para un país que «ha empezado a arder»: «Estoy contigo / y qué paz se disfruta aquí / ante el caos y la desgracia / mientras se matan en España / mientras te digo al oído / (que) nuestros besos silban tiros».

El paréntesis en el encarte del vinilo es un indicador de lo cuidado de unos textos que referencian el Pruitt-Igoe (‘Ruinas’), nuestra «mierda en las tripas» (‘España invertebrada’), en la misma canción al «Duque Blanco» y «los niños del baño de la estación» (‘Los niños de la estación del zoo’) o la inexistencia de ‘La clase media’. Esta última, una de las cumbres del disco, cuestiona si la clase media es tener fácil acceso a las drogas y a un smartphone. La letra plantea valiente, llamada a ser himno de sus conciertos: «Cree que reta a la policía / o que sin conciencia ni pasado se rebela ante el sistema / 
y como mucho consigue asustar a un par de abuelas / Ellos piensan que sujetan 
la vida por las solapas / 
¡qué coño van a sujetar
 si tragan mierda a cucharadas!».

Es ‘Los edificios que se derrumban’ un álbum sórdido, apocalíptico como 2020, con fondo e intriga por lo que aguardará a sus autores en el futuro, en el que los textos no terminan de arrinconar los ganchos y las canciones. Ese «me cago en tu puta padre» de ‘España invertebrada’ funcionará tan bien en su directo como lo hacen las mejores letras de Cala Vento, ‘Todos los rumores eran ciertos’ es una recreación del underground de finales de los 70 y principios de los 80 más melódicos y variados (de The Clash a los Zombies), y ‘Miel y sangre’, sin ser su composición más interesante, es de las que sabe arreglárselas para entrar por los ojos.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘La clase media’, ‘Todos los rumores eran ciertos’, ‘Sensación extraña’, ‘España invertebrada’
Te gustará si te gustan: Cala Vento, Juventud Juché, Los Claveles, Biznaga
Youtube: vídeo de ‘La clase media’

Christina Rosenvinge vuelve al cine para encarnar a la autora de ‘Memorias de África’

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Karen es un nombre maldito hoy en día en las cloacas de internet, pero también era el nombre real de la escritora Karen Blixen, quien con el nombre masculino de Isak Dinesen firmó la archiconocida novela ‘Memorias de África’.

Christina Rosenvinge, también de ascendencia danesa, interpreta a la autora en la nueva película de la directora extremeña María Pérez Sanz, que puede verse en el Festival de Sevilla del 8 al 14 de noviembre. Ya puede verse el tráiler oficial de esta contemplativa película rodada en Extremadura que narra un fragmento de la vida de Karen Blixen en Kenia, acompañada de Farah, su criado somalí. Rosenvinge, en un momento profesional pletórico después de obtener el Premio Nacional de las Músicas Actuales por su último disco, ‘Un hombre rubio‘, vuelve así al cine décadas después de haber aparecido en ‘Todo es mentira’ de Álvaro Fernández Armero junto a Penélope Cruz y Coque Malla y en ‘La pistola de mi hermano’ de Ray Loriga.

En palabras recogidas por Barna Foto Press, María Perez Sanz profundiza en la creación de la película, indicando que «tuvimos que alejarnos mucho de Memorias de África y su alargada sombra para empezar a ver algo» y que «olvidarnos de la adaptación literaria nos liberó».Y añade que no le «interesaba hacer una película historicista, ni narrar los acontecimientos de su vida como granjera en Kenia (entonces África Oriental Británica)».

La directora continúa: «Lo que yo buscaba era retratar a esa mujer en un momento muy concreto de su vida, su ruina africana, sin explicar las causas y dejando que el espectador completase la historia a su manera. Sólo así podía centrarme en lo que más me interesaba: detenerme a filmarla en sus rituales cotidianos, sus pequeños quehaceres, sus conversaciones aparentemente intrascendentes. Y así de un plumazo dejaron de ser necesarios todos los personajes de la novela, todos sus amigos, amores, enemigos… Y sólo quedó en pie el personaje de Farah, el criado musulmán de Karen».

En cuanto a la elección de los intérpretes, la directora explica: «Karen es Christina Rosenvinge y Farah, Alito Rodgers. Les escogí porque cumplían la máxima bressoniana de ser y no parecer. Se trataba de capturar su misterio y no de buscar una interpretación psicológica del guion. Christina, Alito y el enigma de su relación son la materia de la que está hecha esta película».

Disco de la Semana: ‘Miss a Thing’ de Kylie Minogue es una de esas canciones hechas para llorar en la pista de baile

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DISCO‘ de Kylie Minogue es el «Disco de la Semana», ocasión que aprovechamos para ahondar en una de sus pistas destacadas. Si ‘Say Something‘ ha sido un sorprendente sencillo de presentación y ‘Magic‘ un segundo single imposiblemente eufórico y pegadizo, ‘Miss a Thing’ llega dispuesto a hacerte llorar lágrimas de felicidad en la pista de baile.

A la propia Kylie casi le hace llorar esta canción, pero por lo que le costó terminarla. En Apple Music ha explicado: «Escuché la maqueta en febrero y me encantó. Encajaba con el concepto del álbum: había en ella suficiente sonido de la música disco, pero a la vez daba la sensación de ser una interpretación fresca de la misma. La idea era volar a Los Ángeles en marzo para trabajar en ella con uno de sus autores principales, el compositor finés Teemu Brunila. Entonces llegó el confinamiento y tuvimos que trabajar de manera remota. Me dio un bajonazo con él un día: intentaba grabar una toma vocal pero estaba tan cansada y estresada que no podía. Sentía que le estaba fallando a él y que me estaba fallando a mí. No rompí a llorar, pero estuve a punto de hacerlo. Todo esto y ni siquiera nos hemos conocido (Teemu y yo) en persona. Tengo muchas ganas de poder darle un abrazo cuando se pueda».

‘Miss a Thing’ es una canción hecha para aliviar todo ese estrés en la pista de baile. Es una píldora de felicidad capturada en 4 minutos. Por sonido, además es la canción del álbum que más se asemeja al estilo nu-disco explorado por la australiana en ‘Fever’, razón por la que recuerda a otra gran canción reciente compuesta en este estilo, ‘Sweet Spot‘ de Kim Petras. ‘Miss a Thing’ suena igual de ingrávida, vaporosa y despreocupada, pero además admite cierta melancolía en una letra que habla sobre la necesidad de vivir el momento y «perder el control», de apresurarse para disfrutar porque la vida son dos días. Kylie no quiere «perderse nada»: va a amar hasta el infinito y bailar hasta el amanecer. En definitiva, ‘Miss a Thing’ es una canción capaz de «quitarte el peso de los hombros» aunque sea por un breve instante.

Katy Perry hiere sensibilidades al abogar por la «familia primero»

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Katy Perry ha sido una de las protagonistas de la noche de los MTV EMA pero no por haber actuado, aunque estaba nominada en dos categorías, sino por haber publicado un tuit que ha suscitado cierta polémica entre sus seguidores.

En el mensaje, la autora de ‘Smile‘ ha defendido la importancia de proteger a la familia aunque existan entre sus miembros desacuerdos ideológicos tales como que una persona haya votado por Biden y la otra por Trump, con todo lo que ello implica. «Lo primero que hice cuando se confirmó la presidencia (de Biden) fue llamar a los miembros de mi familia con los que no estoy de acuerdo y decirles que los quiero y que estoy aquí para ellos», ha indicado Katy en el mensaje. «La familia va primero. Llama a tu familia hoy».

Las críticas a Katy se centran en que ella, como mujer blanca cisgénero que ha nacido en el seno de una familia de clase media y que a día de hoy es una persona rica, nunca ha podido sentir en sus propias carnes el verdadero rechazo de su familia por ser quien es. También hay quien señala que, actualmente, a Katy no le afectaría directamente que Trump siguiera en la Casa Blanca mientras este aprueba leyes que discriminan a la comunidad LGBTQ+ o niega la existencia del cambio climático. Desde otra perspectiva, también hay quien defiende a la cantante por simplemente haber querido mandar un mensaje de amor y de unión, aunque sus palabras no hayan sido -aparentemente- las adecuadas.

MTV EMA’s 2020: Lady Gaga, mejor artista, no se pasa ni a saludar; Dua Lipa se lleva 0 premios

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La gala de los premios MTV EMA se han celebrado esta noche de manera diferente a lo habitual debido a la situación que todos conocemos. Y como todas las galas de este tipo recientes, ha sido extraña. Little Mix, que acaban de publicar disco, han sido las presentadoras de esta edición celebrada de manera virtual en varias ciudades del mundo como Londres o Budapest, en el que han podido verse actuaciones de artistas pregrabadas que en realidad han parecido videoclips con estos cantando en directo o en semi directo. Las intérpretes de ‘Sweet Melody’ han hecho gala de su desparpajo habitual y también han hecho lo que han podido como anfitrionas de esta enésima ceremonia de premios marcada por la pandemia.

BTS se han proclamado grandes vencedores de la ceremonia al hacerse con los premios a Mejor canción, Mejor grupo, Mejores fans y Mejor concierto virtual, mientras Lady Gaga, que ni ha actuado ni ha grabado un mensaje de agradecimiento, ha sido reconocida como Mejor artista, anteponiéndose a Dua Lipa; y ‘POPSTAR’ de DJ Khaled con Drake, en el vídeo en el que no aparece Drake sino Justin Bieber, como Mejor vídeo. En cuanto a Mejor artista español, la banda de indie-pop de Parla La La Love You, viral por su canción con Axolotes Mexicanos ‘El fin del mundo’, se ha impuesto a Aitana, Carolina Durante, Don Patricio y Leiva.

Volviendo a Dua Lipa, la autora de ‘Future Nostalgia‘ ha sido claramente la gran perdedora de la noche: no se ha llevado ni un solo premio a pesar de que 2020 ha sido claramente su año y ella es europea. La cantante estaba nominada a Mejor artista, Mejor canción por ‘Don’t Start Now’ y Mejor artista de pop, pero su base de fans no se ha movilizado lo suficiente para hacerla ganar al menos en una categoría.

Entre las actuaciones que ha dejado la noche cabe destacar la de Doja Cat, otra de las premiadas al hacerse con el galardón a Artista revelación. La autora de ‘Hot Pink‘ ha optado por presentar una versión en el estilo de Evanescence de su gran éxito, ‘Say So’, en una actuación de estética siniestra a la par que floral, y Sam Smith ha cantado ‘Diamonds’ -primer adelanto de su nuevo trabajo discográfico– para terminar dejando un mensaje de apoyo a la comunidad LGBTQ+.

Otra de las «performers» de la ceremonia ha sido Alicia Keys, que ha cantado al piano ‘Love Looks Better’ con una especie de pasamontañas de cristales, y además Maluma ha hecho un «medley» de ‘Djadja’ y ‘Hawái’ y David Guetta ha invitado a RAYE a sustituir a Sia en ‘Let’s Love’.

Por su parte, DaBaby ha presentado ‘Practice’, ‘Blind’ y ‘ROCKSTAR’, Karol G ha cantado ‘BICHOTA’ entre motos a la vez que ha sido una de las artistas galardonadas de la noche gracias a ‘Tusa’ con Nicki Minaj; Jack Harlow ha interpretado ‘What’s Poppin’, 24kGolden e iann dior han presentado su éxito ‘Mood’ y Zara Larsson ha cerrado el show con una bailable actuación de ‘WOW’. También entre los «performers», Madison Beer o Why Don’t We. Puedes ver los vídeos de todas las actuaciones debajo del palmarés.

Mejor vídeo

Billie Eilish – everything i wanted
Cardi B – WAP ft Megan Thee Stallion
DJ Khaled feat Drake staring Justin Bieber – POPSTAR
Karol G – Tusa ft Nicki Minaj
Lady Gaga, Ariana Grande – Rain On Me
Taylor Swift – The Man
The Weeknd – Blinding Lights

Mejor artista

Dua Lipa
Harry Styles
Justin Bieber
Lady Gaga
Miley Cyrus
The Weeknd

Mejor canción

BTS – Dynamite
DaBaby – Rockstar ft Roddy Ricch
Dua Lipa – Don’t Start Now
Lady Gaga, Ariana Grande – Rain On Me
Roddy Ricch – The Box
The Weeknd – Blinding Lights

Mejor colaboración

BLACKPINK, Selena Gomez – Ice Cream
Cardi B – WAP ft Megan Thee Stallion
DaBaby – Rockstar ft. Roddy Ricch
Justin Bieber – Intentions ft Quavo
Karol G – Tusa ft Nicki Minaj
Lady Gaga, Ariana Grande – Rain On Me
Sam Smith, Demi Lovato – I’m Ready

Mejor artista de pop

BTS
Dua Lipa
Harry Styles
Justin Bieber
Katy Perry
Lady Gaga
Little Mix

Mejor grupo

5 Seconds of Summer
BLACKPINK
BTS
Chloe x Halle
CNCO
Little Mix

Artista revelación

BENEE
DaBaby
Doja Cat
Jack Harlow
Roddy Ricch
YUNGBLUD

Mejores fans

Ariana Grande
BLACKPINK
BTS
Justin Bieber
Lady Gaga
Taylor Swift

Mejor artista latino

Anuel AA
Bad Bunny
J Balvin
Karol G
Maluma
Ozuna

Mejor banda de rock

Coldplay
Green Day
Liam Gallagher
Pearl Jam
Tame Impala
The Killers

Mejor intérprete de hip-hop

Cardi B
DaBaby
Drake
Eminem
Megan Thee Stallion
Roddy Ricch
Travis Scott

Mejor artista de música electrónica

Calvin Harris
David Guetta
Kygo
Marshmello
Martin Garrix
The Chainsmokers

Mejor grupo alternativo

blackbear
FKA twigs
Hayley Williams
Machine Gun Kelly
The 1975
twenty one pilots

Vídeo para bien

Anderson .Paak – Lockdown
David Guetta & Sia – Let’s love
Demi Lovato – I Love Me
H.E.R. – I Can’t Breathe
Jorja Smith – By Any Means
Lil Baby – The Bigger Picture

«Push»

AJ Mitchell
Ashnikko
BENEE
Brockhampton
Conan Gray
Doja Cat
Georgia
Jack Harlow
Lil Tecca
Tate McRae
Wallows
YUNGBLUD

Mejor concierto virtual

BTS – Bang Bang Con: The Live
J Balvin – Behind The Colores Live Experience
Katy Perry @ Tomorrow Land – Around The World
Little Mix – UNCancelled
Maluma – Papi Juancho Live
Post Malone – Nirvana Tribute

Mejor artista español

Aitana
Carolina Durante
Don Patricio
La La Love You
Leiva

A.G. Cook / Apple

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El «segundo debut» de A.G. Cook publicado este año, solo días después de ‘7G‘, sí es un disco de pop en condiciones y no una colección de experimentos inabarcable. Apenas 10 pistas conforman este trabajo en el que el productor de PC Music ha querido presentar exactamente dos estilos, a uno por canción en la secuencia: la balada pop-rock con guitarra acústica a la que es aficionado porque resulta que es fan de Shania Twain, y los disparates electro por los que es conocido.

El título de ‘Apple’ está inspirado en el nombre de la conocida empresa de tecnología fundada por Steve Jobs, pero también en el icono del sello discográfico de los Beatles y en la manzana del mito de Adán y Eva. Pasado y futuro convergen en un trabajo que es tan «de cantautor» como de productor de electrónica al haber querido A.G. Cook con él presentar una visión global de lo que tiene que ofrecer como artista. Esta visión cristaliza (o convierte en polipropileno sonoro) en la bonita canción que abre el disco, ‘Oh Yeah‘, en la que, a pesar de la presencia prominente de beats electrónicos y de los típicos aullidos pasados por autotune del productor de ‘Unlock It‘, manda ante todo el sonido de la guitarra acústica y una memorable melodía vocal que jamás es sacrificada por el estilo. Una canción de «singer-songwriter» en toda regla pero a la que le ha caído el futuro encima, en el mejor sentido posible. Lo peor, irónicamente, una letra sobre el desamor que peca de holgazana. Similar, aunque en un estilo más de balada indie-rock, es ‘Beautiful Superstar’, que aúna los títulos de los dos primeros singles en solitario de Cook.

El «banger» de ‘Apple’ es claramente ‘Xxoplex’. Otra locura alucinante del sonido conocido como PC Music que ya no alberga atisbo de ironía, como sucediera con aquel ‘QT’ que promocionaba un refresco inexistente. ‘Xxoplex’ es la típica producción de A.G. Cook diseñada para volarte las pestañas, una verdadera salvajada inspirada en dos cosas: el EDM americano y los himnos futboleros, de «hooligans». De nuevo, utilizando códigos parecidos, es bastante inferior ‘Stargon’, una producción que también busca el subidón llenaestadios pero que a su vez es mucho más contenida.

‘Apple’ es un disco de tan pop tan tradicional que las mejores canciones son las dos primeras. Una vez estas quedan atrás, el álbum ofrece cosas más o menos interesantes. ‘Animals’, una de las más folkis, es una versión de Oneohtrix Point Never con la que Cook ha buscado humanizar el vocaloid de la original… lo cual consigue (tampoco era muy difícil). Y ‘Airhead’, una de las más electro, compuesta en realidad gracias a la unión de varias composiciones que A.G. Cook tenía inacabadas, es un estupendo ejemplo del contraste de ideas que ofrece el disco: por un lado, la melodía vocal busca cierta belleza y emotividad, y por el otro, su base polirrítmica y nerviosa, pero también aséptica, ultra-sintética, parece pesar mil quilates.

Entre las curiosidades de ‘Apple’ hay que destacar la tierna ‘Haunted’, que, inspirada en el sonido de Dirty Projectors, encoge el corazón desde un intimismo extremo a pesar de que su melodía vocal está simplemente balbuceada. Aunque al final se termina echando de menos a Charli XCX para que meta mano en las melodías, como en las de ‘Jumper’ y ‘Lifeline’, buen debut de un artista que ya lleva casi 10 años en esto, signo de que aún le quedan muchas cosas por decir.

Calificación: 7,2/10
Lo mejor: ‘Oh Yeah’, ‘Xxoplex’, ‘Beautiful Superstar’, ‘Airhead’
Te gustará si te gusta: tanto Charli XCX como Aphex Twin, tanto el indie-rock de los 90 como SOPHIE
Youtube: vídeo de ‘Oh Yeah’

‘We Are Who We Are’ de Luca Guadagnino es un prodigioso retrato generacional

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Últimamente se ha usado tanto de manera tan poco precisa que ya suena hasta cliché referirse a una miniserie como “no es una serie, es una película de 8 horas”. En el caso de ‘We Are Who We Are’ resulta casi imposible no utilizar esa definición, por el simple hecho de que no sigue en absoluto la estructura habitual de una serie, sino que realmente se siente como una gran obra tan solo dividida en capítulos por motivos de accesibilidad (algo que también pasaba con la tercera temporada de ‘Twin Peaks’). Guadagnino aquí no emplea un lenguaje narrativo diferente al de cualquiera de sus películas, pero lo dilata a lo largo de ocho capítulos de diferentes duraciones.

El primer acierto es situar la acción en un ambiente tan extraño y atractivo como una base militar estadounidense en Italia. De esta manera, el director aísla a sus personajes en un universo muy concreto, un microcosmos al que se nos introduce a través de Fraser, un adolescente recién llegado de Nueva York porque su madre será la nueva comandante de la base. Pronto conoce a Caitlin, una chica de su edad con la que establece un vínculo de amistad especial.

Uno de los mayores encantos de la serie es que no parece tener un rumbo fijo. Guadagnino deja que sus personajes interaccionen entre ellos, que vivan experiencias o que crezcan sin ningún aparente objetivo concreto, capturando así la confusión y euforia de ser adolescente. Hay dos episodios clave en los que se muestran las dos caras de esto, el 4 y el 7. Ambos dialogan entre sí: en el primero mostrando el desenfreno y alegría de estar vivo (con un estilo que remite directamente al Kechiche de ‘Mektoub, My Love’), en el segundo cuestionándose dicha euforia bajo una mirada existencialista, pues ya nada parece tener sentido.

El director italiano es un experto en reflejar ese periodo final de la adolescencia donde realmente empezamos a descubrir quiénes somos. Ya lo demostró en la espectacular ‘Call Me By Your Name’, y aquí vuelve a incidir en ese terreno pero desde el punto de vista de Fraser -un personaje más problemático y quizá más antipático en un principio que Elio- y Caitlin, quien con la ayuda de Fraser y el entorno liberal de este (su madre está casada con una mujer), empieza a darse cuenta de que no está conforme con su identidad de género.

Lo que hace de ‘We Are Who We Are’ una serie tan especial es la forma en la que va presentando a los personajes y cómo se van mostrando los problemas de cada uno. Guadagnino no busca en el espectador una empatía inmediata con ninguno de ellos. Todos tienen defectos y a veces actúan de manera inmoral, pero es eso precisamente lo que les aporta una dimensión humana que consigue que al cabo de unos pocos capítulos, sea inevitable sentir apego hacia ellos. Parte del mérito lo tiene un reparto perfectamente escogido en el que sobre todo destacan un impresionante y carismático Jack Dylan Grazer dando vida a Fraser; Jordan Kristine Seamón como Caitlin/Harper; y la siempre magnética Chloë Sevigny como la comandante y madre de Fraser.

La serie, pese a todo, no está interesada en buscar la perfección, sino más bien reflejar el caos que conlleva crecer. De hecho, hay momentos en los que se plantean temas de manera algo tosca (la religión y la política, principalmente) y con los excesos marca de la casa, pero el atrevimiento de abordarlos y la cantidad de ideas interesantes que arroja Guadagnino a lo largo de sus ocho horas no solo lo excusan sino que pasan a ser hasta admirables. Especialmente por su vocación temeraria; no tiene miedo a equivocarse, a tropezarse, pero siempre se las apaña para ir hacia delante, para sorprender y enamorar al espectador en cada capítulo. Encuentra una sinceridad en lo que habla que consigue calar muy hondo. Además, todo se engrandece gracias a un final que no da lo que el espectador quiere ver, que evita a toda costa el sentimentalismo de las despedidas. Un capítulo extraño y, sin duda, brillante en el que su capacidad para atrapar el fin de una época conmueve genuinamente.

Si en ‘Call Me By Your Name’, la música de Sufjan Stevens era prácticamente un narrador que expresaba lo que sentían Elio y Oliver, en ‘We Are Who We Are’ son las canciones de Blood Orange las que adquieren ese efecto. Dev Hynes incluso aparece en el último capítulo, pero suenan sus canciones y hay menciones directas a él durante toda la serie (Fraser es muy fan de Blood Orange). ‘Time Will Tell’ es el leitmotiv, que resume perfectamente el espíritu de la obra.

Time will tell if you can figure this and work it out

No one’s waiting for you anyway, so don’t be stressed now

Even if it’s something that you’ve kept your eye on

It is what it is

‘We Are Who We Are’ es todo un logro artístico y una obra cumbre en la irregular pero siempre interesante filmografía de su director. Aquí se ve a un autor libre y seguro de sí mismo, con sus detalles extravagantes (un bonito recurso que se repite durante todo el metraje es congelar la imagen en determinados momentos) y aires de grandeza, pero también a un narrador excepcional que ha conseguido realizar uno de los retratos de la Generación Z más audaces, inteligentes y sensibles que se han visto hasta ahora. 8,7.

La Trinidad cuestionan la existencia de ‘La clase media’

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El trío malagueño La Trinidad, que quizá conozcas por el EP ‘El peligro’ o canciones como ‘La joya’, ha publicado recientemente su primer disco en el sello Sonido Muchacho, en racha al menos antes de la pandemia. Que su compositor y cantante Sixto Martín tenía su discurso ya nos quedó claro el día que nos habló de la dignidad de la música de ascensor, y eso es algo más evidente aún en un álbum de marcado carácter político que se llama ‘Los edificios que se derrumban’ y termina con un tema llamado ‘La clase media’.

Como no puede ser de otra manera, plantea la inexistencia de la misma en un texto que nos habla de gente que cree que pertenece a la clase media por meterse un par de rayas cuando quiere. “Aspira, aspira, aspira / como la clase media / un espejismo cutre / que parasita su cabeza”, dice en un momento este tema largo y desestructurado, que puede transformarse en un imprescindible de sus conciertos como pasó a Pony Bravo con lo de ‘Mi DNI’.

El grupo nos ha hablado sobre ‘La clase media’ en una entrevista, indicando Sixto lo siguiente: “Es un retrato sobre esa gente que se cree clase media, pero que tiene desvirtuada su vida por una aspiración social. Se creen que por ser una persona leída o tener redes sociales y moverse en ciertos círculos son de una clase social, aunque luego tengan un trabajo de mierda y sean clase trabajadora como la gran mayoría de las personas. Es sobre todo una cuestión socioeconómica, pero también va sobre cómo en esa gente, ese esnobismo y ese elitismo se canalizan en una pseudoacción política que consiste en subir a las redes una foto con las pupilas así y decir «mira qué guay»». Y en realidad, como dice la letra de la canción, estás asustando a un par de abuelas y ya está, no estás haciendo nada transgresor ni nuevo».

Continúa: «Parte de nuestra generación muestra un perfil ajeno a todo, más preocupado por hacer cartas astrales que en pensar por qué no tiene un trabajo. Dándoselas de rebelde pero con causas políticas siempre abiertas que van hacia lo abstracto, nunca hacia lo concreto. Un día con una cosa y al siguiente con otra». Os dejamos con el vídeo de este tema en el que los tres miembros del grupo lo interpretan.

Foo Fighters estrenan la cruda ‘Shame Shame’, primer adelanto de su nuevo disco

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Foo Fighters han sido los últimos invitados en el escenario de Saturday Night Live y han anunciado que su nuevo álbum ‘Medicine at Midnight’, verá la luz el próximo 5 de febrero de 2021. La secuencia de ‘Medicine at Midnight’ apenas incluye 9 pistas, entre las que se encuentra el primer adelanto, ‘Shame Shame’, que ya puede escucharse.

‘Shame Shame’ es un corte de blues-rock que destaca por su producción cruda, alejado de las guitarras jevis que suelen caracterizar su sonido. En la letra, Dave Grohl personifica a una entidad que pretende arruinar la vida de otra persona: «si quieres, te haré sentir algo real solo para molestarte, te someteré como una droga y te sofocaré, seré lo más importante para ti, seré la lengua que te trague». Más adelante, el artista canta: «Otra astilla debajo de la piel, otra temporada de soledad, encontré una razón y la enterré bajo una montaña de vacío, vergüenza, vergüenza».

El último álbum de estudio de Foo Fighters, ‘Concrete and Gold‘, salió en 2017 adelantado por los singles ‘Run’ y ‘The Sky is a Neighborhood’, a los que más tarde se sumaba ‘The Line’. ‘Concrete & Gold’ fue uno de los 40 discos más exitosos de 2017 en Reino Unido.

‘Medicine at Midnight’:

01 Making a Fire
02 Shame Shame
03 Cloudspotter
04 Waiting on a War
05 Medicine at Midnight
06 No Son of Mine
07 Holding Poison
08 Chasing Birds
09 Love Dies Young