La versión de ‘Con altura’ de Ginebras es un hit viral gracias a su aparición en Operación Triunfo

-

23 febrero, 2020

2

El notable ‘Hola‘ de Single ha sido nuestro «Disco de la Semana». Un disco que conecta en buena medida con el pasado musical de Teresa Iturrioz e Ibon Errazkin, puesto que su elegante melancolía acústica entronca en cierto modo con el repertorio de los adorados Le Mans. Pero, como hemos comentado ya, este quinto trabajo del dúo no se reduce a una mera recuperación de aquel sonido, sino que muestra, en realidad, su forma actual. Una forma que han ido tamizando los años y los discos –unos más bailables, otros más experimentales, otros ambas cosas a un tiempo– de los donostiarras.

Uno de los mejores y más inmediatos ejemplos de esto que contiene ‘Hola’ es la preciosa ‘El sueño’. Una canción que arranca con arpegios de guitarra adornados con unos sutiles toques de metalófono evocando, precisamente, a unos compañeros de sello coetáneos de Le Mans: los franceses Spring. Al trío autor de discos tan encantadores como ‘Tokio Drifter’, al menos hasta que en el estribillo irrumpen los coros de Ibon –aquí una de las grandes novedades de ‘Hola’, puesto que es la primera vez que canta en una grabación– dan réplica onírica, a modo de sirenas, a la voz de Teresa. Y es que su letra –inspirada por ‘Rapture‘, una rara pieza de folk psicodélico que Judy Henske y Jerry Yester publicaron en 1969– habla de un estado de sueño muy profundo, equiparándolo con un suave hundimiento hasta las profundidades del mar, como bien plasma el magistral Aramburu en la portada creada ad-hoc para el single digital.

Una ensoñación en la que, entre olas, delfines y monstruos marinos, lleva a Teresa a reencontrarse con «viejos amigos que perdí». Como Eva García Benito, figura de la primera ola del indie madrileño en grupos como Solex, Patrullero Mancuso o Los Caballos de Düsseldorf, fallecida hace dos años, a la que han dedicado este disco. Pero también, como nos confesaba Teresa días atrás, esa idea alude a otros amigos que también han quedado en el camino, como Josetxo Anitua de Cancer Moon. «Todavía le oigo llamarme en sueños», nos aseguraba la cantante y letrista, exponiendo cuánto de literal tiene la fantasía de ‘El sueño’.

Una fantasía que, a medida que avanza, se va volviendo instrumentalmente más intrincada, con guitarras que evocan a alguna de esas antiguas películas musicales que, cuentan, tanto les han inspirado en esta ocasión. Entrelazadas, además, con teclados algo abstractos que parecen aludir al genio nipón Isao Tomita, otro «amigo» que ha dejado este plano de existencia en tiempos recientes. Una preciosidad, en fin, que condensa esa particular belleza que pocos como Single son capaces de crear de lo mundano.

Lo mejor del mes:

Javier Corcobado / Somos demasiados

Por

-

23 febrero, 2020

2

Javier Corcobado es una de las figuras más personales e influyentes del rock español –aunque nació, curiosamente, en Fráncfort) desde hace casi cuatro décadas, cuando emergió como icono de la modernidad en el Madrid de los 80. Las carreras de artistas tan reconocidos como Surfin’ Bichos, Bunbury, Nacho Vegas, Christina Rosenvinge o Guadalupe Plata no serían sin duda las que son sin la influencia y el camino abierto por proyectos en los que era parte fundamental como Mar Otra Vez y Demonios Tus Ojos, y luego como solista. Por eso, diez años después de ser galardonado con el desaparecido Premio de la Música al mejor disco de rock alternativo por ‘A nadie’, parecía necesario un nuevo trabajo con el que reivindicarse ante una (otra) generación que no era exactamente la suya.

Y eso es, ni más ni menos, ‘Somos demasiados’. Con todo respeto para ‘Mujer y Victoria’ (2016), este primer trabajo para el sello Intromúsica (Dorian, Rusos Blancos, Tulsa) parece una inmejorable ocasión para que un público diferente se enganche a la peculiar idiosincrasia de Corcobado, tal y como otros lo hicimos cuando en 1997 publicó aquel seminal disco con Manta Ray. ‘Somos demasiados’ supone un preciso, variado y concreto (menos de 40 minutos que pasan volando) resumen de su particular idiosincrasia. Esto es, la de un crooner rockero (o viceversa) situado a medio camino de su adorado Camilo Sesto y Nick Cave, con el ancla echada en la música popular europea pre-grandes guerras de comienzos del siglo XX y el catalejo puesto en el electro-rock de los últimos años de ese mismo periodo.

De una vertiente a otra nos mece –ara más brusca, ara más suavemente– este décimo disco en solitario de su carrera, desde el kraut-jazz con base industrial del tema titular al hipnótico ‘Bija mantra rock’ que alude a cierta fascinación por la meditación y la tradición hindú. Un tránsito en el que boleros (‘El día en que ya no nació ningún niño en el mundo’), valses (‘Y yo te saqué a bailar’) y pasodobles (‘Un día triste y otro feliz’) siempre sui generis se dan la mano y juguetean libremente con rock electrónico (‘Europa tan triste’), country-folk crepuscular (‘Haz un acto de amor’) y hasta post-grunge virulento (‘Agradecimiento’), sacando a pasear de cuando en cuando (incluso en los momentos más inesperados) a su célebre y ruidosa “guitarra Tormenta”.

‘Somos demasiados’ puede resultar tan insólito para quien no le conozca ya como recurrente para el que ya le conozca (aunque también procurará algún que otro arqueamiento de cejas a los bien avanzados en “corcobadismo”). Pero no cabe duda de que es uno de los discos más equilibrados en la carrera reciente de Javier. También en el plano lírico, en el que su poesía, siempre en el filo entre lo sublime y lo sonrojante, equilibra reflexiones sobre la podredumbre del superpoblado y mal llamado primer mundo (con Europa como ejemplo de su decadencia) con expresiones de amor exacerbado y deseo sexual (especialmente explícito en la apasionada ‘El amor verdadero’).‘Somos demasiados’ raramente pondrá a alguien de acuerdo y seguro que no será la “cup of tea” de todo el que se aproxime a él, pero eso ya forma parte de la esencia misma del propio Corcobado. Señal clara de su carácter indómito.

Javier Corcobado presentará ‘Somos demasiados’ en Madrid el próximo día 13 de marzo, en la Sala El Sol. Después, de manera harto curiosa, él mismo se teloneará al frente de Mar Otra Vez en la Sala Loco Club de Valencia, el día 3 de abril.

Calificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘Y yo te saqué a bailar’, ‘Un día triste y otro feliz’, ‘El día en que ya no nació ningún niño en el mundo’, ‘El amor verdadero’, ‘Agradecimiento’
Te gustará si te gusta: Surfin´ Bichos, Bunbury, Nacho Vegas, Manta Ray.
Escúchalo: ‘Somos demasiados’ (la canción) en Youtube.

Vega: «Hay gente que está demasiado preocupada por la opinión pública, por no tenerla de su lado»

Por

-

23 febrero, 2020

19

A la salida del notable ‘La reina pez’ no pude entrevistar a Vega personalmente porque la artista no estaba en Madrid por asuntos personales, así que es una alegría citarme con ella en un bar de la Plaza del Carmen para hablar de su nueva aventura profesional: un disco en directo, por marciano que suene. Un álbum en directo que ha vendido como rosquillas a 30 euros gracias a una cuidada edición que incluye CD, Blu-Ray, fotos y textos explicativos. Vega, puro nervio, responde a las preguntas -como esperaba- sin tapujos cumpliendo con su rol en los márgenes de la industria «ni indie ni mainstream» que tantas veces ha reivindicado. ‘Diario de una noche en Madrid’ se presentará en directo el 17 de abril en Valencia, el 18 de abril en Barcelona, el 25 de abril en Madrid, el 8 de mayo en Córdoba y el 9 de mayo en Sevilla. Después, tocará centrarse en la composición de cara a un nuevo disco.

¿Qué significan para ti los discos en directo y cuál crees que es su pertinencia hoy en día?
Siempre me han gustado mucho los discos de directo, tengo bastantes, en vinilo, de artistas de antes. Me gusta mucho un disco en directo cuando no está tocado. Y este no está tocado. ¿La pertinencia? Pensé que no se estilaba, hicimos una edición limitada en físico porque pensé que no era el momento de algo así, pero me he equivocado, afortunadamente.

¿Qué discos en directo te han marcado?
Muchos, pero sobre todo uno de Simon & Garfunkel, en Nueva York, en Central Park.

En mi adolescencia se intercambiaban muchos piratas en directo. Pensé que esto se había pasado de moda, pero es que lo que has sacado no es un disco en directo. ¡Es un libro de fotos!
No estaba planificado hacerlo. Yo no iba a hacer nada. Yo di un concierto el 5 de octubre y el disco sale porque el público lo pide. Fue una noche muy especial, se vendieron las entradas con 4 meses de antelación y tuve 4 meses para pensar. La noche se antojaba bonita, fue muy fácil, iba sin «estreses» de cómo van las entradas. Y era un cierre para una etapa antes de parar para dedicarme a escribir o lo que fuera. Pero fue tan bonito, con invitados, gente subiendo vídeos… Yo lo había grabado con 4 cámaras para subir algo en streaming, presencial. Pero al final pregunté si lo habíamos grabado entero para ver si podíamos hacer lo que pedían, que era sacarlo. Y entonces ya no me quedé en un «disco de directo», sino que quise explicar con textos por qué era un «greatest hits» más que una presentación de ‘La reina pez’…

¿Por qué el concierto no se cambia de sitio si se agota con 4 meses de antelación?
No quise… No sé… Mucha gente me lo dijo, que hiciera dos días, o que me fuera a La Riviera. Y no sé. Me daba y me sigue dando un poco de pudor esa carrera a veces absurda por los sold outs, de «cuántas Rivieras has hecho». Tenía una noche feliz, para qué iba a estresarme con algo más.

Porque vender entradas te estresa.
Yo me estreso con todo, yo tengo un TOC. Tengo un sello propio, me autogestiono, todos los discos los hago con inversión propia, de lo que rindo con otros artistas, de lo que gano vendiendo mis discos y en mis conciertos, y lo vuelvo a invertir. No tengo ningún paraguas en ninguna multinacional. Cuando digo que soy independiente, sin «pendientes», es que no tengo ningún «pendiente» con nadie. Soy independiente real, con todas las letras. No es que me genere estrés, es que para mí sacar un proyecto, hasta que lo rentabilizo… Tengo mucha gente trabajando para mí, mis hermanas, los músicos, los técnicos… Siento demasiada responsabilidad sobre los hombros como para no ser tan pueril de ponerme a jugar con las cosas. Pienso mucho las cosas.

«Me sigue dando un poco de pudor esa carrera a veces absurda por los sold outs»

Pero al agotar con tanta antelación hubo un error de cálculo como empresaria, porque pierdes el dinero que no ganas. ¿O no te ves tanto como empresaria?
Claro que soy empresaria, pero hay un factor en medio. Los 4 meses previos al concierto es verano. Yo en verano no toco en festivales, no sé por qué, pero no tengo contrataciones en festivales. Y tengo una niña de 3 años. Tenía programado poder disfrutar de mi hija en vacaciones. El verano anterior tuve una gira en Colombia, México, Estados Unidos… y a nivel personal lo pasé mal porque estuve muchos días fuera de casa. En verano tenía entregas para otros compañeros, entregas como autora que van a salir, cosas que entregar. No quería un estrés añadido, estaba feliz y no quería seguir manejando eso. Igual sí sentí un poco de vértigo, no sé. Estoy feliz. No lo necesitaba. No tenía esa ambición, puede ser.

Has dicho que no tocas en festivales… ¿y eso?
No me llaman, hasta ahora no me han llamado. He tocado donde me han llamado. En Portamérica y este año toco en Sonorama.

«Yo en verano no toco en festivales, no sé por qué, pero no tengo contrataciones en festivales»

Hay artistas de tu entorno que se han ido abriendo camino entre los festivales, aunque en principio no lo fuera: Iván Ferreiro, Zahara, que al principio no te la imaginabas en el FIB, pero luego sí… Esto es cosa de management, ¿no?
Acabo de cambiar el management. Después del concierto, firmé con Pink House, que son los mismos de Zahara. Están trabajando en ello.

Te lo pregunto porque las cosas están cambiando. Yo antes no me imaginaba a Bunbury en festivales.
Sí, sí, sí…

Y hay festivales que son de pop-rock, sin más etiquetas…
No es una pregunta para mí, no soy yo quien te la puede contestar. Donde me han llamado, he ido, si me han pagado mi espectáculo. Sí que es verdad que no voy a ir a un festival a tocar con un caché que no me permita pagar a mi banda, a tocar en una posición donde creo que no me aporta nada y sin que me paguen el caché. A una mala hora, y si no me pagan el caché, a eso obviamente no he ido.

Retomemos el tema de la post-producción de los directos. Hoy en día está asumida: dobles voces, retoques, cosas pregrabadas… En este no hay, comentabas.
Si lo oyes entero y lo ves entero, verás que no hay. Hay cosas que están perfectas, y yo que soy un poco TOC lo pongo y digo: «¡UMMGHH!».

¿En qué lo podemos notar?
Hay una anécdota que se ve en el vídeo, en la última canción, que es ‘La Reina Pez’. La canto un poco desaforada, medio ahogada, porque en un momento hago un gesto con las manos por el que se me cae la petaca, no hay monitores en el suelo, y entonces yo no tengo escucha. Y como no quería estar hurgándome en el vestido, digo «da igual, ve y canta sin escucha». Y se nota que estoy cantando sin escucha porque estoy haciendo un sobreesfuerzo por oírme.

«Cuando digo que soy independiente, sin «pendientes», es que no tengo ningún «pendiente» con nadie. Lo soy con todas las letras»

¿Qué es lo que más te escama de los conciertos retocados en el estudio?
Que no son orgánicos, que no tienen aire, que se pierde magia del público. Me dicen que yo tengo una forma de estar en el escenario que en mis discos no está. Quizá es culpa mía porque la maldita tecnología del estudio te permite repetir, repetir y repetir. A veces yo misma he podido pecar de querer que algo esté perfecto, y en directo solo hay una toma. Ahí es donde soy un bicho. Mi estado feliz y natural es el escenario. La gente me dice que me prefiere en directo porque transmito una energía que no está en los discos, donde estás más contenida. No quiero tocar eso: fue una noche especial y al público le doy las gracias por empujarme a sacarlo, porque soy tan perfeccionista que yo no lo habría hecho, y pensé que no iba a funcionar. Lo que quiero que la gente vea es lo que pasó esa noche, no una cosa que pasó en el estudio después, arreglándolo alguien.

No sé si es un cumplido que tus discos sean peor que tu directo. Se supone que productores y productoras trabajan en ese sentido para captar la esencia de un artista en los discos.
A menos que estés tocando a tiempo real con la banda, es algo muy difícil de replicar en un estudio. Cuando canto en los discos, cuando los grabo, no estoy tocando. En directo estoy tocando la guitarra, el piano… La actitud no es lo mismo. En cambio, cuando estoy grabando un disco, no toco la guitarra. Hay algo que cambia. Y sobre todo, cuando tienes a alguien que te escucha delante, hay algo que cambia en la voz. Hay un clic y eso es muy difícil que se reproduzca en un estudio, a no ser que grabes un disco de directo, que esté el público delante.

Hay un momento en el disco que dices algo así como «Estoy tan feliz que ni en las tristes se me quita la sonrisa». Hay un momento en el que te pones a llorar. No sé qué has sentido al escuchar todo esto. Tiene que ser raro oírte llorar en un disco.
Yo no lo he escuchado. Todos mis discos están coproducidos por mí, pero este lo ha producido solo Kiko Fuentes. He escuchado las mezclas de las canciones, pero las partes habladas no…. Y luego tengo que confesar que no lo he visto.

¿Por qué?
Porque creo que no soy capaz de verlo sin un nudo en la garganta. He visto las canciones por trozos pero no entero. Cuando salga.

Demasiado tarde.
Quizá por eso (risas)

Antes de que salga Eva Amaral, hay alguien que grita «¡artista!». Me he llevado un susto de muerte porque no sé dónde tenía la cabeza que primero he entendido «¡fascista!». ¿Cómo es posible que el sonido de un fan llegue a la grabación?
(risas) Es mi amigo David. Le puedes poner cara porque sale en el vídeo de ‘Haneke’, un chico de barbita. Lo conocí viniendo a mis conciertos y acabamos siendo amigos, es de los que chillaban, que yo pensaba «¡al de lado le vas a dejar sordo, se te oye más que a mí!». Somos muy amigos. Es el que conduce en el croma en ‘Puede ser’. Sabe que cuando le oigo, me da la risa.

Hay una cosa con estos fines de gira en España que me da un poco de pena: parece que cierto tipo de artistas estáis obligados a sorprender, a llevar invitados-sorpresa, y no entiendo muy bien por qué.
No. En este caso concreto, como las entradas se vendieron 4 meses antes, invité a amigos porque realmente a mis conciertos casi nadie ha venido a tocar. Rara vez he tenido un invitado. Como iba a hacer un parón, excepto Budiño que ya había trabajado en el disco, llamé a amigos de verdad para compartirlo con ellos, y ni los anuncié. Estaban allí para mí, no para el público. Para mí fue una alegría que quisieran estar allí María Blanco, Guadi Galego Andrés Suárez, Eva. No es para el público, es para mí y ellos se lo llevan de rebote. Cuando haces un dúo, el superfán te dice «me gusta más tu sola». Y es como «no hay opción».

«Los dos primeros discos me quedan un poco lejos a nivel temática. Voy a cumplir 41»

Hay un par de tus canciones más famosas, que no suenan. Son ‘Grita’ y ‘Mejor mañana’, pese a que he visto que sí las estuviste tocando en 2019, pero justo ese día no.
Ese día no. Lo explico en el libro, en esos 4 meses que tuve para pensar, me di cuenta de que quería cantar las que me gustaban de verdad. Los dos primeros discos me quedan un poco lejos a nivel temática. Voy a cumplir 41 la semana que viene (NdE: este martes 18 de febrero). ‘Grita’ está bien, pero como la había cantado en los acústicos, decidí rescatar ‘Nueva York’, que sé que le gusta a mi público, aunque se me queda un poco blandita. Decidí cantar mis favoritas, algunas que me llevan pidiendo tiempo que tenían que estar y otras que es probable que no toque nunca más.

¿Tu público tiene esto asumido como el de Christina Rosenvinge, que sabe que no va a cantar, no sé, todo de los Subterráneos?
Yo soy superfán de Christina, y tengo asumido que no va a cantar canciones de los Subterráneos y se lo he dicho muchas veces…

En Twitter eres superabierta con ciertos temas: «no me gusta esta canción de Rosalía», «los Premios MIN y los Premios Odeón son lo mismo… ¿Luego lo sufres?
Lo sufre mi hermana, que es periodista. Ella es plan: «¡¡hostia!!». Escribo y lo llevo yo pero a ella le saltan las notificaciones porque a veces le digo: «si yo no puedo, chequea esto». Le llegan los avisos y cuando empieza a vibrar el móvil: tacos, insultos… es «a ver qué hostias has liao».

¿Y te dice en plan: «para qué dices esto»?
Y por qué no. Tengo tanto derecho a opinar como los demás. Punto. Digo la verdad de las cosas que pienso. Intento no ofender a nadie.

A mí me encanta…
Si no me gusta una canción, si no me gusta lo que transmite…

¿Te sienta mal que los medios se hagan eco de estas cosas?
No. Me molesta que cuando hablo de las cosas que realmente me importan no lo hagan (risas) pero eso ya es una cuestión…

También sacaste lo que se cobraba por streaming, se producen debates interesantes…
Subí las fotos, sí.

«Hay gente que está demasiado preocupada por la opinión pública, por no tenerla de su lado»

¿Por qué crees que otros artistas no dicen estas cosas?
Porque hay gente que está demasiado preocupada por la opinión pública, por no tenerla de su lado. Nunca me ha interesado ser políticamente correcta. Soy más punky de lo que piensa la gente.

Te veo muy rockera, lo he pensado por varias cosas que has dicho. Incluso vienes con cazadora de cuero…
(risas)

Te vi volviendo a OT, ¿lo ves mejorado con Zahara, La Casa Azul, La Bien Querida, Miqui Puig?
Es un programa de televisión, obviamente hay cambios. Les vendrá fenomenal tener a Zahara dentro para tener otra visión. Vi el primer programa porque salía Zahara, pero justo fue el que no salió. Y después no lo he visto más. Realmente es un show para entretener. La parte que queda es entretenimiento. ¿Entretiene? Guay.

¿Tú no te verías de profesora?
¿Yo? Pero si hago un tuit y salgo en los papeles. Me dejas hablando 2 horas y…

Hombre, yo creo que tendrías mucho que aportar por tu visión de la industria.
Y de composición, pero la pregunta es: «¿eso es interesante? ¿Entretiene?». El programa cumple su función de cara a las familias que quieren entretenerse.

Estamos en el fin de una etapa para ti. ¿Qué será lo siguiente?
Vamos a hacer conciertos en Madrid, Barcelona, Valencia, Córdoba y Sevilla. Vamos a replicar un poquito esto porque no hice una segunda fecha como empresaria (risas), ya que no estuve muy espabilada ahí. Y luego supongo que un disco nuevo. Digo «supongo» porque un disco no está hasta que no haya canciones. No hago discos con rellenos. Ahora mismo tendría para un disco por número pero no para mi criterio. Tengo que llegar como a canciones 2 discos y medio o 3 (para hacer 1).

¿Algún signo de estilo o temático, o de «vibe»?
Estoy con mucho power.

¿Se viene rock?
No sé si rock. Yo siempre he tenido mucho carácter y eso va in crescendo, al menos hasta que la fuerza me flaquee y esté ya gagá. Hasta que la energía se me vaya. Estoy en una etapa familiar muy bonita, pero con mucha energía. No solo musical, sino… en la línea de mi Twitter y de todo…

¿Agresivo?
No, la palabra no es agresivo.

De rabia.
Franca, sin tapujos. La franqueza va asociada al carácter, y no como algo negativo. De tener personalidad.

Reino Unido impondrá visados y tasas a los artistas foráneos que actúen allí: ¿acabará el Brexit con su «Meca» del pop independiente?

Por

-

22 febrero, 2020

25

Las consecuencias del Brexit, como muchos advertían, han comenzado a afectar al mundo del arte y, también, a la música. Según informa The Line of Best Fit entre otros medios musicales, Reino Unido impondrá la necesidad de obtención de visados y el abono de tasas especiales a los grupos y artistas musicales que programen conciertos y actúen en su territorio. Según estas informaciones, será a partir de 2021 y afectará a todos los oficios creativos y deportivos que pretendan actuar en el país británico, ya sea para una gira, un único show o incluso una aparición en un festival.

Afectará a cualquier persona en la industria creativa (también pintores, fotógrafos, actores…), tanto de la Unión Europea como de otros territorios, que quiera viajar a Reino Unido después de 2020 (fecha límite del periodo de transición para la salida del país de la UE). Aquellos deberán justificar, con 90 días de antelación a la solicitud de la visa, la posesión de un efectivo en cuenta corriente de casi 1000 libras «a modo de prueba de que podrán valerse por sí mismos» en su territorio. Solo los solicitantes que ostenten un visado de calificación «A», «admitido sin reservas», quedarán eximidos de dicha condición. Esto, claro, al margen de un abono de 244 libras por la visa de cada miembro del equipo (afectando tanto a músicos como equipo técnico, mánagers, etcétera). La decisión parece firme, aunque ya hay diversas asociaciones artísticas a nivel continental que han reclamado la retirada de la medida.

Parece evidente que esto no afectará a grandes nombres de la industria del entretenimiento, para los que las tasas y condiciones no supondrán, en principio, un perjuicio demasiado grave. Pero igual de evidente es que esta medida podría terminar con Reino Unido como la Meca del pop independiente que lleva siendo desde hace más de 50 años. Dada la conocida precariedad que afecta a los artistas de corte underground y alternativos de todo el mundo, poner esa barrera podría acabar con la rentabilidad de las giras y, por tanto, con la rica oferta musical de música en directo de ciudades como Londres, Manchester, Liverpool o Glasgow. ¿Dejará de ser posible ver en directo allí a, por decir algunos nombres, Angel Olsen, Benjamin Biolay, Trentemøller o Mando Diao? ¿O será posible, pero no con las mejores condiciones posibles? Bien mirado, quizá Londres sí pueda convertirse en la nueva Meca… de la música acústica.

Mirando a nuestro país, también parece probable que esto provoque que grupos como Baywaves, Alien Tango o The Zephyr Bones, dejen de optar a actuar allí, como han hecho en el pasado. Y, mirando más arriba, ¿compensará a nombres como Vetusta Morla, Izal o Bunbury, que han parado allí últimamente o lo harán pronto, dar un único show en la capital inglesa como guiño a la colonia española en el país? Quizá ya no. Curiosamente, puede que no afecte tanto a grupos como Hinds que, dada su popularidad y capacidad para llenar muchas salas en todo el país, podrían amortizar esas imposiciones más fácilmente.

Peor aún que esto es pensar en la posibilidad de que la propia Unión Europea tenga la genial idea de contrarrestar esta medida con otra análoga, pero inversa: que imponga barreras a la presencia de artistas británicos en los países miembros. De nuevo, esto quizá no nos privaría de poder ver a Blur, los Gallagher, The Chemical Brothers, Pet Shop Boys o Primal Scream encabezando carteles de festivales (otra cosa serían las salas, ojo). Pero sí parece que imposibilitaría la presencia en salas de nuestro país y el resto de UE a nombres más modestos como IDLES, Anna Calvi, Fontaines D.C., Temples… o incluso Morrissey. ¿Habrá manera de parar esta situación desquiciada?

«Ábreme tu tesoro»: el ¿sexual? y sorprendente giro de Xoel López en ‘Alma de oro’, una canción sin guitarras ni género

Por

-

22 febrero, 2020

1

Xoel López presentaba este viernes ‘Alma de oro’, primer avance de su nuevo álbum ‘Si mi rayo te alcanzara’, que llegará en primavera. Un disco que ha de suceder a ‘Sueños y pan‘, disco de 2018 que para él supuso «el final de la novela, de un viaje en tres episodios», que completaba a ‘Atlántico‘ (2012) y ‘Paramales‘ (2015). Se trata de una canción sorprendente en muchos sentidos puesto que, de manera insólita, no suena en ella ninguna guitarra. «Abundan los sintetizadores y la electrónica sutil y cálida», dice la nota de prensa de Sony Music, principalmente porque la relación del coruñés con las seis cuerdas anda últimamente deteriorada. «Quería un disco poco retro (…), porque no me siento en mi mejor momento de la relación con ese instrumento», explica.

A partir de ahí, no se puede decir que ‘Alma de oro’, producida en libertad por Carles Campón «Campi» (Vetusta Morla, Jorge Drexler, Natalia Lafourcade), se mueva en un género preciso. Su rítmica alude al reggaeton, si bien sus percusiones tienen casi más que ver con la samba brasileña. Además, su construcción melódica alude al jazz, el R&B y la música jamaicana, a los que López confiesa haberse abierto de oídos últimamente. «La canción me gusta porque me sorprende a mí mismo, porque no acierto a localizar de dónde proviene», cuenta el propio Xoel. «No me recuerda a ningún género o artista en concreto, y creo que eso le sienta bien, aunque obligue a concederle más de una escucha».

De manera inesperada, el artista-antes-conocido-como-Deluxe asegura que le recuerda al hit de Gotye y Kimbra, ‘Somebody That I Used To Know’. Se refiera la insólita irrupción en la tercera estrofa de una voz femenina, la de Ede. Se trata de una artista madrileña aun poco conocida (apenas se contaba una grabación con Club del Río), pero de gran talento vocal que López, nada más descubrirla, invitó a sumarse a su banda. «A partir de ese momento» en que cantan juntos, explica Xoel, sus voces en «‘Alma de oro’ se transforman, evolucionan y revolucionan; avanzan hacia un nuevo lugar y ya no regresarán».

No menos sorprendente es la letra del tema, sobre todo si nos dejamos llevar por la primera impresión de pensar que es un tema sexual, si vemos el doble sentido en la frase «Ábreme tu tesoro» y confundimos el «no te voy a fallar» con «no te voy a follar». Pero, aunque el autor reconoce que la metáfora deja lugar a interpretaciones, cree que habla más de «la soledad y la necesidad de relaciones y sentimientos auténticos en un momento en que el entorno se ha vuelto propenso al teatro, a la pantomima». «No estoy nada en contra de las redes sociales», matiza, «pero sí del postureo. Si necesitas algo de autenticidad, echarle un vistazo a Instagram te hará polvo». El clip oficial, obra de los vascos Badator y Alabama, también juega con el sentido de la letra, mostrando una ruptura (como la que, explica, ha vivido el propio Xoel López recientemente) que expande las posibilidades, no limita. Es, en todo caso, un primer single tan llamativo como cabría desear. SanSan Festival 2020 será una de las primeras citas en las que Xoel presentará sus nuevas canciones.

Escucha ‘Alma de oro’ en la playlist «Ready for the Weekend»

beabadoobee triunfa gracias al sample de ‘Coffee’ en ‘death bed’, el oscuro hit de Powfu

Por

-

22 febrero, 2020

1

Os hemos hablado de beabadoobee en un par de ocasiones: la jovencísima cantautora británica forma parte de la «Generación Z» de nuevos artistas de pop alternativo que están surgiendo gracias a internet y ha sido una de las revelaciones indie-rock de 2019 gracias a la buena recepción lograda por singles como ‘Coffee’, ‘The Moon Song’, ‘She Plays Bass’ o ‘I Wish I Was Stephen Malkmus’ (gran título). La promesa de beabadoobee (se pronuncia bi-ba-du-bi) la ha llevado incluso a ser nominada al sondeo de BBC Sound of 2020 finalmente ganado por Celeste.

Habría sido un puntazo ver a beabadoobee presentar cualquiera de sus canciones en los BRITs (aunque tampoco habría sido una sorpresa, la artista forma parte del sello Dirty Hit, el mismo que acoge a The 1975), pero de momento ella ya se está apuntando un hit nada desdeñable en su hasta ahora corta carrera del que vale la pena hablar. Aunque el hit tiene trampa puesto que la canción en cuestión, ‘death bed’, no es original de beabadboobee sino del rapero Powfu. ‘death bed’ samplea ‘Coffee’ de manera tan prominente y clave para la canción que la británica aparece acreditada como artista invitada.

Esta remezcla de ‘Coffee’ en clave chill-hop y con el añadido de un sonido de lluvia que potencia su componente nostálgico está triunfando en Spotify, donde lleva más de 12 millones de reproducciones en menos de dos semanas. Por comparar, el mayor éxito de beabadboobee hasta la fecha, ‘Coffee’, lleva 17 millones… pero salió en 2017. Por su parte, Powfu había tocado su techo con los 6 millones de streamings de ‘Dead Eyes’. La aparición de ‘death bed’ en playlists tan importantes de la plataforma sueca como Today’s Top Hits ha ayudado, pero es un hecho que el éxito de la canción no conoce precedentes en la carrera de ninguno de sus autores involucrados.

¿Por qué está calando ‘death bed’, ya la segunda canción más escuchada en el top viral de Spotify? No es ningún misterio que la melodía de ‘Coffee’ es una absoluta monada, pero tampoco que el rap de Powfu está hecho para retocer el más gélido de los corazones. Si ‘Coffee’ era una canción costumbrista sobre preparar «una taza de café con la cantidad justa de azúcar», esta nueva composición llamada «lecho de muerte» es algo más oscura… aunque por sonido no lo parezca. En ella, Powfu habla desde la perspectiva de un joven que, sumido en una depresión, ha decidido que va a morir. «Hay tantas cosas que aún no hemos hecho, ojalá pudiera ser yo esa persona, pero no saldré de esta cama», canta, a lo que sigue: «espero, si voy al cielo, verte otra vez, mi vida ha sido corta, he tenido tantas bendiciones, estoy contento de que hayas sido mía, es una putada que todo esto esté acabando». Solo hace falta un vistazo a los comentarios de Youtube para comprobar que la canción está uniendo a la gente.

Lo mejor del mes:

Playlist de iniciación: creamos el «greatest hits» de Single

Por

-

22 febrero, 2020

4

Single han publicado estos días su disco de regreso, ‘Hola’. Lejos de aprovecharse de la moda jamaicana y lejos de aprovecharse de su visión pionera del rapeado aplicado al pop, el grupo ha decidido publicar un disco acústico precisamente como contraste al anterior ‘Rea’. Ellos llegaron mucho antes de que gente como Novedades Carminha se entregara casualmente a los ritmos reggae y al dub, pero ahora deciden recular con una obra que parece más bien una segunda parte de su disco de versiones acústicas, ‘Anexo‘ y que no puede sonar más desubicada en el mundo de la industria musical actual. Foto: Lourdes Cabrera.

Precisamente por ello es nuestro «Disco de la Semana», y lo celebramos también con una playlist en la que reunimos las canciones más inmediatas de su carrera. Dejando de lado personales favoritas como ‘Señor invierno’, ‘La cama’ u ‘Oda a los negros’, nos hemos querido concentrar en su vertiente más accesible de cara al público casual.

Sólo podíamos comenzar por ‘Pío pío’ por su gran carácter de «intro», pero después aparecen el estribillo directo de la bailable ‘Tu perrito librepensador’, la versión “single” de ‘Honey’ o la balada para el recogimiento ‘Llévame a dormir’. No pueden faltar ‘Mr Shoji’, y mucho menos después de ser sintonía de un programa de La 2; su gran obra maestra, el pasodoble ‘Fotos’; o la versión de ‘Gracias a la vida’ (además de la de ‘No hay nada más triste que lo tuyo’ de Hidrogenesse, irónicamente su grabación más popular). Su gusto por la música negra y Jamaica se recoge en ‘Rea’ y ‘Me enamoré’, mientras del nuevo álbum escogemos el sencillo ‘El roce’, ‘El sueño’ y la revisión de la canción perdida ‘A las seis’.

‘Foodie Love’ de Isabel Coixet no habla solo de comida… ¡sino de amor cortés!

Por

-

22 febrero, 2020

14

La primera serie española de HBO es desde los últimos días de 2019 ‘Foodie Love’. Se define oficialmente como «una serie COCINADA por Isabel Coixet» y… ¿hace falta decir algo más? La directora catalana, uno de los personajes más amados y odiados a partes iguales de la historia de nuestro cine (para otro día dejaré cuánto se debe a ser mujer y cuánto a sus ideas políticas), se recrea a lo largo de 8 episodios de media hora en todos sus señas de identidad y tics como cineasta. La serie cuenta la historia de una pareja (Laia Costa y Guillermo Pfening) que se conoce a través de una APP que los une por su afición a la gastronomía y, por el camino, decide cumplir con todos los clichés posibles de «la mujer y el pelele». Ella es una chica guapa y culta, misteriosa e inalcanzable, tan interesante que a menudo porta unas gafas de pasta a lo azafata del ‘1, 2, 3’. Él cumple sin ningún rubor todos los estereotipos de argentino romántico y plasta. Mayor pero igual de «loser» que si aún tuviera 14 años, es subrayado por un monólogo interior que llega al espectador a modo de voz en off y bocadillitos.

Coixet ha contado que en el pasado le han ofrecido dirigir «dos episodios de ‘Homeland’, tres de ‘Narcos’ y dos de ‘True Blood'». Pero lo ha rechazado porque como directora no le «divierte» que reparto, guión y detalles estén decididos de antemano. En ese sentido, ‘Foodie Love’ agradece ser un producto libre y de autor/a, aunque a veces sea para mal. Los dos personajes principales, que parecen sendos alter ego de Coixet, pecan de intensas, como se apercibe especialmente en el capítulo romano, un «eye rolling» tras otro solo apto para aquellos que se apuntan frases como «escuchar es la cosa más sexy», escuchan en bucle a Jay Jay Johanson en pleno 2020 y mantienen la trilogía de Linklater en un pedestal. Es el mayor exponente de algo que se vende como «una historia de amor, desamor, dudas y comida».

Porque está el tema de la comida. Lo primero que viene a la cabeza es que no necesitábamos algo llamado ‘Foodie Love’ con la tontería generalizada que está rodeando últimamente el mundo de la comida. Precisamente la serie se presenta como «alérgica al postureo foodie», pero fracasa en su cometido crítico, pues más bien lo fomenta. Por mucho que los protagonistas terminen una noche comiéndose un ¿triste? crêpe más felices que unas perdices en lugar de un restaurante de lujo, ninguno da palo al agua en la vida. Eso sí, uno de ellos puede permitirse el lujo de improvisar un vuelo a Japón como quien coge el NitBus a Sarrià: el espectador nunca deja de percibirlos como unos esnobs. Verles comerse un crêpe es poco menos que encontrarse a Beyoncé tomándose un Whopper queso con extra de mayonesa en el Burger King.

Por el contrario, ‘Foodie Love’ también es una serie 100% Coixet para bien. En un mundo en el que empiezan a proliferar en la cultura popular las referencias al poliamor y a los clubs de sexo -y a los pelotazos de ‘Kiki, el amor se hace’ y ‘Élite‘ me remito- su opuesto resulta hasta exótico. ‘Foodie Love’ es toda una oda al amor cortés, que en su guión se recrea en la sensualidad y la estratagema de la vieja guerra de sexos («sé que no es sexy suplicar», dice él en un momento realmente emocionante), ahora aplicada a la era del #MeToo. El chiste que se hace al respecto es sin duda uno de los momentos más arriesgados de toda la serie.

Así pues, Isabel Coixet nos da una de cal y otra de arena. Por cada cosa que te da repelús (de nuevo esa absurda visión idílica del amor gay que ya dejó caer en ‘La vida secreta de las palabras’) y por cada cosa que es un gran NO (las escenas de acción no se le dan bien, como se aprecia en el capítulo del accidente); encontramos otras que son un gran SÍ. Ponga a Yolanda Ramos en un episodio y haga al mundo reír. Aunque con lo que te tienes que reír es con el baño de realidad que ofrecen algunas conversaciones y situaciones incómodas en las que se intenta ocultar la verdadera manera de ser de uno para agradar… solo para mostrar finalmente la violencia contenida y la peor cara. «El mundo hetero está fatal», suele decir una amiga como si el resto fuera Jauja. De esa visión ha de venir el éxito de series como ‘Sexo en Nueva York’ o ‘Girls’ (no de tan lejos viene el de ‘Looking’ o ‘Please Like Me‘), y ‘Foodie Love’ podría venir a ser una visión «arty» de todas ellas. 7.

Andy Shauf / The Neon Skyline

Por

-

22 febrero, 2020

3

No deja de ser irónico que artistas que por talento, sonido y estética podrían haber estado copando las listas de éxitos en los años 70, se vean relegados hoy a algo parecido al underground. Me refiero a nombres como Real Estate, Whitney, Tobias Jesso Jr., Bedouine… o Andy Shauf. El canadiense se ha tomado su tiempo tras el impresionante ‘The Party’ pero, cuatro años (y un disco de su proyecto paralelo Foxwarren) después, ha vuelto con un ‘The Neon Skyline’ que no se limita a cumplir las expectativas despertadas con aquel disco, sino que las supera.

Aquel cuarto álbum de su carrera en solitario destapaba la capacidad de Shauf para crear piezas de exquisito y atemporal pop de guitarras, con arreglos tan precisos como preciosos. Y, a la vez, daba una lección de imaginación narrativa al plantearse como una colección de pequeñas viñetas que sucedían en una fiesta privada. Una ingeniosa coartada literaria/cinematográfica que servía al autor para mostrar su habilidad para esbozar con sencillez y precisión las emociones de unos personajes en los que podíamos vernos retratados cualquiera de los que leemos estas líneas. Dando una nueva pirueta en ese sentido, ‘The Neon Skyline’ también se plantea casi como un guión o un cuento corto: una noche en la vida de un chico que sale a tomar algo con sus amigos al bar de siempre, con la ruptura del que cree el amor de su vida, Judy, en mente.

En este caso, los once canciones del disco escuchadas en orden correlativo nos presentan la historia del lastimero protagonista (encarnado por Andy, aunque en realidad no es exactamente autobiográfico) desde un taburete al pie de la barra del garito llamado como el disco. Con apenas unas certeras pinceladas, logra dibujar a la perfección la escena y sus personajes: su mejor amigo, Charlie –un tipo divertido y cortés, pero algo informal–; otra más casual, Claire –una madre soltera que lucha, sin éxito, para no repetir los errores que sus padres cometieron con ella–; la camarera Rose –con la que hay una complicidad especial, con el posible trasfondo de un deseo mutuo no consumado–; y, por supuesto, Judy, la mujer a la que el chico se pasa anhelando durante la primera parte del disco… hasta que se presenta por sorpresa en el bar y pone patas arriba la escena.

Haciendo gala, una vez más, de un lenguaje sencillo y directo pero a la vez poético y con doble filo, Shauf presenta a un pobre capullo profundamente enamorado de aquella mujer, al que el olor de unos cigarros de clavo le hace evocar un verano junto a ella, y le hace desearla con más fuerza que nunca… a pesar de que a menudo discutían por cosas absurdas en las situaciones más inverosímiles, de sus dudas sobre si realmente hizo todo lo que pudo por salvar la relación, culpabilizándose a sí mismo de la lustrosa cornamenta que lucía (por supuesto, ella también encontró razones para enfadarse con él… incluso en el momento en el que la pilla con otro en su cama). En ese reguero de viñetas que bien podrían ser pasto de unas viñetas de Adrien Tomine, una película de Paul Thomas Anderson o una serie de Judd Apatow, su deseo se hace realidad. Solo que, al hacerlo, el hombre comienza a vislumbrar que lo que parece un sueño cumplido es en realidad su oportunidad de dar por cerrada su pesadilla emocional.

Pese a esa trabajada carga narrativa, lo más mágico de ‘The Neon Skyline’ es que cada episodio/canción puede ser leído y disfrutado de manera separada. Incluso así consigue emocionar y ser entendido como un retrato de la complejidad de las relaciones personales en un tiempo en el que los atavismos heredados entran en conflicto con una nueva perspectiva social. Pero no nos despistemos de lo más importante: si lo logra es, sobre todo, gracias a unas canciones maravillosas en las que no hay nada de paja. Es evidente que la maravillosa y muy Teenage Fanclub ‘Try Again’ o ‘Things I Do’ sobresalen del conjunto, y quizá se echa en falta algún otro tema que se contagie así de rápido.

Pero a medida que escuchamos las esmeradas armonías, acordes y arreglos de piano y viento (en general es más austero que ‘The Party’, pero curiosamente eso le da más lustre) que le conectan con nombres como Nick Drake, Paul Simon, Elliott Smith o Randy Newman, cada canción se va revelando imprescindible. Da igual si es por un canturreo (‘Neon Skyline’, ‘Fire Truck’), un riff (‘Thirteen Hours’, ‘Dust Kids’) o un giro melódico al final de una estrofa de apariencia inofensiva (‘Where Are You Judy’, ‘The Moon’, ‘Changer’), pero nada sobra. Y, de paso, esa atención cuidadosa nos va revelando los recovecos vitales –sus ideas sobre religión, educación, intimidad…– de los pobladores del Neon Skyline, haciéndonos empatizar inevitablemente con algunos de ellos, y sintiendo que en realidad esas pequeñas escenas de una vida podrían ser, fácilmente, de la nuestra.

Calificación: 8,4/10
Lo mejor: ‘Try Again’ y ‘Things I Do’, aunque es una delicia escucharlo y leer sus letras de un tirón.
Te gustará si te gusta: Real Estate, Whitney, Paul Simon, Nick Drake
Escúchalo: Bandcamp

La «música para besar» y sin género de Vendredi sur Mer llega este sábado a Barcelona

Por

-

21 febrero, 2020

1

El año pasado pasaba por nuestro Especial “Revelación o Timo 2019” Vendredi sur Mer, el proyecto de la suiza Charline Mignot. Su disco editado hace casi un año ha sido un pequeño éxito en Francia, llegando al top 50 oficial pese a su carácter independiente (y las listas francesas incluyen streaming). Aún está presentándolo por el mundo, llegando este sábado 22 de febrero -no un “viernes”, lo sentimos- a la barcelonesa Sala Razzmatazz.

Ya mi compañero Raúl Guillén destacaba la sensualidad de los vídeos de Vendredi sur Mer, y es reseñable que en todos los que hemos visto, el beso cumpla una función fundamental. ‘Chewing-Gum’, deliciosa en su batido de sintetizadores y flautas, muestra a sus protagonistas a punto de compartir eso, un “chicle”, o abrazados en el mismo. Su canción más famosa, ‘La Femme à la Peau Bleue’, incluye en su vídeo más besos en primer plano. Y ‘Écoute chérie’ va más lejos aún: el clímax son un montón de morreos y una comilona sobre cuerpos desnudos que podría representar la versión cool de ‘Bon Appetit’ de Katy Perry. Espero que nadie se pregunte por qué la artista ha aparecido hace unos días en un artículo en un medio canadiense llamado «¿Por qué esta música da tanta ganas de besar?«.

Charline Mignot ha hablado en Les Inrocks sobre el personaje que ha creado con Vendredi sur Mer, indicando que es «mucho más femenino que ella» y que ha querido jugar con los roles de género (especialmente en ‘Écoute chérie’), reconociendo la influencia de la chanson y de gente como Michael Jackson o Mylène Farmer. “Asumo la sensualidad en mi música porque es el único lugar donde puedo ser lo que sueño ser. Es liberador”, confesaba, en sintonía con el discurso de Christine & The Queens.

‘Monos’ es un original y potente acercamiento a la violencia en América Latina

Por

Fernando García

-

21 febrero, 2020

8

La violencia en el cine latinoamericano es un tema recurrente mediante el que se han contado historias terribles relacionadas con narcotráfico, secuestros, y demás consecuencias de la pobreza y desigualdad. Cada vez resulta más complicado tratarlo desde una perspectiva distinta, pero por supuesto, hay grandes ejemplos de ello, como cuando Amat Escalante recurrió a la fantasía para plasmar la realidad mexicana en ‘La región salvaje’. ‘Monos’, desde Colombia, no apela a lo sobrenatural, pero su director Alejandro Landes sí la excluye del hiperrealismo de, por ejemplo, ‘Heli’, creando un universo particular donde aparentemente viven unos niños, en lo alto de una montaña. Son guerrilleros y están a las órdenes de un sargento paramilitar. Su misión es la de vigilar a una doctora americana que tienen secuestrada.

Uno de los elementos que más llama la atención de la singular propuesta de Landes es el contraste entre la imponente belleza de los paisajes colombianos y la más terrible de las realidades del país, contada bajo el punto de vista de unos niños cuya inocencia y moralidad les han sido arrebatadas. Es en ese choque donde la película encuentra una de sus mayores virtudes y donde demuestra el talento de su prometedor autor, que dirige con precisión y un gran pulso narrativo. La inteligencia de la puesta en escena reside en su juego con el desconcierto; resulta difícil adivinar lo que va a pasar, e incluso durante la primera parte, no se sabe muy bien qué es lo que está pasando ni quiénes son esos personajes. Pero se percibe que algo no está bien, y eso es utilizado con audacia para atrapar al espectador en su ambiciosa narrativa y en su eficaz ritmo.

Todo en ‘Monos’ funciona, pero es sobre todo durante su último acto donde cobra más fuerza, cuando va de lo colectivo a lo individual. Landes poco a poco nos va acercando a sus personajes, y sus dudas sobre los conceptos del bien y el mal aparecen en ellos de manera desigual, realizando un potente retrato de la alienación infantil. Se agradece que la película no juzgue las a menudo terroríficas acciones de sus protagonistas –interpretados con solvencia por todo el reparto- y les trate como lo que son: víctimas de un sistema corrupto y podrido.

La siempre sugerente y enigmática música de Mica Levi es, sin duda, otro de los grandes aciertos, pues se aleja de lo que sonaría en un thriller convencional y se acerca al ambient inspirado en los sonidos de la selva colombiana. ‘Monos’ es una experiencia inquietante y sombría, que sitúa a su director como un cineasta sin miedo a saltar al vacío, con una habilidad asombrosa para esquivar excesos a pesar de estar siempre cerca de caer en ellos. 7,5.

J’AIME, el proyecto de Jaime Cristóbal, anuncia primer disco y presenta la nostálgica ‘700,000 Records’

Por

-

21 febrero, 2020

0

Jaime Cristóbal de Souvenir, locutor de Popcasting y colaborador de este mismo site (gracias a su sección hemos recordado canciones o discos maravillosos como ‘Jolene‘ de Dolly Parton), continúa con su proyecto musical en solitario llamado J’AIME, un juego de palabras que no hace falta explicar.

El primer disco largo de J’AIME tras varios singles y temas sueltos en Jabalina, verá la luz el 20 de marzo bajo el título de ‘Love and Squalor’, y el primer sencillo extraído de este trabajo está interpretado en inglés en su totalidad. Se trata de una nostálgica canción llamada ‘700,000 Records’ en la que Cristóbal habla de su amor por la música… el cual nunca superará el amor que siente por esa persona querida. El tema samplea una vieja caja de ritmos Wurlitzer Sideman de 1959 y es una colaboración con la cantante e ilustradora francesa Françoiz Breut, con quien Cristóbal ya había colaborado en la canción ‘Ciudad del mar’.

La canción incluye versos tales como «700.000 discos no me han podido separar de ti, pero 300 de esos discos son canciones que hablan sobre ti» o «700.000 discos podrían haber absorbido mi vida, pero el hecho es que todos esos discos son esas cosas que me hacen libre». Una bonita carta de amor a la música con fondo romántico la que presenta este ‘Love and Squalor’ que será, en palabras de la nota de prensa, un «recorrido por las avenidas luminosas del amor, pero también por sus callejones más sombríos».

Soledad Vélez sorprende llevando el reggaetón a su terreno en ‘Perverso’

Por

-

21 febrero, 2020

3

Soledad Vélez se ha hecho un nombre en el pop gracias a su majestuosa voz y a su particular visión del synth-pop de los años 80, plasmado en un disco tan notable como ‘Nuevas épocas‘ que, hace un par de temporadas, dejaba temas tan redondos como ‘Ven para acá’, ‘Cromo y platino’, ‘Flecha’ o ‘Vamos a tu casa’. Hoy la cantante chilena presenta un nuevo lado de su sonido.

Como recientemente han hecho Varry Brava o Kokoshca, Soledad Vélez no ha tenido miedo de aproximarse a la tendencia del reggaetón en su nuevo single, ‘Perverso’, que no obstante mantiene su marca… tanto que sus potentes sintetizadores no andan muy lejos de lo presentado por la artista el año pasado en su anterior single, ‘No vuelvas’, que en un estilo más nueva-olero, también estaba producido por Guille Mostaza. La nota de prensa asegura que, tras esta canción, Vélez «tenía claro que quería dar un paso más allá, manteniendo la evolución que supuso Nuevas Épocas, pero forzando un poco los límites», lo cual ha resultado en un tema «sobrio, solemne, con un pie en lo urbano pero sin dejarse dominar por el estilo, apropiándose de lo mejor de él sin olvidar el trabajo previo que tanto ha definido su nueva etapa».

En cuanto a la letra, que no deja de incluir una frase tan propia del género como «yo nunca fui tuya bebé», la nota explica que «tiene suficiente poder como para llevar la canción por sí sola, ese tono oscuro y aparentemente pérfido, que lo que deja ver, si miras más allá, es una fragilidad y un dolor deudor del lamento chileno del que ella es tan fan». Vélez estará hoy en Bilbao en la Universidad del País Vasco, el 3 de abril en Valencia en los Concerts a la Fundació (Fundación Bancaja) y el 15 de mayo en el festival Pop Maritim.

La Canción del Día: Tversky hablan de amor a primera vista y lo generan con ‘Addict’

Por

-

21 febrero, 2020

0

Esta es la gran semana para Tversky, el dúo catalán que lleva ya casi un lustro sorprendiéndonos con su reivindicación del funky de finales de los 70 y principios de los 80 y el nu-disco. Después de un par de EP’s y pequeños hits en el underground como ‘1985’, ha llegado el momento de disfrutar de su primer disco largo que renuncia a incluir esta canción que tan bien les representa, pero trae otros nuevos sencillos como ‘Set Me Free’ y ‘Can’t Stop’. Foto: Andrea Naranjo.

El tercer sencillo del álbum editado por el sello de Vida Festival es ‘Addict’, que algunos habréis escuchado recientemente en nuestra sección «Sesión de Control«. Hace honor a su nombre por doble motivo, no solo porque genere «adicción» sino porque habla de «amor a primera vista» y eso es lo que sentimos cuando la escuchamos. Y es que si algunas producciones de Tversky se concentran más en el concepto y en la forma (el álbum incluye instrumentales y un interludio), en este caso han ido directos al estribillo pop.

En el grupo cuentan igual los sintetizadores y teclados de Xavi como la flauta y el saxo de Alan, pero en este caso son los primeros los que parecen mandar en una canción de amor que de no ser por una tímida referencia al «cibersexo» podría haber sido escrita en el mismo año que ‘I Want Your Love’ de Chic. Sus sintes y producción apuntan a algo más tarde de 1978, pero su lenguaje corporal es sin duda la de aquellos años, hablando alegremente de un «crush adolescente», de amor incondicional («te daría todo lo que tengo aunque supusiera arruinarme»), naíf («mis amigos van a fiestas y yo me quedo en casa») e inocente («compraría un vuelo de un millón de dólares solo para estar contigo»).

Una producción alegre y lozana de estos autodenominados «bedroom funk producers» que seguro que no faltará en el concierto de presentación de la Sala Laut (Barcelona) el próximo 27 de marzo.

Lo mejor del mes:

Escucha lo nuevo de El Columpio Asesino, Allie X, Best Coast, Bravo Fisher!, Selena Gomez, Belako, Los Enemigos, Agnes Obel, Bunbury…

Por

-

21 febrero, 2020

16

Un viernes más, seleccionamos las novedades más destacadas de la semana en la playlist «Ready for the Weekend». Comenzábamos fuerte, con singles de los próximos álbumes de The Strokes, The Weekend, The Avalanches(feat. Blood Orange), The 1975, Purity Ring, Jessy Lanza, Yves Tumor, Tainy, Lauren Jauregui & C. Tangana o Big Freedia & Kesha, junto a temas de Thundercat, Waxahatchee, Sufjan Stevens & Lowell Brams, Ron Sexsmith, Bunbury, MC Lan, Major Lazer & Anitta, Varry Brava, Jero Romero (ex-Sunday Drivers), Ms Nina (bajo el paraguas de Mad Decent, sello de Diplo) o Gomet.

Y a ellos se han sumado desde hace pocas horas Selena Gomez (un single ajeno a ‘Rare’, sorprendentemente), Pearl Jam, Darkstar, Los Enemigos, Belako, Alanis Morissette, Recycled J & Aleesha, Bon Jovi, Morrissey, Xoel López (con un sorprendente sonido bailable), The New Raemon, Glass Animals, Natalia Lafourcade, Jack Bisonte, Peter Bjorn and John, Mala Rodríguez (un feat. en un single de Taylor Diaz), Soledad Vélez, Archers of Loaf, Sports Team, Yung Beef, Mark Lanegan, Kehlani, J’aime (nuestro colaborador Jaime Cristóbal anuncia disco con un tema en el que rescata, muy atinadamente, a Françoiz Breut), RRUCCULLA, Tricky, Jay Som, Hervé o Erlend Øye & La Comitiva (nuevo proyecto folclórico de la mitad de Kings Of Convenience), junto a temas de nuevos nombres muy interesantes como Rema, Charlotte Dos Santos, ñoño (dúo pop-folk en el que milita Joako de MUEVELOREINA), Becky and The Birds, Maddie Mae (The Yearning) o Syv De Blare.

Por supuesto, hay un buen puñado de nuevos discos, con el esperado ‘Miss Anthopocene‘ de Grimes a la cabeza. El Columpio Asesino, Bravo Fisher!, Sofi De La Torre, GOMZ, Cora Yako, Siloé, Kracauer y Love Yi se enmarcan dentro de una escena nacional particularmente activa, mientras que a nivel internacional destacan los nuevos trabajos de Allie X, Best Coast, Moses Sumney, Agnes Obel, King Krule, Ozzy Osbourne, Lauv, Lee Ranaldo & Refree, BTS, Kamaiyah, Greg Dulli (The Afghan Whigs) y el EP debut de la revelación australiana Banoffee.

La de nuevo amplísima oferta se completa con curiosidades como un nuevo avance de la regrabación del último disco de Anna Calvi, ‘Hunter’ (en esta ocasión se acompaña de Charlotte Gainsbourg), el tema eurovisivo de los belgas Hooverphonic, una toma en directo de ‘The Man’ de Taylor Swift, con la que lanza el tema como single, y otra de Zahara de ‘Soy un aeropuerto’, el tema de Mucho que incluía en el repertorio de su gira «bajonera». También se estrena un proyecto llamado Europa, que une a los productores Martin Solveig y Jax Jones con vocalistas como RAYE.

Escucha la playlist «Ready for the Weekend»

Alanis Morissette confirma fechas en España, detalla su nuevo disco y comparte la balada ‘Smiling’

Por

-

21 febrero, 2020

38

El regreso de Alanis Morissette se termina de materializar hoy con un puñado de buenas noticias. La canadiense había anunciado que emprendería una gira en presentación de este disco y también en celebración del 25 aniversario de su tercer disco, el superventas ‘Jagged Little Pill’, con la compañía de Liz Phair, y hoy se conocen las fechas europeas de esta gira, que pasará por España a mediados de octubre. Las fechas exactas son el 17 de octubre en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 19 de octubre en el WiZink Center de Madrid. Las entradas para ambos conciertos se pondrán a la venta el próximo viernes 28 de febrero a las 10 horas en los puntos de venta habituales. Las entradas para el concierto de Madrid también estarán a la venta en wizinkcenter.es. El miércoles 26 de febrero a las 10 horas, los usuarios registrados en livenation.es tendrán la oportunidad de acceder a la preventa.

La autora de ‘Ironic’ ha compartido además los detalles de su nuevo disco, ‘Such Pretty Fork in the Road’. Sale el 1 de mayo y contará con el single ‘Reasons I Drink’ y también con el tema que llega hoy a las plataformas de streaming, la balada que lo abre, ‘Smiling’.

‘Such Pretty Forks in the Road’
1. Smiling
2. Ablaze
3. Reasons I Drink
4. Diagnosis
5. Missing The Miracle
6. Losing The Plot
7. Reckoning
8. Sandbox Love
9. Her
10. Nemesis
11. Pedestal

ALANIS MORISSETTE TOUR EUROPEO 2020
23 de septiembre – Copenhague, Dinamarca – Royal Arena
28 de septiembre – Londres, Reino Unido – The O2
29 de septiembre – Birmingan, Reino Unido – Utilita Arena
1 de octubre – Dublín, Irlanda – 3Arena
4 de octubre – Manchester, Reino Unido – Manchester Arena
6 de octubre – Ámsterdam, Holanda – Ziggo Dome
8 de octubre – Hamburgo, Alemania – Barclaycard Arena
10 de octubre – Varsovia, Polonia – Expo Hall
12 de octubre – Budapest, Hungria – Budapest Arena
15 de octubre – Milán, Italia – Mediolanum Forum
17 de octubre – Barcelona, España – Palau Sant Jordi
19 de octubre – Madrid, España – WiZink Center
22 de octubre – París, Francia – AccorHotels Arena

Tame Impala venden más que Justin Bieber en UK, pero pierden el top 1 por el streaming

Por

-

21 febrero, 2020

6

Tame Impala y Justin Bieber han sacado disco el mismo día de San Valentín, ambos cinco años después, y se disputan por tanto el número 1 de la semana en Reino Unido y de la semana que viene en Estados Unidos o España. Tanto ‘The Slow Rush‘ como ‘Changes‘ son dos álbumes felices compuestos por sus autores después del matrimonio (el australiano con la empresaria Sophie Lawrence, el canadiense con la actriz Hayley Baldwin), pero el primero está recibiendo muy buenas críticas y el segundo muy malas.

¿Quién se ha llevado la palma hoy en UK? Las «midweeks» anticipaban que ‘The Slow Rush’ sería número 1 en las islas por delante de Bieber, pero finalmente Bieber ha tomado la delantera. Efectivamente, la banda australiana vendía 10.500 copias durante el fin de semana frente a las 9.500 de Bieber, pero ayer se producía el «sorpasso» gracias al streaming y ‘Changes’ figura finalmente en el top 1 con 17.681 unidades, frente a las 16.489 de Tame Impala, que han de conformarse con el top 3, también por detrás de Lewis Capaldi, como todas las semanas beneficiado a última hora por el streaming.

En cuanto a la canción que será número 1 hoy en Reino Unido, no hay misterio: ‘No Time to Die’ de Billie Eilish debutará hoy en la primera posición de la tabla británica, y lo mismo sucederá en la americana dentro de unos días. Curiosamente Eilish, que es una gran admiradora de Bieber, ha llegado a promocionar ‘Changes’ en sus redes sociales y antes el primer single, ‘Yummy’. Para terminar de cerrar el círculo, también ha sido vista bailando un hit de Tame Impala.

C. Tangana y Lauren Jauregui, tira y afloja en spanglish (y junto a Tainy) en ‘Nada’

Por

-

21 febrero, 2020

7

C. Tangana vuelve a protagonizar una de las novedades destacadas del viernes y, después de lanzar ‘Viene y va‘ con Natti Natasha, ‘No te debí besar‘ con Paloma Mami, ‘Picaflor‘ con Lao Ra, ‘Yelo‘ en solitario o ‘5 Stars‘ con Duki, Neo Pistea y Polimá Westcoast, presenta una nueva colaboración, en este caso con la cantante estadounidense Lauren Jauregui y el productor Tainy.

Se trata de una composición de reggaetón en spanglish llamada ‘Nada’, en la que el autor de ‘Ídolo‘ y la ex integrante de Fifth Harmony asumen el tira y afloja esperado: del «conté los días pa’ volverte a ver, y tu no sabes qué quieres hacer, cuando me vaya no voy a volver» de ella al «me puesto guapo pa verte pasar, no me preguntes, no quiero pensar, no tengo tiempo, no me puedo casar» de él. Si en un punto de la canción Lauren afirma «yo no estoy para regalarte, ni tampoco para esperarte», Tangana replica: «tú ya sabías to’ lo que había, no me hagas cambiar vida mía, yo te doy hasta que se haga de día».

Esta producción que busca unir al público latino y al americano como el mismo Tainy ha contado en Billboard, recibe por otro lado un videoclip rodado en Miami, Florida en el que C. Tangana y Lauren Jauregui interpretan el tema junto a sus respectivos colegas, pero sin reunirse en un mismo plano en ningún momento.

Arca describe 5 canciones para su DJ set: de Frank Ocean a un gatito ronroneando

Por

-

21 febrero, 2020

10

Después de ofrecer una interesante actuación en el festival Sónar de Barcelona digna de nuestra sección «revelación o timo», Arca ha vuelto esta semana a la actualidad musical con un «single» de 67 minutos de duración nada menos que sirve de antesala a la publicación de su nuevo disco, que ha de suceder a uno de los mejores de 2017 y del que tendremos noticias próximamente como la propia artista ha confirmado en sus redes sociales.

La autora de ‘Desafío’ ofrece este viernes un DJ set de 4 horas en la sala Razzmatazz de Barcelona que promete ser otro reflejo fascinante de su mundo musical, en el que caben sonidos de absolutamente todo tipo, del foclor sudamericano a la música electrónica más caótica y experimental pasando por hitazos de Azealia Banks. Acompañada por los visuales de Carlos Sáez, Arca pinchará una selección de temas desde las 21.00 hasta la 1 de la madrugada y lo mejor es que sus sets suelen ir más allá de la mesa de mezclas para transformarse en verdaderos «shows». ¿Algunos de sus secretos musicales mejor guardados? La artista nos comenta 5 uno por uno.

Ayya / Second Mistake

«Este compilado de PAN tiene temas bellísimos. Esta canción me parece súper emotiva; sugestión de lo antigravitacional».

Baby Keem / BULLIES

«Me sé la letra de memoria, me divierte mucho cantarla en voz alta caminando por la calle sola e imaginándome que debo parecer la loca del barrio. Eso sí, una loca que canta una canción alegre, la loca que esparce brillito por ahí. ¡Me da tanta vida el mood de este tema…!

Frank Ocean / In My Room

«Esta canción me pone de buen humor, me encanta la elegancia que tiene el ritmo de la parte vocal, y me parecen bellísimas las micromelodías que aparecen sobre este beat trancao a medida que canta Frank Ocean».

«Cat Purr: 1 Hour ASMR»

«En Spotify hay una grabación de una hora de un gato ronroneando. De nada».

ILKAE / Noncompete Loop

«He seguido a Ilkae desde que tengo como 15 años, me parece brillante cómo crea sistemas rítmicos y armónicos que se descomponen y se reorganizan a partir de aquella entropía musical que se fomenta en lo lúdico dentro de la experimentación sónica».

Grimes / Miss Anthropocene

Por

-

21 febrero, 2020

26

Grimes ha entretenido al mundo a lo grande en los últimos tiempos con sus recientes decisiones personales y artísticas. En el tiempo que ha pasado desde el lanzamiento de ‘Art Angels‘, la canadiense ha hablado pestes de aquel disco… pero también ha empezado a salir con el magnate de la tecnología Elon Musk, con quien además espera un bebé, y sobre todo ha creado un disco conceptual protagonizado por la «Diosa del cambio climático» con el que ha buscado personificar este problema y «hacerlo divertido».

Por mucho que Grimes insista en que los medios tergiversan sus palabras todo el tiempo, en este caso no cabe duda de lo que ha querido decir: Grimes no piensa que el cambio climático sea divertido, pero sí que hacer un disco sobre él desde una perspectiva mitológica lo es. Y hay que elogiarla por atreverse a hacer algo que nadie ha hecho (quizá por miedo a ser malinterpretado) y porque el concepto de ‘Miss Anthropocene’ no puede ser más interesante de entrada: en este trabajo, una diosa hecha de «marfil y aceite» que «se regocija con el fin del mundo» atiende a la decadencia de una humanidad ahogada por el abuso de las drogas, la contaminación y la adicción a internet. La visión aceleracionista del apocalipsis de ‘Miss Anthropocene’ solo podía haber salido de la mente de esta persona que ha llegado -en sus palabras- a someterse a una cirugía «experimental» para cambiar el color de sus ojos y a declarar que la música en vivo está abocada a ser reemplazada por la inteligencia artificial… Palabras que, recordaréis, provocaban de inmediato la ira de su colega Zola Jesus, quien en un memorable episodio cibernético, llamaba a Grimes la “voz del privilegio fascista de Silicon Valley”.

En los últimos años, Grimes ha completado una evolución de cantante indie a celebridad fascinante, y el personaje público en que se ha convertido por momentos parece una pesadilla que Aphex Twin o Marilyn Manson habrían imaginado en el mejor momento de sus carreras. Leer las bromas que se le ocurren a la gente en internet sobre los «alienígenas» Elon Musk y Grimes es un pasatiempo divertidísimo. Sin embargo, además en ‘Visions‘ y ‘Art Angels’ la música había sido excelente, lo cual no es el caso de este ‘Miss Anthropocene’ en el que cada canción es una «representación diferente de la extinción humana»… sin que las canciones mismas reflejen esa misma profundidad ni a nivel de letras ni a nivel de música.

A rasgos generales, ‘Miss Anthropocene’ es el disco más oscuro y sombrío de Grimes, pero su pop electrónico está lastrado por unas melodías vagas que en algunos casos no parecen materializarse en canciones propiamente dichas. El ejemplo más claro es ‘New Gods’, que con poco más que un piano debería haber sido la gran balada del disco pero pierde el norte enseguida. Los «nuevos dioses» de las «redes sociales» y la «cirugía plástica» han dado lugar a una canción casi tan fría como los personajes en que se inspira. Tampoco es buena señal que la primera canción de un disco deje tan poca huella, pero ‘So Heavy I Fell Through the Earth‘ es un ejercicio en atmósfera ante todo. Puede que como apertura funcione para establecer el tono apocalíptico del disco, pero como canción está lejos de los mejores momentos de Grimes. Al menos es gracioso el single ‘Violence‘ con i_o, escrito desde la perspectiva de una Tierra que acusa a los seres humanos de «alimentarse» con su destrucción, pero no es ‘Oblivion’ ni ‘Genesis’ ni ‘Flesh without Blood’ ni ‘We Appreciate Power’, canción que por cierto no aparece en la edición estándar del disco pero sí en la deluxe. Su sonido nu-metal no encajaba por aquí (¿o sí?), pero es una pena que una de las mejores canciones de 2018 se haya quedado sin «hogar» propiamente dicho.

No todo es malo en ‘Miss Anthropocene’. Si existe una canción que capture la sensación de volverse completamente loco mejor que ninguna otra, ‘4æm’ puede ser esa canción. Rara vez la paranoia, la caída a los infiernos de la propia mente, ha sonado tan trepidante y divertida, pero la mezcla de ritmos drum ‘n bass y otros más bien bollywoodienses de ‘4æm’ da lugar a un temazo incontestable. Por otro lado, la «bestial» ‘My Name is Dark’ es un rompepistas que escuchar precisamente a la 4 de la mañana cuando las «drogas» lo son todo (este es el mensaje que expresa la canción) y destaca por su envergadura y por su recuperación del sonido t.A.T.u. circa 2005; mientras, en el lado opuesto, la balada ‘Delete Forever‘ (la otra cara de la moneda de ‘Future Forever’ de Björk) denuncia la «crisis de los opiáceos» de manera muy acertada por su forma clásica: Grimes no necesita más que una guitarra acústica inspirada (o no) en ‘Wonderwall’, un banjo y un sencillo ritmo de batería para conmovernos con esta preciosa composición reforzada gracias a un vídeo-cuadro impresionante.

Cabe mencionar para comprender la dirección artística tomada por Grimes en este álbum que ‘4æm’ forma parte del videojuego ‘CYBERPUNK 2077’ y de hecho muchas de sus pistas suenan compuestas para este formato, como la etérea pista final ‘IDORU’. Sin embargo, en el camino de trabajar la atmósfera y de pasarse «100 horas» dando vueltas a una canción como ha sucedido con ‘My Name is Dark’, la canadiense parece haber perdido el enfoque de crear canciones pop que puedan llegar de verdad a la gente. Si ‘DARKSEID’ captura «la inquietud de nuestras almas» pues «ya no movemos nuestros cuerpos», la canción no puede producir menos inquietud… Una oportunidad perdida por Grimes de demostrar que detrás de su interesante personaje y de su aún más interesante discurso aún existe una obra musical igual de potente.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘4æm’, ‘Violence’, ‘Delete Forever’
Te gustará si te gusta: iamamiwhoami, Zola Jesus, Austra, t.A.T.u.

Big Freedia y Kesha llegan un siglo tarde a la moda tropical en la graciosa ‘Chasing Rainbows’

Por

-

20 febrero, 2020

7

Big Freedia publica su nuevo EP, ‘Louder’, el 13 de marzo. Lo presentará en una gira por Estados Unidos con Kesha, con quien acaba de colaborar en ‘Raising Hell’, el primer single de un ‘High Road‘ que desgraciadamente no está calando en las listas de éxitos, y lo acaba de hacer ahora en un segundo tema que vendrá en el EP de la reina actual del bounce.

‘Chasing Rainbows’ es la nueva colaboración de Big Freedia y Kesha y llega después de ‘Louder‘, la canción de Freedia con Icona Pop que sampleaba ‘The Power’ de Snap! uniéndose a la tendencia de canciones pop basadas en hits dance de los años 90 inaugurada por ‘Con calma’ de Daddy Yankee. ‘Louder’ no era reggaetón y tampoco lo es esta pegadiza ‘Chasing Rainbows’ sin conexión aparente con ‘Rainbow‘ de Kesha que llega como 100 años tarde a la moda tropical, pero que no deja de tener su gracia.

La canción es un «himno al amor» en palabras de Big Freedia. «Va sobre cómo el amor siempre conquistará al miedo y al odio. Mi rollo siempre ha sido celebrar quien eres sin importar lo que intente decir otra persona, y esta canción está hecha para inspirar a la gente a perseguir sus sueños sin importar los obstáculos con los que pueda topar».

El regreso de Jessy Lanza: de la tristeza y la rabia al dance y el striptease

Por