Tras varias pistas dejadas en Instagram, Youtube o en la misma calle mediante pósters publicitarios, Hayley Williams de Paramore ha anunciado oficialmente lo que era un secreto a voces: la llegada de su primer disco en solitario. ‘PETALS FOR ARMOR’ sale el 8 de mayo.
Sobre el proyecto, Williams ha dicho lo siguiente: «Hacerlo ha sido una experiencia terrorífica pero empoderadora. Algunos de los momentos de los que más orgullosa estoy como letrista han ocurrido durante la composición de ‘PETALS FOR ARMOR’. Y también he podido ensuciarme las manos un poco más de lo habitual en cuanto a instrumentación. Formo parte de una banda compuesta por mis músicos favoritos así que no suelo sentir la necesidad de meterme en el papel de uno en lo que a discos de Paramore se refiere, pero en este caso, he experimentado un poco más aprovechándome de mi ingenuidad musical».
Desde sus inicios emo hasta sus recientes exploraciones poperas, pasando por su notable álbum homónimo, que valía a la banda un Grammy por el hit ‘Ain’t It Fun’; poca duda cabe que Paramore ha sido una de las bandas de rock recientes que mejor han sabido evolucionar. Por eso, quienes esperaban que la carrera en solitario de Williams fuera a parecerse un poquito a la de Gwen Stefani van a sentirse decepcionados: ‘Simmer’, el primer adelanto de ‘PETALS FOR ARMOR’, recuerda más que nada a grupos alternativos tipo Radiohead, alt-j o los primeros Wild Beasts.
Tras una década dedicada a la franquicia James Bond y habiendo dirigido una de las películas más prestigiosas de la saga (‘Spectre’), Sam Mendes regresa a un guion original con ‘1917’. La cinta nos sitúa en ese mismo año, en mitad de la Primera Guerra Mundial, donde a dos jóvenes soldados británicos se les encarga la misión de atravesar el territorio enemigo para hacer llegar un mensaje y así evitar un ataque que se llevará la vida de cientos de soldados. La propuesta del director es realizar una experiencia física e inmersiva, transportando al espectador al campo de batalla. Para llevar esto a cabo, Mendes plantea la película como si fuese un único plano-secuencia (que realmente no lo es, al igual que en ‘Birdman’ de Iñárritu) y, en un principio, su apuesta tiene sentido. Los primeros cuarenta minutos atrapan, se entiende el motivo por el que Sam Mendes usa este recurso; es vivir la guerra en primera persona, sudar, correr y sufrir con su protagonista. La técnica impresiona: la cámara se mueve por los recovecos más insospechados, la planificación es impecable a nivel de organización de figurantes y actores –muy bien tanto George MacKay como Dean-Charles Chapman-, la fotografía de Roger Deakins supone otro grandísimo trabajo en su prestigioso currículum, el diseño sonoro sobrecoge… Absolutamente todo esto es sobresaliente, pero a medida que la película avanza, la sensación de que la obra en sí está diseñada únicamente para epatar empieza a invadir.
Aguantar durante dos horas el “efecto plano-secuencia” sencillamente no funciona. Pasado el primer tercio, el film se viene abajo, empiezan a aparecer los tintes más melodramáticos y académicos, y uno se pregunta si toda la espectacularidad visual realmente lleva a algún sitio o es simplemente un alarde egocéntrico de su director. La emoción no llega de manera orgánica sino a través de un uso abusivo de la bonita música de Thomas Newman o de giros de guion cuestionables. El principal problema de la puesta en escena es que acaba jugando en contra de la película, que al final está mucho más pendiente de hacer virguerías con la cámara que de elaborar un guion sólido que no dependa exclusivamente del aspecto técnico. El protagonista pasa todo tipo de calamidades por lograr su objetivo, pero llegados a un punto, resulta inverosímil que siga en pie después de todo lo que le ha pasado. Tampoco ayuda a dar credibilidad la terrible idea de introducir cameos de actores famosos durante todo el metraje. La única manera de entenderlo es la necesidad de restregar al espectador el dinero que hay en la producción, porque ver de repente a Colin Firth o Benedict Cumberbatch (que perfectamente podrían ser otros) dos minutos en un reparto lleno de caras semi-desconocidas te expulsa de la película y resulta tan incomprensible como caprichoso.
Pero aún con todo, es injusto negar que ‘1917’ no funciona como un entretenimiento fugaz. Es una especie de videojuego en el que es difícil aburrirse y que mantiene cierta tensión, solo que a niveles cinematográficos tiene mucho menos que ofrecer de lo que se cree. Mendes ha creado una película que llamará la atención de los académicos, y levantará pasiones entre ciertos sectores de la cinefilia, pero no parece estar llamada a perdurar demasiado en el tiempo. En cualquier caso, habrá que esperar para comprobarlo. 6.
Entre los nombres que completan el cartel de SanSan se encuentra una de las bandas de tecno-pop más relevantes del momento, Monterrosa, autora de una de las mejores canciones de 2019; y La Plata, una de las mejores bandas españolas de punk de los últimos tiempos gracias a la sucesión de hits de su disco de 2018, ‘Desorden‘. También El Kanka, trovador contemporáneo y autor de himnos como ‘Canela en rama’ o ‘Lo bien que estoy y lo poco que me quejo’, se cuenta entre los confirmados definitivos de SanSan, a los que se suman Rizha, Los Vinagres y Meritxell Nedderman.
Así, SanSan da por finiquitado un cartel que ya incluía figuras como Leiva, Sidecars, Dorian, Xoel López, Zahara, Rayden, Novedades Carminha, Mucho, Chef’s Special, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Gimnástica, Arco, Tórtel, Chucho, Uniforms, Molina Molina, Nerabe, Badlands o Blanco Palamera, así como Miss Caffeina, La Casa Azul, Carolina Durante, La Bien Querida, Delaporte, Las Chillers, The Crap Apples, Los Punsetes, Varry Brava, Locoplaya, Cala Vento, Mujeres, Rusos Blancos, Glitch Gyal, Mr.Kilombo, Zea Mays, Lígula o Betacam. El cartel electrónico de SanSan también ha sido anunciado.
El 31 de enero llega a Netflix, tras su proyección en Sundance, ‘Miss Americana’, la película documental de Taylor Swift. En ella, la autora de ‘Lover‘ hablará sobre su carrera, los diversos obstáculos a los que se ha enfrentado, el cáncer de su madre o su evolución personal realizada a ojos del mundo. En el tráiler de ‘Miss Americana’, Swift reconoce que durante años buscó ser una «chica buena», pero que eso le hizo «luchar constantemente por el respeto de la gente» y después «matar» a la «vieja Taylor» y convertirse en el personaje malvado de ‘reputation‘. «Tuve que deconstruir todo un sistema de creencias y tirarlo a la basura», afirma en un momento del avance.
Parte de ‘Miss Americana’ se centrará en el despertar político de Swift en 2018, y de hecho, el mismo 31 de enero llega a las plataformas digitales una canción nueva de la artista llamada ‘Only the Young’, un «himno para los millennials» según Variety, compuesto por Swift tras la derrota de los dos candidatos demócratas a los que apoyó públicamente en las últimas elecciones, Phil Bredesen y Jim Cooper. La canción sonará en los créditos finales de la película.
Precisamente con Variety, Swift ha hablado sobre ‘Miss Americana’ en una interesante entrevista en la que también ha dejado unas declaraciones sobre el desastre de ‘Cats’, película en la que aparece y para la que ha compuesto la canción ‘Beautiful Ghosts’, nominada a un Globo de Oro. Su valoración sigue siendo positiva: «No voy a decidir retroactivamente que no fue la mejor experiencia. Jamás habría conocido a Andrew Lloyd Webber y visto cómo trabaja de no ser por ella, y ahora somos colegas. Tuve la oportunidad de trabajar con los actores y bailarines más increíbles. Yo no tengo quejas»
Camellos es una de esas bandas de punk españolas que ha logrado despuntar gracias a sus deslenguadas letras e infalibles ganchos. Si su debut ‘Embajadores’ prometía gracias a temas tan certeros como ‘Gilipollas’, su segundo disco, ‘Calle para siempre‘, editado a finales del pasado mes de noviembre, ha confirmado que Camellos han llegado para quedarse. Apegados a un sonido que puede recordar tanto a The Fall como a Siniestro Total o incluso a los primeros Novedades Carminha desde una perspectiva más macarra, Camellos han sumado con él más temas estupendos y ultra inmediatos a su hasta ahora corta carrera, como ‘Arroz con cosas’, ‘Pesadilla en el hotel’ o ‘Mazo’.
Los autores de ‘Es tan 2020’ son los nuevos invitados a nuestra sección «Meister of the Week», en la que grupos o artistas nos hablan de algunos de sus temas favoritos, los cuales no tienen que estar relacionados con la música. La elección de los madrileños Frankie Ríos, Fernando Naval (ambos voces y guitarras) y Jorge Betrán (batería) y del estadounidense Tommy Dewolfe (bajo) ha sido la serie animada para adultos por antonomasia, ‘Los Simpson’. Los tres primeros nos hablan sobre sus personajes, escenas y episodios favoritos, el significado de un personaje como Homer Simpson o sobre por qué los últimos capítulos de la serie no molan tanto como los viejos.
Por qué habéis escogido hablar de ‘Los Simpson’? ¿Erais de los que se sentaban religiosamente delante de la tele cada día a las 14.00 para ver la serie por enésima vez? Frankie: Yo salía corriendo del instituto para llegar lo antes posible a mi casa a verlo, en ocasiones jugándomela a que me atropellasen. Si llegaba y había putos anuncios, solía cabrearme.
En concreto, queréis comentar cómo la serie de Matt Groening se ríe de nuestra sociedad. ¿Qué diríais que hace a la serie diferente de otras que hacen lo mismo como ‘South Park’? ¿Cuál es para vosotros la clave de su éxito? Fer: Realmente escogimos ‘Los Simpson’ porque podemos pasar horas hablando en frases de la serie, rollo que podemos rememorar historias que la mayor parte de gente ni recordará de dónde han salido. Lo de hablar de cómo se ríe de nuestra sociedad era para hacernos los interesantes, ¿sabes? ‘South Park’ mola, pero ‘Los Simpson’ es el cremosini de las series de animación. Jorge: ‘Los Simpson’ fueron algo bastante homogéneo en el grupo de amigos del que nació Camellos; todos estábamos bastante metidos en ese mundo y de hecho en varias canciones hemos hecho alusiones bastante maquilladas, posiblemente sólo reconocibles para los más fans de la serie.
¿Cuál es vuestra escena o episodio favorito de Los Simpson de todos los tiempos? Frankie: Bart tiene que pedir perdón por una broma que gasta a un niño en Australia tras tenerle 6 horas al teléfono revisando en qué dirección va el agua del retrete en su país, y hay un momento del mismo capítulo en que Bart llama a una cabina telefónica y lo coge Hitler, que estaba de compras y andaba por esa calle, gritando “Das telefon is stupid!”. Jorge: Cuando era más pequeño y veía la serie sin entenderla muy bien, simplemente por aquello de ser dibujos animados, me encantaba el capítulo de ‘Tenacitas’, la langosta que adopta Homer. Conforme vas creciendo y te vas dando cuenta de todo el trasfondo que tiene la serie, me fueron cambiando los gustos. Ahora mismo creo que me quedaría con el capítulo en el que medican a Bart con ‘Focus-in’… «¿Quieren saber la verdad? ¿O prefieren verme batear?»
‘Los Simpson’ han creado mucho vocabulario, ¿soléis usar alguna frase en particular de la serie entre vosotros o asociar situaciones a alguna escena en concreto? Por ejemplo, cuando alguien duda de algo que estás diciendo, responder con “¿que no, Lisa?”
«Nadie es facooooquero». (Marge a sus hijos)
«¿Yo, qué he hecho yo?» (Fat Tony, tras dar una paliza)
«He dicho pssst, te quiero». (Homer a Marge, tras abrirse una cerveza a oscuras)
«¿Quién necesita la infinita compasión de Ganesha cuando tengo aquí a Tom Cruise y Nicole Kidman mirándome con los ojos muertos?» (Apu)
«No puedo salir hoy, tengo noche de siluetas» (Skinner)
«Homer es reflejo fiel de un adulto que sólo sabe trabajar, comer y dormir. Para lo demás, es más inútil que un flotador de piedra. Además, está en constante competición con otros hombres y siempre opina sobre todo sin saber realmente nada, como un buen “cuñado” del mundo real»
‘Los Simpson’ trata muchísimos temas sociales, pero el núcleo de la serie es la familia. ¿En qué aspectos creéis que es un reflejo realista de las familias modernas? ¿Os habéis sentido identificados alguna vez con algunos de sus personajes? Frankie: Bueno, hay una pareja inmigrante con octillizos (mostrando que la natalidad inmigrante suele ser mucho mayor), Selma intenta ser madre soltera, los padres de Milhouse están divorciados y se repelen, Skinner vive con su abuela, y el matrimonio Simpson se basa en la paciencia infinita de Marge. Refleja bastante los modelos familiares, sí, aunque a mí me parece que ese sólo sería uno de los núcleos, porque tienen casi el mismo peso las relaciones personales de los miembros de la familia con terceras personas (amigos, vecinas, famosos) que las intrafamiliares, ¿no? El reverendo Lovejoy aparece más a menudo que la madre de Homer o la de Marge, y el dueño de su bar de confianza es más importante para Homer que su propio padre, como ocurre con muchos adultos del mundo real.
La estupidez de Homer parece reírse en general del patriarcado: el padre de familia es a su vez un patán absoluto. ¿Por qué creéis que se ha convertido en un personaje tan icónico? Frankie: Porque, al menos durante siglos y en buena medida aún hoy, es un reflejo fiel de un adulto que sólo sabe trabajar, comer y dormir. Para lo demás, es más inútil que un flotador de piedra. Necesita que le hagan todo o lo hace él a lo bestia o mal, como cuidar la educación de sus hijos o hacer cualquier tarea de la casa: eso son cosas “de mi señora”, como dice él mismo a veces. Además, está en constante competición con otros hombres y siempre opina sobre todo sin saber realmente nada, como un buen “cuñado” del mundo real. A menudo, mentir o fingir que sabe lo que está haciendo le lleva a las situaciones histéricas y surrealistas que tanto nos gustan, pero el equivalente en un adulto real no sería tan gracioso.
«“El viejo Gil” es el loser del que habla la cultura imperante americana de forma despectiva, cuando en realidad describe al americano medio aterrado por no llegar a fin de mes, desbordado por las deudas y suplicando por que le traten con dignidad»
Lisa, por otro lado, representa el contrapunto intelectual, a veces próximo a lo pedante. ¿Vosotros sois mas de Bart o de Lisa? ¿Por qué? Frankie: Yo soy más de Bart, a pesar de ser vegetariano y amante de los animales: me pasé la infancia y adolescencia con amigos a los que les encantaba gastar bromas de dudoso gusto y aún hoy tengo mis placeres culpables sobre «putear” a la gente. Fer: Depende de donde cojas la historia de ‘Los Simpson’, en los últimos capítulos Bart es malo a conciencia y hace el mal a conciencia. La raíz del personaje, y de la mayoría, es que las cosas les salían mal por torpeza, pero en el fondo son “buenas personas” y se quieren. El personaje de Lisa solo cobra verdadera vida fuera del contrapunto con la personalidad de Homer y Bart en su amor por la música jazz.
En la serie, incluso personajes secundarios como Moe o las hermanas de Marge o tan periféricos como Grimes tienen matices y están muy bien perfilados. ¿Cuál es vuestro personaje secundario favorito de Los Simpson y por qué? Frankie: “El viejo Gil”, el vendedor perdedor. Me da mucha lástima pero le ocurren cosas demasiado absurdas como para no hacerme gracia, como vender los ordenadores Coleco al colegio diciendo al mismo tiempo que se oxidan rápidamente y acabar suplicando que se los compren. Es el loser del que habla la cultura imperante americana de forma despectiva, cuando en realidad describe al americano medio aterrado por no llegar a fin de mes, desbordado por las deudas y suplicando por que le traten con dignidad. Fer: Los compañeros de trabajo de Homer, especialmente Lenny, que vive junto a una pista de Squash o algo así, y que tiene citas memorables como: «Todo el mundo se equivoca, por eso los lápices llevan goma de borrar». Jorge: A mí me gusta mucho el sarcasmo del vendedor de la tienda de cómics, aunque uno de mis favoritos es sin dudas Clancy Wiggum, el jefe de policía, por toda la crítica que lleva consigo ese personaje hacia esa institución (la máquina de escribir invisible como elemento de ignorancia activa ante cierto tipo de denuncias).
«Cuando eras más joven, con el capítulo de ‘Lisa necesita un aparato’ te quedabas con aquello de «quiero mi bocadillo», pero después llega un momento en que lo vuelves a ver y te das cuenta de la carga social que lleva detrás: dibujos animados enseñándote de qué va la lucha de clases»
Con las revisiones es fácil entender de repente muchas bromas de Los Simpson que antes se te escapaban. Sin duda, es una serie de animación para adultos ante todo. ¿Recordáis alguna en particular? Frankie: Recuerdo haber entendido cuestiones de cómo funciona el sistema en el que vivimos (política, economía) cuando ya era más mayor, como el márketing agresivo y fraudulento de todo lo relacionado con Krusty, el payaso. Cuando Bart se rebela durante el Campamento Krusty, asegura que ha sufrido innumerables problemas de salud por culpa del merchandising del payaso, y el propio Krusty no quiere comerse las hamburguesas de su cadena ni ver sus programas porque le dan asco. Él sólo quiere hacer el máximo beneficio, sea como sea. Además, en la serie siempre hay un pringado que paga por la gran empresa, como en este caso: el adolescente con acné que trabaja en el Krusty Burger, Barney vestido de “Kresta el payaso” en el campamento, el eterno “actor secundario-becario” Mel, etc.
¿’Los Simpson’ alguna vez os han hecho pensar, reflexionar, más que reír? Recuerdo un final de episodio muy “creepy” protagonizado por Artti Ziff, o el estrés extremo al que se ve sometida Marge Simpson durante un episodio, cuando se queda sentada en el aire mirando la tele: el humor en este caso se confunde con algo muy siniestro y dramático. Frankie: El capítulo en que Homer ayuda a Mel Gibson a hacer una película “superventas para el americano de a pie” empieza con un arrebato muy chungo de celos por parte de Homer: intenta boicotear la última película del actor porque a Marge éste le parece muy atractivo y después la agarra por el brazo cuando Mel Gibson aparece en su casa, mientras grita “¡es mi mujer, me pertenece!”, señalando al anillo de casados. Luego todo el argumento se vuelve gracioso y se diría que se le olvida al espectador lo que acaba de pasar. Jorge: El mítico capítulo de ‘Lisa necesita un aparato’, en el que, cuando eras más joven, te quedabas con aquello de ‘quiero mi bocadillo’ hasta que llega un momento que ves ese capítulo y te das cuenta de la carga social que lleva detrás: dibujos animados enseñándote de qué va la lucha de clases.
Otro tema que trata la serie es la religión. El cristianismo de Ned, el hinduismo de Apu o el judaísmo de Krusty son abordados con humor a riesgo de ofender, lo cual ha ocurrido. ¿Son especialmente memorables para vosotros algunos momentos de ‘Los Simpson’ relacionados con la religión? Frankie: A mí me gusta cuando Apu va a suicidarse y consulta la tabla de reencarnaciones para descubrir que en su siguiente vida va a ser una ameba. Fer: El capítulo en que Bart reparte las partituras para cantar en la iglesia ‘In the Garden of Eden’ de Iron Butterfly, que, cuando se da cuenta, el reverendo no tiene energías más que para constatar que es música pagana en una iglesia. Jorge: Cuando Bart se queda en casa de los Flanders y están jugando a algo así como un trivial cristiano, en el que Rod o Tob le preguntan a Bart algo así como «cabeza de león, cola de serpiente y escupe fuego, qué es?», a lo que Bart responde «¿Jesús?»
Son muchos los personajes famosos que han pasado por Los Simpson. ¿Recordáis algún cameo que os gustara especialmente? Frankie: Sin duda, el capítulo de Mel Gibson, en el que al final lanzan a Homer del coche en marcha y este grita “¡Eh, Mel, que me he caído!”. El momento de “los hijos” de George Bush (senior) tendiéndole una trampa para ponerle una peluca de colores también está bien.
«Algunos estereotipos son en cierta forma autocrítica y nos hacen especial gracia porque sí creemos que albergan parte de verdad, pero otros son prejuicios intolerantes y esos no nos gustan»
La serie también ha echado mano de estereotipos para reírse de sociedades ajenas a la americana. Su representación de Brasil valió a la serie una amenaza de denuncia por parte del país. España sale llena de tópicos, igual que Francia, Reino Unido… esos octillizos de Apu y Manjula. ¿Sois defensores de los estereotipos para hacer humor? ¿Algunas de sus representaciones de gente extranjera y de otras culturas os ha hecho especial gracia? Frankie: Yo creo que no somos ni defensores ni detractores: algunos estereotipos son en cierta forma autocrítica y nos hacen especial gracia porque sí creemos que albergan parte de verdad, pero otros son prejuicios intolerantes y esos no nos gustan. Cogiendo el ejemplo de Apu, en un capítulo intenta convencer de lo “enamorado de América” que está, vestido con una camiseta de los Mets y diciendo que está contento de haber sustituido la estatua de un dios hindú por una revista con Tom Cruise y Nicole Kidman en la portada, para después romper a llorar por haber traicionado su cultura. Siguiendo con ese cachondeo, cuando Homer visita la India asegura que todos son físicamente iguales pero encuentra al familiar de Apu tras preguntar a sólo dos personas por la calle. De hecho, los padres del propio Apu se despiden de él así, en referencia a la cantidad de hijos que tienen (cuyos nombre no recuerdan) y la ingente población de la India: “vayas a donde vayas, tú, nunca olvides quien eres, tú”.
¿Seguís viendo la serie? ¿Estáis familiarizados con las nuevas temporadas? ¿Creéis que sois reivindicables o que muestran un agotamiento en la fórmula? Frankie: Seguimos viéndolo únicamente cuando lo pillamos en antena, en los pocos ratos que pasamos frente a la tele, pero no activamente. Yo personalmente no estoy muy a gusto con la manía que parecen tener en los últimos años de centrarse en un tema y retorcer mucho el argumento. Durante mucho tiempo hicieron capítulos que empezaban con una cosa y acababan de forma totalmente distinta, metiendo momentos absurdos en medio que ni siquiera servían realmente de nexo de unión, pero que te dejaban perplejo. Ahora es como que hacen uno sobre Tinder y lo acaban haciendo muy histriónico. Además, meten muchos sketches off-topic, al estilo de ‘Padre de familia’, cosa que tampoco me encanta: deja que la broma macere en la cabeza de quien está viendo el capítulo, no se la expliques tanto.
Stephen Malkmus de Pavement ha anunciado nuevo disco en solitario. ‘Traditional Techniques’ sale el 6 de marzo y es un trabajo de «folk de la nueva era para gente de la nueva era», un «álbum aventurero» pero también «familiar» compuesto por «arreglos hechos a mano, folclore moderno y 10 canciones escritas e interpretadas en la singular voz» de su autor.
Concebido mientras grababa ‘Sparkle Hard‘ junto a su banda The Jicks, Malkmus ha basado la composición de ‘Traditional Techniques’ en su guitarra acústica de 12 cuerdas, pero el álbum cuenta también con una variedad de instrumentos afganos, flautas e influencias tanto del rock hippie como del jazz. Según la nota completa una trilogía formada por el mencionado ‘Sparkle Hard’ y su sucesor, ‘Groove Denied’. Los tres «dan buena cuenta de un artista comprometido con descubrir territorios inexplorados».
¿Y cuál es el primer adelanto de este trabajo que pretende ofrecer una visión renovada del folk? ‘Xian Man’ no es tan diferente a lo ya oído en otros trabajos de Malkmus, pero su exquisito diálogo de guitarras puede ser un buen punto de partida para empezar a descubrir el trabajo del cantautor estadounidense, quien, por cierto, ha grabado el álbum junto a Chris Funk de Decemberists y el productor Matt Sweeney.
The Associated Press confirma el fallecimiento este martes, a los 77 años, de Terry Jones, uno de los seis miembros originales del grupo de humor británico Monty Python. El director, guionista y académico padecía afasia primaria progresiva, una enfermedad neurodegenerativa que afecta a la capacidad de lenguaje.
Gran responsable del humor y estructura surrealistas de ‘Monty Python’, Jones creó al grupo cómico en 1969 junto a los británicos Michael Palin -compañero de él en la Universidad de Oxford-, Eric Idle, John Cleese y Graham Chapman y el americano Terry Gilliam. Los sketches televisivos de Monty Python fueron una absoluta sensación en Reino Unido y dieron lugar a la creación de varias películas míticas que siguen siendo populares hoy en día (así como sus mejores momentos televisivos). Por ejemplo, Jones dirigió junto a su compañero Terry Gilliam la película de 1975 ‘Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores’, pero es que él fue director único de posiblemente las dos películas más populares del grupo cómico, ‘La vida de Brian’, de 1979, y ‘El sentido de la vida’, de 1983.
Graduado en inglés, Jones además de actor y director fue escritor y académico. Fue experto en historia medieval, tema sobre el que escribió varios textos. El primero, editado en 1980, fue ‘Chaucer’s Knight: The Portrait of a Medieval Mercenary’, una interpretación alternativa de ‘The Knight’s Tale’ de Geoffrey Chaucer, uno de los textos incluidos en los conocidos «cuentos de Canterbury». Jones llevó varios de sus textos a televisión mediante documentales, y además escribió varios libros infantiles.
Vicente Navarro continúa con la promoción de su primer disco, ‘Casi tierra‘, uno de los mejores discos de 2019, y estrena videoclip para la canción del disco que, según él mismo, mejor le «representa». Y, a la vez, el cantautor y actor madrileño anuncia las fechas de su primera gira, que arrancará a finales de febrero en Madrid.
La canción a la que nos referimos es por supuesto ‘Toro’, desde el minuto 1, uno de los grandes momentos de ‘Casi tierra’ gracias a su combinación de tradición y electrónica, de pasado y presente. En coordenadas similares se mueve su videoclip, dirigido por Guillermo Guerrero (Zahara, Miss Caffeina) y rodado en blanco y negro en el pequeño pueblo de Caudilla, en Toledo. En él, Navarro «da una vuelta de tuerca más al concepto de tradición tan presente en este proyecto» y, en concreto, «reflexiona sobre la nueva masculinidad y se replantea qué significa ser hombre hoy».
La gira de Vicente Navarro comenzará en el Festival Internacional de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, donde tocará en lugares como el Museo del Prado o el Corral de Comedias de Alcalá de Henares. A falta de más fechas por confirmar, la gira pasará también por ciudades como Barcelona, Málaga, Sevilla o Granada. Las entradas para el Festival Internacional de Arte Sacro se pondrán a la venta el 31 de enero a través de la web del festival.
Gira ‘Casi Tierra’
29/02 – CCHSN de La Cabrera (La Cabrera, Madrid)
04/03 – La Cuarta Pared (Madrid)
07/03 – Museo del Prado (Madrid)
14/03 – Corral de Comedias (Alcalá de Henares, Madrid)
15/03 – Centro Cultural Paco Rabal (Madrid)
26/03 – Sala FunClub (Sevilla)
27/03 – Velvet Club (Málaga)
28/03 – Boogaclub (Granada)
17/04 – Heliogàbal (Barcelona)
BTS han vuelto tras un parón de varios meses con toda la artillería pesada. Primero han anunciado que su nuevo disco, ‘MAP OF THE SOUL: 7’, sale el 21 de febrero, y ahora han anunciado una extensa gira mundial para presentarlo que pasará por primera vez por España. En concreto, los surcoreanos actuarán los días 17 y 18 de julio en el Estadio Olímpico Lluis Companys. Las entradas se pondrán a la venta próximamente según Live Nation.
Barcelona es solo una de tres paradas europeas que realizará este año la gira de BTS, que pasará a su vez por Londres los días 3 y 4 de julio y por Berlín los días 11 y 12 de julio. El resto de fechas se reparten entre Asia -la gira arranca el 11 de abril en Seúl con cuatro fechas- y América del Norte, con fechas confirmadas en San Francisco, Los Ángeles, Orlando, Washington D.C, Toronto (Canadá) o Chicago, entre finales de abril y principios de junio. Tras actuar en Chicago, los chicos actuarán los días 13 y 14 de junio en un lugar por confirmar (parece que podría ser una ciudad de América Latina) y después volarán a Fukuoka, Japón, continuarán el tour en Europa y después volverán a Japón para realizar su tramo final, que tendrá lugar entre finales de julio y principios de agosto en las ciudades de Osaka, Saitama y finalmente Japón.
Los autores de ‘Map of the Soul: Persona‘ han oficializado su regreso con el lanzamiento del single ‘Shadow’ y su impactante videoclip, al que después ha seguido ‘Black Swan’ también con un videoclip de recomendado visionado. Con este último os dejamos.
Bombay Bicycle Club no han perdido a sus fans a lo largo de estos 6 años de parón en los que hasta se han separado sin comunicarlo oficialmente. Según las midweeks británicas, ‘Everything Else Has Gone Wrong’, nuestro “Disco de la Semana”, será top 3 en las listas oficiales de este viernes, despachando en torno a 20.000 unidades en estos 7 días.
Los streamings de sus singles son también decentes, especialmente los de ‘Eat, Sleep, Wake (Nothing but You)’. Sin embargo, para la pegada que tienen muchos de ellos, es claro que todos ellos hubieran funcionado muchísimo mejor si hubieran pasado 2 años y no 6 entre disco y disco. La canción titular está entre lo mejor que han firmado.
Estamos ante una canción deliciosamente dividida en dos partes: la primera es un medio tiempo agrio convencional que habla de cuando «todo va mal» y no somos capaces de expresar lo que sentimos. Pero a partir del minuto 2.30 hay un cambio de tercio: sube la intensidad, aparece un puente y a partir de entonces un juego de teclados y melodía vocal se combinan en busca de un crescendo totalmente escalofriante. Jack Steadman nos está narrando el resurgir de las cenizas. En sintonía con la composición, atentos al vídeo: en la primera parte vemos al líder del grupo recibiendo una paliza. En la segunda, una ambulancia trata de reanimarle, como metáfora de lo que nos está contando exactamente la letra: una persona tratando de encontrar una segunda oportunidad en la vida. Está claro, por lo que transmite esta excelente producción de John Congleton, que se le ha concedido. El grupo presenta este disco en el próximo SanSan.
La histeria en torno a un nuevo single de Lady Gaga ha vuelto a invadir redes sociales y foros de música pop, con ciertos usuarios buscando una confirmación definitiva de la canción incluso dentro del código fuente de la página web de la artista (y la han encontrado, el título de la canción ha llegado a aparecer en dicho código para luego desaparecer). ‘Stupid Love’ lleva meses filtrándose en trocitos, de hecho es noticia al menos desde el pasado mes de agosto; y esta noche la canción ha llegado a la red al completo en buena calidad mientras Gaga sigue sin confirmar ni desmentir que se trate del primer single oficial de su próximo disco. La fecha de lanzamiento oficial de ‘Stupid Love’ sigue sin confirmarse pero sería el viernes 7 de febrero según una radio griega y otra francesa.
‘Stupid Love’ confirmaría el regreso de Stefani Germanotta a las producciones de electro-pop de sus primeros discos tras el éxito de ‘A Star is Born‘, si bien la versión que ha llegado a la red podría no ser la definitiva. La producción recuerda un poco a ‘Born this Way‘ y un poco a ‘ARTPOP‘ y la comparación no es solo nuestra. En nuestros foros, el usuario Efrenrodher opina positivamente de la canción y asegura que suena a un cruce entre ‘Born this Way’ y ‘Do What You Want’, mientras jaycc parece menos convencido con ella y escribe que Gaga «ha metido en la batidora Swine con Fashion of his love y ha salido esto». Por su parte, Newcombe esgrime que ‘Stupid Love’ ofrece un sonido «básico de Gaga a más no poder» y Xanti incluso pone en duda que sea una canción nueva: «Después de escuchar el tema en cuestión: ¿estáis seguros de que este tema es del proyecto nuevo? A mi me suena muy antiguo».
La canción, que ya ha sido pinchada en una discoteca, ha gustado mucho a algunos usuarios de foros anglosajones como Popjustice, y poco a otros. Está siendo muy celebrado el supuesto regreso de Gaga a la música de baile, pero algunas personas se preguntan, al escuchar ‘Stupid Love’, dónde está ese «gran estribillo» que un primer single de Gaga debería ofrecer. Una persona opina que el supuesto estribillo «suena como un post-estribillo», que a la canción le falta de hecho un «estribillo de verdad», y que la producción no es «interesante». Y si a algunas personas les está encantando por lo «divertida y eufórica» que suena, otras no ven ella ganchos potentes ni demasiado «replay value» para durar poco más de 3 minutos. ¿Estará Gaga al tanto de todo lo que está sucediendo con esta canción, cuya oficialidad sigue sin confirmarse?
of Montreal llegan a su 16º disco con energía y ganas de cuestionar el mundo de hoy, y el talento para ofrecer singles que pueden situarse entre lo mejor de su larguísima carrera. Muy lejos de los recovecos casi inasumibles de ‘Skeletal Lamping‘, los sencillos de ‘UR FUN’ van absolutamente al grano. Es el caso de ‘Peace to All Freaks’, una de las canciones más accesibles de su discografía, con una serie de sintes ochenteros que forman una melodía de lo más bailable; o de ‘Polyaneurism’, una canción que demuestra que el cruce entre Iggy Pop y su amigo David Bowie; y entre Dragonette y su amigo Martin Solveig era perfectamente posible y digno de celebrar.
Ambas canciones tienen además mensajes muy potentes. ‘Peace to All Freaks’ llama al amor, a la lucha contra el «odio» y contra «la gente horrible», hablando sobre la necesidad de «educarnos a nosotros mismos» y de unirnos contra el mal, contra «los cínicos», contra «los amargados», en busca de un mundo mejor. La música a su vez transmite esa sensación de colectivo que siempre rezumó esta banda que conocimos como parte de Ellephant 6. Por su parte, ‘Polyaneurism’ es una canción que cuestiona las ventajas del poliamor, ahora que cada vez está más «de moda». Cuenta Kevin Barnes que pensaba que él mismo terminaría cediendo al poliamor, pero que no ha pasado, por lo que ha querido retratar, a través de experiencias de amigos, cómo el poliamor puede ser «frustrante» para una o varias de las partes y cómo puede requerir de mayor esfuerzo emocional incluso que una relación tradicional. Y lo mejor es que lo hace sin aleccionar: independientemente de que compartas su visión, la canción no puede sonar más divertida.
Aunque hay canciones de amor, como es el caso de ‘You’ve Had Me Everywhere’, que empieza diciendo que «si algo te pasara, me volvería loco y nunca me recuperaría»; los temas son variados en ‘UR FUN’. ‘Don’t Let Me Die In America’ es un deseo de morir en cualquier lugar excepto América, con una frase que plantea: «¿he perdido mi país porque no tengo amor para los cerditos fascistas?», pero en general apostando de nuevo por una estructura y una letra repetitiva que se quedan a la primera. Y es que esa es una de las claves de este álbum: las referencias pueden ser tan complejas como Noam Chomsky (‘Don’t Let Me Die In America’) o ‘La novia ensangrentada’ (‘Carmillas of Love’), pero los temas en general son inmediatos.
Apenas la sosa y rockera ’20th Century Schizofriendic Revengoid-man’ y la reptante ‘Deliberate Self-harm Ha Ha’, sobre la gente que se hace cortes en su propio cuerpo, un intento frustrado de meter en una batidora a Goldfrapp junto a Black Keys, hacen al disco decaer un pelín en su tramo final. En verdad, en 40 minutos hemos asistido a canciones tan interesantes como ‘Gypsy That Remains’ y ‘St Sebastian’. En la primera caben guiños al bajo de ‘Love Is In the Air’, a ‘Gypsy’ de Fleetwood Mac, a ‘Box of Rain’ de Grateful Dead y a «Cucurrucú Paloma», lo cual tiene bastante gracia: hay un quiebro en el final de su estribillo que no puede sonar más melódico.
Y ‘St Sebastian’ es otra de esas canciones de of Montreal en las que apetece adentrarse a través de entrevistas y notas verificadas de Genius. Suena al Bowie de principios de los 80, el «art pop», con unos pegadizos teclados también un poco franceses: es algo que podrían haber cantado los Stereo Total más enamorados de Gainsbourg. Por su parte, la letra habla a través del mártir San Sebastián de una persona que se ha dedicado a poner a caldo en internet a Kevin Barnes. Y ya tiene mérito que a pesar de su tono agridulce, dé ganas de bailar. El mundo está lleno de fascistas y de haters, pero al mal tiempo, buena cara: los conciertos de of Montreal volverán a ser un fiestón.
Calificación: 7,4/10 Lo mejor: ‘Peace to All Freaks’, ‘Polyaneurism’, ‘St Sebastian’, ‘Don’t Let Me Die In America’ Te gustará si te gusta: David Bowie, Stereo Total, Iggy Pop, Superorganism Escúchalo:Spotify
Dcode celebra este año su décima edición, pues como recordaréis nació en 2011, y lo hace volviendo a sus intenciones iniciales de contar con dos jornadas, que serán naturalmente viernes y sábado, en concreto las de los días 11 y 12 de septiembre de 2020. La organización recuerda que en este tiempo han sumado 200.000 asistencias, contando con más de 150 artistas.
Los dos cabezas de cartel serán esta vez nacionales: Leiva y Vetusta Morla, el primero en el momento comercial más dulce de su carrera tras haber arrasado en las listas de ventas y en las de streaming durante todo 2019 con su álbum ‘Nuclear’; y Vetusta Morla con un concierto muy especial con el que pondrán «punto y aparte a sus directos hasta nuevo aviso». El grupo lanza este año un disco de estudio en el que reinventan las canciones de su último largo, ‘Mismo sitio, distinto lugar‘. El viernes 11 de septiembre será el turno de Leiva, y el sábado 12 de septiembre, el de Vetusta Morla. Pero hay más confirmados.
Se trata de Coque Malla en el caso del viernes, y de Crystal Fighters, Sidonie, Fuel Fandango, Mando Diao, Maxïmo Park y Belako en el caso del sábado. Quedan más artistas por confirmar en ambas jornadas. Aunque es pronto para hablar de horarios, entre los dos días se sumarán 25 horas de música, habrá programación para los niños en DCODE KIDS y cuidadas y variadas opciones gastronómicas en la zona FOODLAND. También se informa de que DCODE seguirá ampliando ECODE, su propuesta de sostenibilidad a largo plazo.
Las entradas para Dcode salen hoy a la venta a las 12:00 horas a través de www.dcodefest.com, www.livenation.es y www.ticketmaster.es con un precio especial de salida: viernes 44 € (+ gastos), sábado 49 € (+ gastos) y un cupo de abonos a 80 € (+ gastos). Disponibles también a partir de hoy las entradas y abonos VIP: entradas VIP de día 120 € (+ gastos) y abonos VIP 200 € (+ gastos).
Se va poniendo muy interesante el cartel de Low Festival 2020… cuando aún queda la mitad por anunciar. Y es que el festival musical celebrado en Benidorm confirma hoy cuatro nuevos nombres con los que amplía y refuerza su oferta de pop alternativo cantado en español. El primero y más destacado por tirón comercial es obviamente el de Amaia. Mientras aún colea y seguimos disfrutando de su estupendo álbum debut tras ganar Operación Triunfo 2017, ‘Pero no pasa nada‘, ella sigue presentándolo con su solvente y engrasada banda –en la que destaca Núria Graham a la guitarra y coros– en salas de todo el país, pero también en festivales como Primavera Sound y, ahora, el Low.
Curiosamente, allí coincidirá con el grupo del productor de su disco, el argentino Santiago Barrionuevo. Y es que su banda, Él Mató a un Policía Motorizado también pasa a formar parte del cartel de este Low Festival 2020. Que se sepa, allí seguirán presentando las canciones del notable ‘La Síntesis O’Konor’ y el apéndice a este que publicaron a finales del pasado año, ‘La otra dimensión’. A ambos se suman también dos proyectos del underground nacional cada vez más conocidos: los kinkidélicos Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, y el dúo de power pop Cala Vento. Ambos, apurando la energía de sus dos fantásticos últimos discos. Todos ellos se incorporan a un elenco en el que ya destacaban Two Door Cinema Club, Primal Scream, White Lies, Cigarettes After Sex, Nilüfer Yanya, Fuzz (proyecto de Ty Segall), Viva Suecia, Sidonie, y un largo etcétera.
Los abonos generales para Low Festival 2020 pueden adquirirse desde solo 52€ aquí. Subirán de precio a las 23:59h de hoy. En el caso de los abonos VIP y VIP POOL, están disponibles por 115€ y 170€ respectivamente.
Pearl Jam acaban de presentar al mundo el primer single de su nuevo disco, ‘Gigaton’. Se trata de una canción titulada ‘Dance of the Clairvoyants’ y es presentada con un lyric-video que juega con la tipografía de la portada del álbum, presentada días atrás, pero esta vez sobre una imagen de una espectacular aurora boreal. Lo más sorprendente, en todo caso, es la canción, un tema introducido por un bajo y unos sintetizadores de reminiscencias ochenteras en la misma medida que las tiene una canción de Interpol, por ejemplo.
Una impresión que no ceja cuando irrumpe la guitarra de Mike McReady, con cierta querencia funky pero también afterpunk. El tema es sorprendentemente sinuoso y contenido y hasta la voz de Eddie Vedder tiene una reverberación diferente, por momentos próxima a la de Springsteen. En una nota, el bajista del grupo Jeff Ament confirma esa impresión: “»Dance» fue la tormenta perfecta de experimentación y auténtica colaboración. Abrimos algunas nuevas puertas creativamente y eso es excitante”. Quizá influya en ello que, por primera vez en mucho tiempo, han dejado de trabajar con el productor Brendan O’Brien para hacerlo con uno nuevo, Josh Evans –Soundgarden, Thunderpussy–.
‘Gigaton’ se publica en todo el mundo el próximo día 27 de marzo, y también se ha revelado ya su tracklist. Será el primer disco de Pearl Jam desde que en 2013 editaran ‘Lightning Bolt‘. El grupo de Seattle ha anunciado una gira mundial que, por el momento, no pasa por España.
Traclist de ‘Gigaton’:
1. Who Ever Said
2. Superblood Wolfmoon
3. Dance of the Clairvoyants
4. Quick Escape
5. Alright
6. Seven O’Clock
7. Never Destination
8. Take The Long Way
9. Buckle Up
10. Come Then Goes
11. Retrograde
12. River Cross
Jack Bisonte han logrado ser lo más votado de JENESAISPOP con el vídeo estrenado en este mismo site, con el que el dúo muestra su devoción por Lana del Rey, Dua Lipa (hasta ahora número 1 de la lista, por cierto), Tracy Chapman, y sobre todo France Gall. La canción ha conseguido hacer 20.000 plays en Spotify en 10 días sin el apoyo de ni una sola de las playlists “mágicas” de la plataforma sueca. También entran en el top 40 lo nuevo de Delaporte, Halsey, y C. Tangana. Nos despedimos de ‘Alocao’, ‘Narcissus’ y ‘You Ain’t the Problem’, ya con 10 o más semanas en lista y en la mitad baja de la tabla. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.
«A la espera de ver qué sucede con la canción, se desconoce si ‘Blinding Lights’ será incluida en un próximo álbum de The Weeknd o quedará en publirreportaje». Esto decíamos a finales del pasado mes de noviembre tras el lanzamiento de ‘Blinding Lights’, el nuevo single synth-pop de The Weeknd. Pasados unos meses va quedando claro que la canción va en camino de convertirse en otro macrohit del cantante canadiense: publicada de hecho después que la trapera ‘Heartless’, ‘Blinding Lights’ ya supera por varias decenas de millones a la primera en reproducciones en Spotify (se aproxima a las 200 millones) y además saluda actualmente desde el top 7 de canciones más escuchadas en la plataforma sueca a nivel global: en definitiva, está siendo uno de los éxitos del momento.
‘Blinding Lights’ era un hitazo desde la primera escucha aunque en España no haya pasado absolutamente nada con ella (su «peak» ha sido un top 74, nos quedamos sin gira pero fijo), y mientras va consolidando su éxito con el paso de los días y las semanas, Abel Tesfaye ha esperado hasta la cuarta semana de 2020 para estrenar su videoclip oficial, que es la segunda parte del de ‘Heartless’ y, naturalmente, ha sido dirigido por la misma persona, Anton Tammi.
El vídeo de ‘Blinding Lights’ sigue ambientado en Las Vegas y, como el anterior, cuenta con una historia tirando a inexistente. El protagonista, un Abel Tesfaye que parece poseído por el espíritu de el ‘Joker‘, sonríe con la dentadura ensangrentada o conduce un coche a toda pastilla por la ciudad de los pecados, pero poco más. ¿Dónde está el vídeo real? ¿Seguro que esto no es el tráiler? ¡Suerte que la canción mola!
Anoche se celebró la primera edición de los Premios Odeón, creados para galardonar lo más vendido y escuchado de la industria. La gala fue televisada por RTVE, pero debido a los problemas de organización, el propio ente público pedirá explicaciones a la organización por no cumplir los estándares de calidad mínimos en estos casos. Este es el texto oficial que podéis encontrar en su web desde esta tarde a las 14.00: «El deseo de la dirección de RTVE de promocionar y de apoyar a la música motivó la apuesta por la emisión de la gala de los Premios ODEÓN (antes Premios Amigo), el lunes 20 de enero por La 1, en directo y en la franja horaria de máxima audiencia. Desgraciadamente el resultado de dicha gala, realizada y producida por AGEDI, estuvo muy alejado de los estándares de calidad que exige RTVE en sus programas. La Dirección de RTVE lamenta los inconvenientes que esos problemas técnicos y desajustes produjeron en la audiencia y ha pedido explicaciones a los organizadores del evento». El programa lograba un 9,3% de share, un punto por debajo de la media de la cadena este mes, alcanzando 1,3 millones de espectadores.
RTVE no entra a valorar lógicamente la línea editorial de los premios, pero de eso ya se ha encargado Coque Malla, en un tremendo post en Facebook en el que se pregunta cómo nombres como León Benavente, Bunbury, Luz, Anni B Sweet, Miren Iza o Zahara pueden ser excluidos de estos premios. Su texto comienza siendo irónico, dando la «enhorabuena a la organización de los premios Odeón 2020», pero después advierte que los premios «jamás van a conseguir un mínimo de credibilidad» hasta que «no cuenten con todos» los artistas por igual. Considera los premios un «desastroso error», recordando que muchas películas pequeñas han levantado su vuelo comercial tras pasar por los Goya, y que eso jamás podría pasar con este formato, y puntualizando finalmente que admira y tiene cariño a muchos de los galardonados.
Esta es la parte más relevante de su texto: «Estoy firmemente convencido de que unos premios de la música, en los que en el escenario no haya ni el menor rastro, ni el más mínimo guiño, pequeño homenaje o vídeo, un premio especial, mención, agradecimiento, y mucho menos presencia física en forma de actuación, nominación, entrega de premio -y muchísimo menos aún en forma de premiado-, de gente de la talla de, ni más ni menos que: Kiko Veneno, Santiago Auserón, Iván Ferreiro, Love of Lesbian, Loquillo, 091, Xoel López, Fito y Fitipaldis, Josele Santiago, Zahara, Anni B. Sweet, Luz Casal, Miren Iza, Amparanoia, Robe Iniesta, Depedro, Dorian, León Benavente, Jaime Urrutia, Kase. O, Vetusta Morla, Sidonie, El Drogas, Viva Suecia, La habitación Roja, Los Zigarros, Miss Cafeína, El Kanka, Sidecars, Enrique Bunbury… Y así podría seguir y seguir y seguir…
Unos premios, decía, donde toda esta gente, y muchísima más, esté terrorífica e inexplicablemente ausente y borrada del mapa como si no existiesen, como si no llenasen todos los fines de semana salas, teatros, auditorios, pabellones y festivales multitudinarios, como si no vendiesen miles de discos y acumulasen entre todos -o en muchos casos individualmente- millones de escuchas y reproducciones, como si no fuesen la sangre, el cemento y la base de este negocio… Unos premios que no tienen en cuenta a toda esa nómina de músicos increíbles, he de decir que jamás, repito: JAMÁS van a conseguir un mínimo de credibilidad. Y sin credibilidad, no hay fiesta de la música española que valga.
Se puede argumentar que no hay tiempo para todo y que en futuras ediciones se irán introduciendo estos y otros nombres, pero dudo mucho que el tiempo fuese el factor que se tuviese en cuenta para elegir a los actores principales de la gala. Quedó clarísima cual era la filosofía y la línea a seguir, y de corazón creo que es un tremebundo y desastroso error.
¿Por qué (entre otras cosas) los Goya perduran en el tiempo, son creíbles y generan emoción y expectación? PORQUE CUENTAN CON TODOS. Porque son una representación bastante fidedigna de todo el espectro de la industria cinematográfica de este país, y eso es precisamente lo que le da emoción, prestigio e incluso un punto de heroicidad a sus galas. ¡¿Cuantas películas pequeñas e independientes han arrasado contra todo pronóstico en los premios y gracias a eso han levantado la taquilla en las semanas posteriores?! ¡Cientos de ellas! ¡El factor sorpresa es fundamental! ¿David, venciendo a Goliat! ¡Eso es hacer industria! Y ese es, en mi humilde opinión, el verdadero sentido de este tipo de ceremonias: hacer industria, no vender discos o presumir de cifras; son cosas diferentes.
Si eso no cambia en las siguientes ediciones, no van a poder contar con músicos como nosotros ni con nuestro apoyo, y estos premios -y todos los que vengan- basados en la filosofía de las cifras multimillonarias, de la música de concurso, de la música más descaradamente comercial, de la ausencia total del pop o el rock n´roll y del predominio absoluto de la música urbana (¡en toda la noche apareció en el escenario UNA guitarra eléctrica, y no sonó porque algo falló!)… si eso no cambia, decía, estos premios se derrumbarán como castillos en el aire.
Y para que quede claro mi punto de vista: mi enhorabuena a todos los premiados, mucho de ellos gente a la que respeto, admiro e incluso tengo mucho cariño; el problema no era lo presente, sino lo ausente. Ojalá me equivoque y los Odeón se afiancen incluso sin músicos del tipo que yo reivindico y con los que me siento identificado. Pero algo me dice que no, y que sin ellos, que forman parte absolutamente fundamental de la base, el pegamento y los cimientos de un evento de este tipo, se desmoronaran como se han desmoronado todos sus antecesores. Insisto: ojalá me equivoque. Un saludo para todos».
Tras el especial Revelaciones 2020 de artistas internacionales, llega el turno de mostrar nuestras apuestas en el panorama alternativo nacional. Una escena en la que cada vez más multinacionales echan sus redes buscando talentos de futuro, asentándose tras el furor por lo urbano y transitando hacia música más inclasificable y fluida entre estilos. Así, tras haber señalado a lo largo del año pasado a nombres como Yana Zafiro, Luna Ki, Cora Yako, dani, Lisasinson, Ginebras, Ciccio, Megansito El Guapo, Rebe, Debla, Gaua o Chloral, presentamos nuestras particulares apuestas para este curso, que añadimos desde hoy a la playlist «Revelación o Timo», donde recogemos todos los artistas que tienen cabida en esta sección. [Imagen interior: Paranoid 1966; imagen de portada: Pantocrator, por Claudia Martín.]
Adiós Amores
Recién «nacidas», Adiós Amores nos han eso, enamorado, de golpe y porrazo con su primer single, estrenado este viernes. Se trata de ‘Charlotte’, una maravilla que bien podrían haber entonado Jeanette o France Gall en los años 60, con guiño a Lole y Manuel en su letra, a los que adoran tanto como a The Brian Jonestown Massacre, The Flaming Lips, The Shadows o Beach Boys. Son referencias que aparecen en la nota de prensa de este proyecto que une, a caballo entre Sevilla y Granada, a Iman Amar y Ana Valladares. Confiamos en que su entrada en La Mina, el ya reputado estudio de Raúl Pérez, sirviera para grabar más canciones a la altura de esta y que las conozcamos muy pronto –su concierto del día 14 de febrero en la Sala Malandar de Sevilla, abriendo para All La Glory, es la primera oportunidad–. El clip de ‘Charlotte’, por cierto, sorprende aún más al revelar que ni son tan amateur ni tan naif como pudiera aparentar una errónea primera impresión.
AMBRE
Este cuarteto radicado en Madrid, en cambio, dio sus primeros pasos –siempre a través del sello Subterfuge– en el año 2017 con el single ‘What You Get‘. Desde entonces han seguido publicando singles como ‘Tricky Needs’ y el EP ‘Mercury Man‘, siempre cantando en inglés un rock con tintes de psicodelia que, recurriendo a referentes ampliamente conocidos, podría conquistar a fans de Radiohead y MGMT que añoren su pasado. Sin embargo a finales de 2019 AMBRE sorprendían con un nuevo giro, adoptando el español como lengua de expresión de sus canciones y texturas más sintéticas en lo sonoro. Así llegaba la magnética ‘Solo conmigo’, que suena a algo así como una mezcla entre Avi Buffalo, Temples e… Iván Ferreiro (!). Quizá esto último no les cuadre para nada, pero la semejanza de timbre y vocalización de Antonio Trapote –a la sazón, guitarrista de directo de Anni B Sweet– con el gallego en este tema en particular es considerable. Se trataba del primer avance de ‘Nunca pasa nada’, primer LP de próxima publicación. Este próximo viernes se publica oficialmente ‘Me siento tan moderno’, otro tema de adelanto que esta vez sorprende con reminiscencias de synthpop 80s, cuyo estupendo vídeo estrenamos en exclusiva en este especial. Un buen tema pop que nos hace presagiar que se acerca el espaldarazo definitivo para ellos.
Bum Motion Club
Precisamente Antonio Trapote ha formado parte como batería ocasional de otro joven grupo madrileño que también tiene cabida en este listado. Se trata de Bum Motion Club que, formado por Pablo Vera y Alejandro Leiva, se afianzó con las incorporaciones de Iris Banegas (bajo) y Alberto Aguilera (teclados). Con ellos autoeditaban hace poco menos de un año su EP debut, un ‘Delta‘ producido y mezclado por Víctor Cabezuelo. El alma mater de Rufus T. Firefly demostró ser el idóneo para ayudarles a dar forma al concepto que ellos mismos acuñan como dream wave, entre el shoegaze y el dream pop. Así lo prueban canciones fantásticas como ‘April’ o ‘Fuentebravía’ (como parece, alternan inglés y castellano en sus letras) que invitan a pensar que en el segundo EP, en el que ya están trabajando, debería confirmar la buenísima impresión que dejan.
Chico Blanco
Desde Granada irrumpía Pablo Cobo en 2018 con un pelotazo como ‘Te he visto en el club‘, en el que sumaba un flow poderoso (por momentos recuerda al de Pedro Ladroga) con una base que, en cambio, huía de los tópicos del rap y el trap y se lanzaba a la pista de baile con decisión. No era una carambola de Chico Blanco, sino el ADN de su propuesta ética y estética, que redundaba en la aún más enfocada ‘WTF Is in My Cup‘, anticipo de su EP debut ‘Life After House‘ en el que UK garage, trance, eurodance y, sí, house, convivían con versos de hip hop. ‘Gominola’ –una suerte de apropación del gancho del bizarroGummibär–, lanzada a finales de 2019 confirmaba su enorme atractivo, que este año promete expandirse como una gripe: ya está programado en numerosos festivales como en Sónar Barcelona, Bilbao BBK Live y otros.
Guitarricadelafuente
Aunque ‘Nana triste’ con Natalia Lacunza fue un obvio empujón para la popularidad del joven Álvaro Lafuente, lo cierto es que él ya se había hecho bastante conocido antes gracias a las versiones –de Rosalía, entre otras– que subía a su perfil de Instagram, aderezadas con composiciones propias como ‘Guantanamera‘ –que no, en ese caso no era una adaptación del popular hit cubano–. Y siempre con una propuesta ascética en lo formal: su guitarra, un cajón flamenco (ocasionalmente) y su peculiar timbre vocal (el típico que odias o amas) en grabaciones caseras, con una austeridad que por momentos podría situarle como un The Tallest Man On Earth del Maestrazgo (es de Benicàssim, aunque sus raíces son turolenses). Su último tema conocido, ‘ABC’, es el mejor ejemplo, pero él asegura estar influido tanto por el folclore latinoamericano como por el flamenco, e incluso propuestas más contemporáneas: así, casi rapea en ‘Agua y mezcal‘ una letra en la que se refiere llamativamente a ‘Jacaranda’ de Bad Gyal. Esta propuesta tan común y a la vez tan personal conecta con el público de manera notable: todos sus singles cuentan sus streamings por millones (algunos por decenas de). Y hasta ha sido invitado, entre artistas tan populares como Alejandro Sanz, Dani Martín, Zahara o Bunbury, a participar en el exitoso disco-tributo a Sabina. De momento sin contrato discográfico multinacional –o que se sepa públicamente, al menos–, su aura de heterogénea estrella del folk pop es ya una realidad. Como tal, forma parte de la programación de festivales como Cooltural Fest o WARM UP o Arenal Sound.
Kimberley Tell
Este blue monday se ha estrenado ‘Trihte’, el segundo single de la carrera musical en solitario –quizá haya quien recuerde al grupo Primary Colours, en el que cantó en una segunda etapa– de la también actriz Kimberley Tell –a la que, además de en las series ‘Hierro’, ’45 Revoluciones’ o ‘Buscando el norte’, hemos visto por aquí protagonizando vídeos de Verkeren, Kaydy Cain o Sticky M.A.–. El primero, ‘Lo que no me dices’, se puede llamar éxito al contar con más de dos millones de reproducciones pese a ser autoeditado. El secreto fue su inclusión en la selección musical de la serie adolescente ‘Élite‘, un altavoz inmejorable. Ahora, Sony Music confía en ella y apoyará el lanzamiento del primer EP de la lanzaroteña, producido por Matías Eisen (Najwa). Que, a tenor de este nuevo tema, parece abundar en un pop electrónico aderezado con R&B de cadencia suave y cálido, pero no demasiado evidente ni manido (la estructura de su estribillo es la mejor muestra). Una estupenda propuesta con una estética cuidada al máximo detalle que parece el inicio de algo muy sólido y seductor.
Le Nais
Naida Camarasa es una joven artista multidisciplinar radicada en Barcelona que emplea el alias de Le Nais. A finales de 2018 revelaba su primer single, la estupenda ‘Dancing‘, de instrumentación pop rock clásica y voz delicada y hetérea, en parte reminiscente de Lana Del Rey. Con ella lograba hacerse un hueco en el Roster Movistar, con el que la plataforma de comunicaciones apoya también a músicos, para poco después ser captada por el sello Luup Records. Allí, la producción de Aleix Iglesias (Pavvla) le ha servido para dar un acabado más electrónico a temas con un palpable poso soul, como la intensa ‘Burning’ –con un cuidadísimo vídeo– o ‘We Forgot‘. Ambas forman parte de su EP debut ‘When I Can’t Speak But I Can Sing’, que se publica el día 14 de febrero y tendrá ocasión de presentar en una plataforma inmejorable: el Primavera Sound 2020.
Los Mejillones Tigre
Desde Jaén, este sexteto irrumpía en 2018 con un llamativo EP homónimo que no conoce las limitaciones estilísticas y las etiquetas. Boogaloo, cumbia, mambo, rock and roll, garage, psicodelia, tropicalismo, soul y rhythm ‘n’ blues son algunos de los estilos que caben en la coctelera de Los Mejillones Tigre. Reciclando ecos de los años 60 y 70, de aquí y de allá, entregan temas eminentemente festivos como ‘Ayacayé’, ‘Cumbia de Pascual’ o el reciente ‘Encuentros misticoeróticos con Sheela’ –que referencia con sorna a la estupenda serie documental ‘Wild Wild Country‘–. Todo eso cabe en ‘Tropical y salvaje’, el álbum de debut que publica en las próximas semanas el sello Clifford Records, y que parece evidente que se hará imprescindible para fans de Bifannah, The Limboos y hasta de sus compañeros de sello Novedades Carminha. El 7 de febrero presentan el disco en la Sala Malandar de Sevilla, abriendo para Camellos.
Manola
Las primeras impresiones sobre Manola ya daban que pensar que podría ser una de las mayores sorpresas en el último cartel de Monkey Week. Y así lo confirmaría nuestro redactor en el festival sevillano Pablo N. Tocino, que destacaba en su crónica la versatilidad y capacidad de seducción de Teresa Ríos. La cantante y pianista, apoyada por los dos ex-Bittersweet Álex Fernández y Fran Montaño, había mostrado su dominio del clasicismo soul-rock y R&B en canciones de su EP debut homónimo, como esa ‘No más temores‘ que retrotrae al ‘Frank’ de Amy Winehouse. Pero es que además su más reciente single ‘La noche me eleva’ cuenta con arreglos muy ambiciosos, con tintes de funk y psicodelia contemporáneos que hacen arquear las cejas (y bailar) irremediablemente. El seguimiento a su progresión en este año es del todo obligado.
Mediapunta
Tras unos años bajo el nombre de Los Crâpulas, este combo garajero zaragozano anunciaba a finales del pasado año que cambiaban su nombre a Mediapunta. En realidad, poco más ha cambiado en su estilo de garaje punk destartalado y ruidoso, al estilo de Los Nastys o The Parrots. Si acaso, una mayor devoción por las melodías bonitas y redondas, más cercanas a las de Mujeres, por ejemplo. Esto, como por arte de magia, ha supuesto una refundación total para el quinteto, que está captando en estas semanas la atención que tanto les costó durante años. La clave está en la complicidad que han creado con Carolina Durante, de los que habían sido teloneros meses atrás (también lo han sido de Los Punsetes, por ejemplo), y que propició que su cantante, Diego Ibáñez, cantara en el pelotazo ‘Fantasmas‘. O, probablemente, que el sello Sonido Muchacho les acogiera para publicar su primer EP con su nuevo apelativo, ‘Amor olímpico’. Ahora bien, hay algo innegable: sus canciones lo valen. Y no solo ese dueto con Ibáñez, sino también trallazos redondos y magnéticos como ‘Traición’ o ‘Boca de serpiente’, que hemos conocido después.
Mon Dvy
Además de ser batería en el dúo Yawners, Martín Muñoz tiene su propio proyecto musical en solitario bajo el apelativo de Mon Dvy –o sea, «monday»–. Y llama la atención lo mucho que difiere del grupo que forma con Elena Nieto, en el que dan rienda suelta a influencias emopunk como Blink-182. Pero Muñoz mostraba un perfil muy distinto en ‘Hxxligvn’, la primera mixtape que presentaba en 2018, claramente influenciada por el hip hop contemporáneo y el trap, rapeando fluidamente aunque poniendo el acento en lo melódico. Por entendernos, más próximo a Sen Senra o Lil Peep que a Yung Beef o Cecilio G. En 2019 Mon Dvy daba un paso adelante notable con tres nuevas canciones –’Nada nadie vacío‘, ‘En el punto de ira’ (sic) y ‘Peligroso como yo’– en las que avanzaba hacia sonidos más maduros y orgánicos, con estupendas producciones. Estas forman parte de un álbum debut que pinta mejor que bien y está a punto de publicarse. Este mismo jueves, 23 de enero, lo avanza en directo en la sala Costello Club de Madrid.
Morreo
Germán y Joseca forman Morreo, un dúo de tecnopop oscurete no solo en lo sonoro –apelan a Golpes Bajos y a «los Svper más pop» como influencias– sino también en lo lírico: ‘Necroturismo’ era el título de su primera demo. Sin embargo, que esto no nos engañe, porque en realidad hay mucho sentido del humor y mucho pop –al estilo Elefant Records–. Ahí están ‘Cluedo’, que homenajea el icónico juego de mesa tanto como a Décima Víctima, o su versión de ‘El futuro‘ de Kikí D’Akí, que les han llevado a abrir conciertos para Aries o Lidia Damunt. ‘Formol’, su último single, abunda en esa deriva ochentera con ritmos explosivos y bailables –conectando un poco con proyectos coetáneos como Presumido–, y nos deja la certeza de que llega el momento de que algún sello se fije en ellos. Por el momento, actúan el 14 de febrero en el Café La Palma de Madrid junto a Casero, el proyecto pop de Mow, al que también conviene prestar mucha atención.
Pantocrator
«Grupo de Barcelona, liderado por Marta Delmont, por Marina Correa, y por su pésima gestión emocional, ha publicado este año ‘Villacapullos‘, con Xiri Romaní a la batería y Robert Busquets a la guitarra, un disco powerpop y garage, con toques de realismo garrulo». Es la puto mejor autopresentación que podrían haber escrito para Pantocrator, así que ¿por qué no aprovecharla? Por complementar, pondría como obligatoria la observación minuciosa de ese bodegón basuril que ocupa la portada de dicho EP, mientras se escuchan las descomunales ‘Caballo de Troya’, ‘El ministerio de las básicas’ o ‘Calatrava’, visionaria descripción del moderneo y su tullida habilidad social en tiempos de redes, que es la de todos. Cuando lo descubres no puedes evitar querer más de eso… y estamos de suerte: mañana, 22 de enero, lanzan ‘La masacre de putis’, su segundo EP. Y el primer adelanto que han mostrado de él, ‘No te puto pilles’, un retrato del enésimo sociópata con ínfulas («Escribo en twitter cuatro tonterías / Que empiece la revolución / Soy guapete y autodestructivo / Voy a romperte el corazón / Podemos follar pero no te puto pilles / Lo hago por ti…») no nos podría traer más locos. En Murcia están de suerte, porque podrán verlas junto a Marcos y Molduras –últimamente señalados como teloneros por Carolina Durante– el próximo 15 de febrero, en La Yesería.
Paranoid 1966
Resulta casi insultante el talento que desprende esta adolescente de Alicante llamada Victoria Weka, que sueña con ser actriz y lleva menos de un año publicando canciones bajo el nombre de Paranoid 1966. Su forma de cantar R&B y rapear con fluidez hipnótica –esto va mucho más allá del trap, afortunadamente– sobre las bases de su inseparable productor, Boixy, está a la altura de sus melodías excelentes, inmediatas, que podrían ser la envidia de muchas divas pop, nacionales o foráneas. Así, no sorprende que temas como ‘Niñxs Malxs‘, ‘Massocka‘, ‘A tomar x culo‘ o la reciente y potentísima ‘Tempo’ cuenten de manera orgánica con cientos de miles de reproducciones tanto en plataformas de streaming como en Youtube –también hay que señalar la imaginación con la que ella y el realizador Víctor Insomnia suplen los limitados presupuestos para sus vídeos–. Solo queda esperar a que la descubra la persona adecuada y sepa encauzar su desbordante talento.
RomeroMartín
Tras Rosalía, Niño de Elche, María José Llergo, Califato 3/4 o Rodrigo Cuevas, el nuevo eslabón del encuentro entre folclore y electrónica puede venir del tándem RomeroMartín. Es la unión de Álvaro Romero, un cantaor del Puerto de Santa María al que le interesa tanto Laurent Garnier como Pericón de Cádiz, y Toni Martín, productor de música electrónica con el que Romero conectó de inmediato. Tras ofrecer un sonado primer recital en la pasada Monkey Week, se anuncia la próxima publicación de un disco de ocho canciones cuyo primer adelanto es ‘Que sí, que no’, versión de un tema de Benito Moreno y Gualberto –iconos de la modernidad sevillana de los 70– que popularizó Remedios Amaya. «Siempre que iba a casa de un amigo de la infancia sus padres tenían puesto el disco ‘Luna gitana’ de Remedios Amaya», explica Álvaro sobre el porqué de esta elección. «Cada vez que sonaba la canción que hemos versionado me producía una fuerte emoción. Coincidió que era la primera vez que me enamoraba. Tenía como 9 años y había un chico en clase que me gustaba mucho, me tenía loco y sufría porque no me hacía caso. No entendía por qué no se podía enamorar de mí hasta que entendí que no se podía enamorar de otro chico. De ahí que esa canción sea tan especial para mí y haya decidido reinterpretarla, además de que muero con Remedios Amaya. Me emociona y es de verdad, y para mí la verdad va ligada a la honestidad». Aunque sólo hayan publicado este tema, parece suficiente para barruntar que su unión dará mucho que hablar en los próximos meses: sin ir más lejos, el 20 de febrero se presenta en la Sala El Sol de Madrid con artistas de sensibilidades próximas como Le Parody y Bronquio. Confiemos en que sea sólo un principio de algo duradero y emocionante.
Alicia Keys ha anunciado nueva gira mundial, que recaerá en España el próximo verano. La autora de ‘Fallin’ actuará en WiZink Center de Madrid el sábado 4 de julio y en el Palau Sant Jordi de Barcelona el martes 7 de julio. La venta general de entradas está programada para el día 27 de enero a partir de las 10 horas.
La gira tiene su razón de ser, la cual no es otra que el lanzamiento del nuevo álbum de Alicia Keys, ‘ALICIA’, que llegará el día 20 de marzo 4 años después de ‘HERE‘. La cantante, que presentará la próxima gala de los premios Grammy, ha dado a conocer recientemente un nuevo single del álbum de sonido y mensaje optimistas llamado ‘Underdog’. Es el tercero tras la llegada de ‘Show Me Love’ con Miguel y ‘Time Machine’.
Aunque la gira de Alicia estará centrada en ‘ALICIA’, la nota de prensa indica que también contará con «todos sus clásicos desde ‘No One’, a ‘If I Ain’t Got You’ pasando por ‘Girl on Fire’, en una experiencia sensorial y multi-media». El concierto será, en palabras de la nota, «una meditación sobre el amor y la vida, una auténtica celebración llena de una energía magnética que solo la música en vivo es capaz de crear».
La lista de singles española sigue liderada por ‘Tusa’ de Karol G y Nicki Minaj, y de hecho la única noticia que deja todo el top 10 esta semana es la entrada, precisamente en esta posición, de ‘Morado’, el nuevo single con título de color de J Balvin. Volviendo a ‘Tusa’, ojo: Bad Bunny ha confirmado su presencia en un inminente remix de la canción.
Más interesante aún es la irrupción en la tabla, en el número 77, de ‘The Box’, el hit de Roddy Ricch. Tras viralizarse en TikTok, esta canción que no había sido single de su disco ‘Excuse Me for Being Antisocial’ ha alcanzado el número 1 de Estados Unidos, anteponiéndose a ‘Yummy’ de Justin Bieber; pero además es top 2 en el chart global de Spotify acercándose a las reproducciones diarias de ‘Dance Monkey’ de Tones & I (en torno a las 7 millones). El joven rapero de Atlanta ya había sido número 1 con su mencionado debut, que contiene colaboraciones con Ty Dolla $ign o Gunna.
¿Qué hay del resto de entradas? ‘Muévelo’, la nueva colaboración de Nicky Jam y Daddy Yankee que samplea un hit de los 90, entra en el número 15, ‘Yelo’ de C. Tangana y Alizzz en el número 27 y ‘Rare’ de Selena Gomez -que es top 1 de streaming en España y top 3 de ventas– en el número 60. Además, Future y Drake son número 79 con ‘Life is Good’ tras el estreno de su videoclip; Feid y Justin Quiles número 93 con ‘Porfa’ y Myke Towers número 97 con ‘Rutina’.
Selena Gomez es top 3 de ventas en España con ‘Rare‘, por lo que mejora el dato de su disco anterior, ‘Revival‘, que fue top 6. En este caso, Gomez no ha podido ni con ‘En tus planes’ de David Bisbal, que se mantiene en el top 1, ni con ‘Tributo a Sabina’, que se mantiene en el top 2. Sin embargo, ‘Rare’ sí ha sido el disco más escuchado de la última semana en España, y es por tanto top 1 en la tabla de streaming. ‘Rare’ será con bastante probabilidad número 1 en Estados Unidos, pero en Reino Unido se ha tenido que conformar con el número 2. Sí ha debutado en la primera posición de Australia, Argentina, Bélgica, Canadá, Escocia y Noruega, y también ha sido número 2 en Países Bajos, República Checa y Nueva Zelanda.
En el número 10, el director de orquesta letón Andris Nelsons firma la segunda entrada de la semana en la tabla de ventas con su ‘Concierto de Año 2020’. Es la última entrada en todo el top 10, pues para encontrar la siguiente hay que bajar hasta el número 76, donde aparece la banda de rock sinfónico Apocalyptica con su nuevo trabajo, ‘Cell-0’. Después, otros rockeros, Rage, son top 80 con ‘Wings of Rage’ y Fangoria entran en el 96 con su vieja recopilación de remezclas ‘El infierno son los demás’, editada originalmente en 2001.
Ya en streaming, Cruz Cafuné es top 4 con su nueva mixtape ‘Moonlight922’ tras haber triunfado a lo grande con Don Patricio en ‘Contando lunares’; Suu es top 52 con ‘Ventura’ y Roddy Ricch top 93 con su segundo trabajo ‘Please Excuse Me for Being Antisocial’. Ricch es autor del hit ‘The Box’, actual número 1 de singles en Estados Unidos tras viralizarse en TikTok.
Tras meses años dando que hablar, al fin María José Llergo ha anunciado la publicación de su esperado álbum debut. Se titula ‘Sanación’ y cuenta con un espectacular portadón en el que la artista cordobesa posa en un estudio junto a un caballo blanco. «Se trata de la primera evidencia tangible de lo que ha supuesto para mí sanarme. De la vida y sus caprichos. Intentar hacer belleza del dolor, y canalizarlo siempre buscando una luz que todo el mundo tiene en su interior, dejándola brillar, con su pureza, su libertad y su propia verdad» explicaba días atrás Llergo sobre el título del disco y su contenido en Instagram.
Se edita el 31 de enero a través de Sony Music, y al ponerse en pre-venta el pasado viernes, liberó otra de las canciones del álbum. Se trata de ‘El hombre las mil lunas‘, que aunque se adentra en el flamenco tradicional con la percusión y las guitarras, amplia la paleta estilística con arreglos de teclados que procura Carlos Rivera Pinto, productor del disco bajo su alias Lost Twin. Es parte de la esencia experimental que contiene ‘Sanación’ y que convive en él con interpretaciones más cercanas al folclore más ortodoxo como ‘Nana de los rosales’ o la espectacular ‘Nana del Mediterráneo‘.
No es, en todo caso, el corte más audaz de este trabajo. Porque, en sintonía con el primer adelanto ‘Me miras pero no me ves‘, en las últimas semanas de 2019 Llergo mostraba ‘El péndulo’, una canción que iba un paso más allá en esa parcela: aunque en una rítmica de 3/4, el dúo prescinde del todo de instrumentos tradicionales para entregarse completamente a la electrónica. Una electrónica próxima en lo estético al trip hop y que, en su empleo, acerca a Llergo a otras artistas que fusionan contemporaneidad con folclore como Sevdaliza, Ibeyi, Björk y hasta FKA twigs. Además en su coda final brillan, junto a la grandiosa voz de la de Pozoblanco, unos espectaculares arreglos orquestales. La guinda la pone un espectacular vídeo dirigido por Ángel Pastrana (Bejo), lleno de simbología en torno a una letra algo abstracta que refleja desconfianza, miedo y dolor. María José Llergo forma parte del cartel de Bilbao BBK Live 2020, pero antes, el próximo 14 de febrero, presentará de forma oficial ‘Sanación’ en L’Auditori de Barcelona.
Se puede decir que los Premios Odeón, entregados ayer, no han decepcionado, en tanto que simplemente escenifican quiénes son los artistas más radiados/escuchados/vendedores de la industria musical mainstream española. Un paripé que el periodista musical de El País Fernando Navarro ha calificado en su crónica de la gala como «mirarse el ombligo». En seguida Vega, artista de pasado multinacional y desde hace algunos años independiente –primero autoeditándose y luego compartiendo la edición y promoción con el sello Subterfuge– ha refrendado la opinión de ese artículo e incluso ha ido un paso más allá.
Porque, para la artista cordobesa el «mirarse el ombligo» es un mal endémico de la industria que no solo afecta al mundo mainstream, aludiendo directamente a los Premios MIN, que desde hace más de 10 años entrega la UFI, Unión de Fonográficas Independientes de España: «No veo diferencia entre Odeón y UFI, más allá de la repercusión mediática y como siempre de los recursos». Vega ha puesto como ejemplo a Amaral que, autoeditando sus trabajos desde hace algunos años, nunca han sido premiados en los MIN. También ha aseverado que «lo de Manuel» –Carrasco, premio Odeón a la Mejor gira– «es irrefutable».
Esto ha provocado diferentes reacciones de distintos actores del sector, desde el periodista y presentados Arturo Paniagua, que piensa que hay mucha distancia entre ambos, o la presidenta de UFI, Carla Varona, que respondía que «unos premian las ventas únicamente y los otros la calidad, la diversidad, la creatividad», confiando en verla en la entrega de premios del 1 de marzo. La también periodista Wilma Lorenzo, en cambio, daba parte de razón a la artista, ya que entiende que los MIN deja «fuera a artistas de multis que tampoco tendrían cabida en los premios de ayer».
Vega, que publicaba en 2018 su último disco de estudio, ‘La reina pez‘, es también conocida por no esconder sus opiniones, por controvertidas que puedan resultar. La penúltima, por ejemplo, fue cuando criticó ‘Con altura’ de Rosalía –precisamente premiada como Mejor vídeo en los Odeón–. «Es infumable», aseveró. También fue notorio cuando dio la cara por una usuaria de Twitter que estaba sufriendo acoso.
Bienvenidos a una industria donde mirarse el ombligo esta por encima de todo. Por eso, hasta los premios estan sesgados, premios para un industria sin gremio. No veo diferencia entre Odeón y UFI, más allá de la repercusión mediática y como siempre de los recuersos… https://t.co/QWaLL2RjgV
Los ganadores de unos y de otros, son los de unos y otros Arturo. O es que Amaral no merece con Discos Antartida no habtenido ningun disco merecedor de ningun premio MIN? O quizás son demasiado mainstream. O quizás en los MIN le iban a dar a Manuel Carrasco la mejor gira?
Lo de Manuel es irrefutable, les guste o no no hay otro artista español con esas cifras respaldas por el publico no por agedi ni por los ufi. No he dicho ninguna mentira, cada uno respalda los suyos a su manera. A mi los premios honestamente me importan un cuerno.
Si?… cuantos premios MIN tienen Amaral con Antártida discos (sello independiente)….? cada uno premia los suyos. Unos premios con mas de 50 nominados por el público…. No tengo nada en contra de ninguno. Ni de unos ni de los otros, solo que trabajan para si mismos por igual.
Carla te respeto profundamente. Lo sabes. Pero bueno, si te sirve de algo, como artista independiente, no los siento así. Cualquier cosa q se acerce a lo q ellos entienden por mainstream por muy independiente que sean y calidad q tengan los trabajos presentados ni se consideran.
Tras varias pistas dejadas en Instagram, Youtube o en la misma calle mediante pósters publicitarios, Hayley Williams de Paramore ha anunciado oficialmente lo que era un secreto a voces: la llegada de su primer disco en solitario. ‘PETALS FOR ARMOR’ sale el 8 de mayo.
Tras una década dedicada a la franquicia James Bond y habiendo dirigido una de las películas más prestigiosas de la saga (‘Spectre’), Sam Mendes regresa a un guion original con ‘1917’. La cinta nos sitúa en ese mismo año, en mitad de la Primera Guerra Mundial, donde a dos jóvenes soldados británicos se les encarga la misión de atravesar el territorio enemigo para hacer llegar un mensaje y así evitar un ataque que se llevará la vida de cientos de soldados. La propuesta del director es realizar una experiencia física e inmersiva, transportando al espectador al campo de batalla. Para llevar esto a cabo, Mendes plantea la película como si fuese un único plano-secuencia (que realmente no lo es, al igual que en ‘
SanSan completa la programación de su próxima edición, que tendrá lugar los días 9, 10 y 11 de abril en Benicàssim. Os recordamos que son cabezas de cartel del «primer festival del año» Bombay Bicycle Club, autores de nuestro «Disco de la Semana», ‘
El 31 de enero llega a Netflix, tras su proyección en Sundance, ‘Miss Americana’, la película documental de Taylor Swift. En ella, la autora de ‘
Camellos es una de esas bandas de punk españolas que ha logrado despuntar gracias a sus deslenguadas letras e infalibles ganchos. Si su debut ‘Embajadores’ prometía gracias a temas tan certeros como ‘Gilipollas’, su segundo disco, ‘
Stephen Malkmus de Pavement ha anunciado nuevo disco en solitario. ‘Traditional Techniques’ sale el 6 de marzo y es un trabajo de «folk de la nueva era para gente de la nueva era», un «álbum aventurero» pero también «familiar» compuesto por «arreglos hechos a mano, folclore moderno y 10 canciones escritas e interpretadas en la singular voz» de su autor. 
The Associated Press 
Vicente Navarro continúa con la promoción de su primer disco, ‘
BTS han vuelto tras un parón de varios meses con toda la artillería pesada. Primero han anunciado que su nuevo disco, ‘MAP OF THE SOUL: 7’, sale el 21 de febrero, y ahora han anunciado una extensa gira mundial para presentarlo que pasará por primera vez por España. En concreto, los surcoreanos actuarán los días 17 y 18 de julio en el Estadio Olímpico Lluis Companys. Las entradas se pondrán a la venta próximamente según Live Nation.
Bombay Bicycle Club no han perdido a sus fans a lo largo de estos 6 años de parón en los que hasta se han separado sin comunicarlo oficialmente. Según las midweeks británicas, ‘
La histeria en torno a un nuevo single de Lady Gaga ha vuelto a invadir redes sociales y foros de música pop, con ciertos usuarios buscando una confirmación definitiva de la canción incluso dentro del código fuente de la página web de la artista (y la han encontrado, el título de la canción ha llegado a aparecer en dicho código para luego desaparecer). ‘Stupid Love’ lleva meses filtrándose en trocitos, de hecho es noticia al menos desde el pasado mes de agosto; y esta noche la canción ha llegado a la red al completo en buena calidad mientras Gaga sigue sin confirmar ni desmentir que se trate del primer single oficial de su próximo disco. La fecha de lanzamiento oficial de ‘Stupid Love’ sigue sin confirmarse pero sería el viernes 7 de febrero 
of Montreal llegan a su 16º disco con energía y ganas de cuestionar el mundo de hoy, y el talento para ofrecer singles que pueden situarse entre lo mejor de su larguísima carrera. Muy lejos de los recovecos casi inasumibles de ‘
Dcode celebra este año su décima edición, pues como recordaréis nació en 2011, y lo hace volviendo a sus intenciones iniciales de contar con dos jornadas, que serán naturalmente viernes y sábado, en concreto las de los días 11 y 12 de septiembre de 2020. La organización recuerda que en este tiempo han sumado 200.000 asistencias, contando con más de 150 artistas.
Se va poniendo muy interesante el cartel de 
Pearl Jam acaban de presentar al mundo el primer single de 
Jack Bisonte han logrado ser lo más votado de JENESAISPOP con el vídeo estrenado en este mismo site, con el que el dúo muestra su devoción por Lana del Rey, Dua Lipa (hasta ahora número 1 de la lista, por cierto), Tracy Chapman, y sobre todo France Gall. La canción ha conseguido hacer 20.000 plays en Spotify en 10 días sin el apoyo de ni una sola de las playlists “mágicas” de la plataforma sueca. También entran en el top 40 lo nuevo de Delaporte, Halsey, y C. Tangana. Nos despedimos de ‘Alocao’, ‘Narcissus’ y ‘You Ain’t the Problem’, ya con 10 o más semanas en lista y en la mitad baja de la tabla. Podéis escuchar 
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«A la espera de ver qué sucede con la canción, se desconoce si ‘Blinding Lights’ será incluida en un próximo álbum de The Weeknd o quedará en publirreportaje». 
Anoche se celebró la primera edición de los Premios Odeón, creados para galardonar lo más vendido y escuchado de la industria. La gala fue televisada 
Alicia Keys ha anunciado nueva gira mundial, que recaerá en España el próximo verano. La autora de ‘Fallin’ actuará en WiZink Center de Madrid el sábado 4 de julio y en el Palau Sant Jordi de Barcelona el martes 7 de julio. La venta general de entradas está programada para el día 27 de enero a partir de las 10 horas.
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Selena Gomez es top 3 de ventas en España con ‘
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Se puede decir que los 