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¿Puede ‘Universo’, al menos, salvar los muebles para España en Eurovisión?

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Parte de la redacción evalúa ‘Universo’, la canción con la que Blas Cantó representará a España en Eurovisión:

«En su caza de algo pegadizo y que se recuerde de manera instantánea, como ha de ser en Eurovisión, los diversos autores de ‘Universo’ se han olvidado de hacer una buena canción. Todo suena forzado y obligado en este tema que Blas Cantó -siempre tan majete por otro lado- escribió «en un momento de [su] vida en el que probablemente, en un acto de cobardía, no [alzó su] voz». Le acompañan en las tareas de co-autoría y producción nombres como Dan Hammond (Carlos Sadness), su colaborador habitual Dangelo Ortega, Maciej Mikolaj Trybulec (canción checa de Eurovisión 2019) y Ashley Hicklin (canción lituana de Eurovisión 2019). Todo ello para sonar a una mezcla de ‘Lo malo’ y cualquier canción en la playlist de tu emisora favorita… en 2017, y además cursi. Voy a ponerme ‘Soldi'». Sebas E. Alonso.

«2020 tampoco será el año en que España gane Eurovisión. No con este hit de laboratorio armado a lo Frankenstein con cuerdas ufanas, ritmos tropicales y un estribillo a coro tipo Coldplay que no puede sonar más desesperado… y aún apegado al mito de la supuesta «canción eurovisiva». Lo único bueno en todo esto es la interpretación vocal de Blas Cantó, que canta maravillosamente, y él mismo se encarga de estropearla cuando lleva el tema a su clímax con un falsete rompecristales que nadie necesitaba. Y si «perdóname, perdóname, uni-universo» no es uno de los peores ganchos melódicos que se han hecho en los últimos tiempos, no sé qué puede ser». Jordi Bardají

«La década de los 2010 no fue especialmente buena en cuanto a la calidad de las canciones representantes de España en Eurovisión (exceptuando ‘Quédate conmigo’, ‘Dancing in the Rain’ y, pese a su posición, ‘Say Yay!’). Así que me ha extrañado que las reacciones ante ‘Universo’, la primera de esta nueva década, hayan sido tan negativas: vale que no es ninguna de las tres mencionadas, pero tampoco es un ‘Do It for Your Lover’, ‘Contigo hasta el final’ o ni siquiera ‘Amanecer’. Me parece que el tema es correcto para lo que se pretende, que no es ganar, sino quedar en una posición medio-decente. ‘Universo’ tiene los ingredientes adecuados para ello: en el año en que el lema es «Open Up», Blas Cantó lamenta haber estado escondido y no haber alzado la voz ante ciertos asuntos (el trasfondo parece obvio), pero también tiene un toque autoafirmativo al alegrarse de que ya sí es capaz de hacerlo. Todo esto con su tropical pop, que no falte, y su punto épico, aprovechando la habilidad de Cantó para los agudos. No es maravillosa, pero venimos de una diabetes y de «lo que ereh»: esto puede, al menos, salvar los muebles». Pablo N. Tocino.

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El zasca de Ellie Goulding al cantante de The 1975

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Siempre es interesante escuchar hablar a Matthew Healy de The 1975 pues suele ser bastante deslenguado y crítico con el indie y los prejuicios de la prensa musical. Ligeramente traumatizado, incluye frases de «haters» como fondo en sus conciertos. Sin embargo, esta vez parece haber metido la pata.

En entrevista con Beat Magazine se ha venido arriba y hablando, con mucha razón por otro lado, de que la gente «ya no compra discos» y de que el éxito es «salir en una playlist de pop», ha tenido la mala idea de poner como ejemplo a Ellie Goulding, indicando que hoy en día se habla más de «estilos de vida» que de álbumes. «La gente escucha a Ellie Goulding en el gimnasio o se la pone en playlists», ha dicho aparentemente con cierto desprecio (¿o será envidia?).

Como recoge el NME, Ellie Goulding ha contestado a través de su Stories recordando a Matthew que tiene «3 discos multiplatino», diciendo algo así como: «Tengo 3 discos multiplatino, así que creo que la gente ha invertido bastante en mí, pero venga, vale». Ellie se refiere al gran éxito de sus dos primeros álbumes, ‘Lights’ y ‘Halcyon’, que fueron ciertamente multiplatino en Reino Unido, despachando más de un millón de copias en todo el mundo. En cuanto al multiplatino de ‘Delirium’, es cierto que hay que irse a Polonia y Noruega para buscarlo, puesto que “solo” fue platino en Reino Unido; pero en cualquier caso, está claro que Ellie es más una artista de álbumes de lo que Matthew (y mucha gente) cree.

En cuanto a The 1975, su primer disco fue doble platino en Reino Unido, el segundo platino y el tercero disco de oro. El cuarto de ambos artistas, está en camino.

J Balvin busca igualar el éxito de ‘Vibras’ con ‘Colores’, disponible el mes que viene

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El «no poder parar de crear» de J Balvin no se ciñe a singles propios y colaboraciones con gente como Black Eyed Peas, con quien ahora arrasa merecidamente o no con el tema ‘Ritmo’. El artista colombiano sigue enganchado al estudio de grabación y estos días culmina el que será su tercer disco en menos de 2 años: ‘Vibras‘ salía a mediados de 2018 y ‘Oasis’ con Bad Bunny a mediados del año pasado.

Rolling Stone informa de que el nuevo disco de J Balvin recibe el nombre de ‘Colores’ y estará disponible en el mercado tan pronto como el próximo mes, en marzo. A nadie va a terminar de sorprender la noticia, pues estaba bastante claro que J Balvin manejaba un disco conceptual sobre colores tras haber lanzado los sencillos ‘Blanco’ y ‘Morado’, que no han repetido el éxito de ‘Mi gente’ pero no están funcionando nada mal: ambos siguen estables en el top 100 del global de Spotify y en el top 10 oficial en España: en nuestro país ‘Morado’ sube estos días al puesto 4 y ‘Blanco’ baja al puesto 8 en su décima semana.

La revista americana informa de que del artwork de colores se encargará Takashi Murakami y que a los mandos de la producción estará tan solo un productor, Sky. Parece, por tanto, que J Balvin busca claramente un sentido unitario, quizá inspirado por ‘El mal querer’ de su amiga Rosalía, que acaba de dejarle sin Grammy al mejor disco de urban latino, al que aspiraba con el notable ‘Oasis’.

‘Guilty Conscience’ de 070 Shake es una dura denuncia de la masculinidad tóxica con un precioso envoltorio

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Este sábado 1 de febrero en la Sala Apolo será la segunda vez en un año que 070 Shake actúe en Barcelona, después de que formara parte del cartel del Primavera Sound 2019, dejando una magnífica impresión. Ahora lo hace con su debut bajo el brazo, un ‘Modus Vivendi‘ producido y publicado después de su aventura en el equipo de Kanye West para aquellos discos que publicó en 2018 y que muestra a una artista mucho más ambiciosa y abierta a otros géneros de lo que apuntaban sus primeros singles y EP.

Una de las mejores muestras de esa apertura de miras y voluntad de acaparar nuevos públicos es ‘Guilty Conscience’, último de los avances presentados antes de la publicación del disco y, para mí, su mejor canción hasta la fecha. Musicalmente, contrapone unos sintetizadores retro –casi parece una BSO de John Hughes– con una base de hip hop bastante potente, al más puro estilo del The Weeknd de ‘Starboy’. A diferencia de la mayoría del disco, en el que han intervenido Mike Dean y Dave Hamelin (The Stills), está producida por Myles William, reconocido beatmaker del mundo del rap en cuyo currículo destaca su participación en ‘Freedom’ de Beyoncé y ‘Like Home’ de Eminem.

Sin embargo, lo más destacado de ‘Guilty Conscience’ es la preciosa línea vocal de Danielle Balbuena –como siempre, envuelta en filtros–, especialmente su brillante estribillo. De manera curiosa, los créditos de la canción ceden parte de la autoría a Ben E. King, Jerry Leiber y Mike Stoler, intérprete y productores respectivamente del clásico por antonomasia ‘Stand By Me‘. La razón no es en realidad ningún sampler, sino la similitud/homenaje de la primera frase del segundo verso –ese «No, I won’t let you stay»–. Quizá no es demasiado evidente ni, al no superar apenas 2 segundos, hubiera sido constitutivo de falta. Pero 070 Shake y su equipo parecen haber preferido curarse en salud.

Una de las cosas más chocantes de ‘Guilty Conscience’ es que su precioso envoltorio musical contrasta con una letra en la que el narrador confirma las sospechas de infidelidad expuestas en ‘The Pines’. «Eran las 5AM cuando entré, no podía creer lo que vi: tú sobre el cuerpo de otro. / Fantasmas del pasado vinieron a acecharme / te pillé pero tú a mí no / Estaba sentado aquí esperando al karma /por ahí va mi conciencia culpable», dice su estribillo explícitamente. Ese texto podría narrar una experiencia personal de Balbuena, pero no necesariamente. Porque, según señala su vídeo oficial, en este tema 070 Shake pretende denunciar cómo la masculinidad más tóxica terminan pesando sobre toda la sociedad.

Así lo expone Dani Moon (otro alias) en un texto que puede leerse al comienzo del violento clip dirigido por Lauren Dunn y protagonizado por ella misma: «Aunque no soy un chico, quería interpretar a un chico roto, cómo maneja la tristeza cuando no se le permite llorar. Desde pequeño, un chico debe crear una coraza que le proteja de sus propias emociones. Pero cuando ese caparazón se resquebraja, crea una intensa (sic) cantidad de vulnerabilidad. Cuando el chico debe reponer la coraza con acciones que hagan parecer que nunca se rompió, él repone esa protección con ego, deseo y orgullo».

Lo mejor del mes:

Fat White Family / Serfs Up

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Han pasado nueve meses desde que Fat White Family publicaran su tercer disco ‘Serfs Up’, pero el desarrollo de su gira hispano-francesa en los próximos días –2 de febrero, Sala Atabal de Biarritz; 6 de febrero, Sala But de Madrid; 7 de febrero, La Rambleta de Valencia; y 8 de febrero, Sala Apolo de Barcelona– es una excusa tan buena como cualquier otra para recuperarlo. Sobre todo porque, más allá de que Sleaford Mods definan al septeto como «un grupo de versiones de Moby», es un gran disco, el mejor de los tres que han publicado hasta la fecha.

Y es que el kraut rock abrasivo de ‘Songs of Our Mother’ y el ruidismo destartalado de ‘Champagne Holocaust’, como un reflejo de sus caóticos directos, dieron lugar a discos excesivamente irregulares. Algo que no sucede –o no tanto– con este ‘Serfs Up’, que ha supuesto el enésimo cambio de formación del grupo de los hermanos Saoudi y Saul Adamczewski y, sobre todo, su alejamiento de las drogas duras y su espiral autodestructiva –básicamente, mudándose de Londres a Sheffield–. Esto parece haber supuesto que el grupo haya ampliado su paleta sonora a estilos antes insospechados o que, si emergían, lo hacían tan emponzoñados que resultaban irreconocibles y no demasiado atractivos.

Así, por ejemplo, el corte que abre el álbum, ‘Feet‘, lo hace con los ecos de kraut y after-punk que siempre estaban presentes en su anterior entrega, pero a la vez con una insospechada introducción de arreglos y patrones de música disco que resultan realmente frescos. El bajo funk que preside ‘Fringe Runner’, las guitarras glam de ‘Tastes Good With the Money‘, el boogie electrónico de ‘When I Leave‘ o los suntuosos coros y arreglos de cuerda en la casi reggae ‘Rock Fishes’ son otros de esos singulares aditivos.

En ese tránsito hay momentos de embeleso alucinógeno, como ‘Oh Sebastian’ o ‘Vagina Dentata’, si bien cuando se pasan de narcotizados resultan casi desasosegantes –’Kim’s Sunsets’, ‘Bobby’s Boyfriend’. Aunque eso no resulta tan incómodo como unas letras algo vacuas que, con sus citas a Woody Allen, Gigi Hadid o versos como «Bobby’s boyfriend is a prostitute», parecen buscar la misma provocación gratuita y supuestamente cómica de ese título-homenaje a los Beach Boys. Pero lo importante de ‘Serfs Up’ es que, aludiendo de una forma muy libre a iconos como Leonard Cohen, Marc Bolan, Lee Hazlewood, Bryan Ferry o Alan Vega, la singularidad de Fat White Family se aleja de ser una moda y se alinea con la necesaria saga de bichos raros británicos en la que se incluyen The Beta Band, Baxter Dury o Super Furry Animals.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Feet’, ‘Tastes Good With the Money’, ‘I Believe In Something Better’, ‘Fringe Runner’, ‘Rock Fishes’
Te gustará si te gustan: The Beta Band, Baxter Dury, Super Furry Animals
Escúchalo: Spotify.

Nicki Minaj se pasa por la colorida oficina de Meghan Trainor en homenaje a ‘Armas de mujer’

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Meghan Trainor ha publicado este viernes su nuevo disco, que recibe el nombre de ‘Treat Myself’. El disco venía presentado por singles como ‘No Excuses’ y ‘Wave’, que han pasado desapercibidos: lo máximo que ha logrado alguno de ellos -en concreto el primero- es un top 46 en Estados Unidos y un top 70 en Reino Unido.

El nuevo intento de Meghan para dar notoriedad a su álbum es un número de urban llamado ‘Nice to Meet Ya’ en el que la artista invitada es la otrora omnipresente Nicki Minaj, últimamente más callada de lo normal.

El vídeo de ‘Nice to Meet Ya’ se sitúa en una oficina con más colorines que una tienda de gominolas, y aunque en un primer momento parece que la “jefa”, en concreto “the boss bitch”, no ha tenido tiempo de pasarse por el set, hay buenas noticias al final. El videoclip ha sido dirigido por Matthew Cullen (Katy Perry, Black Eyed Peas, Weezer) a partir de una idea de Meghan Trainor, y como informa Rolling Stone, está abiertamente inspirado en la mítica ‘Armas de mujer’ (1988), puesto que es una de las películas favoritas de Meghan. Todo ello a pesar de que cuando la peli se estrenó, faltaban 5 años para que naciera. Publicaremos nuestra crítica de ‘Treat Myself’ mañana domingo.

Pet Shop Boys mantienen su gafe en las listas británicas y se quedan sin top 1

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Duele comprobar que Pet Shop Boys, con 14 discos a sus espaldas -unos mejores y otros peores, pero todos interesantes– y varios recopilatorios, han sido número 1 una única vez en la lista de álbumes británica. Aunque lograron el triple platino con su segundo álbum ‘Actually’ (1987) y el doble platino con ‘Introspective’ (su mejor disco para nuestra redacción), el único álbum que ha sido capaz de liderar las listas fue ‘Very’ en 1993, animado por la buena acogida de ‘Can You Forgive Her?’ y ‘Go West’, y de los discos anteriores.

La historia se repite ahora, cuando su nuevo álbum ‘Hotspot’ ha perdido el top 1 a lo largo de la semana. Pet Shop Boys comenzaban liderando la tabla tras haber vendido 12.500 unidades durante el fin de semana, más de 3.000 por encima del número 2. Sin embargo, gracias al streaming -y a la calidad de su álbum-, J Hus finalmente les ha adelantado de lunes a jueves y de hecho ‘Hotspot’ ha tenido que conformarse con la tercera plaza, también por detrás de ‘Music to Be Murdered By’ de Eminem.

Como curiosidad, de las 16.768 copias vendidas por ‘Hotspot’ en Reino Unido, 11.744 han sido CD’s, 2.146 han sido descargas tipo iTunes, 1.773 han sido vinilos, 407 han sido cassettes y únicamente 698 han sido puntos de streaming. La buena noticia es que la OCC confirma que este es el 14º top 10 del dúo en Reino Unido, es decir, van 14 de 14.

¿Qué impidió a algunos de sus discos más célebres ser número 1? ‘Actually’ fue top 2 por detrás de ‘Bad’ de Michael Jackson, ‘Introspective’ fue top 2 por detrás de ‘Rattle and Hum’ de U2 y ‘Behaviour’ fue top 2 por detrás de ’The Rhythm of the Saints’ de Paul Simon. Os dejamos con el vídeo de ‘Monkey Business’, una fiesta de marineros y drags en la que no falta el propio dúo. Pet Shop Boys actúan en Mallorca Live y Bilbao BBK Live.

Ginebras: «Es triste que haya tan pocas bandas de mujeres»

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Ginebras han logrado consolidarse como banda revelación gracias a lo que suele ser habitual en estos casos: la consecución de un hit con identidad propia. En ese sentido ‘La típica canción’, aue anticipaba su primer EP, es prácticamente un himno generacional que defiende la diversidad de gustos. Magüi, Sandra, Raquel y Juls no paran de tocar en directo («tenemos mono de tocar todo el rato») y su próxima cita es en el Lovesick Club de hoy sábado 1 de febrero en Razzmatazz, Barcelona. Aguarda una larga gira de conciertos, entre los que ya se conocen estas fechas: el 8 de febrero en Zaragoza, el día 15 en Valencia, y el 22 en Murcia. El 14 de marzo estarán en A Coruña, y el 25 de abril en Granada. Entre los festivales que ya se han apuntado el tanto de contar con ellas, están el Low, el Mallorca Live y el Cooltural de Almería.

En los últimos meses habéis dado bastantes conciertos, tocando en Madrid cada muy poquitas semanas, ¿qué balance hacéis de los 4 últimos meses?
Está siendo todo una locura. Nos encanta tocar en directo porque nos lo pasamos como enanas en el escenario y si el feedback es positivo, como el que estamos teniendo, ¿qué más podemos pedir? ¡Tenemos mono de tocar todo el rato!
 
¿Algún momento en particular que para vosotras haya supuesto un punto de inflexión?
Tomar la decisión de con qué agencia/discográfica irnos fue bastante clave, luego Vanana y Golden nos lo pusieron muy fácil y todo salió rodado. Aunque si tenemos que destacar un momento de estos últimos meses, destacaríamos el concierto en la Maravillas el 7 de noviembre. El público de aquel día lo vamos a tener grabado en la retina de por vida.

Habéis caído en gracia en 3 playlists clave de Spotify, ¿estas cosas sirven realmente para llenar conciertos o la gente las usa como música de fondo?
Yo siempre creo que esas listas son para dos tipos de personas: para los que les gusta mucho un género y les da igual lo que les pongas que van a disfrutarlas; y para los que tienen ansia de descubrir música nueva todo el rato. Y ya nos han venido varios de este segundo grupo diciendo que nos han descubierto gracias a playlist como «Radar Indie» o «Todo Indie», así que ¡GRACIAS, SPOTIFY!
 
¿Qué canciones o grupos podrían haber cabido en ‘La típica canción’ pero no pudo ser por espacio, métrica o rima?
Lo grupos que salen salieron solos porque estamos hablando de nuestros amigos y son sus gustos de verdad. Y respecto a la métrica o rima ya iréis comprobando que no es nuestro fuerte, preferimos centrarnos en el contenido que en la forma. Pero trabajaremos duro para mejorarlo.
 
El vídeo ha quedado muy simpático, ¿qué anécdota podéis contar de su rodaje? ¿Por ejemplo, cómo es que Alberto de Miss Caffeina se prestó a colaborar?
Pues por ejemplo que la escena final de ‘Jurassic Park’ la grabamos a las 8 de la mañana y Sandra en lugar de fingir que se bebía un trago de ginebra lo hizo de verdad, y tuvimos que hacer unas cuantas tomas, imagínate… Y lo de Alberto fue que los directores del videoclip, los de Villa Valencia, lo conocían de otro rodaje, y al ver que nuestra letra nombraba a un Alberto y justo este amigo nuestro no podía venir al rodaje, nos lo propusieron, ¡¡menudo sustituto!! Jajaja. Nosotras desgraciadamente no lo pudimos conocer en el rodaje, nos dio mucha pena, pero más tarde hemos coincidido con él y es lo más.

 
Después de las versiones de Bad Bunny de Parrots o de Cariño de C. Tangana, ¿lo de versionar una canción de urban por parte de un grupo más bien rock, es tendencia, una moda, o algo que está aquí ya para quedarse para siempre porque ya está todo conectado?
Lo que creemos nosotras es que es una manera muy divertida de hacer versiones, lo que es coger algo que no tiene nada que ver con nuestro rollo pero que se lleva y llevárnoslo a nuestro terreno. Además cada vez los géneros se fusionan más, seguro que esto va a más… No es “copiarse” o “unirse a la moda” creo que lo hemos hecho varixs porque mola simplemente.
 
En vuestra lista de influencias del presskit hay tanto grupos de chicos (Oasis) como chicas (Little Mix) como mixtos (ABBA). ¿Estáis sintiendo cierto machismo por ser comparadas sobre todo con otros grupos de chicas, os parece normal por las voces o estáis siendo comparadas con un poco de todo, realmente?
A ver, la comparación es inevitable, porque es lo que le nace a todo el mundo cuando descubre un grupo nuevo, nuestro cerebro tiende a buscar parecidos a cosas que nos resultan familiares. Lo que es triste es que haya tan pocas bandas de mujeres en relación a las que hay de hombres, que nos comparan con otros grupos de tías sólo por eso, por ser tías, aunque no tengamos nada que ver, pero bueno, tampoco nos molesta, simplemente que ojalá que esto en un futuro no pase, y que nosotras hayamos aportado un granito de arena a ello. Y si nos comparan con bandas que admiramos, pues ni tan mal.
 

«Cada vez los géneros se fusionan más, y seguro que esto va a más»

Recientemente hemos tenido que cambiar el nombre de la batería de una noticia, ¿por qué hay tanta movilidad en el underground español?
Bueno pues supongo que ahora mismo hay tanta escena y tanta gente que toca que es inevitable que haya este movimiento. Además, es súper difícil conseguir que encajen todas las personas que conforman una banda, que se encuentren en un mismo momento y que se puedan comprometer, es como cualquier otro tipo de relación…
 
Estáis confirmadas en un montón de festis, ¿qué os emociona más, llegar a estos espacios tan grandes y famosos como el Low o esta gira de salas?
A ver… siempre hemos dicho que queremos hacer música que haga saltar y bailar. Entonces, eso intentamos hacer en ambos sitios. Pero somos muy festivaleras, es decir antes de estas confirmaciones a todas nos ha flipado ir a algún festival y estar ahora confirmadas en festivales a los cuales o hemos ido o hemos deseado ir de público y poder tocar en ellos es una gozada y encima compartir escenario con músicos tan guays. Pero que también vienen muy bien las salitas, el calor del público pegado a ti y el buen underground que nos gusta.

«Lo mejor de todo es que ninguna somos muy aficionadas a la ginebra, somos muy cerveceras»

¿Coincidís en la marca de Ginebra favorita? ¿Qué haríais si sois, yo qué sé, de Seagram’s o Tanqueray, y Larios os patrocina una gira?
Lo mejor de todo es que ninguna somos muy aficionadas a la ginebra, somos muy cerveceras. Sí que hemos probado las tres, pero nuestro paladar no se decanta por ninguna, lo importante es que haga su función, jajaja. Igualmente todo patrocinador es bien recibido, hay pocas cosas que no nos gusten.
 
Precisamente Tanqueray ha salido en un montón de letras: Amy Winehouse, 2Pac, Madonna… ¿creéis que surge de manera natural o es product placement?
Nosotras también nombramos muchas marcas, personas de moda, cosas virales, en fin, referencias que nos salen solas. No sé si detrás de esos artistas existe algo más allá, pero desde luego a nosotras nos sale solo el nombrar todas estas referencias, si nos pagasen, seríamos ricas.
 
¿Qué será lo siguiente? ¿Canción suelta, EP o disco ya a la vista?Solo decir que este año ya hemos pasado por el estudio de Pau Paredes, nuestro productor y escucharemos cosas prontito. Se nos va mucho la lengua todo el rato, sobre todo por redes sociales, ahora solo queda esperar a que alguna de nosotras la líe y filtre algo. Jajaja.

¿Podemos esperar grandes giros de sonido en cuanto a producción o lo que hemos oído en ’10:36′ por el momento define bastante vuestro estilo?
No, no, de momento seguiremos con nuestra esencia ginebril. Pero alguna que otra sorpresa inesperada os llevaréis.

Escucha lo nuevo de Destroyer, María José Llergo, Caribou, Kesha, Single, Morrissey, Mon Laferte, Incubus…

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La primera semana de febrero de 2020 está marcada en el plano comercial –en teoría, al menos– por la publicación de los nuevos álbumes de Kesha, Meghan Trainor y el ex-One Direction Louis Tomlinson, sumados –sobre todo en el mercado estadounidense– a un álbum sorpresa publicado por Lil Wayne. En un ámbito más alternativo (e interesante para algunos de nosotros/vosotros), los lanzamientos más significativos de la semana serían el nuevo álbum de Dan Bejar como Destroyer y el EP debut de María José Llergo, además de los nuevos discos de Dan Deacon, Blossoms, Torres, Poliça, Drive-By Truckers, Squarepusher y Ben Watt, además de EPs de Wild Nothing y Nicola Cruz. En el mundo alternativo español, se han publicado discos de Polock, Izaro, Los Mejillones Tigre, Ecoband, María Laín y Sienna.

Hemos comenzado el día descubriendo el nuevo single con aspiraciones de hit de Dua Lipa, a los que se suman nuevos temas de Incubus, Morrissey, Daddy Yankee & Sech, DMA’s, Hayley Williams, Noel Gallagher’s High Flying Birds, Single, Greg Dulli, Monterrosa, The New Raemon, H.E.R., Little Dragon, Ilegales, Monarchy, Amber Mark, Víctor Coyote, Allie X, Niños Mutantes, Anna Calvi ft. Courtney Barnett, Hard GZ, Mow, Yung Beef, Lisasinson, Chico Blanco, Rumer, Trepàt, DAWN, Declan McKenna y muchos más.

No faltan el tema con el que Blas Cantó representará a España en Eurovisión y descartes/inéditos de los últimos y fantásticos trabajos de Kate Tempest y Tyler, the Creator. Además, hoy se publica un álbum en directo y acústico de Mon Laferte, una canción exclusiva para el documental de Taylor Swift que hoy estrena Netflix y otro tema para la BSO de la película del Universo DC ‘Birds of PRey’ –en este caso, un tema de Saweetie & GALXARA–.

Y por último, no olvidamos los temas que en los últimos días han venido presentando Gorillaz, Justin Bieber, Triángulo de Amor Bizarro, Demi Lovato, Hidrogenesse o Austra.

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En diagonal: ‘High Road’ de Kesha divide en primera instancia a sus seguidores

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‘High Road’, lo nuevo de Kesha, llega al mercado tres semanas más tarde de lo previsto y sin que ninguno de sus singles de presentación, de la gran apuesta de ‘Raising Hell’ a la baladita con Brian Wilson y Sturgill Simpson ‘Resentment’, hayan hecho demasiado ruido.

En primera escucha, el disco co-producido sobre todo por Stint, Stuart Crichton y Drew Pearson, es un compendio de influencias mostrando los diferentes lados de Kesha excepto quizá el más punky. Hay alguna guitarra que podríamos decir influida por Red Hot Chili Peppers, pero la canción ‘Honey’ es un medio tiempo más cercano al R&B de TLC o Lauryn Hill. Hay baladitas intensas como ‘Shadow’, temas al ukelele como ‘Cowboy Blues’, y también retazos urban como ‘Kinky’, en la estela de ‘Fancy’; así como canciones destartaladas y circenses como su propio título, como es el caso de ‘Potato Song’. Llaman especialmente la atención ‘Birthday Suit’, a medio camino entre Lily Allen y el J-Pop gracias a ese sonido Nintendo; y ‘BFF’, una cucada con Wrabel (que parece Adam Levine), en la que ella canta sobre los nervios pre-Grammys.

Pese a que el disco comienza su andadura en Metacritic por encima del 7 sobre 10, el álbum no parece estar entusiasmando al público demasiado de primeras. Hay en nuestro foro de Kesha quien se niega a oírlo, también quien lo defiende y quien lo critica. Victornoe opina: “High Road terminó siendo mejor de lo que esperaba. El title track, Shadow, Honey y Cowboy Blues es una GRAN secuencia. Luego decae hasta que aparece Potato Song, que es Rich White Straight Men 2.0′. En el lado contrario tenemos a Apoarttc: “No he podido ni terminarlo. Me ha parecido un coñazo y se me estaba haciendo larguísimo. Todo lo rescatable que tiene ya lo hizo mucho mejor en el Rainbow, que al final le quedó un disco bien chulo. Esto no hay por dónde cogerlo».

En Popjustice también hay opiniones en ambos extremos. Hay quien afirma «The Potato Song me lo está dando todo», otro usuario dice «Kinky describe mi relación actual así que dejadme pasar la introducción y disfrutar un poquito». Tiene cierta gracia el comentario que dice que «mucho de esto suena como un disco de Macklemore de 2014», y algo menos de imaginación quien concluye «las primeras 5 canciones son basura». Entre quejas sobre más y más canciones sobre «haters», hay quien reprocha: «¿os estáis obligando a que no os gusten las canciones para tener algo que escribir? ¿como un complejo periodístico o algo así? Personalmente me ha llevado 3 escuchas entrar en él». Y quien equilibra: «¿es una obra maestra? No ¿Es un disco divertido y alegre, con corazón y canciones decentes en él?». Sí».

Tracey Thorn se reconcilia con Madonna, que cancela 3 de sus 15 conciertos en Londres

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Tracey Thorn ha escrito una crónica de la gira de ‘Madame X’ de Madonna, que actualmente puede verse en Londres, en la que aprovecha para repasar el modo en que su opinión sobre ella ha cambiado con los años. La crónica empieza recordando la caída de Madonna en los Brits de 2015 y lo rápidamente que la artista resolvió la situación, a lo que Thorn añade: «yo misma me caí hace poco de una escalera y, mientras permanecía tirada, encogida en posición fetal y cagándome en todo, la imagen de Madonna me vino a la mente».

La autora de ‘Record‘ relata que hubo un tiempo en que no le gustaba «totalmente» Madonna por varias razones. Cita su sexualidad, que le llegó a fascinar y a aterrar a partes iguales sobre todo en comparación con el «estilo indie puritano» de Everything But the Girl (ambas fueron compañeras de sello), que al lado de Madonna parecía «pasado de moda» y, de hecho, «puritano». Dice que, visto ahora, lo que sentía en realidad era «envidia» por la autora de ‘Like a Prayer’. Y también cita su voz, que antes no le encantaba pero que hoy considera un «gran instrumento capaz de brillar en los arreglos más densos, de dominar cualquier pista de baile y de destacar en cualquier radio». Con todo, Tracey ha terminado encontrando en Madonna a una «modelo a seguir» igual de «rebelde» y «determinada» que muchas de las artistas a las que sí admiraba abiertamente a finales de los años 70, iconos como Patti Smith o Siouxie Sioux a las que ella llama sus «heroínas punk de pelo oscuro».

Sobre el concierto de ‘Madame X’, Thorn escribe que es una «especie de musical art-pop del West End» que le recuerda a las «películas y videoclips pop dirigidos por Derek Jarman». En este sentido, afirma que el concierto «no teme ser grandioso, o incluso pretencioso, porque sabe que el mejor pop es lo suficientemente fuerte como para aguantar el peso de ambas cosas sin caerse». En concreto destaca la «conmovedora» adaptación de ‘Frozen’ y la fuerte determinación de ‘Future’, cuya frase «no me digas que pare» ella interpreta dirigida a los hombres. Y en este sentido hace su apunte final Thorn, escribiendo que, con ‘Madame X’, ha vuelto a ver a Madonna «haciendo todo lo que las estrellas del pop masculinas hacen pero del revés, con tacones y mejor».

La gira de Madonna ha obtenido a su paso por Londres las 5 estrellas de NME, BBC, Attitude o The Telegraph, y las 4 del prestigioso crítico de The Guardian Alexis Petridis. Sin embargo, Madonna ha informado de la cancelación de algunos de los 15 shows debido a sus lesiones de rodilla y cadera, reconociendo que está recibiendo 3 horas de rehabilitación antes y después de cada show, y que está teniendo que adaptar el espectáculo. Tras cancelar el primero de los conciertos, caen los del 4 y el 11 de febrero para evitar que la cantante actúe 3 días consecutivos. Aguardan también otras 14 fechas en París, con 3 conciertos consecutivos entre los días 25 y 27 de febrero, con los que se desconoce qué pasará.

‘Diamantes en bruto (Uncut Gems)’: Adam Sandler brilla en esta gema de Netflix olvidada en los Oscar

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Los hermanos Ben y Joshua Safdie no han tenido mucha suerte con la distribución española de sus películas. No se ha estrenado ninguna en salas comerciales. La primera, ‘Go Get Some Rosemary’ (2009), se pudo ver en el festival de Gijón. Eran los tiempos del mumblecore, un movimiento que alumbró a algunos de los directores más interesantes de la actualidad: Barry Jenkins (‘Moonlight’, ‘El blues de Beale Street’), los hermanos Duplass (‘Cyrus’, ‘Togetherness’), Greta Gerwig (‘Lady Bird’, ‘Mujercitas’)… El propio Joshua Safdie debutó en solitario con uno de los mejores títulos de esta corriente: ‘The Pleasure of Being Robbed’ (2008), disponible en Filmin.

La segunda película que rodaron juntos, ‘Heaven Knows What’ (2014), se pudo ver en el festival de Sevilla, donde la protagonista, la ex toxicómana Arielle Holmes, ganó el premio a la mejor actriz. A pesar de que el filme fue nominado a la mayoría de los premios del cine independiente, tampoco esta vez se estrenó comercialmente (se puede ver también en Filmin). Con ‘Good Time’ (2017), los Safdie dieron un definitivo paso adelante. La película compitió en la sección oficial de Cannes, volvió a acumular nominaciones (Spirit, Gotham) y apareció en prestigiosas listas de lo mejor del año como la de Indiewire o Cahiers du Cinéma. Pero nada. Ni siquiera el protagonismo de Robert Pattinson consiguió que se estrenara en España. Al final, la película llegó a Netflix casi un año después y un poco de tapadillo.

Con ‘Diamantes en bruto’ ha vuelto a suceder. De nuevo la estrena Netflix. Pero esta vez de forma simultánea en todos los países y solo un mes después de su estreno en salas de Estados Unidos, al nivel de otros lanzamientos de la plataforma como ‘El irlandés’ o ‘Historia de un matrimonio’. Quizá el hecho de que la produzca Martin Scorsese (de quien los Safdie son alumnos aventajados), y la protagonicen Idina Menzel y, sobre todo, Adam Sandler -quien se ha convertido en la estrella de la plataforma con éxitos de público como ‘Criminales en el mar’ o ‘La peor semana’, y de crítica como ‘The Meyerowitz Stories’- ha tenido algo que ver con este estreno mucho más cuidado.

‘Diamantes en bruto’ sigue la estela estilística y narrativa de ‘Good Time’: un thriller vertiginoso, con toques de humor negro y apuntes de drama familiar (en este caso sobre las relaciones y rituales de una familia judía), protagonizado por un hombre en plena huida hacia el abismo. Sandler interpreta a un endeudado joyero neoyorquino que, como Harvey Keitel en ‘Teniente corrupto’ (Keitel fue la primera opción para interpretar este papel), intentará saldar sus deudas de juego subiendo la apuesta. Esto es: endeudándose aun más. Una trepidante carrera a “doble o nada”, llena de caídas, golpes y saltos mortales.

Los directores consiguen transmitir el estado de ánimo del protagonista -entre la euforia, el alivio y el ataque de pánico- por medio de una puesta en escena muy enérgica: planos cerrados, irrespirables; cámara y personajes en constante y frenético movimiento; y un uso de la música (de nuevo a cargo de Oneohtrix Point Never, quien ya ganó un premio en Cannes con ‘Good Time’) muy incisivo, con voluntad de subrayar el vértigo y la angustia existencial en la que vive inmerso el personaje. Una caligrafía visual con vocación documental enfatizada por la presencia de celebridades interpretándose a sí mismas, como el jugador de baloncesto Kevin Garnett o el músico The Weeknd.

Al igual que el protagonista camina por la cuerda floja, ‘Diamantes en bruto’ hace equilibrios entre el thriller, el drama y la comedia. Los Safdies realizan una apuesta arriesgada, incluida la elección del actor protagonista (aunque Sandler ya había demostrado su versatilidad en películas como ‘Punch-Drunk Love’, ‘Hazme reír’ o la mencionada ‘The Meyerowitz Stories’). Una apuesta que al final -¡y menudo final!- resulta ganadora. 8,5.

Kelis asegura que The Neptunes le debe todo el dinero de sus dos primeros discos

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Kelis, que vive apartada de la vida pública, concretamente en una granja remota de Los Ángeles junto a su marido y su hijo de 2 años, ha concedido una entrevista a The Guardian con motivo del 20 aniversario de su debut de 1999 ‘Kaleidoscope’. En ella, ha afirmado que The Neptunes le deben todo el dinero de sus dos primeros discos, que produjeron al completo.

Como es sabido, The Neptunes es el dúo de productores formado por Pharrell Williams y Chad Hugo. Y Kelis no tiene buenas palabras para ellos. Explica que los tres quedaron en dividirse entre tres el 100% de las ganancias de ‘Kaleidoscope’ y ‘Wonderland’, pero que al final no fue así y que The Neptunes, su equipo y sus abogados la «manipularon» aprovechándose de su juventud e inexperiencia para hacerle creer que estaba firmando un acuerdo justo. Kelis dice que firmó lo que le dijeron que debía firmar sin verificar las condiciones y que, por tanto, no ha visto un céntimo por esos discos en todo este tiempo. Sin embargo, indica que en aquel momento no le preocupó la situación porque ya ganaba bien gracias a las giras y «no ser pobre para mí era suficiente».

La intérprete de ‘Milkshake’ va tan lejos de afirmar que Pharrell le ha «robado todos los derechos» de sus dos primeros álbumes y que nunca volverá a trabajar con él, aunque indica que no se siente «resentida» por lo ocurrido. A lo largo de la entrevista, Kelis habla también sobre los maltratos de su ex pareja, Nas, a quien en 2018 acusó de haber abusado de ella «física y psicológicamente». Nas ha negado las acusaciones.

Peligra la continuidad de Mad Cool en Madrid, ciudad que anuncia nuevo festival de reggaetón

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La prensa generalista recoge hoy la noticia que Mad Cool estudia trasladar su festival a otra comunidad autónoma en 2021. La razón es la ampliación del recinto en que se celebra actualmente, el IFEMA, que será bastante importante, pues pretende sumar al espacio actual 50.000 metros cuadrados para exposiciones y reuniones, a lo que hay que añadir la posible construcción de dos pabellones, entre otras cosas.

Esta ampliación de recinto haría inviable la celebración de Mad Cool, que sufrirá por tercera vez un cambio de recinto en sus pocos años de historia: el festival arrancó en 2016 en Caja Mágica y después progresó hacia el Valdebebas – IFEMA, donde este año -del 8 al 11 de julio- volverá a celebrar una nueva edición con Taylor Swift y Billie Eilish entre las principales artistas confirmadas.

En palabras para El País, la organización de Mad Cool explica que ya ha establecido contacto con recintos de Castilla La Mancha y Andalucía pero añade que la intención principal es que el festival siga en Madrid: “La ampliación de Ifema nos obliga a salir de allí después de la edición 2020 y necesitamos un acuerdo global, con estabilidad en el tiempo, para trabajar con plenas garantías y conseguir que Mad Cool sea el gran festival de referencia que Madrid siempre había ansiado». Según la citada organización, Madrid ha propuesto a Mad Cool varios recintos, pero el festival no los está contemplando al ser “más pequeños, peor comunicados y sin buenos servicios”.

Mientras peligra la continuidad de Mad Cool en Madrid, otro festival ha nacido en la ciudad, en este caso de reggaetón y con Bad Bunny y Daddy Yankee como primeros artistas confirmados. Casualmente, Madrid Reggaetón Festival se celebrará en el IFEMA, en concreto el día 26 de junio, pero al aire libre.

De ‘Alocao’ a ‘Alucinao’: escucha la nueva canción derrite-cerebros de Nicolas Jaar con FKA twigs

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Nicolas Jaar ha anunciado un nuevo álbum firmado con el alias de Against All Logic, a través del cual, en 2018, entregó uno de los mejores discos de aquel año. El siguiente arranca donde terminó el anterior, se titula muy gráficamente ‘2017-2019’ y sale el próximo viernes 7 de febrero.

Pero antes, el productor y compositor chileno-estadounidense avanza este nuevo trabajo con un EP de 2 canciones a modo de aperitivo que NO formarán parte del disco per se. Y no son cualquier cosa. La destacada es la pista 2, que incluye la colaboración de FKA twigs (y de un segundo artista llamado Estado Unido) después que Jaar haya colaborado en ‘MAGDALENE‘, aunque no lo parezca pues la voz de la británica no puede estar más tratada en el mejor de los sentidos. De ‘Alocao’ pasamos en este caso a ‘Alucinao’, que suena como una perversión alucinante (valga la redundancia) de lo que suena como un ritmo de funk brasileño bañado en una bruma de ruido y distorsión. La canción dura 9 minutos nada menos y está diseñada para derretir cerebros.

La segunda es una colaboración con Lydia Lunch y es el tema experimental del EP donde ‘Alucinao’ es el hit, aunque su mezcla de ruido y percusiones orgánicas vuelve a ser totalmente sorprendente y exquisita. Se llama ‘Illusions of Shameless Abundance’. ¿Era este el sonido de 2020? Os recordamos que FKA twigs, autora del mejor disco de 2019 para JENESAISPOP, acaba de actuar en los premios Grammy.

2017 – 2019:
01 Fantasy
02 If Loving You Is Wrong
03 With an Addict
04 If You Can’t Do It Good, Do It Hard [ft. Lydia Lunch]
05 Alarm
06 Deeeeeeefers
07 Faith
08 Penny
09 You (Forever)

Taylor Swift busca un himno generacional en ‘Only the Young’, su canción más política

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Ya puede verse en Netflix ‘Miss Americana’, la película de Taylor Swift que documenta los años más recientes en su vida antes de la salida de su último disco, ‘Lover‘, el pasado mes de agosto; unos años marcados por la polémica y por el despertar político de la cantante.

Este despertar político ha dado lugar a una canción nueva de Swift que desde hoy también puede escucharse en las plataformas de streaming. Así, ‘Only the Young’ es probablemente su canción más política al referirse -aunque nunca de manera demasiado explícita- no solo a la política americana en general -su primer mensaje político público fue para apoyar a unos senadores demócratas de Tennessee- sino también a la plaga de tiroteos que acontecen frecuentemente en Estados Unidos de manera surrealista.

Con un marcado componente generacional también obvio en la parte musical de la canción, que puede recordar a los clásicos «rock anthems» de los 80, ‘Only the Young’ está dirigida a los jóvenes americanos desilusionados por la política actual. Sobre las elecciones, Swift canta: «el momento en que oísteis las noticias, gritasteis en vuestro interior, hicisteis todo lo que pudisteis hacer, el jugo estaba manipulado, el árbitro fue engañado, están equivocados pero se creen que están en lo cierto, os han superado esta vez». Y sobre los tiroteos: «vais a clase, aterrorizados, preguntándoos dónde os podríais esconder, y el gran hombre malo y su clan, sus manos están manchadas de rojo, y olvidan rápidamente». Al final, ‘Only the Young’ expresa un mensaje de esperanza: «ellos no nos van ayudar, tenemos que hacerlo nosotros, creen que esto ha terminado, pero solo acaba de empezar».

Die Antwoord, Bad Gyal, Juanes y C. Tangana, entre los confirmados de Río Babel 2020

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Río Babel desvela gran parte de la programación que reunirá los días 2, 3 y 4 de julio en el recinto de IFEMA en Madrid, tras haber dado a conocer una primera partida de nombres entre los que se encontraba el pionero Residente (ex Calle 13). Entre los artistas que se conocen hoy, destacan en letra grande los de Die Antwoord, Bad Gyal, C. Tangana y Juanes. De esta manera, Río Babel seguirá apostando por la música latina y urbana, lo que ha constituido su seña de identidad.

Juanes, El Kanka, Carlos Sadness, Perotá Chingó, Ciudad Jara y Cuatro Pesos de Propina abrirán el festival el jueves 2 de julio. C. Tangana, Bad Gyal, 2 Many DJ’s, Locoplaya, Wos, Louta y Rizha actuarán el viernes 3 de julio, «la jornada más urbana del festival». Ojo porque la nota advierte que C. Tangana presentará «nuevo disco», algo que pese a la multitud de singles lanzados por Puchito en los últimos tiempos, se desconocía. La de Bad Gyal se presenta como «única fecha en Madrid».

Por último, el sábado 4 de julio compartirán la cabeza de cartel Die Antwoord y el mencionado Residente, ambos con sus únicas fechas en Madrid. También actuarán Rayden, Seed, Caravan Palace, Chico Trujillo y Mr. Kilombo.

Desde la organización aseguran que en el plano logístico, el recinto estará «especialmente diseñado para evitar colas», contando con «parking propio para más de 15.000 vehículos y una excelente comunicación por transporte público». Habrá zona PREMIUM con zona ajardinada y palco propio. Más información, lógicamente en la web oficial.

Fuel Fandango / Origen

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El éxito de Fuel Fandango no se ciñe a lo artístico, también podemos decir que en cierta medida ha sido social, rozando lo didáctico: desde la música, el dúo formado por Alejandro Acosta y Cristina Manjón ha puesto su granito de arena en la ruptura de prejuicios. Una década después de su nacimiento -en 2019 celebraban sus 10 años en esto-, pueden tocar en festivales que no son precisamente de «fusión», ser celebrados como un precedente de Rosalía, y aparecer en medios donde «no encajaban». A nosotros mismos nos sacaban los colores hace unos meses preguntándonos por qué nunca antes los habíamos entrevistado.

‘Origen’ es la continuación del exitoso ‘Aurora‘. Cuatro años después la banda continúa apostando por ese feliz encuentro entre flamenco y electrónica que caracteriza su personal sonido, siendo ahora la principal novedad la ausencia de inglés o Spanglish. Como para celebrar la buena aceptación del castellano en las playlists de todo el mundo y la importancia de los mercados latinos, Cristina Manjón ahora canta exclusivamente en español, lo cual sienta fenomenal a la idiosincrasia de la banda. El Spanglish ocupa su espacio en el mercado, pero ahora que todo Dios se acerca a los ritmos latinos, ya quisieran muchos y muchas guiris poder cantar como Manjón a todos los niveles: acento, timbre, naturalidad, pasión, etcétera.

‘Despertaré’, primero con su gran riff de guitarra, después con su poderosos beats y su puente instrumental, constituye una de las mejores canciones de Fuel Fandango, si no la mejor. La melodía logra además transmitir perfectamente su sensación de peligro («me muevo, me muevo, me muevo / como una serpiente rodeando tu cuello») sin que se traicione su condición de canción de amor («quédate a vivir en mi ombligo»). La balanza de géneros está igualmente muy bien equilibrada en ‘Silencio’, que comienza como una composición bastante acústica, después se pasa algo al house, y termina en plan «flamenco»; y en ‘Despacio’. Escuchando atentamente el arranque de esta composición, unos se concentrarán en la guitarra flamenca de Rycardo Moreno (también salen en el disco Vicente Amigo y Dani de Morón); otros tan solo oirán esa base electrónica que asusta cual relámpago antes de la tormenta. Caben en medio todo tipo de modulaciones vocales y una percusión tribal en sintonía con el concepto del álbum.

Respecto a esto, llama la atención la unidad de los campos semánticos y las temáticas. El álbum recibe el nombre de ‘Origen’ porque «intenta volver al origen de las cosas», «mantener el contacto con la naturaleza» y por tanto ha buscado ritmos rotos y percusiones inspirados en la música africana porque «el origen de todo viene de África», y ese espíritu está realmente por todas partes en esta media hora larga de música, tan revitalizante. ‘Silencio’ se queja: «Todo va demasiado rápido / Yo necesito parar un momento». ‘Contra la pared’ trata de recuperar algo que se ha perdido y de echar fuera lo que nos perjudica («Un velo en mi cara no me deja ver / El brillo de mis ojos que solía tener»). ‘El bosque’ propone de manera más clara imposible «Mi corazón florecerá erguido sobre la hierba». E incluso ‘Despacio’, que parece de las más tristes (“Ya se tiñeron de pena las flores de mi jardín / Que se empapen otros labios del amor que no te di”) postula la partida de lo malo (“No quiero tener odio / No lo quiero dentro de mí / Que se transforme en pájaro negro / Y que vuele lejos, lejos de aquí»).

Entre canciones que no son lo que parecen, que evolucionan de la balada casi al drum’n’bass, como es el caso de ‘Por la vereda’; momentos tan bellos como ‘La grieta’ (alguien ha seguido empollando la discografía de Moloko, y en concreto el brutal ‘Statues’); y el mimo que ponen en vídeos, iconografía y edición física con esa tarjeta-planta; un nuevo álbum disfrutable y valiente de Fuel Fandango. ¿Quién si no ellos iba a ser capaz de comenzar un disco con un estribillo que insiste en repetir una palabra tan inelegante, tan de meme, como «parranda»?

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Despertaré’, ‘Huracán de flores’, ‘Contra la pared’, ‘Despacio’
Te gustará si te gustan: Moloko, Pastora, Delaporte, Joe Crepúsculo
Escúchalo: el mejor tema en Youtube

‘Smiley Face’: lo que Duck Sauce tenían guardado para reventar festivales en 2020

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Desde que vimos a Duck Sauce en el cartel de Coachella, intuíamos que traían algo gordo bajo el brazo. Y así ha sido. El dúo conocido por el viral ‘Barbra Streisand’, que tiene más streamings en Spotify que cualquier canción de Barbra Streisand -aunque por poco-, está de regreso con ‘Smiley Face’. Un tema que han promocionado con la imagen de un montón de patos y un irresistible vinilo coloreado con la portada del sencillo.

Y con esta ya son tres las canciones que el combo formado por A-Trak y Armand Van Helden tiene subidas en las plataformas de streaming oficiales (Aplausos), pues por alguna razón su disco ‘Quack’ de 2014 ha desaparecido del mapa.

En cualquier caso, estamos ante un pelotazo lleno de energía de inspiración dance variada, lo cual va del soul al disco pasando por el funky, y con ciertos guiños estéticos al big beat: de alguna manera podría haber aparecido por las sabrosas cocteleras de Basement Jaxx o en las de Fatboy Slim. Falta por ver si el público seguirá estando aquí para ellos, pues ha pasado la friolera de 6 años desde que se editara el mencionado ‘Quack’, toda una eternidad en la industria musical del siglo XXI.

Tame Impala cantan en una boda: ¿esto es un «Sugar» o un «Relato salvaje»?

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Poco a poco se va acercando la fecha del lanzamiento del nuevo disco de Tame Impala, ‘The Slow Rush’, en el mercado el próximo Día de San Valentín, y sin opciones de ser número 1 en ningún sitio debido a la coincidencia con la salida del regreso de Justin Bieber.

Después de compartir canciones como ‘Borderline’, ‘It Might Be Time‘ y ‘Posthumous Forgiveness‘, el proyecto de Kevin Parker ha subido el vídeo para el tema que estrenaban hace unas semanas, con bastante buena acogida, ‘Lost In Yesterday’. Del vídeo se ha encargado Terri Timely y se adecua a la perfección a las ambiciones psicodélicas de la banda.

Y es que, situado en una boda, con Tame Impala como banda a cargo del entretenimiento de los invitados, esto podría haber sido una reinterpretación arty en plano secuencia del icónico vídeo de ‘Sugar’ de Maroon 5. Aquel que cambió por enésima vez la carrera de los de Adam Levine. Pero no. Tame Impala no podían quedarse en eso y, además de presentar una estética retro completamente distinta, incluye un sabroso «plot twist» que nos acerca más a uno de los ‘Relatos salvajes’ que hicieron de aquella película de Damián Szifron toda una obra maestra de nuestro tiempo.

Llega «Miguel Bosé, la serie»: el artista lo contará todo mientras culmina su ‘Autobiografía’

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Después del éxito de la serie sobre Luis Miguel, Movistar Plus prepara otra sobre la vida de otro Miguel, Miguel Bosé. Así informa en exclusiva y en inglés el portal Variety, quizá desconociendo que en los 80 ambos Migueles se habrían fusionado en algún que otro meme (de haber existido los mismos).

Shine Iberia, Elefantec Global y Legacy Rock se han unido para desarrollar una serie de corte dramático en la que está involucrado el mismo artista y que se promocionará no solamente en España sino también en Latinoamérica. Miguel Bosé está colaborando con los guionistas mientras escribe su “Autobiografía” como complemento a la serie.

La nota de Variety recuerda que Bosé ha vendido 40 millones de discos y ha trabajado con Almodóvar en ‘Tacones lejanos’, así como su carácter camaleónico desde sus inicios para público “teenager” hasta su reinvención adulta. Además, si bien siempre ha querido mantener su vida en privado, aquí se ha abierto por completo: “Miguel Bosé nunca ha dado entrevistas, salvo para promocionar sus últimos discos. El hecho de que haya decidido contar todo, a que otros lo hagan por él, porque es el momento de hacerlo, hace esta historia tan especial”, ha dicho Macarena Rey de Shine Iberia.

La serie cubrirá la vida de Miguel Bosé desde su infancia “atormentada y hermética”, hasta la actualidad, a lo largo de 3 temporadas de 8 episodios cada una. La primera será su infancia rodeada de celebridades amigas de Lucía Bosé y Luis Miguel Dominguín hasta “su transformación en la primera actuación de Florida Park”. La segunda será su crecimiento artístico y personal en Londres, Francia, Italia, España y México; y la tercera, su «boom como artista». La productora espera que la serie sea de manera coyuntural un repaso “a la historia de la música en España de las últimas décadas”.

La Canción del Día: Dua Lipa estrena el vídeo de su nuevo pelotazo, ‘Physical’

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Dua Lipa presenta el segundo single oficial de su nuevo disco, ‘Future Nostalgia’, a la venta el mes de abril. Tras triunfar con ‘Don’t Start Now’ y entregar el «buzz single» que se titulaba como el largo, es el momento de conocer ‘Physical’.

Se trata de una trepidante canción que de nuevo se inspira en el sonido de principios de los 80, pero esta vez no para emular las guitarras y cuerdas de Chic ni las producciones que estos hicieron para otra gente (Sister Sledge, Diana Ross, etcétera). Avanzamos unos años para entregarnos a algo más HI-NRG y cinético, eso que tanto le gusta a The Weeknd desde ‘Can’t Feel My Face’ y sobre todo ‘Starboy’. La propia Dua apuntaba a ‘Flashdance’ como influencia. El tema suena también un poquito a Lady Gaga, lo que quiere decir que recuerda a los Bon Jovi de ‘Runaway’, pero la producción de Jason Evigan y KOZ no es tan deliberadamente bruta: tiene la elegancia que buscaban The Killers junto a Stuart Price, lo que nos lleva también a New Order y Joy Division, presentes en el elegantísimo teclado del tema, bastante new-wave.

¿Nada de esto es demasiado Olivia Newton-John, verdad? Lo cierto es que sí parece haber un guiño en la expresión “let’s get physical”, mientras la letra es un juego sexual con frases como “¿quién necesita dormir cuando te tengo al lado?” y un doble sentido político (“all night, I’ll riot with you”). El vídeo, obra de CANADA y estrenado esta tarde, juega con los colores, la coreografía y los espacios, incluyendo planos animados.

Al margen de que ‘Physical’ sea número 1 o no, parece que se avecina una era muy querida por los seguidores de la música pop, huérfanos de trallazos directos y accesibles en la era del medio tiempo de corte trap o latino ideado para las plataformas de streaming.

Lo mejor del mes:

10 fotos que no debiste perderte: Lizzo, Dua Lipa, M.I.A., Putochinomaricón…

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Vuelve nuestra sección 10 fotos que no debiste perderte, dedicada a mostrar fotos y vídeos de nuestros artistas favoritos en las redes sociales que te gustará ver (o recordar, si ya las has visto). En esta nueva edición, Lizzo saca absolutamente de todo de su famoso minibolso, Dua Lipa se convierte en la pirada que te cuenta su vida en el super, la explicación de M.I.A. a su condecoración por la corona británica, la pegatina que salvó a Javier Mena de un desastre… y más.

El meneíto de Elon Musk

Elon Musk debe ser el millonario más excéntrico sobre la faz de Estados Unidos, con permiso de Donald Trump. El CEO de Tesla se arrancó a bailar –de manera bastante bochornosa, hay que decirlo– en un evento de su compañía, y el avezado Diplo y sus colegas de Mad Decent se apresuraron a tomar el vídeo para promocionar uno de los singles del sello. El resultado es realmente fascinante. A todo esto, también puede que la evidente alegría de Musk tenga que ver con la más que posible maternidad de su novia, Grimes.

La pegatina que ha salvado a Javiera Mena

Días atrás Javiera Mena denunciaba desconsolada que alguien había robado sus cosas de un autobús en la ciudad chilena de Coquimbo. Entre ellas, un portátil en el que, explicó, tenía dos años de trabajo, incluidas canciones recientes que conformarían su próximo disco tras ‘Espejo’. Tuvo a bien publicar una foto de sí misma con el ordenador, marcado con una pegatina que reza «Por favor, lea poesía», y fue esa pegatina lo que precisamente ayudó a identificar y recuperar el equipo informático, como contó días después. ¡Vaya milagro!

Miley es Dolly

Mientras Dolly Parton vive una inusitada reivindicación por diversas causas, días atrás celebraba su 74 cumpleaños. Y una de las que la felicitó de una manera más curiosa fue su ahijada, Miley Cyrus. Miley acudió al programa de Jimmy Fallon ese día para emularla en una de sus actuaciones más míticas, ‘Hold Me’ a dúo con Kenny Rogers. Fallon hizo de este, mientras que Cyrus se caracterizó como su «tía Dolly», con todos sus atributos característicos, como mostró en estas imágenes de su camerino.

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Happy Birthday Aunt Dolly!!!!! ( . ) ( . ) @dollyparton

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M.I.A. acepta la Orden del Imperio británico

Si por algo es conocida M.I.A. aparte de por sus canciones, es por su espíritu contestatario y su posicionamiento político, no precisamente conservador. Por eso sorprendió a muchos aceptando recoger la Orden del Imperio Británico, una de las más destacadas condecoraciones de la corona británica, e incluso ha recibido críticas de alguien tan conocido como Jonny Pierce de The Drums. M.I.A. ha aclarado que solo aceptó por honrar a su madre, que fue una de las mujeres que cosía precisamente esas medallas a mano –por un salario exiguo, añade–. Pero que continuará luchando por los derechos de los más desfavorecidos. Unas ideas que heredó de su padre que, por cierto, habría fallecido semanas atrás.

La pequeña Lola Indigo amaba a Mónica Naranjo

Un clásico de cualquier Navidad es volver a casa de tus padres e indagar en antiguas fotos o cintas de VHS. Así es como, suponemos, encontraría Mimi Doblas este documento impagable: una pequeña y adorable Lola Indigo montándose su propia coreografía mientras sonaba de fondo ‘Las campanas del amor’ de Mónica Naranjo. La mismísima Pantera de Figueres acudía al vídeo para comentar que la veía más de ‘Pantera en libertad’.

La mejor invasión de escenario a Putochinomaricón

Haces unas semanas veíamos a Chenta Tsai subiéndose al escenario de su ídola, Charli XCX. Curiosamente, días atrás le pasaba a él algo similar: pinchando en un escenario callejero ‘HDA’ de Las Bistecs, una chica sube a las tablas para botar con la canción. El paso de la cara de estupor inicial de PCM –quizá pensando que le agredían o se la liaban– a la de quedarse loco al comprobar que era la mismísima Carla Moreno del ya desaparecido dúo es oro puro.

Reunión de cowboys en los Grammy

Lo creamos o no, el look cowboy es ahora mismo tendencia… al menos en lo que al mundo del pop se refiere. En la pasada ceremonia de los Grammy pudimos ver al triunfante –ganó dos premios– Lil Nas X con su atuendo de vaquero queer, acompañado del más ortodoxo Billy Ray Cyrus. Y allí, encima y debajo del escenario, se reunieron con Diplo, otro al que venimos viendo vestido de cowboy actualizado día sí y día también. Y, para coronar el póquer, se toparon en la alfombra roja con otro neo-vaquero, Orville Peck, este con su permanente máscara de flecos. La foto, sin duda, es impagable. ¡Yeehaaaa!

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I'm gonna tell my kids this was Lynyrd Skynyrd

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Cardi who?

Y ya que hablamos de ¿moda?, de esta inenarrable guisa se paseó Cardi B por París: un vestido largo cubierto de abalorios metálicos coronado con un pasamontañas a juego y una boina roja, combinando con su imposible manicura. Vamos, que casi sería imposible identificarla, hasta que, claro, empieza a cacarear con su característico tono. El paseíllo por el pasillo coronado con un graznido es… inenarrable, mejor verlo.

Vuelve el minibolso de Lizzo

El ya famosísimo minibolso de Lizzo ha vuelto. Y lo hace para un vídeo que la artista hizo para su canal de Tik Tok y que también ha subido al resto de sus redes. En él muestra que el complemento que tanto dio que hablar en la alfombra roja de los pasados premios AMA no es tan ridículo como parece. De hecho, dentro de él cabe puto todo.

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YALL WANNA KNOW WHATS IN MY TINY BAG BITCH? 😏

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«Primero, no le cojas el teléfono»

Terminamos este repaso a uno (varios, en realidad) de los vídeos más cachondos de los últimos tiempos. Dua Lipa se prestó a protagonizar una broma de cámara oculta parta el programa de Ellen Degeneres: vestida de calle, con gafas y una peluca, Dua se paseaba por una superficie comercial declamando las letras de ‘One Kiss’ o ‘New Rules’ a los viandantes, pareciendo todamente una auténtica pirada. Las reacciones de la gente son absoluto amor.

Ya en las plataformas de streaming ‘Ruptura’, que NO es el nuevo single de Triángulo

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Triángulo de Amor Bizarro han estrenado ‘Ruptura’, primer adelanto de su nuevo disco. Lo han hecho en el programa de Ángel Carmona. La canción ya está en las plataformas de streaming tras haberse podido escuchar en el correspondiente podcast de Radio 3.

El primer avance de este trabajo, que NO es el single oficial según palabras del propio Carmona, es un tema abrasivo, realmente arrollador, con sintetizadores un poco Suicide y también un poco Merzbow, además de guitarras bastante duras, que puede recordar en general al trabajo de Fuck Buttons o de grupos de rock electrónico del estilo. La letra dice poco más que «no me arrepiento de nada» y «no quiero nada de ti» mientras la voz principal está pasada por un filtro de distorsión espectral. Si la banda se hace llamar a sí misma «picadora de ruido incomprensible» esta canción le hace honor en el buen sentido.

El pasado mes de octubre, Triángulo hablaban sobre la grabación de este disco, que sucederá al excelente ‘Salve discordia‘ (10/10 para JENESAISPOP) y para el que han vuelto a trabajar con el productor Carlos Hernández. Decían que se compone de «las canciones que más nos representan de todas las que hemos hecho». Y añadían: «Más allá del alcance, del reconocimiento, del éxito o del fracaso, de que sea el mejor o el peor de nuestros discos, de las reproducciones o los likes, estas canciones reflejan lo que somos, son lo que somos, lo que sentimos y lo que nos importa, lo que amamos y lo que odiamos. Estas canciones son, más que nunca, nosotros. Este disco representa la causa y el porqué de nuestra dedicación a esto».