Kanye West mea sobre un Grammy en una nueva retahíla de tuits

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16 septiembre, 2020

Eels dan hoy todos los detalles sobre su nuevo álbum ‘Earth To Dora’, que conocerá ediciones tan espectaculares como las que desde ya pueden reservarse en su página. El disco que sucede a ‘The Deconstruction‘ se ha grabado en el estudio de EELS, Los Feliz, en California y ha sido producido por supuesto por el líder de la banda Mark Oliver Everett, también conocido como E, y siempre recordado por la autoría del biográfico ‘Cosas que los nietos deberían saber‘.

Según la nota de prensa de PIAS España, E comenta sobre este álbum: «Estas canciones llegaron justo antes de que la pandemia golpease y lo cambiase todo. Espero que puedan ser un tipo de bálsamo o algo parecido… Escuchar las canciones mientras soñamos con cosas que queremos recuperar. Solo uno de los temas se terminó en los primeros días de la pandemia, ‘Are We Alright Again’, una canción que supone una ensoñación en un día de cuarentena que necesitaba tener desesperadamente».

Esta es ni más ni menos que el single que conocemos hoy y que es el más pop de los tres que llevamos hasta la fecha. ¿La clave? Ese arreglo de cuerda sintetizada que se repite casi tantas veces como el de ‘Viva la Vida’ y que ciertamente parece suponer un rayo de esperanza entre la pregunta retórica del estribillo y la de «do you wanna get high?» de la segunda estrofa. La canción anhela «estar bien», un regreso a la normalidad, más que esta pobre niña británica.

Desde hoy sabemos que el nuevo álbum de Eels sale el 30 de octubre y también incluirá canciones reveladas recientemente como la balada a la guitarra eléctrica marca de la casa ‘Who You Say You Are’ y otro tema llamado ‘Baby Let’s Make It Real’ de corte pop-rock, a piano. En el listado de las nuevas canciones de Eels a nadie le va a pasar desapercibido, para bien o para mal, que hay una canción que recibe el nombre de ‘Are You Fucking Your Ex’.

El NME publica hoy una entrevista con el artista en la que explica que la «Dora» del título del álbum es una «vieja amiga» que solía ser «técnica de sonido» de la banda, revelando que algunas de las letras del disco proceden de mensajes suyos de móvil. Negando que este sea un álbum sobre una relación, enseguida aclara que muchas de las historias del disco son reales, pero que otras también son inventadas. «Lo he arreglado de manera que pueda ser escuchado como el curso de una relación concreta, pero en realidad viene de diferentes fuentes».

1.-Anything For Boo
2.-Are We Alright Again
3.-Who You Say You Are
4.-Earth to Dora
5.-Dark and Dramatic
6.-Are You Fucking Your Ex
7.-The Gentle Souls
8.-Of Unsent Letters
9.-I Got Hurt
10.-OK
11.-Baby Let’s Make It Real
12.-Waking Up

Baja la venta de vinilos en 2020 y en España todavía no supera al CD

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16 septiembre, 2020

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En días recientes hemos leído en la prensa internacional cómo el vinilo ha logrado por primera vez superar las ventas de los CD’s. Ha sucedido en Estados Unidos, donde de los 376 millones de dólares ingresados por el mercado físico, el 62% se corresponde con ventas en vinilo. Es la primera vez desde los años 80 que se da la vuelta a la tortilla y el CD deja de ser el formato predominante. Da la impresión de que es una buena noticia, parece querer decir que todo va viento en popa y que la gente es cada vez más melómana y entregada al formato fetiche por excelencia. Pero eso no es exactamente lo que está sucediendo. En España el vinilo no ha llegado tan lejos, de hecho sus ventas han bajado por la covid-19, según el informe que publicaba también hace unos días Promusicae, y del que podemos extraer las siguientes 6 conclusiones.

El mercado físico se hunde un 45%

El cierre de las tiendas físicas por la pandemia no ha hecho sino afianzar una tendencia que ya conocíamos: el mercado físico se hunde. Este año lo hace incluso por encima de previsiones, pues ve caer ingresos hasta en un 45%. Las ventas de álbumes en vinilo se contrajeron en un modesto 8%, desde los 7,8 millones del semestre inicial de 2019 a los 7,2 millones de 2020. Sin embargo, la contracción en las ventas de CD es la gran mala noticia: se pasa de 24,2 millones de ingresos a 10,6 millones: se trata de un desplome de casi un 57%. En pocas palabras, el CD agoniza.

El vinilo baja también, pero ya tiene un 40% de share

Que nadie se quede con la copla de que la venta de vinilos va viento en popa, porque no es cierto. Como decíamos en el punto anterior, la venta de vinilos ha caído un 8% en 2020. Lo que sucede es que el CD ha caído de manera mucho más drástica, por lo cual el porcentaje de mercado del vinilo sube hasta ser un 40% de las ventas físicas. El CD sigue líder con el 58% de la cuota, si bien cabe imaginar que pronto haya «sorpasso» del vinilo, como ha sucedido en Estados Unidos. Como curiosidad, el vídeo y los 7″ completan con el 1,3 y el 0,5 por ciento de share, respectivamente. La nota de prensa ni siquiera menciona el cassette, que si acaso se vende en lugares que no computan, como webs oficiales, Bandcamps, etcétera.

El streaming, verdadero rey: 88% de share

Mientras la prensa se entretiene titulando cosas como «el vinilo recupera su trono», el único rey de todo esto es el formato streaming, que genera el 88% de los ingresos totales obtenidos. Es el streaming el que no baja, sino que ha conseguido ver aumentados sus ingresos en 2020, manteniendo en vivo a la industria musical, al menos a las grandes compañías. Los ingresos del mercado digital de la música consiguieron dar en España un estirón del 19%, al pasar de 106,9 a 127,1 millones de euros. Como veis se multiplica por más de 10 lo que aportan CD’s (11 millones) y vinilos (7 millones). Eso sí, las descargas digitales siguen registrando caídas (del 11 y del 20%, respectivamente) y se sitúan en valores que a duras penas merece la pena mencionar.

Subida generalizada de un 4%

Sumando todo esto, si en el primer semestre de 2019 se ingresaron 139,5 millones de euros, este año han sido 145,1 millones: la subida es del 4% para la industria de música grabada, en general. En relación al streaming de audio, las suscripciones crecen en un 17% (de 77,1 millones en 2019 a 90,2 en 2020), y la gratuita y financiada mediante inserciones publicitarias se dispara por encima de los 55,7 puntos porcentuales: de 10,3 millones a 16,1. Se llama a la prudencia respecto a esto último porque cabe prever que con la crisis de la publicidad que vivimos, estos últimos ingresos se reduzcan en el segundo semestre. Como siempre, es importante recordar que si no estás suscrito mensual o anualmente a ninguna plataforma de streaming, no estás aportando prácticamente nada a la industria (y por extensión a los artistas que estás escuchando).

Youtube y los modelos gratuitos siguen sin aportar mucho

De paso se lanza un dardo a Youtube por la pobreza de sus ingresos pese a lo escandaloso de sus streamings millonarios: tan solo se ha pasado de generar 14,1 millones en el primer semestre de 2019 a los 16,3 millones actuales. Tantos millones de visualizaciones para que los CD’s generen muy poquito menos dinero que Youtube, incluso cuando están a punto de desaparecer…

Llamada a la prudencia

Antes de lanzar las campanas al vuelo, los ingresos de los años dorados de la industria permanecen a años luz aún, y de hecho ni siquiera se mantiene el porcentaje de subida del 20% que se estaba viendo en los últimos años. Realmente sorprende el aire optimista que encontramos en la nota de prensa de Promusicae, que celebra que la industria musical sobreviva frente a otros sectores. Y es cierto, pero cabe recordar la verdadera millonada de streamings que has de producir como artista en un país como España para vivir de tu música. Hay que celebrar que la industria suba un 4%, por supuesto, y que se abandonen los discursos victimistas, pero hay que recordar que el 99% de los artistas vive de sus conciertos, de acuerdos con marcas o colaboraciones con otras áreas como la televisión o el mundo editorial, y que en absoluto va a ser un buen año para ellos.

Por suerte, Antonio Guisasola, director de Promusicae, concluye al final del informe que “es absolutamente importante situar estas cifras positivas en el contexto general de la industria de la música, porque el ligero crecimiento de nuestra industria en este semestre no debe restar valor a la magnitud de la crisis a la que nos vamos a enfrentar en la segunda mitad del año, especialmente intensa para el sector del directo, con efectos devastadores para los artistas y todos los que participan en la creación de valor».

Ozuna / ENOC

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16 septiembre, 2020

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Juan Carlos Ozuna Rosado se ha convertido en uno de los artistas más escuchados en todo el mundo gracias a sus pegadizos singles de reggaetón clásico. Si hiciéramos una lista de sus mayores éxitos nos saldrían al menos 20 hitazos conocidos por el público hispanohablante: ‘Se preparó’, ‘Tu foto’, ‘Dile que tú me quieres’, ‘Quiero repetir’ con J Balvin, ‘Síguelo bailando’, ‘El farsante’, ‘Vaina loca’ con Manuel Turizo, ‘Ibiza’ con Romeo Santos, ‘La Modelo‘ con Cardi B, ‘Única’, ‘Baila Baila Baila’, ‘Hasta que salga el sol’, ‘Fantasía‘, ‘Caramelo‘… a los que habría que sumar sus exitosísimas colaboraciones en ‘Te boté’, ‘Taki Taki’ con DJ Snake y Selena Gomez , ‘Criminal‘ con Natti Natasha, ‘Otro trago’ con Sech, ‘Yo x ti, tú x mí‘ con Rosalía, ‘China‘, ‘Ahora dice’ con Chris Jeday, ‘Adicto’ con Anuel AA y Tainy, ‘Solita’ con Bad Bunny; ‘MAMACITA‘ con Black Eyed Peas… Las cifras en streaming de Ozuna dan realmente ganas de vomitar.

El nuevo álbum de estudio de Ozuna, ‘ENOC’ (abreviación de «el negrito de ojos claros», alias del cantante), vuelve a funcionar como fábrica de hits más que como posible renovador del reggaetón como lo han sido los últimos lanzamientos de Bad Bunny, J Balvin o Karol G o promete serlo el disco que Polama Mami supuestamente publica este año. Los bombos de Ozuna siempre han estado más cerca del sonido de Anuel AA que del de Bad Bunny, tampoco las producciones han sido nunca gran cosa y esta circunstancia vuelve a repertirse en un nuevo trabajo largo pero repleto de posibles singles que pueden petarlo cuando menos lo esperas. El talento de Ozuna para escribir estribillos que se pegan a la primera le ha llevado más lejos de lo que muchos solo pueden soñar, y el de ‘Caramelo’ («te volví a probar, tu boca no pierde el sabor a caramelo, nos dejamos llevar, tu ere’ mi bandolera y yo soy tu bandolero»), tema que acaba de ser número 1 en España, es directamente uno de los mejores del año.

Los de la mayoría del álbum son más facilones, pero en su línea, el reggaetón lento de ‘Una locura’ con J Balvin y Chencho Corleone, con toda la verborrea de «tú mi locura baby, pasan las horas y más, me pide más, no se cansa, parece no tener final, lo nuestro es una locura» es también uno de los más memorables. De hecho, es el tema más exitoso del disco al margen de ‘Caramelo’ y de la colaboración con Sia y Doja Cat ‘Del Mar‘, que pese a su modesta posición de entrada en la lista de singles española, es una de las canciones más adictivas de los últimos meses para quien esto escribe. No os extrañe que ‘Una locura’ se convierta en uno de los hits del otoño.

‘ENOC’ se abre con ‘Enemigos ocultos‘, otro de esos singles-simposio tan de moda en el reggaetón tras el éxito de ‘Te boté’ y que unen a multitud de cantantes en composiciones que pueden superar los 7 minutos de duración, como es el caso (para que luego digan que la juventud ya no presta atención a canciones de más de 2 minutos). Las ínfulas de banda sonora de ‘Enemigos ocultos’ no pueden contarse entre lo mejor del álbum a pesar del éxito de la canción en Youtube, y su letra sicario-friendly inspirada en el éxito de 2004 ‘Royal Rumble’ de Luny Tunes no es la más imaginativa que se ha dedicado a las calles de Puerto Rico. A partir de la pista 1, entonces, el disco presenta cortes menos ambiciosos, y más acertados en su propósito de simplemente hacer bailar (sobre todo a las féminas a las que van dedicadas muchas letras), como ‘No se da cuenta’ con Daddy Yankee, que habla de una «matadora» que juega con todo hombre que se cruza por su camino; o el simpático estribillo de ‘Sincero’ «yo no quiero que me quieras pa’ siempre, si con un ratito es suficiente».

Entre temas de reggaetón tan facilones como ‘Mala’ o ‘A escondidas’ se cuelan también otros desaciertos: el relamido Camilo, que podría ser David Bisbal sin problema, aparece en ‘Despeinada’ aportando su dosis particular de sentimentalismo, mientras el trap con guitarra española de ‘El oso del dinero’ no puede sonar más a sucedáneo de Bad Bunny, y el coqueteo de ‘Esto no acaba’ con el electro no es el más avanzado que alguien puede echarse a la cara en 2020: sus sintetizadores radioactivos parecen sacados más bien de un viejo single de las Pussycat Dolls. Y entre los aciertos hay que hablar también de ‘Gistro Amarillo’, tan clásico que de hecho utiliza el estribillo de ‘La gitana’, el éxito de Wisin de 2004, el cual, por cierto, es contemporáneo a ‘Gasolina’ de Daddy Yankee.

Calificación: 6,9/10
Lo mejor: ‘Caramelo’, ‘Una locura’, ‘Sincero’, ‘Del Mar’, ‘Gistro Amarillo’
Te gustará si te gusta: Anuel AA, Bad Bunny, Karol G, J Balvin
Youtube: vídeo del remix de ‘Caramelo’ con Karol G y Myke Towers

DORA esquiva hablar demasiado de su tío-abuelo Miguel Bosé en ‘La Resistencia’

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16 septiembre, 2020

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DORA ha visitado el plató de ‘La Resistencia’ para presentar su excelente nuevo single producido por Pional, ‘Oxena’, sobre el que recientemente hemos tenido oportunidad de hablar con la propia artista.

Bastante más nerviosa que en el videoclip del mencionado single, donde aparece totalmente entregada a la pista de baile, DORA ha empezado su aparición invitando a David Broncano a su casa para entregarle unas baquetas de batería que le quería regalar pero ha olvidado traer. La cosa empieza a ponerse incómoda más rápido de lo que tarda Broncano en hacer un chiste, cuando DORA menciona que el barrio de Malasaña huele mal porque «va y viene» mucha gente y que ella misma se ha visto obligada alguna vez a orinar en alguna de sus calles debido a una urgencia. La cantante habla de «todas las cosas posibles que podría haber hecho para ir al baño y no es posible. Entonces tengo que ir al baño, o sea tengo que ir al suelo, o sea en el suelo tengo que mear», a lo que Broncano le sugiere que la próxima vez que necesite ir a baño, vaya de su parte al edificio de la SER, donde trabaja el presentador.

‘Oxena’ es un tema de la entrevista por supuesto, y de hecho DORA queda desconcertada al descubrir que David Broncano parece saber qué es la música UK Garage (empleada en el mencionado single), lógico teniendo en cuenta que hasta hace poco demostraba no recordar qué es un CD. Sin embargo, el presentador acaba demostrando de hecho que no sabe qué es la música UK Garage cuando la describe como «música de rollo rock garaje inglés británico» (sic). DORA y Broncano intentan salir del bucle bailando la parte «rave» de la canción pero la cosa termina pareciendo un baile irlandés como indica la propia artista.

Más adelante es momento de hablar de Miguel Bosé, persona de rabiosa actualidad por sus declaraciones negacionistas sobre el coronavirus. Broncano, que se ha preparado la entrevista menos de lo que lo hizo cuando habló con Mónica Naranjo, pregunta a DORA si es verdad que Miguel Bosé es su tío o está troleando, ella contesta que «sí o sea no, no, o sea sí, somos familia pero no es mi tío» para después aclarar que «realísticamente» es su tío abuelo (atención a la genial contestación de Grison), y que en cualquier caso vive en México, quedando claro que apenas tiene contacto con él y que prefiere no hablar del tema (sí indica que el cantante va «a saco Paco», aunque sin aclarar con qué exactamente). El final, con DORA invitada a entrar en un cuarto oscuro y mencionando la «harina» de cierto «backstage», lo mejor de la entrevista.

Cardi B y Offset se divorcian

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16 septiembre, 2020

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Cardi B y Offset han solicitado su divorcio como informan varios tabloides estadounidenses y recoge The Guardian. Los dos artistas se casaron en 2017 en secreto después de que el integrante de Migos pidiera matrimonio públicamente a Cardi durante un concierto de esta, y en abril de 2018 nació la hija de ambos, Kulture Kiari Cephus. La decisión llega después de años de idas y venidas para la pareja propiciadas por las infidelidades de Offset, reconocidas por él mismo.

Además del amor, la música también ha unido a Cardi y Offset. El rapero es por supuesto integrante de la banda Migos, con la que Cardi comparte el single ‘MotorSport’ además de con Nicki Minaj, y ambos han interpretado juntos temas como ‘Lick’ (de la mixtape de Cardi de 2017, ‘Gangsta Bitch Music Vol. 2’) o el éxito ‘Clout’, incluido en el álbum de Offset ‘FATHER OF 4’ -titulado así porque el rapero es efectivamente padre de cuatro criaturas- y para el que se lanzaba un videoclip inenarrable. Ambos han aparecido juntos también en ‘Who Want the Smoke?’ de Lil Yachty y en el remix de ‘Ahora Dice’ de Chris Jeday con J Balvin, Ozuna, Anuel AA y Arcangel.

La noticia del divorcio de Cardi llega en un momento pletórico para la artista a nivel profesional: ‘WAP’, su single conjunto con Megan Thee Stallion, puede que no esté sonando demasiado en España, pero a nivel global es lo más parecido a un «fenómeno» que nos está dejando el verano que ya acaba: el tema es simultáneamente número 1 en Estados Unidos y Reino Unido, actualmente es la canción más exitosa en todo el mundo, y culturalmente ha dado mucho que hablar por su temática feminista y «sex positive» y por su llamativo videoclip por el que aparecen colegas como Kylie Jenner o Rosalía.

Por su parte, Migos es una de las bandas de hip-hop más exitosas de Estados Unidos desde que en 2017 arrasara en las listas estadounidenses su single ‘Bad and Boujee’ con Lil Uzi Vert. Desde entonces han publicado dos álbumes que han alcanzado el número 1 de la lista de ventas, ‘Culture‘ y ‘Culture II’, además de singles igualmente exitosos como ‘Walk It Talk It’ o ‘Stir Fry’. Este año, el trío, compuesto también por los raperos Takeoff y Quavo, ha lanzado el single ‘Need It’ junto a YoungBoy Never Broke Again. El grupo ha sido también polémico por sus declaraciones homófobas sobre otros raperos o la gente «queer».

Delaporte presentan nuevo disco con vídeo de Eduardo Casanova

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16 septiembre, 2020

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Delaporte habían anunciado la llegada de un nuevo single llamado ‘Las Montañas’ cuyo videoclip está dirigido por Eduardo Casanova. El tema puede escucharse desde la madrugada de hoy 16 de septiembre y llega con la mejor de las noticias, pues oficialmente avanza el lanzamiento del nuevo álbum del dúo hispano-italiano, que recibirá el mismo nombre de ‘Las Montañas’ y saldrá el próximo 16 de octubre. El segundo trabajo de Sandra Delaporte y Sergio Salvi verá la luz poco más de un año después de la edición de su debut oficial, ‘Como anoche‘, uno de los mejores discos de 2019.

‘Las Montañas’ es una canción de ritmo lento y oscuro, según la nota de prensa oficial, la «más seria» jamás publicada por Delaporte. La presencia prominente de efectos vocales tipo «vocoder» y la tenebrosidad de los sonidos y ritmos obligan a pensar en proyectos de electrónica como Fever Ray, mientras el dramatismo de la melodía sienta a Sandra como un guante mientras esta canta sobre su propia metamorfosis: «Escucho abrirse una grieta nueva desde el interior, y de ella sale la madera que nos dio calor, te protejo como las montañas». ‘Las Montañas’ presenta un trabajo cuyo objetivo es «superar toda forma de opresión que impide construir una identidad libre, amar a quien desees y desarrollarte como la persona que quieres ser y con la que te identificas». La nota añade que «subir la montaña demuestra esa superación contra fuerzas opresivas históricas como la sociedad patriarcal o la homofobia».

Eduardo Casanova, que en los últimos tiempos ha firmado vídeos tan llamativos como el de ‘Cuando me miras‘ de C. Tangana protagonizado por el artista junto a la actriz Ursula Corberó, además de películas como ‘Pieles‘ que no han dejado indiferente a nadie, ha creado un mundo visual igualmente oscuro para el nuevo sencillo de Delaporte en el que vemos animales, nudismo y escenas fervorosas propias de una película de Ari Aster.

En el citado vídeo, Sandra aparece «completamente desnuda y elegante pactando simbólicamente con un demonio (carnero) que le hará libre, ayudándole a llegar a la cima, mientras se desprende de lazos rosas que suponen la purificación de toda esa sumisión y opresión a la autoridad a la que muchas personas se han tenido que someter a lo largo de la historia». El final del vídeo cuenta el empoderamiento de la artista, que consigue «ser quien es» a la vez que «entrega «sus ojos y su alma” a su liberador».

No, no es una buena idea que Madonna dirija un biopic de Madonna

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15 septiembre, 2020

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Era un secreto a voces, pero Universal confirma finalmente que Madonna se encuentra preparando su biopic junto a Diablo Cody, guionista de ‘Juno‘. De hecho, la noticia es mayor, ya que es la propia Madonna quien se encuentra dirigiendo la cinta tal y como confirma la nota de prensa de Universal, lo cual no es una sorpresa exactamente ya que la cantante ha hecho más de un pinito como directora a lo largo de su carrera. La artista está escribiendo el guión del biopic junto a Cody y también será su productora junto a Amy Mascal (‘Mujercitas’, ‘Spider-Man: Homecoming’, ‘Spider-Man: Into the Spider-Verse’), con quien ya trabajó en ‘Ellas dan el golpe’; mientras Sara Zambreno y Guy Oseary ejercerán de productores ejecutivos.

Conocida es la relación de Madonna con el mundo del cine. Siempre intentó alternar su faceta de cantante con la de actriz, con resultados más (‘Buscando a Susan desesperadamente’) y menos (‘Shangai Surprise’) graciosos. Desde que no fue nominada al Oscar por ‘Evita’ de algún modo desistió y ya tan sólo se involucró en alguna cinta menor, como ‘Algo casi perfecto’ (recurrente en televisión, eso sí), la innecesaria ‘Barrios por la marea’ (con la original, que es brutal, nos bastaba) o aquel cameo en ‘Die Another Day’ que ya era nada y fue reducido a menos en la sala de montaje. En este siglo, ha concentrado sus esfuerzos en construirse más bien como directora, con proyectos modestos y reivindicativos como #SecretProjectRevolution (ojo porque predijo el avance de la ultraderecha), y otros más pretenciosos. Y si todos tenemos claro que no es una buena idea dirigir tu propio biopic, tampoco lo es, visto su CV, que lo haga Madonna.

Lo primero es evidente: cuanto más «autorizado» es un biopic, peores son los resultados artísticos, menos objetivo es el relato. Todo biopic tiende a ensalzar la figura del personaje retratado, pero cuando este además está involucrado, se silencia el ojo crítico, se tiende a convertirle en un héroe, se falta a la verdad. Los resultados de este tipo de proyectos suelen ser un auténtico cuadro: si el biopic de Queen era autorizado, ¿quién demonios aprobaría esa piñata a lo ‘Little Britain’ que jamás estuvo ahí? Si hemos visto a Elton John volando en su película, ¿qué no podrá pasar aquí, en revancha? Este biopic se jacta de narrar la «historia real no contada» de Madonna, y la propia artista ha explicado que su intención con la película es «plasmar el increíble viaje por el que la vida me ha llevado como artista, música, bailarina y como ser humano que intenta encontrar su camino en el mundo». La autora del notable ‘Madame X‘ señala que el «foco de la película siempre será la música» ya que la música es el arte que la «ha mantenido viva», y que no puede haber mejor persona para contar la historia de su vida que ella misma. No lo dudamos. ¿Pero qué nos garantiza que Madonna no va a recordar un poco lo que quiera y a olvidar lo que no le apetezca?

Seguramente la idea parta de los errores biográficos de la película de bajo coste que se ha realizado sobre Madonna y en España está subida en Movistar+, y de ese guión sobre su vida que lleva años circulando por Hollywood con unas críticas estupendas. La participación de Diablo Cody, tierna pero mordaz, era una buena señal. La posible de Julia Garner como protagonista, también. Pero como directora, M no ha mostrado de momento una gran eficiencia en su búsqueda de la objetividad. En ‘W.E.’, su segundo gran trabajo tras las cámaras, retrató la abdicación de Eduardo VIII dado su amor por Wallis Simpson… pasando por encima de su simpatía hacia los nazis. Tampoco se le da muy bien aprobar una caracterización: cuando los personajes envejecían al final de la cinta, el efecto era 100% Joaquín Reyes. En cuanto a dirección, la película era un poco relamida en ejecución, con cierto abuso de la cámara lenta, los subrayados y otros recursos propios de principiante, en sintonía con esa larga lista de videoclips recientes de su discografía en los que se ha implicado demasiado, de los ralentizados de ‘Crave’ a los constantes coitus interruptus de ‘Medellín’ (la intro, las partes sin música); y también con el torpe montaje de sus últimos DVD’s, que ni siquiera quedan cerca de captar la magia indiscutible de sus directos. Nada de esto estaba tan mal como suena, pero nunca dio la sensación de que «el objetivo» fuera su fuerte, como sí lo podía ser la dirección de arte.

Madonna es tan prohibitivamente ultra millonaria que no le importa perder dinero: ‘W.E.’ costó 18 millones de dólares y recaudó 2. Ella fue la productora de la película, que logró una nominación al Oscar al Mejor Vestuario: nadie duda de que esa parte estará cuidada. Probablemente la dirección artística de este proyecto sea un absoluto ostento de alguien que empezó lamiendo pulseras de cuero, crucifijos, rosarios y tachuelas, y terminó haciendo historia de la moda con Gaultier y crucificándose con cristalitos Swarovski. Pero Madonna dirigiendo a Madonna en una película sobre Madonna con canciones de Madonna es demasiado incluso para alguien tan único como Madonna. A buen seguro, la crítica, que siempre acude con el cuchillo en la mano a contemplar todo lo que hace, en el mejor de los casos porque hay quien sabe hacer de una crítica algo divertido y en el peor porque Madonna genera una salvajada de trafiquito, se frota ya las manos para despellejar esto como ya se hizo con ‘W.E.’: con el poco valor que tenía esta película tampoco es que fuera lo peor jamás visto como proclamó la crítica, y de hecho los exigentes usuarios de Filmin la valoraron hace poco por encima del notable. Con esto sucederá lo mismo, pero al cubo: gustará al público o no, pero desde luego ya hay quien tiene pensados sus titulares.

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Bob Dylan / Blonde on Blonde

Por

Jaime Cristóbal

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15 septiembre, 2020

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La cumbre pop de Bob Dylan, inmortalizada en su legendaria imagen de ropa oscura, gafas negras y enjuto cuerpo espitoso, ocurre entre 1965 y 66. En el espacio de 14 meses (marzo ‘65 a mayo ‘66) compone, graba y lanza tres discos fundamentales de su carrera: ‘Bringing It All Back Home’, ‘Highway 61 Revisited’ y ‘Blonde on Blonde’. Es durante ese corto período cuando se sacude definitivamente la etiqueta de folkie pacifista, se electrifica para horror de muchos fans, se enreda en una relación de atracción/influencia mutua con los Beatles (Lennon sobre todo) y crea su serie de canciones más legendarias y pop, o bien popizables por otras bandas. Sólo esos dos primeros discos de la serie incluyen ‘Mr. Tambourine Man’, ‘Love Minus Zero’, ‘Like a Rolling Stone’, ‘It’s All Over Now, Baby Blue’ o ‘Subterranean Homesick Blues’.

Pero es al final de la trilogía, con ‘Blonde on Blonde’, cuando consigue materializar su disco de pop más perfecto, cuando la transición de folk a pop (rock) termina de sintetizarse: en él no hay ninguna canción completamente acústica, y las exploraciones rockeras de ‘Highway 61 Revisited’ se aplacan para recolocar a Dylan en un equilibrio deliciosamente mágico: hay rock, sí, pero sobre todo folk-rock, pop con elementos de country, y algunas de lo que acabarían siendo sus más bonitas melodías, todo amalgamado en un sonido que pasaría a la historia como ese sintestésico “wild mercury sound… metallic and bright gold” del que crípticamente hablaba Dylan en la época.

Pero ¿cuál fue la fórmula para lograr ese mítico sonido y alcanzar así la cumbre de su trilogía pop? La respuesta está encerrada en la palabra “Nashville”. Dylan -por sugerencia de su productor Bob Johnston- no fue a la capital de Tennessee a hacer su disco más country, sino a hacerlo más pop. Recordemos que los estudios de la ciudad se caracterizaban por haber dulcificado y comercializado el sonido originariamente rural de la música country (creando un subgénero que los puristas denominaban, peyorativamente, “countrypolitan”) y Johnston, con buen ojo, estimó que las sesiones con The Band en Nueva York en enero de 1966 estaban fallando porque les faltaba ese toque comercial y melódico. Flash-forward a febrero del 66, Nashville, con Dylan rodeado de una reducida corte de músicos propios (Al Kooper, Paul Griffin y Robbie Robertson) más un nuevo escuadrón de experimentados -y legendarios- músicos de sesiones de la ciudad.

‘Blonde on Blonde’, además, supone una cumbre en los textos de su autor. Dentro de su universo de letras surreales, psicodélicas incluso, mezcla de poesía simbolista y retablos costumbristas de la fauna noctámbula neoyorkina (‘Visions of Johanna’) o de los/las hipsters de la Factory (‘Just Like a Woman’) se esconden algunas de sus letras más románticas (‘Sad-Eyed Lady of the Lowlands’, ‘I Want You’), engarzadas con la música en una simbiosis insuperable.

No es por tanto casualidad que ‘Blonde on Blonde’ siga siendo hasta la fecha el álbum de toda la carrera de Bob Dylan del que más singles promocionales se extrajeron (cinco), dos de los cuales son sus más perfectas canciones de pop: ‘I Want You’ y ‘Just Like a Woman’. Ambas sirven también como perfecto ejemplo de la magia de Nashville en pleno funcionamiento. En ‘I Want You’, el añadido crucial del riff de guitarra de Wayne Moss añade gancho y comercialidad a la que de por sí ya era una de las melodías más pop de la carrera de Dylan, y el experto motor de la batería de Ken Buttrey (con un sonido irrepetible) daba a la canción los cimientos ideales para un éxito radiofónico. En ‘Just Like a Woman’ las guitarras españolas (presentes en todo el disco y no tan frecuentes hasta entonces en la obra de Dylan) aportaban un sonido dulce y digerible que un año después el productor Johnston perfeccionaría en el primer disco de Leonard Cohen. Si sumamos a ello la calidez y claridad de que caracterizaba al Estudio B de la Columbia en Nashville, estamos ante la fórmula de esa brillante amalgama sónica: en la canción, los órganos Hammond de Al Kooper suenan sedosos (alejados del áspero aunque maravilloso sonido del Estudio A de Nueva York en ‘Like A Rolling Stone’), y la voz de Dylan nunca volvería a sonar más matizada y romántica. ¡La canción hasta tiene un puente! (“it was raining from the first…”), igual que en ‘I Want You’. Consciente o inconscientemente, producto de una ósmosis con la fértil época que el pop norteamericano estaba viviendo, o quizá de su rivalidad con los Beatles de los que le atraía su gancho pop… por la razón que fuese ‘Blonde on Blonde’ contiene elementos pop y comerciales que ni hubo en sus discos anteriores ni se volverían a repetir.

Pero en ‘Blonde on Blonde’ hay muchas más canciones maravillosas que para los presupuestos estéticos de la segunda mitad de los 60 eran también pop sin complejos: como las tribulaciones sentimentales de ‘(Sooner or Later) One of Us Must Know’, con ese refulgente estribillo de preciosa secuencia de acordes y órganos Hammond, que fue primer single. O el gancho absoluto de ‘Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again’, llena de humor surrealista y una melodía que llegaría a encajar hasta en el universo único de Kiko Veneno. Incluso la broma de ‘Rainy Day Women # 12 & 35’ acabaría en número 2 de las listas (igual que ‘Like a Rolling Stone’) convertida en un inesperado hit de pop “novelty”.

Podríamos seguir; sólo las avenidas y callejones de ese microuniverso de belleza titulado ‘Visions of Johanna’ ya merecerían un artículo propio. Hasta las piezas más “bluesy” llegan mucho más allá del ejercicio de estilo y son canciones redondas con sus riffs y sus memorables motivos distintivos (‘Pledging My Time’, ‘Obviously Five Believers’). Pero es el sonido lo que lo une todo y hace a ‘Blonde on Blonde’ único: la extraña alquimia que sucedió en aquel estudio, en el que las nuevas canciones del anfetamínico Dylan de alguna extraña manera encajaban a la perfección con la maquinaria de pulido industrial de Nashville sin perder un ápice de filo, y acababan recubiertas de magia, incluso con sentimientos verdaderos emergiendo con delicadeza en algunas de ellas, algo insospechado en un músico en el que la distancia sarcástica era lo habitual.

Como las mejores historias pop, la legendaria trilogía pop de Dylan y más concretamente el relámpago cultural que supuso ‘Blonde on Blonde’ acaba con un flashazo trágico que cristalizó el mito en el imaginario colectivo: el accidente de moto de Dylan en julio de 1966 fue la mejor de las tragedias posible, porque no supuso la habitual muerte prematura de otro joven artista. Se quedó en un misterioso, críptico retiro y un posterior retorno transformado, casi como si fuese otra persona. De alguna manera murió y a la vez permaneció vivo, otro verdadero “hat trick” que define a Dylan perfectamente. Para la historia quedó este ‘Blonde on Blonde’, ejemplo perfecto de su momento pop por excelencia.

Calificación: 9/10
Lo mejor: ‘I Want You’, ‘Visions of Johanna’, ‘Just Like a Woman’, ‘One of Us Must Know (Sooner or Later)’
Te gustará si te gusta: el rock clásico americano, el folk-rock, The Band, The Byrds, Tom Petty, Lucinda Williams…
Escúchalo: vídeo de ‘JUST LIKE A WOMAN’

Noel Gallagher se «niega» a llevar mascarilla y dice que si pilla el virus es «su problema»

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15 septiembre, 2020

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En un nuevo episodio de «persona rica está desconectada del mundo real», Noel Gallagher ha declarado en un podcast negarse a llevar mascarilla. En concreto, el cantante y compositor británico ha asegurado que llevar mascarilla le parece una «chorrada» porque según la ley británica «se supone que tienes que llevarla (en un supermercado) pero después puedes presentarte en un puto bar y estar rodeado de cualquier gilipollas», señalando: «ah, entonces no tenemos virus en los pubs pero sí (en los súpers), ah, de acuerdo».

El autor de ‘In the Heat of the Moment’ (apropiado título) ha ido más allá en el podcast recordando un episodio que ha vivido recientemente en un tren con dirección a Manchester, durante el cual un hombre le sugirió que se pusiera la mascarilla en el interior del vehículo para evitar ser multado con hasta 1.000 libras, que es lo que puede pasar si es descubierto viajando sin ella en el transporte público. «Entonces yo contesté, de acuerdo, este virus asesino que está barriendo el tren va a venir a atacarme pero cuando me vea comiéndome un sandwich (en el súper) va a decir «voy a dejarle», señala el artista. En el mismo podcast, Noel insinúa oponerse abiertamente a lo que dice la ley, clamando que «hay muchas libertades que se nos están arrebatando».

Más adelante, el músico reafirma su posición y declara que le «importa una mierda» llevar o no mascarilla, que su elección es no llevarla y que si se contagia del virus es «su problema, no de ninguna otra persona», ya que «si alguien lleva mascarilla él no se va a contagiar, y si él la lleva otra persona no se va a contagiar». Noel finalmente recurre a la ciencia para apuntar que, según esta, usar mascarilla es «innecesario», lo cual no es cierto como puede comprobarse echando un simple vistazo al informe oficial publicado por la Organización Mundial de la Salud.

Noel se une así a la filosofía anti-mascarilla de su compatriota Ian Brown de Stone Roses, que en los últimos días también ha dado un paso adelante en las redes sociales posicionándose en contra de las vacunas, y también de Miguel Bosé, quien como Brown ha negado la existencia del coronavirus, algo que Noel al menos no ha hecho.

El artista, ya con Oasis en un pasado muy lejano, ha publicado este año nuevo EP con su banda Noel Gallagher’s High Flying Birds, un ‘Blue Moon Rising’ que adelantaba con la bailable ‘This is the Place’ y que ha llegado apenas un año después desde el lanzamiento de otro EP, ‘Black Star Dancing‘. El último álbum de estudio de Noel Gallagher’s High Flying Birds, ‘Who Built the Moon?‘, fue un éxito comercial en Reino Unido a su lanzamiento en 2017, llegando a alcanzar el número 1 de la lista de ventas. Lo mismo sucedía en 2015 con ‘Chasing Yesterday‘ y en 2011 con su debut homónimo.

Como informa The Guardian, la ley británica obliga a llevar mascarilla en el transporte público, así como en «salas de conciertos, tiendas, hoteles y otros lugares públicos». Este mismo martes 14 de septiembre, Reino Unido ha limitado el número de personas que pueden reunirse en espacios públicos a un total de 6, dados los rebrotes que se están dando en este y otros territorios del mundo.

Qué esperar del nuevo disco de Alicia Keys, que sale este viernes

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15 septiembre, 2020

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Alicia Keys ha sorprendido este lunes anunciando que su nuevo disco, pospuesto hasta en dos ocasiones debido a la pandemia (iba a salir originalmente el 20 de marzo y después fue postergado al 15 de mayo, para después ser pospuesto sine die), verá la luz finalmente esta misma semana, el viernes 18 de septiembre.

Alicia no ha cambiado la espantosa portada oficial de ‘ALICIA’, compuesta por cuatro retratos de la cantante desde diferentes ángulos, pero al menos tampoco ha mantenido a sus fans en vilo todos estos meses mientras se preguntaban cuándo diantres saldría su nuevo álbum. Desde el primer single oficial publicado del mismo, ‘Show Me Love’ con Miguel, lanzado hace un año, han visto la luz hasta seis más, algunos oficiales y otros simplemente promocionales, lo que significa que ‘ALICIA’ llegará al mercado con 7 canciones ya conocidas por el público (casi a una por mes, y serían 8 si contamos ‘Raise a Man’, cuyo destino se desconoce). Aunque que no cunda el pánico, porque como revela el tracklist oficial del álbum disponible en iTunes, este se compone de un total de 15 pistas, por lo que aún queda la mitad por escuchar.

La música publicada de ‘ALICIA’ hasta el momento no apunta a una dirección medio alternativa como la que parecía estar formándose en ‘HERE’ gracias a singles tan interesantes como ‘In Common’… para después no ser llevada a cabo desgraciadamente. Más bien, en ellos Alicia parece reafirmarse en el pop-soul y pop-R&B blanco y conformista que ha caracterizado sus últimos lanzamientos… sin que esto haya jugado mal a su favor en absoluto. Por ejemplo, la baladita a la guitarra eléctrica ‘Show Me Love’ con Miguel ha sido un hit en las listas de R&B americanas (ha sido número 1 en el Adult R&B Songs de Billboard para ser exactos) y la optimista ‘Underdog’, sin haber sido un gran éxito, ha pasado por multitud de listas del mundo, de hecho ha alcanzado el top 10 en países como Bélgica, Croacia o República Checa, ha sido top 7 en Nueva Zelanda, top 11 en Países Bajos y top 24 en un mercado tan importante como el alemán… y a día de hoy acumula 83 millones de streamings en Spotify: en pocas palabras, es el single de Alicia más exitoso desde ‘Girl on Fire’.

Antes que ‘Underdog’, tema que, por cierto, cuenta entre sus autores con el padre de Lyra Antarctica Seaborn Sheeran, más conocido como Ed Sheeran, veía la luz ‘Time Machine’, el single más bailable de todos los que han presentado ‘ALICIA’ hasta ahora. El tema suena como el tipo de música disco y funky que haría Solange hasta el punto que melódicamente parece llevar la marca de dicha artista (sobre todo en los falsetes). No ha sido un éxito, como tampoco lo ha sido ‘So Done’ a pesar de sonar parecida a ‘Show Me Love’ y de contar con la participación de un nombre tan potente en el pop actual como Khalid. Los baladones a piano ‘Good Job’ -dedicado a los trabajadores en primera línea durante la pandemia- y ‘Perfect Way to Die’ también pueden escucharse desde hace semanas en las plataformas de streaming, y el último single editado de ‘ALICIA’, disponible desde el pasado 10 de septiembre, es ‘Love Looks Better’, un corte que presenta cierta inspiración góspel en piano y percusiones.

Un vistazo a los créditos de ‘ALICIA’ que se conocen -el tracklist no ha sido desvelado al completo aún- descubre un plantel de nombres sin demasiadas sorpresas. Ryan Tedder por supuesto está en ‘Love Looks Better’, pues el tema no puede sonar más a él y a su trabajo con OneRepublic o con gente como Adele; Ed Sheeran y una co-autora de ‘Thinking Out Loud’ están en ‘Underdog’, y el rapero Tory Lanez, recientemente noticia por haber disparado a Megan Thee Stallion, está en ‘Show Me Love’. Y el sueco Ludwig Göransson, que ha trabajado con Childish Gambino, Haim o Travis Scott, aparece en ‘Good Job’. ¿Aguardará alguna sorpresa el resto de composiciones cuyos títulos y créditos queda por desvelar? De momento, lo seguro es que ‘ALICIA’ se está presentando como el «álbum más personal» de la artista, coincidiendo con que este año ha salido su autobiografía. Os recordamos que Keys presentará este nuevo trabajo en España en julio del año que viene.

Everything Everything / RE-ANIMATOR

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15 septiembre, 2020

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Everything Everything llegan a su quinto álbum convertidos en uno de los grupos de art-pop favoritos del público británico, posición que consolidaron sobre todo con el tercero. Era ‘Get to Heaven‘ un álbum con canciones con tanto garbo como ‘Regret’ o ‘Distant Past’, y en el que se atrevían a tratar temas tan variados y espinosos como la incorporación de unas adolescentes británicas al Estado Islámico, el racismo policial y el daño que nos pueden hacer las nuevas tecnologías, entre muchísimas otras cosas.

‘RE-ANIMATOR’ es un disco mucho menos abrumador que aquel, un poco más llano en sus mensajes, sin que por ello Jonathan Higgs haya renunciado a ofrecer su peculiar visión del mundo. Encontramos en él temas sobre el cambio climático, como uno de los singles principales, ‘Big Climb‘, en el que proclama «no tenemos miedo de que nos mate / tenemos miedo de que no lo hará»; sobre los trolls de internet, como ‘Lord of the Trapdoor’; y varios cortes dan vueltas alrededor del tema principal del álbum. ¿De qué se trata en este caso? Las teorías del estudioso de la Psicología Julian Jaynes, en concreto las relacionadas con la mente bicameral, la idea de que una parte de la mente parece hablarnos mientras la otra escucha y obedece. Un tema que nutre canciones como ‘In Birdsong’, ‘The Actor’ o ‘Lost Powers’, esta última, literalmente, sobre la sensación de «volverse loco».

Esta vez la aproximación es más sencilla, pues puedes comprender de qué hablan las letras sin adentrarte en las dos partes de la cabeza de Jonathan Higgs, y además son varias las canciones que nos hablan de manera liviana sobre el deseo de ser amado (‘Planets’) o estar estancado (‘Moonlight’). En la producción, Everything Everything han trabajado con John Congleton, muy conocido por su trabajo con gente como St Vincent o Angel Olsen, y el grupo no se ha decidido a desarrollar su labor en una dirección en concreto. En cuanto a dirección artística, lo más importante -y hay que decir que les ha salido bien- ha sido no dar demasiadas vueltas a las grabaciones para que no pierdan frescura. Por lo demás, hay un poco de todo.

De una parte, están las canciones que podríamos emparentar con Radiohead, los de ‘The Bends’, como ellos mismos han reconocido. Por un lado, el grupo cae en la mímesis, como sucede en algunos puntos de ‘It Was a Monstering’ o ‘Lost Powers’. Por otro, se agradece que alguien quiera recuperar aquel sonido en un mundo en el que tantos artistas viven de copiar otras cosas, siempre las mismas. Además, Everything Everything ya han demostrado otras veces que lo suyo es la versatilidad: los sintetizadores de corte cósmico de ‘Planets’ funcionan igual de bien que los rudimentarios de ‘Arch Enemy’, una canción que podría haber producido La Roux. En su ansia de variedad, hasta es una pena que no terminen de desarrollar la vena hip hop que les emparenta con TV On the Radio desde hace rato, porque ‘Big Climb’ se presta a ello. Y nadie quiere oír rapear por aquí a Post Malone, ¿pero quizá sí en algún momento recitar a Tricky?

‘RE-ANIMATOR’ no es por tanto un álbum fundamental en la carrera de Everything Everything, aunque sí un disco sobre el que volver dados sus numerosos atractivos. Un buen disco en el que grabaciones hermosas como ‘It Was a Monstering’, ‘In Birdsong’ o ‘The Actor’ se alternan con canciones tan inmediatas como ‘Big Climb’. El grupo ha tenido la rareza de dejar el single principal como pista final y en este caso es todo un acierto. Con todas las dificultades que ‘Violent Sun’ pueda presentar para encajar en el disco, es un tema bailable y melancólico, que deja con ganas de más, que evita otro final de álbum intensito y sobre todas las muchas cosas que hay sobre la faz, una buena canción que invita a disfrutar de la vida antes del fin del mundo.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Violent Sun’, ‘Big Climb’, ‘Planets’, ‘Arch Enemy’
Te gustará si te gusta: Radiohead, TV On the Radio, Wild Beasts
Youtube: vídeo de ‘Violent Sun’

Sufjan Stevens presenta ‘Sugar’, otro single de su disco inspirado en Janet Jackson según la primera crítica

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15 septiembre, 2020

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Sufjan Stevens publica hoy martes nuevo single, el tercero en ser extraído de su próximo trabajo discográfico, ‘The Ascension’, que verá la luz por fin el próximo 25 de septiembre, 5 años después de ‘Carrie & Lowell‘.

Después de un primer single de larga duración (12 minutos) y letra política llamado ‘America‘ que cerrará el álbum y de un segundo mucho más conciso y pop, ‘Video Game‘, que pasaba recientemente por nuestra sección «Canción Del Día», llega un tercer single que dura 7 minutos en su versión original y 4 minutos y medio en la versión del videoclip que ha sido estrenado junto al tema, y que ha sido dirigido por Ezra Hurwitz.

Se trata de un nuevo número de pop electrónico en el que el gancho principal es tan pop como sugiere su título, «come on baby gimme some sugar», pero cuya letra no esconde ningún significado sexual, pus parece aludir en realidad al deseo de Sufjan de llevarse bien con su pareja, de que esta «tome aire», deje de «llevar el mundo en sus hombros», abandone su «ira» y le de a Sufjan «algo de tregua». Musicalmente, los volcánicos ritmos electrónicos de ‘Sugar’ parecen inspirados en el trabajo de Björk en ‘Homogenic‘ o ‘Vulnicura‘ o en el del mismo Sufjan en ‘The Age of Adz‘.

Por si había alguna duda de que ‘The Ascension’ será el álbum más pop de Sufjan Stevens -más pop en el sentido comercial y contemporáneo del término, se entiende-, la primera crítica del disco explica de hecho que este es «desvergonzadamente POP!» y compara su sonido de «R&B alternativo» con «los momentos más cerebrales de How to Dress Well o Troye Sivan«. El texto destaca ‘Tell Me You Love Me’, ‘Video Game’ y ‘Landslide’ entre los «temazos» (usa la palabra «bangers») y señala que ‘Die Happy’ suena inspirado en el trabajo de Jam & Lewis, dúo de productores conocido por su trabajo junto a Janet Jackson. De hecho, Sufjan parece haber confirmado esta inspiración en su página de Tumblr, donde acaba de publicar una simpática foto del casete de ‘The Ascension’ junto al de ‘Rhythm Nation 1814‘ de Janet Jackson.

Sidecars dan la sorpresa y dejan a Ozuna sin número 1 de álbumes en España

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15 septiembre, 2020

Sidecars lideran la nueva lista de los discos más populares en España, que desde hace unas semanas es una combinación de venta tradicional y streaming. El nuevo álbum de Sidecars se llama ‘Ruido de fondo’, ha venido presentado por singles como ‘Mundo imperfecto’ y ‘La noche en calma’, y es el primer número 1 de la banda en nuestro país.

Anteriormente, ‘Cuestión de gravedad’ había sido top 3 en 2017, ‘Contra las cuerdas’ número 5 en 2016, ‘Fuego cruzado’ número 19 en 2014 y ‘Cremalleras’ número 9 en 2010. Suponemos que sus ventas han sido bastante voluminosas, como para poder con totems del reggaetón como Anuel AA y Maluma, pero es que los streamings de Sidecars no están nada mal: no se cuentan por millones en la mayoría de los cortes de su álbum, pero sí por decenas de miles tan sólo unos días después de la edición de este ‘Ruido de fondo’.

En las semanas de buenas ventas, el streaming no contará tanto para los artistas que venden algo parecido a cero pelotero, y Ozuna parece perjudicado por ello. Pese a colocar en la lista de singles media docena de temas de su disco ‘ENOC’, este no pasa del número 2 en la lista de álbumes española. Veremos si en semanas venideras puede aprovechar alguna semana floja de ventas para conquistar la cima o se verá un poquito perjudicado por los lanzamientos del último cuatrimestre.

En el podio en España también encontramos a la cantante Bely Basarte con ‘El camino que no me llevó a Roma’, un álbum muy anunciado por las calles de Madrid que iguala exactamente la posición que conseguía en nuestro país su debut: el número 3.

También en el top 10 entran la reedición de Rolling Stones de ‘Goats Head Soup’ que ha dejado a verlas venir a Declan McKenna en Reino Unido (en España los Rolling son top 8, ni rastro de Declan); y ‘En Las Ventas 1993’ de Los Rodríguez, que se cuela en el número 9.

El resto de entradas en la lista de álbumes son ‘Bach: Goldberg Variations’ de Lang Lang en el puesto 25, ‘TattleTales’ de 6IX9INE en el puesto 45, ‘El secreto’ de Azúcar Moreno en el puesto 55, y Stryper con ‘Even the Devil Believes’ en el número 57.

Mientras la banda de heavy metal Stryper alcanzó su mejor momento de popularidad en 1986 con la edición de ‘To Hell with the Devil’, doble platino en Estados Unidos en uno de los mejores momentos de fama para su género; Azúcar Moreno fueron multiplatino en nuestro país en 1996 con ‘Esclava de tu piel’. El disco que incluía ‘Sólo se vive una vez’ fue incluso más exitoso que ‘Bandido’ y fue exactamente el 9º álbum más vendido en España en aquel año. El nuevo álbum de Azúcar Moreno, preparado antes de la pandemia, tiene un single llamado ‘La cura’.

Respecto a ‘TattleTales’ de 6IX9INE, y como pronosticamos en contra de las predicciones de Hits Daily Double, no ha sido número 1 en el Billboard 200, sino puesto 4. El número 45 conseguido en España es uno de sus peores datos internacionales en comparación con el puesto 27 de Reino Unido, el puesto 23 de Irlanda, el número 31 de Holanda, el número 39 de Alemania y Australia y el número 43 de Francia.

El remix de ‘Relación’ con Rosalía no es top 1 en España, pero entra en el Billboard Hot 100

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15 septiembre, 2020

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‘Hawái’ de Maluma, un hit global que lleva días asentado en el top 3 de la lista mundial de Spotify y puede ser perfectamente el mayor éxito de toda la carrera del colombiano, sigue siendo número 1 en España. Lógico, pues es uno de sus mercados estratégicos, aunque además de su éxito en México y Argentina, donde también es top 1 de diferentes listas, también hay que hablar de su ascenso en Estados Unidos. ‘Hawái’ es número 55 en el Billboard Hot 100 y lidera una de las listas nuevas globales que se ha inventado Billboard: una valora los mayores éxitos del mundo y la otra los mayores éxitos del mundo que no son estadounidenses. Maluma lidera esta segunda lista con ‘Hawái’ por encima de ‘Dynamite’ de BTS.

El remix de ‘Relación’ de Sech tiene que conformarse con el número 2 en nuestro país pese a los pesos pesados que se habían incluido en él: nada menos que Daddy Yankee, J Balvin, Farruko y desde Cataluña, Rosalía. La canción es medalla de plata pero ojo, ya es el mejor logro de Rosalía en el Billboard Hot 100, pues sorprende con una entrada en el número 64, quedando un par de puestos por encima de ‘TKN’ con Travis Scott, que fue puesto 66, estando en parte en inglés. Además, esta nueva canción también ha logrado adentrarse en el mercado italiano, uno de los muchos europeos en que ‘TKN’ ha conseguido convertirse en una de las canciones del verano, como analizábamos recientemente. En Italia, el remix de ‘Relación’ es número 73.

Volviendo a España, mientras ‘Mami’ de Ptazeta y Juacko (10), ‘Santería’ de Lola Indigo y amigos (15) y ‘Como estrellas’ de L.A Young (19) alcanzan nuevos máximos, la segunda entrada más fuerte la encontramos ya fuera del top 20. Se trata de Ozuna, que en realidad llega a la tabla con un gran número de canciones incluidas en su disco ‘ENOC’, que salía justo la semana pasada: ‘Despeinada’ con Camilo entra al 21, ‘Enemigos ocultos’ con Wisin, etc, al 23, ‘Una locura’ con J Balvin al 34, ‘Del mar’ con Doja Cat y Sia al puesto 54 y ‘No se da cuenta’ con Daddy Yankee al 69. Como veis, la canción con Doja Cat y Sia no ha sido la favorita del álbum del público español, siempre más entregado a las canciones en castellano que al Spanglish. También hay que recordar que Ozuna continúa en el número 9 con ‘Caramelo’ y en el número 39 con ‘Caramelo (remix)’.

El resto de entradas en la tabla corresponde a ‘High’ de la youtuber argentina María Becerra (63), ‘Mood’ de Iann Dior con 24KGOLDN, de quien hablábamos ayer debido a su colaboración con Clean Bandit y Mabel (puesto 72), ‘Pegao (TikTok Hit)’ de Omega (81), ‘La tóxica’ de Farruko (87) e ‘…Y vuelo’ de Vanesa Martín (89).

Esta última tiene la particularidad de no ser una canción de reggaetón, sino una balada in crescendo, con lo cual es una rareza del top 100 de sencillos. Se trata del primer single del nuevo disco de Vanesa Martín, que tantos éxitos acumula en nuestro país, muy especialmente en la lista de álbumes, y que podría dar mucho que hablar en la proximidad de la Navidad.

Queens of the Stone Age actuarán en Dcode 2021

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15 septiembre, 2020

En estos días en que tendríamos que tener en portada nuestra crónica de Dcode 2020, el festival aprovecha para revelar quién será su cabeza de cartel en 2021: hay cambio radical de tercio, pues ya no bandas españolas son el principal reclamo. Queens of the Stone Age, la banda de Josh Homme responsable de algunos de los mejores directos que hayamos presenciado históricamente, actuarán en el festival el viernes 10 de septiembre. Según la nota de prensa, la organización de DCODE irá desvelando las 9 bandas nacionales e internacionales que completarán la programación del viernes y que se sumarán a este atronador cabeza de cartel.

El sábado 11 de septiembre, y más o menos como estaba planeado de cara a este 2020, será el turno del show completo de VETUSTA MORLA, THE HIVES, MILKY CHANCE, SIDONIE, FUEL FANDANGO, MANDO DIAO, MAXÏMO PARK, CAFÉ TACVBA, BELAKO y ST WOODS, así como de otros nombres que también se confirmarán próximamente. Las entradas están a la venta y también hay una opción para aquellos que quieran transformar su entrada de sábado en abono para los dos días, como se indica en esta nota de prensa:

«Los precios de los tickets son los siguientes: viernes 49 € (+ gastos), sábado 54 € (+ gastos) y abonos a 90 € (+ gastos). Para aquellos que quieran transformar su entrada del sábado en un abono hay disponibles upgrades por 41€ (+ gastos). Asimismo, están a la venta entradas y abonos VIP: entradas VIP de día 120 € (+ gastos) y abonos VIP 200 € (+ gastos). Los abonos y entradas adquiridos para 2020 serán válidos para 2021».

The Avalanches publican su canción más disco

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15 septiembre, 2020

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Seguimos recibiendo, con cuentagotas, eso sí, información sobre el nuevo álbum de Avalanches. La noticia más importante es hasta qué punto este va a ser un álbum de contrastes, pues entre los adelantos de dicho disco estamos escuchando prácticamente de todo. Y la noticia más práctica es que ya tenemos la fecha de edición de un álbum del que hasta ahora apenas conocíamos la portada, como os mostramos en Instagram hace unos días. ‘We Will Always Love You’ no llegará a nuestras manos hasta el 11 de diciembre, ajeno por tanto a las listas con lo mejor del año que se publican en la prensa anglosajona desde Acción de Gracias. Todo ello si es que este año hay Black Friday. Todo ello si es que para finales de 2020 queda algo de la prensa musical.

En cualquier caso, el anuncio viene acompañado de un par de canciones excitantes. Comenzando por la segunda, ‘Take Care in Your Dreaming’ es una composición de corte ambiental, muy cinética en su uso de piano y coros, con un punto hip hop. Han colaborado en ella Denzel Curry, Sampa the Great y Tricky, este último de plena actualidad por la edición de su nuevo disco ‘Fall to Pieces‘. Y la primera es ‘Music Makes Me High’, que hoy elegimos como «Canción del Día».

‘Music Makes Me High’ es una de las composiciones más directas y comerciales que jamás hayan editado los autores de ‘Since I Left You‘, un álbum que abría y marcaba el siglo por su uso desorbitado de cientos y cientos de samples. Esta canción que cuenta con las voces de The Devoted Souls en las estrofas y Salty Miller en el estribillo recrea las fiestas disco de los años 70, el espíritu de programas como ‘Soul Train’ y la magia de grandes clásicos de la música de aquellos tiempos como ‘You Make Me Feel (Mighty Real)’ de Sylvester. En la línea, el texto nos habla del poder curativo de la música, de cómo puede «elevarnos» o, si se prefiere, «colocarnos», dado el uso común en inglés de la palabra «high».

Entre los autores del tema encontramos a Andrew Szekeres de Midnight Juggernauts, mientras el estribillo está inspirado, como muchos habréis adivinado, por una canción antigua: Salty Miller ya cantó ‘Music Makes Me High’ allá por 1980 aunque sin ningún éxito. Al menos a la edición de esta nueva producción de Avalanches, la grabación original no llega a 5.000 reproducciones en un gigante global como Spotify ni a 400 en Youtube.

Con todo lo diferentes que son estas dos nuevas canciones de Avalanches entre sí, cualquier cosa podría pasar en el larguísimo disco que el dúo prepara: nada que ver tampoco con el tema llamado ‘Running Red Lights‘ que contó con la participación de Rivers Cuomo y Pink Siify ni mucho menos con la abstracta canción presentada junto a Jamie xx, Cherry y CLYPSO, ‘Wherever You Go‘. En su fascinante diferencia, estas 3 piezas han pasado por nuestra sección «Canción del Día», aunque también hemos conocido más, como ‘Reflecting Light’ con Vashti Bunyan y el tema titular del álbum con Blood Orange, ‘We Will Always Love You‘.

Lo mejor del mes:

Las salas de conciertos piden reabrir y exigen a Sanidad la retirada de una campaña

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14 septiembre, 2020

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Apenas unos días después de que el ayuntamiento de Murcia, gobernado por el PP, decidiera retirar una campaña en la que se asociaba la pulsera de los festivales a la pulsera hospitalaria, una campaña similar asocia un club a coronavirus, esta vez procedente del Ministerio de Sanidad de Salvador Illa (PSOE). En la imagen se ve una fiesta -quizá un concierto, quizá una sesión de clubbing- con el lema «Pin Pan Fuera», que desemboca en una UCI.

La imagen ha producido la indignación del sector. La PSDC, Plataforma de Salas de Conciertos, que reúne a varias asociaciones como la ACCES (Asociación Cultural Coordinadora Estatal de Salas privadas de Música en directo), ASACC (Associació de Sales de Concerts de Catalunya), KULTURA LIVE (Asociación de salas de música de Euskal Herria) y LA NOCHE EN VIVO (Asociación de Salas de Conciertos de Madrid), ha emitido un comunicado exigiendo que se retire la campaña y se informe convenientemente a las Comunidades Autónomas de cuál es la realidad de lo que se está llamando de manera vaga «ocio nocturno», confundiendo un botellón en un parque con el valor cultural de un concierto organizado con todas las medidas de seguridad. Este es el texto:

«Queremos transmitirle de nuevo nuestra estupefacción ante las propuestas por el Consejo Interterritorial del Sistema nacional de Salud (14 de agosto de 2020) y posterior aplicación de estas medidas por las CCAA, decretando el cierre de los establecimientos del llamado ocio nocturno, denominación en la cual las administraciones están comparando los locales de pública concurrencia, que incluyen las salas de conciertos y locales de música en vivo, con las actividades no regladas, ilegales y que se producen en entornos privados. Ante todo ello, queremos aclararle que:

El ocio nocturno no responde a ningún epígrafe o actividad regulada en las licencias de actividad. Es un concepto utilizado con cierta perversión por los medios de comunicación y ahora por su propio ministerio viendo la campaña “Esto no es un juego” y la odiosa foto que está circulando por redes sociales en la que una imagen de una sesión de baile o de jóvenes en un concierto lleva a otra de una paciente en una UCI. Están estigmatizando un sector cerrado con el contagio y eso es MUY GRAVE.

Las salas de conciertos que forman parte de nuestras asociaciones son equipamientos culturales privados, parte del tejido creativo indispensable para el desarrollo de los artistas. De hecho nuestras salas están enmarcadas en el epígrafe 965.1 de actividades económicas que corresponde a Espectáculos en salas y locales, y ACCES, Asociación Cultural Coordinadora Estatal de Salas privadas de Música en directo, pertenece al Consejo Estatal de las Artes Escénicas y de la Música, órgano dependiente del INAEM (ministerio de Cultura) desde el año 2008.

Sólo en Cataluña y en Madrid existe una licencia específica de salas de conciertos. En Cataluña, tan reciente que no ha podido ser utilizada. En Madrid, a pesar de estar incluida desde 1998 en su catálogo de espectáculos públicos, no es utilizada por la inviabilidad que conlleva su actual redacción y está pendiente de modificación en esta legislatura. En el resto del estado ni siquiera existe esa clasificación, por lo cual las salas pertenecientes a nuestras asociaciones han debido de acogerse a todo tipo de licencias “recreativas” o de “hostelería y restauración” como por ejemplo: discotecas, sala de fiesta, café teatro, café concierto, bar especial…

Por otra parte como en España no existen ayudas para nuestro sector, 100% privado, la actividad de la música en directo en pequeñas y medianas salas de conciertos, muchas veces deficitaria, se sostiene gracias a la actividad complementaria de la hostelería.

El 85% de las salas de conciertos de España permanecen cerradas desde el fin de semana del 7 de marzo, una semana antes de decretarse el estado de alarma. Con la «nueva normalidad» aproximadamente un 15% de ellas, reinició tímidamente su actividad, y lo hizo siguiendo escrupulosamente los protocolos de seguridad, desinfección, distancia social y uso de mascarillas, trabajando con tan solo un 15-25 % real de su aforo técnico.

Por otra parte, la trazabilidad de los asistentes a los conciertos está plenamente garantizada por la compra de entradas on line que permite tener un listado con los datos de contacto de todos los asistentes.

No se ha producido contagio alguno en ningún concierto, y sin embargo la actividad de las salas de conciertos ha sido prohibida por decreto, dejando en el aire cientos de conciertos programados en el que se ven involucrados no sólo músicos, sino todo el personal técnico y auxiliar que se mueve alrededor de un evento de estas características.

Sr. Ministro, con este decreto, en estos momentos los bares pueden trabajar hasta la 1:00AM. Nuestras salas que han invertido en medios materiales y mucho trabajo para diseñar una programación artística para estos meses y para cumplir con los protocolos dictados por su ministerio, de la noche a la mañana, no pueden abrir, y ni siquiera tienen la opción de trabajar en estos mismos horarios, cumpliendo los protocolos con un rigor difícilmente equiparable a otros establecimientos.

Los prostíbulos están abiertos por contar con un tipo de licencia que tienen (cafetería, bar, hotel…). Hasta hace unos días, todavía estaban autorizados eventos multitudinarios como las corridas de toros. Los cines y los teatros pueden estar abiertos incluso programando conciertos. Los gimnasios, el transporte público, conciertos privados de pago en casas particulares hasta para 200 personas…

Entendemos la difícil situación que estamos viviendo y que hay que tratar de compaginar salud con reactivación económica, pero ¿Le parece coherente que se den estos casos tan flagrantes y que una sala de conciertos que cumple con todos los protocolos esté cerrada? ¿Es acaso un criterio objetivo decretar el cierre de salas de música en base a su tipo de licencia y no a su actividad y la toma de medidas de protección?

Como podrá comprender Sr. Ministro, la situación económica de nuestras salas asociadas ha llegado al límite tras 6 meses cerrados, haciendo frente a sus gastos fijos: alquiler, hipotecas, suministros, tasas, impuestos, seguros, cuotas, etc. Muchas salas de conciertos ya no volverán a abrir sus puertas por colapso económico, de hecho, se prevé una quiebra masiva en los próximos dos meses. Nos sentimos, de nuevo agraviados injustamente y ninguneados por esa falta de diálogo en la toma de unas decisiones, que afectan directamente al parque de salas en todo el territorio, que está a un paso de su desaparición total con lo que todo esto implica.

Por todo ello, solicitamos que: Desde el Ministerio de Sanidad se informe a las CCAA de esta situación y que se levante el cierre de las salas con actividad de música en directo que lo soliciten independientemente de la licencia de actividad concedida y puedan reabrir sus puertas para ejercer su actividad cultural, salvo si se considera que un concierto de música en directo, cumpliendo con todos los protocolos sanitarios, sigue siendo un peligro para la ciudadanía, algo que no ha sido demostrado desde el inicio de la pandemia. Y también solicitamos la retirada inmediata de esas imágenes tan lesivas para un sector, que está cerrado Sr. Ministro. Esto no es un juego».

Si no seguimos las recomendaciones sanitarias, ponemos en peligro nuestra vida y la de los demás

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Pin, pan, fuera#EstoNoEsUnJuego pic.twitter.com/yqRvCsQKx6

— Ministerio de Sanidad (@sanidadgob) September 12, 2020

Tomavistas Extra reubica fechas y se celebrará entre el 20 de septiembre y el 2 de octubre

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14 septiembre, 2020

Tomavistas Extra anuncia su vuelta pocos días después de que el festival fuera cancelado por razones de seguridad sanitaria. El evento iba a tener lugar originalmente a principios de septiembre, pero las restricciones de la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid impedían su celebración. Andrea Levy, concejala de Cultura, Turismo y Deportes del Ayuntamiento de Madrid, respondía entonces a las críticas dirigidas hacia ella en redes en palabras a JENESAISPOP, explicando que la decisión de cancelar el festival también había sido tomada por el distrito de salud pública de la Comunidad de Madrid, y que el modelo de Tomavistas, el de conciertos desdoblados en salas, no garantizaba la ausencia de aglomeraciones que pudieran provocar contagios.

El festival informa que la mayoría de conciertos se celebrarán ahora en el recinto de IFEMA los días 20, 23, 24, 25 y 26 de septiembre y anuncia un nuevo concierto, el de Chucho en la Riviera, el día 2 de octubre. La nota de prensa indica que «las entradas adquiridas para los shows de Tomavistas Extra que iban a tener lugar del 2 al 10 de septiembre serán válidas para estas nuevas fechas» y que «el aforo para las actuaciones de Carolina Durante y de Novedades Carminha ya está completo» pero que «se habilitará una lista de espera para los nuevos compradores, para cubrir las posibles devoluciones». Os dejamos con la nota íntegra:

«Hace una semana se nos rompió el corazón al conocer la cancelación de #TomavistasExtra, un proyecto de muchos trabajadores que durante meses han volcado todo su cariño y puesto todo su empeño en reactivar el directo, para acercarnos la música en estos momentos de incertidumbre tan duros para todos.

Gracias al constante apoyo del público, las bandas, patrocinadores, colaboradores y la fuerza de todo el sector musical movilizado en conjunto para defender la #CulturaSegura, el festival ha conseguido reubicar la mayoría de los conciertos en el recinto de IFEMA los días 20, 23, 24, 25 y 26 de septiembre.

Los primeros directos serán los de Natalia Lacunza y dani el próximo 20 de septiembre. La sesión de DJ estará protagonizada por DJ Ópera Primas, representando a la sala El Sol.

El 23 de septiembre tendrán lugar los conciertos de Los Punsetes, Hinds y Nueva Vulcano, junto a Wurli DJ (Wurlitzer Ballroom), y al día siguiente (24 de septiembre) podremos disfrutar de Dorian y L E O, con OchoyMedio DJ del OchoyMedio.

Carolina Durante y Menta actuarán el 25 de septiembre, junto a Say Yes DJ de la Sala Maravillas, y Novedades Carminha y El Cuerpo del Disco lo harán el 26 de septiembre, acompañados por Adrian Le Freak representando a las salas Picnic y Tupperware.

Además, también se ha confirmado el directo de Chucho para el día 2 de octubre, en la sala La Riviera».

Cariño, Chico y Chica, Yelle, Los Punsetes y Disclosure entran en el top 40 de JNSP

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14 septiembre, 2020

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‘Midnight Sky’ de Miley Cyrus continúa siendo la canción más votada de JENESAISPOP por segunda semana consecutiva. Mientras destacan las subidas de ‘ICE CREAM’ de Blackpink y ‘Cyr’ de Smashing Pumpkins, son varias las canciones que llegan a la lista esta semana. Entre las entradas hay varias canciones españolas: ‘Modo avión’ de Cariño y Natalia Lacunza, ‘Mosquita muerta’ de Chycha y ‘Tú y yo’ de Los Punsetes. También ‘Karaté’ de Yelle llega al top 40, lo cual reduce las entradas anglosajonas al caso de Disclosure. Esta semana es momento de despedirse de varios temas que llegan a su 10ª semana o mayor en la segunda mitad de la tabla: ‘Don’t Wanna’ de HAIM’, ‘TKN’, ‘My Own Soul’s Warning’ de The Killers, ‘America’ de Sufjan Stevens y ‘Chicos transparentes’ de Algora. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top	Ant.	Peak	Sem.	Canción	Artista
1	1	1	4	Midnight Sky	Miley Cyrus	Vota
2	4	1	7	Say Something	Kylie Minogue	Vota
3	2	2	42	Blinding Lights	The Weeknd	Vota
4	5	1	25	Break My Heart	Dua Lipa	Vota
5	6	1	32	Physical	Dua Lipa	Vota
6	3	1	16	Rain On Me	Lady Gaga, Ariana Grande	Vota
7	8	1	46	Don’t Start Now	Dua Lipa	Vota
8	9	2	7	cardigan	Taylor Swift	Vota
9	11	9	17	Watermelon Sugar	Harry Styles	Vota
10	10	1	10	What’s Your Pleasure?	Jessie Ware	Vota
11	35	11	2	Ice Cream	Blackpink, Selena Gomez	Vota
12	7	5	25	In Your Eyes	The Weeknd	Vota
13	19	1	56	The Greatest	Lana del Rey	Vota
14	–	14	1	Modo avión	Cariño, Natalia Lacunza	Vota
15	18	3	6	exile	Taylor Swift, Bon Iver	Vota
16	22	3	9	Love Me Land	Zara Larsson	Vota
17	15	8	9	Easy	Troye Sivan	Vota
18	12	2	18	Save A Kiss	Jessie Ware	Vota
19	17	11	6	My Future	Billie Eilish	Vota
20	30	20	2	Cyr	The Smashing Pumpkins	Vota
21	36	21	6	Who’s Laughing Now	Ava Max	Vota
22	13	13	3	Dying Breed	The Killers	Vota
23	29	19	10	Don’t Wanna	HAIM	Vota
24	RE	24	2	Dancing Like Nobody’s Watching	Iggy Azalea, Tinashe	Vota
25	20	6	15	TKN	Rosalía, Travis Scott	Vota
26	23	19	7	Un día (One Day)	J Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny, Tainy	Vota
27	25	18	5	Nuevo verano	Amaia	Vota
28	14	5	4	Video Game	Sufjan Stevens	Vota
29	16	16	11	My Own Soul’s Warning	The Killers	Vota
30	33	12	6	Something More	Róisín Murphy	Vota
31	24	19	5	WAP	Cardi B, Megan Thee Stallion	Vota
32	37	15	4	All of the Feelings	Kiesza	Vota
33	–	33	1	Douha (Mali Mali)	Disclosure, Fatoumata Diawara	Vota
34	–	34	1	Mosquita muerta	Chico y Chica	Vota
35	21	13	10	America	Sufjan Stevens	Vota
36	–	36	1	Karaté	Yelle	Vota
37	28	23	3	Baby It’s You	London Grammar	Vota
38	32	26	10	Chicos transparentes	Algora	Vota
39	–	39	1	Tú y yo	Los Punsetes	Vota
40	38	33	4	Thrill	Future Islands	Vota

Candidatos	Canción	Artista
–	In Spain We Call It Soledad	Rigoberta Bandini	Vota
–	Oxena	DORA	Vota
–	Calor	Monterrosa, Miqui Brightside	Vota
–	Murcia delenda Est	Alexanderplatz	Vota
–	Child of the Flatlands	Clean Bandit	Vota
–	Surreal	Dan Croll	Vota
–	Fall Please	Tricky, Marta	Vota
–	Tan felices	Chef Creador, Malamute	Vota
–	Mi mejor momento	Varry Brava	Vota
–	Be a Rebel	New Order	Vota
–	Let’s Love	David Guetta, Sia	Vota
–	Strange Timez	Gorillaz, Robert Smith	Vota
–	Get Paid	Aluna, Princess Nokia & Jada Kingdom	Vota
–	All Nerve	Belako	Vota
–	Pigeons	Bill Callahan	Vota
–	The Turning of Our Bones	Arab Strap	Vota
–	We Are Chaos	Marilyn Manson	Vota

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La gala de los premios MIN se emitirá por televisión el día 16 de octubre

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14 septiembre, 2020

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Los premios MIN fueron una de las primeras instituciones de la música española en sufrir las consecuencias del coronavirus: la enésima gala de los premios, con Rodrigo Cuevas, Kase.O y Viva Suecia entre los artistas nominados, iba a celebrarse el día 11 de marzo, pero fue pospuesta sine die por precaución sanitaria pocos días antes de que fuera decretado en España el estado de alarma.

Más de medio año después, los premios MIN, de los que JENESAISPOP es medio colaborador, se celebrarán por fin, pero no como de costumbre. Esta vez, la gala no admitirá presencia física de público sino que será televisada. La entrega de premios se grabará en los estudios Movistar y se emitirá el día 16 de octubre a través de Movistar+ (Movistar CineDoc&Roll) a partir de las 22.00 horas. La cantante y actriz Leonor Watling será la maestra de ceremonias. «Gracias al apoyo de Movistar+, cambiaremos los asientos del teatro por los del sofá pero mantendremos lo esencial: la participación de los artistas, de los entregadores y también habrá actuaciones», indica la nota de prensa. Dichas actuaciones serán confirmadas en los próximos días.

En la citada nota, los premios MIN indican que «solo por celebrarse», la próxima gala será «muy especial», pero además, durante la ceremonia se hará hincapié en la desatención que ha sufrido el sector cultural durante la crisis del coronavirus. El texto dice: «En un momento tan extremo para el sector, desde UFI queremos lanzar un mensaje de ánimo y, sobre todo, de unidad a todos los profesionales de la industria musical. Por eso, durante el programa habrá varios guiños a la unidad de todo el sector, independientes y Majors, porque solo juntos y trabajando como una industria común, conseguiremos salir de esta crisis. Además, en el programa se homenajeará a los festivales de música que este año no se han podido celebrar, a los estudios de grabación como extensión de los artistas, que durante meses no han podido trabajar y a los locales de ocio nocturno, que todavía hoy siguen sin poder realizar su actividad».

Los Premios MIN añaden que tantos ellos como como la Unión Fonográfica Independiente (UFI) «se unen al movimiento de #CulturaSegura para demostrar que se puede y que tenemos derecho a continuar trabajando y realizando nuestra actividad de manera segura y responsable». Recordamos bajo estas líneas los artistas nominados en las categorías principales, las cuales puedes consultar al completo en la web oficial.

Álbum del Año
Anni B Sweet / Universo por estrenar
Cala Vento / Balanceo
Kiko Veneno / Sombrero roto
Novedades Carminha / Ultraligero
Rodrigo Cuevas / Manual de cortejo

Mejor artista
Kase.O
La Bien Querida
Novedades Carminha
Viva Suecia
Zahara

Mejor Artista Emergente
Cariño
Colectivo Da Silva
Delaporte
Guitarricadelafuente
Rodrigo Cuevas

Canción del Año
Anni B Sweet / Buen viaje
Kase. O / Bacalao
La Casa Azul / El final del amor eterno
Rodrigo Cuevas / El día que nací yo
Viva Suecia / Lo que te mereces

Mejor Álbum de Pop
Anni B Sweet / Buen viaje
Kiko Veneno / Sombrero Roto
La Bien Querida / Brujería
La Casa Azul / La gran esfera
Novedades Carminha / Ultraligero

Mejor Álbum de Rock
Cala Vento / Balanceo
Fuerza nueva / Fuerza nueva
Lagartija Nick / Los cielos cabizbajos
Viva Suecia / El milagro
Yawners / Just Calm Down

Mejor Grabación de Electrónica
Califato 3/4 / Puerta de la Cânne
ElyElla / Dreamers
Hidrogenesse / Joterías bobas
Le Parody / Porvenir
Mucho / ¿Hay alguien en casa?

Mejor Vídeo
Kase.O / Mitad y mitad
La Casa Azul / El final del amor eterno
Ladilla Rusa / Kitt y los coches del pasado
Rodrigo Cuevas / Muñeira para a filla da bruxa
Zahara / Con las ganas 2019

Mejor Directo
Kiko Veneno
Novedades Carminha
Viva Suecia
Xoel López
Zahara

Clean Bandit se apuntan otro éxito inaudito: ‘Tick Tock’, en compañía de Mabel y 24KGoldn

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14 septiembre, 2020

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Mientras algunos se desviven por conseguir un hit a través de todo tipo de descuentos, actuaciones y videoclips, parece que a algunos les salgan las cosas bien casi sin esfuerzo. Clean Bandit pasaron desapercibidos por las listas cuando hace 3 semanas se publicaba su nuevo tema, que se llama casi, casi, como la red social de moda, ‘Tick Tock’, pero desde entonces el tema no ha dejado de crecer en las listas.

‘Tick Tock’ fue top 40 por los pelos a su salida, y cuando parecía sentenciado, pasó justo todo lo contrario: no ha dejado de ascender, ya es número 14 en Reino Unido y pronto asaltará el top 10. Más aún, el tema ha aparecido al fin en el top 200 global de Spotify casi un mes después de su lanzamiento, dada su buena aceptación en lugares como Noruega, Suecia, Alemania u Holanda. España no está aún entre los países que más está celebrando la nueva idea de los autores de ‘Rather Be’ y ‘Rockabye’ pero parece cuestión de tiempo que el mundo entero se rinda ante lo nuevo del grupo.

La canción es exactamente lo que uno esperaría que Reino Unido enviara a Eurovisión, pues dura 3 minutos exactos y tiene sus armas al respecto, como la sencillez y lo al grano que va. Una lástima que la televisión británica no se decida a seguir esta línea, ni siquiera en cuanto a co-autorías. En la carrera de Clean Bandit, en cambio, no supone riesgo alguno, en una lista de canciones indiferenciables unas de otras, en su alternancia de la EDM con los arreglos orquestales y pese a que ya hace tiempo que el violinista de los inicios Neil Amin-Smith no forma parte del grupo, aunque podéis seguirle en Instagram.

Creada antes de la pandemia como una colaboración con Mabel, aún en boca de todos por el éxito de ‘Don’t Call Me Up’, la canción habla sobre estar obsesionada con un chico. Se presupone el primer single del tercer disco de Clean Bandit (en 2018 sacaban ‘What Is Love?‘), cuya fecha de lanzamiento aún está por determinar, pero además es ya un extra en el debut de Mabel: lo creáis o no podéis encontrarlo en las plataformas de streaming como parte de ‘High Expectations‘ como si siempre hubiera estado allí.

Jack Patterson de Clean Bandit ha negado cualquier tipo de relación con la red social TikTok, pese a que no ha hecho ningún mal un poco de promo extra; y la participación del rapero 24KGoldn, muy conocido por hits como el peculiar ‘CITY OF ANGELS’ -peculiar por su uso de las guitarras eléctricas- y ‘Valentino’, ha tenido que grabarse desde la distancia, pues no se ha podido quedar en persona.

’Tick Tock’ se ha presentado con un colorido vídeo en el que Mabel aparece en la ventana de una casita como de cuco, mientras el resto de miembros participantes también tienen su aparición estelar. A la caza de más y más puntos para las listas, se ha estrenado una versión acústica, acompañada igualmente de un videoclip con una estética muy similar, no apta para diabéticos. El tema también ha sido promocionado en la final de The Voice Kids UK, donde Clean Bandit y Mabel lo interpretaron en vivo.

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6ix9ine / TattleTales

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