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Vega sobre ‘Con altura’: «Insultad lo que queráis, la canción es infumable»

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Vega, autora de discos tan notables como ‘Wolverines‘ y sobre todo el reciente ‘La reina pez‘, donde había tan buenas canciones como ‘Sally’ o las impresionantes ‘Santa Cristina’ y ‘Después de ti’, no está muy impresionada por el nuevo single conjunto de Rosalía, J Balvin y El Guincho.

Aunque no ha mencionado el tema, sin duda se refiere a ‘Con altura‘ en un par de tuits en el que menciona «con mucha altura», hace una rima con «dura» o habla del vestuario de Rosalía. Sus palabras son de una honestidad brutal, pocas veces vista en estos tiempos de autocensura: «Mátame camión. Todo con mucha altura, tanta q no sé x donde empezar. La coreo cuando viste de negro monogram LVMH: me va a cabrear mucho cuando vea a una niña de 9 copiándola, la altivez… Todo esto es duro, no sé si dura. Insultad lo que queráis, la canción es infumable».

La cantante continúa incluso cuestionando la calidad de ‘El mal querer’, hablando de «supuesto álbum de culto»: «No pongo ni el enlace. Y colorín colorado… de esta forma la industria engulle y pasamos de un supuesto álbum de culto a esto». De sus palabras se deduce que culpa a las exigencias actuales de la industria de este -a su entender- bajón de calidad. Os recordamos que tras concursar en OT, Vega pasó de editar discos en Vale Music y Universal a la autoedición y finalmente su último lanzamiento ha salido en un sello independiente, Subterfuge.

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No es una broma: Ariana Grande saca un single totalmente nuevo el lunes junto a Victoria Monét

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Ariana Grande, en el número 1 del Billboard Hot 100 desde hace 7 semanas, piensa ya en nuevo material. Su nueva idea es lanzar un single llamado ‘Monopoly’ junto a su colega y co-autora de confianza Victoria Monét, con quien por ejemplo actuó en la gala benéfica de Manchester tras el atentado en el que murieron 22 de sus fans. En aquel One Love Manchester interpretaron un tema conjunto, ‘Better Days‘. Puedes recordarlo al final de esta noticia.

Ariana, que en el plazo de menos de un año ha sacado 2 discos de estudio, los exitosos ‘Sweetener‘ y ‘thank u, next‘, indicaba en Twitter que la canción nueva de hecho iba a salir hoy, pero finalmente se ha dado cuenta de que no estaba apropiadamente mezclada, por lo que Victoria Monét le sugería que saliera el lunes. Está acordado, y de hecho esta ha respondido a un «follower» que no se trata de una broma de April Fools, pues el lunes es 1 de abril, el día de los Santos Inocentes en el mundo anglosajón. En su respuesta Victoria indicaba que la canción era «divertida», pero que el anuncio no era una broma.

Aunque luego lo ha borrado, Ariana Grande ha dicho que le gusta sacar canciones espontáneamente y que siente que es mejor para su salud mental, tras haber sufrido episodios de ansiedad. Por otro lado, recientemente, durante su gira, ha interpretado en vivo un tema que estaba en un cajón desde 2016, pero que sus fans conocían igualmente a través de un teaser en Snapchat. Se llama ‘She Got Her Own’ y en ella la acompañó también Victoria. También puedes verlo bajo estas líneas.

Ni que decir tiene que este inminente tema conjunto puede ser un gran salto para Victoria Monét, que a pesar de haber lanzado varios EP’s y diversos singles, aún no ha cosechado éxitos por su cuenta. De momento, la cantante es más conocida por escribir para otros. Sobre todo lo ha hecho para Ariana desde los tiempos de ‘Yours Truly’ (2013) y hasta hoy: la encontramos en ‘7 Rings’, ‘thank u, next’ o en ‘My Everything’. Pero también ha trabajado con Machine Gun Kelly, Fifth Harmony o Nas. Sus mayores éxitos, ‘Do You Like It’ y ‘Love U Better’, juguetean con el tropical house.



Mueren los dos miembros del grupo británico Her’s en un accidente de tráfico

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Stephen Fitzpatrick y Audun Laading, los dos integrantes del grupo de Liverpool conocido como Her’s, han fallecido en un accidente de tráfico. Su tour mánager, Trevor Engelbrektson, también pereció en el siniestro. La triste noticia se produjo el pasado miércoles, 27 de marzo, pero no ha sido hasta la última hora de anoche cuando se ha dado a conocer por parte de su sello, Heist or Hit (que editan a los españoles Baywaves en Reino Unido, por ejemplo). En su comunicado, explican que en el momento del accidente Her’s se encontraban de camino hacia un concierto en Santa Ana, California, dentro de la gira de 19 fechas que estaban realizando por Estados Unidos.

«Estamos todos destrozados», dice el texto, antes de destacar que el dúo se encontraba en un gran momento artístico, que además de pedir a los fans respeto a la privacidad del grupo, dedica unas bonitas palabras hacia ellos: “Su energía, vibración y talento llegaron para dar forma a nuestro sello. (…) Como seres humanos, eran cálidos, amables y divertidos. (…) Decir que eran cercanos (entre ellos) sería subestimar una amistad que era genuinamente bonita de ver; se querían como hermanos».

Como explicábamos a principios de 2017, cuando Her’s eran confirmados en la edición de aquel año de Madrid PopFest, Fitzpatrick y Laading practicaban una curiosa amalgama de surf-pop a lo Ducktails, Mac DeMarco o Ariel Pink, si bien los ecos de The Smiths permanecían latentes en sus melodías. Tras varios singles previos, aquel año publicaban su disco debut, ‘Songs for Her’s‘, destacando en él temas deliciosos como ‘Cool With You’ y ‘Marcel’. Meses después de actuar en el FIB 2018, Her’s lanzaban ‘Invitation to Her’s‘, un segundo trabajo en el que pulían su estilo con canciones reposadas y encantadoras como ‘Under Wraps’, ‘Harvey’ o ‘Low Beam’. Una terrible tragedia para el pop.

Carlos Jean samplea a Las Bistecs en ‘Thumbs Up’, para una serie de… «griegos», romanos

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Carlos Jean había anunciado que este viernes 29 de marzo saldría un nuevo single suyo llamado ‘Thumbs Up’. Corresponde al tema inspirado en la serie ‘Justo antes de Cristo’ de Borja Cobeaga (‘Pagafantas’, ‘Ocho apellidos vascos’, vídeo de La Buena Vida), que se estrena el próximo 5 de abril. En las redes, el productor había promocionado el tema disfrazándose con el vestuario de la serie, en sintonía con su carácter humorístico. Lo que no sabíamos es que había en ciernes un sample de Las Bistecs, en concreto de ‘HDA’, lo que tiene todo el sentido si recordamos su estribillo «griegos, romanos, son todos humanos».

Creada por Montero y Maidagán (‘Cámera Café), y co-dirigida por Cobeaga junto a Pepón Montero, ‘Justo antes de Cristo’ incluye en su elenco a Xosé Touriñán, Cecilia Freire, Priscilla Delgado, Eduardo Antuña, César Sarachu, Aníbal Gómez, Manolo Solo y Marta Fernández Muro. La acción se sitúa en el año 31 antes de Cristo, cuando «Manio Sempronio, un acomodado patricio, mata sin querer a un senador y es condenado a muerte. Incapaz de acabar con su propia vida, pide que le conmuten la pena por cualquier cosa, lo que sea. Así es enviado como legionario a Tracia, la tierra donde su padre, El Magnífico, forjó su leyenda como militar. A la carga de recuperar el honor familiar, hay que sumarle que le acompaña su esclavo Agorastocles: un amigo, un hermano… Otra carga. Éste tiene ambiciones propias que, como todo esclavo, sólo puede vivir a través de su amo».

En el videoclip estrenado hoy aparecen algunos de los actores del elenco y se puede intuir cuál será la onda de ‘Justo antes de Cristo’. Os recordamos que Las Bistecs se separaron recientemente.

‘Nación salvaje’: feminismo y cultura pop para combatir a la América de Trump

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Las palabras “bullying”, “drogas”, “armas”, “abuso”, “homofobia”, “transfobia”, “racismo” y “sexismo”, entre otras, llenan la pantalla con los colores de la bandera americana pocos minutos después del comienzo de ‘Nación salvaje’. Lo hacen a modo de advertencia ante lo que nos vamos a encontrar, cuando la voz en off de Lily, la protagonista de 18 años, nos anticipa que esta es la historia de cómo un barrio residencial como Salem (sí, donde ejecutaban a las brujas en el siglo XVII) se volvió “jodidamente loco” hasta el punto de querer matar a cuatro chicas adolescentes. Toda esta locura se desencadena por culpa de la filtración de fotos y mensajes de los ciudadanos de la zona.

Sam Levinson cambia de registro con respecto a su primera película ‘Another Happy Day’ y en esta ocasión se adentra al completo en diseccionar sin tapujos la sociedad americana actual. Esa en la que todo el mundo vive una vida paralela a través de su smartphone y nadie quiere mostrar su verdadera forma de ser por miedo a la exclusión social. El tono en el que se narra la historia es puramente postmoderno, y abarca géneros tan variados como la sátira política, la comedia adolescente e incluso el slasher ultraviolento. El resultado es una mezcla explosiva entre ‘Spring Breakers’, ‘The Purge’ y ‘Black Mirror’ en la era Trump.

Su agresivo estilo visual captura la rabia de los tiempos agitados en los que vivimos, especialmente si formas parte de un grupo históricamente oprimido. Las protagonistas representan el progreso y, de alguna forma, la normalización de la diversidad (recordemos que una de ellas es la actriz trans Hari Nef). Levinson simboliza así que, en parte, hay cierto optimismo en las nuevas generaciones. Son cuatro mejores amigas que luchan por vivir libremente, desafiando al machismo que aún a día de hoy sigue absolutamente arraigado en nuestra cultura.

‘Nación salvaje’ está llena de ira y de odio, y quizá por eso, es una de las radiografías más certeras sobre nuestra sociedad que se han visto en tiempo en una pantalla de cine. Es una cinta que narra desde la perspectiva de una generación que se ha criado con las redes sociales. Y plasma de maravilla ese contraste que se genera entre lo positivo que es tener toda la información a tu alcance, que deriva en una mayor conciencia de movimientos como el feminismo, en ser más tolerantes con lo diferente o en tuitear sin pensarse dos veces que “los hombres que no comen coño hoy en día son unos sociópatas”; y el riesgo que conlleva estar expuesto continuamente, que tus datos lleguen a la persona equivocada o lo peligroso que es que las fotos que ves de cuerpos “perfectos” en Instagram sean tu modelo a seguir.

Pero todos los temas importantes que expone la película de Levinson no la alejan de ser tremendamente dinámica y entretenida. Toda una fiesta cargada de excesos y recursos genuinamente posmodernos (como el ya épico momento en el que estando en silencio, Bex, dice “Oh Dios, me encanta esa canción” y el resto le preguntan que cuál, a lo que ella responde chascando los dedos: “esta”, y empieza a sonar el genial remix de Charli XCX para ‘100 Bad’ de Tommy Genesis), que funciona como una bomba de relojería contra el sistema patriarcal. También cuenta con una interesante banda sonora en la que además de la mencionada canción, suenan ‘Brat’ de ABRA (que además es una de las actrices protagonistas), ‘Grace’ de Sevdaliza, ‘Friends’ de Blaise Moore, la inédita ‘Bricks’ también de Charli XCX y Tommy Genesis, o una inesperada versión del ‘We Can’t Stop’ de Miley Cyrus.

‘Nación salvaje’ es una de esas películas que generarán amores y odios a partes iguales, pero desde aquí reivindicamos esta caza de brujas contemporánea como una de esas experiencias cinematográficas que, por única, merece la pena vivir. 8.

Sigur Rós responden a otra acusación de evasión de impuestos y celebran el 20 aniversario de ‘Ágætis byrjun’

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Sigur Rós son noticia porque sus cuatro miembros Jónsi Birgisson, Georg Holm, Kjartan Sveinsson y Orri Pall Dyrason (que ya no está en la banda tras haber sido acusado de abuso sexual) están siendo acusados otra vez de evasión de impuestos. Entre 2011 y 2014 habrían evadido en total lo equivalente a algo más de 1 millón de euros. El grupo ya había sido acusado de evadir impuestos, pero esta vez están siendo cuestionados por las autoridades locales en lugar de por el gobierno islandés, a raíz de una investigación que comenzó hace 3 años.

Sigur Rós han emitido un comunicado recogido en Pitchfork en el que indican que en diciembre de 2018 sus números entre 2011 y 2014 ya quedaron aclarados y que ya no hay “desacuerdo” entre ellos y la Hacienda islandesa. Esperan que se “entienda su punto de vista” e indican que siempre “han tenido intenciones absolutas de cumplir con sus obligaciones fiscales”. Un abogado indica que el grupo no es experto en estas cuestiones por lo que contrató a “expertos internacionales”, si bien parece que las devoluciones contenían “errores” y no llegaron a tiempo. Hasta que se celebre el juicio algunos bienes de Sigur Rós permanecerán embargados.

Por otro lado, el grupo celebra este año el 20º aniversario de la que se considera ampliamente su obra maestra, ‘Ágætis byrjun’. El álbum salió el 12 de junio de 1999, consolidando a los islandeses como una de las bandas más prestigiosas e influyentes de las últimas décadas, sobre todo en cuanto al género del post-rock, pues ‘Ágætis byrjun’ puede seguir siendo a día de hoy el álbum de post-rock más bonito y emocionante que se ha hecho.

Con motivo del aniversario de este álbum, Jónsi y compañía lo reeditarán el 21 de junio junto a una serie de discos extra contenidos en una caja especial. La caja, llamada ‘Ágætis byrjun – A Good Beginning – 20th Anniversary Edition’ se compondrá del álbum original en doble vinilo, otro doble vinilo con el directo ‘Live at Íslenska Óperan 1999’ y una colección de tres vinilos con maquetas, rarezas y algunas grabaciones en directo tempranas (7 vinilos en total), además de un suculento libro de 84 páginas encuadernado en tela. Esta caja saldrá también en formato de 4 CDs.

De momento, Sigur Rós comparte un “video teaser” de esta caja recopilatoria y el directo en la ópera islandesa de ‘Flugufrelsarinn’. Más información sobre el regalo que vas a hacer a tu mejor amigo fan de Sigur Rós para su cumpleaños o en Navidad, en su web. Mientras, seguimos sin conocer continuación del que hasta ahora es el último disco de estudio de Sigur Rós, ‘Kveikur‘, si bien el grupo ha seguido de actualidad, por ejemplo, componiendo la música para un capítulo de ‘Black Mirror’. ¿Alguien recuerda que Sigur Rós lanzaron un single en 2016?

Rammstein repasan la historia de la violencia en Alemania en su épico nuevo videoclip

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Rammstein habían suscitado polémica con el avance de 13 segundos de su nuevo videoclip, ‘Deutschland’ (“Alemania”), que representaba a los integrantes de la banda alemana cual presos en un campo de concentración nazi, vestidos con pijamas de rallas y con sogas en sus cuellos, a punto de ser colgados. La política alemana ha llegado a pronunciarse al respecto de este vídeo, como Felix Kelin, comisionado del Gobierno alemán para asuntos de antisemitismo, que considera «la escenificación de los músicos de Rammstein como presos de campos de concentración condenados a muerte rebasa una línea roja», apuntando que «si esto sólo sirve para fomentar la venta del nuevo álbum, lo considero un uso de mal gusto de la libertad artística».

El vídeo, dirigido por Specter Berlin, ya está disponible, dura 9 minutos y revela que la escena del campo de concentración es una más en una pieza que parece representar varias etapas de la historia de la violencia en Alemania, desde la medieval hasta la futura pasando por supuesto por la del Holocausto, si bien en un momento del vídeo parece que todas ellas se confunden en un mismo espacio-tiempo. El vídeo es épico y violento a partes iguales, e incluye entre otras una escena en la que unos presos disparan en la cabeza a varios oficiales nazis.

Así, Rammstein vuelven por la puerta grande con su primer single en mucho tiempo. Fue en 2009 cuando publicaron su último álbum, ‘Liebe ist für alle da’, y será el próximo 17 de mayo cuando salga el siguiente, que los alemanes apoyarán con una gira mundial que les podrá ocupar durante “tres o cuatro años”, según han declarado en una entrevista recientemente.

La editorial de Ana Guerra rectifica: su libro ‘Con una sonrisa’ no es de «autoayuda»

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Ana Guerra ha presentado hoy su libro, que recibe el nombre de ‘Con una sonrisa‘. A lo largo de 160 páginas cuenta cómo «el sueño de dedicarse a la música se hizo realidad» en el que resulta «el libro más personal de Ana Guerra». Eso sí, el libro ha sido noticia por aparecer en la web de la Editorial Planeta bajo el epígrafe de «autoayuda y superación». Esto ha tenido que ser rectificado por la propia Ana Guerra en sus redes, pues la cantante no está especializada en la materia.

En Twitter ha explicado rápidamente: «Ha habido un error, mi libro NO es de autoayuda ni de superación.
Mi libro cuenta parte de mi historia y mis experiencias personales. Nada más lejos que dar consejos a la gente de cómo vivir su vida o superar sus problemas. Y la editorial está modificándolo». Sus palabras han sido órdenes y en la web correspondiente se ha cambiado el epígrafe por «juvenil», sumando al de «a partir de 12 años» que ya aparecía.

La sinopsis completa del libro, ya a la venta, indica: «Hace solo un año, mi sueño de dedicarme a la música se hizo realidad. Eso es lo más maravilloso que me ha pasado jamás. Pero también me da mucho vértigo. Por eso intento no olvidar nunca todo lo que he aprendido en el largo camino que me ha traído hasta aquí. Y así es como nació este libro, para recordar cuáles son las cosas importantes de esta vida y para dar las gracias, con una sonrisa, a todas las personas que me han acompañado en este viaje».

Ana Guerra ha publicado este mismo año su disco ‘Reflexión‘, que en su 8ª semana en el mercado es puesto 49 de la lista de ventas española y número 97 en la de streaming.

Ominira, Sunny Girls, Matote, Halley, Teana y Egosex, finalistas de Bala Perduda

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Este jueves 28 de marzo se ha celebrado en la Sala Apolo de Barcelona la última semifinal de Bala Perduda. El concurso cazatalentos de Apolo ha enfrentado a varias bandas en las últimas semanas con el objetivo de llegar a una final que garantizará a la banda ganadora un lugar en el cartel de Primavera Sound y financiación para grabar su primer disco. Egosex ha sido la última banda en clasificarse para la final, sumándose a la banda de power-punk de Barcelona Teana, al cantante de R&B Halley, cuyo tema ‘TLC’ estrenábamos hace unos meses; y a los primeros tres finalistas del concurso, estos son, Matote, Sunny Girls y Ominira. El 25 de abril, la final.

Tras atrasarse su encuentro una semana, las bandas rivales que se han enfrentado esta noche en Bala Perduda han sido Telescope, Bright Joy y Egosex. Los primeros, desde Barcelona, practican un rock psicodélico muy 60s y melódico, deudor de los Beatles pero también de las “nuggets” punk de The Seeds, como puede escucharse en las 3 canciones contenidas en su EP de 2017, destacando ‘With Your Truth’.

Por su parte, Bright Joy vienen de Manresa y practican un “cold wave” que, a tenor del audio que nos pasan de su primer single, ‘No Dead’, grabado en La Atlantida de Barcelona, podemos situar en los 80, en concreto en las canciones de Echo and the Bunnymem, Siouxie o los primeros The Cure. De momento no existen canciones de Bright Joy disponibles en las plataformas de streaming, pero puedes escuchar una parte de su directo en el evento de Facebook de Bala Perduda.

Por último, Egosex, ganadores de esta última semifinal, habían despuntado en esta tanda de grupos por su sonido R&B y soul alternativo, que puede gustar a fans tanto de serpentwithfeet como de Michael Kiwanuka. Ellos son el vocalista Wekaforé, el guitarrista Hugo y el percusionista Lluís y su descripción en Soundcloud revela que ellos llaman a su música “trance jungle blues”. La banda “mezcla sonidos primitivos con arreglos futuristas para explorar temas de espiritualidad, asuntos de amor moderno y política”. Si todavía no te ha convencido, escucha ‘Love & Guidance’. Toda la información sobre Bala Perduda, en la web de Apolo.

FEWS / Into Red

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El grupo sueco-norteamericano –aunque afincado en Londres– FEWS lanza su segundo disco ‘Into Red’ en un momento complicado para ellos: según anunciaban en sus redes sociales, su miembro fundador David Alexander abandona la banda después del tour europeo que están desempeñando estos días para presentar el disco. Así que su concierto de este próximo sábado, 30 de marzo, en la Sala Razzmatazz de Barcelona (la fecha de Madrid ha sido cancelada por motivos ajenos al grupo) será muy posiblemente la última oportunidad de verles en directo en su formación original, antes de ver cómo afrontan su salida. Esperamos que lo hagan rápido y bien, puesto que la propuesta que realizan en este nuevo álbum es realmente excitante.

Y es que FEWS obran en él un interesante giro al rock con tintes de post-punk, psicodelia y kraut de su debut ‘MEANS’. Sin apartarse de esos preceptos sonoros, la producción de Joakim Lindberg (el también miembro del grupo Hate dirigió la grabación en Malmö) deja espacio para respirar a los instrumentos, permitiendo así destacar su parte más pop y luminosa. Esta brilla como nunca lo hizo antes en temas que, más que a los mejores Interpol, Preoccupations o A Place to Bury Strangers (aunque vuelven a servir como referentes para cortes menos sorprendentes como ‘Over’, ‘Business Man’ y ‘Limits’, respectivamente), remiten a nombres tan variopintos como Slowdive (en ‘Quiet’, sobre todo, la más pop shoegaze), Pixies (en la pegadiza ‘Paradiso’, y no sólo porque su gancho culmine con las palabras “gone to heaven” o porque les hayan teloneado), Ride (‘Suppose’) o Temples (‘Fiction’).

Pero lo verdaderamente interesante de este ‘Into Red’ no son tanto sus referentes sino cómo el cuarteto los deglute en una mezcla tan contundente –con esos bajos musculosos tan Peter Hook que percuten insistentemente– como atractiva, gracias sobre todo a unas melodías que ni mucho menos se esconden, sino que toman el primer plano. Así, ‘More Than Ever’, ’97’ o las citadas ‘Paradiso’ y ‘Quiet’, sobre todo, se convierten en grandes joyas de pop de este 2019, capaces de mover y conmover a cualquier melómano, independientemente de su estilo favorito. Así que, llegados a este punto de autoconocimiento y capacidad para conectar con el público, ojalá que FEWS logren sobreponerse a la marcha de Reynolds y continuar esta línea en el futuro.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘More Than Ever’, ‘Paradiso’, ‘Quiet’, ‘Suppose’, ’97’
Te gustará si te gustan: Preoccupations, Pixies, Interpol, Slowdive
Escúchalo: Spotify

Zahara se lanza a lo loco a la pista de baile con ELYELLA en ‘Dance Forever’

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Zahara hace rato que no es una cantautora al uso. Los sintetizadores han ocupado gran parte de su trayectoria desde ‘Caída libre’ a la reciente e icónica ‘Hoy la bestia cena en casa‘. Pero aunque estas dos canciones pueden funcionar bastante bien de madrugada en las pistas de baile más poperas, ha dado un paso más hacia la euforia de los clubs con su colaboración con ELYELLA, por cierto en inglés, en su nuevo single ‘Dance Forever’.

Se trata de un tema de clara vocación electropop, un poquito italo y también un poquito EDM, marcadísimo por la luminosidad de su melodía. La canción ha sido co-escrita por Amatria, aunque no por Zahara, que en este caso ejerce solo de vocalista. Amatria hace coros, como el Coro Cuchuflete (45 niños y niñas) y también aparecen unas guitarras de de Luis Rodríguez de León Benavente. La mezcla es de Max Dingel (White Lies, Miss Caffeina).

‘Dance Forever’ se une a ‘Hola, ¿Qué tal?’ (feat. Jero Romero) y a ‘Sister’ (feat Neuman) como adelantos de ‘Dreamers’, el álbum debut de ELYELLA. El disco no saldrá hasta el 4 de octubre, pero hasta entonces podremos oír hasta un tema por mes. Parece, por tanto, que el hit ‘Magic’ y la famosa colaboración con Viva Suecia de ELYELLA, ‘Todo lo que importa’, la que trató de animar al Real Madrid (a la postre sin mucho éxito, pues el club ha firmado un año pésimo), quedarán fuera del disco.

La Canción del Día: el castellano sienta estupendamente a Fuckaine en ‘Saigo’

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Fuckaine, ganadores de varios concursos cazatalentos de la década, de aquel del Día de la Música al Dcoder de 2013, entre otros, y autores de discos como ‘Totally Contagious‘ (2014) y ‘Pizza Valentine’ (2016), están preparando un nuevo álbum. Acaban de editar un nuevo single, tan tenebroso como ‘Magia oscura’, pero la noticia quizá es lo bien que suena el tema que sacaron el mes pasado y que ha supuesto su primera canción en castellano.

El cuarteto liderado por Tábata Pardo (bajo, voz y teclado) y Fran Meneses (voz, guitarra y sintetizadores) arranca ‘Saigo’ como una psicodélica bossa muy particular que va mutando a lo largo de su desarrollo hacia los trucos de producción de gente como Radiohead o Tame Impala, el easy-listening y las bandas sonoras de los años 60. Su letra nos habla de «la muerte» y «pesadillas», mientras el estribillo repite: «Saigo / Te siento libre / Saigo / Perdóname que no te mencionase / Sé tu secreto / El día en que nos encontraste». El vídeo, un thriller desde retretes y dormitorios, bajo la dirección de Fernando Valentí, contiene una reflexión según el propio director: «me gustaría que pensaseis en algunas cosas. Que pensaseis en cuánta gente está siendo testigo de vuestras vidas desde la taza del váter, y en los sentimientos que motivan la ostentación en redes. También si todo ese material que compartís realmente habla de vosotros y vuestras vidas, y de si sería capaz de conformar, al final de las mismas, un buen vídeo representativo para vuestras lápidas».

La explicación de lo que será el disco tampoco tiene desperdicio: «hemos plasmado cosas que no hemos vivido: los dinosaurios, Britney Spears, Wild Wild West o los primeros pasos de las Grecas. También experiencias personales espirituales, relacionadas con los astros y esas movidas. Hay bastantes canciones que no tienen ni guitarra o, si las hay, son sampleadas. Algunas en la composición se parecen más al hippie-pop que al rock. Otras canciones son pop del bueno, del de siempre».

Fuckaine se encuentran inmersos en el tour Girando por Salas y tras haber pasado por Sevilla les esperan estas cuatro fechas desde hoy mismo, jueves 28 de marzo:
28 de marzo Ambigú Axerquía – Córdoba (Gps)
29 de marzo Pelícano – Cádiz (Gps)
5 de abril Sala Continental – Barcelona (Gps)
12 de abril Novo Café Lisboa – Palma (Gps)
17 de mayo Espai Octubre – Valencia (Gps)
18 de mayo Sala Rem – Murcia

Santiago Auserón responde al desprecio de Iván Ferreiro hacia Radio Futura en una entrevista

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Había pasado medio inadvertido… hasta ahora, cuando ha respondido el propio Santiago Auserón. En una entrevista ofrecida a ABC el pasado mes de septiembre, días antes de publicar ‘Cena recalentada’ –disco en el que reinterpreta el cancionero del grupo Golpes Bajos– Iván Ferreiro decía esto al periodista Nacho Serrano: «Golpes me encantan, pero para mí el verdadero grupazo español de todos los tiempos es El Último de la Fila. Salían a tocar con el disco recién salido, sin ayuda de compañías… eran indies de verdad. Y hacían unos temazos que eran un puto desfase. Fueron el bandón con la carrera más brillante que ha habido en este país, y nadie dice nada. Nos mean a todos, me río de Vetusta, me río de mí y de todos. Comparados con ellos, somos todos unos putos aficionados».

La polémica viene a continuación, cuando Serrano le lanza un «Mucho Radio Futura, Radio Futura…» que inflama a Ferreiro: «Radio Futura en directo eran una puta mierda. De eso no se habla. Y seguro que Santiago Auserón te lo dirá: «Éramos una puta mierda». Se iban a grabar a Nueva York y no sabían tocar lo suyo, era desastroso. Y el directo estaba grabado en un estudio, porque no les daba. Tenían a un cerebro maravilloso, que era Santiago Auserón, pero los demás no estaban a la altura. Santiago empezó a tener músicos guays cuando conoció al músico cubano que le gustaba, el otro que nosequé… Pero el verdadero grupazo fue El Último de la Fila. Qué calidad, qué seriedad…» Cabe preguntarse por qué no decidió hacer un disco homenaje al grupo de Manolo García y Quimi Portet, entonces.

El caso es que, quién sabe si porque alguien le ha ido ahora con el cuento a Santiago Auserón, vocalista y compositor principal de Radio Futura, este ha respondido de manera muy directa en un mensaje en su perfil de Facebook. Auserón se muestra en total desacuerdo con lo expresado por el que fuera vocalista de Los Piratas, especialmente con ese «éramos una puta mierda» que Ferreiro pone hipotéticamente en su boca: «Radio Futura, en sus diversas formaciones a partir del cuarteto que cuajó en 1982, con mis compañeros Luis Auserón y Enrique Sierra –también miembro de Kaka de Luxe, fallecido en 2012– como pilares fijos –salvo en los periodos de hospitalización de Enrique–, llegó a sonar brillantemente, a base de mucho ensayo y un cuidado obsesivo por el sonido».

Si bien reconoce que «al comienzo teníamos muy poca preparación», asegura que lo paliaron a base de trabajar duro en el local de ensayo, y destaca que «en la banda primaron siempre el buen oído y el buen gusto, cosa poco frecuente en nuestro mundillo, por extraño que parezca». Igualmente reconoce que «hubo noches desastrosas», que se alternaban con tras que «sonaron a un nivel que no era habitual en las bandas españolas de la época. Llegamos a competir con los mejores grupos internacionales. Hay grabaciones por ahí para confirmar lo que digo, algunas se han editado sin modificar una nota, como el directo que acompaña la reedición –precisamente– del disco grabado en Nueva York». Para concluir, Auserón ve en las palabras de Iván «un extraño resentimiento». Y añade: «Él verá lo que hace. Yo no promocionaría un producto hablando mal de otra gente para llamar la atención, aunque haya mucha música pop española que realmente no me gusta».

Resulta verdaderamente chocante esta rajada, máxime si tenemos en cuenta que Ferreiro, en un concierto organizado por Los 40 en 2006, compartía escenario con el propio Santiago y su hermano Luis interpretando ‘Anabel Lee’, canción incluida en ‘La canción de Juan Perro’. Y no acaba ahí la anterior devoción mostrada por Ferreiro por Radio Futura: hace tan sólo 3 años, interpretaba junto a León Benavente ‘Han caído los dos’, de ‘De un país en llamas’. Uno de los discos más vendidos y míticos de Radio Futura, por cierto, es el álbum doble en directo ‘Escueladecalor’. Imaginamos que Ferreiro se refiere a ese disco cuando dice que «estaba grabado en estudio».

El último disco de Santiago Auserón es ‘Vagamundo’, curiosamente un disco en directo junto a la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia. Ferreiro, por su parte, acaba de participar en un disco en homenaje a Mecano, interpretando con Love of Lesbian ‘La fuerza del destino’.

Christina Aguilera alucina con un megahomenaje coreográfico en Got Talent España

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España se divide entre quien sabe que seguían adelante las audiciones de Got Talent España y a quien se la bufa totalmente. Pero quizá algunos de estos últimos, sin embargo, no tengan más remedio que dar un vistazo a al menos una de las actuaciones que se han visto esta semana. Si ha conseguido «volar la cabeza» a la propia Christina Aguilera, quizá también te llame la atención.

Se trata de un espectáculo de danza que ofrecía un grupo de baile llamado QDS Crew. Reunieron a 40 bailarines en escena para hacer, decían, un número que nunca se había visto antes en el talent-show. Y se trataba de un homenaje a Christina Aguilera, un show que repasaba varias etapas de su carrera. Varias «Xtinas» con sus respectivos cambios de look se iban sucediendo sobre el escenario, mientras sonaba un remix que incluía ‘Candyman’, ‘Lady Marmalade’, ‘Ain’t No Other Man’, ‘Can’t Hold Us Down’ o ‘Bobblehead’ –momento en que un chico, más tarde portavoz, se travestía–.

El resultado puso en pie al público y hasta al jurado, con un Risto Mejide a la cabeza que amenazó con irse del programa si no les daban el pase de oro (el último de esta edición, por cierto, puesto que ya comienza la fase de directos). Pese a las reticencias de Paz Padilla (más por joder a Risto que por la actuación en sí), finalmente consiguieron el pase directo. Como decíamos al principio, la performance llegó a ojos y oídos de la propia Christina Aguilera (vía Youtube, cosa que ya no sucede en España, donde sólo pueden verse en la web oficial de Telecinco), que se mostró impresionada en un mensaje de Twitter. Aguilera, por cierto, traerá en verano a Europa su nuevo tour, ‘The X-Perience’, pero no llegará a España.

Rosalía, J Balvin y El Guincho cantan sobre «noches de travesura» e ir «joven pa’ la sepultura» en ‘Con altura’

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Rosalía estrena un nuevo single junto a J Balvin y El Guincho llamado ‘Con altura’. La canción es el segundo tema conjunto de Rosalía y J Balvin, pues ambos ya habían colaborado en ‘Brillo’ -además de en un interludio de ‘Vibras‘-, mientras de todos es sabido que El Guincho (el canario Pablo Díaz-Reixa) es el productor de confianza actual de Rosalía, pues es co-productor de ‘El mal querer‘.

La canción habla de «noches de travesura», de «vivir rápido y no tener cura» y de ir de «joven pa’ la sepultura» en un tema de vocación hedonista que contiene una referencia a Camarón de la Isla, en concreto a llevarle «en la guantera». El tema se estrena al tiempo que un videoclip de inspiración viajera, con el set de rodaje imitando el interior de un avión de lujo en el que El Guincho aparece haciendo de piloto y J Balvin de sí mismo. Rosalía baila rodeada de mujeres y coincide con J Balvin en algunos planos… pero en pocos planos.

Rosalía explica la inspiración en este tema: “’Con Altura’ es un homenaje al reggaeton más clásico y original: el reggaeton playero. Cuando era más joven me encantaba escuchar reggaeton y hubiera sido totalmente natural haber hecho una canción como ésta antes, pero no me gusta forzar las cosas. Como músico me he dejado guiar por mi intuición en todo momento. No fue hasta hace unos meses en un estudio en Miami cuando comencé a escribir siguiendo esta dirección: les propuse a mis colaboradores que trabajáramos con un sample de música dominicana que encontré, luego Frank Dukes añadió su propio sample y El Guincho, la percusión… y así surgió esta grabación, un ritmo pop barcelonés-estadounidense-latino. Una vez establecido el ritmo, escribí el gancho en menos de cinco minutos, y cuando eso sucede, es por algo. Estoy muy orgullosa de esta canción y tengo mucha fe en ella, porque hay inspiración en un género como el reggaeton, pero a nivel subjetivo y personal, desde un lugar de poder y fuerza. No dudé en enseñarle la canción a mi amigo José (J Balvin); le encantó y me envió esta estrofa original y llena de fuerza. Creo que todas las piezas de este rompecabezas se juntaron y están ahí con un objetivo. De verdad espero que todos los que escuchen la canción la reciban con el mismo amor con el que se hizo».

El clip llega antes de que se inicie la gira de ‘El mal querer’ en América Latina, en concreto en el festival Lollapalooza de Buenos Aires. Después, la cantante actuará en Coachella y realizará sus anunciadas fechas de recintos en Estados Unidos. En España, Rosalía presentará su exitoso segundo álbum en los festivales Primavera Sound, Bilbao BBK Live, O Son do Camiño y Doctor Music, y la gira llevará a la artista también por varios puntos de Europa, como Dinamarca, Portugal, Bélgica o Países Bajos. En los últimos meses, Rosalía ha colaborado con James Blake en ‘Barefoot in the Park‘ -incluida en el reciente álbum del británico, ‘Assume Form‘-, ha lanzado el videoclip de ‘De aquí no sales’ y ha revelado que se encuentra trabajando en una canción conjunta con la cantante Billie Eilish, compartiendo poco después una instantánea de ambas juntas.

Gimnástica / Líquido

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Lo bueno de que surjan bandas tipo Vetusta Morla es que Vetusta Morla están evolucionando para muy bien (insisto, su último disco es el mejor) y que algunos de esos grupos que han surgido influidos por ellos y por su capacidad llenaestadios, lo están haciendo a la vez o nacen con un mínimo de ambiciones. Gimnástica es una de esas bandas. Llevan más o menos un lustro en activo pero ‘Líquido’ ha sido un considerable paso adelante tras el fichaje de Oso Polita, el sello de Last Tour.

El álbum se presenta con el single ‘Caléndula’, en el que conviven unas guitarras que saben mantener la tensión casi tan bien como un tema de The Clash de finales de los 70, con unos teclados que apuntan a la new-wave. Son también inmediatas ‘La revolución de las abejas’ y su canto a «la revolución del nido»; ‘Supermán’, que tras «un disfraz y una sobredosis de Prozac» esconde problemas de inseguridad; o ‘El lazo’ con frases muy Vetusta o izalescas, como «Esta vez te prometo sinergias / dormiremos alejados de las bestias». El último sencillo, ‘El viaje del caracol‘, es un poco demasiado Arctic Monkeys, pero su segunda mitad es igualmente una explosión de energía. Y ‘La bestia’, que podría ser una canción política o contra las críticas (“me fascina cómo hablas con tan poco que decir”), es muy Lori Meyers, pero lo verdaderamente noticiable es que su estribillo «alimentamos a la bestia / mientras su ego no para de crecer» no tiene mucho que envidiar a los de los granadinos.

También hay que agradecer el buen acabado del álbum, producido por Víctor Cabezuelo (Rufus T. Firefly) y mezclado por Manuel Cabezali (Havalina). En ‘El rey’ parecen asomarse texturas interesantes, algo que se confirma inmediatamente después en la pista que cierra la cara A del vinilo. ‘Humano’ es una balada dominada por la electrónica y los efectos en su primera mitad, pasando a una segunda más convencional. Su texto además funciona mejor en cuanto que es más sencillo: «Todos nos movemos por amor / qué va a ser de esto cuando se acabe». Y también sorprende la final ‘Apagón’, donde se intuye la influencia de gente que terminó huyendo del mainstream, como R.E.M. o MGMT. Hay un océano de referencias demasiado marcadas, pero al menos Gimnástica no parecen haberse quedado solo en la superficie. El grupo actúa el 28 de marzo en Madrid y el 29 de marzo en Jaén con Uniforms. Después les esperan varios festivales.

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘El viaje del caracol’, ‘Caléndula’, ‘Humano’
Te gustará si te gustan: Iván Ferreiro, Izal, Lori Meyers, Shinova
Escúchalo: Spotify

Sorpasso: ‘Don’t Call Me Up’ es ya el gran pelotazo de Mabel

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Mabel ha pegado el pelotazo de su carrera con ‘Don’t Call Me Up’, su último single. El tema se aproxima ya a las 100 millones de reproducciones en Spotify tras su lanzamiento el pasado 1 de marzo, por lo que supera desde hace semanas y muy holgadamente las escuchas del que hasta ahora había sido su mayor hit en las plataformas de streaming, su single conjunto con Jax Jones y Rich the Kid, ‘Ring Ring’ (en torno a los 67 millones). Poco a poco, ‘Don’t Call Me Up’ ha ido conquistando al público y actualmente es una de las 10 canciones más escuchadas en Spotify a nivel global, en concreto la 9ª, e incluso puede que orgánicamente termine irrumpiendo en el difícil Billboard Hot 100 de Estados Unidos, pues el tema es actualmente número 2 en el “Bubbling Under”.

En solitario, el single más popular de “Meibel” en Reino Unido hasta el momento había sido ‘Finders Keepers’, pero mientras este había logrado ser Disco de Oro tras alcanzar el número 8 en las listas británicas, ‘Don’t Call Me Up’ ha sido Disco de Platino y lleva semanas estancado en el número 3 tras 6 semanas en lista, bloqueado por el baladón de Lewis Capaldi y ‘Giant’ de Calvin Harris y Rag ‘N’ Bone Man. Aunque las “midweeks” prevén que el tema bajará bastantes puestos este viernes, del 3 al 11, y mientras esperamos que al fin una canción de Mabel llegue a las listas españolas pues nos hemos hartado de recordar que la artista, hija de la rapera Neneh Cherry, nació en Andalucía, está claro que ‘Don’t Call Me Up’ es un paso de gigante en su carrera.

Si intentamos entender por qué ‘Don’t Call Me Up’ está funcionando tan bien, la razón puede ser simplemente que presenta la melodía más redonda que ha cantado Mabel a día de hoy, aunque está claro que su ritmillo tropical a la moda ha ayudado. Sin embargo, hay que destacar que la producción de Steve Mac es ligeramente más moderna (o futurista) que la del “bop” tropical medio, algo que puede estar haciendo que ‘Don’t Call Me Up’ destaque en las playlists. Es demasiado pronto para decir que estamos ante el nuevo ‘New Rules’, pero desde luego con ella Mabel se dirige hacia la buena dirección.

Endel, un algoritmo, firma un contrato con Warner: el mundo del pop se adelanta a ‘Black Mirror’

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Endel, un algoritmo informático, ha firmado un acuerdo con Warner Music para distribuir este año 5 álbumes de música creados por él. Parece el argumento de partida de un hipotético capítulo de ‘Black Mirror‘, pero es real y ha pasado hace unos días. Se trata de una app creada por un equipo de programadores alemanes (aunque entre sus accionistas está Jillionaire de Major Lazer, entre otros) que compone música en función del estado de ánimo, el clima, nuestro ritmo cardíaco o ubicación geográfica.

Endel, de hecho, tiene varios discos disponibles en Spotify: álbumes de música ambient con veintitantos cortes de unos dos minutos, especialmente indicados para «una noche despejada», «una tarde nublada» o «una mañana de niebla», según el caso. Todo esto puede parecer una auténtica bobada, pero lo cierto es que lo que escuchamos no suena nada mal. Apostaría a que fans de Nils Frahm, Fennesz o Max Richter pueden quedar encantados con ello.

Y planean no quedarse sólo ahí: como muestra esta demostración compatible con Alexa, planean crear nuevos álbumes destinados a poner fondo musical para concentrarnos en el trabajo o para caminar. Suponemos que será sólo cuestión de tiempo que Endel pueda crear música específicamente indicada para hacer deporte (distinguiendo incluso por cada disciplina, obviamente), para cocinar, para estar con amigos… Sólo en 2019 Endel creará 20 álbumes. Y nosotros que creíamos que sacar un disco al año era ser prolíficos.

Y me pregunto ¿dónde se detendrá? ¿Cómo de complejo será crear, digamos «artificialmente», música que guste a los fans que ya no pueden esperar lo nuevo de The Beatles, Roy Orbison, Queen, Whitney Houston, Michael Jackson o Prince? O aún más: ¿será capaz de emular los patrones que hacen que J Balvin, Shawn Mendes o Ariana Grande tengan éxito? ¿Qué detendrá a las discográficas a la hora de optar por contratar o incluso financiar ellos mismos algoritmos que creen la música pop perfecta para cada tipo de público?

Seguro que muchos pensaréis que en la creación de arte existe eso tan humano que no se puede replicar: «talento», «magia», «alma», «duende», «pellizco»… Muy bien, pero, ¿dónde está todo eso en el K-Pop o en el J-Pop, por ejemplo? ¿No existen ya, de hecho, estrellas del pop virtuales cuyas canciones son creadas por un equipo anónimo? ¿No podría llegar a ser emulado ese equipo creativo por un elemento igualmente virtual? De hecho, ¿no es eso, precisamente, lo que parece esperar el público de sus ídolos? ¿Que sean una réplica exacta de lo que esperan de ellos en cada momento, sin posibilidad de error? Podía parecer una posibilidad lejana, pero la puerta que abre Endel muestra que, quizá, no lo sea tanto. Quizá ese mundo en el que la gente olvide las canciones de los Beatles no quede tan lejano.

One Path / Sin plomo

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Recuerdo con cariño la iniciativa Make Noise Malasaña de 2014, pues allí debutaron en directo Hinds (¿alguien recuerda que se llamaban Deers?), dieron un paso al frente Betacam o El Palacio de Linares, participaron Agorazein, Juventud Juché y John Grvy y descubrí un dúo de hip-hop minimalista llamado Infinitum. No pasó nada con ellos, pero su show hilaba fino y Javier Bilbao, de Guadalajara pero asentado en Madrid, destacaría luego en solitario con mixtapes como ‘Mi viejo choso’, donde reunía temas hechos entre 2014 y 2016; o ‘Siempre Parriba’, con temas ya nuevos de 2016; pistas que alternaban el rap con el pop como ‘Guinda’, de momento su mayor hit; o un EP de 7 canciones junto a Recycled J llamado ‘Milagro’, donde aparecían temas como ‘Muertito de la pena’ y ‘Perdóname’.

Hace un par de años One Path hablaba de lo que le gustaba el formato mixtape por su frescura y espontaneidad. Entonces decía que desarrollaba así «todo de un modo mucho más natural y no tan premeditado». Decía: «Hacer un disco de este tipo implicaría cambiar muchas cosas de mi método de trabajo que ahora mismo no me interesa cambiar». Sin embargo, como Bad Bunny, Natti Natasha o J Balvin parece que se ha terminado rindiendo al formato tradicional y ‘Sin plomo’ se considera su debut oficial de estudio, pese a las decenas de pistas que ha ido publicando durante los últimos años.

Que One Path ha estado obsesionado con Daddy Yankee no era una boutade sino una realidad que data de mucho antes que ‘Despacito’ y que ya se había dejado intuir en ‘Como Yankee’ o en entrevistas en las que profundizaba en el tema. Aprovechando el auge de la moda latina, aprovechando que lo que podía verse como un «guilty pleasure» ha pasado a liderar carteles de festivales internacionales del prestigio de Coachella o Sónar, su pasión por el autor de ‘Gasolina’ es nada menos que el hilo conductor de este ‘Sin plomo’, en canciones como la misma ‘Sin plomo 97’, que contiene una referencia a Bad Gyal; o ‘Bombeo’, en la que también se menciona ‘La Gasolina’.

No obstante, ‘Sin plomo 97’ no es solo un homenaje al reggaetón que influyó a One Path cuando era solo un chaval, que también. Más bien el disco, firmado junto a DJ Parriba, se aprovecha de la buena aceptación de la aplicación de ritmos latinos a la música urbana explorada por Cardi B en ‘I Like It’ o Camila Cabello en ‘Havana’, para crear otra cosa más actual que las producciones de principios de siglo. Aquí hay ritmos que beben de la salsa, los ritmos cubanos y colombianos como vemos en ‘Bailemos pegao’, ‘Derrapa’ o ‘2004’; pero no faltan los temas trap como ‘Ley’ con Cruz Cafuné, uno de los más sexualizados del disco, y no por la mención a Mariah Carey; hip-hop como la colaboración con Pedro LaDroga ‘Ángel y diablo’; o como propios de Diplo o DJ Snake, como ‘Sin plomo 97’.

El mejor es ‘Rompe’, un hitazo para escuchar en «replay» que lleva ya 100.000 reproducciones en Spotify, aunque deberían ser 10 millones, y no me sorprendería que se terminaran alcanzando si se cruza en su camino una suerte tipo ‘Fama’. La producción es elegante pero accesible, con un estribillo que se pega como una lapa; efecto que se repite en otros puntos del álbum como en la trepidante ‘Octanaje’ o incluso en lo que parece algún tema menor, como ‘Fredo’, en los que esos «puedo bailar, puedo bailar» cuentan con una buena dosis de glutamato. La «introspectiva» ‘Gané la paz’ suena algo más convencional hoy por hoy tras el aluvión «trap», pero en general ‘Sin plomo’ presenta una colorida y divertida amalgama de géneros y ritmos para darle al bombeo «abajo, arriba, abajo, arriba» sin descanso durante todo el próximo verano. One Path actúa el 6 de abril en Trvmp, Ochoy Medio (Madrid); y el 26 de abril en Fuego, Razzmatazz (Barcelona).

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Rompe’, ‘Octanaje’, ‘Bombeo’, ‘Ley’, ‘Derrapa’
Te gustará si te gustan: Cardi B, Daddy Yankee, C. Tangana, Diplo, Bomba Estéreo
Escúchalo: Spotify

‘After Life’: por qué Ricky Gervais fracasa siendo gracioso y emotivo a la vez

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El segundo capítulo de ‘After Life’, la nueva ficción de Ricky Gervais para Netflix, finaliza con una elegante y muy expresiva solución de puesta en escena [pasa al siguiente párrafo si no quieres enterarte]. Tony, el viudo deprimido y misántropo que interpreta el cómico británico, se desploma en el sofá por el efecto de la heroína que está fumando. Sin embargo, tras el corte de plano, su cabeza no acaba en el sillón, sino descansando en el regazo de su mujer fallecida.

Este recurso visual, en el que se mezclan con sutileza y emotividad la evocación nostálgica y la autodestrucción analgésica, es, desgraciadamente, una excepción en esta serie. La mayor parte de los seis capítulos de ‘After Life’ carecen de este tipo de imaginativas soluciones narrativas. Desde los vídeos que ve repetidamente el protagonista sobre su mujer, cuya función dramática es bastante limitada y parecen colocados simplemente para dar información al espectador, hasta algunos de los personajes secundarios (la viuda del cementerio, el psicólogo, la “trabajadora sexual”), muy esquemáticos y que solo sirven para darle la réplica a Gervais, gran parte de la mecánica de la serie resulta demasiado transparente.

La sensación que uno tiene viendo ‘After Life’ es que, aunque la historia es medianamente divertida y hasta emotiva, todo resulta muy artificioso. Se nota demasiado que las acciones y relaciones entre los personajes están estratégicamente situadas para que el cómico suelte un chiste ácido, una contestación mordaz o escupa un exabrupto nihilista. El problema no es lo que dice. La serie tiene diálogos y escenas divertidas (sobre todo los que tienen que ver con los reportajes periodísticos), reflexiones interesantes (acerca del duelo y el suicidio), y momentos de genuina profundidad dramática. El problema es cómo lo dice.

Este desequilibrio se pone de manifiesto con especial énfasis en el capítulo final (aunque acaba de confirmarse la segunda temporada de la serie). Gervais se quita la nariz de payaso y se pone el sombrero de James Stewart en ‘Qué bello es vivir’. El creador de ‘The Office’, famoso por sus corrosivos monólogos y temido por sus faltosas presentaciones de los Globos de Oro, intenta romperle la cintura al espectador inyectándole ternura y sentimiento a su característico humor sarcástico. No funciona. No me lo creo. Me quedo con el Gervais de su fabuloso último monólogo: ‘Humanity’. 6.

La Canción del Día: Carolina Durante conforman «la banda sonora de nuestras vidas» con ‘Las canciones de Juanita’

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Carolina Durante siguen dando pasos hacia la publicación de su debut homónimo, publicado por el sello independiente Sonido Muchacho y licenciado a Universal Music. El grupo ha confirmado al fin fecha de lanzamiento: 26 de abril.

Tras ‘Joder, no sé‘, un single más ¿reposado? de lo que imaginábamos, hoy lanzan un segundo adelanto que, esta vez sí, es el pelotazo esperable. Se trata de ‘Las canciones de Juanita’, una canción que han incluido en sus directos desde hace tiempo, y que, sin misterios ni piruetas, es todo un trallazo… aunque no lo parezca cuando se pasan su primer minuto sonando únicamente la guitarra de Mario y la voz de Diego, con algún coro de Martín. Pero este y Juan, batería, irrumpen a tiempo para la entrada del estribillo.

Un estribillo que cita a modo de homenaje a dos grupos del panorama alternativo que, de manera coherente, habrían influenciado al grupo madrileño: los de sobra conocidos Él Mató a un Policía Motorizado y los extintos Juanita y Los Feos. Para quien no conozca a estos, recordar que fueron un grupo madrileño coetáneo de Los Punsetes, Los Claveles o Los Nastys. Con un estilo más próximo al punk garajero y siempre con el sentido del humor por delante, lanzaron discos como ‘Pesadilla adulta‘, con el que parecía que podían dar un salto. Pero, tras publicar en 2014 ‘Nueva Numancia‘, se tomaron un lapso que dura hasta hoy. ¿Se habrán separado «a la francesa»? De hecho, tres de sus miembros formaron desde entonces el grupo Rata Negra, de los que Martín porta una camiseta en el vídeo de ‘Las canciones de Juanita’.

Vídeo que, en la línea costumbrista de Carolina Durante, nos lleva al domicilio de Diego en el barrio de Lavapiés. Un Diego al que persiguen, para su incomodidad, sus tres compañeros de grupo a todas partes. Y cuando digo todas, es todas. Un clip sencillo como la propia canción que, apelando al ímpetu de aquellos inicios en los que decidieron montar un grupo al salir de un concierto de Sierra, Belako y Perro sirve de autoconvencimiento: «no sonamos mal, sonamos mejor que ayer», cantan en el coreable puente. Y ahora mírales, aquí están, conformando «la banda sonora de nuestras vidas».


Edu Soto vuelve a imitar a Camilo Sesto… pero puede que sea la última vez tras las críticas del artista

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Lo de ‘La mejor canción jamás cantada’ continúa su andadura los viernes por la noche en busca de la mejor canción española de la historia. En el último programa se repasaron los años 70 y una de las canciones aspirantes era ‘Vivir así es morir de amor’. El elegido para interpretarla fue el actor y cómico Edu Soto, lo cual puede parecer algo extraño, si bien hay que apuntar que Soto ha imitado en numerosas ocasiones a Camilo Sesto, como podéis comprobar bajo estas líneas. En dos ocasiones lo ha hecho en ‘Tu cara me suena’, interpretando ‘Algo de mí’ y ‘Melina’, en este último caso con el propio Camilo de cuerpo presente.

Pero puede que no haya más imitaciones en esta línea. La versión nueva de ‘Vivir así es morir de amor’ fue muy distinta a la original, con violín incorporado y en clave acústica, si bien lo más controvertido se produce en el medio minuto final, cuando Edu Soto rompe la canción, aportando un innecesario, quizá involuntario, quiebro cómico. Camilo Sesto ha protestado desde su Twitter, lo cual ha extrañado a algunos de sus seguidores, que se preguntan si estas palabras vienen de parte de él o de su equipo.

Aunque el tuit ha sido borrado, desde su cuenta se respondió, como recoge Vertele, que fue “una versión nefasta” y que “nuestro querido Edu Soto no tuvo el mejor día”. Ante la respuesta de una usuaria, que defendía a Edu Soto y sus palabras para Camilo, se puntualizaba: “No se critica en ningún momento a @edusotomoreno agradecidos por sus palabras, en @TuCaraMeSuenaTV imitación increíblemente buena. Opinamos sobre la versión”. Las palabras han llegado hoy a oídos de Edu Soto, que ha dicho: “Muchas graciaaaas… me ha encantado la crítica constructiva… “nefasta”… pues nada, me pondré a versionar a Parchís, a ver si se me da mejor!!”. Por otro lado, Camilo también ha conseguido que Tony Aguilar rectifique el dato de su cifra de discos vendidos a lo largo de la historia dada en el programa, pues la verdadera se sitúa según él en 175 millones.





Sky Ferreira lanza su tenebrosa balada ‘Downhill Lullaby’

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Sky Ferreira ha lanzado al fin su nuevo single, ‘Downhill Lullaby’. Es una tenebrosa balada con cuerdas en el estilo de Nick Cave, aunque Ferreira ya había detallado en Twitter que no sería una canción pop, si bien su título ya podía darnos una pista: “La primera canción [del disco] no es una canción pop porque quiero hacer un vídeo para ella (la amo). Tengo confianza en todas las canciones pop de mi disco así que he decidido empezar con algo diferente”.

Reveladora era también la cubierta de ‘Downhill Lullaby’, en la que Ferreira recupera la melena rubia con la que la conocimos, aunque sin abandonar la oscuridad que han caracterizado a sus últimos proyectos, desde sus apariciones en ‘Twin Peaks’ hasta sus colaboraciones con gente como Primal Scream, Jesus & Mary Chain o Iceage, sin olvidar por supuesto el sonido de su debut de 2013, ‘Night Time, My Time‘.

Ferreira anunció su segundo disco, ‘Masochism’, hace ya unos años, pero el proyecto se ha ido retrasando debido a sus declarados problemas de salud. La cantante incluso llegó a anunciar un EP a principios de 2018 que se esperaba para febrero o marzo, pero del que no se ha vuelto a saber nada.



Shakira y Carlos Vives han negado ante el juez el supuesto plagio en ‘La bicicleta’

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Esta mañana se ha celebrado en un juzgado de lo mercantil de Madrid la vista por la demanda por supuesto plagio que el autor e intérprete cubano Livam realizó contra Shakira y Carlos Vives. Liván Rafael Castellanos Valdés entiende que el exitoso single conjunto que ambos lanzaron 2016, ‘La bicicleta‘, plagia su canción ‘Te quiero tanto’, editada en 1998. Según la denuncia interpuesta por la editorial de Valdés, Vives recibió una muestra de su tema para que este cantara en él, lo cual no sucedió. Y basa su demanda en que Shakira y Vives cantan en el estribillo «que te sueño y te quiero tanto», mientras que el de Livam dice «yo te quiero, yo te quiero tanto». La justicia española admitió a trámite la denuncia en 2017.

Así, según El País, los dos artistas colombianos se han presentado en el Juzgado número 12 de Madrid y negado el plagio. “Mi canción no tiene nada que ver con Cuba sino con Barranquilla”, ha dicho Shakira según el diario, que remataba de manera contundente: “el estilo no tiene nada que ver. Yo no sé si el demandante quiere hacer un vallenato, pero no le sale. Es como si un niño quiere coger el balón con las manos y no sabe. La otra canción es una salsa. Aquí y en la China. Y lo nuestro es un vallenato”. Shakira, recuerda el periodista, fue condenada por plagio en Estados Unidos por ‘Loca’, si bien un año después otro tribunal desdijo aquel fallo tras comprobar que su demandante había mentido.

En cuanto a Carlos Vives, se ha mostrado muy confiado en unas declaraciones que están dando mucho que hablar: “Yo cambié la historia de la música de mi país y me crié entre juglares de la música del vallenato en las calles. Mi trabajo consistió en la modernización de la música tradicional colombiana. La gente me llama el rey del vallenato. Lo conseguí con amor y dedicación a la música. Y mi música es única, no la hace nadie. Yo la he inventado”, ha dicho en su speech.