Kylie no saca brillo a ‘Say Something’ en un vídeo solo apto para fans y privilegiados

-

7 agosto, 2020

7

Como se había anunciado, Amaia estrena hoy dos temas nuevos que sirven de complemento a su último disco, ‘Pero no pasa nada‘, que justo esta semana ha vuelto al top 100 de los discos más vendidos y escuchados en España. Más que un avance de un segundo disco, pertenecen a la misma era iniciada el año pasado, pues son de los que se han interpretado en directo en la gira que tenía lugar entre los últimos meses de 2019 y los primeros de 2020.

Las canciones han sido grabadas en vivo en el estudio, como se indica desde su mismo título, y han sido producidas por la propia Amaia, pese a que en sus créditos no ha prescindido de algunos de los colaboradores de ‘Pero no pasa nada’, como ha sido el caso de Santiago Barrionuevo, que ha co-escrito ‘La victoria’, o Núria Graham, que ha tocado la guitarra en ambos temas.

La primera de las canciones es ‘Cosas interesantes para decir’ y comienza como un tema de lánguidas guitarras a lo Le Mans, para después incluir una batería uptempo y efectos electrónicos propios de sus queridos La Oreja de Van Gogh. La crudeza con la que se ha metido esa batería no es impedimento para que la canción incluya un piano, huyendo en este caso del sonido punk pop de otro de los referentes de Amaia, Los Fresones Rebeldes. La letra es 100% Amaia, versando sobre la timidez de una joven que «baila delante del espejo» o «salta encima de la cama» imaginando que «tú eres la almohada»… pero luego en persona no se atreve tanto a dar el paso. «Me gusta correr como si llegara tarde, pero solo me hago la interesante» es otra de las frases que podríamos haber escuchado en la Academia o en sus entrevistas.

Más abstracto es el texto de ‘La victoria’, que podría versar sobre la fama, a lo que apuntan nuevas frases de la autora de la estupenda ‘Un nuevo lugar’ tales como «yo no sé si es para mí lo que hay aquí» o «todos me ven pero nadie me mira»; si bien otras partes del texto apuntan ligeramente hacia algo más social o colectivo. ‘La victoria’ está dominada por un teclado circense y una melodía sesentera que podría haber escrito Albert Hammond para Karina, haber cantado Jeanette… o más recientemente Astrud. A ellos recuerda, y mucho, ese giro melódico de «todos juntos» justo después del «vamos a mentir, vamos a engañarnos juntos» que impera en el estribillo.

Ni ‘Cosas interesantes para decir’ ni ‘La victoria’ harán cambiar de opinión a aquellos completamente obsesionados por hallar la madurez en los textos de un autor o autora de 21 años, pero sí son una buena forma de completar una era. Demasiadas canciones solo oídas en directo han quedado en el tintero a lo largo de la historia del pop, y como mínimo desde hoy al fin podemos dejar de llamar a ‘La victoria’ «Javier». Con este nombre aparece al menos hasta ahora tal tema en Genius, pues ese era el nombre que se le había dado en un setlist, según palabras de Amaia en base a los músicos que tocaban en él o a un título provisional.

Kate Tempest se cambia de nombre a Kae Tempest y deja de identificarse como «ella»

Por

-

6 agosto, 2020

28

Kate Tempest cambia de nombre. Así lo informa en un comunicado a través de redes sociales, en el que informa de que deja de identificarse con el pronombre «ella» («she» o «her») para pasar a ser simplemente «they/them». En inglés «they» o «them» no implica género ni masculino ni femenino, siendo la palabra utilizada para lo que en España conocemos como «no binario». De hecho, «they» en singular ha sido escogida «palabra de la década» en inglés por la American Dialect Society, como informaba recientemente Dosmanzanas.

“He estado luchando por aceptarme tal y como soy durante muchísimo tiempo. He intentado ser lo que pensaba que la gente quería que fuera para no arriesgar rechazo. Este modo de esconderme ha llevado a todo tipo de dificultades en mi vida. Y este es el primer paso hacia conocerme y respetarme mejor. Me ha encantado Kate, pero estoy empezando un proceso y espero que me acompañéis”, indica en el texto subido a Twitter e Instagram.

Sobre su gusto por la privacidad, indica: «sé que esto es algo muy importante tanto para mí como lo es para cualquiera, pero debido a mi rol como artista, es de alguna manera una decisión pública y también una privada. Así que este es mi anuncio. Os mando mi amor y mi deseo de que podáis afrontar lo que tengáis que afrontar hoy. Esta es una era de reconocimiento. De manera privada, local, global. Para mí la pregunta ya no es «¿cuándo va a cambiar esto?» sino «¿cuán lejos puedo ir para encontrar el cambio y traerlo hasta aquí?». Quiero vivir con integridad y esto es un paso hacia eso».

Kae Tempest es su nuevo nombre, y lo ha escogido porque quiere que «Kae» se lea como la letra «K», lo que apela en inglés a un tipo de pájaro que se asocia con la comunicación, la curiosidad, la adaptación a los nuevos tiempos y el coraje («arrendajo»/»cotorra»). También porque la «grajilla» se asocia al «nacimiento» y al renacimiento» Como Kae Tempest pasará a firmar música y libros a partir de ahora, seguramente tan notables como los que hemos conocido hasta la fecha. ‘The Book of Traps and Lessons‘ y ‘Let Them Eat Chaos‘ han estado entre los mejores trabajos conceptuales publicados en los últimos años.

Pese a su gusto por la privacidad, Tempest no había escondido que le atraían las mujeres en letras como ‘Thirsty’ («I didn’t want her to know I wasn’t everything she saw in me / We walked each other home / And didn’t kiss / We walked each other home»). No obstante, su vida privada solía quedar en un segundo plano en unas letras que suelen reflexionar sobre temas más grandes, como la decadencia de Europa, el racismo o la deriva de la sociedad de los últimos 500 años. En ‘Let Them Eat Chaos‘, por ejemplo, el álbum que fuera nominado al Mercury Prize, se ponía en la piel de varios personajes diferentes durante una madrugada en Londres. Puedes recordar nuestra vieja entrevista con Tempest, del año pasado, aquí.

pic.twitter.com/yHscxqovCo

— kae tempest (@kaetempest) August 6, 2020

Escucha lo nuevo de Drake, Alien Tango, Declan McKenna, Sasha Sloan, Saint Raymond…

Por

-

6 agosto, 2020

12

Como cada viernes renovamos nuestra playlist «Ready for the Weekend» con algunos de los singles y discos que están llegando al mercado estos días. Seguimos sin saber nada sobre dónda (sorry) está el nuevo disco de Kanye West, pero sí han salido esta medianoche los nuevos largos de Glass Animals, Washed Out, DaBaby, Cassadee Pope y un lanzamiento póstumo de Jason Molina. También tenemos ya entre manos EP’s y discos cortos de Tkay Maidza, Victoria Mónet y joan, y mixtape de rarezas de Hudson Mohawke.

Entre las novedades de las superestrellas internacionales hay que destacar el tema retro de Doja Cat, el esperado dúo entre Cardi B y Megan Thee Stallion, dos de las raperas más importantes del mundo, lo nuevo de blink-182, Omar Apollo, The Weeknd con el desaparecido Juice WRLD, Drake con Popcaan y PARTYNEXTDOOR, Joji con Diplo, Machine Gun Kelly, Joji con Diplo o Icona Pop. Kali Uchis tiene un nuevo tema colaborativo con Rico Nasty de manera significativa titulado ‘Aquí mando yo’, y Kelly Lee Owens sigue presentando su álbum con nada menos que John Cale (!!). En España, hay novedades de Amaia, Chaqueta de Chandal, Fon Román con Noni Meyers o Carrera.

A lo largo de los últimos días, se habían presentado nuevas canciones de beebadoobee, Bon Iver con Bruce Springsteen y Jenny Lewis, SG Lewis con Robyn y Channel Tres o ANOHNI. También han estrenado nueva canción la gran Jamila Woods, una FKA twigs ultra apitufada junto al apitufado rapero 645AR (‘Sum Bout U’ es una co-producción de enseiATL y El Guincho), y Troye Sivan, que continúa avanzando temas de su inminente EP. Lo mismo que están haciendo All We Are con su próximo disco.

Completamos la playlist con canciones de Saint Raymond (en la imagen) Selbor, Nadia Rose, Matt Maltese, un tema del trío de rap Flatbush Zombies producido por James Blake, Honey Dijon, Bely Basarte, KC Lights, Sasha Sloan, Remi Wolf, Kynsy, Yellow Days, Another Sky, Somebody’s Child, Mimi Webb, Declan McKenna, Sub Focus, Oscar Lang, JONES, Low Steppa, Abimaro, Riton y un inenarrable tema de David Guetta.

Sonorama Ribera suspende su edición especial de 2020 por los rebrotes

Por

JNSP

-

6 agosto, 2020

4

Sonorama Ribera había aplazado su próxima edición a 2021, pero antes, este mismo mes de agosto, iba a celebrar una serie de conciertos especiales para homenajear al equipo sanitario que se encuentra afrontando la crisis del coronavirus en primera línea de batalla. Sin embargo, esta edición especial queda suspendida debido a los rebrotes que están teniendo lugar en la localidad de Aranda del Duero, que acaba de ser confinada por 14 días y devuelta a la fase 1, por decisión de un juez.

Así lo ha comunicado Sonorama en un mensaje publicado en redes: «Sonorama Ribera 2020 va a ser un festival dedicado a aquellas personas que a lo largo de la crisis sanitaria que estamos viviendo han estado cuidándonos en primera línea de batalla. Desgraciadamente, la situación en Aranda de Duero y su comarca vuelve a ponerlos en ese lugar y por ello debemos comunicar el aplazamiento de esta edición tan especial, según la decisión que se tomó ayer entre organización, el Hospital y el Ayuntamiento de Aranda de Duero. Ahora lo esencial es velar por la salud y la seguridad de todos y debemos estar al lado de estos colectivos esenciales para darles todo el apoyo y la fuerza que necesitan para salir de ésta». A su vez, Javier Ajenjo, director del festival, ha dicho: «Ayer se estaba hablando ya de un posible confinamiento y, aunque aún no esté confirmado, nosotros queremos tomar la decisión de suspender el festival, porque la situación no es la más idónea».

Esta serie de conciertos, para la que próximamente se anunciarán nuevas fechas, iba a tener lugar los días 14 y 15 de agosto y a retransmitirse en streaming y a través de Radio 3, por lo que no había entradas a la venta. Entre los artistas confirmados se encuentran Izal, León Benavente, Miss Caffeina, Sidonie, Varry Brava y Shinova,

Fontaines D.C. / A Hero’s Death

Por

-

6 agosto, 2020

13

Fontaines D.C. han sido listos, o impacientes, o ambas cosas, y han publicado su segundo disco poco más de un año después del primero, ‘Dogrel‘, que tantas alegrías les dio el año pasado: conciertos celebradísimos, hits monumentales como ‘Big’ que sonaban a clásico desde la primera escucha, una nominación al Mercury Prize, reconocimientos de la prensa especializada… El escenario era inmejorable para que ‘A Hero’s Death’ fuera recibido con los brazos abiertos una vez llegara a manos del público, y el disco va en camino de obtener el próximo número 1 de ventas en Reino Unido si Taylor Swift no se lo impide. Todo un logro para una banda de rock que probablemente va a dejar de editar su trabajo en un sello independiente dentro de muy poco para dar un nuevo paso adelante en su carrera.

Y un paso adelante representa para Fontaines D.C. este ‘A Hero’s Death’ que es tan continuista en su fijación por el sonido de post-punk clásico de grupos como Joy Division, Wire o PiL como sorprendente por los diversas novedades que ofrece. La principal es su generosa cantidad de baladas, de las que no había tanta en ‘Dogrel’, y razón por la que el grupo ha decidido abrir el largo con una de ellas, ‘I Don’t Belong‘, porque no quería que el público pensara que su segundo disco era una copia del primero. Esta desangelada balada cuenta la historia de varios personajes que deciden rechazar el amor de los demás, como la de un soldado que es conmemorado por su trabajo y decide tirar su medalla al suelo en protesta por la «comodificación» de su valentía. De hecho, ‘A Hero’s Death’ ha buscado desmarcarse de ‘Dogrel’ hasta el punto que su principal influencia han sido los Beach Boys, pero no musicalmente -el disco no incluye armonías surferas en absoluto- sino más bien desde un punto de vista filosófico. El disco, que iba a llamarse ‘Kind of Blue’ en un arrebato de originalidad, está inspirado en la «quietud del mar» como el trabajo de los «últimos Beach Boys», pero sobre todo ha buscado ofrecer una experiencia «escapista» formada por composiciones que funcionan como «fantasías» y «sueños» perfectamente capturados en canciones (la banda menciona en concreto la canción de Beach Boys de 1963 ‘A Summer Dream’). Otra inspiración para el grupo ha sido Lee Hazelwood, pero en ‘A Hero’s Death’, los paisajes grises de Irlanda se anteponen a todo: apenas los «pa pa pas» del tema titular remiten al trabajo de la banda de Brian Wilson, cuando el tema no podría ser más propio de The Fall; y sobre todo lo hace la relajada balada ‘Sunny’, hasta el punto que Chatten se planteó seriamente sacarla del disco porque no la sentía como suya.

La imposibilidad de amar por parte de un Grian Chatten que reconoce haber sufrido episodios de soledad y depresión es uno de los temas principales de este trabajo que contiene un tema llamado ‘Love is the Main Thing’ con el que el artista ha querido expresar «el deseo de poder aceptar el amor» y el de superar ese sentimiento de soledad. Un sentimiento que es, a su vez, casi una enfermedad de la que es muy difícil curarse, sobre todo después de una gira, cuando el artista pasa a ser responsable de ofrecer amor a los demás. Chatten dice que el «sentimiento de aislamiento después de una gira es notable», y en esta truculenta y atmósfera balada llena de guitarras atmosféricas vuelve a plasmar su admiración por el escritor irlandés James Joyce (quien era mencionado en el disco anterior) en un angustioso verso propio de su estilo absurdo por el que asoma alguna que otra palabra inventada: «Tired of embracing / using and wasting / always aloning / silently hoping / alwaysly raining». Por supuesto, las letras de ‘A Hero’s Death’ vuelven a ser existencialistas para sorpresa de nadie, pero mientras Dublín servía de fondo de muchas canciones de ‘Dogrel’, en ‘A Hero’s Death’ manda la introspección plasmada desde diversos puntos de vista, no siempre pesimistas. El narrador de ‘A Hero’s Death’ es un padre distanciado de su hijo que le comparte una serie de útiles consejos para desenvolverse en la vida: «no te estanques en el pasado, comunica tus cosas favoritas a lo grande, dile a tu madre que la quieres, entrégate a los demás, y mira hacia un futuro mejor» no es el típico pasaje que encontraríamos en un disco de post-punk, pero Fontaines D.C. no es la típica banda de post-punk. Esto queda especialmente claro cuando el grupo decide transitar nuevos sonidos como en ‘Oh, What a Spring’, un precioso vals psicodélico inspirado en el cancionero de los Beatles, en el que Chatten reflexiona sobre el paso del tiempo y el devenir del ser humano una vez llegada la edad adulta: «las nubes se han ido, el sol ha salido en el cielo, y he visto a toda la peña ir a trabajar solo para morir», declara el artista solo para concluir: «y yo deseo poder volver a la primavera otra vez».

Si algo queda demostrado en ‘A Hero’s Death’ es que Fontaines D.C. han evitado encasillarse en su segundo disco, y en su lugar han optado por abrir nuevos caminos tanto temáticos como sonoros. Porque el grupo siempre ha sonado un poco a las bandas de post-punk mencionadas, pero que esta vez se nutran conceptualmente de los Beach Boys o hayan escrito varias baladas no significa que hayan dejado de lado su pasión por el intenso rock que tanta buena fama ha dado a sus directos. Las guitarras psicodélicas de ‘Televised Mind’, uno de los cortes más urgentes y tensos del disco, publicado en una versión primigenia antes incluso de la edición de ‘Dogrel’, y el cual habla del mundo distraído por las redes sociales y la televisión de hoy, están inspiradas en Spacemen 3, pero el tema también admite referencias reconocidas a Brian Jonestown y a Prodigy. Por otro lado, el trotón rock ‘n roll de ‘I Was Not Born’, en el que Chatten clama no haber «nacido para seguir las órdenes de otro hombre», remite a los Stooges y a los Rolling Stones de ‘Satisfaction’; la montaña de ruido distorsionado de ‘Living in America’ toma ideas de Suicide y Cabaret Voltaire a la vez que su letra está inspirada en un documental sobre James Brown; y el número más impactante del largo es ‘Lucid Dream’, un tema épico y desesperado inspirado en una escena que Gatten sueña y en la que aparece en el turbulento Dublín de 1916, y que instrumentalmente colapsa en un final que pone los pelos de punta.

Todos estos mensajes y sonidos de ‘A Hero’s Death’ confluyen en un álbum que busca, en definitiva, dar un poco de sentido a la vida. Gatten dice que su preocupación en los últimos años ha sido recordarse a sí mismo que esta vivo a través de sus canciones, aferrarse a esa sensación de identidad que parece desvanecerse en cuanto el grupo sale de gira y solo escucha aplausos. En ‘A Hero’s Death’, el grupo ha evitado dejarse llevar por la admiración que suscita su trabajo y ha antepuesto sus deseos como banda. Así, la frase que mejor definiría el mensaje el disco aparece en la desamparada y fría balada ‘You Said’: «todo cobra sentido para las personas extrañas que se atreven a vivir la vida no como si fuera una escalera por la que trepar». Siguiendo el camino mostrado por su propia intuición y no el que los demás pueden haber querido, Fontaines D.C. han hecho uno de los discos esenciales, tanto de rock como de cualquier otro estilo, de 2020. A partir de aquí, las posibilidades son infinitas.

Calificación: 8,5/10
Lo mejor: ‘I Don’t Belong’, ‘Lucid Dream’, ‘A Hero’s Death’, ‘I Was Not Born’
Te gustará si te gustan: The Fall, Wire… y por ende Shame, IDLES, Girl Band…
Youtube: vídeo de ‘A Hero’s Death’

Cecilio G anuncia en sus redes sociales que deja la música

Por

-

6 agosto, 2020

22

Cecilio G ha anunciado en Instagram que deja la música al menos temporalmente. El pasado 2 de agosto, el trapero barcelonés escondía 5 pen drives por Barcelona que contenían su nuevo EP ‘TDPS2 CARA B’ e invitaba a quienes los encontrasen a colgarlo en internet o quedárselo, y ahora explica que este juego escondía un motivo mayor: «el juego de los pen drives no era más que una forma de anunciaros que voy a dejar la música este 2021, para que os hicierais a la idea… Necesito estar con mi famila, disfrutar de otra forma la vida, olvidarme de vosotros y vosotros de mí, echaros de menos y volver si no con más fuerza, con otro punto de vista… Muchísimas gracias por estos 5 años en la música».

El autor de la sobrecogedora ‘Million Dollar Baby‘, una de las mejores canciones de 2019, y de otros éxitos como ‘Pikete Espacial’, ha sido uno de los representantes del trap más queridos de la escena española a pesar de nunca haber salido exactamente del underground, al menos hasta este mismo año, cuando ha aparecido en uno de los temas más interesantes del último disco de Mala Rodríguez, que destacamos precisamente hoy.

El artista, que ha lanzado incontables «mixtapes», la última, este mismo año, ha sido polémico por sus apariciones televisivas (sonado fue su absurdo encuentro con Carlotta Cosials de Hinds, recientemente aparecía en ‘La Resistencia’ de David Broncano), así como por sus innumerables enfrentamientos contra otros raperos como C. Tangana o por aquella vez que se presentó en el Sónar montado en un caballo, enfadando a todo aquel que estuviera mínimamente sensibilizado con los derechos de los animales. También ha dado que hablar por sus problemas con la justicia, pero, por contra, ha sido admirado por sus honestas letras, en las que ha hablado sin tapujos sobre su vida, que ha pasado por diversos baches.

Cuando Alanis Morissette sonaba a Janet Jackson

Por

-

6 agosto, 2020

16

Una de las trivias más divertidas para cualquier fan de la música pop es descubrir que Robin Sparkles existió de verdad y es Alanis Morissette. La autora de ‘Jagged Little Pill‘, uno de los discos más vendedores de la historia, hasta el punto que ensombrecería para siempre su carrera para desgracia de quienes consideran el siguiente, el esotérico y larguísimo ‘Supposed Former Infatuation Junkie’, realmente su mejor trabajo, fue durante un breve periodo de tiempo una pequeña estrella del pop adolescente en su país natal, Canadá. Allí publicó dos discos, ‘Alanis’ y ‘Now is the Time’, que vendieron un total de 250.000 copias y fueron Disco de Platino y Oro, respectivamente, aunque realmente nadie más los escucharía y hoy día están totalmente fuera de circulación.

Dado que ya en el momento de su edición, la crítica hablaba de ‘Alanis’ como poco menos que un reducto de la música de Janet Jackson o Debbie Gibson, puede darse por sentado que el disco no ha envejecido demasiado bien. De hecho, es mediocre hasta el punto que ni siquiera de los singles extraídos de él, como ‘Feel Your Love’ o ‘Too Hot’, puede decirse nada demasiado bueno. La función de ‘Alanis’ no fue más que la de exprimir los sonidos de moda del momento, como el dance-pop (‘Walk Away’) o el new jack swing (‘Feel Your Love’), para un público fácilmente impresionable, pero desde luego no ofrecer un producto con la personalidad que más tarde desarrollaría Alanis por su cuenta. Destacaría la actuación vocal de la artista en ‘Jealous’, donde ya se aprecia a la bestia que conoceríamos más adelante, pero entre sucedáneos de Janet (‘Human Touch’), otros de Mariah Carey (‘On My Own’), y otros de un funky supuestamente experimental (‘Oh Yeah’), muy poco de la firma de Morissette está presente en este disco que ha sido merecidamente olvidado.

Si para algo puede servir la escucha del álbum es para descubrir de dónde proceden algunas preocupaciones que plagarían a Alanis más adelante. En declaraciones de la artista, en la época de ‘Alanis’, su sello ejerció una «presión brutal» sobre ella para que perdiera peso de cara al lanzamiento del disco, lo que le haría terminar desarrollando problemas de anorexia y bulimia que le obligarían a acudir a terapia para «desprogramar mi cerebro». La artista tuvo que aprender que «lo que sea mi cuerpo, es perfecto tal y como es». De hecho, es en esta época cuando Alanis es víctima de una violación y de abusos por parte de hombres más poderosos de la industria musical, incidentes sobre los que hablaría en su debut internacional.

Por otro lado, hay que elogiar que Alanis jamás fuera una de esas artistas que reniegan de su pasado, y la artista nunca ha mostrado vergüenza por haber grabado estos trabajos: «No me da miedo que la gente escuche esos discos, nunca hice portadas de Playboy… no hay nada de lo que me arrepienta. Para mí, (mi pasado) valida ‘Jagged Little Pill’. Entonces no era yo misma y no tenía tanta experiencia en la vida. No estaba preparada para abrirme de esa manera. Mi propósito entonces era entretener a la gente y dar mis primeros pasos en la industria, y también divertirme y ser joven en lugar de compartir cualquier secreto que escondiera en ese momento. Los tenía, pero no me sentía cómoda compartiéndolos». Pero luego llegó 1995 y el resto es historia…

Bon Iver cuenta con las voces de Bruce Springsteen y Jenny Lewis en la solidaria ‘AUATC’

Por

-

6 agosto, 2020

1

Bon Iver, de actualidad por su participación en el nuevo disco de Taylor Swift, publica un segundo single solidario para ayudar a afrontar la crisis del coronavirus y cuyas ganancias serán donadas a Direct Relief, organización humanitaria que «trabaja para proteger tanto a trabajadores como a pacientes». El primero recibía el nombre de ‘PDLIF’, siglas de «please don’t live in fear», y el segundo presenta otro título abreviado, ‘AUATC’, que significa «ate up all their cake».

La canción cuenta con coros del mismísimo Bruce Springsteen, aunque la nota de prensa apenas le menciona en los créditos, quizá para no restar importancia a la causa; y también de Elsa Jensen, Jenny Lewis y Jenn Wasner. El videoclip, filmado en Nueva York y dirigido por Aaron Anderson y Eric Timothy Carlson, está protagonizado por el bailarín Randall Riley.

El tema llega a su vez acompañado de un manifiesto contra el capitalismo: «Toda persona merece ser tratada con dignidad, equidad, justicia y alegría. Sin embargo, nuestras sociedades capitalistas han creado un mundo que apoya sobre todo a los más ricos y a la élite, así como a las empresas depredadoras y las políticas que motivan su desproporcionado éxito». El texto sigue: «Una persona cualquiera es dejada de lado y desoída; comunidades marginadas son aún más oprimidas por su raza, estatus económico, género, orientación sexual, credo, historial criminal, estabilidad habitacional, educación, capacidad, estatus de documentación y más. La pandemia exacerba estas graves desigualdades y una codicia que sigue sin ser revisada. Debemos seguir luchando para derrocar el capitalismo tal y como lo conocemos y reconocer nuestra participación colectiva en el respaldo de sus instituciones dominantes».

Mala Rodríguez presenta en vivo su disco más incomprendido, su ‘Earthling’, su ‘MDNA’ particular

Por

-

6 agosto, 2020

8

Mala Rodríguez ha publicado hace tan sólo dos meses un nuevo álbum. ¿Alguien se acuerda? ¿Alguien lo tiene presente? El esperado ‘Mala’, su primer disco en 7 añazos, no ha podido pasar más desapercibido por las listas, durando tan sólo 3 semanas en el top 100 oficial en España. Lo fácil es echarle la culpa a la covid-19, a la ausencia de edición física. Pero a estas alturas está bastante claro que el álbum no ha conectado con sus viejos seguidores, los del rap en crudo… ni tampoco ha logrado acercarse a neófitos, ni siquiera sumando nombres tan apetecibles para las nuevas generaciones como Lola Indigo o Cecilio G.

Como David Bowie en la era ‘Earthling’ (1997), cuando tuvo que reducir los aforos de sus conciertos de manera drástica (en Madrid pasó de Las Ventas a Aqualung), o como su fan Madonna en ‘MDNA’ (2012), lo de sumarse a las tendencias de moda (el jungle, la EDM, el reggaetón) en lugar de crearlas le ha salido por la culata. Porque el público seguramente lo que espera de ella es que haga algo más fiel a su propia carrera o algo más «adulto». Esto nos contaba en una entrevista el año pasado, hablando de «ageism»: «En ‘Egoísta’ me criticaron porque salía con coletas. ¿Te acuerdas de AC/DC? ¿Lo que les gusta salir de colegiales? Pues a mí también. No como en el momento hipersexualizado del porno, sino como estudiante rabiosa con todas las ganas de discutir. En millones de conciertos he llevado coletas y falda. Pero como ahora tengo 40 años… Nunca ha sido un problema para mí la edad. En ‘Egoísta’ había comentarios de «por qué lleva coletas si tiene 40 años». Aunque los tuviera, yo no estoy haciendo nada para tus ojos, lo estoy haciendo por mí. El hombre cree que tú eres un producto para su consumo. Me parece arcaico el asunto. Muchas mujeres defienden que se nos hace invisibles a partir de cierta edad, y siempre tenemos que estar justificando nuestras acciones, cuando la mujer adquiere un poderío a partir de los 30 que no tiene nada que ver».

En lo musical, de la misma manera que ni ‘Earthling’ era un disco tan malo como se dijo en su momento y es bastante más divertido de recuperar que otros álbumes de Bowie de los 90, y ‘MDNA’ escondía grandes WTF’s que eran mejores que sus singles, ‘Mala’ merece la pena. ¿Es su gran comeback, su mejor álbum? No. ¿Merece pasar tan desapercibido? Ni remotamente: está sin duda por encima de la media de lo que está ahí fuera triunfando en el mercado ahora mismo. Su gran momento WTF, la canción con todas las papeletas de acabar entre lo mejor de 2020, al menos entre nuestra redacción, es la arriesgada ‘Superbalada’, una canción más ambiciosa que ‘Contigo’, ‘Aguante’ y ‘Dame bien’, esos singles tan a tiro hecho que sí, han podido conquistar las playlists de moda, pero no han logrado en absoluto despertar la curiosidad del público hacia el resto del álbum. De hecho, ‘Problema’ con Lola Indigo es una de las canciones con peores streamings de esta última: nada como «intentarlo demasiado» para que el público te diga: «ni de coña». ¿Es una grabación tan penosa? Pues peores cosas se han visto por el top 100 recientemente.

Aunque un poco destartalado en su mezcla de estilos, en ‘Mala’ terminan funcionando de una manera o de otra el baladón que supone ‘Mami’, la intro oscura de ‘Nuevas drogas’, ‘Like’ y sobre todo esa extraña pieza marca de la casa que es ‘Antes de todo aquello’ al principio de la segunda mitad.

Pero la canción que de verdad sorprende que no cale un poquito más entre el público es ‘Pena’ y aquí creo que sí le voy a echar la culpa a la pandemia, supongo que responsable de que no exista el videoclip que todos imaginamos en cuanto escuchamos la canción. Es verdad que el tema se acerca al ya sobadísimo tropical house, pero no sé en qué planeta la melodía de esta canción de amor puede ser considerada «mala» o pobre: la química entre Mala Rodríguez y Cecilio G es evidente en un tema que debería estar en todas las playlists sabrosonas del verano 2020, rindiéndose a la sensualidad de ese «solo si tú quieres, eh-eh» o a ese puente que aporta él «sólo dame una señal».

Así la defendía Mala Rodríguez en la entrevista que le hacíamos este año, donde revelaba que un vídeo se llegó a planear: «¿Has visto qué cosa más bonita de canción? Cecilio es tan grande, cuando la gente lo asimile… Es un verdadero artista. Atiende a lo que siente, y es tan honesto con su manera de entender su arte que… ahí está. No quiero parecer una crítica, pero hoy en día un artista parece más un obrero que un artista, pero él es un verdadero artista y eso es la fuente de todo. ‘Pena’ es una canción preciosa, describe una sensación muy genuina. Le dije que para el vídeo tenía que salir montando a caballo, pero luego lo hizo en el Sónar (ríe). Es lo más». Mala Rodríguez actúa esta noche 6 de agosto en Madrid, quedan entradas.

Lo mejor del mes:

Robyn y Channel Tres «impactan» la pista con SG Lewis, co-productor de ‘Hallucinate’

Por

-

5 agosto, 2020

11

Robyn y Channel Tres son los artistas invitados del nuevo single del productor británico SG Lewis, cuyo álbum debut saldrá este año, más adelante, conteniendo también el single previo, ‘Chemicals’. Estamos hablando de Samuel George, co-autor y co-productor de ‘Hallucinate’ de Dua Lipa. Este ‘Impact’ destinado a las pistas de baile y estrenado esta misma tarde por la mismísima Annie Mac de la BBC es el tema favorito de todos los que ha grabado SG Lewis, gracias a «la química que ha habido entre Channel y Robyn». Según la nota remitida a los medios de comunicación por Republic Records, el artista dice que Channel tendrá «pronto un legado en el mundo de la música como el de Robyn», y además revela que en la producción de esta canción ha colaborado Totally Enormous Extinct Dinosaurs.

Hay también en dicha nota declaraciones de Robyn: «Sam ha hecho este tema instantáneamente, es una habilidad especial hacer una canción que te llegue de primeras e ‘Impact’ lo consigue. La canción me dio esa sensación y no fue duro escribir un estribillo para ella, especialmente con las voces de Channel ya metidas. Channel Tres vino de gira con nosotros el año pasado así que sé la presencia que tiene en el escenario y espero que en algún momento del futuro podamos compartir el escenario juntos, con Sam, tocando esta canción».

El disco de SG Lewis dará continuidad a un EP en 3 episodios en el que SG Lewis contó con Clairo, el mencionado T.E.E.D. y AlunaGeorge. El episodio «Dusk» estaba dedicado al disco, al funk y al electro, «Dark» a sonidos más duros y variados y «Dawn» era sobre la sensación de unión del público al amanecer.

Lejos de ‘Coffee’, beabadoobee se adentra en el indie noventero en los singles de su debut

Por

-

5 agosto, 2020

Un par de años después de pasar por «Revelación o Timo» con temas como ‘Coffee’, beabadoobee, que este 2020 era nombrada como artista que seguir por el BBC Sound of, anuncia su disco de debut de cara al próximo 16 de octubre. El álbum recibe el nombre de ‘Fake it Flowers’ e incluye el reciente single ‘Care’, pero por supuesto nada que ver con su macrohit a nivel mundial ‘death bed (coffee for your head)’, construido por Powfu a partir de la mencionada ‘Coffee’, que salía en 2017.

Si ‘Care’ presentaba un sonido de indie-rock noventero a lo Pixies, con un punto más pop a lo Sundays, en esa onda continuamos en esta nueva canción estrenada hoy que habla oficialmente de una amistad, de confesar los errores y de «desmerecer algo porque se parece demasiado a ti misma». ‘Sorry’ pasa de las cuerdas a la explosión de guitarras, como podrían haber construido PJ Harvey o más recientemente Torres. Parece que esta será su línea artística tras lo también expuesto en temas de sus EP’s pasados como ‘Take If You Want To‘.

Fake It Flowers:
01 Care
02 Worth It
03 Dye It Red
04 Back to Mars
05 Charlie Brown
06 Emo Song
07 Sorry
08 Further Away
09 Horen Sarrison
10 How Was Your Day?
11 Together
12 Yoshimi, Forest, Magdalene

The Psychedelic Furs / Made of Rain

Por

-

5 agosto, 2020

5

Los grupos que han realizado giras durante este siglo tirando sobre todo de éxitos del pasado se dividen entre los que han ofrecido material nuevo e interesante que promocionar -OMD, New Order- y los que no -Stone Roses, hasta nuevo aviso The Cure-. Dejando en un incómodo punto intermedio a gente como Pixies, que han topado con críticas irregulares dependiendo del lanzamiento, esta es una gran semana para The Psychedelic Furs. Tras unos años de gira sin repertorio nuevo en que los hemos visto por ejemplo en Madrid y en el Festival de Benicàssim, dejan de pertenecer al segundo grupo para pasar al primero: ‘Made of Rain’ vuelve a situarles en el mapa después de 29 años sin disco de estudio.

¿Qué ha pasado en estos 29 años? Que la banda sonora de ‘Call Me By Your Name‘ ha hecho recientemente por ellos lo que en los 80 conseguía ‘La chica de rosa’ de John Hughes; que una generación de artistas ha desarrollado su carrera muy influida por ellos, lo que incluye a Interpol, a The National y a The Killers, pues Brandon Flowers ha tenido el privilegio de sacar a Richard Butler en sus vídeos… y que el rock and roll ha muerto, salvo excepciones. Lo cual ha sido, paradójicamente, uno de los motores para decidir a esta banda a volver tras casi 3 décadas, especialmente satisfecha del sonido evolucionado que estaban consiguiendo en sus muchísimos directos.

Así lo dice Butler en una de las sosísimas entrevistas que la banda está concediendo, apenas hablando en profundidad ni sobre este álbum ni sobre su pasado. Una de las pocas pegas que podemos poner a la promoción de un ‘Made of Rain’ que merecía mayor entusiasmo por su parte o de sus entrevistadores, quizá un single más decidido, y una secuencia algo más breve para que el álbum pudiera ser reproducido en bucle como los mucho más escuetos ‘Talk Talk Talk’ (1981) y ‘Forever Now’ (1982).

Poco más. Por lo demás, ‘Made of Rain’ muestra a una banda en forma, capaz de contentar a quienes echen de menos la escena post-punk de principios de los 80, particular dado su uso del saxo, característica que los autores de ‘Dumb Waiters’ mantienen; pero a su vez de arriesgar y ofrecer cosas diferentes, como en la final ‘Stars’, ligeramente más electrónica y mutante. Sin que nadie pueda acusarles de haberse vendido o haber querido chupar de donde no debían, las nuevas composiciones de Psychedelic Furs mantienen cierta influencia de la Velvet Underground, añadiendo la del último David Bowie, y sin miedo a relacionarse con la oscuridad industrial de Nine Inch Nails, como en parte de ‘The Boy That Invented Rock & Roll’. La escucha del álbum es un divertimento en ese sentido, durante la cual dan ganas de mandar saludos a tanta gente que llegó tras ellos, como Elbow (‘Ash Wednesday’) y John Grant (‘Come All Ye Faithful’).

Capaces de dejarse producir en su momento lo mismo por el inigualable Todd Rundgren (que tocó la marimba en su obra maestra ‘Love My Way’) que por Stephen Street (en el que era su olvidado último disco hasta la fecha), The Psychedelic Furs no tienen miedo de acercarse al sonido Morrissey (‘Hide the Medicine’, de grandes coros femeninos) ni a lo kitsch. Uno no sabe qué va a deparar ‘You’ll Be Mine’ cuando empieza, si una producción de John Cale o más de Bon Jovi, si bien el tema se termina alzando en base al carisma de Butler. Y hay que decir que después de 29 años, su voz suena mejor que nunca, como muestra la balada ‘This’ll Never Be Like Love’.

Es a través de ella que el mensaje de ‘Made of Rain’ nos llega de manera cristalina, tranquila, sin subrayados ni estridencias. Las letras hablan sobre lo frustrante que puede ser la vida y el paso del tiempo («Siempre quise lo que no tuve, lo consigues y se te escapa de nuevo», dice ‘Don’t Believe’ antes de recordar que «la vida es corta»), sin aleccionamientos ni mayores dramas. Equilibradamente, se presentan un tema tan contemplativo como ‘Wrong Train’ -de espectaculares acústicas-, la mención a «las reinas del underground» de la estupenda ‘No One’, y otro corte que parece debatirse entre la crueldad, la sorna y la hipocresía, ‘Come All Ye Faithful’ («te dije que te quería, pero te mentí, me estaba riendo de ti»). Textos y música en los que detenerse sin las prisas propias de 2020 durante las próximas semanas.

Calificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘No One’, ‘Wrong Train’, ‘Don’t Believe’, ‘You’ll Be Mine’, ‘Hide the Medicine’
Te gustará si te gustan: Bowie, la Velvet… y The National, The Killers e Interpol
Youtube: vídeo de ‘No One’

‘La pintora y el ladrón’: uno de los mejores documentales del año se estrena en el Atlántida Film Festival

Por

Joric

-

5 agosto, 2020

1

En 2015, la pintora checa Barbora Kysilkova, residente en Noruega, recibió una llamada de la galería Nobel de Oslo: dos de sus pinturas habían sido robadas. Kysilkova no era Munch. ¿Por qué alguien iba a arriesgarse a robar dos obras de una artista poco conocida? Al poco tiempo los ladrones, que habían sido grabados por cámaras de seguridad del edificio, fueron arrestados. En el juicio, Kysilkova preguntó a uno de los ladrones por el paradero de sus pinturas. No lo sabía. Había actuado completamente drogado y no se acordaba. Antes de marcharse, la pintora le hizo una última pregunta: “¿Puedo hacerte un retrato?”. El ladrón aceptó.

El director Benjamin Ree, conocido por ‘Magnus’ (2016), un documental sobre el campeón del mundo de ajedrez Magnus Carlsen, escuchó esta historia y contactó con la artista: estaba interesado en filmar su relación. La pintora y el ladrón solo se habían visto tres veces, así que su relación estaba empezando. El resultado de esta indagación, que se prolongó durante varios años (y en los que hubo más retratos y muchos más sucesos), es ‘La pintora y el ladrón’, uno de los documentales más singulares de la temporada y uno de los títulos estrella del Atlántida Film Festival.

Tras un prólogo donde se cuenta el origen de su peculiar amistad, la película comienza poniendo el foco en el ladrón: su pasado delictivo, sus adicciones, su personalidad sensible y autodestructiva, su deseo de atención y redención. Pero luego, en un cambio de punto de vista, el documental termina centrándose en la pintora, cuyo pasado y personalidad se acaban revelando tan oscuros y problemáticos como los del ladrón. Dos almas perdidas que se encuentran, conectan y se curan a través de la amistad, el consuelo mutuo y el arte.

Lejos de plegarse a las convenciones del true crime (el atraco, el proceso judicial y la búsqueda de los cuadros apenas sirven como excusas para hacer avanzar la acción), el director utiliza las herramientas narrativas de la ficción para construir una trama que, como los cuadros hiperrealistas que pinta Kysilkova, ilumine la verdad que se oculta tras la representación mimética de la realidad (atención al extraordinario cierre). Ree no quiere hacer un retablo narrando los aspectos más escabrosos y sensacionalistas de la vida de estas dos personas, sino un retrato cubista, una exploración desde distintos ángulos sobre la complejidad de las relaciones humanas. 9.

Anuel AA anuncia macrogira española para verano de 2021

Por

-

5 agosto, 2020

13

Anuel AA celebra su disco de oro con ‘Emmanuel’, que lleva seis semanas en el número 1 de la lista de álbumes española, donde ni siquiera Taylor Swift en el mejor momento de su carrera ha podido con él, y anuncia una gran gira por España y Europa que tendrá lugar en el próximo verano.

La gira española de Anuel AA pasará por Madrid, Barcelona, Málaga, Valencia, Bilbao, Alicante, Almería, Granada, Murcia, Galicia, Canarias e Ibiza. No se conocen las fechas exactas de momento, solo se sabe que la gira tendrá lugar entre junio y septiembre del año que viene, pero atentos a nuestras páginas para cualquier novedad relacionada con la gira del reggaetonero boricua. El ambicioso tour incluye también paradas confirmadas en capitales como Londres, París, Roma y Estocolmo; eventos en Alemania, Austria, Suiza y Bélgica, y visitas a países árabes como Dubai y Marruecos.

Durante su gira ‘Real hasta la muerte’, en 2019, Anuelya llenó todos los recintos que visitó, como el Wizink Center de Madrid, el Bizkaia Arena de Bilbao, el Palau Sant Jordi de Barcelona y el Auditorio Rocío Jurado de Sevilla. Este año, el artista ha sido número 1 con ‘Hasta que Dios diga’ con Bad Bunny y con ‘El Manual’ además de con el remix de ‘La Jeepeta’ de Nio Garcia, y también se apuntado otros hits gracias a ‘Reggeaetonera’ o ‘Fútbol y rumba’ con Enrique Iglesias.

James Dean Bradfield de Manic Street Preachers hace un disco inspirado en Víctor Jara y le dedica su nuevo podcast

Por

-

5 agosto, 2020

James Dean Bradfield, guitarrista de Manic Street Preachers, publica este mes de agosto, en concreto el día 14, ‘EVEN IN EXILE’, un nuevo disco inspirado en el trabajo del cantautor, poeta y activista chileno Víctor Jara del que ya se conocen tres adelantos, ‘There’ll Come a War’, ‘Seeking the Room With the Three Windows’ y ‘The Boy from the Plantation’.

De cara al lanzamiento de este trabajo, el músico ha anunciado el estreno de un podcast sobre la figura de este influyente artista que contará con 3 episodios y la participación de varios artistas. El primero de esos podcasts podrá escucharse hoy 5 de agosto y «analizará el impacto del trabajo del chileno en la música moderna, incluyendo entrevistas con Joey Burns de Calexico y Charlie Burchill de Simple Minds». El segundo verá la luz el 12 de agosto y examinará a Jara en el «panorama artístico más amplio» junto a la ganadora del Oscar Emma Thompson y el coreógrafo Christopher Bruce, quien creó el ballet inspirado en Jara ‘Ghost Dances para la Rambert Dance Company’.

Finalmente, el tercer episodio se estrenará el 19 de agosto, con el disco de James ya en la calle, y se centrará en la influencia de Jara dentro del género de la canción protesta. Contará con entrevistas al escritor Dorian Lynskey (’33 revoluciones por minuto’), los cantantes Dafydd Iwan y Holly Near, el diputado laborista para Cardiff West Kevin Brennan y el co-guionista Patrick Jones. Os dejamos con los tres singles de ‘EVIL IN EXILE’ lanzados hasta el momento:

Lianne La Havas nace otra vez en la escalofriante ‘Bittersweet’, una de esas canciones que se crecen en directo

Por

-

5 agosto, 2020

3

Lianne La Havas ha editado en el mes de julio su tercer disco, homónimo pues es el que mejor la representa como artista, y además de verdad. Si los dos primeros trabajos de Lianne, aunque dignos, caían en el error de la sobreproducción, haciendo parecer a su autora una especie de sucesora de Emeli Sandé, Lianne ha evitado totalmente esta circunstancia en un tercer trabajo que suena orgánico, rico y totalmente ajeno a la búsqueda del hit de turno, con el cual Lianne sí ha dado de manera orgánica, topándose de hecho con su mejor canción.

Porque ‘Green & Gold’ era mucho, pero ‘Bittersweet’ también lo es. Si el álbum narra el declive de una relación, ‘Bittersweet’ nos sitúa, ya desde el principio del disco, en un escenario de desolación en que las cosas llevan yendo mal mucho tiempo. El primer pasaje, lleno de angustia y confusión, es demoledor: «por favor, deja de preguntar «¿todavía me quieres?» / No tengo mucho que decir, hablemos por la mañana / por favor, no hagas esto, estoy demasiado lejos, no sé qué decirte». Y en la segunda estrofa, la realidad es imposible de disfrazar: «si mañana estamos bien, ¿eso lo hace verdadero? No del todo, tenemos esta discusión todos los días», canta Lianne antes de concluir, de manera lapidaria: «esta mierda no va a ningún sitio». El estribillo «he nacido otra vez, todas mis piezas rotas, en una agridulce lluvia de verano» representa la metamorfosis de Lianne, el momento en que por fin es capaz de seguir adelante.

Con poco más que un pausado ritmo de batería, pequeños goteos de piano y teclado y una sutil guitarra eléctrica, Lianne construye una balada melancólica, de sonido corpulento a pesar de su escasa instrumentación reconocible, y melódicamente espectacular en su crescendo escalofriante y lleno de sentimiento, que Lianne dirige hábilmente con su humeante voz. Especialmente en directo, la canción se crece, mostrando una proyección y control vocales por parte de Lianne que pueden llegar a producir escalofríos, especialmente en su versión acústica realizada en el programa de Stephen Colbert, en un escenario que ha sido decorado como un salón, contribuyendo a la sensación de intimidad que provoca esta gran canción.

Muere en un accidente el hermano de Frank Ocean, a los 18 años

Por

-

5 agosto, 2020

Ryan Moore, hermano de Frank Ocean, ha fallecido este domingo 2 de agosto de madrugada en un accidente de coche, como ha informado un medio local de Los Angeles y ha confirmado Pitchfork. Tenía 18 años. El otro ocupante del coche, su compañero de clase Ezekial Bishop, también fallecía en el acto. La policía cree que un exceso de velocidad ha podido ser la causa de que el coche se estrellara contra un árbol.

De verdadero nombre Ryan Breaux (Frank Ocean se llama en verdad Christopher Breaux), el joven tuvo cierto protagonismo en el disco ‘blond’, pues en la pista final ‘Futura Free’ se incluía una entrevista con él a los 11 años, siguiendo con la dinámica de un álbum que había incluido interludios como ‘Be Yourself’. De manera espeluznante, la entrevista incluida en la revista que acompañó al disco incluía la pregunta «¿qué harías en tu último día en la Tierra?», a lo que Moore respondía: «todo lo que esté en mi lista de cosas que hacer antes de morir como, no sé, hay un montón de cosas que haría, como pasar mucho tiempo con mi familia, decirles que me voy y probablemente… no sé. Hay un montón de cosas que podría hacer».

Respecto a ‘Be Yourself’, en aquel momento la gente asumía que este interludio estaba narrado por la madre de Frank Ocean, pues al fin y al cabo escuchábamos una voz femenina indicándole que no hiciera el tonto con las drogas y concluyendo: «soy mamá, llámame, adiós». Sin embargo, era el mismo Ryan quien tenía que aclarar en su cuenta de Twitter que no se trataba de la voz de la madre de ambos, sino la de un amigo. Paris Brosnan, hijo de Pierce Brosnan y amigo de Ryan, ha compartido una serie de instantáneas en recuerdo del joven, cuya pérdida seguro marcará la trayectoria de Frank Ocean, que tan sensible ha sido a los valores familiares.

Ver esta publicación en Instagram

To my brother, who was talented beyond belief, possessed a heart of gold, had an energy that was infectious, a smile & laugh that lifted everyone’s spirit, and was a loyal and authentic friend to anyone he knew. You were just getting started and ready to show the world who you were. You were a leader and you had a whole army of loyal soldiers behind you. Thank you for being there for me when I needed you most, thank you for all the wild nights, thank you for your music and all the late night studio sessions with Fray, thank you for blessing us ALL with your presence on this earth. I will carry you in my heart always. Until I see you again brother. Ryan Breaux forever & Zeek Bishop forever.

Una publicación compartida de 310 ༜ 808 (@paris.brosnan) el 2 Ago, 2020 a las 4:51 PDT

¿Troleo? ¿Filtración? ¡Hype! Dua Lipa confirma espectacular disco de remixes

Por

-

5 agosto, 2020

58

Esta noche Madonna dejaba con el culo torcido a los seguidores de Dua Lipa subiendo una extraña instantánea a las redes sociales en la que confirmaba que el día 14 de agosto sale su remix de ‘Levitating’ junto a Missy Elliott. Pero el collage incluía también recortados de mala manera a Gwen Stefani y a Mark Ronson, llevando a muchos usuarios a pensar que estaba subiendo uno de esos «fan mades» que tanto le gustan, y que había confundido a Gwen «con una foto de sí misma de 1999» y a Mark Ronson con su propio ex productor, Stuart Price.

Después de 3 horas divertidísimas de especulación en Twitter y el foro de Popjustice, con mensajes que fueron del «que alguien le cierre el Instagram a Madonna» a «Madonna tardando una semana en informar sobre el remix y filtrando ahora la información del álbum de remixes de Dua Lipa es «classic Madonna»», pasando por una retahíla de memes con la cara de Gwen Stefani enterándose por Instagram de que había colaborado con Dua Lipa; esta ha subido exactamente la misma instantánea, revelando parte de lo que va a suceder. Y elevando al cubo el amor/odio al Instagram de Madonna por el camino.

El 21 de agosto, una semana después del remix de ‘Levitating’ que estará producido por The Blessed Madonna y no por Stuart Price y KOZ, se publicará un álbum de remezclas llamado ‘Club Future Nostalgia The Remix Album’. Además de la nueva versión de ‘Levitating’ podremos disfrutar de una nueva del hit ‘Physical’ producida por Mark Ronson y «muchas, muchas más sorpresas», como «remezclas de algunos de los artistas favoritos» de Dua Lipa.

¿Quiénes son algunos de esos «artistas favoritos»? ¿Cuáles son esas «sorpresas»? Desde antes de que llegara la confirmación de Dua Lipa se había jugado a las adivinanzas, pues en la instantánea compartida en principio por Madonna, había muchos otros «huevos de Pascua» desperdigados: aparece el logo de Jamiroquai en uno de los coches, hay quien ha visto a Kylie en el caballo blanco, a Moloko en el perro e incluso a Normani en una esquina.

Algunas de esas predicciones se harán realidad y otras habrán quedado en la imaginación de la gente. Pero lo seguro es que, al margen de que estas remezclas mejoren el resultado inicial, y mira que en ‘Physical’ o en ‘Levitating’ había muy poquito margen de mejora, Dua Lipa está dando una era que pasará a la historia del pop por lo que tiene de excitante. Ya tenía uno de los discos del año desde el día de su salida; ahora está dándole toda la vida posible en medio de una pandemia.

Nadie sabe a ciencia cierta a estas alturas si aparte de anunciar esta bomba que puede resucitar en las listas a dos personas tan improbables en 2020 como Madonna y Gwen Stefani, se mantiene esa edición deluxe con canciones nuevas que supondría un tercer relanzamiento de ‘Future Nostalgia’, un disco que ya había vendido 1 millón de copias. Dua Lipa ha declarado que tiene material para entretener a sus seguidores hasta 2022, por lo que esa teoría parece afianzarse.

the normani collaboration is comingpic.twitter.com/1E6nMGoAn5 pic.twitter.com/vAQdBljDgb

— 𝐜𝐡𝐫𝐢𝐬 is coming (💆🏽‍♂️ era) (@chris_n_chill) August 5, 2020

Fans have noticed potential hidden clues in this #LevitatingRemix photo that could have a bigger meaning – what do you guys think?

🔎 Car logo = Jamiroquai = FN inspo
🔎 White horse = Kylie Minogue = FN inspo
🔎 Dog = Moloko = FN inspo
🔎 Gwen Stefani = FN inspo pic.twitter.com/WboKiWG9A9

— Dua Lipa Hungary (@dualipahungary) August 4, 2020

Taylor Swift no puede con Anuel AA en España

Por

-

4 agosto, 2020

4

Taylor Swift ha debutado muy obviamente en el número 1 en Estados Unidos y Reino Unido con ‘folklore‘, además de en Canadá y Australia y en otros países europeos como Bélgica o Noruega. Sin embargo, en España el todopodoeroso Anuel AA le impide alcanzar dicha posición con ‘Emmanuel‘, aún habiendo lanzado la artista tropocientas ediciones distintas de este disco que además ha sido editado por sorpresa, con un día de aviso. ‘folklore’ se ha de conformar con el número 2 en nuestro país y no logra por tanto repetir los datos de ‘Lover‘ y ‘reputation‘, que sí fueron número 1, aunque sí mejorar los de ‘1989‘ y ‘Red‘, que fueron número 4 cuando el nombre de Taylor en nuestro país aún no estaba tan consolidado como ahora.

La otra noticia más significativa que encontramos en la lista de álbumes española esta semana es la subida de ‘Spoiler‘ de Aitana, que asciende del número 22 directo al 3 por alguna extraña razón. El disco, editado el verano pasado, lleva 60 semanas en lista y ha logrado mantenerse dignamente en ella a lo largo del año actual, mientras la cantante catalana ha ido estrenando diversas colaboraciones, como su nueva canción junto a Morat, ‘Más de lo que aposté‘.

Por su parte, entran en lista ‘Atrevido’ de Trueno, autor del inminente nuevo número 1 de singles en España, ‘Mamichula‘ (nos vemos la semana que viene); ‘Now or Never’ de Nio García y Casper Mágico en el 21, ‘Trap and Love’ de Beny Jr en el 50, ‘Metal Cmomando’ de Primal Fear en el 57, y ‘Virus’ de Haken en el 99.

‘Agua’ de J Balvin y Tainy, nuevo número 1 de singles en España

Por

-

4 agosto, 2020

9

La lista de singles española conoce un nuevo número 1 y no, no es un tema de Anuel AA y tampoco de Ozuna, pero sí de otra persona ya más que acostumbrada a ocupar esta posición en nuestro país: se trata de J Balvin, que, después de tres semanas en lista, alcanza dicha posición con ‘Agua’, su nuevo tema con Tainy (su productor) para la banda sonora de la nueva película de ‘Bob Esponja’. El tema será destronado muy probablemente la semana que viene por ‘Mamichula‘ de Trueno, Nicki Nicole, Bizarrap y compañía, que entra directo al número 4 de la lista de singles y actualmente es la canción más reproducida en Spotify España precisamente por delante de ‘Agua’.

El autor de ‘Colores‘ vuelve a aparecer en la lista de singles con ‘Un día (One Day)’, su nuevo tema con Dua Lipa y Bad Bunny, que entra en el número 6 después de haber logrado posiciones más bien modestas en el mercado anglosajón: en Reino Unido, país de Dua Lipa, ha entrado en el número 76, y en Estados Unidos -donde Bad Bunny ha sido, en solitario, número 2 de álbumes- curiosamente ha tenido un poco más de suerte, pues ha debutado en el número 63. El tema es número 11 en el top global de Spotify, pero en las clasificaciones británica y americana ni aparece, lo que significa que no está consiguiendo mantener el interés con el paso de los días, quizá por culpa del terremoto Taylor Swift.

Y hablando tanto de Trueno como de Taylor Swift, ambos protagonizan varias entradas en la lista de singles: el primero debuta en el número 37 con ‘Sangría’ y en el 95 con ‘RAIN’. Por otro lado, Taylor logra colocar ‘cardigan’ en el número 66 y ‘exile’ con Bon Iver en el 83. Finalmente, y sin nada que ver con estos dos artistas, el nuevo enemigo de Vox Cepeda debuta en el 78 con su nuevo sencillo, ‘Si tú existieras’.

ANOHNI espera el fin de la «repugnante presidencia» americana versionando a Bob Dylan y Nina Simone

Por

-

4 agosto, 2020

7

ANOHNI vuelve con el lanzamiento de un nuevo 7″ el próximo 2 de octubre que saldrá a través de Secretly Canadian, y el cual se compone de dos versiones, de ‘It’s All Over Now, Baby Blue’ de Bob Dylan y ‘Be My Husband’ de Nina Simone. La artista ha explicado ambas en sendos textos en los que, como de costumbre, vale la pena detenerse.

Sobre la primera, ANOHNI cuenta que la grabó hace unos años y que, al escucharla hoy, le ha recordado al turbulento presente actual, a una «náusea de nostalgia por el sufrimiento del presente o incluso del futuro». El productor de la canción, Hal Willner, ha fallecido este año a causa del COVID-19. La artista añade: «espero que este momento, y esta repugnante presidencia, terminen pronto, y que estos intolerantes y estos capitalistas y evangelistas apocalípticos regresen pronto a sus pequeñas cuevas podridas. ¿Pero cómo puede esto ocurrir a menos que los medios de comunicación americanos y las redes sociales sean obligados a decir la verdad? Me alegra haber visto la movilización de Black Lives Matter y el resurgimiento del movimiento Occupy, pero cuando Joe Biden dijo que los «americanos no quieren la revolución, sino una vuelta a la decencia», estaba equivocado: en el fondo, todos sabemos que la continuación de nuestras civilizaciones por más tiempo requiere un cambio sísmico».

En cuanto a ‘Be My Husband’, se trata de una grabación de 1999, interpretada por la banda entonces conocida como Antony and the Johnsons en Nueva York. ANOHNI es una gran admiradora de Nina Simone, a quien de hecho llegó a ver en directo en el año 1991. «Aparentemente no hubo publicidad del concierto, porque el teatro estaba medio lleno. Entonces, Nina tenía fama de ser una persona volátil e impredecible, pero aquella noche cantó con una dignidad tremenda, realmente de manera increíble, e hizo como 5 o 6 bises. Para mí, Nina Simone fue la artista más grande del siglo XX. No escribió muchas canciones, pero las que escribió son algunas de las más profundas de la época. ‘Be My Husband’ es una de ellas».

A la época de Antony and the Johnsons ha querido llevarnos también ANOHNI con el videoclip de ‘It’s All Over Now, Baby Blue’, construido a partir de imágenes de archivo de conciertos de la banda durante los 90. Os dejamos con el audio del EP subido a Bandcamp:
<a href="http://anohni.bandcamp.com/album/it-s-all-over-now-baby-blue-b-w-be-my-husband">It’s All over Now, Baby Blue b/w Be My Husband by ANOHNI</a>

Amaia anima el «nuevo verano» y anuncia dos nuevos singles

Por

-

4 agosto, 2020

9

Amaia Romero ha vuelto a la actualidad musical estos días con el estreno de un nuevo videoclip animado para ‘Nuevo verano’, aprovechando lógicamente que ya es verano, aunque desde luego no exactamente el que esperaba ni ella ni nadie debido a las extrañas circunstancias en las que nos encontramos.

‘Nuevo verano’ es el alegre tema que contenía una de las frases más icónicas del debut de Amaia, «esta noche estoy contenta pero poco, no mucho», y su punto naíf está perfectamente plasmado en su videoclip, una monada animada por Néstor F en la que vemos a la cantante navarra comiéndose un helado delante del mar (¿esto no era una canción de Papa Topo?) o acompañada de un extraterrestre de color verde.

Justo cuando está a punto de cumplirse un año desde el lanzamiento de ‘Pero no pasa nada’, que salió el 20 de septiembre del año pasado, lo cual parece una eternidad a estas alturas, la navarra anuncia el lanzamiento de dos nuevos singles para el próximo 7 de agosto. Pero que nadie se vuelva loco, ya que se trata de ‘Cosas interesantes que decir’ y ‘La victoria’, dos temas que la artista ha cantado en directo durante la gira de presentación de su primer disco, pero que no había grabado hasta ahora.

La autora de ‘El relámpago’ era noticia durante la cuarentena por una pequeña polémica con Tinet Rubira surgida a raíz de un documental sobre ella rodado tras su salida de Operación Triunfo que nunca vio la luz. Antes, durante la gira de ‘Pero no pasa nada’, la cantante entretenía al público con mil y una versiones inesperadas, de Natalia a La Buena Vida.

Dominic Fike / What Could Possibly Go Wrong?

Por

-

4 agosto, 2020