Zahara, que sorprendiera abriendo su pecho en canal en la espectacular ‘MERICHANE‘, estrena el segundo single de su nuevo disco. ‘canción de muerte y salvación’ es otro corte de letra honesta pero sorprende por su abrasiva producción, que por momentos parece querer engullir brutalmente a la artista.
«El confinamiento me llevó a un viaje personal tan profundo que desembocó en todo lo que hay en mi próximo disco»; explica la artista. ‘MERICHANE’ podría ser el tráiler y ‘canción de muerte y salvación’ el primer acto, la primera piedra de todo lo que vendrá después.
Mi primera canción la compuse con 12 años.
No es casualidad que fuese a esa edad.
Ya desde muy pequeña entendí que la música era un refugio en el que podía esconderme y donde, paradójicamente, podía mostrarme tal y como era.
Hay cosas que no deberían pasarle a nadie.
Pero las cosas que no deberían pasarle a nadie y suceden en la infancia o adolescencia dejan marcas que no se pueden quitar después, con las que tienes que aprender a vivir y que si no cuidas bien pueden arrastrarte y sumergirte hasta asfixiarte.
Yo tenía una mancha en el pecho.
Una mancha negra que me fue invadiendo y que pensaba que tenía que destruir.
Odiaba todo lo que estaba roto en mí porque no entendía que eso que consideraba oscuridad estaba tan arraigada en mí como la luz, y que lo que me hacía ser quien era consistía en un delicado equilibrio entre mis dos lados.
Buscando ese lugar encontré aquellas canciones llenas de muerte que acabaron siendo mi salvavidas».
El vídeo es obra de Abel Molina, quien lo explica de la siguiente manera: «Le envié la canción recién compuesta sin decirle nada más y recibí una llamada en la que me contó la vida de la que yo nunca le había hablado. Me habló de la belleza de esa mancha negra, de cómo la oscuridad en realidad me había salvado y había renacido en ella. Le pedí que creara libremente y me entregó este relato donde ‘canción de muerte y salvación’ es la banda sonora. Una lucha épica entre realidades e identidades donde, en realidad, no gana nadie».
slowthai dedica su segundo disco a «todos aquellos que batallan consigo mismos a diario». Las letras de ‘TYRON’ hablan de cogerse ciegos de marihuana para evadir la realidad, de tendencias suicidas, de la cultura de la cancelación, de la tergiversación que los medios (supuestamente) hacen de las declaraciones de un artista o de los vaivenes de la fama, pero sobre todo de la necesidad de cometer errores para crecer. Por si no ha quedado claro, ‘TYRON’ -así se llama el rapero de Northampton- es un disco personal, introvertido, que bucea en la mente de su autor, y en el que la preocupación por el estado sociopolítico de Reino Unido plasmada en su exitoso debut queda en un segundo plano, apenas reflejado en un tema como ‘nhs’ que debe su título al National Health Service y cuyo video referencia la crisis de la covid.
‘TYRON’, que será esta tarde el nuevo número 1 de ventas de Reino Unido, tras vencer a Pale Waves, decide dividirse en dos discos, exactamente como lo hacía el anterior. El artista explica que la primera parte del álbum representa la «máscara» que se pone ante los demás, cómo el público le percibe, y que la segunda indaga en su verdadero yo, el chaval «adorable y divertido» que solo su familia, novia y amigos ven. La separación entre ambas no solo alberga un sentido conceptual sino también musical y lírico: la primera se compone sobre todo de temas de trap y drill desafiante y la segunda de cortes más bonitos e introspectivos. En ambas hay singles destacados como ‘CANCELLED’ con Skepta, en el que slowthai reflexiona sobre la polémica que protagonizó en la pasada edición de los NME Awards para cederle al autor de ‘Ignorance is Bliss‘ un «hook» infalible; o ‘feel away’, la tierna colaboración del artista con James Blake y Mount Kimbie que utiliza la melodía de ‘Dreamlover’ de Mariah Carey; con otros que pasan más desapercibidos por lo repetitivo (‘WOT’) o lo derivativo (‘i tried’ recuerda demasiado a la primera etapa de Kanye West sin dejar demasiada huella).
A destacar de ‘TYRON’ no solo el flow de slowthai, siempre dinámico, y algunas de sus sonoras rimas («Waved off rum, got skunk in my zoot / In the rave, drop a eccy with your mum»), sino también la delicadamente elaborada producción sonora de Kwes, la cual suena diseñada a conciencia para contrastar con la voz nasal y juvenil del rapero inglés: el productor le envuelve en un sofocante diseño sonoro en ’45 SMOKE’ pero también en delicadas texturas en ‘adhd’, alternando chillidos de desesperación con llamadas telefónicas a modo de bonito collage. A rasgos generales, es en el segundo CD de ‘TYRON’ donde es posible hallar las canciones más atractivas del largo a pesar de que el primero incluye otro mini hit como ‘MAZZA’ con A$AP Rocky: ‘focus’, en la que slowthai busca «concentrarse» en ser mejor persona, muestra lo lejos que sigue llegando la influencia de ‘Overgrown‘; y el tierno «loop» vocal de ‘nhs’, que evoca el momento en el que uno empieza a ver la claridad después de un periodo oscuro, es reconfortante y adictivo. Por otro lado, el drama contenido de ‘terms’ sienta bien a Dominic Fike y Denzel Curry y las guitarras acústicas de ‘push’ son muy bienvenidas en un disco que peca de repetitivo sobre todo en su primera mitad.
Hay algo que encandila en esos collages con todos los «looks» históricos de Madonna cien veces recopilados en medios audiovisuales, mil veces analizados en las páginas de sociedad. Madonna cargada de colgantes y crucifijos hasta la ingle, Madonna tomando una idea o dos de Marilyn Monroe, Madonna con las tetas-cono de Gaultier, Madonna como disco-diva tirada por la pista de baile, Madonna haciendo «voguing»… Suelen ser la viva imagen de la reinvención de la artista, imágenes icónicas que parece que van a estar ahí para siempre, pero que después son hasta olvidadas, sólo por la llegada de un nuevo look de la cantante. Incluso en esta última etapa de su carrera, tan poco querida por el público, ¿olvidaremos el parche en el ojo que llevó -para bien o para mal- a Eurovisión o incluso el pelo rosa que ha paseado por Instagram, aparentemente sin proyecto artístico asociado?
El recorrido por los diferentes looks de Madonna es el gran atractivo de este libro ‘Madonna. Una biografía’ que publica este viernes Plan B (Penguin). Las ilustraciones han corrido a cargo de la artista vasca Isa Muguruza, conocida por su trabajo para Vogue, El País, Netflix o Glamour y por un primer libro llamado ‘Venuscentrismo’ (2020). En ocasiones su estilo echa de menos algo de la «psicodelia» y «metafísica» de la que presume su biografía en este mismo volumen, pues es ante todo realista y esquivo con toda caricatura o figuración; pero Muguruza ha captado bastante bien la esencia de Madonna en eras tan dispares como ‘Like a Virgin’, ‘MDNA’ o ‘Evita’, aquel momento en que la cantante renunció a su propia cara para tratar de transformarse en la Perón.
Las ilustraciones vienen acompañadas de la «biografía» anunciada en la portada, escrita por Los Prieto Flores, el matrimonio de Borja Prieto y Natalia Flores, responsable de varios hitos en la historia del pop de nuestro país, como la promoción de algunos de los lanzamientos clave de Javiera Mena y El Último Vecino; y, en el caso de él, haber formado parte de Meteosat con Diana Aller (!) e Ignacio Escolar (!!!!!). Últimamente habían abierto los Prieto Flores un canal de Youtube, lanzado al mercado unos muñecos de Rosalía y C. Tangana inenarrables (Rosalisa y B Tangana), y también un libro sobre la paternidad.
En este nuevo han dejado a un lado su mordacidad habitual para adoptar un tono neutro y wikipédico: la cita más divertida, autoparódica en su fanatismo delirante o no, es un préstamo de Juan Sanguino. Y por otro lado también les percibimos en una posición de fan «Madonna, Reina, Guapa» tipo «cuento de hadas» que resulta un tanto impostada. Los textos están escritos en modo fan hasta el punto de faltar a la verdad (no, ‘Madame X’ no fue un éxito; no, ‘Ray of Light’ no vendió 25 millones de copias), pero a su vez es un tanto extraño que ese fanatismo no haya llevado a ninguno de los dos a contrastar que ‘I’m Breathless’ fue un disco y no un single; o que eso que han encontrado en Youtube, no, no es el vídeo de ‘Promise to Try’ porque tal cosa no existe.
Hace un par de temporadas se publicaba en nuestro país un ensayo sobre Madonna llamado ‘Bitch She’s Madonna’ que, aunque no aportaba demasiado en el análisis musical, sí sumaba capítulos interesantes centrados en el feminismo, la sexualidad, la importancia de lo visual, la aportación al mundo LGTBI, etcétera. Aquel libro era quizá demasiado analítico para el fan casual, que no está demasiado preocupado por el alcance sociológico de su diva favorita; y este otro libro se queda algo corto en dicho cometido. Es obvio que siempre aprenderás algo sobre Madonna que desconocías porque su trayectoria es inabarcable (personalmente acabo de enterarme de la existencia de esta maravilla), pero aquí la curiosidad es más la excepción que la regla. Desde que salió ‘Future Nostalgia’, ‘Hung Up’ es la canción más escuchada de Madonna porque algunos fans de Dua Lipa parecen haberla descubierto gracias a ella, y ese es el público objetivo al que parece dirigirse este libro. Ideal para regalar a tus sobrinos. 6. Disponible en Amazon.
No son tiempos fáciles para una banda como Clap Your Hands Say Yeah. El proyecto ya en solitario de Alec Ounsworth llega a su sexto disco en mitad de una pandemia, sin la posibilidad de realizar giras con las que sustentarse y con el hype de sus inicios diluido: una cantidad ingente de los 30 medios de comunicación musicales que encumbraron su debut ya ni siquiera existe.
La crisis de identidad que pudiera implicar todo esto se ha visto agravada por la situación política de Estados Unidos. Obviamente ‘New Fragility’, que debe su título a David Foster Wallace, fue escrito antes de la elección de Joe Biden, y es abiertamente el álbum más social jamás realizado por Clap Your Hands Say Yeah, como se aprecia en pistas que se llaman cosas como ‘Hesitating Nation’, esta a su vez dando paso con sus coros sintetizados a ‘Thousand Oaks’, una composición sobre «una masacre americana en el sur de California» de la cual la gente se ha olvidado.
En este punto de la carrera de Clap Your Hands Say Yeah la gran pregunta es cuántas de las canciones que incluye un álbum suyo podremos recuperar dentro de 10 años. En ‘New Fragility’ destacan sobre todo 3, comenzando con la mencionada ‘Thousand Oaks’, que presenta una decidida base rítmica sobre una melodía que podían haber escrito The Killers pensando en Bruce Springsteen. «¿Y si consigo escalar esa montaña, qué me encontraré arriba?», se pregunta Alec desesperado frente a un futuro incierto, justo después de un punteo un tanto New Order.
‘Mirror Song’ es una canción también mágica a piano, a medio camino entre los Beatles y una melodía pop de Taylor Swift, enriquecida por los juegos de percusión. Y la gran sorpresa de esta era nos la da ‘CYHSY, 2005’, una canción retrospectiva sobre las penurias de realizar giras prácticamente con lo puesto, aderezada por un atractivo juego de cuerdas quizá consecuencia de lo que Alec ha estado escuchando a Tindersticks. Algo que se aprecia sobre todo en ‘Innocent Weight’, en la que el artista se pregunta una y otra vez qué ha hecho mal.
Ounsworth ha producido este disco junto a Will Johnson (Monsters of Folk), y bromea sobre su sonido sureño, quizá por la armónica de ‘Where They Perform Miracles’. Los Clap Your Hands Say Yeah que nos enamoraron con estructuras sorprendentes logran hacerte levantar de la silla al término de ‘Went Looking for Trouble’, si bien detrás de esta el álbum debería haberse dado por terminado en lugar de ofrecer una canción a piano grabada de mala manera como es ‘If I Were More Like Jesus’, una forma tonta de mostrar tu falta de calado ocasional como compositor. Sigue sin decaer el grupo, en cualquier caso: recordemos que el anterior ‘The Tourist’ en 2017 también sirvió como este para engrosar su considerable lista de «greatest hits».
El adiós a Françoise Cactus de Stereo Total, además de habernos sumido en una honda tristeza, parece además el adiós definitivo a una manera de entender el pop irrepetible: caótica, brillante, inconsciente, sexy, humorística, romántica, desprejuiciada y multilingüe. ¿Habrá algo que se llegue a parecer a esta pareja de maravillosos excéntricos a partir de ahora? Difícil, cuando de hecho eran únicos, y la ya desaparecida Françoise era el alma del grupo.
Su mezcla de estilos estaba basada en el yeyé y el punk pero con ramificaciones inesperadas y maravillosas, sin prejuicios, a todo tipo de referencias culturales, musicales y estéticas. Françoise y Brezel formaban una especie de comando de ataque pop envuelto en cultura anticuada, de serie B. Mucho antes de la edad de oro de la retromanía, en plenos años 90, ejercieron de enciclopedias de la historia del pop, rebuscando a partes iguales entre lo exitoso y lo oscuro, agarrando desde lo más lacrimógeno a lo más salvaje, y mezclándolo en una batidora que lo absorbía casi todo. Pero todo esto ya lo la resumió brillantemente ayer Sebas, así que celebremos la memoria eterna de Françoise con dos canciones particularmente favoritas, y definitorias de dos de las muchas facetas de Stereo Total.
La primera es una original, ‘Holiday Inn’, que abría su tercer disco, ‘Jukebox Alarm’, de 1998: representa una de sus más alucinantes ejercicios de pop de baile lo-fi: sobre una batería casi breakbeat, Françoise canta displicentemente acerca de un Holiday Inn, que nos invita a visitar “and I’ll show you something”. Un “algo” misterioso que “después te reirás cuando lo recuerdes, lo enterrarás en tu mente por toda la eternidad… no quiero decirte exactamente lo que es, es una pena que no he podido evitar mencionarlo…”. Conforme la letra evoluciona ya no sabes si la protagonista quiere llevarte al hotel para ligar o descuartizarte, y la canción se ensombrece brillantemente: es parte de la ambigüedad y surrealismo de muchas de las letras de Stereo Total.
Pero el riff de la canción es su verdadera arma secreta. Tocado por Bretzel en un rudimentario mini-sinte, representa la sublimación seguramente definitiva del concepto “riff” condensándolo en algo próximo al átomo: dos notas que son realmente una (separada por una octava), alternadas con simplicidad extrema, y sin embargo infalible. Algo que podría ser -en otro universo con teclados más caros- casi el riff de una canción de tecno duro. En manos de nuestros queridos berlineses, sin embargo, es una delicia directa a la yugular que -hablo por experiencia- siempre arrasa cuando se pincha en una fiesta, además de atraer a curiosos muy a menudo.
Curiosamente tan pegadizo riff se limita a abrir la canción y cerrarla, en vez de ser explotar hasta la saciedad, otro testimonio más del enfoque instintivo del grupo al arreglar y componer canciones, donde cuenta más lo que les viene en gana que hacer algo comercialmente viable (aunque el sello Bungalow sí sacó un single con remezclas para tratar de explorar, en otras manos, las posibilidades de la canción).
En la cara B de este Hit de Ayer especial traemos la versión de Stereo Total del ‘Ex fan des sixties’ que Serge Gainsbourg escribió para Jane Birkin en 1978. Difícil decidirse por un “cover” en este grupo que hizo tantos y tan brillantes: su primer single y álbum ya contenía otro Gainsbourg, su versión maravillosa del ‘Je suis venu te dire que je m’en vais’ (¡con Alex Chilton a la batería, por cierto!), por no mencionar maravillas posteriores como el ‘Moi je joue’ de Brigitte Bardot, el ‘Push It’ de Salt’n’Pepa, el ‘Get Down Tonight’ de KC & The Sunshine Band, el ‘Joe le taxi’ de Vanessa Paradis, sus sonadas versiones de pop español… y mil más.
Sin embargo ‘Ex fan des sixties’ tiene un resplandor único: apareció primero en la edición japonesa de su debut, ‘Oh Ah’, y luego en ediciones posteriores. Elefant la incluyó en su recopilatorio ‘Casablanca’. Para mí escuchar cómo Stereo Total cogían esa bagatela 70s que a Gainsbourg le debió costar escribir 20 minutos y la envolvían en un delicado arreglo de synth-pop 80s de baja fidelidad, con ese irresistible motivo de órgano Farfisa de juguete, me llegó al corazón. Eso, y la forma en la que Françoise cantaba la canción, con tanta emoción y melancolía. Ahí es donde me di cuenta de que Stereo Total significaba mucho más, llegaba mucho más allá. La nostalgia por los grupos desaparecidos de los 60 en Gainsbourg sonaba desapegada, algo irónica, ese “Ex fan de los 60, pequeña muñequita (…) ¿dónde están tus años locos? ¿Qué fue de tus ídolos?”, incluso cantado por Birkin, puede sonar casi burlón. En la voz de Françoise y en los dedos de Bretzel, sin embargo, suena a pura declaración de amor por todos los ídolos de una era que añoraban honestamente, y que intentaron revivir, a su excéntrica manera, durante 25 años.
Stereo Total sonaron en la entrega nº 274 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.
Demi Lovato ha confesado que tras su sobredosis sufrió un infarto y tres derrames cerebrales. La artista realiza estas declaraciones en ‘Demi Lovato: Bailando con el diablo’, el documental sobre ella que se estrena en YouTube el 23 de marzo, y el cual ahondará en los últimos años de su vida, marcado por sus problemas con el consumo de drogas.
Sus palabras exactas son: «Tuve tres derrames. Me dio un infarto. Mis doctores decían que me quedaban cinco o 10 minutos. Tengo tanto que decir de los últimos dos años. Para vuestra información, lo voy a contar y si después no queremos usarlo todo, podemos quitarlo». El tráiler de ‘Demi Lovato: Bailando con el diablo’ adelanta la participación de su familia y de colegas de profesión como Elton John o Christina Aguilera.
La sinopsis oficial explica: «Demi Lovato: Bailando con el diablo es una poderosa serie documental en cuatro partes que explora todos los aspectos que llevaron a la sobredosis casi fatal de Lovato en 2018, así como sus consecuencias. Los espectadores podrán seguir el viaje personal y musical de la estrella durante el momento más difícil de su vida mientras desvela sus traumas pasados y descubre la importancia de su salud física y mental».
Entre las novedades que os presentamos el pasado viernes en la playlist semanal «Ready for the Weekend», hay que destacar un nuevo adelanto del inminente tercer disco de Roosevelt, su regreso tras ‘Young Romance‘. ‘Lovers’, una canción que no en vano se publicaba a tiempo para el Día de San Valentín, es otra de esas composiciones ultra sencillas del productor, que se pegan como una lapa por mucho que se le vean las costuras por todos los lados.
‘Lovers’ podrían haberla escrito los primeros Depeche Mode o podría ser un single de cualquier tiempo de Erasure, pero como siempre no es que haya demasiada gente en 2021 tratando de captar aquel sonido con tanta precisión y gracia. Colorido como ese «no-vídeo» con el que podemos disfrutar de la canción o impoluto como esa portada del single en la que aparece un teclado resplandeciente donde nadie ha puesto una pegatina, ni una copa de vino ni un café, ‘Lovers’ cumple su cometido de llevarte a los 80 como tantísimos artistas de música pop de hoy pasan siquiera de intentar. Roosevelt te promete que te llevará a lo más alto porque «somos amantes esta noche» y de hecho lo consigue.
Precedido por singles como ‘Sign’, ‘Echoes’, ‘Feels Right’ y ‘Strangers’, el largo ‘Polydans’ se publica el próximo 26 de febrero. Con la tontería, conocemos ya la mitad del álbum, pero eso no impedirá que los fieles al género disfruten de la propuesta y de los conciertos que aguardan el próximo otoño en Razzmatazz y Ochoymedio:
5 de octubre: Razz 2, Barcelona, ES
6 de octubre: Madrid, BUT Ochoymedio Club, ES
Crecen las protestas por la detención en Lleida del rapero Pablo Hasél. Si el martes por la noche varias concentraciones se producían en varios puntos de la Comunidad Valenciana y Cataluña, y una joven perdía un ojo debido al impacto de una pelota de goma; las manifestaciones se extendían este miércoles por la noche a Madrid, a Toledo o a Sevilla, donde se manifestaron 300 personas. Ilustración: Cinta Vidal.
Varios helicópteros sobrevolaban alrededor de las 21.00 horas la Puerta del Sol, donde se había convocado una manifestación «antifascista» a favor de la libertad y en contra de la detención del rapero por la tarde.
Los disturbios no se hicieron esperar, hubo quema de barricadas y al menos 5 cargas policiales contra centenares de personas. Como resultado, 55 personas fueron heridas de carácter leve -de ellas, 32 son policías-, teniendo 3 de ellas que ser trasladadas al hospital. La policía cercó la Puerta del Sol, teniendo que cerrar 6 de los 8 accesos a la misma, como informa el diario El País.
También en Barcelona se volvieron a producir por segundo día consecutivo concentraciones, barricadas y cargas. En la Plaza Urquinaona sonaron gritos como «libertad Pablo Hasel», «los borbones son unos ladrones», «puta España, puta policía» y «muerte al estado fascista», como pronunció el rapero en el momento de ser detenido, como informa El Diario. Los detenidos han llegado a 29 en la ciudad condal y a 19 en la ciudad de Madrid.
Como nos informa Imperial Recordings a través de un mailing en inglés, José González vuelve en castellano. El que es su primer trabajo en 5 años, que son los que han pasado desde ‘Vestiges & Claws‘, se presenta con un single llamado ‘El invento’ que resulta ser el primer tema en español del artista, que es sueco, si bien de origen argentino. Explica en dicha nota de prensa que este lanzamiento está profundamente inspirado por su hija:
«De vez en cuando intento escribir letras en español, y esta vez lo he conseguido. Supongo que hablar con Laura todos los días ha ayudado. Empecé a escribir ‘El invento’ alrededor de 2017 cuando nació. La canción es sobre preguntas: ¿quiénes somos? ¿adónde vamos y por qué? ¿a quién tenemos que agradecer por nuestra existencia? Históricamente, la mayoría de tradiciones han inventado respuestas para estas preguntas. De ahí viene el nombre del tema: ‘El invento (dios)’. La palabra que utiliza la nota de prensa en inglés es «invention», algo ambigua.
Menos ambiguo es ese vídeo en el que se ha decidido incluir la letra de lo que canta José González tanto en castellano como en inglés, para que nadie se pierda. La canción acústica y crepuscular está en la estela del folk de finales de los 60 de Nick Drake, por supuesto de su propio trabajo y Devendra Banhart ahora que se ha pasado al castellano. «Dime de dónde somos, por dónde vas, por qué será, en dónde estamos y dime por qué» son algunas de las preguntas lanzadas en este tema con el que se pretende entender cuáles son «los enigmas del universo». De momento, no hay fecha para el álbum.
Françoise Cactus, líder del grupo Stereo Total, ha fallecido a los 57 años, como informa a través de redes sociales el que ha sido en algunos lanzamientos su sello en España, Elefant. Según el medio belga Shoot Me Again ha fallecido a causa de «una larga enfermedad», que después se ha revelado que era un cáncer de pecho. También la despide en Francia el medio Section 26, para el que Stereo Total hicieron una mixtape el año pasado.
El grupo fue uno de los más significativos del electropop y el DIT durante el cambio de siglo, si bien en su caso solían bromear con una amalgama de influencias que comprendía punk, chanson francesa y new-wave, entre otros estilos. De hecho, considerarlos simplemente parte de aquella moda de grupos electroclash era quedarse muy, muy corto, pues era seguramente la única banda capaz de versionarte durante un concierto lo mismo a Gainsbourg que a Nina Hagen que a la Velvet. Sus shows no es que fueran una aventura en la que no supieras qué canción iba a sonar, sino que ni siquiera podías adivinar el idioma en el que iba a hacerlo, pues alternaban indistintamente el francés con el alemán, el inglés, el español o el turco, incluso para las mismas composiciones.
Tras unos inicios como banda numerosa, el grupo se fue reduciendo poco a poco a dúo, quedando en manos de Françoise Cactus y su compañero Brezel Göring, a cual más loco de los dos. Apegados a sus instrumentos lo-fi o haciendo sonar las pistas a modo de playback, sus conciertos se convertían en pequeñas performances en las que cualquier cosa podía pasar. En Madrid, cuando telonearon a los Strokes en la era ‘Is This It’, Stereo Total aparecieron con unas divertidísimas bolsas de la compra de plástico, desprovistas de todo glamour, y un bolso con la hoz y el martillo. También vinieron por su cuenta en multitud de ocasiones, para tocar en el Nasti o junto a sus amigos de L-kan en el Ochoymedio, que les prestaban tanta devoción que les incluyeron en el estribillo de una de sus letras más atemporales, ‘Todo lo que no’.
Stereo Total publicaron a finales de los 90 discos tan destacados como ‘Juke-Box Alarm’ y ‘My Melody’, pero su mejor álbum llegaba en 2001, un ‘Musique Automatique’ de estilos variados y temazos como ‘L’amour à trois’, ‘Wir tanzen in 4-eck’, ‘Für immer 16’, ‘Nationale 7’ y un sinfín de canciones tan breves como divertidas. En España se publicaba con el tema ‘Ich weiss nicht mehr genau’ traducido al castellano, comenzando, de manera chanante, con la frase “mi memoria tiene hoyos” (en lugar de lagunas), a consecuencia de alguna mala traducción pre-Google.
Continuaron su idilio con el castellano con el álbum ‘No controles’, en el que versionaban canciones como el clásico de Olé Olé o ‘Voy a ser mamá’. Era completamente hilarante que tras el estribillo «no controles mi forma de vestir porque es total», ellos chillaran «¡Stereo Total!». Por esta razón en 2010 Brezel nos dejaba como titular que estas dos canciones habían sido escritas para ser versionadas por ellos. Como parte de su idilio con Elefant, llegaron a cantar ‘La revolución sexual’ de La Casa Azul en alemán. En los últimos años continuaron publicando discos, algunos de los cuales aparecían de manera destartalada en Bandcamp, sin promoción alguna, fiel al espíritu punk del grupo, también palpable en sus vídeos, en los que aparecían chaperos y gente de la calle, a medio camino entre Andy Warhol y el estilo de Bruce LaBruce.
Era habitual que Stereo Total vendieran su propio merchandising después de los conciertos, por lo que estoy seguro de que muchos de nuestros lectores tendrán una anécdota tan simpática que recordar de Françoise como nosotros, cuando nos vendió una camiseta dos tallas más pequeña asegurando que íbamos a ir «muy guapos». Aquellos de los muchos españoles que hayáis vivido en Berlín, también recordaréis los conciertos espontáneos que el grupo podía dar por sorpresa en horario de clubbing, como el que dieron en una fiesta de aniversario de la noche Berlin Hilton, que celebraba el pop underground cada miércoles. Al menos alrededor de 2008 era habitual ver a Françoise Cactus tomando algo en la barra del histórico Möbel Olfe, en Kreuzberg, como una más. Hoy dicen en Twitter que se ha ido una gran anti-diva, pero para muchos de los que la veíamos por allí cada semana, era la más.
Pocos habrían adivinado esto cuando Glass Animals debutaban con un disco llamado ‘ZABA’ que les situaba en un entorno cercano a Wild Beasts y alt-J, solo que con una intencionalidad un poco más comercial a lo Hot Chip. Pero son la banda de moda más improbable de todo TikTok con todo lo que les ha venido pasando en los últimos meses.
Corría el pasado verano cuando llegaban a su tercer disco, el digno ‘Dreamland’. Y puedo imaginármelos fantaseando con el hipotético éxito de un tema llamado ‘Tokyo Drifting’ en el que contaron con el rapero Denzel Curry. Pero eso no es lo que ha pasado exactamente. La canción que se ha llevado el gato al agua fue el cuarto single ‘Heat Waves’ y lo ha conseguido sin grandes sacrificios comerciales, sin perder su identidad.
‘Heat Waves’ lograba ascender al top 40 británico hace unas semanas, desde entonces no ha dejado de seguir subiendo poco a poco, y ahora mismo la encontramos en el puesto 24. Y su trayectoria también es ascendente en el mismísimo Estados Unidos, donde suben al puesto 69 del Billboard Hot 100, algo insólito para una canción británica sin featurings, ni guiños latinos, ni remix desesperado. Glass Animals se han venido sumando a un bombardeo en su promoción, participando de retos en las redes, añadiendo remezclas de gente como Diplo u Oliver Heldens (no os perdáis su revisión electro, bajo estas líneas), y asegurando que se iban a tatuar Australia en el culo si conseguían ser número 1 en una emisora del país, algo que han logrado después, siendo top 2 en la lista general de singles. En resumen, 140 millones de reproducciones en Spotify y subiendo.
Hay algo en ‘Heat Waves’ que puede conectar generaciones más allá de TikTok; algo en su melodía que recuerda bastante a ‘Smalltown Boy’, el gran hit de Bronski Beat a principios de los años 80. Pero ante todo, ‘Heat Waves’ se ha convertido en un enorme himno de resistencia al confinamiento desde su mismo vídeo, sobre el aislamiento social. El grupo se suele mostrar en las entrevistas desesperado por no poder ofrecer este hitazo en directo y oficialmente Dave Bayley, su autor único, ha considerado el tema «una carta de amor a la música en directo y a la cultura y a la unidad que lo rodea».
Este mes Glass Animals han concedido una entrevista a un medio australiano, en el que explican algunas curiosidades de la canción, como por ejemplo que Johnny Deep estaba rondando casualmente su estudio de grabación cuando la escribieron, tocando un piano. O cuánto les sorprende ver a la gente bailándola en Instagram. Cuenta Joe Seaward: «No creo que haya entendido todo esto bien. Creo que si pudiera ver a la gente hablar de ella, sería más real. Pero es una locura que esto esté pasando y no poder hacer nada al respecto ahora mismo. Es muy surrealista».
La influencia de Avril Lavigne es alargada y llega hasta la mismísima Billie Eilish, pero quizá nunca ha sido tan obvia y descarada como en ‘Who Am I?’, el segundo álbum de Pale Waves. Si la portada es a todas luces un homenaje a la de ‘Let Go‘, las canciones suenan exactamente como lo hacían en los primeros discos de la canadiense. De haber salido en 2002 o poco tiempo después, a Pale Waves le habrían llovido acusaciones de plagio por doquier y su carrera estaría acabada, pero como ahora la nostalgia alimenta la música pop más que nunca, el disco es hasta bienvenido. El grupo de Manchester, que sufrió un accidente de autobús en 2019 que pudo haber sido fatal, vuelve con un disco entregado a las pasiones adolescentes, las cuales siempre encontrarán un público, tomen la forma que tomen.
Dado que las canciones siempre estarán por encima de cualquier cosa, incluso de la imitación, puede decirse que ‘Who Am I?’ es un buen disco, esclavo de sus influencias, pero un buen disco al fin y al cabo. Heather Baron-Gracie, la cantante del grupo, que ha salido del armario como lesbiana inspirada en su compañere de banda, Ciara Doran, que se identifica como no-binarie; vuelca en melodías y letras de ‘Who Am I?’ toda su frustración para con el mundo, y si en ‘She’s My Religion’ decide usar pronombres femeninos por primera vez para referirse a su pareja, a la que dedica una balada preciosa que podría haber sonado en las radios de pop-rock alternativo de los años 90; en ‘You Don’t Own Me’ se planta contra el patriarcado y le sale un pedazo de himno que habría sido un hit en la época de MTV.
En ocasiones, la nostalgia de ‘Who Am I?’ alcanza lo inverosímil, como cuando en la pop-punk ‘Tomorrow’ Grace menciona que las «revistas» venden un ideal físico imposible… ¿pero los adolescentes siguen leyendo revistas? ¿De papel? ¿Tipo ‘Loka’? Sin embargo, la honestidad de Grace parece verdadera tanto cuando suena visceral, como en la guitarrera ‘Change’, una oda a los amores tóxicos; como cuando suena vulnerable, como en la tierna ‘Odds One Out’, otra balada tipo «nosotras contra el mundo»; y aunque el disco flojea en su segunda mitad, tampoco se hunde del todo. La réplica del sonido emo-pop-rock de los 2000 es tan concienzuda en ‘Who Am I?’ que si te despistas puedes creer estar escuchando una reliquia del pasado, pero pocos peros se le pueden poner a singles como ‘Fall to Pieces’ o ‘Easy’, la única concesión synth-pop del álbum y por tanto al disco anterior. La pregunta es si Pale Waves encontrarán algún tipo de sonido propio en el futuro, o se quedarán en el sucedáneo.
Eddy de Pretto es un francés nacido en 1993 que, hijo de un camionero futbolero (la Wikipedia considera importante recalcarlo) y una técnica de laboratorio interesada por el arte, decidió coger el micro cuando solo era un adolescente. Rodeado en la escuela de jóvenes talentos interesados en el rap, su música rezumaba algo diferente. Cuando cantó por primera vez en un centro local, se sintió “débil” cuando interpretó una versión de ‘I Believe I Can Fly’, del ahora controvertido R. Kelly: “Había muchísimo rap y yo no encajaba en ese género en absoluto”.
El muchacho se convirtió en hombre y supo hacer de dicha diferencia una virtud, publicando en 2018 un álbum llamado ‘Cure’ que llegaba al número 1 de las listas francesas incluyendo singles como ‘Random’ y ‘Normal’, donde trataba el tema de la homofobia en referencia a su homosexualidad, apelando al uso en francés de la palabra «pedófilo» (PD) como sinónimo de «gay» y concluyendo que él “es completamente normal”. Como suele explicar en las entrevistas, algo por lo que no “milita” pero que tampoco evita u oculta: “Intento contar mi historia personal y normalizarla todo lo posible, sin poner el foco en que soy el primer artista queer que une rap y chanson”. De hecho, ‘Normal’ fue tan sólo el 6º single de aquel disco que incluía otros hits como ‘Kid’ o ‘Fête de trop’.
Este año tenemos que conocer ya su segundo disco y de momento conocemos 2 de los singles. El cantante acaba de publicar un nuevo tema llamado ‘Désolé Caroline’, mientras aún suena fuerte el primero, ‘Bateaux-Mouches’, que hoy es nuestra “Canción del Día».
‘Bateaux-Mouches’ es una canción en la que Eddy de Pretto repasa su vida, recordando sus tristes inicios cantando en un “barco turístico” sin que nadie le hiciera el menor caso, siendo en sus propias palabras, “demasiado feo”. Tras rememorar los días en que “cantaba a Rihanna con tono grave”, deja un contagioso estribillo en mitad de una melodía preciosa entre el pop y el hip hop: a pesar de lo agridulce de aquellos tiempos, considera que los “inicios fueron hermosos” cuando soñaba con hacerse grande. «Début, début, début… beau» es uno de los estribillos más tontos pero más pegadizos de 2021.
A veces, da la sensación de que si fuera británico, podría llamarse Mike Skinner, pero la melodía vira decididamente hacia lo melódico cuando cambia de tono para hacer un homenaje a Charles Aznavour («J’rêvais d’idoles, je me voyais déjà en haut») o cuando menciona ‘La vie en rose’ de Édith Piaf. En el vídeo, Eddy de Pretto trata desesperadamente de llamar la atención de aquellos comensales del barco turístico, incluso desnudándose. Entre esta y la nueva ‘Désolé Caroline’, el éxito de su segundo disco parece asegurado.
En enero, Merge Records informaba del fichaje de Dawn Richard, la artista que nos conquistara hace un par de temporadas con discos como ‘redemption‘ y ‘new breed‘, tan válidos para los seguidores de Azealia Banks como la Rihanna más experimental y el R&B. Y ahora se conoce el primer avance de su nuevo álbum, que llega el 30 de abril bajo el nombre de ‘Second Line: An Electro Revival’, precedido del sencillo ‘Bussifame’, o lo que es lo mismo «Buss it for me».
Con este tema y este vídeo, Dawn Richard está apelando a la música de baile. El beat se inspira en la electrónica de los años 90, la canción es deliberadamente monótona en ese sentido y presta para un desfile de «voguing», y de hecho el concepto detrás del título del álbum tiene bastante que ver. Para Dawn Richard el «second line» es «un movimiento que trae a las mujeres negras pioneras a la primera fila de la música electrónica». Como se explica al principio del recién estrenado videoclip, eso se conseguirá mediante un baile con el que toda mujer pueda sentirse libre y ser ella misma.
Todo ello está en sintonía con la llamada al empoderamiento de la letra, que incluye de manera muy visible la siguiente frase: «nunca me ven sudar, porque soy demasiado fría / tengo una polla grande, haz que sea garganta profunda». El disco se centrará en artistas negras de Nueva Orleans, en la cultura «bounce» y criolla, en el electropop y en lo que se ha llamado «afrofuturismo». Con elementos de house y R&B, ha terminado declarando a su propio sello: «yo soy el género».
Una estética poderosa acompaña portadas y contraportadas, si bien después de tanto tiempo y teniendo en cuenta el fichaje estrella, habría cabido esperar algo más, tras un lustro ya de revival 90’s. A falta de escuchar más singles y sobre todo averiguar si podremos disfrutar todo esto en vivo, el hábitat natural de Dawn Richard, os dejamos con el tracklist del álbum.
01 King Creole (Intro)
02 Nostalgia
03 Boomerang
04 Bussifame
05 Pressure
06 Pilot (a lude)
07 Jacuzzi
08 FiveOhFour (a lude)
09 Voodoo (Intermission)
10 Mornin | Streetlights
11 Le Petit Morte (a lude)
12 Radio Free
13 The Potter
14 Perfect Storm
«Un negro fácil de odiar. Un negro insoportable para la industria musical. Un negro que merecía estar muerto». Así define Toni Mejías irónicamente a XXXTentacion en el prólogo del libro ‘Hazlo todo mal’ que ha escrito el turcoestadounidense Jarett Kobek, autor de ‘Odio internet’. Asesinado cuando sólo tenía 20 años, XXXTentacion se había convertido en un nombre profundamente odiado en el mundo musical dado su historial delictivo que incluía violencia de género y una paliza a un homosexual, entre otras cosas.
‘Hazlo todo mal’ es un libro provocador en forma y fondo que invita a la reflexión sobre el modo en que la sociedad en general y la crítica musical dominada por blancos en particular trata a cantantes como XXXTentacion. «Hasta el día en que la vida humana se extinga, los críticos blancos le estarán chupando la polla a David Bowie» es una de las citas de este libro, que defiende la versatilidad de los temas de XXXTentacion, incluso a través de discos que duran 9 minutos como ‘A Ghetto Christmas Carol’. Y si algún momento sentiste que Pitchfork hablaba «demasiado» de hip hop estadounidense, este es uno de los medios contra los que más carga Jarett Kobek, por el tratamiento que dio a Jahseh Dwayne Ricardo Onfroy. ¿Alguien se molestó en aprenderse su nombre real?
Jarett Kobek analiza a lo largo de las 200 páginas de este libro las posibles causas que llevaron a XXXTentacion a delinquir, a mantener un comportamiento violento al azar o en su entorno laboral y personal (además de maltratar a su novia, por ejemplo apuñaló a su mánager). Kobek considera «obvias» algunas circunstancias que sufrió de niño, como un hogar desestructurado, unos padres ausentes, la criminalidad o el abandono… Pero, de manera interesante, añade que el factor «internet», la evolución de la red en los «últimos 12 años», ha sido tan vertiginosa que no se puede pasar por alto, yuxtaponiendo frente a nuestros ojos las imágenes bélicas más dantescas con los asuntos más triviales, afectando a nuestra manera de ver el mundo, como solo dentro de «siglos» podremos comprender.
Por eso el autor orquesta este libro a partir de los 50.000 tuits que XXXTentacion llegó a escribir en 5 años, y los analiza a su vez en un formato ultraligero, con frases cortas y punzantes, como las que se ven en la que fue la red de los 140 caracteres. Lleno de frases lapidarias que van de lo humorístico («hay millones de personas dispuestas a desperdiciar sus vidas escuchando a Drake en internet») a lo reflexivo sobre, por ejemplo, el sistema penitenciario («a un negro violento se le niega la legitimidad de sus sentimientos»); ‘Hazlo todo mal’ no nos habla tanto de ofendiditos ni víctimas como pone sobre la mesa cuáles son los «factores sistémicos de una sociedad que pueden moldear a una persona».
Hay un momento en que el autor compara a XXXTentacion con Johnny Cash y Etta James por la tristeza que contiene su voz. En otro momento sube la apuesta y se atreve con una comparación con Bob Dylan, considerando a este, eso sí, «el mayor genio del siglo XX». Ahí, Jarett Kobek parece estar soltando boutades al tuntún para que alguien se rasgue las vestiduras. Sin embargo, hay un punto profundamente interesante cuando llama la atención de los medios de comunicación por hablar, por ejemplo, de series minoritarias con una audiencia minúscula, mientras ignora a este tipo de artistas, que al fin y al cabo logran audiencias millonarias «sin el respaldo de discográficas», y sin que «ninguna le dictara cómo comportarse». ¿Cómo es posible que los medios ni se molesten en analizar dicho fenómeno de masas? Repudiado por su comportamiento violento, XXXTentacion se fue, asesinado, de este mundo, sin que nadie se preguntara qué le daba a las masas a las que conquistó, por qué triunfó de manera tan descomunal sin que ningún «entendido» le dedicara unos minutos a investigarlo. Parecíamos querer decir- y ahí va otra cita de este libro-: «XXXTentacion, de la nada viniste y a la nada te devolveremos». 8.
Pero sí hay una entrada que merece la pena comentar especialmente: el remix de ’Ella no es tuya’ del dominicano Rochy RD, Myke Towers y Nicki Nicole es la entrada más fuerte en el número 16. Y lo que es más importante aún: ahora mismo es top 1 en Spotify España, por lo que, dependiendo de su resistencia ahí, podría terminar siendo número 1 de manera oficial en un par de semanas.
En relación a las entradas en la lista de álbumes de la semana, Los Legendarios, Wisin y Jhay Cortez llegan al puesto 31 con ‘Fiel’; mientras Mora sitúa ‘Cuándo será’ con Lunay en el puesto 66 y ‘512’ con Jhay Cortez en el puesto 86. También hay que hablar de un nuevo máximo para ‘Save Your Tears’ de The Weeknd, que pasa del puesto 76 al 42 tras su paso por la Super Bowl.
La lista de entradas se completa con ‘911’ de Sech en el número 35, y ‘Adiós’ de Sebastián Yatra en el número 100.
Pero la cantante no se ha cruzado de brazos este 2021 y tras la considerable buena aceptación de ‘Who’s Laughing Now’, su principal apuesta ha sido ‘My Head & My Heart’, el tema que abría la reedición digital del disco que se lanzó en las últimas semanas del año pasado. Otro tema sencillo de beat noventero, tan sencillo que parece mentira que esté hecho a 20 manos, que también recuerda a su manera a proyectos como Ace of Base, y que se acaba de reforzar de cara a las listas de éxito de diferentes maneras.
En Estados Unidos, la canción ha sido muy bien aceptada en las radios y ya es top 20 en las emisoras de pop, peleando por lograr una nueva entrada en el Billboard Hot 100. En Reino Unido, la canción sí acaba de lograr penetrar en el top 40 tras varias semanas al alza: oficialmente es número 35 y esta semana se espera que suba, pues ya es puesto 29 en las «midweeks». Entre los países a los que ha llegado al top 100 están Francia y Alemania, pero no España.
Por otro lado, la canción ha sido aceptada en Today’s Top Hits, la playlist más codiciada de Spotify con 27 millones de seguidores, y Ava Max ha decidido sumarle puntos a través de una versión «acústica» que ha subido de manera oficial, tanto a través de Youtube como de Spotify. Como veis, y pese a la pandemia, Ava Max continúa peleando por convertirse en una estrella de primera.
Premios Odeón aterrizaban en 2019 con la intención de ser los Goya de la música española, pero la variedad de sus nominaciones, centrada exclusivamente en el éxito comercial, brillaba por su ausencia al dar la espalda a los artistas alternativos y underground, que no por no aparecer en las listas de éxitos dejan de existir.
La segunda edición de Premios Odeón se celebrará el 10 de marzo en formato virtual, y los ganadores serán anunciados a través de las redes sociales. Las categorías han sido ampliadas a 23 de las 11 originales, y se dividen en estilos de pop, rock, urbano, flamenco y alternativo. Sí, este año hay categoría alternativa. ‘Tropical Jesus‘ de Carlos Sadness, ‘Origen‘ de Fuel Fandango, ‘Limones en el invierno’ de Izaro, ‘Desconfination‘ de Stay Homas, ‘De vent i ales’ de Txarango y ‘Canciones dentro de canciones‘ de Vetusta Morla compiten en la categoría de Mejor álbum alternativo, mientras Carlos Sadness, Fuel Fandango, Izaro, Sen Senra, Txarango y Vetusta Morla lo hacen en la de «Artista Odeón Alternativo». También se inaugura categoría de «Artista Odeón Revelación Alternativo» con las nominaciones de Alizzz, Delaporte, Ginebras, La La Love You, Rodrigo Cuevas y Stay Homas.
Del resto de nominaciones llama la atención la completa ausencia de mujeres en las categorías de rock, como ha puntualizado Arturo Paniagua en Twitter, quien argumenta que «para los próximos Premios Odeón debería debatirse la paridad de género en las nominaciones, porque, sin desmerecer a los artistas y amigos nominados en la categoría rock, a día de hoy esto no debería ocurrir». Suena anacrónico decirlo a estas alturas, surrealista incluso, pero se sigue haciendo excelente rock en España con mujeres en sus filas, como demuestran los últimos discos de Ana Béjar, Belako, Hinds, Mourn o Exfan, aunque este último ha salido hace poco.
A rasgos generales, algunos de los artistas nominados en Premios Odeón son Aitana, C. Tangana, Pablo Alborán, Nathy Peluso, Dani Martín, Leiva, Dellafuente, Vanesa Martín, La Polla Records, Rozalén, Bunbury, Rosalía, Antonio Orozco o Natalia Lacunza. María José Llergo o Califato 3/4 compiten en la categoría flamenca; Karol G, Bad Bunny o Sech en la latina y también hay una categoría internacional con Dua Lipa, BTS, Harry Styles o Bruce Springsteen entre los nombres mencionados. Consulta todas las nominaciones en la web de los premios.
La banda de metal Angelus Apatrida es el nuevo número 1 de álbumes en España en una lista que desde hace casi un año alterna ventas y streaming. Pese a esto último, el grupo de Albacete no se achanta y logra con su disco homónimo su primer top 1 en nuestro país, desbancando a Anuel AA y Ozuna, que caen al puesto 2 con ‘Los dioses’. Angelus Apatrida habían sido número 4 con ‘Cabaret de la Guillotine‘ (2018), y número 2 con ‘Hidden Evolution’ (2015), quedando en este caso tan sólo por detrás de Pablo Alborán tras una carrera ascendente que les había llevado a rondar la lista (primero el top 40, luego el top 15) con sus primeros álbumes.
‘Angelus Apatrida’ es además número 1 en la lista de vinilos más vendidos en España, dejando ‘Medicine at Midnight’, lo nuevo de Foo Fighters, en el puesto 2. Lo nuevo de la banda de Dave Grohl es número 3 en España en la lista general tras haber sido muy holgadamente número 1 en Reino Unido y número 3 en Estados Unidos.
Estamos analizando la semana de la Super Bowl y los efectos son visibles pero modestos: ‘After Hours’ de The Weeknd sí es la subida más fuerte pero tan solo pasa del número 18 al número 15 en España. Por otro lado, su nuevo recopilatorio ‘The Highlights’ aparece en el puesto 30 como novedad.
La lista de entradas de la semana se completa con ‘Primer día de clases’ de Mora (puesto 12), ‘La broma infinita’ de Taburete (en un modesto puesto 18), ‘Los Legendarios’ de Los Legendarios (puesto 29), ‘Deja vu’ de CNCO (33) y ‘The Absolute Universe: Forevermore’ de Transatlantic (42).
En la lista de vinilos encontramos como siempre numerosas entradas (ya sabéis que bastan unas 11 copias para llegar al top 100), destacando como curiosidad 2 revisiones de Aviador Dro: ‘Futuro perfecto’ en el 27 y ‘Replicantes 2,0’ en el 31.
Sia ha conseguido exactamente lo que no quería con su nueva película ‘Music’: que la comunidad autista le dé la espalda por convertir su existencia en una caricatura. La indignación ante la cinta es tan notoria en foros y redes sociales que su nominación a los Globos de Oro parece venir de un universo paralelo. La actriz protagonista, Maddie Ziegler, es neurotípica, la película incluye escenas de restricción física que pueden herir sensibilidades puesto que esta no se recomienda; y la cantante australiana ha pedido perdón por haber «escuchado a la gente equivocada» al haberse dejado asesorar por la mayor organización de defensa del autismo en Estados Unidos, la cual ha recibido incontables críticas por sus diversas polémicas. Harta de las críticas, Sia ha terminado abandonando Twitter.
‘Music‘, la película, narra la vida de Zu, una joven ex-traficante de drogas que queda con la responsabilidad de cuidar de su pequeña hermanastra con autismo, Music. Las escenas musicales de la película suceden dentro de la cabeza de Music, y las canciones que suenan en dichas escenas son las que conforman su banda sonora, el disco que nos ocupa. Como disco «inspirado» en la película, ‘Music’ es el mismo tipo de disco que, en los últimos tiempos, Kendrick Lamar o Beyoncé han presentado para ‘Black Panther‘ y ‘El Rey León‘, respectivamente; con la diferencia de que el público objetivo de ‘Music’ parece el infantil y pre-adolescente, nunca el adulto.
Precisamente, la sensación que deja la escucha de ‘Music’ es la de estar ante un disco de pop hecho para niños. En el mejor de los casos, las canciones resultan alegres y simpáticas, como ‘Together‘, un corte de pop edificante producido por Jock Antonoff aunque no se note, cuyo mensaje «no me puedes querer a menos que te quieras tú también» es tierno y ha calado, pues lleva más de 100 millones de streamings en Spotify; o el coqueto ‘Hey Boy’, de vibrante y burbujeante diseño sonoro, rescatado más tarde con Burna Boy a modo de «bonus track». ‘Saved My Life‘, el tercer corte, es otra power-ballad de Sia que está bien, sin que la co-autoría de Dua Lipa aporte nada reseñable; y ‘Floating Through Space’ es un buen híbrido de synth-pop (esos teclados) y ecos caribeños producido por David Guetta, uno de esos temas que Sia ha escrito ochenta veces pero que funciona por lo pegadizo de la melodía, aunque tardarás cero coma en olvidarlo.
A partir del corte número 4, ‘Music’ empieza a sonar escasito de ideas. ‘Eye to Eye’ presenta un arpeggio medio electro que podría haber sido mejor aprovechado y una base próxima al synth-pop saneada para todos los públicos, pero su estribillo es repetitivo hasta lo lobotomizante; haciendo el tema parecer más largo de lo que es; el cinematográfico tema titular quiere llevarte «al crescendo» y acogerte con su «vibrato», pero si el arreglo de cuerdas y arpas es delicado y fantasioso, propio de una peli de Disney, la actuación de Sia, tan teatral y afectada, no logra encajar en el todo; ‘Courage to Change‘ es otro baladón de Sia recalentado en el microondas pese a lo necesario de su mensaje de apoyo en una etapa de depresión («no está solo en esto, juntos podemos conseguir cualquier cosa») y la ecuación de ‘1+1’ suma «cancioncilla tropical que no pasa la semifinal de Eurovisión».
El tramo final de ‘Music’ tampoco iguala el primero, pero trae algún buen momento que otro. Entre lo mejor se encuentra la boba ‘Play Dumb’, de percusiones alegres e interesante diseño sonoro nuevamente, que apreciar con cascos; y otro baladón marca de la casa, también muy Disney, llamado ‘Beautiful Things Can Happen’ en el que Sia vuelve a hacer gala de sus imposibles piruetas vocales. ‘Lie to Me’ es un taladro repetitivo, de ‘Oblivion’ con Labrinth cabe destacar su corpulento combo de electrónica y cuerdas, y ‘Miracles’ es otra aproximación al pop tropical que puede triunfar o no. A todas luces ‘Music’ es un disco de pop medio digno, con sus singles obvios, sus cortes rescatables y sus temas de relleno. Sia no suena en él especialmente inspirada, pero tampoco parece que se le haya apagado la llama del todo como pasó en su disco con LSD. Ella sigue sin evolucionar demasiado como compositora, pero al aplicar sus habilidades al universo del pop infantil, suena convincente. Parece que no se puede decir lo mismo de su debut como directora.
Marta Movidas es el proyecto en solitario de la madrileña Marta España, que además de ser arpista y musicóloga, ejerce de bajista en la banda de shoegaze-pop La Claridad. Y con apenas tres singles publicados por la artista ya se puede hablar de promesa, aunque sea solo por lo carismático de sus larguísimos títulos. Después de ‘¿Por qué dices que somos amigos si ni siquiera somos amigos?’ y ‘Las fotos de tus amigas están en mi congelador’, estos días ha llegado ‘Mira lo que me has hecho hacer (a cualquier santo le rezo)’.
La música de Marta Movidas puede describirse como una mezcla de punk-pop y pop tradicional que, a su vez, absorbe otros sonidos que influyen a la compositora, del pop de cámara al j-pop. Su estética bebe de la cultura otaku tanto como del esoterismo medieval, y las maravillosas portadas de sus singles son obra de la genial ilustradora Raisa Álava. Es medievalista la cubierta de ‘¿Por qué dices que somos amigos si ni siquiera somos amigos?’, un tema que suena como Jeanette pasada al pop-rock, y psicodélica hasta lo flipante la de ‘Las fotos de tus amigas están en mi congelador’, toda una batidora de estilos que empieza con un arreglo de piano house para después asentarse en los códigos y patrones del cabaret-pop (esos pianos) y el brit-pop. Incluso sus guitarras suenan vagamente jevis. Es como si Marta Movidas viera la música como un puzzle en el que todo cabe, incluso dentro de una misma canción.
El single más reciente de Marta es hoy la «Canción Del Día». Si sus temas anteriores han estado dirigidos a chicos que no le han hecho caso o le han tratado mal, tras lo cual a la artista no le ha quedado más remedio que practicarles brujería con el propósito de enamorarlos o, por contra, castigarlos, ‘Mira lo que me has hecho hacer (a cualquier santo le rezo)’ eleva la dosis de mala baba para lanzar un dardo a un chico que se cree un «genio altruista» y un «aliado feminista», pero que en realidad se «pasa el día fumando porros» y es un «terrorista emocional». De la letra se entiende que esta persona forma parte del circuito musical («deja de escribir temas sobre chicas que según tú te trataron fatal y empieza a aceptar la realidad»), pero Marta Movidas no nombra a nadie en concreto.
Musicalmente, la burbujeante urgencia punk-pop de ‘Mira lo que me has hecho hacer (a cualquier santo le rezo)’ recuerda a La Casa Azul más «efervescente», la de los primeros discos, y por tanto invita a pensar en proyectos similares mucho más recientes en el tiempo como Cariño (que también le han dado al «sunshine pop») o, sobre todo, Axolotes Mexicanos. Ausente de Youtube por alguna razón, es el tercer adelanto del disco que Marta Movidas publica en primavera, vía Snap! Clap! Club, casa de Confetio de Odio, Adiós Amores, Evipridis and His Tragedies o Stephen Please. ‘Os castigaré’ es el título de este álbum, sin que a nadie le pueda sorprender lo más mínimo. Ganas de escucharlo.
Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes sociales.
Florence Welch celebra 7 años de sobriedad
La autora de ‘How Big, How Blue, How Beautiful‘ y más recientemente de ‘High as Hope‘, siempre tan honesta para con su relación con la bebida, sobre la que ha hablado en sus canciones, ha acudido a las redes sociales para celebrar que lleva exactamente 7 años sobria. «Mando mi amor y apoyo a todos aquellos que lo estén pasando mal», ha escrito. «Si te sientes con ganas de tirar la toalla debido a un desorden alimenticio, las drogas o el alcohol, te entiendo totalmente. El deseo de disociarte del mundo es tan fuerte… pero por favor no te rindas, vamos a necesitarte en el otro lado». ¡Enhorabuena a Florence!
En nuestro artículo previoa la Super Bowl de The Weeknd bromeábamos con que el artista canadiense pudiera traer a alguno de sus colaboradores como invitado a la actuación, incluido su amigo Oneohtrix Point Never, que ha producido varios temas en ‘After Hours‘. El músico estadounidense es especialmente conocido en los círculos alternativos y underground, pero no se ha quedado en ellos desde luego, y ejerció de director musical en el intermedio de The Weeknd, según varios medios. Un genio en la sombra.
Hablando de la Super Bowl, aparte del intermedio, el popular macroevento deportivo es conocido por estrenar anuncios espectaculares protagonizados por famosos. Este es uno de ellos: el actor Timothée Chamalet, conocido por todos por ‘Call Me By Your Name‘ y por otras apariciones en ‘Lady Bird‘, ‘Mujercitas’ o ‘Dune’, encarnando a Eduardo Manostijeras en el anuncio de un coche que alterna imágenes de él con otras de la película original dirigida por Tim Burton. Peliculón.
En las últimas semanas se ha conocido el fallecimiento del legendario fotógrafo neoyorquino Ricky Powell y una de las personas que le han recordado en las redes es Mark Ronson, quien ha subido una foto de él tomada en el año 1992, cuando tenía 17 años, junto a un mensaje en el que habla de su relación con Powell. Muchos años antes de producir ‘Back to Black‘ o de arrasar con ‘Uptown Funk’, el músico británico entabló una amistad con el fotógrafo después de descubrir su programa ‘Rappin with the Rickster’ y concertar una entrevista con él. El programa se emitió de 1990 a 1996.
El autor de ‘Eternal Atake‘ ha sido noticia estos días por incrustarse un diamante rosa en la frente. La tontería, la típica que veríamos documentada en un programa de MTV en el año 2004, le ha costado 24 millones de dólares de nada. Calderilla. Lo mismo me compro yo uno luego. Según Simon Babaev, el joyero que le ha vendido la piedra a Lil Uzi, el rapero adquirió el diamante primero con la intención de hacerse un anillo, pero ante la posibilidad de perderlo, cambió de idea y decidió perforárselo en la frente. La piedra es segura.
Lo peor de la nueva foto de Shawn y Camila no es que el primero le besuquee un pie a la segunda, que los kinks están muy bien y son muy sanos (y como dice una persona en Instagram, a otros les da por comer culos y nadie dice nada), sino que se respira en ella cierto aire de «vamos a romper la internet» que tira bastante para atrás, sobre todo porque los últimos álbumes de los susodichos, ‘Romance‘ y ‘Wonder‘ respectivamente, no han producido las ventas esperadas. Por usar jerga millennial, dan un poco de «cringe».
He aquí otro «breve encuentro» de los que nos gustan. Kokoshca, que han sido noticia recientemente por defender la música en directo en estos días de pandemia, se encuentran grabando su nuevo disco (si es que no lo han grabado ya) en los estudios La Mina de Sevilla. Dicen que es «EL DISCO», pero esperemos que no lo llamen #ELDISCO. En esta foto, Iñaki López aparece junto al actor Juan Echanove, y parece que este encuentro tiene motivo profesional, ya que el grupo acompaña la foto con un texto en el que promete «jugosas novedades».
Tal día como hoy en 1959 dicen que murió la música. Joe Meek también murió repentinamente este mismo día.
Pero nosotros seguimos vivos y con ganas de anunciaros en breve jugosas novedades!
La que se va a liar cuando Billie Eilish anuncie su segundo disco va a ser histórica. Y parece que este está más cerca de lo que imaginamos. La cantante estadounidense, que está a punto de estrenar un nuevo documental sobre su ascenso a la fama, ha confirmado que el disco contará con 16 canciones, dos más que el primero, y en este post de Instagram ha indicado que la grabación del mismo está «casi terminada». No sería descabellado que ‘Therefore I Am‘ esté incluido en el largo, dado que se ha convertido en otro macrohit para la artista. Su dúo con Rosalía no ha ido tan bien, pero este ya ha sido acogido por ‘Euphoria‘ en sus últimos especiales.
Por separado, la autora de ‘What’s Your Pleasure?‘ y la artífice de ‘Brightest Blue‘ se han puesto de acuerdo para anunciar sus primeros libros. Ware, quien ya había triunfado con un podcast de cocina, sacará lógicamente un libro sobre comida y sobre el comer, llamado ‘Omelette’, mientras el de Goulding, ‘Fitter. Calmer. Stronger.’, se centrará en su pasión por el fitness y en su camino hacia la salud física y mental. Como hemos contado, Ware acaba de volver a las listas británicas gracias a su nuevo single, y Ellie acaba de sorprender con su nuevo tema con Silk City.
Otro artista que prepara disco presumiblemente para lanzar este año es James Blake. El amigo de Billie Eilish acaba de lanzar un mini álbum de versiones hechas al piano, un regalo para fans, pero lo que ha indicado estos días en redes es que se avecina el sucesor de ‘Assume Form‘. Un trabajo para algunos infravalorado, pero que para otros ha marcado el declive creativo del británico, por lo que no podemos esperar a averiguar qué ofrecerá su siguiente propuesta. De momento, Blake ha aparecido como productor en los últimos lanzamientos de slowthai y JPEGMAFIA.
Pablo Hasél ha sido finalmente detenido por la policía después de confinarse en el rectorado de la Universidad de Lérida junto a numerosos activistas para dificultar a los agentes su detención. El rapero entrará en prisión por delitos de enaltecimiento del terrorismo e injurias contra la Corona y las instituciones del Estado y se enfrenta a una pena de 9 meses y un día de cárcel. Podemos ha tildado de «anomalía democrática» la inminente entrada de Hasél en prisión, mientras Ciudadanos ha señalado que «quien comete un delito, debe cumplir con la Justicia».
El hashtag «Spain is Fascist State» ha sido tendencia y la noticia ha sido cubierta por medios británicos como The Guardian, BBC o NME. El reportaje de The Guardian recuerda el caso de Valtònyc y también el malestar generalizado en la sociedad por la manifestación neo-nazi de Madrid este fin de semana. Durante la noche de este martes, se han producido manifestaciones en defensa de Hasél, especialmente en Cataluña y la Comunidad Valenciana. Ha habido cargas y quema de contenedores y El País informa de que los mossos han detenido a 15 personas en Lleida, Barcelona y Vic. En total, 17 mossos han resultado heridos: 11 en Vic, 4 en Barcelona y 2 en Lleida. Se calcula que unas 2.000 personas se manifestaron en Barcelona.
Como es sabido, el motivo de la entrada de Hasél en la cárcel es el contenido de sus letras, en las que el rapero ha hecho apología del terrorismo y criticado duramente instituciones como la Monarquía o el Gobierno o en concreto a figuras como el exiliado Rey emérito, Juan Carlos de Borbón. El rapero de Lleida, que estaba citado a una mesa electoral este domingo 14 de febrero, fecha en que se celebraron las nuevas elecciones parlamentarias de Cataluña, y a la cual lógicamente no pudo acudir, había anunciado que no se entregaría voluntariamente a la policía por dignidad.
En los últimos días, un manifiesto firmado por más de 200 artistas que ha pedido la libertad de Pablo Hasel ha provocado la respuesta efectiva del Gobierno. Según ha informado EFE y cita El País, el Ministro de Justicia -dirigido por Juan Carlos Campo- prepara una revisión del Código Penal para impedir que este tipo de delitos relacionados con la libertad de expresión conlleven una pena de prisión como la que afronta actualmente Pablo Hasél. Otro rapero condenado a prisión por sus letras, el mallorquín Valtonyc, reside en Bruselas desde 2018 para evitar la pena de cárcel.
El mencionado manifiesto, firmado por personalidades de la música, el cine o la televisión como Vetusta Morla, Pedro Almodóvar, Santiago Auserón, Tote King, Coque Malla, Paco León, Ismael Serrano, Luis Tosar, Rayden, Pedro Guerra, Ayax y Prok o Def Con Dos o Aitana Sánchez Gijón, pone de relieve la injusticia que supone la entrada en prisión de Pablo Hasel, señala que España ha pasado a ser el primer país que más artistas ha encarcelado por el contenido de sus canciones y equipara la situación política de este país con la de Turquía o Marruecos. Precisamente el texto exige «que se expulsen del Código Penal este tipo de delitos que no hacen sino cercenar el derecho, no solo de libertad de expresión, sino de libertad ideológica y artística».
🔴Pablo Hasel ya ha sido detenido y los Mossos se lo llevan de la Universitat de Lleida.
La detención se ha producido sin incidentes graves y después de que los agentes hayan identificado uno por uno a los activistas, que han rodeado al rapero para dificultar su arresto. pic.twitter.com/47IvtMWqw1
La anomalía democrática es que un partido dentro del Gobierno de España se dedique a proferir sistemáticamente ataques como este a nuestro Estado de Derecho. Ni Pablo Hásel ni ningún otro ciudadano están por encima de la ley. Quien comete un delito, debe cumplir con la Justicia. https://t.co/AvJ6iJTOzy
Yuck han comunicado su separación en un post publicado en sus redes sociales. La noticia coincide con el décimo aniversario de su debut, publicado en 2011. «Es el mejor día para contaros que hemos decidido no seguir haciendo música ni conciertos juntos», dice el texto. «Hemos sacado tres álbumes y estoy súper orgulloso de todo lo que hemos conseguido, pero nos parecía importante saber cuándo parar. No ha sido una decisión fácil de aceptar».
En el comunicado, el grupo da las gracias especialmente a sus seguidores más leales por haber permanecido a su lado incluso después de su cambio de formación tras la marcha de Daniel Blumberg en 2013. «Si has apoyado a la banda con el paso de los años, que sepas que esto ha significado mucho más para mí de lo que crees». Además, el grupo comparte palabras de estima sobre su primer álbum: «Nuestro primer disco representa algo muy especial para mí. Había una química especial entre nosotros, que creo podéis escuchar en la música.
En su querencia por el sonido de Yo La Tengo, Sonic Youth o Teenage Fanclub, Yuck ha sido una de las bandas más queridas que ha producido el revival indie-rock en la última década. ‘Get Away’ se reveló ya entonces como un gran himno, y todo su disco de 2011 lograba marcar, aunque en pequeña escala, a una generación, apareciendo en listas de lo mejor del año de medios como Stereogum. Más adelante el grupo cambió de formación pero entregó un disco notable, ‘Glow & Behold‘, y en 2016 editó el tercero, ‘Stranger Things’.