Nathy Peluso, Amaia y Aitana, nominadas a los Latin Grammys

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29 septiembre, 2020

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Los Premios MIN confirman las actuaciones musicales que tendrán lugar en su próxima entrega de premios, que tras ser pospuesta debido a la pandemia, finalmente será emitida por televisión el día 16 de octubre en dos pases a través de Movistar+, uno a las 22:00 por el canal Movistar CineDoc&Roll (disponible en el dial 31 de Movistar +) y otro a las 23:45 en el canal #0. La gala estará presentada por la cantante, compositora y actriz Leonor Watling con Arturo Paniagua como co-presentador.

Los artistas confirmados en concreto son Kiko Veneno, Novedades Carminha, Guitarricadelafuente y Aleesha. El primero, que recibirá el ‘Premio de Honor Mario Pacheco’ a toda su carrera y está nominado en la categoría de «Álbum del año» por ‘Sombrero roto’, entre otras, actuará desde los mismos estudios de Movistar, mientras el resto lo hará desde distintas ubicaciones de España que han sido elegidas con el propósito de rendir homenaje al sector cultural, que tanto está sufriendo estos días.

Guitarricadelafuente, nominado a «Mejor Artista Emergente», actuará desde la Plaza del Trigo en Aranda de Duero, donde ha solido situarse el escenario de Radio 3 en el festival Sonorama Ribera, «como homenaje a todos los festivales y eventos que se suspendieron en este 2020 debido a la pandemia». Por su parte, Novedades Carminha tocarán desde el Metropol Estudios en Madrid «como guiño al trabajo de todos los artistas y sellos en este año tan complicado» y la promesa de la música urbana Aleesha lo hará desde la sala Apolo de Barcelona para «homenajear los espacios y locales de ocio nocturno que siguen cerrados y sin soluciones todavía hoy».

IDLES / Ultra Mono

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29 septiembre, 2020

Este mes en «polémicas inservibles para la sociedad», la que rodea el lanzamiento del tercer disco de los recomendables IDLES, ‘Ultra Mono’. Que si se apropian de las voces de la clase obrera, que si son paternalistas con los pequeños pueblos desde su origen urbano (son de Bristol, ciudad de medio millón de habitantes), que si no deberían cantar cosas como «elevo mi puño rosa y digo que lo negro es hermoso» como dicen en ‘Grounds’, que si Orange Juice ya hicieron muchísimo por luchar contra el machismo en los tiempos del post-punk…

Reconozco que me he reído con la ocurrencia del líder de Fat White Family de afirmar que sus letras parecen generadas por un algoritmo de The Guardian. Por lo demás, una manera de perder el tiempo, de dividir lo que debería permanecer unido, mientras la ultraderecha o bien ni se entera de todo esto -que es lo más fácil- o bien se parte la caja. Es como si toda esta gente pensara que los debates sobre lo que es lo verdaderamente progresista nos hubieran traído cosas buenas en los últimos años en lugar de a Donald Trump, a Jair Bolsonaro, a Boris Johnson y a Santiago Abascal. Hombres todos recreados en su entorno heteronormativo que, ni en un ámbito privado, hasta arriba de copas, cantarían un estribillo como «I kissed a boy and I liked it«.

Todo debate debería ser enriquecedor, y no soy muy amigo de que los músicos se lancen a resolver los problemas por cuyas soluciones pagamos a otras personas, pues la lista de artistas que lo han intentado y nos han dejado una lista de ripios y sonrojantes lugares comunes es demasiado larga. Frases como «nuestro gobierno odia a los pobres» en ‘Anxiety’ o «tu cuerpo es tuyo y te pertenece» en ‘Ne touche pas moi’ junto a Jehnny Beth de Savages son más básicas que un pogo. La mala noticia es que permanecerán de actualidad plena mientras las citadas personas permanezcan en el poder. Desafortunadamente, esa cita en la que sitúan a «Kathleen Hannah agarrando del coño a Trump con uñas de oso» todavía no ha perdido pertinencia.

Extendiendo el debate de lo «verdaderamente progresista» a lo «verdaderamente underground» y lo «verdaderamente punk», es curioso cómo durante años -o lustros, más bien- el rock y el punk han estado ninguneados en cuanto a atención mediática por el reggaetón y el «trap». Y ahora que esta banda británica va a ser número 1 directo en Reino Unido con unas cifras de venta excelentes el próximo viernes, parece que lo que toca es tirarles piedras hasta que se les caiga todo el techo encima. Recuerda a cuando en los 90 el debate sobre la autenticidad del grunge lo único que trajo es que Backstreet Boys tomasen la MTV y dejasen en cierto año sin premio a Radiohead, The Verve y Garbage.

En los últimos años, cada vez que alguna tesis, interesante o no, ha intentado derribar a un artista por apropiacionismo, de Rosalía a Diplo, o por su relación con la política, es muy llamativo de qué manera tan extrema se ha pasado enteramente por alto el valor y la calidad musical de lo que dicho artista estaba ofreciendo. Fuera buena o mala. Lo peor de Taburete no es un apellido, sino lo regular que se les da escribir canciones, producirlas y cerrar conceptos. Y ese también está siendo el caso del tercer álbum de IDLES, generoso en pepinacos como el single ‘Model Village’, con su ánimo a la protesta y su alucinante cita a «Jardín de rosas»; ‘War’, sí, con esos alaridos en «clack-clack, clack-a-clang clang!», pues todos los aficionados a la música popular estamos acostumbrados a tarareos; o el torrente de energía que supone el estribillo de ‘Reigns’.

IDLES no han perdido brío: su base rítmica sigue siendo una locura. Además, la introducción de la electrónica en ‘Grounds’ quería retratar el «sonido de su propio motor arrancando» y eso es justo lo que consigue, de la misma manera que hay que celebrar que en el single ‘A Hymn’ hayan optado por un ritmo más pausado, más Joy Division, más The Horrors, más Interpol, un riesgo para ellos.

La gran duda que deja en el aire ‘Ultra Mono’ sucede cuando el grupo titubea y se pone a defenderse a sí mismo: su justificación de sus propios clichés en ‘Mr Motivator’ es una muestra de debilidad que quita gracia al asunto. IDLES son mejores cuando se pasan las críticas por el arco de triunfo y se atreven a llamar a Jamie Cullum para tocar un piano que no era nada necesario al comienzo de ‘Kill Them With Kindness’. O cuando, frente al odio injustificado, responden con un mensaje de amor. Esto es el punk de 2020: un mensaje de amor en medio de todo el cuestionar todo, como el que manifiestan en ‘The Lover’.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Model Village’, ‘War’, ‘Grounds’, ‘Reigns’
Te gustará si te gustan: Buzzcocks, Interpol, Savages
Youtube: ‘Model Village‘

La Oreja, top 1 en España; Ava Max logra llegar al top 10

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29 septiembre, 2020

La Oreja de Van Gogh firman esta semana el nuevo número 1 en la lista de álbumes española con ‘Un susurro en la tormenta‘. Nada nuevo bajo el sol para la banda donostiarra, que es uno de los más vendedores de la historia de España. El reto por supuesto es que el disco se mantenga en lista, ya que este no ha producido realmente ningún single de éxito. El anterior álbum del grupo, ‘El planeta imaginario’, aguantó casi un año en la clasificación.

Otro éxito es el que se apuntan Els Amics de les Arts con ‘El senyal que esperaves’, que entra en el número 4. Es una de las mejores posiciones históricas de la formación catalana en nuestro país, ya que ‘Espècies per catalogar’ también fue número 4, mientras ‘Només d’entrar hi ha sempre el dinosaure’ y ‘Un estrany poder’ llegaron a ser número 2.

Más adelante, en el número 8, Ava Max entra con ‘Heaven & Hell‘, disco que se ha quedado a las puertas de ser top 1 en Reino Unido, el mercado principal de Ava a pesar de ser ella estadounidense, pues en Estados Unidos el álbum ha entrado en un decepcionante numero 27. Por supuesto, Ava tenía fácil lograr un buen debut en listas ya que los streamings de singles como ‘Sweet but Psycho’, ‘So Am I’ o ‘OMG What’s Happening’ son altísimos, sin embargo, ‘Naked’ tardará mucho tiempo en igualar sus cifras y las reproducciones del resto del álbum en Spotify no son para tirar cohetes, por lo que habrá que ver cual es su recorrido en los próximos meses.

Otra estrella internacional, Alicia Keys, coloca su nuevo trabajo ‘ALICIA‘ en el número 18 de la lista de álbumes española. En Estados Unidos ha entrado en el número 4, pero los datos del álbum en Europa están siendo modestos: solo ha entrado en el top 10 de Bélgica y Países Bajos, mientras en Alemania lo ha hecho en el 14, en Francia en el 28, y en Italia en el 40. Como a La Oreja, a Alicia le ha faltado potenciar el álbum con un single de éxito de verdad, ya que ‘Underdog’ se ha quedado lejos de ser un nuevo ‘Girl on Fire’.

En cuanto al resto de entradas, ‘Live at the Roundhouse’ de Nick Mason’s Saucerful of Secrets entra en el número 39, ‘Throes of Joy in the Jaws of Defeatism’ de Napalm Death en el 78, ‘La vida és ara’ de Pau Vallvé en el 84 y ‘Tea for the Tillerman’ de Yusuf (Cat Stevens) en el 99.

La cultura sí fue segura en las Festes de la Mercè 2020

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Mireia Pería

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29 septiembre, 2020

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La edición de las Festes de la Mercè 2020 ha sido extraña. Pero ha sido. En este año marcado por la pandemia del covid-19, el Ayuntamiento de Barcelona ha hecho una apuesta por mantener los eventos, actividades y conciertos. Obviamente, los grandes reclamos populares que solían atestar grandes espacios como el Fòrum han tenido que ser aparcados. En cambio, sí que se han mantenido los nombres pequeños y medianos de Mercè Música, cuyo mayor reclamo fue Maria del Mar Bonet. El BAM afianzó su faceta de descubridor de nuevos talentos nacionales que seguir. Los aforos se rebajaron y las entradas se tenían que reservar con antelación, aunque mantuvieron su gratuidad. Foto: Renaldo & Clara, por Adriana Eskenazi.

¿Ha funcionado? Sin duda. Los conciertos a los que acudí fueron completamente seguros, y fueron unos cuantos: Brighton 64 y Miqui Puig en la explanada del Camp Nou; Renaldo & Clara y Melenas en la Antiga Fàbrica Damm y Josele Santiago en el Párking de la Mar Bella. Las instrucciones previas fueron claras, ya que se informaba de ellas en las mismas entradas. En ninguno de los días observé aglomeraciones ni de acceso ni de salida. En el interior se guardaba la distancia de seguridad y la mayoría de público usó mascarilla, incluso al aire libre. El balance, pues, es positivo y se ha demostrado que sí se pueden celebrar conciertos sin que supongan ningún riesgo. Simplemente, se necesita organización y un público concienciado.

Como aspectos negativos, el primero fue un efecto colateral que no se podía prever. Las reservas volaron en minutos. A la alegría de ver la gran cantidad de público entusiasta que se animaba a participar, siguió la decepción. Mucha gente que reservó no apareció. Al no cancelar la reserva y liberar las entradas, muchos espectáculos observaron numerosos huecos. El ejemplo más palmario fue el de Víctor Herrero, que tocaba a las 12.30h del jueves 24 en La Casa de l’Aigua (en el barrio de la Trinitat Nova) con las entradas agotadas. En el momento del concierto, se presentó menos de la mitad del aforo. Yo me las vi y me las deseé para lograr acceder a los conciertos del sábado 26 en la Fàbrica Damm. Sin embargo, en el recinto hubo bastantes sillas vacías. La despreocupación de las obligaciones que suelen suscitar los productos gratis y la falta de empatía dejaron sin entradas a muchos que sí que estaban interesados.

Otro aspecto negativo fue, quizás el exceso de rigidez. No se podía beber en muchos de los conciertos. En la Damm había servicio de bar, pero se obligaba a consumir en la zona exterior, lejos del escenario, aunque guardaras suficiente espacio con los espectadores colindantes. Claro que, dada la situación actual, este ha sido un contra que nos hemos tomado con filosofía y paciencia. Los conciertos han perdido su faceta social. Sin embargo, en muchos casos ha ganado la capacidad inmersiva de la música. De repente, las actuaciones han ganado en solemnidad. Fue emocionante ver a Josele Santiago en acústico con David Krahe sin que nadie interrumpiera la escucha con su cháchara. O seguir al dedillo los deliciosos detalles del pequeño espectáculo de Renaldo & Clara. O incluso poder bailar (sin moverte de tu espacio asignado) con Miqui Puig.

Está claro que la experiencia actual no es satisfactoria. No tienes el calor, la cercanía, la calidez, el hermanamiento que generan los conciertos normales. Se pierde el factor social; también, los conciertos como lugares de encuentro. Paradójicamente se gana respeto por la música y los artistas; al eliminar el aspecto social, sumado a sentirse algo cohibido, las actuaciones transcurren en silencio. Sí, nada puede superar a la experiencia completa de la música en directo. Pero, entre no tener conciertos y tener estas actuaciones tan protocolarias, no hay color. Porque seguimos teniendo la oportunidad de escuchar, disfrutar y ver a nuestros artistas favoritos. De evadirnos un buen rato y emocionarnos. La organización del BAM y las Festes de la Mercè han demostrado que conciertos no están reñidos con la seguridad; que se deben mantener las actuaciones, reabrir las salas, aunque los criterios tengan que ser estrictos durante una temporada. Lo necesitamos. La música es imprescindible. Ahora, más que nunca.

‘911’, top 1 en JNSP; entran Yelle, Taylor Swift, Ava Max y Delaporte

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28 septiembre, 2020

Lady Gaga entra directamente al número 1 de lo más votado de JENESAISPOP con el tercer single oficial de ‘Chromatica’, después de que el vídeo de ‘911’ haya entusiasmado entre sus seguidores. También entran los últimos singles de Yelle, Taylor Swift y Ava Max y el regreso de Delaporte, mientras escalan posiciones Rigoberta Bandini y London Grammar. Esta semana nos despedimos de ‘America’ de Sufjan Stevens, al llevar más de 10 semanas en lista y estar en la mitad baja de la tabla. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top	Ant.	Peak	Sem.	Canción	Artista
1	–	1	1	911	Lady Gaga	Vota
2	3	1	6	Midnight Sky	Miley Cyrus	Vota
3	2	1	9	Say Something	Kylie Minogue	Vota
4	6	1	18	Rain On Me	Lady Gaga, Ariana Grande	Vota
5	8	2	44	Blinding Lights	The Weeknd	Vota
6	9	1	27	Break My Heart	Dua Lipa	Vota
7	1	1	12	What’s Your Pleasure?	Jessie Ware	Vota
8	5	1	34	Physical	Dua Lipa	Vota
9	7	1	48	Don’t Start Now	Dua Lipa	Vota
10	4	2	20	Save A Kiss	Jessie Ware	Vota
11	12	5	27	In Your Eyes	The Weeknd	Vota
12	13	9	19	Watermelon Sugar	Harry Styles	Vota
13	10	10	8	Something More	Róisín Murphy	Vota
14	11	1	58	The Greatest	Lana del Rey	Vota
15	16	8	11	Easy	Troye Sivan	Vota
16	17	2	9	cardigan	Taylor Swift	Vota
17	18	3	8	exile	Taylor Swift, Bon Iver	Vota
18	–	18	1	J’veux un chien	Yelle	Vota
19	28	19	5	Baby It’s You	London Grammar	Vota
20	RE	5	5	Video Game	Sufjan Stevens	Vota
21	14	13	5	Dying Breed	The Killers	Vota
22	–	22	1	betty	Taylor Swift	Vota
23	15	15	3	Karaté	Yelle	Vota
24	19	13	12	America	Sufjan Stevens	Vota
25	23	11	8	My Future	Billie Eilish	Vota
26	26	18	7	Nuevo verano	Amaia	Vota
27	38	27	2	In Spain We Call It Soledad	Rigoberta Bandini	Vota
28	21	21	2	Be a Rebel	New Order	Vota
29	22	22	2	Strange Timez	Gorillaz, Robert Smith	Vota
30	36	20	4	Cyr	The Smashing Pumpkins	Vota
31	37	21	8	Who’s Laughing Now	Ava Max	Vota
32	–	32	1	Naked	Ava Max	Vota
33	32	32	2	Let’s Love	David Guetta, Sia	Vota
34	25	25	3	Mosquita muerta	Chico y Chica	Vota
35	31	19	7	WAP	Cardi B, Megan Thee Stallion	Vota
36	27	27	3	Douha (Mali Mali)	Disclosure, Fatoumata Diawara	Vota
37	–	37	1	Las montañas	Delaporte	Vota
38	24	14	3	Modo avión	Cariño, Natalia Lacunza	Vota
39	29	29	2	Oxena	DORA	Vota
40	30	19	9	Un día (One Day)	J Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny, Tainy	Vota

Candidatos	Canción	Artista
–	Work	Dan Croll	Vota
–	Las plantas de la terraza	Chavales	Vota
–	Sobran defectos	Anabel Lee	Vota
–	FRANCHISE	Travis Scott feat. Young Thug & M.I.A.	Vota
–	Magic	Kylie Minogue	Vota
–	Trouble’s Coming	Royal Blood	Vota
–	Post Humorous	Gus Dapperton	Vota
–	A Lucid Dream	Fontaines D.C.	Vota
–	Long Road Home	Oneohtrix Point Never	Vota
–	Puñales que te doy	Ruiseñora	Vota
–	Ya no quieres quererme	Princesa Alba	Vota
–	Can I Believe You	Fleet Foxes	Vota
–	Worth It	beabadoobee	Vota

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Billie Eilish anuncia el documental ‘The World’s A Little Blurry’

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28 septiembre, 2020

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Billie Eilish ha anunciado un nuevo documental sobre ella llamado ‘Billie Eilish: The World’s A Little Blurry’ que se estrenará en cines y en Apple TV+ en febrero de 2021. La cinta presumiblemente narrará la vida de la joven cantante de Los Ángeles desde su infancia hasta su llegada a la fama global. Sin ir más lejos, en el tráiler del documental estrenado hoy puede verse un fragmento de un vídeo casero de Billie de pequeña aporreando un piano.

Como los fans de Billie ya habrán deducido, el título de la película procede de la letra de ‘ilomilo’, una de las canciones destacadas del debut de la cantante, ‘WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?‘. El tema era lanzado como séptimo y último sencillo oficial del álbum el pasado mes de abril sin que haya sucedido gran cosa con él a nivel comercial. Por otro lado, el director de ‘Billie Eilish: The World’s A Little Blurry’ ha sido el cineasta estadounidense R.J. Cutler, conocido por películas como ‘The War Room’, ‘A Perfect Candidate’, ‘Thin’ o ‘The September Issue’ o por la serie ‘Nashville’.

Recientemente, JENESAISPOP ha tenido oportunidad de charlar unos minutos con el hermano y productor de Billie, Finneas O’Connell. El artista nos hablaba de su último single, de ‘No Time to Die’ -el tema de Billie para la nueva película de James Bond- y también, aunque sin mojarse en absoluto, del disco que prepara nuevamente junto a su hermana, señalando que no puede adelantar su sonido -quizá al no tenerlo enfilado todavía, quizá al querer mantenerlo en secreto-, pero que están «trabajando a tope en un montón de música» y que está «muy emocionado por que la gente la escuche».

Ruiseñora presentan ‘Puñales que te doy’, su copla «acid»

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28 septiembre, 2020

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Ruiseñora es una de las bandas que han pasado por la última edición de nuestra playlist «Ready for the Weekend«. Es el proyecto de la extremeña Elia Maqueda y de Atilio González, vocalista y letrista por un lado, y compositor y productor por el otro, que juntos han dado con su manera de actualizar la canción popular española.

Ellos dicen que hacen «psicodelia popular» pero lo mejor es cómo han descrito su sonido otros medios. Girando por Salas ha dicho que mezclan «saetas y psicodelia, copla y electrónica, refranero popular y lenguaje maquinero, La Violetera y Blade Runner, García Lorca y Alan Turing», concluyendo que el suyo es un proyecto de «neotonadillerismo en estado puro». Por su parte, Marilians ha escrito que su música se encuentra «a medio camino entre un funeral midi en las Catedrales del Trance y un emotivo llanto ante La Dolorosa en plena procesión ravera».

Por si no había quedado claro, esto va de folclore español pasado por el filtro de la música electrónica, por lo que el de Ruiseñora debería ser un proyecto que interese a seguidores de este tipo de fusiones que tantas alegrías han dado a la música últimamente gracias a Rosalía, Niño de Elche o Rodrigo Cuevas, recientemente también por los extintos Los Ganglios y hace unos cuantos años, por Klaus & Kinski en sus momentos más tradicionales.

El primer disco de Ruiseñora salió en 2016 bajo el título de ‘Siglo XX’, y tres años después llegó ‘Relente’, un trabajo que los compañeros de Girando por Salas han situado a medio camino entre «Raquel Meller y Galaxie 500, entre Imperio Argentina y Broadcast, entre Lilian de Celis y Slowdive». Por suerte, el dúo no ha tardado tanto tiempo en volver y, un año después de ‘Relente’, han publicado hasta dos singles nuevos en las plataformas de streaming.

Lanzado hace apenas unos pocos días, ‘Puñales que te doy’ es el tema más contundente de Ruiseñora en su aproximación a la música electrónica de «rave», casi acid incluso, si bien la dramática melodía y una letra que habla de «cruces que tienen que bailar al sol de lo que va a pasar», invitan a pensar en las procesiones de Semana Santa (el tema menciona el «mes de abril») que se dan en los pueblos de España. Antes, en junio, llegó ‘La cuesta’, de melodía similar pero más vocoderizada y atmosférica e industrial en cuanto a arreglos. Una gran curiosidad que seguir de cerca…

Roi Méndez recluta a la «comunidad indie» para odiarle… y promocionar su nuevo single

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28 septiembre, 2020

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Roi Méndez, conocido por ser concursante de Operación Triunfo 2017 -él es autor del disco ‘Mi lógico desorden‘- ha sido uno de los temas más comentados del fin de semana en redes después de tuitear un extraño mensaje con el que parecía buscar poner a toda la «comunidad indie» en su contra. «Yo nunca colaboraría con un artista indie» era la absurda proclama que el artista gallego compartía este domingo en su cuenta de Twitter.

Se lanzaban a contestar el tuit un grupo de conocidos artistas «indie» e incluso varios periodistas musicales aparentemente decepcionados con la actitud de Roi Méndez. Alberto Jiménez de Miss Caffeina le llamaba «pringao», Dani Fernández «flipao», Nil Moliner directamente «gilipollas»; Ginebras (cuyo disco reseñamos hoy) indicaban que la comunidad «indie» a él «tampoco le necesita», Varry Brava compartían un GIF de gatetes, Zahara se preguntaba si con ella al menos sí colaboraría, Rayden se mostraba decepcionado; la periodista Virginia Diaz le planteaba: «¿y por qué crees que un grupo o artista indie querría colaborar contigo?»; y Miki Núñez le animaba a bajarse los humos… pero la mejor respuesta venía de parte del periodista Arturo Paniagua, que contraatacaba al cantante indicándole que está «a dos singles de llevar una maqueta a Subterfuge».

Lo has adivinado, todo este tinglado ha sido una maniobra promocional de Roi Méndez para promocionar su nuevo single, que además es una colaboración con Veintiuno. La banda autora de ‘Haters’ también comentaba al tuit de Roi sugiriendo que quien no ha visto esto venir es porque no ha querido, pues tanto Zahara como Alberto Jiménez, Rayden y Miki Nuñez han colaborado con la formación toledana. En Twitter, Roi ha tenido a bien de agradecer a todos sus colegas por participar en el «montaje», etiquetando a los artistas mencionados así como a Bely Basarte, Cepeda, Alexander Som, Sofía Ellar, Marazu o al cómico El Monaguillo.

El siguiente paso de Roi ha sido anunciar oficialmente el single, que aparentemente lleva el título de ‘Yo nunca digo nunca’, con un gag protagonizado junto a Diego Arroyo en el que el gallego hace como que desprecia la música indie y después chantajea a Diego con revelar al mundo que no es tan «indie» como hace ver tras descubrir que posee una copia de ‘Mi lógico desorden’. Nada tan divertido como las bromas que solía gastar Roi a sus compañeros de edición (mítica la que perpetró a la pobre Amaia con Miriam como compinche), pero ahí queda.

Sois muy grandes chavales 👏👏 Con humor la vida es menos 2020 🧡 https://t.co/fEUUxveDq8

— GINEBRAS (@GinebrasBanda) September 28, 2020

Yo nunca colaboraría con un artista indie.

— Roi Méndez (@RoiMendez) September 27, 2020

Ginebras / Ya dormiré cuando me muera

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28 septiembre, 2020

Cuando la Movida fue llegando a su término a finales de los 80, la música española pareció dividirse en dos: empezaron a surgir los primeros sellos independientes tal y como los conocemos, con propuestas tan diferentes como las de Elefant, Subterfuge o Jabalina, mientras las grandes discográficas apostaban por el pop-rock más convencional en grandes estudios. Ginebras, que en los últimos meses se han ido popularizando gracias al éxito de composiciones como ‘La típica canción’ y ‘Todas mis ex tienen novio’, no eligen entre bandos sino que se suman a todos. Lo mismo parece darles el indie pop de Cariño que el morro de Los Toreros Muertos, el punto canalla de Carolina Durante que la desvergüenza de Los Inhumanos.

‘Ya dormiré cuando me muera’ es un disco hecho para pasarlo bien y para hacérselo pasar bien al público, en el que no caben los prejuicios, pues todos los que pudieran tener los echaron a la basura cuando su single de presentación, ‘La típica canción’, hablaba lo mismo de Amaral que de los Pixies. Por eso el primer single de este nuevo lanzamiento era otro corte positivo y feliz, que depositaba la esperanza de encontrar el amor una vez divorciado o divorciada sobre un ritmo latino, rumbero. ‘Paco y Carmela‘ es otra gran composición para su repertorio que logra, junto a las 8 restantes de este álbum, que no eches de menos los pequeños hits ya contenidos en su EP anterior, ‘10:36‘.

La banda de Magüi, Sandra, Raquel y Juls se resiste a dejar de lado el name-dropping con el que las conocimos: el primer tema del álbum se llama ‘Crystal Fighters’ en honor a los temas de la banda británica que la gente solía cantar de festival en festival, aunque con la ocurrencia de meterlos en un estribillo en una rima con la palabra orgasmo, de manera totalmente improbable («todos cantando himnos de los Crystal Fighters / teniendo orgasmos que no sabe nadie»). Después aparecen Virginia Wolf en ‘Filtro Valencia’, Yung Beef y Carmen Lomana comprando el mismo día en Malasaña en ‘Vintage’, una canción sobre lo cara que es la ropa vintage, y un Rufus que igual no es Wainwright porque los tiempos cambian también en ‘Filtro Valencia’.

La canción ‘Campos de fresas para siempre’ se compone de guiños a los Beatles, de ‘All You Need Is Love’ a obviamente ‘Strawberry Fields Forever’ y la verdad es que el «filtro años 60» sienta fenomenal a Ginebras, pues cuando se acercan al sonido girl group dejan algunas de sus mejores melodías: es fácil imaginar un mash-up entre ‘Chico Pum’ y ‘La chica yeyé’ de Concha Velasco a cargo, por ejemplo, de Las Chillers.

Pero ya sabéis que Ginebras no buscan ser una refinada propuesta estética a lo Shangri-La’s y otros nombres muy diferentes vienen a la cabeza escuchando su música. ‘Cosas moradas’ es una canción de punk pop que menciona a Prince y a PUTOCHINOMARICÓN, pero a quien contiene un guiño musical en el puente es a María Isabel, a la que ya habían citado como referencia por ‘Antes muerta que sencilla’. Entre análisis del postureo e Instagram, citas a ‘Merlí‘ y un alegre homenaje a Miquel Iceta, hay un par de nombres que llaman la atención por lo que pueden tener de premonitorio: Broncano primero y Trancas y Barrancas después. Lo de ‘El hormiguero’ puede sonar ahora mismo un poco lejano pero los «lo-lo-lo-los» de ‘Metro de Madrid informa’, una canción sobre enamorarse en este sitio, tiene su objetivo claro: el de sonar en todos los bares del país como la versión más macarra posible de ‘I Will Survive’.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Paco y Carmela’, ‘Chico Pum’, ‘Crystal Fighters’
Te gustará si te gustan: lo mismo las Pipettes que Los Rodríguez
Youtube: ‘Shore’, la película

Mariah Carey grabó un disco de rock alternativo secreto en 1995

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28 septiembre, 2020

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Mariah Carey ha desvelado que grabó un disco de rock alternativo secreto en el año 1995, en la misma etapa que las sesiones de grabación de su quinto álbum de estudio, el superventas ‘Daydream’. La autora de ‘Fantasy’ grabó las maquetas pero el disco salió al mercado firmado por una banda olvidada de la época llamada Chick, como puede comprobarse en Discogs, que acredita a Mariah en la mayoría de temas y también en la dirección artística del proyecto, así como en los coros, pero el disco, llamado ‘Someone’s Ugly Daughter’, es muy difícil de encontrar (sí está disponible en Amazon UK) y tampoco está subido a las plataformas de streaming, aunque los videoclips oficiales de los singles ‘Malibu’ y ‘Demented’ sí están disponibles en Youtube.

La cantante de esta «banda» de rock prefabricada era Clarissa Dane Hughes, quien fue compañera de piso de Mariah a principios de los 90 y actualmente se dedica a la fotografía. Hace cinco años, la propia Clarissa dejó una valoración del álbum en Amazon, en la que escribió «me encantó hacer este CD y me alegro de que algunas personas estén disfrutando de él», y a lo que añadió que el álbum «contiene un ingrediente secreto».

En su inminente autobiografía, que sale este martes, 29 de septiembre, Mariah ha escrito sobre esta experiencia, como recoge Billboard: «Me entregaba totalmente a mi personaje, tocando en el estilo de la típica cantante femenina blanca de estilo punky y grunge que era popular en la época, ya sabéis, esas que parecían súper despreocupadas con sus sentimientos y su imagen. Ellas podían estar cabreadas, llevar zapatos viejos, ropa arrugada y las cejas descuidadas mientras cada movimiento que yo hacía estaba totalmente calculado. Quería liberarme, dejarme llevar y expresar mis miserias, pero también quería divertirme. Después de las sesiones de ‘Daydream’ tenía unas ganas tremendas de que llegara la noche para hacer mis sesiones alternativas».

Y en Twitter, la autora de ‘Caution‘ ha dicho que no parará hasta encontrar las maquetas del disco de Chick grabadas por ella, dando a entender que tiene toda la intención de publicarlas, mientras los fans de la artista ya se están encargando de comprar en masa toda copia del disco que se tope en su camino. Ya no sorprenderá a nadie tanto que Mariah y Courtney Love sean tan amigas: Mariah de hecho estuvo a punto de aparecer en el último trabajo de Hole, ‘Nobody’s Daughter‘.

La noticia del álbum de rock secreto de Mariah llega a pocos días de que vea la luz precisamente el nuevo disco de rarezas de la cantante, ‘The Rarities’, que sale este mismo viernes. El recopilatorio incluirá temas hasta entonces inéditos de Mariah grabados entre 1990 y 2014, además de dos versiones nuevas de ‘Save the Day’ con Ms. Lauryn Hill (canción compuesta en el año 2011) y ‘Close Your Eyes’ (publicada originalmente en el álbum de Carey de 1997, ‘Butterfly’).

Fun fact 2: now that you've listened to Clarissa's kick-ass lead vocals, I can tell you that I'm on a quest to unearth the version of this album with my lead vocals and will not stop until we find it! So happy that we get to experience this together lol! 🐏❤️🎸 https://t.co/EMukSDgWPu

— Mariah Carey (@MariahCarey) September 28, 2020

Taylor Swift vende 2 millones de ‘folklore’; Haim desaparecen de las listas en días

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28 septiembre, 2020

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Hits

Taylor Swift acaba de rebasar los 2 millones de copias vendidas de ‘folklore‘ según las estimaciones de Mediatraffic, lo cual tiene mucho mérito si recordamos que el disco no es tan comercial como en otras ocasiones, abiertamente esquiva la música pop para ofrecer una vertiente más cálida, intimista y folkie de la cantante, influida por la colaboración con los hermanos Dessner de The National e incluso Bon Iver. Pese a que las radios de todo el mundo no han podido apostar por ‘cardigan‘ como en otros momentos de su carrera por ‘Shake It Off’ o ‘ME!’, la respuesta de sus fans ha sido estupenda y el disco es platino en Estados Unidos y oro en Reino Unido tan sólo unas pocas semanas después de su edición.

Y lo mejor es que le queda cuerda para rato. Billboard informa de que ‘folklore’ vuelve esta semana al número 1 del Billboard 200 haciendo que Taylor supere el número de semanas en el número 1 de álbumes de Whitney Houston. Lo logra de varias maneras: hay nuevos «bundles» en su web, la aparición de la artista en los premios de la música country interpretando ‘betty’, nuevo «capítulo-single» del disco en las plataformas de streaming, nuevos discos firmados en tiendas independientes…

Taylor no va a dejar morir el álbum en los próximos meses y estamos seguros de que habrá una gran campaña de Navidad para este otoño en la que no sabemos si veremos implicado al siempre esquivo Bon Iver o no. En caso de que Justin Vernon no quiera involucrarse en especiales navideños o de Acción de Gracias, estamos seguros de que Swift le sustituirá convenientemente en uno de esos «remixes». ¿De verdad va a desperdiciarse el potencial lacrimógeno de ‘exile’? Sea como fuere, ya uno de los discos más vendidos del año, otra vez, pese a la reticencia de países como España: en nuestro país el álbum no fue número 1 y baja al puesto 29 en su 8ª semana, muy lejos del disco de oro.

Flops

La estrategia de Taylor Swift no inspira en absoluto a sus amigas de Haim, con las que ha llegado a actuar en directo. Las hermanas parecen haber abandonado ‘Women in Music Pt. 3‘ nada más ser este editado. Es muy obvio que juegan en otra liga, pero hay que recordar que el debut de Haim ‘Days Are Gone‘ fue un gran éxito comercial en 2013, logrando el disco de platino en Reino Unido y Australia, y resistiendo hasta 32 semanas en el Billboard 200. El segundo ‘Something to Tell You’ fue disco de plata y top 2 en las islas y también top 10 en Estados Unidos, pero esta vez el nuevo álbum de Haim no va a lograr ningún tipo de certificación.

‘Women in Music Pt. 3’ fue top 13 en Estados Unidos, pero el disco duró una única semana en todo el Billboard 200 perjudicado por su bajo streaming. En Reino Unido, su bastión pese a la procedencia californiana de las artistas, no corrió muchísima mejor suerte. Fueron número 1, sí, pero 3 semanas más tarde, el disco había desaparecido de todo el top 100 para no volver. Recapitulando, si ‘Days Are Gone’ estuvo 53 semanas en las listas británicas, es decir, un año entero; el nuevo duró 4 semanas, es decir, un mes. ¿Cómo han podido perder tal cantidad de público, superándose a sí mismas?

Los cambios de fecha de edición provocados por la pandemia no han hecho ningún favor al álbum, ni tampoco esa extraña secuencia que deja lo mejor para el final. ‘Women in Music Pt. 3’ puede ser el mejor disco de Haim, y como tal lo veréis reflejado en las mejores listas con lo mejor del año, pero su estructura no comunica tal cosa al público generalista en los tiempos que corren, tan proclives para el streaming y los «skips». Las canciones más escuchadas del álbum continúan siendo bonus tracks lanzados a partir del año pasado: ‘Summer Girl’ y ‘Now I’m In It’. De ellas tendría que haber partido la estrategia comercial del álbum que no, no ha sido la mejor.

Dan Croll te suplica que no vayas hoy al trabajo en ‘Work’

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28 septiembre, 2020

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Dan Croll ha publicado este año un disco sencillo pero muy bonito llamado ‘Grand Plan’, en el que el cantante de Liverpool muestra hasta qué punto mudarse a Los Ángeles le ha sentado muy bien a su música. Ahora influida por James Taylor, Burt Bacharach y Joni Mitchell, suena completamente atemporal bajo la producción de un grande de las canciones atemporales como es Matthew E. White. ‘Grand Plan’ será estos días nuestro «Disco de la Semana» aprovechando que hace unos días pudimos mantener una charla con el artista.

‘Grand Plan’ ha venido presentado durante todo este año por media decena de singles, cada uno con su «cara B», llegando a desvelar casi la totalidad de lo que encontraríamos en este álbum. Uno de los temas que no era el single principal, sino una de esas otras «caras» que finalmente hallamos igualmente en el álbum es ‘Work’, una monada de canción en voz baja, en la que Dan Croll simplemente le pide a su chica que no vaya al trabajo, que se quede con él todo el día retozando en la cama. Un tema idóneo como «Canción del Día» para este o cualquier lunes.

Dan Croll nos la ha descrito así: «Es algo muy sencillo. No conocía a nadie en Los Ángeles, pero empecé a quedar con mi novia. Me sentía muy solo porque no conocía a mucha gente salvo a ella, y la canción refleja un poco de desesperación por este motivo. Obviamente ella tenía que irse al trabajo durante el día, y yo me quedaba en mi cuarto sin hacer nada básicamente, solo. Es una mezcla entre lo que supone estar en una relación pero también sobre la soledad».

La canción empieza con una línea de piano delicadísima sobre la que Croll va hablando sobre su cansancio, y cuando llega el estribillo hay un delicioso cambio de acordes para proponer: «oye, ¿de verdad tienes que ir hoy al trabajo? / porque odio quedarme en la cama solo y despierto / piénsate lo de quedarte / dejemos que nuestros cuerpos se consuman / oye, ¿de verdad tienes que ir hoy al trabajo?». Una canción preciosa desde su sencillez, en la que los discretísimos coros femeninos, cuerdas y puente instrumental la logran convertir en una joya perdida sin ser una de las composiciones más populares o comerciales del álbum. Os dejamos con una versión en vivo en solitario con sus efectos y teclado, y también con la versión de estudio.

Fleet Foxes / Shore

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27 septiembre, 2020

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Fleet Foxes han vuelto con la llegada del otoño, pero su nuevo disco ‘Shore’ no es exactamente un cambio de estación en lo que a la carrera de la banda se refiere. El propósito de su líder Robin Pecknold con este nuevo trabajo ha sido exactamente crear el contrapunto «luminoso y reconfortante» a su último álbum publicado hace tres años. Donde ‘Crack-Up‘ era oscuro, denso y melancólico, ‘Shore’ está tan lleno de esperanza como sugiere su preciosa cubierta, que parece retratar el viaje hacia un lugar mejor.

Lo último que necesitaba el mundo este año era que Fleet Foxes se reinventaran a lo Sufjan Stevens, y ‘Shore’ es un disco familiar, pero no por ello menos valioso. Se echa de menos la inspiración divina de antaño, aquella capaz de hacer nacer maravillas que podían cambiarte la vida como ‘White Winter Hymnal‘ o ‘Mykonos’ y que, desgraciadamente, ya no parece estar al alcance de Robin Pecknold por mucho que ‘Shore’ contenga sus propias joyas. De hecho, el tramo medio-final de ‘Shore’ puede hacerse bastante cuesta arriba al desplegar una serie de canciones redundantes que resulta harto difícil de distinguir unas de otras, como la barroca ‘Thymia’, una ‘Going-to-the-sun Road’ cuya única gracia es haber contado con la participación del cantante portugués Tim Bernardes, o ‘Cradling Mother, Cradling Woman’, que a pesar de utilizar un sample autorizado de las sesiones de grabación de ‘Pet Sounds’ de los Beach Boys, en concreto de la grabación de ‘Don’t Talk (Put Your Hands on My Shoulder)’, no cambiará a nadie la vida como ese mismo sample se la cambió a Robin cuando lo escuchó por primera vez, animándole definitivamente a dedicarse a la música.

El gran mérito de ‘Shore’ es su accesibilidad: las canciones son bonitas, emotivas, correctas, a veces brillantes; los arreglos orquestales nunca abruman, y la duración de las canciones es de 3 y 4 minutos de media a pesar de aproximarse el álbum a la hora de duración. ¿Cuántos largos viajes en coche se harán con este disco de fondo a partir del pasado martes? Curiosamente, la primera voz que se escucha en el álbum no es la de Robin, sino la de la cantante neoyorquina Uwade Akhere, protagonista de esa absoluta preciosidad que es ‘Wading in Waist-High Waters’ con la que el álbum se abre. Esta pastoral composición que recuerda a los Dirty Projectors más intimistas sienta las bases de un trabajo en el que Robin profundizará en su sonido de folk-pop orquestado con mayor o menor inspiración, a veces recordando a cosas como Beach House (la melodía de ‘Featherweight’ parece inspirada en la de ‘L’inconnue‘) o a Jessica Pratt (los rasgueos perezosos de ‘I’m Not My Season’), pero siempre sonando a Fleet Foxes en la prominencia de armonías bucólicas y guitarras acústicas. De hecho, una de las pistas destacadas, ‘Can I Believe You’, directamente utiliza un puñado de armonías vocales que «400 fans» de Fleet Foxes enviaron a Robin a través de Instagram.

En ‘Shore’, Robin plasma su recién hallada serenidad después de un periodo de turbulencias emocionales de las que él mismo ha hablado públicamente; una serenidad que le ha hecho ver el mundo con enorme gratitud. El artista, agradecido como pocos, rinde homenaje a los artistas que más le han inspirado en uno de los singles claros del disco, ‘Sunblind’, que incluye menciones explícitas a figuras de la música que llevan décadas en el más allá como Elliott Smith, Marvin Gaye, Judee Sill, Curtis Mayfield o Arthur Russell, y también a otros que han dejado recientemente este mundo, como John Prine, David Berman o Richard Swift. Por su parte, la trotona ‘Jara’ se llama así, lo has adivinado, por Víctor Jara, pero en esta canción, a quien homenajea Robin no es al cantante y activista chileno, sino a sus amigos activistas, que tanto le inspiran en seguir luchando por lo que cree. Más adelante, ‘Featherweight’ es una de esas composiciones inspiradas por la pandemia, en la que Robin expresa su gratitud por poder dedicarse a lo que le gusta. Y entre recuerdos a las actitudes pedantes de su juventud (‘Young Man’s Game’) y una pequeña oda a la necesidad de Robin de aislarse del mundo (‘For a Week or Two’), el álbum llega a su final con la canción titular, en la que el artista da las gracias a su «familia, amigos y héroes» por «todo lo que le han dado como persona».

El nuevo álbum de Fleet Foxes suena tan confiado y contento que parece mentira Robin estuviera a punto de abandonar su composición el pasado mes de abril, en plena pandemia, debido a su insatisfacción con el proyecto. Precisamente de la necesidad de mantener la esperanza habla otro de los temas destacados del largo, ‘Maestranza’, que inspirado en el trabajo de Bill Withers, es a su vez uno de sus cortes más pop, pero el álbum ya desprende esa misma sensación desde el segundo cero sin necesidad de hablar de ella. Habría sido una pena perderse este feliz disco que tanto se esfuerza por hacernos ver un poco de luz entre tanta oscuridad.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Wading in Waist-High Waters’, ‘Sunblind’, ‘Can I Believe You’, ‘Maestranza’
Te gustará si te gusta: Grizzly Bear, Iron & Wine, Dirty Projectors, Jessica Pratt, Simon & Garfunkel
Youtube: ‘Shore’, la película

Princesa Alba se empodera en el disco-pop de ‘Ya no quieres quererme’

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27 septiembre, 2020

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Princesa Alba es una de las cantantes revelación del año como demuestra la estupenda acogida de singles como ‘Convéncete’ o ‘Mi culpa’, el segundo de los cuales ha contado con la co-producción de Alizzz. El pop contemporáneo de Princesa Alba bebe del trap y del dancehall, sonidos presentes en las dos canciones mencionadas, pero se ha complicado mucho menos la vida en el más reciente, un ‘Ya no quiere quererme’ publicado hace apenas un par de meses y que es hoy nuestra «canción del día».

En un planeta distinto al pepinazo de Fontaines D.C. del que hablábamos ayer, ‘Ya no quieres quererme’ es una canción de disco-pop contemporáneo que, como ‘Don’t Start Now’ de Dua Lipa o ‘Magic‘ de Kylie Minogue, hace uso de un arreglo de cuerdas muy propio de la década de los años 70, pero también de una base musical más próxima a nuestro tiempo, a los sonidos de Carly Rae Jepsen. Es uno de esos temas que, de primeras, parecen un «basic bop» gracioso sin más, pero que terminan cautivando por su falta de pretensiones y por lo bien escritos que están: como afirmó una vez la misma Kylie, lo difícil es hacer que parezca fácil, y este single lo consigue.

‘Ya no quieres quererme’ supone una reinvención pop en toda regla para la joven artista chilena que además llega con un estribillo para enmarcar. «Ya no quieres quererme, yo te lo di to’/ y tú desapareces sin explicación», canta la artista antes de concluir, cual ave fénix que resurge majestuosa de sus cenizas, «Baby, si te arrepientes ya va a ser muy tarde / Ya decidí dejarte». Porque sí, esto va de una relación que prometía, pero que ya no va a ninguna parte. «Si ya no sientes igual y no dices la verdad / Ya no tienes para qué fingirlo», plantea la artista, a lo que añade: «Dos semanas sin hablar, tu cariño se me va / Creo que es momento de admitirlo». El momento cumbre de la canción llega en su estribillo final, cuando Trinidad Valentina Riveros Inostroza (este es el nombre real de Princesa Alba) pasa de la tristeza de «ya no quieres quererme» al empoderamiento de «ya no quiero quererte», resultando en un clímax de lo más edificante. «Demasiado tarde» para él, pero nunca lo será para descubrir temazos como este.

‘Estoy pensando en dejarlo’, la película más arriesgada de Charlie Kaufman

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Fernando García

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27 septiembre, 2020

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Charlie Kaufman, guionista de películas tan icónicas como ‘Olvídate de mí’ o ‘Cómo ser John Malkovich’ debutó en la dirección con ‘Synecdoche, New York’ hace ya doce años, y hasta ahora su filmografía solo consistía en aquella y ‘Anomalisa’, la galardonada cinta de animación para adultos con la que llegó a conseguir una nominación al Oscar. El siguiente paso en su carrera ha venido de la mano de Netflix -que ha decidido ahorrarse el circuito de festivales de otoño y lanzarla directamente a su plataforma- con ‘Estoy pensando en dejarlo’, adaptación de la novela homónima que Ian Reid publicó en 2016. Pero pese a no partir de una idea propia, el sello de Kaufman está impreso desde el primer fotograma.

La trama gira en torno a una mujer de unos treinta años aproximadamente que, aunque tiene pensado dejarlo con su novio Jake -con el que lleva solo siete semanas-, accede a conocer a los padres de este en una cena en su casa. El director neoyorquino comienza con una larga escena en un coche en la que se entremezclan los pensamientos de ella con diálogos con su novio, que conduce por una carretera nevada. Esto, además de ser una gran presentación de personajes también es toda una declaración de intenciones (de ritmo y de estilo narrativo). Sin embargo, y a pesar de que pueda dar la impresión de que la secuencia se está alargando de más, Kaufman dispone de los recursos suficientes para conseguir que te adentres en la psique de su antiheroína. Mediante un uso más que acertado del 4:3 (formato cuadrado), la película, casi sin que te des cuenta, te acorrala, te asfixia. La sensación de tristeza y soledad que inunda la pantalla es absoluta, reforzada por la deprimente paleta de colores del siempre brillante Lukasz Zal (director de fotografía de ‘Ida’ y ‘Cold War’) y por un empleo excelente de las localizaciones. Cada lugar filmado adquiere una atmósfera extraña y claustrofóbica, así como la nieve y su sonido, convertida en un personaje fundamental.

La película, como todo el cine de Kaufman, es enrevesada y chocante, y coquetea con el surrealismo tanto o más que cualquiera de sus obras anteriores. Es un viaje psicológico, o más bien psicótico, en el que se nos presentan reflexiones sobre la identidad, el paso del tiempo, la memoria y, por supuesto, la soledad. No es tanto una búsqueda de respuestas, sino dialogar con el espectador basándose en las preguntas que los filósofos han tratado de responder durante toda la historia de la humanidad: ¿quiénes somos?, ¿de dónde venimos?, ¿adónde vamos? Para ello, en ocasiones recurre a referentes culturales, libros y películas que sirven como punto de partida para que los personajes comiencen a divagar sobre estos temas. El ejemplo más simbólico de esto es una larguísima conversación sobre ‘Una mujer bajo la influencia’ de John Casavettes, en la que se analiza su visión a la hora de tratar el alcoholismo, y también se examina con detalle la mítica interpretación de Gena Rowlands.

‘Estoy pensando en dejarlo’, aun con sus diálogos agudos y su humor negrísimo y enrarecido característico, es una película profundamente triste y taciturna, que amplía el universo existencialista de su director. Quizá nunca había logrado a ningún personaje con la profundidad psicológica que tiene aquí su protagonista, de la que paradójicamente se nos revela poco o nada, y la información que nos llega es confusa y opaca. Pero hay algo en la manera en la que Kaufman nos acerca a ella que nos hace sentir una conexión inmediata. También ayuda la fascinante presencia de Jessie Buckley, una de esas intérpretes tan camaleónicas y talentosas que casi no puedes reconocer de una película a otra. Y el resto de personajes, aunque no tienen esa dimensión tan profunda y funcionan más como marionetas que Kaufman utiliza a su antojo (para a veces acompañar y otras desconcertar a su protagonista), también están interpretados con excelencia por Jesse Plemons, Toni Collette y David Thelwis.

Charlie Kaufman ha realizado su película más arriesgada y divisoria. Un film exigente, denso y árido que puede ser todo un reto para quien no logre conectar con su propuesta, pero para quien lo consiga, es una de esas experiencias cinematográficas extrañas y estimulantes que cuesta quitarse de la cabeza. 8.

5 discos clásicos que escuchar si te ha gustado el ganador del Mercury, ‘KIWANUKA’ de Michael Kiwanuka

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27 septiembre, 2020

Michael Kiwanuka se ha proclamado esta semana ganador del preciado Mercury Prize por el magnífico ‘KIWANUKA‘. Es un trabajo conmovedor que, producido por Inflo y Danger Mouse, despliega las influencias del músico de una manera muy personal. Presentamos cinco discos clásicos que te gustarán si ‘KIWANUKA’ también ha sido uno de sus elepés favoritos de los últimos meses.

Marvin Gaye / What’s Going On

‘KIWANUKA’ no es un disco político exactamente, pues sus textos son más bien autobiográficos, pero el mejor disco de la historia para Rolling Stone sí ha podido ser un precedente para él en su preocupación por temas como el racismo (‘You Ain’t the Problem’) o la necesidad de recurrir a la espiritualidad para enfrentarse a los problemas de la vida (el góspel de ‘I’ve Been Dazed’). Pero sobre todo musicalmente es posible encontrar paralelismos: ‘What’s Going On’ ya era un álbum ligeramente psicodélico, pero sobre todo son sus conmovedoras melodías, arreglos de cuerda y coros los que parecen haber influido al británico.

Sly & the Family Stone / Dance to the Music

La psicodelia es un elemento central en la música de ‘KIWANUKA’, sobre todo en el sonido de guitarras y sintetizadores analógicos, pero también en la distorsión de algunas tomas vocales, y él menciona entre sus principales influencias a Jimi Hendrix (‘Are You Experienced’ es uno de sus discos de cabecera) y también a Sly & the Family Stone. No, ‘KIWANUKA’ no es un disco bailable en absoluto, pero ‘Dance to the Music’, el álbum de Sly & the Family Stone de 1968, es considerado fundamental en el surgimiento del soul psicodélico y más tarde en la formación de la música funk. El tema titular recuerda mucho a ‘You Ain’t the Problem’, mientras todo el sonido del disco suena a lo que Danger Mouse lleva toda su carrera replicando.

Minnie Riperton / Come to My Garden

Se usa mucho la palabra «precioso» para describir música, pero se queda corta para explicar lo que sucede en ‘Les Fleurs’ de Minnie Riperton. Kiwanuka ha intentado explicarlo a su manera: «No sé de qué habla la letra, pero la canción es increíble. Suena como el cielo. Y creo que eso puede cambiar el mundo. Cada vez que escucho esa canción me suena como un planeta perfecto e impoluto en el que el cambio climático nunca ha ocurrido, no hay agujero en la capa de ozono y los coches no existen y vamos volando a todas partes». ‘Come to My Garden’, el disco que incluye ‘Les Fleurs’, es como una versión luminosa, limpia y celestial de lo que puede escucharse en ‘KIWANUKA’: sobre todo coros y cuerdas buscan una belleza inexplicable (‘Piano Joint’), como la de este disco, y por mucho que Michael diga que canta sus canciones porque nadie lo quiere hacer, a él escucharle también encoge el corazón.

Donny Hathaway / Extension of a Man

Como ‘KIWANUKA’, ‘Extension of a Man’ es un álbum personal ante todo, también espiritual como confirman pistas como ‘Lord Help Me’, si bien más conservador en lo musical, algo no tan obvio al principio, pues la primera pista, ‘I Love My Lord, He Heard My Cry (Pt. I & II)’, es una fantasía absoluta. La canción más importante es ‘Someday We’ll All Be Free’, que el compositor escribió con la intención de plasmar la realidad psicológica de Donny Hathaway, que padecía esquizofrenia paranoide; sin embargo, la ambigüedad de la letra, que habla sobre mantener el orgullo y no renunciar a los sueños, hizo que más adelante, sobre todo a partir de que la versión de Aretha Franklin apareciera en la película ‘Malcolm X’, se convirtiera en un himno contra el racismo.

Fela Kuti / Expensive Shit

La aceptación de uno mismo es el tema central de ‘KIWANUKA’: el álbum se titula con el apellido del músico y en su portada aparece él transformado en monarca. Kiwanuka, que es de ascendencia ugandesa, ha sufrido las consecuencias psicológicas de ser un «hombre negro en un mundo de blancos», y ‘KIWANUKA’ narra su viaje hacia la «luz». Por tanto, la música africana es un componente de ‘KIWANUKA’, si bien apenas perceptible en las percusiones de un par de temas; pero que Kiwanuka mencione a Fela Kuti, el rey del afrobeat, entre sus principales influencias no es de extrañar, dado su gusto por los clásicos. ‘Expensive Shit’, el disco que Kuti compuso para reírse de la policía nigeriana (la historia incluye drogas y un excremento), es uno de los mejores para entrar en su fascinante -e inabarcable- universo.

La Oreja de Van Gogh / Un susurro en la tormenta

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26 septiembre, 2020

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Si «haces la cama con jirones de tu amor mientras vas recogiendo tu dolor», si «siempre ves el gris del arco iris», si «la rutina te enseña los mechones de lo que fue querer a alguien», si «llevas sentada sobre tu hombro la melancolía de saber que alguien se irá», quítate tu «sombrero de pensar» porque La Oreja de Van Gogh están de vuelta para ayudarte a «despeinar tu soledad» y el «alma» también. Amaia Montero y los chicos partieron peras hace eones, pero aprovechando que todos han celebrado hace poco el 20º aniversario de ‘El viaje de Copperpot‘ hay que apuntar que sus carreras han seguido desarrollándose sin ninguna diferenciación. Lo mínimo que pueden decir Ana, Jose y Nacho es que al final parecían irreconciliables en lo artístico, que todo el mundo puede comprender por qué no siguieron juntos cuando las canciones escritas por cada hermano Cano se iban entregando a estilos cada vez más distintos. Pero no es el caso del grupo donostiarra: sus carreras van desarrollándose de manera paralela, coincidiendo incluso en ritmo, en lo poco que se prodigan.

Y no es que esperáramos un ‘Metal Machine Music’ por su parte, pero es que en lugar de desarrollar su faceta pop-rock, todos se han ido acercando cada vez más al mundo adulto, al territorio de Cadena 100. Como traumatizados por que la gente escucha demasiado ‘Rosas’ y ‘Jueves’, y demasiado poco ‘El último vals’ y aquel campanazo de «tu carita es un capullo sin abrir» de ‘La niña que llora en tus fiestas’, que Amaia Montero habría matado por escribir, los chicos y Leire también han perdido un poco de interés en la música pop. No hay más que atender al modo en que han desplegado la secuencia de ‘Un susurro en la tormenta’: el disco empieza con canciones lentas, un poco a lo Coldplay, pero lentas, y canciones tan uptempo como ‘Sirenas’ y el rock adolescente de ‘Me voy de fiesta’ permanecen ocultas hacia el final.

‘Un susurro en la tormenta’ sería mucho mejor si se preguntara un poco menos por «quién nos hace el boca a boca» (sic) y un poco más por quién querríamos que nos lo hiciera de verdad. La mejor canción, de hecho, es un dúo en el que Leire y Xabi San Martín desafían las leyes del amor convencional, ‘Durante una mirada’. La Oreja de Van Gogh, que tienden a buscar el amor de toda la vida hasta lo enfermizo, como se aprecia en ‘¿Lo ves?’, cambian aquí ligeramente el discurso. ‘Durante una mirada’ también es una idealización de un amor pasado, pero con él se quedan a las puertas de la rebelión, críticos: «Seguiremos con la vida que a los dos nos recetaron / Cada uno por su lado, muriendo por girarnos».

En defensa de su deriva artística, hay que decir que el sentido de madurez está bastante conseguido y que las referencias parecen las adecuadas: no son la cantidad descomunal de discos que ha seguido vendiendo en el siglo XXI Sergio Dalma. Mari Trini, Cecilia, Serrat pueden venir remotamente a la memoria en la narrativa ‘Galerna’, toda una canción de autor; y Joaquín Sabina -no Alejandro Sanz- viene y mucho melódicamente en la final ‘¿Lo ves?’, que empieza en plan Ben E. King, y termina con ritmo latino. Mejor aún, hay aquí otra canción sobre terrorismo, esta vez centrada en San Sebastián, y ‘Sirenas’ huye del dramatismo de ‘Jueves’ para ofrecer con dignidad esperanza sobre casi, casi, un ritmo electro.

‘Un susurro en la tormenta’ discurre, grato, entre la buena interpretación vocal de Leire en ‘Doblar y comprender’, el country con banjo y todo de ‘Como un par de girasoles’, el puntazo a Dandy Warhols de ‘Te pareces tanto a mí‘ y el plot twist de ‘Menos tú’. Para lo poco que había motivado el baladón metalero ‘Abrázame’, que es a esta etapa lo que ‘Muñeca de trapo’ a la anterior, ni tan mal. Ya no es tan divertido escucharlos, pero tampoco es que hubiera sido su objetivo en absoluto.

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘Durante una mirada’, ‘Te pareces tanto a mí’, ‘Sirenas’, ‘Me voy de fiesta’
Te gustará si: crees que los primeros de Coldplay y Vetusta Morla son los mejores
Youtube: ‘Durante una mirada’

El «sueño lúcido» de Fontaines D.C. transcurre en la Irlanda de 1916… pero recurre al drum ‘n bass y al country

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26 septiembre, 2020

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Fontaines D.C. han publicado este año uno de los discos destacados de la temporada, un ‘A Hero’s Death‘ que ha pasado por nuestra sección «Discos Recomendados» y que se ha quedado a las puertas de alcanzar el número 1 de ventas en Reino Unido… por culpa de Taylor Swift.

Sobre ‘A Hero’s Death’, Taylor y más temas hemos hablado recientemente con Fontaines D.C. una entrevista que publicaremos próximamente, pero hoy nos detenemos en una de las pistas destacadas del álbum, una de las que más atención ha obtenido tras su lanzamiento. ‘A Lucid Dream’ es de hecho el último sencillo extraído del disco y es uno de los más contundentes y agresivos jamás publicados por la banda irlandesa, lo cual tiene una interesante explicación. El guitarrista Carlos O’Connell cuenta a JENESAISPOP que la canción está inspirada en la música drum ‘n bass, lo cual es perceptible en la base rítmica, mientras que la aportación de Carlos bebe del trabajo de Lee Hazlewood, pues ha buscado tocar las cuerdas graves de su guitarra de manera que suenen en un estilo «cowboy». Curiosamente, una primera versión de la canción apenas presentaba voz y guitarra acústica, pero la melodía vocal era tan potente que, según Carlos, esa guitarra «no pintaba nada».

Con ‘A Lucid Dream’, Carlos señala que Fontaines D.C. han ganado confianza para para ser más agresivos en el estudio. De hecho, el músico explica que las primeras sesiones de grabación del disco no fueron tan infructuosas como pueda parecer, ya que aunque el grupo terminó re-grabándolo entero en Londres con Dan Carey, su trabajo con Nick Launay en la ciudad californiana fue fundamental para la creación de ‘A Lucid Dream’. «En la canción hay secciones súper drásticas donde la batería se vuelve más jazz, más rollo The Doors, y después sube un ruido enorme en las guitarras», explica el artista. «Nick nos dio la confianza de ser agresivos, de probar cosas nuevas y de dar esos saltos tan grandes; él nos ayudó a experimentar».

¿Y de qué habla esta canción de post-punk influida por el drum ‘n bass y la música country? Dado que Fontaines D.C. es una banda irlandesa, que ‘Dogrel‘ de hecho estaba dedicado a Dublín y que la portada de ‘A Hero’s Death’ muestra una estatua de Cú Chulainn, un famoso héroe mitológico irlandés, no sorprenderá a nadie descubrir que la temática irlandesa vuelve a inspirar ‘A Lucid Dream’. El «sueño lúcido» del que habla la canción ocurrió de verdad en la cabeza de Grian Chatten, que según ha contado, en cierta ocasión «despertó» en sueños en el mismísimo Alzamiento de Pascua (el título original de ‘A Lucid Dream’ fue ‘A Lucid Dream of 1916’). Este escenario sirve a Chatten para reflexionar sobre la búsqueda de la identidad propia.

Leiva y Joaquín Sabina le dedican un blues al Atleti: escucha ‘Partido a partido’

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26 septiembre, 2020

Leiva y Joaquín Sabina han estrenado un tema conjunto dedicado al Atlético de Madrid, equipo del que ambos son hinchas. ‘Partido a partido’ es «un regalo a su club, a la afición, y a todo el que tenga otra forma de entender la vida».

En ‘Partido a partido’, José Miguel Conejo Torres «Leiva» y Joaquín Ramón Martínez Sabina se reparten los deberes vocales, pero además en el tema Leiva toca la «batería, percusión, bajo (y) guitarra acústica», como aparece acreditado en la descripción de Youtube. Se trata de una dramática balada con sonido de blues americano en la que destaca la presencia de unas percusiones arrastradas, pero que cuenta a su vez con el sonido de un piano, un par de saxófonos, una trompeta, un trombón, un filiscorno, un par de sintetizadores y coros. En resumidas cuentas, si os ha gustado, probad lo nuevo de Bob Dylan (sorry, Sabina). O la discografía de Iron & Wine. O la de Christina Rosenvinge.

La letra arranca con una referencia al Atleti marca de la casa: «Aunque apenas queda un socavón junto al Manzanares / Y atascos en los bulevares de mi corazón / Los profetas de anteayer, son gaviotas de alas rotas muertas de sed / Gatos sin botas». Más adelante el estribillo proclama «No me habléis de resistir / Es mi Atleti de Madrid / No me vengan con lamentos / Hablo de sobrevivir» para después elevarse el drama en el verso siguiente: «Y seguir coronando montañas y seguir conquistando escaleras / En el tiempo de descuento, regateando al porvenir / Y ganar y ganar y ganar / Y ganar y volver a ganar / partido a partido / partido a partido».

Por supuesto, esta no es la primera vez que Leiva y Sabina colaboran: el ex integrante de Pereza ya apareció en el tema que cerraba el disco de Sabina de 2017, ‘Lo niego todo‘, y Leiva ha sido uno de los artistas que han participado en el álbum tributo a Sabina publicado el año pasado, «Ni tan joven ni tan viejo». Este mismo año, ambos han aparecido junto a otros artistas en ‘Los abrazos prohibidos’, la canción solidaria de Vetusta Morla que homenajea al personal sanitario. De hecho, el videoclip de ‘Partido a partido’ incluye imágenes inspiradas en la pandemia, y el tema en cuestión es benéfico: todas las recaudaciones que genere irán destinadas al proyecto solidario de la Fundación Atlético de Madrid.

‘Las niñas’, un ‘Yo fui a EGB’ feminista, histórico, emocionante

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26 septiembre, 2020

En los últimos años han triunfado una serie de libros, fiestas, merchandising y demás anclados en la nostalgia ochentera bajo el nombre ‘Yo fuí a EGB’ (sic). Un recordatorio de la cultura pop para la gente que no sabe cuántos cursos tiene la E.S.O. que logra arrancar una sonrisa a un público que admira polos de Drácula y Calipos como si hubieran cambiado el mundo cual ‘Ciudadano Kane’. ‘Las niñas’ es una película que, situada un poco después, en 1992, utiliza parte de esa imaginería: un póster de ‘Sensación de Vivir’ por aquí y un cassette de doble pletina por allá enamoran a la gente en torno a los 40 como aquel inocuo «revival». Pero aquí hay mucho más. La cinta de la debutante Pilar Palomero, que obviamente nació en 1980, no tiene nada de «inocuo» y sí mucho de universal: emocionante como ‘Verano 1993‘, con la que comparte productores, y a la vez divertida cuando toca, suena ya fuerte para las candidaturas a los Goya del año que viene.

El excelente guión de ‘Las niñas’ nos habla sobre cómo fue crecer en una España que ya habíamos olvidado lo devota que pudo llegar a ser. Sobre cuántas cosas nos hemos perdido por la influencia del «qué dirán» o lo traumático que puede ser desnudarte delante de alguien por primera vez cuando no te han explicado un par de cosas. Y en particular sobre cómo fue todo esto siendo mujer. No oculta la cinta su vocación feminista desde su mismo título, y sus primeras líneas hoy en día nos hacen rasgarnos las vestiduras: una niña que es censurada por moverse de manera demasiado «marimacho»; decenas que cantan en el patio de colegio una canción con una letra tan tóxica como aquella del «capitán de un barco inglés, que en cada puerto tiene una mujer». Y cómo se pegaba la cabrona.

Si el cine social español tiene el sambenito de ser demasiado relamido y explícito, ‘Las niñas’ corre en dirección contraria. Son muchos los momentos hilarantes vividos por unas protagonistas de diferentes cursos que devanean entre la niñez, la pubertad y la adolescencia, como el recuerdo del primer cigarro, la primera vez que alguien te pide rollo o el primer contacto con un preservativo.

Además de una excelente dirección de actrices, a destacar la pequeña y embriagadora Andrea Fandós y también su madre Natalia de Molina; Palomero ha hecho una labor documental realmente minuciosa respecto a aquella época, hasta el punto de que ha captado el modo en que se esquivaba, como con vergüenza, la «x» de la palabra «sexualidad». Hasta el sonido de las moscas en un viaje al pueblo cabe en su querido diario.

En esa labor no puede faltar la música, y Héroes del Silencio sonando detrás de un portazo y la recuperación de un par de temas sobresalientes de los olvidados Niños del Brasil elevan una película que esquiva más de un tópico sobre el «coming of age» y deja una primera y una última escena que, desde su sencillez, están tan cargadas de simbología y significado como el show más complejo y empoderador de Beyoncé. Maravillosa. 9.

Melanie Martínez aúna repostería, sensualidad y «sangre» en el vídeo de ‘The Bakery’

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26 septiembre, 2020

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Melanie Martínez ha conseguido este año el mayor éxito de su carrera en las plataformas de streaming… con una canción desconocida de su álbum debut que se ha viralizado cinco años después gracias a TikTok. Sí, este tipo de milagros comerciales son ya el pan de cada día en la era de Spotify y servicios similares. La canción afortunada ha sido ‘Play Date’, que suma a día de hoy más de 271 millones de reproducciones en la plataforma sueca, superando por mucho las escuchas de la que hasta entonces era el éxito más popular de la artista en el mencionado servicio, ‘Pity Party’. Melanie ya había visto su primer disco resurgir en listas gracias a su espectacular edición física, pero seguro no estaba preparada para lo que le aguardaba gracias a la popular red social china.

Ante semejante hit venido de la más absoluta nada, Melanie Martínez por supuesto no se ha quedado con los brazos cruzados y ha movido ficha sacando nueva música. La artista ha publicado la edición de lujo de su último disco, ‘K-12‘, al que ha añadido un EP con seis canciones nuevas que ha llamado ‘After School’, continuando con la temática conceptual de todo su trabajo, ligada de momento a las primeras etapas de la vida humana, la infancia y la adolescencia, y donde ha mandado una imaginería tan infantil y llena de colores pastel como siniestra. Antes había llegado a las plataformas un single suelto, ‘Fire Drill’, ausente de la reedición, y al que convenientemente se ha añadido ‘Play Date’ como «cara b» para arañar reproducciones.

El nuevo EP de Melanie Martínez se cierra con un tema llamado ‘The Bakery’ que ha sido el seleccionado como single oficial. Y si su sonido de pop con influencias del R&B y el hip-hop no sorprenderá a cualquiera que esté más o menos familiarizado con el trabajo de la cantante, al menos sí lo hace su videoclip, ya número 11 de los más vistos en Youtube España, y en el que Melanie se transforma en una galleta que es horneada por un grupo de humanoides con forma de conejo.. para después ser comida por una versión de ella misma pero envejecida. Alternando a su vez planos «sexys» de Melanie bailando en unas plataformas que ni FKA twigs, con otros en los que aparece con la boca «ensangrentada», otro vídeo de Melanie Martínez que aúna dulzura y terror.

En Instagram, Melanie ha explicado el significado de todas las canciones de ‘After School’, trabajo que lleva componiendo desde 2017 y en el que ha plasmado varias lecciones que ha aprendido en los últimos años relacionadas con sus emociones. Sobre ‘The Bakery’ ha dicho que habla ni más ni menos sobre la vez en que trabajó «sin ninguna ilusión» en una «pastelería» porque «necesitaba ganar dinero para invertirlo en mi arte y en mi música».

Hace justo un año, junto al lanzamiento de ‘K-12’, se estrenaba en los cines de todo el mundo la película de acompañamiento al álbum, que puntuamos con un 7,5. Elogiábamos la estética de la cinta, no así su guion, que pecaba de demasiado obvio: «No hay nada de malo en una película adolescente, pero la obsesión de Martinez con lo infantil probablemente no le ha permitido hacer una cinta más transversal», decíamos entonces. «Y es que todos los temas están presentados con una brocha tan gorda que por momentos parecen sacados de un guion de Dora La Exploradora. Son temas importantes y Martinez no se deja nada en el tintero … Sin embargo, la sutileza se pierde por el camino en todas las escenas de la cinta y lo que queda en ella es un «greatest hits» de lecciones sobre la vida impartidas por Melanie que a veces resultan tan juveniles y blandas como la propia estética de la película».

«10 fotos»: la boda de Thom Yorke, los hijos de Pablo Rivero y Zayn, el regalo de Taylor Swift a Katy Perry…

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25 septiembre, 2020

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Kanye West, hospitalizado por teclear mucho

No es una noticia de El Mundo Today aunque lo parezca, pues el mismo Kanye West ha informado estos días de que ha sido hospitalizado por «teclear mucho». En las últimas semanas, el rapero se ha dedicado a echar pestes de la industria musical y a filtrar sus contratos discográficos en Twitter con la intención de «liberar» a los artistas del yugo de estos contratos supuestamente esclavos, llegando a pedir ayuda hasta a Taylor Swift. El autor de ‘Jesus is King‘ ha mostrado una imagen de la radiografía de su mano, indicando que ha recibido «cortisona mezclada con una pizca de lidocaína» para mejorar su condición.

Too much texting bro Had to get the cortisone mixed with a wittle sprinkle of lidocaine 🥋 pic.twitter.com/09O5givghJ

— ye (@kanyewest) September 9, 2020

Thom Yorke se casa

Una de las noticias sociales de la semana ha sido la boda de Thom Yorke con la actriz italiana Dajana Roncione. Ambos han contraído matrimonio en Sicilia, Italia, en una ceremonia que ha contado con los controles sanitarios pertinentes, como ha informado la prensa italiana. El líder de Radiohead rehace así su vida después del fallecimiento de la que fuera su pareja durante más de dos décadas, la profesora Rachel Owen, en los últimos años ya su ex pareja, pero quien es madre de sus dos hijos.

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@thomyorke and @dajana_roncione chilling after tying the knot in Sicily last night @villa_valguarnera @paolo_nassi @jinanekafrouny #thomyorke #dajanaroncione #gregwilliams #gregwilliamsphotography #leicaQ2

Una publicación compartida de Greg Williams (@gregwilliamsphotography) el 20 Sep, 2020 a las 7:08 PDT

Zayn y Gigi dan la bienvenida a su hija

Zayn acaba de estrenar single, ‘Better’, casi a la vez que ha informado al mundo sobre su paternidad (qué casualidad). Él y su pareja, la modelo Gigi Hadid, han dado la bienvenida a una niña. «Nuestra niña ha llegado, sana y hermosa», ha escrito en sus redes. «Intentar expresar con palabras todo lo que estoy sintiendo ahora mismo sería una tarea imposible. El amor que siento por este diminuto ser humano supera mi propio entendimiento. Me siento agradecido de conocerla, orgulloso de poder decir que es mía, y nuevamente agradecido por la vida que juntos vamos a vivir». ¿El nombre de la criatura? Se desconoce por el momento, pero seguiremos informando. ¡Enhorabuena a ambos!

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Our baby girl is here, healthy and beautiful🙏🏽❤️ to try put into words how i am feeling right now would be an impossible task. The love I feel for this tiny human is beyond my understanding. Grateful to know her, proud to call her mine, and thankful for the life we will have together x

Una publicación compartida de Zayn Malik (@zayn) el 23 Sep, 2020 a las 8:17 PDT

Pablo Rivero, también papá

También ha revelado su paternidad recientemente el actor Pablo Rivero, conocido por su papel en la serie de TVE ‘Cuéntame’. En su caso, Pablo ha presentado en las redes a su novio y al hijo que tienen en común, con una preciosa instantánea de los tres cogidos de la mano frente al mar. «Sabéis que no soy muy dado a publicar fotos de mi vida privada, sobre todo por mantener a mis seres queridos al margen del rollo que es la exposición mediática», ha escrito en Instagram. «Esto no implica que haya mantenido en secreto mi vida familiar. Ni mucho menos, no puedo estar más orgulloso de ella. En casa somos tres chicos y no podemos ser más afortunados por la familia que formamos y por la gente maravillosa que tenemos a nuestro lado».

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Sabéis que no soy muy dado a publicar fotos de mi vida privada, sobre todo por mantener a mis seres queridos al margen del rollo que es la exposición mediática. Esto no implica que haya mantenido en secreto mi vida familiar. Ni mucho menos, no puedo estar más orgulloso de ella. En casa somos tres chicos y no podemos ser más afortunados por la familia que formamos y por la gente maravillosa que tenemos a nuestro lado. Respeto, intimidad y felicidad para todos ❤️🙏 #suertelamia

Una publicación compartida de Pablo Rivero 🎬🖋 (@pabloriveroficial) el 14 Sep, 2020 a las 9:22 PDT

Otra vez Diplo enseña el culo

Sin ganarle en maneras exhibicionistas a Paco León, Diplo ha instado a sus seguidores a votar enseñando el culo. No, no nos referimos a que haya animado a la gente a votar con los pantalones bajados, sino que ha utilizado una imagen de su trasero para movilizar a la gente a las urnas el próximo mes de noviembre. El sexo vende, pero Diplo… ¿quizá no tanto? En los comentarios de Instagram, el productor de electrónica reconvertido al country ha respondido a la reacción generada por la foto de la siguiente manera: «Esta publicación literalmente demuestra que Instagram es un cementerio de culos y de contenido inútil. El algoritmo es una enfermedad. Gracias, Mark Zuckerberg». Entre los admiradores de la instantánea de Diplo, Niall Horan.

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Don't forget to register to vote

Una publicación compartida de Thomas Wesley (@diplo) el 21 Sep, 2020 a las 10:47 PDT

Patti Smith recuerda a Amy Winehouse

El pasado 14 de septiembre, Amy Winehouse habría cumplido 37 años, y entre quienes han recordado a la autora de ‘Back to Black‘ en redes se encuentra la gran Patti Smith, pues se da la casualidad que Amy nació el mismo día que su marido, del que ella quedó viuda antes que Amy se hiciera famosa. «Es una pena que él muriera antes de que la voz de Amy impregnara al mundo, a buen seguro habría apreciado su trabajo», ha expresado en Instagram la autora de ‘Horses’. Y ha añadido: «Esta mañana estoy escuchando a Amy y pensando en mi hija, que está lejos pero siempre cerca, y está pensando en su padre. Los recuerdos son como la música, melancólicos pero a la vez profundamente edificantes».

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This is Amy Winehouse, born 9/14 on my husband’s birthday. Its a pity he died before her voice permeated our world, he would have surely appreciated her work. This morning I am listening to Amy, and thinking of my daughter, far away, yet always close, thinking of her father. Memory is like music, melancholy, yet deeply uplifting. #amywinehouse

Una publicación compartida de This is Patti Smith (@thisispattismith) el 14 Sep, 2020 a las 6:54 PDT

El regalo de Taylor a Katy

En ‘invisible string’, uno de los temas de ‘folklore‘, Taylor Swift canta que, a los chicos que le rompieron el corazón, ya no les guarda rencor sino que de hecho les manda «regalos para sus bebés». La misma máxima parece haber aplicado Taylor a su renovada amistad con Katy Perry, que acaba de ser mamá de una niña, y a la que Taylor ha regalado una bonita manta bordada. Katy dice que su hija, Daisy Bloom, la «adora», y que espera que «la use durante años hasta que se convierta en un trapo irreconocible, para después guardarla en su bolsillo de adolescente». Ojo a la «ubicación» seleccionada por Katy para esta publicación: «stream Folklore». Katy, ¡es tu disco el que necesita streamings, no el de Taylor!

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Miss 🌼🕊 adores her hand embroidered blankie from miss @taylorswift 😩😩😩 hope it’s one she drags around for years till it becomes an unrecognizable shred that she keeps in her pocket as a teenager 🥺♥️

Una publicación compartida de KATY PERRY (@katyperry) el 13 Sep, 2020 a las 11:20 PDT

Doja Cat mejora un vídeo viral

Estos días se ha hecho viral en TikTok el vídeo de una chica que imita a la típica persona que «escucha» lo que le dicen como la que más. El vídeo ya era gracioso, pero Doja Cat, que a cachonda no le gana nadie, ha conseguido mejorar el vídeo convirtiéndolo en una «reunión de trabajo» telemática en la que ella básicamente se dedica a bailar de manera absurda mientras la otra «escucha» sus movimientos, asintiendo sin parar. Un sinsentido pero que me aspen si Doja no es una de las personas más «guays» del momento.

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At a label meeting:

Una publicación compartida de Doja Cat (@dojacat) el 14 Sep, 2020 a las 10:57 PDT

El «look» de Lil Nas X que pone los pelos de punta

La campaña de primavera del fotógrafo Christian Cowan para VOGUE tiene entre sus protagonistas al rapero Lil Nas X, quien acaba de anunciar un libro infantil a la vez que sigue preparando su álbum debut, el que ha de confirmar que está aquí para quedarse y no es flor de un día. EL «look» de pelo en punta es francamente terrorífico y no el buen sentido, lo cual no es una sorpresa porque ‘Old Town Road’ y todo ‘7‘ no es que fueran el súmum de la sofisticación sonora. Al menos las ganancias de este proyecto irán destinadas a una organización LGBTQ+.

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Una publicación compartida de Lil Nas X (@lilnasx) el 19 Sep, 2020 a las 10:45 PDT

Mariah Carey hace «unboxing» de su libro

‘The Meaning of Mariah Carey’, la autobiografía de Mariah Carey, sale el 29 de septiembre. El libro está recibiendo excelentes críticas, como apuntan varios usuarios de nuestros foros, y pinta que será uno de los «must read» de la temporada para cualquier persona interesada en la vida de las celebridades. La cantante ya está concediendo entrevistas para hablar de su nueva obra, pero antes subió este vídeo de ella tocando la copia física del libro por primera vez. Un «momento muy emotivo», como señala la autora de uno de los mejores discos del año pasado.

Quite an emotional moment, seeing 'The Meaning of Mariah Carey' in print for the very first time 😢 I'm so proud of it and I can't wait for you to read it. 📖❤️ #TMOMC https://t.co/YNyNv15TyL pic.twitter.com/AKWpnosEGy

— Mariah Carey (@MariahCarey) September 14, 2020

Pop Smoke deja a Ava Max sin número 1 en UK con su debut póstumo publicado hace 4 meses

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