James Taylor / Sweet Baby James

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2 octubre, 2020

En una nueva vuelta de tuerca en la carrera de Taburete que ni Henry ~~Miller~~James, un miembro del grupo ha decidido acudir a ‘First Dates’ de Cuatro para encontrar pareja. La idea ha sido de Guillermo Bárcenas, siempre tan avispado en cuanto a maneras de generar noticias cuando la banda está a punto de publicar un nuevo disco. «¿Por qué no matar dos pájaros de un tiro?», ha debido de pensar en algún punto en medio del confinamiento.

El conejillo de indias ha sido Daniel, el bajista, de 32 años, que lleva 6 sin tener pareja, al que la música le ha costado «muchas novias» y que, como tantos usuarios de Tinder o similar, describen el panorama de la siguiente manera: «la cosa está muy mal». El malvado programa de Carlos Sobera ha sabido exprimir muy bien el potencial de esta coyuntura, emparejándole con una muchacha de 24 años que responde al nombre de Sandra, que enseguida le ha confundido con un «random» del bar, cuando no directamente con el camarero: «no se me ha ocurrido que pudiera ser mi cita», reconoce en la entrevista a posteriori. Sandra no tiene ni idea de quiénes son Taburete, porque ella, de quien es fan, es de Omar Montes. A su vez, la cara de Daniel cuando oye hablar de «reggaetón flamenco» es como quien oye una masterclass de física cuántica después de haber estudiado derecho.

Cameo de Willy vía FaceTime aparte, hace más frío en esa cita que en una redada policial: nada puede salir bien cuando el mejor piropo que tienen para ti es: «se le ve inteligente, correcto», y ella no volverá a querer saber nada del asunto. Nada que lamentar teniendo en cuenta que el programa es un escaparate frente a otros decenas de miles de candidatos/as; y al fin y al cabo Daniel no termina de salir mal parado. Hasta cuando le preguntan por «Los Cayetanos» y en el montaje del programa suena el famoso hit de Carolina Durante que ha servido para nombrar a las nuevas generaciones del barrio Salamanca y aledaños, el bajista habla con naturalidad de su público «pijolis». Volviendo al mundo real, casualmente hoy Taburete sacan nuevo single. ‘El último baile de Dunas Mitchell’, se llama. Los vídeos de ‘First Dates’ están disponibles en la web de Cuatro.

Nathy Peluso / Calambre

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2 octubre, 2020

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Nathy Peluso es una de esas artistas del siglo XXI capaces de mezclar todo tipo de sonidos sin que su personalidad arrolladora -que tampoco deja la vulnerabilidad a un lado- deje de mandar en todo lo que toca. En ‘Calambre’, su debut oficial, la cantante argentina afincada en Madrid vuelve a intercalar influencias sin miedo y suena siempre asertiva, confiada en que es una estrella. Y en muchos casos, Nathy parece una estrella de las antiguas, una folclórica a la vieja usanza, solo que pasada por el filtro contemporáneo.

En el segundo single de ‘Calambre’, el adictivo ‘SANA SANA‘, Nathy usa pesados ritmos de hip-hop y palmas que recuerdan a Missy Elliott para en la letra mencionar a Mercedes Sosa y meterse con el Fondo Monetario Internacional, que Nathy se pasa por el «clítoris». Entre pasajes que riman «hachís» con «police» y «sopa» con «hip-hopa», el tema introduce a Nathy de manera inesperada en la tradición de grandes divas que han firmado «canciones protesta», lo cual da una idea muy clara del caldero de referencias que representa su música. Nathy, que se ha criado entre el teatro, el hip-hop y el neo-soul -también hizo gimnasia rítmica como puede dar a entender la portada de ‘Calambre’, por otro lado un homenaje a Grace Jones- y alcanzaba un nuevo escalón de popularidad en 2018 con la publicación de ‘La Sandunguera‘, una canción de «jazz latino» que tiene muy poco de jazz pero sí mucho de rap a secas, presenta en ‘Calambre’ todo lo que es como artista en este momento. En este debut de 40 minutos, la cantante despliega sus virtudes como rapera, vocalista y letrista sin oscurecer en absoluto sus influencias -a menudo para su desventaja, pues dichas influencias llegan a ser demasiado obvias- en unas canciones que pueden recordar tanto a Sean Paul como a Celia Cruz, tanto a 50 Cent como a Astor Piazolla, tanto a Jennifer Lopez como a Rocío Jurado, tanto a Dr. Dre como a Amy Winehouse.

Si hay un arco narrativo en ‘Calambre’, ese es el del empoderamiento después de un periodo de sufrimiento. Esto queda claro desde que Nathy ve su «nombre escrito en el cielo» en ‘CELEBRÉ’, poderosa canción de apertura que utiliza un beat de dancehall a lo ‘Pon de Replay’ para poner las cartas sobre la mesa ya en la primera estrofa: «Él me pide que lo deje a cargo, mami, date lo que te merece’ / Cúrate la herida, llama al S.O.S. / En el pecho no hay quien me dispare, me cuida la fuerza de los mare'». A excepción de la vulnerable ‘BUENOS AIRES’, el disco resurge continuamente de sus cenizas. Y a menudo este empoderamiento pasa por el «braggadocio» típico del hip-hop. ‘DELITO’ es un «club banger» en el que Nathy presume de su sexualidad sin andarse por las ramas: «A esta vida de crimen yo me someto, e’ un tatuaje en mí, te lo prometo / Si esto e’ condena, hagámoslo en secreto / Raspemo’ las rodilla’ en el cemento». Y ‘BUSINESS WOMAN‘ es un corte de «West Coast rap» en el que Nathy rapea cosas como «soy una nena mala, una droga asesina, me brillan las tetas, me querés de vecina» o «no quieres que te guste porque soy dirty sucia, te la puse tiesa con mi ritmo, con mi astucia» para concluir afirmando: «Soy cabrona poniéndote el culo en la cara, ¿eh?» ¿Lo mejor? El tema termina con un tercer verso que es el mejor de todos.

Como letrista de rap, Nathy demuestra en ‘Calambre’ ir sobrada de talento, vocabulario e ingenio. La artista puede sonar tan visceral como en ‘Llámame’, por estilo un homenaje clárisimo a D’Angelo («en las noches te pienso y empiezo a transpirar / Me invade un calor denso que no puedo calmar») o ‘AMOR SALVAJE’, que pasa de Timbaland al reggaetón; o tan folclórica como en el interludio ‘ARRORRÓ’, que he tenido que comprobar no fuera una versión de un tema antiguo. «Tengo el canto metío’ en mi alma, ‘Tá quietecito esperando a que salga», canta Nathy en esta composición como si fuera la mismísima Imperio Argentina. La pista final, ‘AGÁRRATE’, comienza con una dramática primera mitad de voz y acordeón que recuerda a las viejas milongas del mencionado Astor Piazolla… para evolucionar de manera inaudita hacia el «gangsta rap», y ese cambio es plasmado también en lo lírico: la canción pasa del «qué agonía este querer / qué oscuridad en este amanecer» y del «me estoy muriendo» al «tengo los ojo’ limpio’ y los otro’ do’ manchado’ / hijo de p*ta, flaco, ¿cómo sos tan despiadado?», para alcanzar su cumbre de puta locura en el verso siguiente: «Shut up your mouth and take my sugar / Yo rajé las llanta’ de tu Buga». Todo ‘Calambre’ resumido en 4 minutos.

A pesar de ser un disco entretenido por todas las razones expuestas, ‘Calambre’ no representa una fusión de estilos tan original como prometía ‘SANA SANA’. ‘BUENOS AIRES’, la canción más emotiva del disco pues es un homenaje a la capital argentina, a la nostalgia que siente por ella Nathy, suena sin misterio alguno al neo-soul que tanto ha influido a la artista, mientras ‘TRÍO’ recuerda a los momentos más sensuales y downtempo de Destiny’s Child o de Beyoncé en solitario, y la divertida ‘PURO VENENO’ es una salsa pura y dura que podría haber sido publicada durante los últimos 50 años. En muchos casos da la sensación de que Nathy ha antepuesto su lírica, y también su voz, a la posibilidad de hacer un disco que renueve o muestre desde un punto de vista diferente los sonidos con los que ha crecido. En su caso al menos acompañan unas canciones estupendas, pero quizá depender demasiado de sus influencias era a día de hoy, en sus propias palabras, «inevita-buh-le».

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘CELEBRÉ’, ‘SANA SANA’, ‘DELITO’, ‘BUENOS AIRES’, ‘BUSINESS WOMAN’
Te gustará si te gusta: Missy Elliott, Mala Rodríguez, Azealia Banks, Rosalía, Bejo
Youtube: vídeo de ‘SANA SANA’

‘Explota explota’ entretiene sin explo-explotar todo su potencial

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2 octubre, 2020

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Prometo que aquel programa en el que Rodolfo Chikilicuatre, ayudado por Andreu Buenafuente, derrotó a ‘La revolución sexual’ de La Casa Azul en la lucha por acudir a Eurovisión, trajo alguno bueno. Aquel despropósito se llamó irónicamente ‘Salvemos Eurovisión 2008’, y resulta que a Raffaella Carrá le había dado por aceptar presentarlo pese a lo poco prometedor del asunto. Guille no lo dudó un momento, y cuando acabó de cantar, afónico perdido, se acercó a ella y le dijo algo así como que todo aquello de Eurovisión a él le daba igual, que no era más que «una excusa» para estar «a su lado». A continuación, se arrodilló, mientras Raffaella, siempre con tantas tablas televisivas, se partía la caja y gritaba: «¡No, por favor!». Esto ha pasado de verdad. Foto: Julio Vergne.

De vez en cuando alguien reivindica a Raffaella Carrá tanto por su inigualable carisma como por sus canciones: ‘Rumore’ es una composición que lo mismo te puede versionar Alaska que Sociedad Alkohólica. Pero ya era necesario que se organizara algo más grande, como esto. En un año 2020 que paradójicamente ha sido estupendo para la música pop y el brilli-brilli, desde los mallots deportivos de Dua Lipa a la fantasía cromática de Lady Gaga, aquí tenemos este estreno: ‘Explota explota’, un musical orquestado a partir de canciones de la Carrá. Un musical que ha construido su guión en base a letras cantadas por la artista italiana en castellano, a lo ‘Mamma Mía’.

El director novel Nacho Álvarez, que entiende que Raffaella fue «una mujer que rompió las reglas», decide situar la trama en 1973, los últimos tiempos del franquismo, y en los platós de Radio Televisión Española, para hablarnos de quebrar esas reglas, de censura, de libertad de expresión y algo de feminismo. El centro neurálgico del musical es un programa de variedades de los que durante décadas hubo los sábado noche, por marciano que resulte recordarlo, pero la España que se nos muestra en este caso es bastante más recatada de lo que veíamos hace unos días en ‘Cine de Barrio’ con una película estrenada en el mismo 1973, centrada en un prostíbulo de pueblo.

En todo caso, el realismo no tenía que ser el fuerte de lo que se plantea como una comedia romántica, entretenida, de «chico conoce chica» o viceversa, con una estética a medio camino entre ‘Los amantes pasajeros’ de Pedro Almodóvar y algún revival sesentero y popero inofensivo tipo ‘Abajo el amor’. El protagonista es Fernando Guallar, muy guapo, sí, pero más tieso en su cometido bailarín que un presentador en Telepasión, mientras Ingrid García-Jonsson hace lo que puede por convertir todo esto en el nuevo ‘Al otro lado de la cama’, ensombrecida por una secundaria estupenda, Verónica Echegui. Viviendo su ‘8 apellidos vascos’ particular, y pese al arquetipo de extremeña/andaluza salá, Echegui se queda todos y cada uno de los pocos momentos cómicos de la cinta.

Dejando tantas dudas como placeres culpables, del papel desangelado de Fernando Tejero a la desganada implicación de Raffaella Carrá, pasando por Natalia Millán haciendo de diva (¿Rosa de España?) o las canciones que es «un dolor» que falten; ‘Explota explota’ sabe demasiado a pasado, incluso para algo inspirado en una revista tipo José Luis Moreno, sobre todo después de la pequeña renovación del género que supuso ‘La llamada’, también con su trama monjil. Aun así, una ocasión para que gemas como ‘Sin ti’ o ‘Lucas’ puedan ser redescubiertas o descubiertas masivamente gracias a la banda sonora de la cinta, en cuyos créditos finales aparece Ana Guerra revisitando ‘En el amor todo es empezar’. 5,5.

Róisín Murphy baila incluso «en un momento como este» en ‘Shellfish Mademoiselle’

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2 octubre, 2020

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Róisín Murphy publica hoy viernes su nuevo disco, ‘Róisín Machine’. El sucesor de ‘Take Her Up to Monto‘, un disco de art-pop interesante pero complicado que pasó aún más desapercibido que el anterior a pesar de la calidad de canciones como ‘Mastermind’ o ‘Thoughts Wasted’, es lo más parecido al «verdadero sucesor de ‘Overpowered‘» que un gran sector de los seguidores de la cantante irlandesa lleva esperando desde hace más de una década, un trabajo absolutamente entregado a la pista de baile desde el primer segundo al último. De hecho, en el contexto de la discografía de Róisín, ‘Róisín Machine’ es el álbum más bailable de toda su carrera en solitario y como integrante de Moloko.

El nuevo disco de Róisín, producido enteramente por el gran DJ Parrot, un icono de la música electrónica, se recrea en los «grooves» de la música disco que sonaba a finales de los 70 y principios y mediados de los 80, también en cuanto a duraciones, pues algunas pistas superan los 6 y 8 minutos de duración (es la época dorada de los 12 pulgadas). El largo también se recrea en una atmósfera sucia y sudorosa, llevándonos al ombligo de lugares míticos de la noche neoyorquina como el Paradise Garage o el Studio 54. Y una de sus composiciones destacadas es también una de las más sofisticadas, ‘Shellfish Mademoiselle’.

Alejándose de la agresividad y contundencia de cortes como ‘Simulation’ o ‘We Got Together’, ‘Shellfish Mademoiselle’ opta por capturar un instante de magia maravillosa en la pista de baile. O en la «cocina» de casa de Róisín, porque la canción es también una oda explícita al baile dentro del contexto en el que se encuentra actualmente la humanidad, con las discotecas cerradas por la pandemia. «¿Cómo te atreves a condenarme a una vida sin bailar?», reta Róísin en la letra, antes de preguntarse si no será ella una «señorita egoísta» por querer bailar incluso «en un momento como este». La cantante se pregunta entonces si «alguna vez será un buen momento» para volver a la pista cuando su cuerpo «no puede dejar de vibrar» y tampoco puede evitar «seguir pasándoselo bien». El tema llega a su final con una conmovedora despedida a través de la que Róisín regresa a la pista… para quedarse por toda la eternidad: «estaré lejos, la vida es demasiado corta».

Un gran homenaje al baile este ‘Shellfish Mademoiselle’ cuyo mensaje es crucial en el concepto de ‘Róisín Machine’, trabajo al que la cantante ha llamado su «manifesto». En The Quietus, la autora de ‘Murphy’s Law‘ ha compartido una inspiradoras palabras sobre la necesidad de bailar: «Por favor, no dejéis de bailar: esta es otra parte de mi manifesto. Yo bailo en el parque y en mi casa. Los científicos saben que bailar es la mejor actividad cardiovascular para tu cerebro. Es matemáticas, movimiento, absurdidad y poesía. Es una cosa mágica. Yo nunca dejé de bailar… y este disco me hace volver a la época en que era aquella chica que vivía en Stockport y flipaba escuchando a Biting Tongues mientras me revolcaba en mi sofá de color naranja».

Aitana cambia «corazón partío» por «corazón sin vida» en el segundo single de su disco

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2 octubre, 2020

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Aitana estrena nuevo single con Sebastián Yatra días después de conocerse que su álbum debut está nominado a los Latin Grammys.

El nuevo tema de Aitana Ocaña Morales recibe el siniestro título de ‘Corazón sin vida’ pero la noticia es que incorpora de manera prominente parte de la melodía de ‘Corazón partío’ de Alejandro Sanz, quien aparece debidamente nombrado en los créditos. Este mismo año, también C. Tangana (quien hace eones grabó un tema con Aitana que permanece inédito) ha hecho referencia al clásico de Alejandro Sanz en su éxito número 1, ‘Nunca estoy’.

En el caso de Aitana, ‘Corazón sin vida’ sustituye «herido» por «herida» y «corazón partío» por «corazón sin vida» pero deja la melodía original prácticamente intacta. ‘Corazón sin vida’ vuelve a ser una producción de Andrés Torres y Mauricio Rengifo, como ‘+’, el éxito de Aitana con su éxito junto a Cali y El Dandee al que se parece bastante por sonido: en ambos manda la presencia de unas guitarras acústicas que suenan mezcladas a un volumen bastante alto.

En sus redes, Aitana ha confirmado que tanto ‘+’ como ‘Corazón sin vida’ formarán parte de su próximo álbum: «Corazón sin vida la compuse con Mauricio y Andrés hace (aproximadamente) un año. Fue la primera canción del disco en componerse, después de +. Hace pocos meses tuve la suerte de que Sebastián escuchara la canción y quisiera sumarse. ‘Corazón Sin Vida’ dio un cambio increíble».

La artista ha indicado que quiere presentar el álbum «de abajo a arriba», por lo que ha empezado dando a conocer los temas que tienen «más dosis de balada», dando a entender que el resto del disco será más uptempo. De hecho, estos días ha señalado en Twitter que el sucesor de ‘Spoiler’ se parecerá bastante a su reciente hit de pop-punk con Marmi, ‘Tu Foto Del DNI‘, y por si sirve como dato, acaba de felicitarle el cumpleaños a Avril Lavigne.

Rosalía desfila por la pasarela de Rihanna para cantar ‘Relación’ y ‘TKN’

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2 octubre, 2020

Rosalía ha sido una de las artistas invitadas en el segundo episodio de ‘Savage x Fenty Show’, el espectáculo-desfile de Rihanna en el que artistas, modelos, bailarines… y la propia autora de ‘Anti’ pasean la colección de lencería de la barbadense, mientras esta cuenta cosas de su vida o su amor por la moda. El episodio está disponible en Amazon Prime Video.

La autora de ‘El mal querer‘ y de un tercer disco que debe estar ultimando, pues se esperaba para 2020, ha actuado en el desfile para desfilar un conjunto de color negro y también para cantar dos canciones, en concreto sus dos últimos singles, ‘Relación‘ y ‘TKN‘, en el caso de la segunda, con coreografía incluida pero sin Travis Scott, a pesar de que este también ha aparecido en el show -ya al final- para presentar su nuevo single con Young Thug y M.I.A., ‘FRANCHISE‘ (la rapera británica-tamil no ha ha hecho acto de presencia en el show, lamentablemente). Entre las artistas que han desfilado se ha encontrado también Normani, quien, como Rosalía, aparece en el videoclip del exitoso ‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion.

Además de un momento de gloria para ‘Self Control’ de Frank Ocean, la mejor canción de ‘blonde‘, en uno de los números de baile, el desfile de ‘Savage x Fenty’ ha contado a su vez con la presencia de otros artistas musicales. Han actuado Bad Bunny, Ella Mai, Miguel, Roddy Ricch y DJ Mustard, mientras Lizzo se ha limitado a posar sensualmente con un conjunto azul; y también ha aparecido por ahí 070 Shake, Rico Nasty y la DJ Soo Joo Park. Y entre las personalidades que no han dejado de aparecer en el desfile, la actriz Indya Moore (‘Pose’), Paris Hilton o la performer Shea Coulée, ganadora del último ‘RuPaul’s Drag Race: All Stars’.

😍 pic.twitter.com/7GCTw9FFaA

— 👼🏻| RELACIÓN REMIX (@METRAICIONAST3) October 2, 2020

Shawn Mendes, a saco a por las ventas del Q4 con la «auténtica» ‘Wonder’

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2 octubre, 2020

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Shawn Mendes, que ya era una estrella mundial gracias al alcance de sus dos primeros discos, se ha crecido naturalmente gracias al pelotazo dado junto a Camila Cabello en ‘Señorita’, una canción que suma ya 1.500 millones de reproducciones de nada tan sólo en Spotify.

Este otoño sacará su cuarto álbum, como ha anunciado estos días, aunque no llegará a tiempo para el Black Friday. Sí para Navidad, cuando a falta de saber quién moverá ficha, puede ser uno de los discos más regalados en esas fiestas que nos aguardan con un máximo de 6 familiares a la mesa. ‘Wonder’ es el título del disco que va a salir el 4 de diciembre, y ‘Wonder’ es el título de la canción que se lanza hoy y que va a por todas desde el punto de vista comercial, como muestra ese vídeo coreografiado entre bosques, acantilados y camisetas empapadas de lluvia.

La pregunta a que se refiere el título de ‘Wonder’ es «qué se siente al ser amado por ti», pero el tema es en realidad una búsqueda de uno mismo desde que la primera frase se «pregunta» de manera intensa y profunda: «Me pregunto si estoy siendo auténtico / si digo mi verdad o filtro cómo me siento / Pregunto: ¿no sería bonito vivir en un mundo que no sea blanco y negro?».

En cuanto a producción, ‘Wonder’ es una sutil combinación de balada clásica con virguerías electrónicas. El propio Mendes, Kid Harpoon, Nate Mercereau y Scott Harris están detrás de este trabajo que podría haber pertenecido a la carrera de los Coldplay de los últimos años, Selena Gomez o Adele. Y esto último no está tirado al azar: ya sabemos que Tobias Jesso Jr estará acreditado en la ‘Intro’ del álbum (!!!), cuya secuencia aún se desconoce. Al encanto de ese coro tratado hay que añadir el crescendo del segundo estribillo y lo rápidamente que acaba el corte, dejando ganas de más, incitando a la escucha en bucle. Por algo hoy es la gran apuesta de Today’s Top Hits en Spotify, ocupando el primer lugar de la codiciada playlist con 27 millones de «followers».

Shawn Mendes ha dicho que ‘Wonder’ «refleja mi vida y la vida en general. Nunca había hecho esto antes, probablemente porque no tenía la capacidad y claridad mentales para reflejarlos, y también probablemente porque me daba miedo lo que la gente pensaría si reflejara eso en mi música. Hay una sensación real de libertad que sale de mí y que me hace amar esta canción incluso más».

Dua Lipa y DaBaby se «elevan» en el nuevo vídeo de ‘Levitating’

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JNSP

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2 octubre, 2020

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Dua Lipa no se ha conformado con la atención mediática que ha recibido el remix de ‘Levitating’ con Madonna y Missy Elliott y el divertidísimo álbum de remezclas que lo acoge, producido principalmente por The Blessed Madonna… lógico pues el tema, mucho más tecno que pop, ha sido un fracaso comercial a pesar de tamañas estrellas invitadas, de que el corte original ya era uno de los más escuchados de ‘Future Nostalgia‘ y de que las radios australianas e italianas lo han apoyado de manera espontánea: hoy por hoy este remix de ‘Levitating’ sigue siendo la 4ª canción más radiada de Italia… sin que haya pasado del número 99 en las listas.

Dua Lipa, por tanto, ha movida ficha: ‘Levitating’ sigue siendo el siguiente single del álbum, pero este es ahora potenciado mediante un nuevo remix que cuenta con la participación de DaBaby. En este caso, el rapero no aparece haciendo una nueva versión del «rap» que contenía la original, como Missy Elliott, sino que realiza la intro, se encarga de la segunda estrofa hablando de recibir «amor» y «odio» y después deja que sea Dua quien acabe la canción tal y como la conocíamos, sin volver a tener protagonismo. No está mal como idea para renovar el tema, pero si a alguien le pareció que Madonna y Missy Elliott estaban forzadas, qué decir sobre este pegotazo que, no obstante, no nos cabe duda de que será mucho más escuchado, dada la popularidad de Dababy. Más listo que el hambre, él sí se ha etiquetado correctamente en la producción en las plataformas de streaming, a diferencia de Madonna y Missy Elliott. Además, en el vídeo dirigido por el reputado Warren Fu, «elevado» en un «ascensor» de lujo, ambos sí logran mostrar cierta química.

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El autor de ‘ROCKSTAR’ no es especialmente conocido en nuestro país, pero Dua sabe que esta canción ha sido recientemente un éxito colosal en Estados Unidos, llegando a liderar la lista del Billboard (cosa que todavía no ha pasado con ningún single de ‘Future Nostalgia’) durante 7 semanas no consecutivas, y a día de hoy suma más de 730 millones de reproducciones en Spotify. Este corte, que cuenta con la colaboración de otro joven rapero, Roddy Ricch, ha sido número 1 en el top global de la plataforma sueca durante meses y meses y ahora mismo se mantiene fuerte en el número 12.

Dua Lipa explicaba que con el vídeo se ha ideado una «experiencia» dirigida a los usuarios de TikTok. A través de esta experiencia, los usuarios de la conocida red social tendrán acceso a un «ascensor» que les llevará directos a una fiesta intergaláctica, presumiblemente el videoclip en cuestión, en el que… ¿cabe esperar el bailecito de turno? En cualquier caso, Dua está poniendo todas las cartas sobre la mesa para asegurarse el éxito de esta gran canción en las listas. Jordi Bardají, Sebas E. Alonso.

Head to my @tiktok_uk for the countdown to LEVITATING 🚀💫 4 DAYS!!!!https://t.co/2NrumNjuHd pic.twitter.com/MIfi9pgIKG

— DUA LIPA (@DUALIPA) September 28, 2020

London Grammar nos hablan de misoginia sobre una base trip-hop en ‘Californian Soil’

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2 octubre, 2020

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London Grammar dan al fin los detalles de su tercer álbum, el que contendrá la canción que revelaban hace unas semanas, ‘Baby It’s You‘. El disco se llama ‘Californian Soil’, exactamente como el tema que dan a conocer hoy y que supone un considerable cambio de registro, pues les acerca a los tiempos del trip-hop más oscuro, sobre todo al segundo de Massive Attack: esta base nos recuerda que ‘Protection’ fue más que lo que había en medio de ‘Blue Lines’ (1991) y ‘Mezzanine’ (1998).

Curiosamente, este álbum se cerrará, como el último de Sufjan Stevens, ‘The Ascension’, con un corte llamado ‘America’, y más curiosamente todavía, este largo no se beneficiará de las ventas navideñas, pues lo han programado ya en 2021, exactamente el 12 de febrero de 2021.

El NME publica una dedicada pieza a la banda, pues estamos ante uno de los grupos más exitosos en los últimos años de Reino Unido, y ahí averiguamos que el disco pretende ser un «punto de inflexión» en la carrera de London Grammar. Dice la líder Hannah Reid: «Este disco es sobre tomar posesión de mi propia vida. Imaginas que el éxito puede ser increíble. Entonces lo ves desde dentro y te preguntas: ¿por qué no estoy controlándolo? ¿Por qué no se me permite controlarlo? ¿Y tiene relación de alguna manera con el hecho de que yo sea mujer? Si sí, ¿cómo puedo hacer que cambie?».

Añade: «la misoginia es algo primitivo, lo cual es difícil de cambiar. Pero también es algo lleno de miedo. Es sobre rechazar ese algo en tu interior que es vulnerable o femenino. Todo el mundo tiene eso». En Twitter han especificado que el tema nuevo habla de «encontrarse a uno/a mismo/a en medio del caos», como manifiestan frases como: «Abandoné mi orgullo / con aquella mujer a mi lado / nunca tuve un plan / hasta que te encontré a ti».

Este será el tracklist del álbum, que como veis comenzará con una intro y después esta canción que se estrena hoy.
01. ‘Intro’
02. ‘Californian Soil’
03. ‘Missing’
04. ‘Lose Your Head’
05. ‘Lord It’s A Feeling’
06. ‘How Does It Feel’
07. ‘Baby It’s You’
08. ‘Call Your Friends’
09. ‘All My Love’
10. ‘Talking’
11. ‘I Need The Night’
12. ‘America’

Escucha lo nuevo de Julia Michaels, Kali Uchis, Nacho Vegas, Roxette, Dagny

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1 octubre, 2020

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Desde este viernes 2 de octubre podemos escuchar los nuevos discos de Róisín Murphy, Jónsi, Dagny, Gabriel Garzón-Montano, Laura Jane Grace, Groove Armada, Shamir, Elvis Perkins, Nathy Peluso, Melanie C, 21 Savage con Metro Boomin, Blackpink, Bon Jovi, las rarezas de Mariah Carey y en España lo nuevo de Sílvia Pérez Cruz, Junco y mimbre, Le Voyeur y Sidonie, que han desvelado estos días un single promocional junto a Delaporte. De todos ellos compartimos un tema en nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend», que renovamos cada viernes. Halsey saca edición especial de su último álbum y también hay EP de Deerhoof de versiones, del que seleccionamos una pista muy divertida en la que adaptan ‘El Coche Fantástico’.

Romy de The xx se va a convertir en una estrella también en solitario gracias a ‘Lifetime’; Gorillaz siguen desvelando temas colaborativos de su nuevo proyecto, esta vez junto a Elton John, y hablando de colaboraciones, Carlos Sadness y Siddhartha comparten ’80 días’. Entre quienes sacan nuevo single están Julia Michaels, Kali Uchis, Megan Thee Stallion, Jorja Smith con Popcaan, Dizzee Rascal, Horse Meat Disco, Ella Mai, Bryson Tiller con Drake, Sia (que no para) con Leslie Odom Jr, Demi Lovato, Chet Faker, Goat Girl, Omar Apollo, Anna of the North, The Crab Apples, Girl Talk o Dua Lipa, en este caso un nuevo remix de ‘Levitating’. Michael Kiwanuka ha sacado un remix en plan drum&bass de ‘Solid Ground’ tras haber ganado el premio Mercury a Álbum del Año, muy merecidamente.

Continúan presentado sus nuevos discos Maria Rodés, London Grammar, beabadoobee, Dirty Projectors y Shawn Mendes. En cuanto a música hecha en nuestro país, destacamos lo nuevo de Vermú, Nacho Vegas, Colectivo Da Silva, el valenciano asentado en Berlín Al Pagoda, Jack Bisonte, Diamante Negro, Buenos muchachos, Juárez o Lavanda. En el mainstream hay temas de Aitana con Sebastián Yatra, Roi Méndez con Veintiuno, Marmi (ya podemos considerarle tal tras su hit).

Dan Croll: «La industria musical me empujó a hacer algo que no era yo»

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1 octubre, 2020

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‘Grand Plan’ de Dan Croll es nuestro «Disco de la Semana», un álbum que nos ha conquistado poco a poco, sin que nos demos cuenta, sin un hit enorme, pero sí con grandes canciones cocinadas con mimo y cuidado como ‘Yesterday’, ‘Coldblooded’, ‘Surreal’, ‘Work’… Hablamos con el artista británico emigrado a Estados Unidos, para conocer las influencias clásicas que le han llevado a optar por un sonido atemporal que huye de las modas, cómo decidió escoger a Matthew E. White como productor o su paso por la LIPA, la escuela de Paul McCartney. Foto: Max Knight.

¿Estás en Estados Unidos o has vuelto ya a Reino Unido?
Todavía en Los Ángeles. Vine para un año pero llevo ya como tres, de momento estoy aquí.
Te pregunto porque en el disco has dado con un sonido genuino, que parece el definitivo para ti, y es muy americano, ¿crees que lo mantendrás en el futuro?
Sí, absolutamente. Muchas de mis grandes influencias, las que me llevaron a hacer música, eran en su mayoría americanas, así que cuando quise reducir todo a lo más básico, cuando me propuse empezar de cero, venir a América tenía sentido. Creo que era el sonido más honesto para mí.

¿Ha estado de alguna manera presente en tus dos primeros álbumes?
Siempre ha estado ahí pero el problema es que la gente me empujaba hacia algo que no era yo. La industria musical, la oficina de management, mi propio equipo… querían que hiciera pop, que saliera en la radio, que fuera comercialmente exitoso. Sacrifiqué mi música, por desgracia solo ahora me he dado cuenta.
Parece como si estuvieras viviendo tu propio sueño americano… no sé si suena un poco siglo XX.
(risas) ¡No estoy muy seguro de haber obtenido ninguna recompensa! Me vine sin nada, no conocía a nadie, no sabía dónde iba a vivir ni qué iba a ocurrir. Era un desafío en el que adentrarme.

Hot Chip, Chvrches, The xx… En Reino Unido hay muchos artistas que escriben todo solos, producen todo solos. De entrada me parece extraño tu caso: has huido de Reino Unido a Estados Unidos para encontrar tu propio camino…
No creo que haya huido de Reino Unido por mi sonido. Quizá un poquito. He huido de Reino Unido porque allí no había más retos para mí, ni más aventuras. He vivido allí toda la vida. Para escribir canciones necesito experiencias, no solo escuchar música, sino obligarme a que me pasen cosas. Ya no me salían canciones interesantes porque no me pasaban cosas interesantes, así que busqué algo emocionante que me pusiera al límite, que me hiciera volver a ser espontáneo.

Has estudiado en la LIPA, la escuela de Paul McCartney (NdE: de ahí su tema ‘Yesterday’ sobre su breve encuentro con Paul), y resulta que estuve por allí. Me gustó un poco, primero pensé que era como una especie de ‘X Factor’ alternativo (se ríe), pero me gustó, vi gente y cosas interesantes. ¿Cómo lo viviste tú?
Tengo buenos recuerdos y otros no tan buenos. Lo mejor fue la gente que había en clase, mis compañeros. Las instalaciones eran buenas, pero lo mejor es que la gente tenía mucho talento, había muy buenos músicos que me enseñaron mucho más que nadie. Aprendí mucho sobre inspiración músical, sobre cómo escribir, sobre estilos de escritura… creo que lo necesitaba. He hecho mucho deporte, tengo un fondo muy competitivo, y necesito alguien que me inspire a hacer cosas, como a competir.

«Con mis discos anteriores, me concentré mucho en la producción. Había mucha presión por hacer todo sonar grande»

‘Stay in L.A.’ es una composición que está en tu disco y de alguna manera es algo que podría haber cantado Adele, Sam Smith, Emeli Sandé… Pero tu grabación parece haber evitado acercarse a eso. Es como si hubieras optado por quedarte en algo pequeño. ¿Es así?
Sí, eso es exactamente. Con mis discos anteriores, me concentré mucho en la producción. Había mucha presión por hacer todo sonar grande, meter grandes arreglos, grandes baterías, grandes guitarras, grandes canciones. Todo el mundo quería que sonara como el ‘Titanic’, pero mis canciones se perdían. Por eso cuando me vine a Los Ángeles solo me traje un teclado, una guitarra y un 4 pistas para grabar. No quería producción, quería que la canción destacara, porque demasiadas veces había intentado que todo sonara grande.

¿Hay alguna canción concreta que hayas detenido en ese proceso para mantenerla en pequeño?
No, pero creo que por eso decidí trabajar con Matthew (E. White). Sentía que era parecido a mí, quería hacer el disco sin que fuera sónicamente enorme. Por eso le llamé.

¿Cuál es la primera vez que oíste hablar de él?
Con su primer disco, hay una canción que me encanta en particular. Es la que se llama ‘Eyes Like the Rest’, en la que cada pequeño detalle importa. Suena grande pero es intrincada, y eso es exactamente lo que quería para mi disco.

Pensaba en algo de lo que hizo con Natalie Prass…
En cuanto a lo que ha hecho con otros artistas, el primero de Bedouine. Me gusta mucho cómo escribe Bedouine, el primero es muy bonito. Pero por supuesto el de Natalie Prass es muy bonito también.

He estado leyendo tus entrevistas, en las que hablas de Burt Bacharach, Joni Mitchell… ¿Hay algún disco en concreto que te haya gustado ahora o como adolescente que haya conducido a que tu álbum suene tan clásico?
Sí, uno de mis discos favoritos de siempre es ‘Sweet Baby James’ de James Taylor, es una de mis mayores influencias o inspiraciones.

Te pregunto específicamente por Burt Bacharach, porque es más conocido por sus canciones para otros artistas, pero tú has hecho un disco completo… No sé si tienes una referencia suya concreta o simplemente temas sueltos.
Bacharach era muy grande en colaboraciones, por supuesto, pero en cuanto a discos favoritos, me gusta su banda sonora para ‘Butch Cassidy and the Sundance Kid’. Fue una influencia enorme mientras crecía. El disco cuenta una historia, escuchas la música y puedes imaginarte la película, es como si la hubieras visto. Y eso es justo lo que quería respecto a este disco, puesto que también estoy contando una historia, la de mi primer año en un país extranjero. La gente lo puede percibir y yo cuido en esa historia las letras y la música, para que hablen por sí mismas.

«La presión de estar en playlists es dura. También hay gente que paga por ello»

¿Qué opinas del modo en que la gente escucha música hoy, sin prestar atención al disco completo?
Tengo mis más y mis menos. Es un poco triste que se oigan singles más que discos, pero te puedes adaptar a ello. Por eso hemos sacado las canciones de 2 en 2 y en orden cronológico, para que la gente pudiera seguir el viaje y las fuera escuchando a modo de playlist. Hay maneras de adaptarse y de provocar que la gente escuche discos, pero sí, la presión de estar en playlists es dura. También hay gente que paga por ello (risas).

Pensé que esto de sacar 1000 singles del disco era más cosa de la pandemia.
Para nada. Ese era el plan: la idea era sacar todo en orden narrativo, irlas sacando poco a poco, para que la gente pudiera tener tiempo de sentarse con las canciones. Creo que ayudó a entender mejor el disco.

Es muy importante la narración de principio a final para ti, por lo que veo…
Sí… estoy documentando lo que ha pasado. Es como un experimento. Ha sido como escribir un diario, contar las cosas en el orden en que pasaron. En el futuro puedo volver a estas canciones y ver cómo fueron esos tiempos. Espero que el oyente pase por una experiencia parecida, cuando alguien vaya a otro país, puede escuchar el disco y entender la montaña rusa que puede llegar a ser esa experiencia.

‘Work’ es una de mis favoritas, pero no ha sido single ni nada. Cuéntame algo sobre ella.
Es algo muy sencillo. No conocía a absolutamente nadie en Los Ángeles, pero empecé a quedar con mi novia. Obviamente me sentía muy solo porque no conocía a mucha gente salvo a ella, y la canción refleja un poco de desesperación por este motivo. Obviamente ella tenía que irse al trabajo durante el día, y yo me quedaba en mi cuarto sin hacer nada básicamente, solo. Es una mezcla entre lo que supone estar en una relación pero también sobre la soledad.

Hay algo de humor en ella y también en este tema que se llama nada menos que ‘Actor with a Loaded Gun’. Pero también es algo dramático porque estás hablando sobre cómo nos comportamos en sociedad, del rechazo de la gente que hay en una fiesta, de timidez… ¿Cuánto drama y cuánto humor hay ahí?
No establezco el humor que hay en las letras, vienen de la experiencia. Tiendo a ser una de esas personas que se encuentran siempre en situaciones extrañas, divertidas o no. Creo que es algo muy británico el mirarlo todo con un tipo de humor negro. Pero en verdad «Actor» está narrando una experiencia terrible, todavía tengo que darme a mí mismo ánimo al respecto para a veces no tirar la toalla e irme a casa. Me digo que tengo que ir a otras fiestas, tengo que encontrar una manera de verlo como algo divertido, reírme de esta gente e ir a otro evento.

¿Te ves tocando aún canciones de tus primeros discos?
Sí, claro que las tocaría, me gustan, no sé cómo lo haría porque el sonido ha cambiado. Para mí es importante pasar página, seguir mejorando, seguir desarrollándome y no mirar atrás, pero claro que las tocaría. Pero bueno, ha venido la pandemia y no hay oportunidad. Al haber estado confinado, es importante para mí mirar hacia el futuro.

¿Qué planes tienes ahora mismo?
Uf, ni idea, para ser honesto, no me siento muy inspirado en plena pandemia, pero lo voy a seguir intentando. Hay unas canciones que no cupieron en el disco e igual puedo hacer un EP, quizá con Matthew y los demás músicos. Más canciones saldrán.

¿Has pensado en escribir para alguien más? Creo que no, por lo que dices de la industria…
Pensé en hacerlo más, pero es difícil, es toda una burbuja en la que meterse…

Nicki Minaj da a luz

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1 octubre, 2020

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Nicki Minaj ha dado a luz a su bebé. El tabloide TMZ ha confirmado la información hoy 1 de octubre aunque el nacimiento se produjo en realidad en el día de ayer, 30 de septiembre. Se desconocen sexo y nombre de la criatura, pero estad atentos a nuestras páginas para conocer la posible barbaridad.

La autora de ‘Queen‘ anunció su embarazo el pasado mes de julio, con una serie de fotografías firmadas por David LaChapelle en las que ya se apreciaba a la artista en avanzado estado de gestación. Como es sabido, el padre de la criatura es Kenneth Petty, amigo de la infancia de Nicki, y una persona que ha tenido sus más y sus menos con la justicia, pues ha llegado a estar dos veces en prisión. Ya en septiembre, la rapera anunció que se retiraba de la industria de la música para «empezar una familia», plan que en absoluto ha llevado a cabo, pues después de estas declaraciones lanzó ‘Tusa’ junto a Karol G, a la postre un éxito colosal en las listas -y número 1 en España durante semanas- que, para sorpresa del mundo, se agenciaba su momento más icónico gracias a Nicki y su «toro este llano por nara». La canción, por cierto, está nominada a los Latin Grammys.

Durante su «retiro», Nicki también ha conseguido otras cosas, como alcanzar el número 1 de singles en Estados Unidos por primera vez en su carrera gracias a la remezcla de ‘Say So’ de Doja Cat, hazaña que después ha repetido gracias a su participación en ‘TROLLZ’ del malogrado 6ix9ine. La aparente adicción al trabajo de Nicki la ha llevado hasta a aparecer recientemente en un reciente videoclip de A$AP Ferg (rodado mucho antes de su embarazo), y este mismo año ha colaborado como artista invitada en temas de Meghan Trainor (‘Nice to Meet Ya‘), Ty Dolla $ign (‘Expensive’) o Mr. Eazi (‘Oh My Gawd’). El último single en solitario de Nicki, ‘Yikes’, salió el pasado mes de febrero.

Crítica: Anaju presenta ‘Rota’, su fantasmal balada producida por Refree

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1 octubre, 2020

Anaju, también conocida como «Anawho» por ciertos sectores de nuestros foros, estrena su anunciado nuevo single, ‘Rota’, una balada co-escrita y co-producida por Raúl Fernández «Refree». Bajo estas líneas podéis encontrar el videoclip oficial.

La sensación de estar ante una canción de corte alternativo se confirma en el segundo cero, cuando entran para acompañar a la voz de la artista unas ambientaciones fantasmales, a las que sigue el inquietante goteo de unas notas de piano. La canción evoluciona hacia un dramatismo controlado, sin grandes estridencias: la voz de Anaju es distorsionada en algún punto para hacerla sonar fragmentada, «rota», mientras un pausado beat electrónico conforma el esqueleto rítmico de la canción… haciendo pensar en que el reciente álbum de Refree con la portuguesa Lina, publicado este mismo año, puede haber sido la referencia principal.

Más adelante en ‘Rota’, el piano va adquiriendo más protagonismo a medida que la producción avanza, aunque parece primar ante todo la búsqueda de un «mood» inquietante más que del hit fácil, pues la melodía vocal («me dejas rota, mi mente alborotas») opta por cierta languidez y repetición. Esta vuelve a no ser la mayor baza de la canción, como está sucediendo con muchos de los singles salidos recientemente de la factoría Operación Triunfo, algunos de los cuales también han buscado cierto aire alternativo… o se lo han asegurado a través de interesantes colaboraciones.

En el caso de Anaju, este es su primer single desde el lanzamiento de ‘Me iré’, un tema de extraña producción cercana a los sonidos del último El Guincho; mientras Refree vuelve, con su participación en ‘Rota’, a trabajar con una concursante de Operación Triunfo después de producir el primer single oficial de Amaia, ‘Un nuevo lugar‘. El catalán acaba de anunciar nuevo proyecto con Rodrigo Cuevas tras la publicación de ‘Manual de cortejo‘ y en los últimos años ha sido noticia también por participar de manera crucial en álbumes de Rosalía (‘Los ángeles‘) o Niño de Elche (‘Antología del cante flamenco heterodoxo‘).

En su paso por Operación Triunfo, Anaju se enfrentó a uno de los repertorios más interesantes de su edición, llegando a ofrecer actuaciones de ‘Nunca estoy’ de C. Tangana –aprobada por el susodicho-, ‘Catalina’ de Rosalía & Refree, ‘Nana del mediterráneo’ de María José Llergo o ‘La Sandunguera’ de Nathy Peluso, a la que extraña no quiera parecerse un poquito más… dado que la llamó la «Diosa a la que yo rezo» en uno de los momentos más memorables de su edición.

Dirty Projectors estrenan un precioso vídeo animado para «ver en la oscuridad junto a tu persona amada»

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1 octubre, 2020

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Dirty Projectors firman una de las novedades de la semana con ‘Earth Crisis’, su nuevo EP. Es el cuarto de una serie de cinco mini álbumes que Dave Longstreth y compañía han ido publicando a lo largo de los últimos meses, con una vocalista principal diferente por EP, y a través de los cuales han desvelado canciones tan bonitas como ‘Overlord‘, ‘Inner World’ o la reciente bossa de ‘Holy Mackerel’, además de un sonido renovado, más orgánico, recordando a los tiempos de su obra maestra ‘Swing Lo Magellan‘.

‘Earth Crisis’ recibe el nombre de una popular banda de hardcore, pero no es en absoluto un EP de música de este estilo. En realidad las flautitas de la primera pista, ‘Eyes on the Road’, a lo recuerdan es a las fantasías bucólicas de ‘Utopia‘ de Björk, quien colaboró con Dirty Projectors en su EP de 2011, ‘Mount Wittenberg Orca’. A través de las siguientes composiciones, ‘There I Said It’, ‘Bird’s Eye’ y ‘Now I Know’, el EP transcurre por lugares más orquestales y clasicistas que los discos anteriores, además de ligeramente más experimentales en el tratamiento de voces e instrumentos. En este caso, la vocalista es Kirstin Slipp, quien, dentro de la formación, también toca el teclado.

Lejos de publicar su nuevo EP en las plataformas de streaming sin más, Dirty Projectors han presentado un videoclip animado que reúne todas sus canciones y que vale la pena ver. Se trata de una preciosa animación de Encyclopedia Pictura dirigida por Isaiah Saxon, quien, en palabras de Longstreth, recomienda ver el vídeo «a oscuras y junto a tu persona amada, si eres tan afortunado». En concreto, aconseja el visionado en calidad 1080p. El clip está protagonizado por una aldeana y su perro y tiene un gran protagonismo de la naturaleza, exactamente como el de ‘Wanderlust’ de Björk, al que recuerda mucho pues estaba animado por el mismo estudio, que también ha trabajado con Panda Bear, Dan Deacon o Grizzly Bear.

Billie Eilish estrena el vídeo de ‘No Time to Die’

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1 octubre, 2020

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Billie Eilish ha estrenado el videoclip de ‘No Time to Die‘, la canción oficial de la próxima película de la saga ‘James Bond’, de igual título. El vídeo fue grabado en febrero, pero entonces la pandemia llegó para llevárselo todo por delante. Si dicha película iba a estrenarse el pasado mes de abril, la pandemia forzó su postergación, y con ella el estreno de este vídeo.

Sin grandes alardes de cinematografía como los del vídeo de ‘Die Another Day’ de Madonna, el de ‘No Time to Die’ se conforma con existir, que es más de lo que se puede decir del de ‘Skyfall’ de Adele. Así, el clip apenas intercala imágenes en blanco y negro de Billie cantando la canción frente a un micrófono clásico, junto a los juegos de luce de rigor, con otras de la película.

Hace poco teníamos ocasión de hablar con FINNEAS, hermano y productor de Billie, y por tanto productor también de ‘No Time to Die’. Le preguntábamos si estaba contento con la acogida popular hacia la canción, que ha sido un éxito moderado en listas. «Hacer la música para una película es un asunto complicado porque no la haces para tus fans en concreto, sino para los fans de esa película, y los fans de ‘James Bond’ no tienen por qué serlo de nuestra música», contestaba el músico. Simplemente, nos sentimos muy afortunados de poder haber formado parte de ese universo». Escribir ‘No Time to Die’ ha sido una experiencia muy emocionante y satisfactoria, y yo estoy muy orgulloso de la canción. La propia Billie ha indicado que «sigue estando orgullosa» de haber formado parte de ‘James Bond’.

¿Cuánto se estrena ‘James Bond: No Time to Die’, entonces? El 12 de noviembre se produce su primer pase en Reino Unido y Australia y el 20 será el turno de Estados Unidos. La fecha de estreno en España sigue sin concretarse, pero como informa ABC, debería producirse no más tarde del mes noviembre. Billie, que recientemente publicaba el single ‘my future’, muy interesante por sus sonoridades de hip-hop fusionado con soul en el estilo de Amy Winehouse, sigue preparando su segundo álbum de estudio, muy esperado pues su debut fue un superventas, nada más y nada menos que el disco más exitoso de 2019.

Paquita Salas tendrá cuarta temporada

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1 octubre, 2020

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Los Javis han confirmado que su serie estrella, ‘Paquita Salas’, tendrá cuarta temporada. Lo han hecho en un programa de RNE (Radio Nacional de España), donde Javier Calvo y Javier Ambrossi han presentado el libro ‘Paquita Salas. Superviviente. Mis memorias’, un conjunto de dos novelas gráficas sobre la conocida representante de actores que los autores de la serie consideran “dos capítulos más de Paquita Salas».

La noticia es especialmente interesante pues significa que habrá continuación de la que ha sido la mejor temporada de ‘Paquita Salas’ hasta la fecha, la tercera. Dicha temporada ha sido «especialmente crítica contra el linchamiento de alguien que cíclicamente se produce en la era de las redes sociales», como escribía mi compañero Sebas en su crítica de la serie; ha hecho un uso genial de la cultura pop que Los Javis han absorbido toda su vida, gran parte de ella procedente por supuesto de España, y ha contado con cameos mejor integrados imposible, de celebridades de todo tipo. «La presencia de Dulceida o Josh Hutcherson muestran que ya no hay mainstream ni underground, tampoco fronteras, ni voluntad apolítica ni tampoco guiones para el adoctrinamiento».

Sobre el volumen de novelas gráficas, Los Javis han dicho que están orgullosos de él porque muestra la historia real de Paquita al completo: «“A Paquita le hacía mucha gracia el niño que interpretó a Manolito Gafotas en la película basada en las novelas de Elvira Lindo», han dicho. «Ella intentó fichar al niño pero finalmente no pudo. Manolito Gafotas tiene un aire ‘paquitesco’”. El combo de directores se encuentra actualmente trabajando en la próxima temporada de su serie, ‘Veneno‘.

Renaldo & Clara / L’amor fa calor

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1 octubre, 2020

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Los terceros discos son cruciales para los artistas: pueden marcar una consolidación, pero también la necesidad de cambio, de reinvención. A menudo resultan discos llamados «de transición» porque reflejan cierto desgaste de la fórmula o confusión en cuanto a qué camino escoger. ‘L’amor fa calor’ de Renaldo & Clara, el tercer disco de la «lleidetana» Clara Viñals, será el de consolidación, también supone un cambio de registro al ser el más sintético de su carrera, pero no es en absoluto un trabajo indeciso o irregular. En 24 minutos (número favorito de Clara, sus otros dos discos también duran este tiempo), a la catalana le da tiempo de sobra para desplegar sus muchas virtudes como artista POP en mayúsculas.

Si ‘Fruits del teu bosc‘ y ‘Els afores‘ eran trabajos de pop orgánico, arreglados y producidos con la minuciosidad de una verdadera artesana, y que hacían pensar tanto en Joan Miquel Oliver como en Belle & Sebastian o Julio Bustamante, ‘L’amor fa calor’ presenta un acabado sintético y lustroso, amén de haber vuelto a contar con la producción de Victor Ayuso. El primer single ha sido una sorpresa por sus cambios internos: empieza dando protagonismo a baterías, guitarras eléctricas y una amorfa base electrónica sobre la que Clara susurra cosas, para después explotar en un estribillo synth-pop de lo más adictivo.

‘L’amor fa calor’ básicamente sienta las bases del sonido del disco, pero las variaciones que explora de él Clara son igual de interesantes. Sin ir más lejos, un single anterior, ‘La finestra’, en el que Clara plasma sus habituales contemplaciones sobre aquello que la rodea, en este caso para describir el cielo azul lleno de luz y pájaros que ve desde una ventana, hace pensar en una romántica balada R&B de los 80… pero pasada por el filtro ultra-sintético del «city pop» japonés.

Que Clara no ha tenido miedo en ir lejos con su visión pop -lo cual no debería extrañar a nadie pues ella siempre se ha sentido identificada con este género- se confirma en otras dos de las composiciones desatacadas de ‘L’amor fa calor’. En primer lugar, ‘Per fer-te una idea’ utiliza un estilo muy propio del pop «new wave» de los años 80 para evolucionar hacia algo más synth-pop, marcándose un final eufórico muy bien construido. «Te me estás yendo de las manos», canta Clara en esta canción que evoca los sonidos que triunfaban durante el apogeo de la MTV. Y por el otro, la ‘Història’ es una pieza de artesanía pop marca de la casa: su parsimonioso ritmo programado no puede sonar más limpio e impoluto, los coros «de campamento» del estribillo son un puntazo y se pegan cosa mala, los destellos de teclado son una delicia, y la letra sobre recuerdos que se le acumulan a Clara en el cuerpo o sobre su afición a las piedras es una ternura.

Los 80 parecen haber sido una referencia especial para Clara en ‘L’amor fa calor’ como demuestra su mismo primer single, cuyos sonido medio funky puede recordar a Prince. ‘Milions’, en el que destacan las autoarmonías de Clara, tiene un punto al indie-pop tropical de la época, mientras ‘Una vegada’ devuelve el álbum a los sonidos nostálgicos de la radio pop americana de aquella década. El disco se cierra con una balada llamada ‘No penso en res’ que vuelve al costumbrismo habitual: «yo pienso en ti cuando no pienso en nada, y también en mucha otra gente, depende del día y de lo que esté haciendo, o del interés por algún tema en concreto, esto de la mente es un misterio». La primera mitad de ‘L’amor fa calor’ es superior a la primera, pero aun así, lo que presenta Clara es un disco de pop con mucha más mano experta de lo que pueda parecer, no tan modesto ni pequeño como sugieren las cucas canciones de su autora.

Calificación: 7,9/10
Lo mejor: ‘L’amor fa calor’, ‘Per fer-te una idea’, ‘La finestra’, ‘Història’
Te gustará si te gusta: The Go! Team, Superorganism, Joan Miquel Oliver
Youtube: vídeo de ‘L’amor fa calor’

Woody Allen rinde homenaje a los clásicos del cine de autor en ‘Rifkin’s Festival’

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30 septiembre, 2020

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En una escena de ‘Rifkin’s Festival’, la nueva de Woody Allen que se estrena este viernes, vemos a su nuevo alter ego -interpretado aquí por Wallace Shawn- hablar sin que ni su esposa ni su supuesto fan le escuchen en absoluto. Casi parece una metáfora de la deriva del director al que Amazon cancelaba un contrato el año pasado y que ha tenido dificultades para ver publicada su ‘Autobiografía’, al reavivarse las acusaciones de abusos que recibió en los años 90 de su hija adoptiva Dylan Farrow. ¿Está dispuesto el mundo a ver, a escuchar, lo nuevo de Woody Allen o incluso sus seguidores han decidido «cancelarle» como Stella Donelly?

Su alter ego es, como es habitual, un ex profesor que trata de acabar una novela que nunca termina de llegar. En un viaje al Festival de Cine de San Sebastián al que acude con su esposa (Gina Gershon), que presenta una película junto al joven y guapo director de moda (Louis Garrel), se desencadena el típico conflicto de celos y traiciones que conocemos y hasta cierto punto esperamos de Woody Allen. Cae la baba cada vez que aparece en pantalla Elena Anaya en esta comedia que tiene sus más y sus menos.

No está realmente muy conseguida la carcajada en las escenas de celos: el enredo no es tal, no llega a haber tensión alguna, ni mucho menos cuando aparece Sergi López, y el jaleo en Spanglish recuerda demasiado al ya oído en ‘Vicky Cristina Barcelona‘. La buena noticia es que el pasado verano Woody Allen no se trasladó a Donosti únicamente para buscar bonitas postales de la playa de la Concha, como antes había hecho con Roma, entre otros lugares. El director ha aprovechado el contexto del festival de la ciudad -que la cinta inauguraba hace unos días- para hacer una crítica del esnobismo y la pedantería, cameos incluidos. Aquí hay una reflexión sobre la deriva de los festivales de cine, una crítica a los a veces vacuos directores de moda, y otra a la obsesión con forzar los guiones a lo político cuando puede que no haya nada de trasfondo que decir.

Allen pone los puntos sobre las íes no solo mediante el guión sino mediante un tratado estético que permite diferenciar ‘Rifkin’s Festival’ de otras películas en esta vorágine que tiene, o tenía, de sacar una cada año. Como ‘Midnight in Paris‘, esta logra ofrecer algo más: homenajes en blanco y negro al cine de Ingmar Bergman (‘Persona’, ‘El séptimo sello’), François Truffaut (‘Jules et Jim’) y Orson Welles (‘Ciudadano Kane’), entre otros. Ahí sí aparece toda la vis cómica que en este caso falta en la «realidad» de estos personajes que a veces -sí, muy bien traído- presentan el carisma de un dibujo animado hecho por Jordi Labanda.

‘Rifkin’s Festival’ es por tanto un homenaje al cine de Woody Allen, muy especialmente al cine de autor europeo por su riesgo, al que hay que agradecer que ocupe además el lugar justo dentro del metraje. Las oníricas escenas inspiradas en clásicos del cine pueden ser lo mejor de la cinta, pero ocupan un adecuado puesto secundario: nunca entorpecen el cometido de lo que es ante todo una de sus típicas películas ligeras. 6,5.

Alicia Keys habla de la importancia de su ingeniera de sonido, Ann Mincieli

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30 septiembre, 2020

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Alicia Keys ha rodado un corto documental junto a su ingeniera de sonido, Ann Mincieli, en el que repasa su carrera, habla de la importancia de un/a buen/a ingeniero/a de sonido, revela cuándo cree que su carrera sufrió un punto de inflexión al respecto y comparte alguna curiosidad sobre la grabación de su último álbum, el notable ‘Alicia’, que ha cosechado las mejores críticas de su carrera desde su primer álbum. El documental forma parte del programa CREDIT DUE con el que Tidal pretende dar importancia a los créditos en las plataformas de streaming, pues la plataforma es pionera en compartir la versión más exhaustiva posible de los mismos; y sirve sobre todo para comprobar qué es un ingeniero de sonido, desde el modo en que se colocan varios micrófonos al grabar un piano al modo en que se decide si una toma vocal se graba mientras se toca un instrumento en directo o no.

Para Alicia Keys, su ingeniera representa la diferencia entre «sonar como la mierda y sonar mejor de lo que jamás habrías imaginado», y es la persona que «te ayuda a que lo que has creado esté en la mayor calidad posible». Ann Mincieli es a todas luces la mano derecha de Alicia y ambas coinciden en que su debut no es la mejor consecución de su trabajo. Indica Keys: «En ‘The Diary of Alicia Keys’ (2003) es cuando averiguamos cómo crear el espacio necesario para envolver la música». Mincieli corrige: «Pero fue en ‘As I Am’ (2007) cuando conseguimos romper las reglas, que las guitarras sonaran como desde fuera de este mundo», entre distorsiones y pedales.

Mincieli, de manera significativa portando una camiseta de Fleetwood Mac, relata el primer encuentro que tuvo con la autora de ‘Falling’ en un ascensor en 1998, cuando ella iba cargada de cintas -cuando había cintas- aunque Alicia no lo recuerde, y cuenta también lo importante que es tener «una visión del disco» antes de ponerse a grabar el álbum para enfocarlo. Entre citas a Dave Smith, la creación de su propio plugin de piano, y el recordatorio de Alicia de cómo una canción se puede finiquitar en «15 minutos o 6 meses», el corto hace especial hincapié en la creación de uno de sus últimos singles, la balada ‘Good Job’ que cierra su nuevo disco. El tema llegó a tener una versión con efectos y ritmos electrónicos, pero Alicia decidió quitarlos para volver a su visión primigenia. Podéis escuchar la diferencia entre ambas en el documental. Prueba 2 meses de TIDAL HiFi aquí.

Robyn y Jónsi presentan pepinazo electro, su «oda al dolor escandinavo»

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30 septiembre, 2020

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Jónsi, cantante de Sigur Rós, publica este viernes su nuevo disco en solitario, ‘Shiver’, tan solo el segundo y eso que ‘Go’ salió hace ya 10 años. El álbum está producido por A.G. Cook y cuenta con colaboraciones tan interesantes como la de Elizabeth Fraser en ‘Cannibal‘ o Robyn en ‘Salt Licorice’, la segunda de las cuales puede escucharse desde hoy.

La canción es una «oda al dolor escandinavo» -ella es sueca, él islandés- y de hecho «dolor escandinavo» es la frase estrella de esta canción que es todo un pepinazo electro aunque al principio no lo parezca. El ritmo agresivo de esta producción de PC Music hace pensar en uno de los singles más industriales de Azealia Banks, ‘Yung Rapxnsel’, pero en este la oscuridad es reemplazada por la luz y por un estilo híper-futurista que evoca a los momentos más robóticos de la autora de ‘Body Talk’… y de Charli XCX, que para eso ha trabajado con A.G.Cook más que nadie. De hecho, ciertas distorsiones vocales de ‘Salt Licorice’ recuerdan a los sonidos explorados por la británica en ‘Charli‘ y ‘how i’m feeling now‘.

El vídeo de ‘Salt Licorice’, en el que no encontrarás a Robyn, pero sí a un bailarín moviendo el cuello como loco, es totalmente casero y muestra a Jónsi en situaciones un tanto grotescas -al menos por cómo están presentadas- como rapándose la cabeza, vomitando una sustancia fucsia y también muestra su cara y cabeza cubiertas de una masa grimosa.

‘Salt Licorice’ es probablemente la producción más contundente y agresiva que han firmado tanto Jónsi como Robyn en años. El caso del primero es más comprensible pues él es autor junto a Sigur Rós de obras de post-rock tan hermosas como ‘Ágaetis byrjun’ o ‘Takk…’, pero realmente hacía mucho que la primera no cantaba en una canción tan potente: su último disco ‘Honey’ era mucho más relajado, su reciente single ‘Impact’ con SG Lewis y Channel Tres no era precisamente un rompepistas sísmico, y de sus últimos EPs con La Bagatalle Magique y Röyksopp han pasado ya entre 5 y 6 años.

The Flaming Lips / American Head

Por

Mireia Pería

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30 septiembre, 2020

The Flaming Lips es una banda encasillada en “vanguardia y chaladuras”. Sus últimas obras parecen apoyar esta clasificación; desde cuentos narrados por Mick Jones a los delirios de ‘Oczy Mlody’, colaboraciones locas con Miley Cyrus… Para dinamitar todos nuestras ideas preconcebidas, The Flaming Lips han grabado su disco más convencional en más de una década. Todo lo convencional que Wayne Coyne y compañía pueden llegar a ser, claro.

‘American Head’ tiene también excusa argumental, como ‘King’s Mouth’, solo que esta vez la historia la narran las propias canciones. ‘American Head’ es una especie de ópera rock o film musical generacional, como si de una mezcla entre ‘Tommy’ y ‘American Graffitti’ se tratara. Su acción está situada en alguna ciudad perdida de EE.UU. durante finales de los 60 o principios de los 70. El protagonista es un chaval que se siente perdido, que se enamora, se droga, trapichea y acaba enfrentándose a la policía. Las letras están plenas de referencias a la guerra de Vietnam, al LSD, al hastío de vivir en medio de la nada.

¿Y la música? Pues estupenda. Para dar más fuerza a la historia, los Flaming Lips han creado unas canciones con apertura, nudo y desenlace y con una sonoridad muy clásica que remite, directamente, a la época en la que está enmarcada el disco: psicodelia, Pink Floyd, los Beatles (juntos y por separado), Cat Stevens, The Who, los Beach Boys post-‘Pet Sounds’… todo remeda a 1970. Y, también, todo es muy Flaming Lips. Como ya es habitual en ellos, recogen toda esa herencia musical y se la apropian. Para acabar de rematar, no están solos. Kacey Mugraves canta en varios temas. Así, les salen pequeñas maravillas como la inicial ‘Will You Return / When You Come Down’, delicada y con un precioso final de crescendo instrumental a la ‘Let it Be’. ‘Flowers of Neptune’ nos trae toda la belleza del verano del amor, pura psicodelia. Su estribillo hechiza, como hechizan la voz de Musgraves y los coros remedando a los Beach Boys. ‘Dinosaurs on the Mountain’ remeda a los Flaming Lips de ‘The Soft Bulletin’ o ‘Yoshimi Battles the Pink Robots’; es un tema tierno con fuste y encanto. También hay baladones casi sinfónicos, al borde del exceso, como ‘Mother I’ve Taken LSD’ o ‘Mother Please Don’t Be Sad’. Y deliciosas idas de olla románticas y disfuncionales como ‘You n Me Sellin’ Weed’. Wayne Coyne nos ha explicado en una entrevista (que publicaremos próximamente) que le preocupaba que se vieran los temas como muestras de burla o ironía, cuando no lo son. Así que no hay que ver ninguna clase de boutade en estos títulos.

El tramo final se aparta un poco de la línea argumental del resto del álbum. Y ofrece dos de las mayores joyas del disco. En ‘God and the Policeman’ la voz de Musgraves se erige en protagonista de una pequeña epopeya que conjuga sonoridades más actuales con los Beach Boys. Y el cierre es ‘My Religion Is You’, para borrar toda la tristeza y amargura que haya podido generar el disco. Wayne se pone su disfraz de John Lennon y hace que suban muy arriba los corazones con una declaración de amor y de intenciones: “I don’t need no religion. You’re all I need”.

No era del todo la intención de la banda crear un disco tan fuertemente argumental. Ellos lo ven como una colección de diapositivas enmarcadas en un clima nostálgico. Sin embargo, les ha quedado una película muy evocadora. Y una banda sonora sólida, fantástica, que supone algo así como el retorno al planeta Tierra de Flaming Lips. Bienvenidos, bien hallados.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Will You Return / When You Come Down’, ‘Flowers of Neptune’ ‘Dinosaurs on the Mountain’, Mother I’ve Taken LSD’, ‘You n Me Sellin’ Weed’, ‘My Religion Is You’.
Te gustará si te gusta: Pink Floyd, Beatles, Beach Boys
Youtube: vídeo de ‘God and the Policeman’ con Kacey Musgraves

La historia tras ‘I Am Woman’, el himno feminista de Helen Reddy

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