Es más que posible que hayas visto su trabajo en portadas de discos de grupos underground como Calavera o Caniche Macho. O en carteles de conciertos de Boogarins, Mishima, Nueva Vulcano, My Expansive Awareness o Baywaves. O en publicaciones como Harper ́s Bazaar, El País, Traveller Conde Nast y LeCool. Y que, sin embargo, no te suene su nombre, Mercedes Bellido. [Fotografía: Mercedes Bellido.]
Esta joven de Zaragoza, licenciada en Bellas Artes, es una de las pintoras e ilustradoras españolas más personales y reconocibles de la actualidad, y acaba de publicar su primer libro. Lunwerg Editores lanzaba hace pocas semanas ‘El libro oculto de los animales’ (disponible aquí), un bestiario en el que, a través de su preciosa obra gráfica, ahonda en la carga simbólica de las 30 especies que retrata en sus cinco capítulos. Así que, dada su cercana relación con el mundo de la música, ha aceptado someterse a nuestro Tipo Test, para desvelarnos los fetiches musicales de su vida, presentes y pasados, que hemos reunido en una playlist.
¿Tienes canción favorita de todos los tiempos? En caso negativo, ¿una canción que te haya obsesionado últimamente?
Tengo muchas canciones favoritas, es como tener que elegir un plato de comida no puedo. Pero últimamente he escuchado mucho ‘Honey’ de 070 Shake, ‘Aquellos Ojos’ de Mujeres, y ‘Younger Us’ de Japandroids. Bueno… y ‘Malito’ de Sticky M.A me pone de buen humor.
¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
‘Fast Car’ de Tracey Chapman, a mi madre le encantaba y por la noche en la hora de la cena ponía en la radio un programa que se llamaba La Gramola y esta la ponían bastante, tengo ese recuerdo de ella haciendo la cena mientras sonaban temazos de los 80. En mi casa siempre ha sonado música todo el rato, así que tengo muchos recuerdos musicales.
¿Qué canción desearías haber escrito?
‘En Algún Lugar’ de Duncan Dhu, es deprimente pero me voló la cabeza de niña.
¿Qué canción odias con toda tu alma?
‘Rainy Day Women’ de Bob Dylan. No sé por qué, pero siempre paso esa canción en cuanto suena el primer segundo. No la odio pero no me gusta nada.
¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál fue el último y en qué formato?
Sí, aunque el último me lo regalaron porque hice la portada, ‘Venganza’ de Caniche Macho. El último que compré fue un vinilo de oferta de éxitos de Johnny Cash y un CD de Willie Nelson. Estaba muy country estas navidades. (risas)
¿Cuál es tu plataforma favorita para escuchar música ahora mismo? Por ejemplo, al margen de los Spotify/Apple Music, ¿escuchas discos enteros en Youtube?
Spotify y Youtube, pero para sesiones de electrónica suelo ponerme el Soundcloud.
¿Qué opinas del supuesto revival del vinilo o peor aún, del cassette? ¿Es puro postureo o te interesa especialmente?
A mí la verdad es que me mola. No voy a decir que porque se escuche mejor, porque no lo creo, pero sí que me gusta tener los discos que me han gustado o los que tienen portadas guays, no te voy a engañar. En casa tenemos bastantes vinilos y CD´s, casetes no tantos.
Actuación vocal que adores.
‘Devil Got My Woman’ de Skip James.
¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
No me avergüenzo de la música que escucho, sea la que sea.
¿Mejor secuencia de canciones en un disco que hayas oído?
No se si la mejor pero el nuevo disco de Apparat, ‘LP5‘, está muy bien construido. Pero es uno de tantísimos que me encantan de principio a fin, como ‘Pink Moon’ de Nick Drake, ‘22, A Million‘ de Bon Iver, ‘Forever Changes’ de Love… y un largo etcétera.
¿Algún disco que te encante pero cuya secuencia te parezca un desastre y lo escuches siempre en modo «shuffle»?
Pues, la verdad, ahora no me viene ninguno a la mente.
¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Creo que es algo más complejo como para tener unos parámetros concretos, además de que interfiere no sólo la personalidad y los gustos sino el momento, lugar y circunstancias en el que la escuchas.
Un remix que te haya vuelto loca.
El remix de Bonobo para ‘Full Circle’ de George Fitzgerald. Me gusta todo lo que haga George Fitzgerald.
Un disco que haya marcado tu vida.
Supongo que ‘Origin of Symmetry’ o ‘Absolution’ de Muse, marcó toda mi adolescencia. Hay muchos más pero, si tengo que elegir, Muse.
Lil Nas X ha salido del armario. En el último día de junio, mes del Orgullo, ha escrito en Twitter: «Algunos de vosotros ya lo sabéis, a otros os dará igual, a otros os dejaré de molar, pero antes de que acabe este mes quiero que escuchéis ‘c7osure’ atentamente». A continuación, el rapero ha apuntado a la portada de su EP de debut, ‘7’, en el que un arcoiris aparece proyectado en un rascacielos, escribiendo: «de verdad pensaba que lo había hecho obvio». La canción a la que alude el rapero habla sobre el deseo de ser quien uno realmente es: «quiero y necesito liberarme, usar mi tiempo para ser libre», dice la primera frase, antes de otra clamar: «no parece que sea el momento adecuado, pero miro atrás a este momento, y veo que estaré bien».
Aunque Lil Nas X no ha declarado explícitamente ser gay ni en sus tuits ni en la canción citada, no se necesitan más palabras por su parte para entender que lo es o que al menos es una persona queer. Y aunque muchas personas se pregunten hoy por qué la salida del armario de una persona pública es noticia hoy en día, no debería ser un misterio para nadie por qué lo es en este caso: Montero Lamar Hill (nombre real de Lil Nas X), un joven rapero negro de Atlanta, lleva 13 semanas consecutivas en el número 1 de Estados Unidos con ‘Old Town Road’, una canción que además fusiona dos géneros musicales históricamente tan conservadores y dados a la homofobia como el hip-hop y el country. No hace tanto que Migos reaccionaban a la salida del armario de ILoveMakkonen con rechazo en una polémica entrevista, siendo los primeros muchísimo más populares que el segundo incluso entonces, con apenas un hit a sus espaldas.
Que el autor de un hit tan monstruoso como ‘Old Town Road’, que incluso ha llegado a España (es top 67) y que no es un hit local, sino el mayor en el mundo en estos momentos, salga del armario supone un espaldarazo enorme para la visibilidad queer en Estados Unidos y por tanto en el mundo. Además, Lil Nas X ha sido valiente realizando estas declaraciones ahora, en medio de la tormenta de ‘Old Town Road’, y no después cuando el éxito de la canción haya pasado y la relevancia del rapero menguado. Aún está por ver si el éxito de ‘Old Town Road’ ha dado lugar a un nuevo «one hit wonder» o a la nueva gran estrella del rap americano, pero al margen de cual termine siendo el destino profesional de Lil Nas X, al menos el rapero siempre podrá decir que actuó en el momento adecuado, dando ejemplo de lo que ha de ser el Orgullo, y aún a sabiendas de que sus palabras, lamentablemente y aún a día de hoy, puedan afectar negativamente a su carrera aunque sea un poco. Ojalá la repercusión de esta noticia en la carrera de Lil Nas X sea solo positiva.
some of y’all already know, some of y’all don’t care, some of y’all not gone fwm no more. but before this month ends i want y’all to listen closely to c7osure. 🌈🤩✨ pic.twitter.com/O9krBLllqQ
Madonna ha actuado en la noche de este domingo en el Orgullo de Nueva York, en un evento para el que se agotaban las localidades el pasado mes de marzo, mucho antes de que se anunciara que sería ella la gran estrella invitada. La cantante realizó un set corto, de tan solo 4 canciones, en contraste con el que hizo Kylie Minogue de 12 temas, llegándose a disculpar porque no había tenido tiempo de preparar nada más.
En un momento se llegó a rumorear que ‘Music’ o ‘Faz gostoso‘ formarían parte del set, pues habían sido ensayadas, pero por alguna razón, al final se descartó. Los temas interpretados fueron ‘Vogue’, con una sucesión de bailarinas disfrazadas de Madonna interpretando a los personajes del nuevo disco de la cantante, ‘Madame X’; ‘American Life’, desde el principio vinculada a este nuevo álbum por su carácter político y por la co-producción de Mirwais; y dos nuevos temas, ‘God Control’, con todo un cuerpo coreográfico; y finalmente ‘I Rise’, que sigue contando con la voz de Emma Gonzalez, pese al desencuentro entre esta y Madonna.
La elección de estas dos nuevas composiciones tenía toda la razón de ser respecto al Orgullo, pues el vídeo de ‘God Control’ critica la falta de regulación de armas con unas imágenes que recuerdan a la matanza de la discoteca gay Pulse; y ‘I Rise’ se ha vinculado desde el principio con la comunidad LGTB+ y la elección de Madonna como embajadora del 50º aniversario de Stonewall. La artista tuvo unas palabras de agradecimiento para la comunidad LGTB+, indicando que llevaba toda su vida preparándose para esa noche, y ofreció un set colorido y festivo en contraste con el oscuro que escogió para Eurovisión. En MadonnaTribe podéis ver una galería de imágenes.
Hace poco más de un año, celebrando la llegada del estupendo catálogo casi al completo (sólo casi: artistas como Joanna Newsom aún rehusan a ceder su obra al streaming) del sello Drag City, recordábamos la figura de David Berman. Un artista confundido en su día como un émulo de Pavement que mostró con discos como ‘The Natural Bridge’ (1996) o ‘American Water’ (1998) que en realidad era un cantautor rock con tintes tradicionales y una personal perspectiva en sus letras, más cercano a compañeros de sello y generación como Will Oldham o Bill Callahan pero con un mayor sentido del humor y la ironía. Pero, tras varios discos, en 2008 publicó el notable ‘Lookout Mountain, Lookout Sea’, tras el que anunció su retiro total (de nuevo, casi: fue uno de los vocalistas invitados en el álbum de regreso de Avalanches) de la música… hasta ahora.
Hace algunas semanas, Drag City anunciaba que Berman había decidido sacar del congelador su faceta artística y que regresaba con un nuevo proyecto llamado Purple Mountains. Pero, pese al nuevo nombre, poco parece haber cambiado para Berman en lo musical, a tenor de los tres adelantos que ha mostrado de su debut, ‘Purple Mountains’, que, producido por los miembros del grupo Woods Jeremy Earl y Jarvis Taverniere, verá la luz el próximo 12 de julio. Si acaso, una voluntad manifiesta por acaparar una mayor atención, en forma de melodías certeras y arreglos casi convencionales, luminosos.
Apenas el pasado viernes mostraba la vibrante aunque tristona ‘Margaritas at the Mall‘, un par de semanas antes compartía una ‘Darkness and Cold‘ en la que hace leña de su propio patetismo (su vídeo es para no perdérselo), y algo más de un mes atrás, revelaba el primer single del álbum, que por méritos propios hoy destacamos como la Canción del Día. Se trata de ‘All My Happiness Is Gone’, una canción cuyo arranque, de coloridos sintetizadores y melodías memorables, parece en las antípodas del mensaje que sí aclara su título y extiende su letra. «Los amigos son más cálidos que el oro cuando te haces mayor / Y mantenerlos es más difícil de lo que supones / Últimamente tiendo a hacer extraños allá donde voy / Algunos de ellos fueron una vez gente que me alegraba conocer», comienza Berman en una reflexión sobre cómo la vida nos va dejando cada vez más solos, derivando luego en escenas de ansiedad y depresión. Si hay alguien capaz de hacer una canción tan (aparentemente) divertida que nos deje un rictus de pavor, ese es David Berman.
Tracklist de ‘Purple Mountains’:
1. That’s Just The Way I Feel
2. All My Happiness is Gone
3. Darkness and Cold
4. Snow is Falling in Manhattan
5. Margaritas at the Mall
6. She’s Making Friends, I’m Turning Stranger
7. I Loved Being My Mother’s Son
8. Nights That Won’t Happen
9. Storyline Fever
10. Maybe I’m the Only One for Me
La activista Emma Gonzalez, que sobrevivió a una masacre en Estados Unidos y después se hizo popular por hacer un discurso de más de 10 minutos contra el uso de armas en este país, ha sido muy crítica con el vídeo estrenado recientemente por Madonna, precisamente contra el uso de armas, el correspondiente a ‘God Control’. El vídeo dirigido por Jonas Åkerlund recuerda la matanza que se produjo en una discoteca gay de Estados Unidos el 12 de junio de 2016. Madonna ha querido reflexionar en él sobre cómo ni en un club al que acudimos para «liberarnos» podemos «sentirnos seguros».
La crítica de Emma Gonzalez hacia el vídeo de ‘God Control’ es muy significativa, pues Madonna ha incluido su famoso discurso en otra de las canciones de su nuevo disco ‘Madame X’, ‘I Rise’. En concreto son de Emma las palabras y la voz con las que arranca esa composición: «Us kids don’t know what we’re talking about / That we’re too young to understand how the government works / We call B.S.». «Nosotros, los jóvenes, no sabemos de lo que hablamos. Somos demasiado jóvenes para comprender cómo funciona el gobierno. ¡Y una mierda!». De hecho, Time.com ha creado un vídeo oficial para la canción en el que aparece Emma Gonzalez, como podéis comprobar bajo estas líneas.
Emma ha dicho en Twitter que el vídeo de ‘God Control’ es «un desastre» («fucked up») y que es «horrible». «Madonna debería haber mandado un mensaje advirtiendo lo que su nuevo vídeo contenía, ESPECIALMENTE a las víctimas de la discoteca Pulse, ESPECIALMENTE al ser publicado justo después del aniversario del 12 de junio. Esta NO es la forma correcta de hablar de la violencia de armas, en contra de lo que muchos fans han dicho. La gente que trabaja en la comunidad por el control de armas sabe cómo hablar de la violencia de armas, no la mayoría de las celebridades». En su cuenta se ha producido un debate sobre si el vídeo de Madonna dota de glamour a la violencia o si es claramente reivindicativo. Gonzalez ha borrado también algún tuit, pues Madonna sí ha linkado el lanzamiento de este vídeo desde el principio con varias asociaciones por la prevención de armas en contra de lo que sugería e incluso ha recibido el apoyo de algunas de ellas.
So I’ve been ruminating on this thread for the past few days, make sure I get the words right.
Madonna’s new video for her song #GodControl was fucked up, it was horrible.
She should have sent out a message warning what her new video contained, ESPECIALLY to the Pulse Victims, ESPECIALLY as it was released Just After the Anniversary on June 12th.
This is NOT the correct way to talk about gun violence, unlike how many fans have been exclaiming — people who have been working in the GVP community know how to talk about gun violence, not most celebrities. #GodControl
If you want to support the gun violence prevention movement, donate to the places who need it, in this case the One Pulse Foundation and listen to the actual stories from actual survivors of gun violence. #GodControl
Los próximos días 4, 5 y 6 de julio se celebra en Madrid, en concreto en el recinto del IFEMA – Feria de Madrid, una nueva edición del festival Río Babel, que busca «refrescar las noches» de la ciudad con un interesante y variado cartel centrado en el pop hispanoamericano aunque no exclusivamente. Bad Bunny es uno de sus cabezas de cartel, pero también Fatboy Slim y entre sus nombres destacados encontramos también a Bomba Estéreo, Fuel Fandango o a los holandeses Chef’Special. Estos son 10 de los nombres imperdibles de Río Babel:
Bad Bunny
El actual número 1 de singles en nuestro país con ‘Callaíta’ visitará el festival madrileño unas semanas antes del Sónar para presentar su arsenal de macrohits en solitario y en colaboración con otros artistas. ¿Por dónde empezamos a contar tanto hit? Capaz de triunfar masivamente tanto con el trap de ‘Soy peor’ como con el reggaetón de ‘MIA’ con Drake como con un baladón como ‘Amorfoda’, sin olvidar que el cantante está presente en dos de los mayores éxitos de 2018, ‘Te boté’ y ‘I Like It’, y eso que aún no hemos mencionado ‘Dura’ con Daddy Yankee, Bad Bunny es sencillamente uno de los artistas mas populares del mundo en estos momentos. Su concierto en Río Babel es de visita obligada.
Chef’Special
Con decenas de millones de reproducciones en las plataformas de streaming, Chef’Special es con bastante seguridad uno de los grupos holandeses más populares del momento. La razón es un sonido muy atractivo, que en ‘Into the Future’ parece beber de Gorillaz tanto como en otros temas del reggae o el folclore europeo, pero que parece brillar especialmente en sus temas más acústicos, como ‘Birds’ -que conjuga un ritmo Motown hecho con palmas con guitarras acústicas y el humeante sonido de una trompeta- o la preciosa ‘Nicotine’. En definitiva, un grupo que aborda sonidos globales con respeto y originalidad, y cuyos conciertos, cuenta Río Babel, suelen ser una experiencia para los fans.
Trending Tropics
El año pasado despuntaba el nuevo proyecto de Visitante de Calle 13 con Vicente García gracias a un álbum debut sobre el que teníamos oportunidad de hablar en distensión con ellos. Un proyecto de nombre tan actual y apegado a la tecnología como Trending Tropics que, mediante ritmos de reggaetón u otros estilos latinos, hip-hop o synth-pop y colaboraciones con Ana Tijoux, Li Saumet de Bomba Estéreo o Vetusta Morla, y con canciones que pasaban de lo divertido a lo sobrecogedor, el grupo desplegaba sus preocupaciones sobre el devenir de la humanidad y ese «futuro que ya pasó».
Fatboy Slim
Aunque Río Babel destaca por su cartel con gran peso de la música latinoamericana, no se centra en esta exclusivamente y por ejemplo este año uno de sus cabezas de cartel es Fatboy Slim. Uno de los mayores exponentes del big beat británico durante los 90 junto a The Prodigy, que este año lamentablemente ha perdido a su vocalista Keith Flint, Fatboy Slim arrasaba en 1998 con el álbum ‘You’ve Come a Long Way Baby’ y su single principal ‘Right Here, Right Now’, que este año ha decidido recuperar a su manera, en el single ‘Return to the Valley of Right Now’, en clave más chill out. El artista también acaba de publicar un «best of».
Jorge Drexler
Exponente del pop de cantautor más sensible y mimado, el cantautor uruguayo ganador de un Oscar presenta en Río Babel su gira ‘SILENTE’, en el que está presentando a guitarra y voz, completamente en solitario, un repertorio diseñado especialmente para la ocasión. En 2017, Drexler lanzaba su hasta ahora último álbum, un ‘Salvavidas de hielo‘ muy interesante pues estaba hecho casi exclusivamente a base de guitarras. El álbum incluía colaboraciones con Julieta Venegas, Natalia Lafourcade o Mon Laferte, esta última precisamente otra de las artistas incluida en este artículo.
Mon Laferte
La cantante chilena es una superestrella de la música latinoamericana. Después del éxito de sus álbumes »Mon Laferte Vol. 1′ y ‘La trenza’, que produjeron dos enormes hits como fueron ‘Tu falta de querer’ y ‘Amárrame’ con Juanes, respectivamente, una de las voces más pasionales y con más poderío del pop latino publicaba el disco ‘Norma‘, en el que de manera más excitante que nunca presentaba su fusión de sonidos del folclore latino y andino con ritmos de rock retro o del doo wop americano. ‘El beso’ fue el gran hit de aquel álbum que también incluía el conocido tema ‘Caderas blancas’ y una colaboración con El David Aguilar.
Bomba Estéreo
Sigue de gira el dúo colombiano formado por Li Saumet y Simón Mejía, enormemente popular sobre todo desde que en 2015 lo petara con sus singles ‘Somos dos’, ‘Soy yo’ o ‘Fiesta’, aunque al final ha sido un remix de ‘To My Love’ por Tainy el que ha terminado convirtiéndose en su mayor éxito con diferencia, superando los 300 millones de streamings. Todo un milagro pues la canción remezclada era antigua y ni siquiera había sido single en su momento. En 2017 el grupo publicaba un nuevo álbum que sumaba otros éxitos a su repertorio como ‘Duele’ o ‘Internacionales’ y nunca me cansaré de repetir que el directo de Bomba Estéreo es absolutamente imperdible.
Fuel Fandango
El dúo formado por Cristina Manjón (Nita) y Ale Acosta llega a Río Babel a través de la gira con la que este año están celebrando sus 10 años en la música. Una década en la que su fusión de flamenco, rock, soul y electrónica no ha hecho sino conquistar cada vez a más público, como demostraba hace unos años el éxito de su último disco publicado hasta el momento, ‘Aurora‘. Con motivo de este aniversario, JENESAISPOP tenía oportunidad de hablar hace unos meses con Fuel Fandango, que nos dejaban un titular más idóneo imposible para Río Babel: “Vamos a dejarnos ya de etiquetas y vamos a disfrutar la música de manera libre y abierta”.
El Cuarteto de Nos
El veterano grupo de rock uruguayo publica este año nada menos que su 17º trabajo, un ‘Jueves’ del que ya se conoce el primer single. ‘Punta Cana’ es, en sus palabras, un «ska macabro» y sin duda es un tema bailable, verbenero y bastante diferente al sonido habitual del grupo, caracterizado en realidad por una fusión de pop-rock y hip-hop que ha explorado -aunque sin nunca ignorar otros estilos- en toda su discografía, como demuestra su mayor éxito ‘Lo malo de ser bueno’.
Él Mató A Un Policía Motorizado
El grupo de rock argentino continúa de gira presentando su estupendo álbum de 2017 ‘La síntesis O’Konor‘, en tanto su líder Santiago Barrionuevo ultima su trabajo en el álbum debut de Amaia, que se espera para septiembre. Hace poco teníamos ocasión de hablar con él sobre aquel disco tan importante en su carrera, sus próximos pasos artísticos -se avecina «split» con Los Planetas- y sobre la ganadora de Operación Triunfo 2017. Pero en Río Babel serán los «motorizados» los protagonistas en un concierto en el que seguramente no faltarán sus temas más queridos, como ‘El tesoro’.
Thom Yorke lleva bastante tiempo presentando en directo los temas de ‘ANIMA’, su tercer álbum de estudio en solitario. Muchos de ellos Yorke los tocó el año pasado en el Sónar, por ejemplo, en un concierto que yo mismo reseñé para este medio y que, en mis propias palabras, se “hizo bola” hasta el punto que la pista quedó bastante despejada al final del show. Siempre es mala señal que el interés del público decaiga durante un concierto cuando debería pasar lo contrario o al menos mantenerse, pero estaba claro entonces que las nuevas canciones de Yorke no eran demasiado interesantes; y en el año que ha pasado desde aquel concierto, con ‘ANIMA’ ya entre nosotros, no parece que estas composiciones hayan sufrido una evolución significativa.
La campaña promocional de ‘ANIMA’ ha sido de las buenas. En el metro de Londres aparecieron hace unos días una serie de carteles anunciando los servicios de ‘ANIMA Technologies’, una empresa dedicada a la recuperación de los sueños olvidados. El anuncio facilitaba a su vez un número de teléfono, pero al llamar contestaba una persona que informaba que las “autoridades han ordenado a ANIMA Technologies el cese de su actividad empresarial”. No solo esto, sino que con el disco ha llegado a Netflix un bonito corto de 15 minutos llamado también ‘ANIMA’ en el que suenan tres de sus 9 canciones, y que dirigido por Paul Thomas Anderson, traslada a imágenes algunas de las preocupaciones que plagan a Yorke en este nuevo largo.
‘ANIMA’, que recibe su título de una teoría de Carl Jung sobre «imágenes arquetípicas de lo eterno femenino en el inconsciente de un hombre», es un disco carcomido por la ansiedad, de la que Yorke sufrió “increíbles brotes” durante un par de años. CRACK Magazine, que entrevistó en exclusiva a Yorke hace unos meses, cuando el disco aún no había sido anunciado, hablaba de “visiones distópicas” y de “historias llenas de ansiedad sobre claustrofobia contemporánea”, y en este caso las letras narran pesadillas en las que las ratas son humanos y al revés, Yorke es “engullido por la ciudad” o grita a sus aparatos tecnológicos como si fueran personas: “maldita maquinaria, ¿por qué no me hablas?”, canta en ‘The Axe’. “Un día voy a darte un hachazo, ¿dónde está el amor que me habías prometido?” Como se puede comprobar, las letras de ‘ANIMA’ pueden contener un elemento de humor, presente también en un cortometraje en el que a veces no sabes si estás viendo a Thom Yorke o a Buster Keaton tratar de salir del metro sin éxito; y el cantante nunca deja de usar en sus temas frases absurdas como “pronto pronto moshi mosh” o “foie gras foie gras brick a wall brick a wall” que evidentemente buscan representar algún tipo de enajenación mental.
La música es más seria, sin embargo. Como en ‘The Eraser’ y ‘Tomorrow’s Modern Boxes’, Yorke, de nuevo con la ayuda de su colaborador habitual Nigel Godrich, vuelve a hacer uso en ‘ANIMA’ de una electrónica rítmica, obtusa, grisácea y triste, a su vez aportando una mayor dimensión a las producciones que parece necesariamente inspirada en su otro trabajo paralelo al mando de Atoms for Peace (las guitarras de ‘Impossible Knots’) o en su reciente banda sonora para ‘Suspiria‘ (ciertos arreglos). El problema es que esta dimensión sonora no funciona al servicio de las mejores canciones que Yorke ha podido presentar. Es irónico que la canción decididamente más monótona de ‘ANIMA’, ‘Dawn Chorus’, que, por cierto, lleva 10 años rondando el repertorio de Radiohead, sea a su vez la más emotiva, pues con poco más que unos melancólicos teclados, una voz robotizada y otras ambientaciones, Yorke consigue conmover como pocas veces lo logra a lo largo del disco. Y es que aunque las ambientaciones urbanas e intoxicadas de ‘Last I Heard’ (…He Was Circling the Drain)’ o ‘Twist’ estén logradas, sus mejores momentos ocurren cuando abren una vía hacia la melodía, en este caso a través de una sección orquestal que, en ambos temas, aporta una luz y una belleza muy necesarias en el álbum.
‘ANIMA’ difícilmente logra mantener el interés más allá de estas canciones por culpa de unas composiciones vagas, aparentemente poco trabajadas y desarrolladas en la mayoría de los casos, que tampoco ofrecen nada especialmente interesante en lo musical. Yorke pertenece al linaje de artistas británicos que buscan retratar el mundo distópico en el que vivimos mediante la electrónica, pero mientras The Future Sound of London lograron el éxito comercial en los 90 y Burial se convirtió en el artista más influyente del milenio, Yorke en solitario siempre ha operado desde un lado, de manera más modesta. Sin embargo, ‘The Eraser’ era un debut sólido y ‘Tomorrow’s Modern Boxes’ un trabajo algo peor que al menos sí dejó una joya como ‘The Mother Lode’, pero ‘ANIMA’ enciende alarmas desde el principio. La primera pista, ‘Traffic’, podría ser la 8 porque no puede pasar más desapercibida, y pese a su título,’I Am A Very Rude Person’ no tiene demasiada mala leche. En realidad su atmósfera lúgubre está conseguida y su letra, que parece dirigirse a los críticos, puede ser la mejor de todo el disco. Pero la canción apenas produce algún tipo de impacto, un problema que se repite sobre todo en la segunda mitad en la que ni siquiera el fondo jazzy de ‘Impossible Knots’ parece aprovechado.
Probablemente solo gracias al corto de ‘ANIMA’ recordaremos en el futuro la resbaladiza ‘Not the News’ pero tampoco es una canción demasiado memorable ni siquiera aproximándose a cierta épica, mientras ‘The Axe’ e ‘Impossible Knots’ definitivamente son ese tipo de canciones que, como suele decirse en la prensa musical, a menudo de manera errónea, «no van a ninguna parte». Y no es que no tengan dirección, es que simplemente sus desarrollos no son interesantes. Solo al final el álbum remonta con una ‘Runwayways’ de sugerente, casi majestuoso gancho melódico en la que además parecemos escuchar al androide de ‘Kid A’. La conexión de ‘ANIMA’ con el álbum de Radiohead de 2000 es obvia pues es en ese disco donde empieza el interés de Yorke por el tecno abstracto, pero si en sus dos primeros álbumes en solitario, el músico desarrolló estas inquietudes de maneras más o menos logradas, en ‘ANIMA’ la cosa se ha torcido bastante, dejando Yorke con él un álbum francamente frustrante, y no porque sus propios ritmos y atmósferas busquen emular esa misma sensación. Para el tiempo que llevan estos temas guardados en un cajón, es una pena que no sean mejores. Como aquel concierto visto en el Sónar más bien inducen a despejar la sala. Thom Yorke actúa en un par de semanas en Bilbao BBK Live 2019.
Calificación: 6/10 Lo mejor: ‘Last I Heard’ (…He Was Circling the Drain)’, ‘Twist’, ‘Dawn Chorus’ Te gustará si te gusta: Burial, Aphex Twin, The Future Sounds of London, el trabajo de Thom Yorke en solitario Escúchalo:Spotify
Lejos de pensar que, tras la paz sellada entre Taylor Swift y Katy Perry, el siguiente podría ser Kanye West, este fin de semana se ha desatado un terremoto que hace pensar que será complicado. Y eso que Scooter Braun, mánager al que Swift parece considerar responsable de sus problemas con el rapero, ya ni siquiera le representa. Todo ha comenzado cuando este fin de semana se ha hecho público que una empresa propiedad de Braun ha absorbido Big Machine –a cambio de 300 millones de dólares de nada–, el sello en el que Swift comenzó a desarrollar su carrera y en el que alcanzó su enorme éxito con discos como ‘Red’ y ‘1989’, antes de fichar por Universal para publicar ‘reputation‘ y, en unas semanas, ‘Lover‘.
Así, los 6 primeros álbumes de Taylor pasan a ser del total dominio de la empresa de Braun. Como ha contado Pitchfork, la ex-artista country publicó ayer domingo, 30 de junio, una carta en Tumblr, que encabeza con una antigua publicación de Justin Bieber en el que este (también representado por Braun), West y Scooter se mofaban de ella tras la polémica con el clip de ‘Famous’: «Este es Scooter Braun acosándome en las redes sociales cuando estaba en mi momento más bajo. Está a punto de apoderarse de toda la música que he hecho», resume, muy grosso modo, en un rótulo rojo sobre la imagen. En el texto, Swift asegura que quiso comprar los derechos de esos discos, pero que Scott Borchetta, su propietario, le ofreció un contrato por el que le entregaría uno de sus antiguos discos por cada uno nuevo que publicara con él. Algo que ella rechazó al entender que hipotecaría su futuro artístico.
Taylor también recuerda los episodios en torno a ‘Famous’ y la revelación de grabaciones telefónicas con ella por parte de Kim Kardashian West, incluyéndolos en la estrategia de bullying que supuestamente Braun lleva años empleando contra su persona. «Para mí es el peor de los casos», asegura antes de cargar contra Borchetta por lo que considera una deslealtad, ya que, asegura, las veces que él ha escuchado de su boca las palabras «Scooter Braun» de su boca fue «llorando o intentando no hacerlo». «Afortunadamente dejé mi pasado en manos de Scott, no mi futuro», dice antes de recordar la publicación de su nuevo disco el próximo 23 de agosto.
Borchetta, por su parte, ha respondido a estas acusaciones con otra carta en la que dice que Swift tuvo la oportunidad de ser poseedora de los derechos de su música y que nunca la vio llorar por Braun. De hecho, dice, Scooter es un gran valedor de su figura y su música, y recuerda su rechazo cuando este acudió a ella para participar en homenajes orquestados por él, como el que Ariana Grande, su representada, ofreció en Manchester semanas después del atentado sufrido allí, u otro en recuerdo de las las víctimas de la masacre de Parkland. Borchetta también dice que él mismo envió un mensaje a Taylor Swift informándola, y asegura que también el padre de ella y otros ejecutivos afines estaban al tanto de la operación desde 5 días antes, por lo que no entiende por qué dice en su carta que se despertó sorprendida por la noticia.
A todo esto, y ya que aparecía en la foto de la discordia que encabeza el post de Swift, Justin Bieber se ha metido en el ajo. En principio mediando, disculpándose por haber participado en aquella imagen –y por tanto, reconociendo en cierto modo que sí hubo acoso, aunque dice que West le reprobó por publicarla en sus redes sociales– y lamenta no haber hablado con ella de esto en todos estos años; pero luego dice que considera injusta la carta de Swift, ya que, asegura, «Scooter te respaldó desde aquellos días en los que me permitiste abrir (conciertos) para ti». «Ni Scooter ni yo tenemos nada negativo que decir sobre ti, de verdad queremos lo mejor para ti», sigue, ofreciéndose a hablar para resolverlo antes de terminar diciendo que «no suelo participar en estas cosas, pero cuando intentas desfigurar a alguien que quiero, eso es cruzar una línea». No es por nada, pero suena a amenaza.
Aitana ha sido número 1 en España, tanto de streaming como de ventas, con su primer disco ‘Spoiler’, que incluye singles que han sido un exitazo como ‘Teléfono’ o ‘Vas a quedarte’; o pueden serlo, como ese ‘Me quedo’ con Lola Indigo que acaba de estrenar videoclip. Hablamos con Ocaña en un céntrico restaurante de Madrid sobre su primera gira, que acaba de comenzar; sus inesperadas colaboraciones con Henry Saiz, Pional o Guille Galván de Vetusta Morla; la más esperable producción junto a Alizzz y El Guincho (la mencionada ‘Me quedo’) o la inclusión de temas de Operación Triunfo en su repertorio en vivo. La cantante se muestra inquieta -en un momento se disculpa por estar jugueteando con un móvil que resulta ser el mío y no el suyo, y de hecho el instrumento con el que estoy grabando esta entrevista- pero también muy confiada en el trabajo realizado.
¿Qué tal ha ido el primer concierto de la gira en Murcia? Siendo el primer concierto, ¿ha habido fallitos de estos que nadie ve?
Es que no quise estar atenta a los errores, sino a salir a pasármelo bien. Me dije: «voy a hacer que la gente se lo pase bien y también a disfrutarlo yo». Si voy a sufrir con este trabajo, ¿de qué me sirve? Cuando me estaban maquillando me decían: «estás muy tranquila, no te confíes». Y yo: «No, no estoy confiada, simplemente estoy concentrada y dispuesta a pasármelo bien»». Comentabas que nunca habías actuado hora y media tú sola…
No, no, no, en mi vida, nunca había estado tanto tiempo en el escenario. Siempre era 3 minutos y salir, 3 minutos y salir. Como cuando me han invitado a cantar Luis Fonsi, David Bisbal o Morat. Siempre me decían: «se te ve nerviosa». ¡Es que no me daba tiempo a hacerme!
¿Se te hizo largo actuar?
¡Para nada! Y eso que duró 1 hora y 45 (minutos). Básicamente porque hablo… porque soy una cotorra. ‘Vas a quedarte’ es de las últimas y yo pensaba: «¿cuándo ha pasado el concierto tan rápido?». Y de repente en la última era como «¿ya se ha acabado?». ¿El show es más de música en vivo, de baile, de voz…?
De todo. Hay músicos en directo, cuatro bailarinas increíbles, igual que los músicos… Hay momentos de baile, de calma solo con el piano… A capella no hay nada, solo cuando hablo, que hablo mucho (risas). ¿Pero está todo medido tipo como un concierto de diva pop o hay lugar para la espontaneidad?
Hay espontaneidad porque me considero una persona espontánea, porque yo voy a lo loco. Pero sí que es verdad que desde febrero y marzo que estaban todos los temas, escogimos para las coreografías a Vicky Gómez, Mamen Márquez me ha ayudado a todo lo que es la voz para subsistir hora y media y estar bien el día siguiente, hemos trabajado con Ludovico en la parte musical… Desde 3 semanas antes de que saliera el disco estuvimos con los ensayos, que fueron 2 semanas en Madrid y otra en Málaga en unos «stages» con todo el escenario montado para familiarizarme con el escenario.
He cotilleado en el setlist, y está ‘Arde’, que al no estar en el disco pensé que era una canción que habías querido dejar atrás. Y también hay varias versiones.
No, para nada. Mi disco tiene 14 canciones, más ‘Arde’ y ‘Presiento’. Y 5 covers, entre las que está ‘Someone Like You’. Con las versiones he querido hacer un «remember» a Operación Triunfo, menos ‘Someone Like You’ que no la canté en Operación Triunfo pero sí es la primera que canté a mi familia, como en un concierto casero. Le tengo mucho cariño. En un momento pensé que no podía hacer covers, pero fui a ver a Sebastián Yatra a Barceló y le vi hacer un montón de covers. Una de Bad Bunnny… Y yo pensaba: «¿cómo puede hacer covers si tiene muchísimas canciones para elegir lo que quiera?». Pues porque le gusta, le apetece, quiere hacérselo pasar bien a su gente… A mí también me apetece hacer las canciones más emblemáticas de Operación Triunfo, y un trocito de ‘Someone Like You’ de cuando empecé.
Hay gente que se niega a hacer las canciones que cantó en OT, pero a ti te vemos encantada…
Yo estoy encantada. Sí quería esperar a tener un disco entero para actuar, para que el 85% fueran mis canciones, pero estoy encantada de hacer versiones. No me estoy comparando con Ariana Grande pero cuando empecé a escucharla lo que hacía ella eran también versiones. Y me parecía muy bien, muy lícito, muy lógico. Gente absolutamente grande también hace versiones.
Te llaman mucho «la Ariana Grande española», supongo que por estética. Luego, el disco no tiene nada que ver, ni siquiera las que pueden ser un poco más R&B…
No… Sí que tengo influencias del pop comercial porque es lo que me gusta y es lo que yo escucho. Hay diferentes estilos, pero he intentado buscar lo que más se puede asemejar a lo que tengo dentro de mí.
Cuando te vimos cantar ‘Arde’, la verdad no adiviné que terminarías trabajando con Henry Saiz o Pional, gente que viene del mundo DJ… ¿cómo ha sido?
Fue por coincidencias. También he trabajado con Guille de Vetusta Morla. Estaba con Guille Galván, Henry Saiz, Pional… y como que no tenía mucho sentido los 3. «¿Qué podemos hacer aquí?» (risas) Pero tienen tanto que aportar… Fue una mezcla de ideas, quedó divertido y guay. De ahí salieron ‘Cristal’ y ‘Barro y hielo’, que son de mis canciones favoritas. Tengo ganas de volver a trabajar con ellos y sacar cosas nuevas.
¿Hay alguna canción de todos estos artistas que te guste particularmente?
De Guille, ’23 de junio’ es la última que han sacado (Vetusta Morla) y me flipa, me gusta un montón. El videoclip me parece precioso. Soy muy pro-videoclip, aunque a veces no hace falta, pero en este caso me encantó. Pional ha estado con DORA, y he visto cosas que no han salido y me encantan. Me parece muy buena compositora y cantante, con 14 años. Es increíble. El Guincho ha trabajado con esta cantante…
¿Björk?
¿Bjork es la que canta como muy metido, no? Me encanta lo que hizo con ella y todo lo que ha hecho con Rosalía me parece increíble.
¿Qué crees que da unidad a tu disco?
La variedad de estilos, yo creo.
«No podemos menospreciar el reggaetón porque sea reggaetón. Obviamente con algunas letras no estoy de acuerdo y son machistas. Poco a poco se va evolucionando en eso y hay cosas que trabajar, pero en sí el estilo me parece superlícito»
¿Ha cambiado tu gusto musical durante los últimos meses?
Más que cambiado, yo creo que ha aumentado. Antes me gustaba solo el pop en inglés y ahora tengo una visión mucho más abierta. Considero que todos los estilos tienen su trabajo detrás y son importantes. No podemos menospreciar el reggaetón porque sea reggaetón. Obviamente no me gustan algunas cosas del reggaetón, con algunas letras no estoy de acuerdo y son machistas. Poco a poco se va evolucionando en eso y hay cosas que trabajar obviamente, pero en sí el estilo me parece superlícito. Es lo que se escucha y tiene ese éxito mundial. No todo el mundo tiene el poder de hacer un éxito mundial.
Has trabajado con El Guincho y Alizzz. Justo cuando salió la primera versión de ‘Lo malo’, entrevistamos a Alizzz y le preguntamos si produciría la versión definitiva de la canción. Dijo que sí, pero que no la remezclaría. No sé si habéis hablado algo de eso.
En cuanto a ‘Lo malo’, no, pero con ellos he hecho ‘Me quedo’ que es más latina, más urbana… Me encanta lo artistas que son en cuanto a la visión que tienen y la creatividad musical. Se nota que llevan mucho tiempo y que cada vez están experimentando más. Ellos me dieron esa visión. Al principio con ‘Me quedo’ yo estaba como «no sé, no sé, no sé». Pero me la ponía todos los días, en el coche, mi padre la bailaba todo el día… Es verdad que buscaba a alguien con quien hacerla, porque noté que le faltaba algo, por eso se lo dije a Lola (Indigo). Y ellos me decían «no te preocupes, keep calm, no solo sacas reggaetón, al final haces otras cosas».
¿Es distinto trabajar con ellos que con Andrés Torres y Mauricio Rengifo (productores de ‘Despacito’ y de algunos temas de Aitana)?
Cada persona es un mundo y tiene su manera de trabajar. Cada uno va a ser diferente. Mauricio y Andrés también han producido baladas y canciones indies, creo que hicieron algo con Imagine Dragons. Han ido más allá, no solo se quedan en el reggaetón.
¿Qué canciones de este disco has escrito más tú sola? ¿O siempre compones más en plan mesa redonda?
Sí. Puedes traer una idea, por ejemplo en ‘Nada sale mal’ el primer estribillo es mío. Pero las demás llegas y dices: «he pensado que podemos hablar de esto». Yo escribo, otra persona saca la producción, otras personas con más experiencia en cuanto a escritura que yo me dicen «pues aquí en vez de esto yo pondría esto»… Cosas así.
«Hay muchos ojos puestos en mí, y es precioso, pero yo también necesito buscar mi propia salida»
En ‘Cristal’ hablas de querer ser una bruja, bien sea buena o mala. ¿Qué quieres decir?
Esa canción habla de que en este año y medio muchas personas me han intentado aconsejar, pero yo necesito mi momento de rebeldía, de experimentar en cuanto a ser una bruja, sin hacer daño a nadie. Hay muchos ojos puestos en mí, y es precioso, pero yo también necesito buscar mi propia salida.
¿Te refieres a que tienes derecho a equivocarte?
Y de hecho me he equivocado. Estoy más expuesta.
Esta canción habla de la sobreexposición.
Y de la sobreprotección. Es un proceso para mí también. Yo también soy de cristal y todo el mundo es de cristal, es parte del ser humano ser frágil.
No sé si también esta canción habla en contra del paternalismo.
Yo lo entiendo. Entiendo que mucha gente te intente proteger y aconsejar. No hablo solo por mi familia porque mi familia y yo hemos aprendido mucho juntos. «Está bien que me protejas pero déjame que te enseñe que puedo hacer más cosas, y si me equivoco volveré a probar».
Te has mudado a Madrid, que es como el peor sitio para ser reconocido por la calle y que te pidan fotos todo el rato…
Me he mudado porque estaba siempre aquí. Tenía que hacerlo, no me gusta vivir en un hotel, perdía las cosas, me parecía un poco desastre mi vida. Necesitaba poder organizarme, tener aquí mi sitio porque mi trabajo ahora estaba aquí.
Amaia nos decía que en Barcelona la gente se cortaba más, pero que aquí en Madrid todo el mundo la hablaba y la abrazaba. ¿No te agobia?
No, lo entiendo. Entiendo todos estos momentos… Depende de dónde te metas. Hay veces que puedo caminar tranquila y si alguien te para, pues, si no tienes prisa, qué menos que pararte. Hay veces que si tengo que coger un AVE, o llegar a un restaurante, me agobio porque alguien me está explicando cómo siente mis canciones y pienso: «no tengo tanto tiempo cómo me gustaría, me gustaría quedarme más rato»… Va por momentos.
«Me gusta la variedad del disco, no es una variedad disparatada»
¿Qué canción del disco crees que puede marcar más tu futuro?
Me gusta mucho ‘Cristal’, ‘Con la miel en los labios’, ‘Vas a quedarte’, ‘Las Vegas’…
O sea, variado…
Me gusta esa variedad y no es una variedad disparatada. Me gusta Dua Lipa, que tiene ‘New Rules’, pero también la de «House», que es una balada que luego te digo como se llama (NdE: seguramente se refiera a ‘Homesick’). ¿Por qué a Dua Lipa se la relaciona con el pop si también tiene música variada?
Hablando de ‘Las Vegas’, cuéntame qué es esa frase de «sin saber nada todo el mundo hablaba».
Mucha gente cuando ve fotografías, empieza a imaginar cosas. Y solo es una foto.
Te refieres a Instagram.
Sí. O a fotos de paparazzis. La gente habla mucho y a veces puede ser verdad pero de chiripa porque no saben lo que están diciendo. Es gracioso que la gente hable tanto, a partir de solo una foto. No sabéis qué hay detrás de todo eso.
«No puedes jugar con una enfermedad, con un trastorno alimenticio. No puedes decir a la ligera «tienes anorexia»».
Acabas de decir en una entrevista que ahora mismo no borrarías la foto que borraste cuando te dijeron que tenías anorexia…
Ahora mismo seguro que no la borraría. Lo hice porque me asusté y yo no quiero promover nada. Recapacitando me dije: «¿Pero qué estás promoviendo? No estás promoviendo nada. Solo estás haciendo que las personas que están delgadas se sientan mal consigo mismas». Si están sanas, no se pueden sentir mal. No puedes jugar con una enfermedad, con un trastorno alimenticio. No puedes decir a la ligera «tienes anorexia». Es que no.
¿Ha cambiado tu manera de ver las cosas a raíz de las polémicas que surgen de vez en cuando?
Yo creo que sí, que mis opiniones se van desarrollando, también con mi madurez. Pero a la vez soy yo. La base es la misma.
¿Cómo es un día en tu vida ahora mismo?
Durante el día soy muy disciplinada. Antes de la gira por las mañanas entrenaba, dos o tres horas de baile, luego canto. Son todo clases y por las noches a dormir. Los fines de semana, si no tengo nada, me gusta salir con mis amigos.
¿Qué canciones te han sorprendido por su recepción en streaming? No sé si estás muy atenta a estas cosas…
Me gustó que mucha gente me comentó ‘Las Vegas’. Lo que dice, pero también el estilo musical. No pensé que de primeras fuera a gustar tanto. Sé que ‘Con la miel en los labios’, las baladas, gustan…
Y tú encantada…
¡Claro!
Me esperaba más éxito de ‘Mejor que tú’.
Yo pensé que iba a tener menos. Cuando salió ‘Tráiler’, me decían que por qué no la había sacado como single, y ni se me pasó por la cabeza.
Pensé que podía funcionar sola como ha pasado con ‘Me quedo’.
Pero no le dimos el valor de un single, como a ‘Arde’. ‘Vas a quedarte’ la exponía como mi single, lo cantaba en las radios, en televisión. Es la que tenía videoclip, el videoclip marca mucho si es un single o no.
Luego las canciones en inglés no gustan tanto…
Yo creo que en España… Mi idioma es el español y entiendo que las canciones que más gusten sean las españolas. Música en inglés hay muchísima, y la gente las recibe mejor si es alguien de fuera…
Realmente en el top 20 español, nunca hay muchas canciones en inglés. No creo que las hayas hecho con ese objeto o con miras internacionales…
No miro ningún tipo de éxito, sino lo que me gusta y lo que quiero poner en el disco. Si quiero mostrar mi verdad, muchas letras y melodías me salen en inglés porque es lo que yo escucho. Sería ilógico por mucho que tenga menos crédito que lo demás.
«La colaboración con C. Tangana es rara porque mis letras son bastante blancas, y las letras de C. Tangana son mucho más a cuchillo»
Ya te pregunté en la rueda de prensa, pero cuéntame algo más sobre tu colaboración inédita con C. Tangana. De repente una colaboración vuestra me parece muy bomba.
Era superraro, ¿no? Es variado en cuanto a letra.
Raro, no sé…
Sí es raro porque mis letras son bastante blancas, y las letras de C. Tangana son mucho más a cuchillo. Intentamos ponerlo en común pero siempre hay algo de cada uno de nosotros.
Hay un dúo grabado, entonces.
Hay algo grabado sin acabar, hay que darle muchas vueltas. Lo hicimos como forma de composición, ni siquiera hablamos de sacarlo. Es como cuando hicimos ‘Me quedo’, que hasta dos meses antes de sacar el disco no metimos la parte de Lola. No sabemos qué va a pasar.
Y lo primero que te viene a la mente al hablar de esa canción es el contraste.
Él no tiene filtros, me parece superguay, le funciona mucho, es como lo plasma en la música. Mi manera de ser es mucho más blanca y letras más… pues no sé.
¿Esta canción está más en su tejado o en el tuyo?
Está en medio, pero claro, hay estrofas suyas… Es una canción bastante reivindicativa pero a la vez es jevi. Puede tirar por muchos lugares…
¿Reivindicativa tipo feminismo o empoderamiento?
Es empoderamiento pero no feminista, que también. Pero es más como de cuando se objetiviza a alguien y tú no quieres. Es una ironía de eso, de «pues ahora te voy a objetivizar de esta manera».
¿Cómo objetivizar a alguien?
No te puedo decir qué se objetiviza porque te estaría diciendo mucho. Ya se verá.
Parte de la redacción evalúa ‘MEGATRON’, el nuevo single de Nicki Minaj, que anticipa su próximo álbum:
«Aunque Nicki Minaj hizo oposiciones el año pasado para caer mal al mayor número de gente posible, al menos su música seguía hablando por sí misma. Puede que ‘Queen’ no fuera un disco perfecto, pero al menos ‘Chun Li’, ‘Barbie Dreams’, ‘Hard White’ y ‘Good Form’ eran estupendos temas de gangsta rap, misteriosos y duros como un diamante, que mostraban a una Minaj en plena forma como rapera. ‘MEGATRON’, su nuevo single, se parece un poco más a ‘Coco Chanel’, pues directamente samplea (o más bien re-elabora) el éxito de dancehall de 1998 ‘Head High’ de Mr. Vegas. La idea funciona. Minaj deja prácticamente íntegra la base original de la canción, compuesta por un sugerente riddim y una pegadiza línea de guitarra eléctrica, y la utiliza para espetar una serie de versos que, sin ser especialmente magnéticos esta vez, sí son dinámicos y mantienen el interés. Con unos «bra ta ta tat» por aquí y una leve melodía autotuneda por allá, Minaj construye un tema despreocupado y totalmente «cool» en el que se celebra a sí misma sin caer en vulgaridades de todo a cien como algunos de sus compañeros de gremio. Es divertida por ejemplo la frase «Trunk in the front-front, I need a blunt-blunt, I own my own Moscato, bitch, we gettin drunk-drunk», aunque mi favorita sin duda es la dedicada a su «pussy»: «If you eatin’ it / do it precisely / ‘Cause I’m a millionaire, this pussy pricey». Jordi Bardají
«Sin ser ‘Anaconda’, ‘MEGATRON’ me reconecta con Nicki Minaj como ninguno de los singles de ‘Queen’ pudo. Usando una base de un tema jamaicano, Nicki rapea sus lindezas con la desvergüenza que la caracteriza, pero dejando sobre todo un gran estribillo que podría haber cantado Rihanna o quizá ya haya cantado Sia: «Shots, shots, shots, I’m drinkin’ / It’s better when I’m drinkin’. No le ha hecho falta mucho más: uno de los secretos de esta cosa tan machacona es lo poco que dura, lo corta que se hace y vuelta a empezar». Sebas E. Alonso.
«No se puede decir que Nicki Minaj no lo quiera intentar con su último single. Repite lo que sabe que le funciona, distintos guiños a lo que ya le ha funcionado, un acercamiento más pop, (intentos de) ganchos a patadas, letra directa, disfrutona y con toque veraniego… pero, quizás precisamente por eso, la cosa se queda en un «tried too hard». No es tan directa como ‘Anaconda’ cuando intenta eso, no es tan divertida y pop como un ‘Starships’ y, por no irnos a lo que ya son sus clásicos, es que no llega siquiera al nivel de ‘Chun-Li’. La repetitiva base intenta ser pegadiza pero acaba siendo molesta, las estrofas se hacen largas y, eso sí, los “brra-ta-ta-ta” cumplen su función. Pero, en general, ‘Megatron’ es algo que ya hemos visto antes, y mejor». Pablo N. Tocino.
Este mes de junio ha llegado a las plataformas de streaming un nuevo single de Alec Benjamin, el joven cantautor de Phoenix autor del hit ‘Let Me Down Slowly’ -que ya destacamos como canción del día tras su breve incursión en la lista de singles española- y de la mixtape que lo contenía, ‘Narrated for You’.
Producida por una Alex Hope que ha trabajado con Troye Sivan, Carly Rae Jepsen o MARINA, entre muchos otros, ‘Must Have Been the Wind’ es la típica balada de pop acústico de Benjamin, pero es también una de las más inspiradas que ha publicado a nivel melódico. Si Benjamin ha demostrado ser un dotado compositor de melodías pop bonitas que además no pueden ser más «radio-friendly», a lo que sin duda contribuye su adictiva voz, ‘Must Have Been the Wind’ es un ejemplo emblemático de ello, en este caso conmoviendo desde el reposo, sin el dramatismo de ‘Let Me Down Slowly’.
También tiene su miga la letra de ‘Must Have Been the Wind’. En ella, Benjamin nos cuenta la historia de una pelea que escucha desde su apartamento, durante la cual oye a una chica «llorar» y cuyo recuerdo no le deja dormir. Para comprobar qué ha pasado, Benjamin visita el piso pertinente, llama a la puerta y es atendido por la chica, que niega que los ruidos provengan de su casa: «Creo que tus oídos te están engañando», contesta. «Debe haber sido el viento». Claramente algo pasa y el tema adquiere un matiz totalmente «cheesy» en el puente, cuando Benjamin decide poner ‘Lean on Me’ en su casa a toda mecha para insinuar a la chica que pude «contar con él». La idea funciona. Sí, efectivamente ‘Must Have Been the Wind’ puede ser tan cursi como una canción de la primera Taylor Swift o de John Mayer, pero también es una absoluta monada, algo obvio en cuanto la escuchas en directo.
En el anti-estrellato del nuevo rap español, Cecilio G. ha sido, desde siempre, una de sus figuras más controvertidas. Verdadero artífice de lo que luego fueron Pxxr Gvng, su carrera se ha debatido entre incontables beefs con otros raperos, excentricidades y excesos varios, rumores sobre su salud y el punto de inflexión personal que ha supuesto su paso por la cárcel, que ha confesado que, por mucho que sea una idea glamurizada en el hip hop, no le ha gustado nada. Y, en medio de todo eso, ha ido desperdigando su innegable genio en más contadas ocasiones de las que serían deseables, en casi innumerables mixtapes que alternaban temazos incontestables (como ‘El bueno de Markus’, ‘Gucci Fendy o Prawda’, ‘Legendario’, ‘Speed Life’, ‘Antonio Alcántara’ –con El Coleta–, ‘Barro’, ‘From Darkness With Love’ o ‘Pikete espacial’ –que casi ha trascendido el underground–) con casi el mismo número de desfases insostenibles.
Pero, como decía, la dolorosa estancia en prisión le ha hecho cambiar el enfoque que estaba dando a su carrera y ahora se muestra decidido a aprovechar al máximo su talento sin renunciar a esa personalidad única que le lleva a enemistarse enconadamente con C. Tangana pero hacerse amigo para siempre de los Taburete. Este cambio de actitud y mayor ambición se ha materializado en dos mixtapes publicadas en los últimos meses (la nueva se llama ‘Todos presos’). La primera de ellas es esta ‘Million Dollar Baby’ lanzada el pasado mes de marzo dentro de la plataforma La Vendicion Records, la misma en la que milita Yung Beef, con el que ha enterrado su beef (e incluso parece que estar al caer una colabo entre ambos, ‘Teletubi’).
En este nuevo trabajo (con 7 cortes en 20 minutos, podemos equipararlo a un EP) claramente deslumbra la canción titular. Un auténtico prodigio de rap old-school bien adaptado a la idiosincrasia actual por el dominicano Marvin Cruz –que pese a su juventud ya ha producido a Soulja Boy y Lil B, además de a numerosos MCs españoles y latinos–. Un tema que deslumbra por su gancho y, sobre todo, por la honestidad que imprime Juan Cecilia en sus versos, confesionales y honestos. Pero esta vez no es sólo una gema que brille entre cortes delirantes o prescindibles. ‘Million Dollar Baby’ es, hoy por hoy, el disco más completo y cohesionado que haya publicado nunca El Ceci. Apoyado básicamente en el citado Cruz y Limabeatz –con un estilo que bebe abiertamente del funk carioca–, Cecilio es el mismo de siempre pero mejorado en auténticos pepinazos como la casi pop ‘Trankimazin’, el trap de ‘Gracias Gucci Mane‘ o una ‘Cecilio G Kush’ que es classic Ceci en el buen sentido, con barras brutales y divertidas.
Como en el tema que da nombre a la mixtape, lo mejor viene de nuevo cuando se desnuda sin miedo en una ‘Intro’ que dirige a su padre fallecido, con una base de Javier Andrade (nombre real de Limabeatz) construida en torno a un sampler de ‘In My Mind‘ de Dynoro & Gigi D’Agostino, a la altura de emoción que requiere la letra. Sólo desentona aquí una ‘Ando con 3’ flojilla –y eso incluye su masterización, considerablemente menos potente que la del resto– y lo poco comprensible que es la inclusión de una versión de ‘Porque te vas’ de King Jedet en la que no hay ni una sola palabra de Juan (aunque como gesto, es simpático). Algo en ‘Million Dollar Baby’ dice que Cecilio G. está alcanzando un nuevo nivel en su carrera. Como canta en la mejor canción de este disco, Cecilio G. ha pasado de colarse en el festival Sónar a ser contratado por el evento de música, creatividad y tecnología barcelonés. El sábado 20 de julio estará en SonarXS, dentro de Sónar de día.
Calificación: 7,3/10 Lo mejor: ‘Million Dollar Baby’, ‘Intro’, ‘Trankimazin’, ‘Gracias Gucci Mane’ Te gustará si te gustan: Yung Beef, Kinder Malo, Sticky M.A., Kaixo Escúchalo: Spotify
Anoche al salir del Poble Espanyol barcelonés escuché decir que, para lo visto en la primera jornada de Share Festival 2019, quizá era mejor escuchar a esos artistas en tu casa, bien fresquito. Por más que la primera jornada de este festival con espíritu solidario –el euro de cada vaso reutilizable en barra va destinado a colaborar con distintas ONGs como Amnistía Internacional, Acción Contra el Hambre o el Instituto Jane Goodall, que además cuentan con stands informativos en el recinto– pudiera denominarse «la noche del pregrabado», no puedo estar de acuerdo. Como la etimología indica en el origen de la palabra «festival», más que una consecución de conciertos se trata de una celebración en la que participan tanto los que están bajo el escenario –un público jovencísimo, muchos adolescentes e incluso familias completas– como sobre él. Y en eso no se pudo poner demasiados peros a los artistas congregados. Cada uno en su medida, contribuyeron sobre todo a animar, hacer bailar y divertir. La ópera es en el Liceu, pocos kilómetros más al norte de la Ciudad Condal. [Todas las fotos cedidas por Share Festival 2019.]
Bien es cierto que, en ese papel, hubo dos nombres que mandaron sin apenas resistencia: C. Tangana y Becky G. EL Madrileño, regresado a España de su periplo americano, parece haber dejado atrás el concepto arty de ‘Ídolo’ y ‘Avida Dollars’. El único acompañado por instrumentos en directo –Alizzz en bases y teclados, más un percusionista que aportaba un rico saborsito latino–, C. Tangana, dominador del autotune, centró su set en lo que la gente desea: hits. Y no sólo los tiene a espuertas, de todos los colores y épocas –’De pie’, ‘Caballo ganador’, ‘Persiguiéndonos’, ‘Cuando me miras’, ‘Bien duro’, un ‘Antes de morirme’ en el que él mismo cantó los versos de Rosalía (en ‘Guerrera’, en cambio, sí sonó la voz de Dellafuente)– sino que la lista no para de crecer. ‘Un veneno‘ y ‘Pa llamar tu atención‘ fueron de lo más coreado de la noche, antes de los inevitables ‘Mala mujer’ y, como bis, una ‘Llorando en la limo’ con intro y outro, con el único acompañamiento del piano de Cristian Quirante. Ah, y sí, como cabía esperar, Becky G subió con él a escena para cantar ‘Booty‘, esta vez a dúo.
Y es que el set de la artista californiana comenzaba precisamente con esa canción y la no aparición de Puchito con ella fue un bajoncillo. Pero antes del arreglo que más tarde desempeñaron más tarde, ya la propia Becky G se encargó de alejar cualquier mal sabor de boca, con un set tan breve como fulgurante. Acompañada por un DJ que lanzaba los temas, cuatro bailarines y toda la pirotecnia, Becky del Bloque venía a dar espectáculo sin desfallecer, respondiendo que no, no necesita ningún álbum para armar un buen repertorio. Sin respiro –la media hora larga, no sabemos si comprimida por retrasos previos, pasó volando–, la ex-Power Ranger amarilla no se andó con mandangas y encadenó la docena de éxitos recientes, propios o remixes ajenos, con y sin voces amigas pregrabadas. Así, ocasionalmente sonaron las voces de Sean Paul (‘Mad Love’), Maluma (‘Mala mía’ y ‘La respuesta‘) o Daddy Yankee (‘Dura’) mientras que ella sola suplió con un estupendo registro vocal las de Anitta (‘Banana‘) o Paulo Londra (‘Cuando te besé’ fue uno de los momentos de mayor conexión con el público, llegando a marcarse un a capella posterior). Y Becky no sólo cantó bien (a pesar de que se mostró descontenta con el sonido que la entraba por el monitor de oído), sino que encabezó el cuerpo de baile con soltura. Lo mejor fueron que, conectando bien con lo que pedía el público, su set fue dinámico y ágil, no permitiendo que decayera ni un segundo hasta encender la gran traca final con ‘Mayores’ y ‘Sin pijama’. Llamadlo tablas, currazo previo o lo que queráis, pero fue incontestable.
Y esto viene a que, aunque no pueda compararse por tratarse de una artista relativamente nueva y con menos medios, el show de Lola Indigo, pese a ser muy esperado y contar con un puñado de canciones perfecta para liarla, no logró esa perfecta comunión con el público. Y, precisamente, por cierta falta de dinamismo, que se evidenció al contraste con la artista yanqui. La verdad es que su salida a escena con media hora de retraso –un no especificado problema técnico que se solucionó, sospechosamente, cuando el sol dejó de pegar bien fuerte sobre el escenario– fue un bajón, pero, tras el arreón primero de ‘Mujer bruja’ y ‘Maldición’, los interludios de baile y proyecciones casi entre cada canción del estupendo ‘Akelarre‘ (por supuesto, sonó al completo, además del remix de ‘Borracha’ de Yera) hicieron difícil llegar entregarse a los esfuerzos y palpable entrega de Mimi Doblas y sus cuatro bailarinas. Es guay que quiera hacer un show de música y baile, pero el público también quiere bailar, no sólo mirar.
Y si el fortísimo sol fue un problema para los artistas en Share Festival, en esta primera jornada lo peor se lo comió enterito el bueno de Don Patricio. «De verdad les digo que me siento como si estuviera en la playa», decía. Sólo que sin sombrilla, un refresco, arena y –un detallito– agua del mar. Casi nada. Pero eso no hizo que el de El Hierro, que celebró los 5 meses del notable ‘La dura vida del joven rapero‘, se entregara menos o que se marchitara de calor como el pobre ramo de flores con el que subió a escena y que acabó arrojado «como en las bodas». Sin gota de autotune, tras unos inicios dubitativos en los que no parecía acertar con el tono a usar en ‘Porrito en París’ y ‘Carita de guiño’, dio con la clave: los canturreos, mejor para el público (‘Bonsai’), y él se dedicó a rapear. Y ahí no falló, logrando divertir recurriendo a clásicos del reggaeton propios (‘La papaya’) y ajenos (una intro con ‘Dile’ y ‘La gasolina’), y afianzándose con la locura desatada con ‘Enchochado de ti’. En un auténtico puntazo, Bejo y Uge, sus colegas del combo Locoplaya, se subieron al escenario para cantar temas propios como ‘Cuelga tú’ o ‘Crazy’, entre balones y colchonetas hinchables, caramelos y melones –que fueron arrojados al público tras darles unos lametazos–. Pura diversión bajo (y a pesar de) la solana, rematada con el inevitable ‘Contando lunares‘ y un número instrumental próximo a «Paquito El Chocolatero».
Este fin de semana tenía que tener lugar en Bélgica un festival llamado Vestiville que contaba con nombres tan enormes en su cartel como Cardi B, Future, Migos, A$AP Rocky, Nicky Jam o Jason Derulo. Sin embargo, ayer no abrió sus puertas y la organización informaba de su cancelación tan solo unos minutos antes de que la apertura tuviera que producirse.
A través de Twitter, a las 17.25 horas informaban de que el alcalde de Lommel había decidido que el festival no arrancara por razones de seguridad. Apelaban directamente al equipo de seguridad de A$AP Rocky, el cual había decidido que la “seguridad del artista y del público no podía ser garantizada”. ¿A qué recuerda esto? Exactamente a lo que sucedió en el caótico Fyre Festival cuando el equipo de seguridad de Blink 182 visitó las instalaciones poco antes de su inauguración. Sus responsables decidieron que su grupo no iba a actuar y entonces se desató la tormenta.
A$AP Rocky informaba a través de sus redes de que “debido a problemas de seguridad, infraestructura y producción” su show no podía tener lugar; y la cancelación lógicamente ha desatado la ira de los asistentes al festival. Estos están denunciando problemas en el abastecimiento de agua y comida, incluso haber sido retenidos en el cámping durante horas, y también están compartiendo vídeos de algunos momentos de pánico.
Scenes at @VestiVille were beyond scary. Unprofessional and so unsafe. No announcement regarding cancellation and staff members put at risk. Ridiculous pic.twitter.com/IitjUjvFze
Currently at @VestiVille – this is FYRE festival 2.0 – was not allowed to leave the campsite during 14hours to go get food or water and they were not selling any either #vestiville
Today at 5:00 PM the mayor of Lommel decided to not let Vestiville start. After consultation with the security services and ASAP Rocky’s security officer, it was decided that the safety of the artist and the public could not be guaranteed.
Después de ‘Million Dollar Baby’, las expectativas ante la nueva mixtape de Cecilio G., ‘Todos presos’ –que en realidad no hace tantas referencias a su paso por la cárcel, o no más que ‘Trankimazin’–, eran altas. Y la verdad es que no se puede decir que la supere, pero sí confirma la buena línea que mostró en ese primer lanzamiento de este 2019. Ceci está tan enfocado en la música (y el graffiti) como deja ver en su impagable perfil de Instagram y en esta ocasión aparta un poco el lado personal y sensible –aunque ‘I mean it’ se acerca, con versos tan enormes como ese «Ella me llama pero responde Cecilio / Juan está ocupado, creo que está montando el micro / Ahora no lo localizo, soy su socio esquizo / Ahora escucha esta canción en la que soy yo mismo»– que dejaba entrever en aquellas otras 7 canciones para mostrar su cara más bestia y punk.
Baste esa borriquez que es ‘INTRO TDPS’ y su furibundo gancho repetido hasta la extenuación –»Coge esa caja de trankis / métetela por el ampli»– para certificarlo. Una línea dura que acentúa la gran ‘Peach’ con base de su habitual socio Enry-K –»Quiero la libertad financiera, si no ¿cuál? / Yo quiero los lujos, los diamantes buenos»–, una gamberra y con un punto G-funk ‘Leskere’ o la sucia y desatada (aunque adictiva) ‘Vampira‘, con Lucifero 666. En todas estas aparece sin filtros el llamado Rey del Bogatell de siempre, el que lamentablemente presenta un reprobable tufo sexista y homófobo en sus barras –y que no encaja con su posición personal en esos temas, o al menos la que muestra en sus redes–. En contraste, el gran cronista de barrio que es emerge en ‘La calle está mala’, tan atinada como la final ‘Tu no’, con base de Marvin Cruz. En todo caso, este Cecilio G. de 2019, centrado en el business, nos gusta más que nunca.
«Me quieren tachar de cualquier cosa / como Bad Bunny, «soy peor», canta Cecilio en ‘I mean it’, y la verdad es que sería una auténtica (aunque improbable, a priori) alegría verle subirse juntos a un escenario del Sónar 2019, donde ambos coinciden el próximo mes de julio.
Calificación: 6,9/10 Lo mejor: ‘Peach’, ‘INTRO TDPS’, ‘I mean it’, ‘La calle está mala’ Te gustará si te gustan: Yung Beef, Kinder Malo, Sticky M.A., Kaixo Escúchalo: Spotify
Por si no había quedado claro que Bad Bunny y J Balvin dominaban el mundo después de su contratación en Coachella o de los streamings millonarios manejados por canciones como ‘I Like It‘, ambos han decidido sacar un disco conjunto de 8 canciones llamado ‘Oasis’. En ellas, como era de esperar, se alterna la sexualidad con el romanticismo, resultando por lo menos de entrada más atractivos estos últimos momentos, como es el caso de ‘La Canción’, un tema con saxo que tanto imagino en manos de Drake por ritmo, como de Juan Luis Guerra, por letra; o del single principal.
Este es muy acertadamente ‘Qué pretendes’, una canción llena de despecho en la que estos dos narradores tratan de evitar morder el anzuelo, cuando una chica que les ha dejado trata de volver con ellos. Perfectamente válida para cualquier tipo de género, pues a la inversa sería un pequeño himno de empoderamiento, plantea: «Ahora quieres volver / Por qué razón, dime para qué / Ya no te presto atención / Desde hace tiempo le puse punto final». Mientras esas referencias a Facebook e Instagram tan propias de finales de esta década harán derretir colegios e institutos, Bad Bunny, por supuesto llega a irse de la lengua: «Estas no son horas de llamar / A menos que me lo quieras mamar».
Musicalmente, la canción es un festín de pre-coros, coros y versos muy poderosos, acompañados de los ritmos típicos de reggaetón, aunque aquí adulterados con cierta imaginación por Sky, que figura como único productor tras haberse encargado de gran parte de las canciones del celebrado ‘Vibras’. El colombiano, cuyo verdadero nombre es Alejandro Ramírez, también es co-autor de ‘Con altura’.
Jim Jarmusch fue uno de los pioneros en el auge del cine independiente americano a principios de los años 80, y desde entonces no ha dejado de hacer un cine absolutamente personal y de lo más ecléctico. Desde road movies a dramas íntimos sobre vidas mundanas, pasando por historias sobre vampiros románticos a westerns. Ahora es el turno de los zombis. El Festival de Cannes siempre ha protegido su obra apoyándole e impulsándole desde sus inicios, y por ello, que ‘Los muertos no mueren’ fuese la película que inauguró este año el Festival no supuso ninguna sorpresa, incluso tratándose de una cinta menor en su filmografía.
Ambientada en la localidad ficticia de Centerville, la policía descubre que los acontecimientos extraños que están sucediendo son causa de una epidemia zombi que amenaza con invadir el pueblo por completo. Bajo esta premisa, Jarmusch intenta aplicarlo al mundo en que vivimos criticando a una sociedad en la que cada vez todo está más automatizado y donde la tecnología está, en parte, apoderándose de nuestras vidas. Pero aunque las intenciones de meter este subtexto sean las de dotar a la película de más empaque, lo cierto es que, por su obviedad, acaba resultando la parte menos interesante.
Lo más valioso de ‘Los muertos no mueren’ es su entregado reparto. El director se ha juntado mayoritariamente con amigos que ya han colaborado con él a lo largo de su trayectoria, como Bill Murray, Tilda Swinton, Adam Driver, Iggy Pop o Tom Waits, y tienen pinta de habérselo pasado en grande rodándola. La energía positiva que transmiten trabajando juntos es contagiosa al otro lado de la pantalla. Se nota que los actores confían plenamente en el divertido texto de Jarmusch -plagado de autorreferencias, guiños meta ficcionales y repeticiones-, recitando cada línea de diálogo con verdadera gracia, incluso cuando el tercer acto es un absoluto delirio, que poco tiene que aportar a lo demás. Todo el reparto brilla, especialmente unas Chloë Sevigny (en su primera colaboración con el director) y Tilda Swinton (poniendo acento escocés) graciosísimas. También Selena Gomez en un papel más discreto está muy convincente.
A pesar de ser una autoconsciente gamberrada, no es el típico entretenimiento fácil. ‘Los muertos no mueren’ sigue siendo tan de autor como cualquier otra de sus obras. Su ritmo pausado y esos diálogos tan marcianos pueden espantar a ese espectador despistado que no sepa muy bien lo que va a ver. Aunque si entras en su particular sentido del humor, probablemente pases un rato agradable. No es una gran película, y parece que tampoco pretende serlo, pero supone un bienvenido soplo de aire fresco en la cartelera veraniega pasar un tiempo con estos entrañables personajes al ritmo de Sturgill Simpson. 6.
Su respuesta a través de la web The Red Hand Flies, tal y como recoge NME, ha sido que hay que separar música y política. «La opinión política de Morrissey se vuelve irrelevante. Independientemente de las necedades que él pueda postular, no podemos pasar por alto el hecho de que cuenta con un catálogo extenso y extraordinario que ha mejorado las vidas de muchos de sus fans hasta lo indecible. Esto no es moco de pavo. Ha creado trabajos originales y distintivos de una belleza sin igual, que sobrevivirá a sus alianzas políticas ofensivas».
Indica que Morrissey es uno de los mejores letristas de su tiempo y cita entre los ejemplos ‘This Charming Man’, ‘Reel Around the Fountain’ y ‘Last Night I Dreamed Somebody Loved Me’. Además, en otros puntos de su texto, indica que Morrissey «pese a que pueda decepcionar a los marginados y a los miembros desahuciados de la sociedad», «debe tener libertad de expresar sus opiniones, como otros tienen la libertad de desafiarlas». Concluye, en la línea, que hay que dejar que Morrissey tenga sus opiniones, pero también «dejar a su música vivir».
J Balvin y Bad Bunny publican por sorpresa un álbum colaborativo con el que Joaquín Reyes por fin conseguirá distinguir a uno del otro. ‘OASIS’ contiene 8 canciones y colaboraciones de Marciano Cantero y Mr Eazi, y el primer single oficial parece ser ‘QUE PRETENDES’. Al menos es para este tema para el que J Balvin y Bad Bunny han decidido presentar un videoclip dirigido por Colin Tiley (Kendrick Lamar, Halsey, Iggy Azalea), que ya puede verse.
El cantante colombiano autor de ‘Vibras‘ y el portorriqueño autor de ‘X 100PRE‘ son por supuesto dos de los nombres del reggaetón y trap latinos más populares del momento. Ambos ya aparecieron juntos en el single de Balvin ‘Si tú novio te deja sola’, además de en ‘I Like It’ de Cardi B, en un remix de ‘Soy peor’ con Ozuna o en otro de ‘No me conoce’ de Jhay Cortez.
Todo un bombazo la llegada de este disco pues J Balvin y Bad Bunny han firmado algunos de los mayores éxitos de los últimos tiempos, muchos de los cuales han llegado al número 1 en nuestro país. Al margen de ‘I Like It’, Balvin, que acaba de actuar en Primavera Sound, lo ha sido recientemente con ‘Con altura’ junto a Rosalía (que recientemente ha sido top 1 global en Youtube), mientras Benito Jímenez, que está a punto de actuar en el festival Río Babel de Madrid y en el Sónar de Barcelona, lo es actualmente con ‘Callaíta’.
En este mundo despiadado como este –y me refiero también a la música pop–, hay que celebrar la resistencia de talentos de la música como Antonio Galvañ. Este romántico del pop que publica discos bajo el nombre de Parade, no desfallece y, tras habernos deleitado con la recuperación de tres canciones compuestas hace 30 años en el EP ‘1987‘, anuncia nuevo álbum. El próximo mes de septiembre verá la luz la continuación de ‘Demasiado humano‘, un disco llamado ‘La deriva sentimental’ publicado como siempre a través del sello Jabalina –que este año ha cumplido 25 de existencia, por cierto–.
Y como adelanto nos trae hoy ‘Esa música’, una preciosa canción que celebra, precisamente, otras canciones. Esas que en algún momento de nuestra vida nos hicieron sentir algo distinto a las demás y nos cambiaron para siempre. Galvañ lo describe a la perfección en ese estribillo que dice «esa música tiene ya más de mil años / pero siento que bailando / soy un niño otra vez». Todo ello en una gema que, apartado de su perfil más electrónico, remite al elegante pop de guitarras de unos Prefab Sprout o un Lloyd Cole. Grabada en los estudios de Guille Mostaza con él a los mandos, participan en ella los habituales Eduardo Piqueras a la guitarra acústica y Eva Plaza y Jesús Galvañ a los coros, además de nuestro estimado colaborador Jaime Cristóbal a la guitarra eléctrica.
El tema es promocionado con un simpático vídeo creado con imágenes enviadas por fans y amigos –Guille Mostaza, Santi Diego del grupo Capitán Sunrise, Rafa Skam de The Yellow Melodies, el locutor Julio Ruiz (¡que sostiene el debut de Britney Spears!) o el propio director del sello Jabalina, Tanis Abellán– que posan con el disco al que guardan ese cariño especial que Parade describe en la canción. Por supuesto que también aparece el propio Antonio Galvañ que, si te lo preguntas, sostiene el ‘Feel The Need’ de Leif Garrett.
La primer ocasión de ver a Parade interpretar ‘Esa música’ en directo será el nuevo minifestival Jubileo Juan de Pablos. Esta vez tiene lugar los días 30 y 31 de agosto en Madrid para celebrar la figura del querido locutor radiofónico, meses después de su jubilación. Además de él, Los Fresones Rebeldes, Charlie Mysterio, Cola Jet Set, Confeti de Odio, Yawners o F.A.N.T.A. se darán cita en ella.
El nuevo disco de Cassius no ha podido llegar a nuestras manos en peores circunstancias: apenas unas horas después del fallecimiento de uno de los miembros del dúo, Philippe Zdar, que la pasada semana se precipitaba accidentalmente por una ventana. Su pérdida ha sacudido no solo por supuesto a Cassius, que se despedirán con este álbum llamado ‘Dreems’, sino a algunas bandas amigas para las que Zdar estaba resultando fundamental. Hot Chip solo hablaban, antes de su muerte, maravillas sobre la aportación de Philippe a su nuevo disco ‘A Bath Full of Ecstasy‘; el artista había producido el año pasado el más que interesante ‘Always Ascending’ de Franz Ferdinand, y había servido de «guía especial» en ‘Ti amo’ de Phoenix unos meses antes, en 2017.
Es una pena además porque ‘Dreems’ es un trabajo mucho más centrado que el anterior álbum de Cassius, aquel ‘Ibifornia‘ en el que colaboraban con gente tan dispar como Cat Power y Pharrell Williams, de manera totalmente improbable incluso en la misma pista, o el omnipresente Ryan Tedder. Algunos colaboradores de aquel álbum de 2016 repiten en el nuevo, como es el caso de Mike D de Beastie Boys, pero o bien lo hacen con más brío o los elementos están mucho mejor dispuestos. No en vano ‘Dreems’ se ha concebido como una sesión de música de baile con las pistas unidas. Cuando terminan las 12 canciones del disco en las plataformas de streaming, la pista 13 presenta todo el álbum unido en un solo track.
Esta idea provoca que algunas pistas se vean realzadas, como es el caso de ‘Cause oui!’, que se crece al aparecer después de ‘Rock Non Stop’, con Mike D precisamente rapeando «Rock, we don’t stop» y aparentemente haciendo un pequeño «shade» a Gaga («I like Liza Minnelli / Not Gaga, don’t tell me»). Aunque muchas canciones se van construyendo a sí mismas a medida que avanzan y de manera independiente, como ‘Nothing About You’, de nuevo con John Gourley (of Portugal. The Man); o la mencionada ‘Rock Non Stop’, que primero parece va a ser un tostonazo de interludio y termina convertida en lo que podría haber sido un single de Simian Mobile Disco.
Son varios los temas que, de hecho, funcionan por sí solos y la cantante Owlle es responsable de muchos de ellos. ‘Don’t Let Me Be’ es muy merecidamente el single principal del álbum; ‘Dreams’, con el cantante de The Rapture y Joe Rogers, es un eufórico tema de chillwave en celebración del amor; y ‘Walking in the Sunshine’ el cierre perfecto tras la medio étnica ‘W18’ con Vula Malinga. De la reivindicación de esta como «mujer» en una canción positiva para ayudar a alguien a salir del bache («There’s no better place / Morning, peace in my shelter / Don’t give up the faith / I’m a woman, just tell me why (I’m a woman)»), pasamos a una visión de la mujer mucho más sensual y por supuesto compatible. Es un glorioso final para ‘Dreems’ que contrasta claramente con el aburridillo desenlace del largo anterior.
También son muy reivindicables piezas como ‘Fame’, entre el Bowie y la Madonna más «art pop» o ‘Calliope’, esta última como muestra de que el disco no necesitaba a cantantes famosos o no famosos para llenar las pistas de baile. Un buen álbum, involuntariamente de despedida, que al menos pudo servir para que Zdar reflexionara sobre su carrera en las que han sido sus últimas entrevistas promocionales, apenas un par de días antes de dejarnos.
Calificación: 7,4/10 Lo mejor: ‘Don’t Let Me Be’, ‘Dreams’, ‘Calliope’, ‘W18’. En general, la segunda mitad del álbum. Te gustará si te gustan: Basement Jaxx, Simian Mobile Disco, Cassius Escúchalo: Spotify
Amaia revela al fin los primeros detalles de su esperado primer disco. Aún sin concretar fecha de lanzamiento definitiva (el álbum sale en septiembre), al fin sabemos que el debut de la ganadora de Operación Triunfo 2017 llevará por título ‘Pero no pasa nada’ y se compondrá de 10 canciones, entre ellas ‘El relámpago’ y ‘Nadie podría hacerlo’, además de otras cuyos títulos la navarra nos desvelaba en una entrevista reciente.
Sin revelar demasiado del disco, El Segell explica en nota de prensa que «después de escuchar El Relámpago y Nadie Podría Hacerlo y presenciar el potencial de su directo en algunos festivales, Pero No Pasa Nada se intuye como un disco de corte pop rock en el que Amaia, con la ayuda de Santiago Motorizado a la producción, ha dado rienda suelta a su habilidad para componer canciones sencillas, desenfadadas y con melodías de las que terminas silbando horas después».
‘Pero no pasa nada’:
01 Última vez
02 Quedará en nuestra mente
03 El relámpago
04 Último verano
05 Nadie podría hacerlo
06 Quiero que vengas
07 Todos estos años
08 Un día perdido
09 Cuando estés triste
10 Porque apareciste
Conjuntamente a título, portada (¿o más bien portadón?) y tracklist de ‘Pero no pasa nada’ se han anunciado las primeras fechas de la gira de presentación del álbum, que arranca en Pamplona, de donde Amaia es oriunda, el 5 de octubre, y pasará también por A Coruña, Madrid, Granada, Barcelona o Murcia, entre otros puntos de la geografía española.
5/10 Baluarte (Pamplona) Próximamente
18/10 La Laboral (Gijón)
19/10 Palacio de la Ópera (A Coruña)
31/10 Temporada Alta – Auditori (Girona)
01/11 BIME (Bilbao)
08/11 Centro de Congresos (Granada)
23/11 Palau de les Arts (València)
20/12 El Liceu – Festival Mil·leni (Barcelona)
17/01 Circo Price (Madrid)
01/02 CC Miguel Delibes (Valladolid)
21/02 Auditorium (Palma de Mallorca)
14/03 Auditorio (Zaragoza)
21/03 Víctor Villegas (Murcia)
18/04 Cartuja Center (Sevilla)
Aunque, entrados de lleno en el verano, la cantidad de álbumes comienza a descender exponencialmente, esta semana novedades inesperadas como el nuevo álbum de Thom Yorke en solitario con corto para Netflix incorporado, y el secreto trabajo conjunto de J Balvin y Bad Bunny. Sin duda, han animado más la playlist Ready for the Weekend, en la que ya preveíamos incluir los nuevos discos de Kim Petras, The Black Keys, Freddie Gibbs & Madlib, Julia Michaels, Pedro LaDroga, Chris Brown y los debuts del productor dance Hayden James y la cantautora interesante Evie Irie, además de nuevos EPs del dúo Cine Nuria y la unión de Nico Miseria y Soto Asa.
Hoy también contamos con singles importantes, como el regreso de Mala Rodríguez, Ed Sheeran & Khalid (extraído del disco colaborativo del primero), Ellie Goulding & Juice WRLD, Iggy Azalea, ChocQuibTown & Becky G, Korn, Céline Dion, Ozuna, Daddy Yankee, Maldita Nerea o Juicy J (junto al dúo City Girls y Meghan Thee Stallion). Otros artistas que lanzan canciones destacables esta semana son Parade (primer adelanto del nuevo disco de Antonio Galvañ), serpentwithfeet, Bleached, Clairo, MUNA, Blanck Mass, H.E.R., Moon Duo, Izïa, Marcos y Molduras (atención a este dúo), Iseo & Dodosound, Yuksek, Eva Ruiz & Cruz Cafuné, Boy Pablo, Cristina Quesada, Lucy Dacus, Brittany Howard (la líder de Alabama Shakes en solitario), Jacques Greene, Mayer Hawthorne, Joyero (proyecto de Andy Stack, de Wye Oak), el interesante debut de B1N0 y el primer single post-Eurovisión de Miki Núñez. A estos se suman las canciones que hemos conocido a lo largo de la semana de Friendly Fires, Liam Gallagher, León Benavente & Amaral, Ms Nina o Joe Crepúsculo.
En cuanto a las novedades más curiosas, destaca el EP con el que Chucho conmemoran los 20 años de su hit ‘Magic’ (con la versión cantada por Manolo Martínez de Astrud y un par de remixes), junto al inédito que presenta Snail Mail para la reedición de su EP debut, una versión de Springsteen a cargo de Vampire Weekend exclusiva de Spotify, un disco de la serie DJ Kicks a cargo de Peggy Gou (con un nuevo tema suyo), el tema de Kygo para el holograma de Whitney Houston, la adaptación al español de ‘Should I Stay or Should I Go’ de The Clash que hace Xenia Rubinos para la BSO de la película ‘I’m Leaving Now’, la aportación de Meghan Trainor al concurso televisivo de composición ‘Songland’ o el tema que une a Maria Rodés, Santi Balmes y Joan Dausà para un anuncio de cerveza con conciencia ecológica.
Los Javis han visitado esta noche La Resistencia para promocionar la tercera temporada de ‘Paquita Salas’, que acaba de estrenarse en Netflix. Javier Calvo y Javier Ambrossi se dedican a echar pulsos durante la mayor parte de la entrevista, quedándose sin tiempo de responder a las preguntas que Broncano seguramente tampoco tenía pensado hacerles sobre, por ejemplo, la sintonía de ‘Paquita Salas’ cantada por Isabel Pantoja, la aparición de La Bien Querida en uno de los capítulos de esta nueva temporada, o en relación a la serie sobre La Veneno que el combo de directores se encuentra preparando.
Cuando a pocos minutos de empezar la charla, David Broncano plantea una serie de comparaciones a Los Javis sobre cuál de ellos es el alto y el bajo, el fuerte y el débil o sobre cuál de los dos la tiene más grande, sabes que la entrevista ha tomado una deriva incluso más absurda de lo habitual. La pena es que, en este caso, no haya resultado al menos divertidilla como la de Ms. Nina la noche anterior. ¿Cuántas horas dura la pelea de pulsos? Casi lo mejor del paso de Los Javis por La Resistencia es la emisión del tráiler de ‘Paquita Salas’ (sí, con música de Niños Mutantes).
Al menos al final, Calvo y Ambrossi sí responden sin tapujos a las preguntas sobre dinero y sexo de Broncano. El presentador conjetura al principio que deben tener unos 100.000 euros en el banco, pero Calvo acude raudo y veloz a apuntar que se ha «quedado cortísimo». En realidad ambos dicen disponer de unos 300.000 euros por cabeza, aunque Calvo asegura que Hacienda le ha salido a pagar y además una buena tajada. Por último, Los Javis explican que en el último mes han practicado sexo exactamente 0 veces, debido a su apretada agenda.