Más allá de la polémica por las similitudes con el vídeo de ‘Cellophane’ de FKA twigs (que explicamos hace unos días), el nuevo videoclip de Lil Nas X tiene varias referencias visuales dignas de destacar. La directora ucraniana Tanu Muino (en realidad tiene apellido gallego, Muiño, porque su padre es cubano), autora de clips como ‘Small Talk’ (Katy Perry), ‘Up’ (Cardi B) o el ‘Juro que’ de Rosalía, ha realizado una fantasía manierista, colorista y ultra kitsch, donde las referencias bíblicas serpentean por un universo de inspiración grecolatina, y los pelucones versallescos se mezclan con la simbología satánica.
‘Montero’ comienza en el Jardín del Edén. Lil Nas X aparece bajo el Árbol del Conocimiento, cual Adán y Eva despreocupados. La llegada de la serpiente pondrá su mundo patas arriba. Le tentará carnalmente, y de esa manera descubrirá su “pecaminosa” sexualidad. Tras un plano del árbol donde aparece grabada una cita de ‘El Banquete’ de Platón referente a la androginia, pasamos al juicio público. Lil Nas X es encadenado en una gran sala, y juzgado por una masa ciega y un tribunal que lleva pelucas a lo Maria Antonieta.
Después de ser lapidado, asciende al cielo como un mártir cristiano hasta que aparece una barra de baile. Se agarra a ella y desciende al infierno a través de una arquitectura inspirada en el interior del Panteón de Agripa. El cantante traspasa las puertas del averno, que parece sacado de la iconografía del género de fantasía heroica, para, como una bruja medieval, bailar sensualmente con el mismísimo Satán. Un príncipe de la tinieblas cuya apariencia recuerda al de la película ‘Legend’ y que acabará destronado por Lil Nas X como un ángel caído visto por Pierre et Gilles.
En 2018, Phoebe Waller-Bridge estaba más solicitada que Dua Lipa y Rosalía juntas. Entre las series ‘Fleabag’ y ‘Killing Eve’, su papel en ‘Han Solo: Una historia de Star Wars’, y su guión para ‘Sin tiempo para morir’, la última de James Bond, la actriz londinense no podía con la vida. Así que decidió llamar a una amiga para que la sustituyera como guionista de la segunda temporada de ‘Killing Eve’. Eligió a la actriz y escritora de novelas infantiles Emerald Fennell, con quien había hecho buenas migas en 2011 durante el rodaje de ‘Albert Nobbs’.
Fennell, que hasta ese momento apenas había escrito algún capítulo de ‘Drifters’, supo aprovechar la oportunidad: ‘Killing Eve’ fue un éxito y ella fue nominada en los premios Emmy por el guión de la serie. Además, su carrera como actriz -hasta ese momento bastante discreta- tomó un gran impulso cuando fue elegida para interpretar a Camila Parker en ‘The Crown’. Un año después, en 2019, siguió la racha. Margot Robbie, a través de su compañía LuckyChap, decidió producir un guión suyo y le ofreció dirigirlo.
El resultado es ‘Una joven prometedora’, un debut notable que le ha valido a Fennell estar nominada en todos los premios importantes del año: Globos de Oro, Bafta, Oscar… En estos últimos compite en cinco categorías: Mejor película, dirección, actriz principal, guión original y montaje. Donde más posibilidades tiene es en la categoría de guión (acaba de ganar el Bafta) y en la de actriz, donde Carey Mulligan parte como favorita (aunque extrañamente, siendo inglesa, se haya quedado fuera de las nominaciones de los Bafta).
‘Una joven prometedora’ es una película (gozosamente) desconcertante. Nunca sabes por dónde va a salir ni el tono que va a emplear. Por un lado, es una ingeniosa reformulación en clave feminista del subgénero “rape and revenge”. Una adaptación a los tiempos del MeToo de esa vertiente riot grrrl del cine de explotación que empezaría con el clásico de culto ‘Ángel de venganza’ (1981), continuaría con ‘Kill Bill’ (2003), y acabaría (por ahora) con las recientes ‘Revenge’ (2017), ‘M.F.A.’ (2017) o ‘Amulet’ (2020).
Por otro lado, es una estilosa comedia negra que parodia y retuerce, con el puño violeta bien apretado, las comedias románticas indies (la escena de la farmacia con ‘Stars are Blind’ de Paris Hilton sonando de fondo) y las de despedidas de soltero (la secuencia final). Y, por último, la película es un vigoroso y punzante drama sobre la violencia de género. ¿Funciona esta combinación tan heterogénea y arriesgada? Mucho más de lo esperado.
Aunque a veces parece que va a perder pie, con tantos vaivenes narrativos y sacudidas dramáticas (algún resbalón pega, eso sí), la directora logra enderezar el rumbo de la película todo el tiempo. Lo consigue gracias a un guión muy equilibrado, a pesar de sus giros y cambios de tono; a una puesta en escena muy eficaz, que logra reflejar de forma muy expresiva la personalidad y el momento vital en el que se encuentra la protagonista; a la estupenda interpretación de Mulligan, que nunca se pasa de graciosa ni de melodramática; y a un discurso sobre el machismo y la venganza tan inteligente e hiperbólico como necesario.
Lo próximo de Emerald Fennell será el guión de ‘Zatanna’, la puesta de largo de la superheroína de DC Comics que prepara J.J. Abrams como productor y, ¿la propia Fennell como directora? Esperemos que sí.
Noel Hogan, conocido por ser el guitarrista de los Cranberries y co-autor de muchas de sus canciones, firma una de las novedades del viernes con ‘Crybaby’. Es una colaboración con la cantante, compositora, actriz e integrante de los Commitments Bronagh Gallagher gestada, escrita y grabada a distancia durante el confinamiento. Una preciosa canción de amor que hoy es la «Canción Del Día».
Cuentan ambos que ‘Crybaby’ está inspirada en la admiración que los dos sienten por la música de los años 60. En concreto, mencionan los nombres de Jerry Wexler (productor de Ray Charles, Aretha Franklin o los Allman Brothers, y la persona que acuñó el término «rhythm & blues»), Arif Mardin (productor de Bee Gees, Hall & Oates o Dionne Warwick) y Dusty Springfield.
Pero, quizá debido a que Noel y Bronagh no dejan de ser irlandeses, y precisamente porque a los dos les gusta la música pop de los 60, ‘Crybaby’ suena abiertamente brit-pop, como una balada en el estilo de los años 90, hasta el punto de que se nota que Noel Hogan es amigo de Bernard Butler de Suede desde aquella gira conjunta de 1993. En ‘Crybaby’, la melodía es emotiva, edificante y atemporal mientras las guitarras conviven con los violines y Bronagh ofrece una actuación vocal entregadísima.
El clásico mensaje de ‘Crybaby’ es que el amor es lo más importante, y este queda reflejado de manera especialmente conmovedora en un estribillo hecho para elevar el espíritu, en el que violines y la voz de Bronagh vuelan juntos de la mano. Otra de las inspiraciones de este medio tiempo de brit-pop contemporáneo ha sido el espacio: la frase «deja que la música te haga salir adelante, deja que los rubíes te lluevan encima» está inspirada en unas imágenes del espacio profundo compartidas por la NASA.
Las buenas noticias de Noel Hogan no se acaban aquí, ya que el músico dice poseer «todo un disco duro» de música nueva que ha grabado con otros artistas colaboradores, si bien explica que ‘Crybaby’ sabía que tenía que cantarla Bronagh y nadie más. ‘Crybaby’ es el primer single que lanza Noel desde que en 2019 viera la luz el último disco de los Cranberries, publicado un año después de la muerte de Dolores O’Riordan.
Por si el mundo no había tenido suficiente con la versión de ‘Imagine’ de John Lennon que algunas celebrities perpetraron el año pasado para hacernos pasar la cuarentena un poco mejor, porque todo el mundo sabe que no hay nada comparable al calor de un desconocido, hoy ve la luz entre las novedades del viernes un single de similar espíritu que representa una «UNIÓN SIN PRECEDENTES EN LA HISTORIA DE LA MÚSICA» (así en mayúsculas).
Se trata, atención, de una versión del ‘Himno de la Alegría’ en la que «por primera vez en España» han participado 40 artistas pertenecientes al oligopolio de las tres principales discográficas, estas son Universal, Sony Music y Warner. Como la pesadilla de los premios Odeón, pero en canción. Por «sin precedentes» suponemos que se refieren a que estas tres discográficas multinacionales se hayan puesto de acuerdo para que sus respectivos artistas participen en una grabación conjunta, porque lo de que 80 artistas canten juntos una canción no es nuevo. Sin ir más lejos, la BBC sacó una por Navidad.
Como indica la nota de prensa, todos estos artistas -un total de 40, listados todos en la info de Youtube- han grabado su parte de la canción de forma «altruista», sin pedir nada a cambio, solo tu esperanza e ilusión. La sacrificada versión de esta composición original de Beethoven, por cierto adaptada cientos de miles de veces, busca promover los valores de la «concordia, la esperanza, la fraternidad y la unión» porque son «valores que nos representan y son más necesarios que nunca».
La idea detrás de la versión de ‘Himno a la Alegría’ es que las tres multis muestren su «apoyo incondicional a la industria de la música, sin fisuras». Nada más necesitaba la industria de la música en estos momentos que escuchar a Alejandro Sanz, Aitana, David Bisbal, Malú, Pablo Alborán, Rozalén y decenas de otros artistas juntos en una misma canción porque sí. Bueno, perdón, la intención es emitir entre todos «una voz solidaria, por un mundo más amable y más humano». ¿Me he perdido algo? ¿Alejandro Sanz va a hacer el mundo más amable? ¿Cuántos años lleva de crisis creativa? ¿A quién le puede interesar escuchar estas guitarras ultracasposas? ¿Dónde está el 99% de la industria de la música en este tinglado?
Otros artistas que participan de manera ALTRUISTA en esta versión que salvará a la industria son Malú, Laura Pausini, Pablo Alborán, Camilo, Rosario, Leire de La Oreja de Van Gogh, Andrés Calamaro, Mikel Izal, Macaco, Nathy Peluso o Sebastián Yatra. También se han sumado al proyecto otras conocidas personalidades melómanas como Rafa Nadal, Marc Márquez, Pau Gasol o Messi.
Ramón Rodríguez no puede parar de crear. Si ya es un músico prolífico de por sí, imagino que estos tiempos con apenas conciertos han exacerbado esta tendencia. En enero apareció un nuevo disco de Madee, la mítica banda de emocore; apenas dos meses más tarde, The New Raemon presenta otro disco, en alianza con David Cordero (Úrsula) y el multiinstrumentista Marc Clos. Ya hemos perdido la cuenta de la cantidad de discos que Ramón ha realizado al alimón con otros artistas: ‘El Problema De Los Tres Cuerpos’ con Francisco Nixon y Ricardo Vicente, ‘Convergència i Unió‘ junto a Maria Rodès y Martí Sales, ‘Lluvia y Truenos’ con Ricardo Lezón de McEnroe…
‘A los que nazcan más tarde’ aparece después de los dos mejores discos que ha publicado The New Raemon, ‘Una canción de cuna entre tempestades‘ (2018) y ‘Coplas del andar torcido‘ (2020). Precisamente, en este último David Cordero fue parte esencial, aunque ‘A los que nazcan más tarde’ recoge más bien el pesimismo de ‘Una canción de cuna’. Ramón sigue fiel a su estilo, a su particular imaginario atormentado pero contenido, pero ahora despojado completamente de sus visos costumbristas. También gracias a la colaboración con Cordero y Clos, el universo de The New Raemon ha adquirido una dimensión más atmosférica, sin guitarras, centrada en el ambient. Todo esto cobra sentido cuando lees en la hoja promocional que David Cordero retó a Ramón a componer en base al piano y a olvidarse de las guitarras. Y ahí, entre tres, en pleno confinamiento, cada uno desde su casa, han construido este disco, tan sólido como etéreo. Ramón sentando los cimientos, David poniendo los marcos de electrónica paisajística y Marc mimando los detalles.
‘A los que nazcan más tarde’ es una obra sin fisuras, con una absoluta unidad estilística. La compañía impone ciertos sesgos, a pesar de que la personalidad de The New Raemon, letrista y cantante, sea la que, obviamente, sobresale. La atmósfera es aún más densa que en sus discos anteriores, incluso diría que se hace difícil avanzar entre la marea de pesadumbres. Esto se hace evidente, por ejemplo, en el inicio de ‘Plata verdadera’, con unas querencias electrónicas diferentes de toda su obra anterior, donde el paisaje va cambiando, como si transitáramos a través de paisajes agrisados en un tren, en que se ven breves destellos de luz que duran poco. Sin en embargo, las marimbas de Clos y los dulces colchones de teclados de Cordero sobre los que arranca el disco en ‘La peor parte’ prometen algo más esperanzador. Y aunque la esperanza es algo que se nombra en la hoja promocional, sonoramente buena parte del disco es la banda sonora de aflicción; enseguida ‘Cámara lenta’, colgada sobre cuerdas y ráfagas tenues de sintetizados orquestados, ya nos arrastran a un estado de ánimo afligido, con su tempo lento y taciturno.
Pero dentro de la densidad también hay momentos para respirar, como ‘Corre, Caballo viejo’: su estribillo es el que se acerca más a la luminosidad. También está presente la intensidad de los The Cure de ‘Disintegration‘ en ‘Una infancia’, intensidad que se transforma en un cruce de bolero y balada melódica siniestra en ‘Todos quieren un final tranquilo’, de mensaje tenebroso, con la voz de Ramón en muy primer plano, que se frena un poco en el estribillo y nunca llegue al esperado desmelene.
Los ánimos aumentan con un piano cuasi house en ‘No haces de mí lo que soy’ y, aunque la voz de Ramón sigue sonando épica, el revestimiento lo eleva, el paisaje sonoro de sintetizadores, esos “no hay prisa” que se repiten a la suerte de coros/estribillo, hacen de este tema el momento más luminoso de un disco creado entre nubarrones negros, junto con el cierre de ‘Lanzo piedras al mar’, en que brilla una especie de esperanza entre clics, redobles de batería electrónica y ecos de ‘Vespertine‘ de Björk. Pero no dejan de ser dos pequeñas bocanadas de aire en un magma de pesar. Al fin y al cabo, quizás incluso en contra de su voluntad, Rodríguez, Cordero y Clos han puesto música al estado de mal sueño en el que vivimos.
Como cada viernes, actualizamos la playlist de novedades «Ready for the Weekend». Hoy salen los nuevos trabajos discográficos de Love of Lesbian, Greta Van Fleet, London Grammar, The Black Keys (álbum de versiones), Fred again…, Rothrigo, Sharon Van Etten (reedición de ‘Epic’, incluye dueto con Fiona Apple) o Paul McCartney (disco de duetos y remixes, con Beck, Khruanbing, Blood Orange o St. Vincent).
También ven la luz hoy nuevos álbumes de Zoé, ILOVEMAKKONEN, Still Dreams (del sello Elefant) o el disco de «lamentaciones» de Sufjan Stevens. Por otro lado, ya había salido el disco conjunto de Natos y Waor con Recycled J y entre los EPs que llegan hoy a las plataformas de streaming, los nuevos de Pantocrator, No sé a quién matar, Cautious Clay o Basside, del que destacamos un corte producido por SOPHIE.
Desde hoy es posible escuchar el esperado nuevo single de Troye Sivan (con Tate McRae y producido por Regard, atención rompepistas), así como lo nuevo de Twin Shadow, Chica Sobresalto, Baby Queen, ORTIGA, Denise Rosenthal con Lola Indigo, Noel Hogan con Bronagh Gallagher, Menta, Easy Life, Ant Cosmos, BRONQUIO con Nita. En los últimos días hemos destacado en portada los nuevos sencillos de Lori Meyers, MARINA, Chico y Chica o girl in red.
Mejor que escuchar la nueva versión de ‘Himno de la Alegría’ perpetrada por 40 artistas de Los 40 Principales / Cadena 100 que nadie ha pedido, incluimos en la playlist también los nuevos singles de Tirzah, Bianca Mui, Tiburona, Lucy Dacus (foto), Bebe Rexha, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Spellling, Rels B o Niña Pastori con DELLAFUENTE.
Más novedades, lo nuevo de Ángel Stanich, Gaspard Augé con Justice, Núria Graham o Chet Faker, o curiosidades como un nuevo single de Alanis publicado de la nada y llamado ‘I Miss the Band’, un dueto con Rina Sawayama con Elton John o una versión de ‘Vivir así es morir de amor’ por parte de Tú peleas como una vaca.
Christina Aguilera no tardará 80 años en publicar nuevo disco. En una entrevista con Health Magazine, la cantante ha confirmado que está a «meses» de anunciar hasta dos nuevos álbumes, uno en inglés y otro en español, el sucesor de ‘Mi reflejo’ que lleva preparando años. La intérprete de ‘Accelerate’, una de las mejores canciones de 2018, se encuentra trabajando en los dos discos «de manera simultánea» pero dice que se lo toma con calma porque es «perfeccionista y quiero entregar lo mejor de mí en cada proyecto».
En cuanto al contenido de los dos discos, Christina cuenta que ha hecho un proceso de introspección en el último año y que ha ganado una «nueva perspectiva» ante la vida. «Vuelvo a estar inspirada y me he enamorado otra vez de la música», asegura. ¿No dice lo mismo siempre que saca disco? «Todas las sesiones de composición las he abordado siendo honesta como un libro abierto y diciendo «así es como me he sentido». Confirmado: es lo que dice cada vez que saca disco. Sobre la música no cuenta nada, pero si es lógico esperar influencias de la música latina en el disco en español, el cantado en inglés probablemente seguirá una línea parecida a ‘Liberation‘, adentrándose en una mezcla de géneros. Todo es especulación.
Si bien se desconoce la identidad de los músicos y colaboradores que trabajan en los nuevos discos de Aguilera, así como cualquier fecha de edición que se esté barajando, en los últimos meses la autora de ‘Bionic‘ no ha dejado de subir fotos de ella en el estudio con diversos músicos. Como mínimo, está confirmado que la madrileña Beatriz Luengo, que ha trabajado con Ricky Martin, Daddy Yankee o CNCO y desde luego ha alcanzado un enorme éxito como compositora de pop latino en Estados Unidos, mucho más del que jamás ha logrado en España, ha compartido sesiones con ella para su disco español.
Por otro lado, estos días Christina ha sido noticia porque ‘Lady Marmalade’, su icónica versión del éxito de 1971 de LaBelle con P!nk, Missy Elliott y Mya, ha cumplido 20 años. En cuanto a sus últimos proyectos, en 2020 estrenó la canción oficial de la banda sonora de ‘Mulan’, ‘Loyal Brave True’, así como su versión en español ‘El mejor guerrero’, y antes lanzó una segunda colaboración con Great Big World llamada ‘Fall on Me’. Últimamente ha aparecido en el documental de Demi Lovato. Te invitamos a comentar todas las noticias sobre Christina Aguilera en nuestros foros.
Otro aniversario importante para Christina Aguilera que se acerca -el año que viene- es el de su álbum ‘Stripped’ y el de su single principal ‘Dirrty’, que nuestro colaborador Juan Sanguino ha recordado de manera extensa en estas páginas. Un tema, en sus palabras, que «casi 20 años después de su estreno pervive como la aportación más importante de Christina Aguilera a la cultura popular», al representar «un antes y un después en el tratamiento de la sexualidad femenina en el pop».
Peach Tree Rascals han arrasado en las plataformas de streaming con la buenrollista ‘Mariposa’ gracias a TikTok y están listos para comerse el mundo. No lo digo yo, lo dicen ellos mismos en esta entrevista donde demuestran que tiene las cosas muy claras. El grupo de California, formado por los cantantes y raperos Isaac Pech, Tarrek Abdel-Khaliq y Joseph Barros, además de por el productor Dominic “Dom” Pizano y el director creativo Jorge Olazaba, acaba de publicar su primer EP, ‘Camp Nowhere’, una colección de pop ecléctico de la generación Z en la que confluyen todos los sonidos que les interesan, del indie-pop luminoso de ‘OOZ’ a los ritmos hip-hoperos de ‘LEAVE ME’ pasando por el folk pastoral de ‘Pockets’. Hablamos por Zoom con todos ellos: Tarrek llama desde Nueva York y los demás integrantes se encuentran juntos en California, todos ellos sentados delante del ordenador. Isaac y Tarrek son, queda claro desde el segundo cero, los portavoces de la banda, mientras el resto hace algún comentario puntual.
¿Contentos de haber sacado el EP?
Tarrek: «Estamos encantados, la reacción está siendo muy buena, las canciones que creíamos que iban a funcionar mejor están yendo de maravilla. Mola que a la gente le gusten las mismas canciones que a nosotros».
¿A qué canciones os referís?
Isaac: «‘OOZ’, ‘LEAVE ME’, ‘Oh Honey! (I Love You)’ y sobre todo ‘Change My Mind'».
Vuestra música tiene influencias de muchas cosas. ¿Es porque estáis buscando vuestro sonido, o más bien ese eclecticismo os define?
Terrek: «Creo que nuestra versatilidad y nuestra manera de crear nos define, no estamos buscando un sonido sino que nuestro sonido se define por la libertad con la que creamos. No nos ponemos límites, simplemente hacemos música y vamos lo más lejos que podemos para hacer la mejor canción posible. Nuestro objetivo es hacer música atemporal y, aunque nuestro proceso nunca va a cambiar, a medida que tengamos acceso a mayores recursos nuestro sonido crecerá a la vez que nosotros».
Para los lectores que no os conozcan, contadme cómo surge la banda.
Isaac: «Yo me mudé a San José, que es donde son ellos. Todos ellos ya eran colegas y a mí me costó un año y medio infiltrarme en su grupito, pero finalmente empezamos a quedar, a jugar a baloncesto… Yo ya hacía música por mi cuenta y entonces Joseph y Tarrek empezaron a grabar conmigo, luego Dominic se puso a los mandos de la producción y George de los visuales. Llegó un momento en que tomamos la decisión de tomarnos el grupo realmente en serio».
Tarrek: «Éramos amigos en el instituto. Cuando nos conocimos no sabíamos que íbamos a formar un grupo de música. Isaac y yo sí lo habíamos pensado, más que el resto, porque ya hacíamos nuestras cosas por separado, y él me inspiró de inmediato porque ya grababa su propia música, pasaba CDs en el instituto y subía sus temas a Soundcloud. Cuando Joseph y Don se sumaron al proyecto elevaron nuestro sonido. En la época lo único que queríamos era hacer música y ser creativos, y cuando llegó el momento de arriesgarse y tomar la decisión de montar el grupo, fue fácil porque somos todos amigos».
¿Os ha sorprendido el éxito de ‘Mariposa’? ¿Os lo esperabais más bien de otra canción o en el fondo sabíais que iba a alcanzar cierta repercusión?
Isaac: «Siempre hemos sabido que ‘Mariposa’ era especial pero nosotros pensábamos que la canción que nos iba a hacer famosos era ‘Mango’. El sello apostó por ‘Mariposa’ y tenia razón».
Tarrek: «Nosotros creemos en todas las canciones que hemos sacado, pero en 2019 lo que teníamos en mente era sacar ‘Mariposa’ con la intención de que allanara el terreno para ‘Mango’. Al final ha sido al revés».
Habéis compuesto ‘Camp Nowhere’ en una cabaña cerca de Yosemite. ¿Seguís viviendo juntos? ¿Cómo os habéis organizado?
Isaac: «Vivimos juntos desde hace un año y medio. En la cabaña lo único que hacíamos era escribir música, preparar el proyecto… pero trajimos un par de temas que ya tenían un año, casi dos, como ‘Jojo’, que nos la reservábamos para sacarla más adelante, en un proyecto como este».
¿El título de ‘Jojo’ lo habéis sacado del anime, o de la cantante?
Tarrek: «Fue Joseph quien escribió la canción pero el título no tiene ningún sentido. ‘Change My Mind’ se iba a llamar ‘Jasper Wants Ice Cream’ y el título no se tenía que haber cambiado, pero por cositas en las que prefiero no entrar ahora mismo lo hemos tenido que cambiar».
Isaac: «Digamos que, desde un punto de vista de mercado, tenía más sentido llamarla ‘Change My Mind’ y por eso lo cambiamos».
«Nuestro disco tendrá un concepto, queremos que sea coherente y que narre una historia»
‘OOZ’ es una de las más especiales, abre el EP.
Tarrek: «‘OOZ’ tenía que ser la primera pista de ‘Camp Nowhere’ porque te mete de lleno en el mundo del EP. Por cómo hemos estructurado ‘Camp Nowhere’, el EP parece narrar una vida entera: ‘OOZ’ es el inicio eufórico y, a medida que avanza la secuencia, esta se va poniendo mas meláncolica y reflexiva, como si llegara al final de un viaje».
¿Os interesan las narrativas, los conceptos?
Isaac: «Cuando saquemos el álbum, tendrá un concepto. ‘Camp Nowhere’ se puede decir que lo tiene hasta cierto punto, pero musicalmente nos hemos enfocado en mostrar todo lo que somos capaces de hacer. El álbum contará una historia de manera más clara».
Tarrek: «Nuestro sueño siempre ha sido hacer un álbum, con su propia película. Que todos los temas tengan su videoclip y narren una historia. Buscamos esa experiencia cinematográfica para conectar con el público en una manera mas profunda».
¿Qué ideas tenéis en mente?
Isaac: «Yo tengo conceptos pensados desde que empezamos a sacar música, pero en cuanto a la historia concreta todavía no he decidido nada. Como mínimo quiero que el álbum sea una pieza coherente, con sus transiciones y sus interludios. Que sea una obra total hermosa. ‘Camp Nowhere’ es hermoso pero no es tan coherente, es más una colección de canciones».
Tarrek: «Queremos que el álbum parezca casi una canción larga».
¿Se os ocurren discos de este tipo que os hayan inspirado?
Isaac: «To Pimp a Butterfly‘ de Kendrick Lamar es el mejor ejemplo».
Isaac y Tarrek a la vez: «‘Blonde‘ de Frank Ocean».
Tarrek: ‘Malibu‘ de Anderson .Paak.
Joseph: «‘Dark Side of the Moon'».
Tarrek: «‘The Marshall Matters LP1’ de Eminem».
Tarrek: «Yo me veo entre los grupos más exitosos de la historia. Es cuestión de tiempo que lo petemos. Tenemos todo lo que se necesita»
¿Cómo son entre vosotros las conversaciones sobre música?
Isaac: «Si sale una canción que a todos nos gusta nos la enviamos entre todos e intentamos capturar su misma energía».
Tarrek: «Al vivir juntos, todos estamos al tanto de lo que escucha cada uno, de modo que no necesitamos hablar exactamente sobre música porque ya sabemos lo que cada uno quiere hacer. Yo me puedo levantar a las 8 de la mañana y encontrarme a Isaac escuchando su música a toda hostia, e irme a dormir y toparme con Jasper escuchando algo totalmente distinto. Es una mezcla de sonidos muy diferentes la que suena en casa».
Isaac: «Yo presto atención a los números que hacen los artistas grandes y mi aspiración es llegar a ser como ellos»
Habéis dicho que sacaréis vuestro disco cuando os hagáis mas famosos, que aún tenéis que meteros en el Billboard. ¿Os interesan las listas de éxitos? ¿Estáis pendientes de lo que la gente escucha?
Isaac: «Yo sí presto atención a los números que hacen los artistas grandes y mi aspiración es llegar a ser como ellos. Desde que tengo 12 años he estado obsesionado con las listas de ventas, me gusta saber cuáles son los discos más vendidos cada semana, y me gusta escuchar lo que suena en la radio».
No tenéis miedo de alcanzar cierto éxito.
Tarrek: «Nuestro objetivo principal es hacer música, pero también queremos alimentar a nuestras familias y garantizar un futuro a nuestros hijos. Queremos llevar este proyecto lo más lejos posible. Cuando vemos a todos estos artistas grandes en las listas de éxitos, nosotros nos vemos también en su mismo lugar. Yo ya me veo entre los grupos más exitosos de la historia. Ya veo ‘Camp Nowhere’ entre los EPs de debut más exitosos de la historia. Es cuestión de tiempo que lo petemos. Nuestra estrategia de sacar singles y vídeos nos llevará al punto en que cuando saquemos nuestro debut, llegue a las listas y estas nos abran nuevas oportunidades y colaboraciones para que nosotros podamos seguir haciendo la música que siempre hemos soñado hacer. Una cosa que me molesta es que los artistas que más nos influyen son súper difíciles de alcanzar, pero seguimos queriendo trabajar con ellos. Tenemos todo lo que se necesita».
¿Sabéis que la ciudad que más os escucha en Spotify es Jakarta, y después Los Ángeles?
Tarrek: «Es por el éxito de ‘Mariposa’ y la hermosa cara de Joseph».
¿Os estáis preparando para ser ídolos teen?
Isaac: «Para la nueva generación, sí. Queremos armar una buena base de fans que nos siga allá donde vayamos hasta que tengamos 30 años».
Pero la verdadera sorpresa de la noche para los amantes del pop ha venido dada cuando Pablo Motos ha anunciado quiénes serán los invitados del programa durante la semana que viene. Estarán David Summers el martes, Florentino Fernández y Santiago Segura el miércoles, Alberto Chicote el jueves… y antes de todo esto, La Bien Querida el próximo lunes.
Rara vez El Hormiguero entrevista a artistas independientes, pues recordemos que a pesar de que el alcance de La Bien Querida es considerable y sus oyentes se cuentan por cientos de miles, continúa siendo una artista fichada por Elefant. No recordábamos nada tan raro en El Hormiguero desde que Russian Red fue al programa, antes de ser fichada por Sony. ¿Acaso se estará fijando en La Resistencia?
En los últimos tiempos, y tras la aparición de sus canciones en Operación Triunfo y series de moda, tanto ‘Dinamita’ como ‘De momento abril’ de La Bien Querida suman 10 millones de streamings solo en Spotify, es decir, probablemente sean disco de platino en España.
En la actualidad, La Bien Querida se encuentra preparando un nuevo álbum y a finales del año pasado presentaba lo que podría ser un single del mismo, llamado ‘Un gatito’. Entre sus inminentes fechas, estará el 23 de mayo en Tomavistas Extra junto a Melenas. Entradas, aquí.
A falta de unas horas para que se cierre la semana musical -que va de viernes a jueves, pues es cada viernes cuando se lanzan casi todas las novedades-, Taylor Swift se ha asegurado otro número 1 en Reino Unido con la regrabación de su disco ‘Fearless’, llamado ‘Fearless (Taylor’s Version)’. Este lanzamiento es el resultado de su pérdida de los derechos sobre las grabaciones originales… y sus fans se han volcado con este proyecto.
Según se observa en las «midweeks» británicas, este será desde este viernes el nuevo número 1 en las islas con ventas en torno a las 20.000 unidades, muy por encima del puesto 2, que será aparentemente Justin Bieber con ‘Justice’, en torno a 5.000. De esta manera, esta nueva versión del álbum, regrabada y con canciones inéditas, mejorará el puesto 5 original que obtuvo el álbum en 2008. Será en total el 7º álbum de Taylor Swift que será número 1 en Reino Unido, lo que la sitúa ya tan sólo por detrás de Madonna y Kylie Minogue en cuanto a artistas femeninas.
Como informa HDD, el álbum ‘Fearless (Taylor’s Version)’ también será número 1 en Estados Unidos con 190.000 ventas reales y 300.000 puntos sumando streamings y descargas sueltas; dejando en el puesto 2, muy lejos, ‘The Best of DMX’ tras la muerte de este.
En este caso, eso sí, no había nada que mejorar, pues el disco original sí fue número 1 en Estados Unidos, hasta el punto de haber sido certificado como diamante por la distribución de lo equivalente a 10 millones de copias. Considerado un clásico en América gracias a temas como ‘Love Story’ y ‘You Belong With Me’, ‘Fearless’ es un proyecto bastante desconocido en la Europa continental y en especial en España, donde siempre lo asociamos a la Taylor más adolescente, ñoña y country. El disco sí llegó a ser top 28 en nuestro país, y en cualquier caso, seguramente mejore su dato el próximo martes. Para ser número 1, eso sí, habría de destronar a ‘El Madrileño’ de C. Tangana, que lleva 6 semanas en la cima.
Varias canciones de ‘Fearless (Taylor’s Version)’ han inundado lo más escuchado de la cantante en las plataformas, destacando la buena aceptación de ‘Love Story’, ‘You All Over Me’, ‘Mr Perfectly Fine’ y ‘You Belong With Me’. Se espera que unas 12 canciones de hecho se cuelen en el Billboard Hot 100 ampliando su récord de entradas en la lista para una artista femenina.
girl in red es autora de algunos de los mayores hitazos de indie-rock de los últimos tiempos, como ‘we fell in love in october’, ‘i wanna be your girlfriend’, ‘summer depression’, ‘girls’ o ‘dead girl in the pool’. Su creciente éxito le ha llevado a colaborar con Finneas, hermano de Billie Eilish, en ‘serotonin‘, un corte marcado por las distorsiones electrónicas típicas del productor, que pasaba por nuestra sección «Canción Del Día» hace unos meses. Después de ‘rue’, ‘serotonin’ era el segundo adelanto de ‘If i could make this go quiet’, el disco que la noruega Marie Ulven publica el 30 de abril.
Desde ya es posible también escuchar el tercero, ‘You Stupid Bitch’, hoy la «Canción Del Día». Se trata de un corte más acelerado e inmediato que el resto, en el que los efectos electrónicos no toman en absoluto el protagonismo, sino que lo hacen las guitarras y los bajos, los cuales desprenden cierto carácter grunge. La producción de ‘You Stupid Bitch’ también busca la distorsión, pero el tema evoca más bien la urgencia de los primeros Bloc Party o los primeros Hard-Fi.
«No sabes lo que mereces» es la frase que resume el concepto de esta canción: girl in red juzga a una muchacha por tomar malas decisiones porque de quien debería estar enamorada, es de ella. «Maldita estúpida, ¿no te das cuenta de que yo soy la persona perfecta para ti?» La letra parece de Ed Sheeran o Shawn Mendes, pero no. «Es por eso que te terminan haciendo daño, nunca me escuchas, te doy consejos y te pones a la defensiva, y después vas y tomar las peores decisiones posibles».
Cuenta girl in red que la inspiración de ‘You Stupid Bitch’ le ha venido de una frase incluida en la película de 2012 ‘Las ventajas de ser un marginado‘ -basada en el libro de igual título de Stephen Chbosky-, «aceptamos el amor que creemos que merecemos». La cinta, protagonizada por Logan Lerman, Emma Watson y Ezra Miller, narra la vida de un grupo de estudiantes marginados que se hacen amigos en el instituto.
Sobre la canción, Ulven explica que «siempre estaba ahí por esa persona, cada vez que le rompían el corazón iba directa hacia ella, pero ella nunca me veía más que como una amiga, a pesar de que sé que la habría hecho muy feliz. La esencia de esta canción es que estoy aquí para ti, pero tú te la sigues jugando con esa otra gente, y esa gente te sigue haciendo daño.
Odio un poco a Lisasinson. Digamos que pasarme todo el **** día cantando «me pondré mis mejores braguitas y rezaré» no era mi bienvenida perfecta a esta primavera, no ya «a mi edad» sino a ninguna que haya conocido de momento. Así es esto del pop: más de 40 años después de la Edad Dorada de los Ramones, lo que pueden y deben hacer los seguidores del género -las seguidoras, en este caso- es dar con frases, melodías o ideas que se nos graben a fuego, y para siempre.
Al grupo valenciano formado por Míriam Ferrero (voz y guitarra), Mar Espinosa (guitarra y voz), María Martínez (batería y voz) y Paula Barberán (bajo y voz) se le ha dado muy bien dar con ese algo desde la primera vez que escuchamos su hit primigenio, ‘Barakaldo’, hace un par de años. Aquella «canción irónica sobre lo imbécil que te vuelves cuando te enamoras», en concreto sobre el día en que el amor te vuelve «gilipollas integral», que suma ya medio millón de escuchas en Spoti, aparece en el disco ‘Perdona mamá’ (sic) que esta semana ha publicado Elefant. Solo que diluida en el penúltimo lugar de la cara B, después de muchas otras cosas que Lisasinson han ido dando a conocer durante este tiempo.
‘Atasco’, con coros de vocación 60’s y cierta angustia existencial, reivindicativa y abiertamente feminista, dedicada a «las mujeres que ya no están» («en esta negra ciudad, las chicas ya no volverán a bailar jamás»), abre con un estribillo totalmente presto para el «sing along» y un punteo irresistible. ‘Volverte a enamorar’ es la más espídica y rima «montar una banda» con «ir en tu Seat Panda», con bastante gracia, la que aporta haber escuchado mucho más a Los Fresones Rebeldes que a Estopa.
Y muy especialmente ‘Canción para mi crush’ puede ser la mejor composición de Lisasinson, pese a ser la más larga: va progresando de un medio tiempo a una parte más agitada, por el camino tiene tiempo de coquetear con el beat reggaetón más típico, aunque lo más interesante es que su aparente devoción sin condiciones hacia el chico de «mala hostia» y esas «putas pecas que ponen a saco» solo puede ser irónica en 2021. Ahora que está en boca de todos el podcast «Sólo me hablas de movidas de hace 20 años«, es llamativo que el llamado «tonti-pop», a día de hoy, contenga más mensaje que las composiciones de otros artistas, de corte más intenso.
Entre canciones tan efectivas como ‘Discoteca’, muy Pegamoides pero adaptada a los infelices tiempos de «Instagram» («todos nuestros ídolos lo están haciendo mal»); ‘Tú y yo’ habla de un desamor que genera «ganas de vomitar», y un par de canciones aportan cierta variedad. Primero ‘Todo me da igual’, con su riff inicial a lo Pixies, y luego muy especialmente el cierre de ‘La isla’, la típica canción «diferente» que tanto gusta a Los Punsetes -otros de sus referentes expresos- meter en sus discos. En estos días en que la deriva de los grupos noveles puede ir hacia prácticamente cualquier sitio (y para muestra la carrera de Novedades Carminha), será un placer averiguar si estamos ante las nuevas Cariño o más bien ante las nuevas Nikis. Mis bragas, en cualquier caso, ya las tienen.
Chico y Chica estrenan ‘Que opinen las modelos’, su nuevo single. El tema está disponible desde ya junto con un segundo corte, ‘Steak tartar’, una versión de un tema de 1985 de Los Garrido. Este es el segundo par de temas que publican Alicia San Juan y José Luis Rebollo en 2021: el primero fue ‘Panorama’ y ‘Te acuerdas o no’, que agrupaban bajo el título de ‘Música para coser’. Antes llegó el single suelto ‘Mosquita muerta’.
Como se ha comentado en nuestros foros, ‘Que opinen las modelos’ y ‘Steak tartar’ protagonizan un curioso lanzamiento, pues Chico y Chica publican el single en formato «pañuelo fino». Tal cual. El propósito de este lanzamiento es que las personas que adquieran el single físico «puedan sentir con el tacto las mismas sensaciones que la música te hace llegar por los oídos». Tanto la imagen de portada del single como el vídeo y el pañuelo «han sido creados con figurines exclusivos dibujados por el diseñador Félix Daniel, colaborador de Chico y Chica desde sus inicios».
El primero de estos dos singles, ‘Que opinen las modelos’, es un relajado vals electrónico, de producción un tanto new age, que el dúo dedica a la figura de las modelos, y en el que se menciona explícitamente a Miss Venezuela o a otras modelos como «Brigitte» o «Segolène». Este número de ecos a la última Kate Bush o a Single es «una oda a la gracia y las competencias únicas de las modelos de moda» con «aires de banda sonora (que) deja espacio, larán larán, para silbar, para tararear y sobre todo para imaginar».
Por su parte, ‘Steak tartar’ es una bossa nova «decadente» que adapta el tema original de Los Garrido a un «ambiente de suspense y pesadilla». Su sonido detallista y enturbiado, así como su influencia brasileña, está un poco más cerca de ‘Hairless Toys‘ de Róisín Murphy que de la grabación original. Cuentan Chico y Chica que la compusieron «en honor de un amigo común, en cuya casa, una de las más elegantes de Madrid, se comía francamente mal».
Hoy, en un nuevo episodio de «qué otra canción vieja se ha viralizado en TikTok de manera completamente random», hay que hablar de Duncan Laurence. El cantante holandés ganó la última edición de Eurovisión celebrada hasta la fecha, la de 2019, con su balada ‘Arcade’. La bonita composición, en el estilo de James Blake, alcanzó cierto éxito en Europa, y de hecho llegó a los números 1 de Países Bajos, Bélgica, Estonia, Islandia y Luxemburgo. En España se quedó en el número 38, que no está mal.
Dos años después, ‘Arcade’ se ha convertido en el nuevo juguete favorito de los usuarios de TikTok y la balada ha conseguido entrar en el difícil chart de Billboard. Lo ha hecho en el número 100, es decir, por los pelos y porque Duncan Laurence acaba de actuar en el programa de Ellen DeGeneres para aprovechar el éxito de la canción, pero lo ha hecho. A día de hoy, ‘Arcade’ es ya Disco de Oro en Estados Unidos.
Hasta ahora, ‘Soldi‘ de Mahmood era el tema de Eurovisión que más escuchas había acumulado en Spotify, pero dos años más tarde, ‘Arcade’ le ha cogido la delantera a lo grande: actualmente suma casi 300 millones de reproducciones frente a los nada desdeñables 176 millones ‘Soldi’. En 2019, la noticia era que ‘Soldi’ era el gran hit que había dejado la edición de Eurovisión de aquel año, pese a que ‘Arcade’ había sido la canción ganadora -‘Soldi’ quedaba en segundo lugar-, pero las tornas han vuelto a cambiarse.
Como dato curioso, ‘Arcade’ es la primera canción de Eurovisión que entra en el Billboard en 25 años: la última que lo logró fue ‘Ooh Aah… Just a Little Bit’ de Gina G, la propuesta británica de Eurovisión 1996 (aunque ella era australiana), que llegó mucho más alto que ‘Arcade’, al número 12, y además fue nominada a un Grammy. Por supuesto, ha ayudado al éxito actual de ‘Arcade’ que la canción esté cantada en inglés y no en holandés: salvo milagro tipo ‘Despacito’ o ‘Gagnam Style’, es muy difícil, por no decir imposible, que una canción no anglosajona llegue al Billboard.
En cualquier caso, el éxito tardío de ‘Arcade’ en Estados Unidos supone una nueva muestra de que TikTok ha revolucionado por completo la industria de la música. Que un hit viejo vuelva a las listas de éxitos años más tarde no es un fenómeno nuevo, pero TikTok lo ha normalizado hasta el punto de que a nadie le puede sorprender ya que ocurra tal cosa. Doja Cat, la reina de TikTok, lo sabe. Puedes comentar la noticia en nuestro foro de Eurovisión.
La casualidad ha hecho que coincidan dos estrenos muy diferentes pero con un discurso de fondo muy parecido: el filme ‘Otra ronda’ y el videoclip ‘Más alcohol’ de Natos & Waor. Si en el primero la bebida es utilizada por unos cuarentones de clase media como válvula de escape existencial para superar la crisis de la mediana edad, en el segundo la usan unos jóvenes con trabajos precarios y mal pagados como forma de aguantar sus interminables jornadas laborales. Distinto contexto, mismo concepto.
Javier Díaz, conocido por sus clips para C. Tangana (‘Llorando en la limo’) o Nathy Peluso (‘La sandunguera’, ‘Natikillah’), mezcla en ‘Más alcohol’ el realismo social y la comedia costumbrista. Para el primero, utiliza a los tres cantantes. Cada uno interpreta un arquetipo laboral distinto –camarero, frutero, mecánico- con un denominador común: clientes maleducados, jefes chungos y la sensación de estar atrapados en una realidad solo soportable con “más alcohol y medicinas”.
Para lo segundo, echa mano de varios cameos: Jaime Lorente como cliente tocapelotas de bar de viejos, Loles León como clienta de mercado carabanchelero (el de San Isidro) recién salida de una peli de Almodóvar, y Antonio Resines (haciendo de Resines) como jefe explotador de taller de barrio. El vídeo se cierra con un epílogo que mezcla los dos géneros como en un mini de calimocho: una grabación documental donde los “hijos de la ruina” enseñan su maqueta a los “jevis de Gran Vía”.
MARINA ha anunciado que su nuevo disco ‘Ancient Dreams in a Modern Land’ sale el 11 de junio. Después de ‘Man’s World’, su single feminista hecho exclusivamente por mujeres, desde hoy es posible escuchar el segundo sencillo, ‘Purge the Poison’. Se trata de un tema de corte pop-punk, en la onda del primer disco de la artista británica o de cortes posteriores como ‘Bubblegum Bitch’ o ‘Forget’, lo cual incluye también ciertas peculiaridades vocales por la que es conocida (¿alguien recuerda cuando se la comparaba con Kate Bush?). En Twitter, MARINA había dado a entender que el sucesor de ‘Love + Fear’ será un «álbum de rock», lo cual este single parece confirmar.
Siguiendo con el concepto de esta era, ligado a la sororidad, ‘Purge the Poison’ vuelve a estar producida por una mujer, Jennifer Decilveo (la misma persona que ha producido ‘Man’s World’), que da brillo a las guitarras de esta canción, próximas al emo-rock de los años 2000. Inmediata como una canción de Paramore o, en la actualidad, Aitana, ‘Purge the Poison’ incorpora a su vez coros de cheerleader en ciertos puntos e incluso el sonido de lo que parecen unas palmas. Es una canción pegadiza e inmediata en su sonido adolescente y guitarrero pero sin dejar de lado la idiosincrasia de esta artista: su voz sigue siendo una de las más peculiares del pop actual, y la letra de la canción no conoce la sutileza ni las metáforas.
Si ‘Man’s World’ mencionaba a la «Madre Tierra muriéndose» o vinculaba el lujo de Hollywood con el dinero de jaques que «mataron a miles de homosexuales», destacando al papel protector de las mujeres en el mundo, la letra de ‘Purge the Poison’ vuelve a ser feminista y a ofrecer otra crítica sin filtros de la sociedad actual. El tema incluye referencias a la covid, en concreto a un «virus» que ha sido enviado por la «Madre Tierra» para que los «humanos aprendan» o «brujas» que «protegen el planeta» mientras «guardan solas cuarentena»; y apunta que «el racismo y la misoginia» ya no están «escondidos» o que el «capitalismo nos ha hecho pobres». En otro punto, el texto ruega que «Dios perdona a América por todas las guerras».
Después de un estribillo en el que MARINA expresa que «necesito limpiar el veneno de mi sistema» o desafía a los hombres (cisheteronortmativos, se entiende) advirtiéndoles «has olvidado que sin mí no irás demasiado lejos», la cantante ofrece otra buena dosis de referencias explícitas a la cultura popular. La segunda estrofa dice de ‘Purge the Poison’: «2007 fue el año en que la talla cero estaba de moda, Britney se rapó y lo único que hicimos fue llamarla loca, Harvey Weinstein ha ido a la cárcel, el MeToo ha revelado la verdad en toda su gloria, el fin de una historia». Entre lo políticamente consciente y lo abiertamente naíf, el puente afirma que la humanidad vive «en un nuevo orden mundial» y que la «vida tal y como la conocemos pertenece al ayer».
‘Ancient Dreams in a Modern Land’:
01 Ancient Dreams in a Modern Land’
02 Venus Fly Trap
03 Man’s World
04 Purge the Poison
05 Highly Emotional People
06 New America
07 Pandora’s Box
08 I Love You But I Love Me More
09 Flowers
10 Goodbye
14 años viviendo en México, los 2 últimos en la pequeña localidad de Tepoztlán literalmente «viendo caballos pasar», han llevado a la chilena Mon Laferte a publicar su disco más empapado de la música folclórica del país norteamericano. El visionado de un documental de Chavela Vargas, otra mexicana de adopción, ha inspirado a la artista a ahondar en mariachis, rancheras y corridos, incorporando acordeones, vihuelas, tubas y trompetas, colaborando con gente como Alejandro Fernández (que aparece en el single ‘Que se sepa nuestro amor‘) y alguna banda. No se han abandonado por completo los ritmos de otras procedencias, pero sin duda ‘SEIS’ es un álbum menos salsero y menos swing, por ejemplo, que el anterior, el formidable ‘Norma’.
Este también es el primer disco de Mon Laferte desde que hiciera historia al presentarse en la alfombra roja de los Latin Grammy en topless con un mensaje sobre su pecho que rezaba «en Chile torturan, violan y matan», y son varios los mensajes políticos que encontramos a lo largo de este disco. El más evidente es ‘La democracia’, en la que cuestiona la existencia de la misma, apelando a «la masacre a los estudiantes», a la «violencia» y la «matanza», a los «migrantes». Demanda: «Que alguien me explique lo que pasó (Por la democracia, la democracia) ¿Me confundí o alguien me mintió?». Ha dicho en las entrevistas: «la democracia es como la puta del mundo, porque la usan como estandarte y bandera para todo». Este es el mensaje social menos sutil del álbum, pero no el único. El feminismo ocupa también una parte importante.
El último single de ‘SEIS’ de momento es ‘La mujer’ junto a Gloria Trevi, escogida sin duda por su cualidad de «pelo suelto». Una composición contra «el hombre que lo controla todo» que quiere «que todo se haga a su modo», sobre el rol que tiene que cumplir «la mujer» en esta sociedad. Un tema del que Mon Laferte ha ido rebajando su letra a lo largo de la pandemia tras haberla escrito muy enfadada hace un par de temporadas. Mientras ‘Te vi’ está dedicada a su madre, ‘Calaveras’ nos habla sobre el feminicidio y es muy significativo el tipo de producción que se ha dado a ‘Se va la vida’, una canción dedicada a las presas de Valparaíso en Chile, sobre todo a las mujeres que entraron en la cárcel por delitos menores y a las que no se va a dar una segunda oportunidad. Hablando de «niñas» y «abuelas», ha sido grabada en el sur de México, en la zona de Oaxaca, junto a una banda de 20 mujeres de 14 a 40 años, precisamente para reforzar su temática.
La ostentación y el derroche, el «chantaje emocional en la pantalla del celular» ocupan ‘Esta morra no se vende’, si bien ‘SEIS’ vuelve a ser ante todo una colección de canciones de amor y desamor, que luchan por quitarse de encima la obsesión por el amor tóxico y posesivo. Quizá por eso la arrolladora y vengativa ‘Aunque te mueras por volver’, inspirada abiertamente en el sonido James Bond y Manuel Alejandro, no ha sido aún un single pese a ser la más vistosa de todo el disco; y se ha escogido en su lugar ‘Se me va a quemar el corazón’, en la que propone «desaprender el amor». En su vídeo, centrado en el mundo taurino, Laferte representa al «toro», cuestionando la importancia de la mujer en la sociedad, frente al «torero»/»macho a la antigua». De ahí la portada del álbum.
Escrito en tiempos más recientes, pues algunas canciones datan de antes de la pandemia, el corrido ‘No lo vi venir’ celebra el encuentro con el amor; más o menos igual que ‘Amado mío’, de final un tanto trip hop; mientras la bossa nova de ‘Canción feliz’ es más agridulce. «Tengo un triste fado en mi corazón (…) Tengo un pobre tango y su bandoneón», dice su letra, embadurnada de la nostalgia que la artista ha sentido durante este año de aislamiento.
Dice el texto que oficialmente presenta ‘SEIS’ que este disco es «la despedida a una etapa». En la misma ‘Calaveras’, Mon Laferte lidia con esta necesidad: «Quiero dejar atrás estas penas, quiero penas nuevas, otros dolores». Actualmente afirma que está trabajando en material nuevo que va a ser todo lo contrario a esto, pues está apegada «totalmente a la máquina». De momento, puede presumir de haber afrontado la música tradicional 1) con un ímpetu arrollador, tamaño Chavela o Rocío Jurado, muy pocas veces visto en el panorama actual y 2) con un mensaje que huye de las malas costumbres.
Nuestra playlist de pop nacional o en castellano «Sesión de Control» se renueva con temas excitantes editados durante las últimas semanas. Algunos tienen nombres tan curiosos como ‘La Tarara’, una adaptación muy libre y con mensaje de Calyza (no confundir con Caliza), influida por gente como María José Llergo, C. Tangana y Rosalía; ‘Marco Polo’, el debut del joven iván fergón, entre el «soft rap» y el «spoken word»; y ‘Joaquin Phoenix’, el nuevo vídeo de los madrileños Niña Polaca, que sacarán su disco de debut después del verano en Subterfuge.
Betacam publica nuevo tema, aún obsesionado por el pop más elegante de los 80, saxo incluido, en este ‘Norteamérica triste’. Desde Jaén nos llega ♬ernesto♬ con el tema ‘Si yo tuviera una rosa’, que dice tan influido por la música urbana como por PC Music. Este es su mensaje en nota de prensa: «Es una época difícil para la provincia y hoy más que nunca hay que unir fuerzas entre todos para decirle al país y al mundo entero que Jaén es arte». Suya es la foto principal de este artículo.
Más rockero es el tema llamado ‘T-odio’ de los barceloneses Alavedra, y a su estilo el dúo Marcos y Molduras, cuya urgente ‘Los ratos contigo’ se publicará en un split compartido con Malamute, quienes a su vez presentan ‘Solo confío en mi perro’. Quizá a los seguidores de estas bandas también os gusten Llorar, el dúo catalán fichado por Elefant.
Han sacado discos o EP’s Lisasinson, Tulip, The Crab Apples, Calavera, Paco Moreno, daniel sabater, Junco y Mimbre y RRUCCULLA. El dúo de hermanos formado por Francisco y Alicia Minimal Schlager edita un EP de temas inspirados en el italo disco y los sintes ochenteros. También electrónico es el debut en solitario de Sofia, antes conocida por su vinculación a proyectos como Escorpio y POU.
Entre las sorpresas de las últimas horas, Reys es el proyecto de Sergio Sastre de Miss Caffeina, que se presenta con un tema llamado ‘Manantial’ reminiscente de los Depeche Mode más decadentes. Por su parte, Enea es el proyecto de Nerea (aka “Enea”) y Guille (ex-Delorean), que saca hoy un EP de versiones de Manolo Kabezabolo. Dura 8 minutos en total, bonus track incluido.
La Semana Santa es reciente y en estos días ha salido un split de Le Parody con Ruiseñora bastante loco con el «paso» marcado. Aprovechamos esta nueva inspiración en la tradición para recuperar el folk gallego de Tanxugueiras, de las que tanto se está hablando últimamente, y Tarta Relena, revitalizadas por la reseña en Pitchfork, un EP de remixes y la colaboración con Maria Arnal i Marcel Bagés.
Los ritmos conocidos como «urbanos» están representados por gente como tommy 3 balas, los gallegos Verto o DeTeresa, a medio camino entre Brisa Fenoy, Natalia Lacunza y una candidatura a Eurovisión (de las buenas). Cine Nuria también podríamos calificarlo como R&B lo-fi.
También aprovechamos para recordar que hay temas nuevos de gente tan asentada como Los Planetas, Niños Mutantes o L.A., por si se os han perdido en la vorágine de lanzamientos habitual. En la línea, Kokoshca continúan adelantando su próximo disco con un segundo single llamado ‘Regresando a la ciudad’ que habla del «vecindario que vota al PP». Delaporte continúan revisitando su último disco junto a grandes voces femeninas para el proyecto ‘TITANAS’ y esta vez la invitada es Rigoberta Bandini.
Completamos la playlist con el dúo que Bearoid tiene con Casero, lo nuevo de Bflecha, lo nuevo de Wild Honey, el tema a piano de Chica Sobresalto (Maialen), el folk de PLANMEDUSA, otro tema de Da Souza y el debut de Lea Leone (hija de Fernando Alfaro), que ya apareció en la playlist de nuestro compañero Raúl Guillén «Flores en el estiércol».
Liz Phair ha sido noticia en los últimos tiempos por publicar ‘Historias de terror‘, un libro sobre su vida que ha aparecido en algunas listas de los mejores libros musicales del año pasado, merecidamente. La cantautora estadounidense también ha sido noticia por estrenar ‘Good Side’ y ‘Hey Lou’, los dos primeros singles del disco que iba a publicar también el año pasado, ‘Soberish’, que debía ser pospuesto debido a la pandemia. El primero veía la luz en 2019, y el segundo, un homenaje a Lou Reed y Laurie Anderson, lo hacía apenas unos meses.
Ahora, Liz Phair concreta los detalles de ‘Soberish’, que verá la luz el 4 de junio con la portada que ilustra este post, y se compone de 13 pistas. Es su primer disco desde que en 2010 editara el maldito ‘Funstyle’, un trabajo de pop-rock «experimental», electro-pop, «comedia» y «pop rap» medio improvisado, como demuestra su portada diseñada a partir de una captura de pantalla, que le costó «su contrato discográfico» (en sus propias palabras) con la multinacional Capitol Records, la cual intentó que no viera la luz, y que recibió crítica encontradas, algunas probablemente irónicas, otras salvajes. Hoy por hoy, ‘Funstyle’ está ausente de las plataformas de streaming… para mejor.
En 2021, cuando el pop-rock de los 90 vuelve a estar de moda de la mano de beabadoobee o Pale Waves, Liz Phair intentará introducirse en el contexto del pop retro, sonando totalmente a los años 90, es decir, a los tiempos previos a su disco pop y a su disco en plan Avril Lavigne, publicado unos años antes. El nuevo adelanto de ‘Soberish’ es ‘Spanish Doors’, un tema de pop-rock con texturas electrónicas y coros vocoderizados, parece salido de la época, sin apenas matices contemporáneos. Entre el regreso de Ella Baila Sola y esto cualquiera diría que los 90 fueron hace 10 años, pero no, hace 30.
Luminosa en cuanto a melodía, optimista incluso, y bastante digna en realidad, ‘Spanish Doors’ esconde una letra más turbia, pues habla sobre «cuando una mentira hermosa se rompe». Liz explica que el divorcio de una persona amiga ha inspirado la canción, pero que la historia que cuenta en ella es autobiográfica. «Me identifico con el hecho de esconderse en un lavabo cuando todo el mundo a tu alrededor lo está pasando bien pero tú estás por los suelos. Te miras en el espejo y te preguntas quién eres ahora. Hace nada eras una persona confiada, completa, y ahora te preguntas cuándo volverás a tener esa magia».
Soberish:
01 Spanish Doors
02 The Game
03 Hey Lou
04 In There
05 Good Side
06 Sheridan Side
07 Ba Ba Ba
08 Soberish
09 Soul Sucker
10 Lonely Street
11 Dosage
12 Bad Kitty
13 Rain Scene
Mick Jagger sorprende hoy estrenando nuevo single con Dave Grohl de Foo Fighters. En Rolling Stone, el líder de los Rolling Stones ha explicado que escribió ‘EASY SLEAZY’ en «unas pocas» semanas, y que cuando la dio por terminada, llamó a Grohl para averiguar si le apetecía unirse a la grabación. Este aceptó porque estaba «aburrido» y quería «trabajar» a pesar de que «acaba de sacar un disco» (el estupendo ‘Medicine at Midnight‘). Jagger ha querido publicar la canción ya y no esperar un par de meses por si acaso se pasaba de moda. Lo cual tiene lógica ya que ‘EASY SLEAZY’ habla íntegramente sobre la que ha sido -y está siendo- la vida en mitad de una pandemia.
En un estilo punk-rock ligero y guitarrero y, en palabras de Mick, «optimista», ‘EASY SLEAZY’ empieza hablando sobre los duros números de la pandemia, las cancelaciones de conciertos, los aplausos enlatados en los partidos de futbol, la ausencia de vuelos o los «estrenos virtuales». Por si no era suficientemente 2021, la canción apela más adelante a las «bonitas mascarillas», a los «estúpidos bailes de TikTok» y a Zoom, con el que Mick conecta mientras intenta «escribir una canción», antes de caerse «de culo» mientras baila «samba»… y de cargar contra las teorías de la conspiración.
«Me vacuno, Bill Gates está en mi corriente sanguínea, es un ejercicio de control mental», canta Jagger. «La Tierra es plana y está fría, nunca se va a calentar, los árticos se están convirtiendo en fango, la venida de Cristo va tarde, los anielígenas están en el Estado profundo». En la mencionada revista estadounidense, Jagger cuenta que ha decidido escribir sobre las conspiraciones porque algunos amigos suyos creen en ellas y «no hay manera de hacerles ver la razón, creen en esas cosas y no hay marcha atrás».
Lori Meyers inician etapa con un nuevo single llamado ‘Punk’, muy breve, al grano y directo en cuanto a sonido, bajo la producción de James Bagshaw (Temples, Anni B Sweet); y más aún si tenemos en cuenta su vídeo estrenado de manera simultánea. Dice el estribillo de ‘Punk’ que “cualquier tiempo pasado es mejor”, mientras las estrofas apelan a que «no hay canciones como antes» y a que «las melodías se repiten y se usan como samplers».
A destacar esa segunda estrofa en la que cargan contra «mil cantantes que sobran», por «vivir de su imagen». Se menciona explícitamente Instagram y aquellos que se «hacen fotos sin parar» por «posturear».
El vídeo añade una subcapa de complejidad al situar su trama más visible en un entorno político. Hay otras como la de la pintora enfrentada a su arte abstracto o la de unos jóvenes «instagramers», pero lo que más recordarás de ‘Punk’ será esa pelea en el barro de políticos, candidatos masculinos, enfrentados a brazo partido en el «octavo debate de las octavas elecciones del año», con un escándalo sexual de por medio. Atención a esos subtítulos aclaratorios, en la línea de «Putero se lanza contra Bigotes».
El ansia de «atraer al voto joven» nos da otra pista sobre el posible significado de ‘Punk’, la típica canción de pop de Lori Meyers, tan bien acabada y pegadiza como clásica en su ejecución. Genérica en su crítica, hasta el punto de que podría estar dedicada casi a cualquier banda (de música) o bando (político), y seguro que jamás se mojarán al respecto; el tema sube un pequeño peldaño cuando el final, en el que añaden «cada generación piensa que lo es» (mejor), deja la puerta abierta a la ironía o a la autoparodia.
Es con esa última frase cuando surgen preguntas como: ¿Se incluyen Lori Meyers a sí mismos entre los artistas que repiten melodías de generaciones anteriores? ¿No suena ese puente instrumental de pleno a los Smiths? Al fin y al cabo la canción habla abiertamente de “las nostalgias mal gestionadas”, “nos anima a seguir mirando hacia adelante” y está “abierta a dobles lecturas”.
Olivia Rodrigo está siendo uno de los nombres que más está sonando este año gracias a las cifras estratosféricas que ha alcanzado su single ‘driverse license’, un número 1 global en Spotify (especialmente en los países anglosajones), que en España llegamos a ver en el número 4. Tras 13 semanas, la canción sobrevive en el top 47 de nuestro país certificada como disco de platino.
Tras un segundo sencillo llamado ‘deja vu’ que ha conseguido llegar al puesto 8 en Estados Unidos y al número 27 en Reino Unido, se anuncia el disco. Y lo habéis adivinado: todos los títulos están en minúscula, desde «celos, celos» a «crimen favorito» pasando por «espero k estés ok».
Queda por averiguar si todo el álbum suena tanto -tantísimo- a Billie Eilish como a Lorde, con quienes comparte sello (Universal), como las dos pistas que llevamos. En verdad, la cantante ha declarado que quiere que el proyecto sea una combinación de «pop mainstream, música folk y rock alternativo». Por un lado, los dos sencillos de adelanto tienen la virtud de mantener una misma línea editorial; por otro no tienen mucho de «rock alternativo» y solo se conoce la presencia de un productor involucrado, Dan Nigro, conocido por haber trabajado con Caroline Polachek, Carly Rae Jepsen, Kylie Minogue y Sky Ferreira. Un gusto, el de rodearse de pocos nombres, que Olivia comparte con las dos artistas referenciadas.
Os dejamos con el tracklist y el nombre de todo el proyecto: ‘SOUR’. A la venta el 21 de mayo, en poco más de un mes.
1. brutal
2. traitor
3. drivers license
4. 1 step forward, 3 steps back
5. deja vu
6. good 4 u
7. enough for you
8. happier
9. jealousy, jealousy
10. favorite crime
11. hope ur ok
Esta semana el colectivo BROCKHAMPTON, que tanto ha luchado contra la homofobia a lo largo de su carrera, ha publicado un nuevo disco llamado ‘ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE’, un par de años después de ‘GINGER‘. En él puedes encontrar colaboraciones como Danny Brown en el single ‘BUZZCUT’, y A$AP Rocky y A$AP Ferg en el tema ‘BANKROLL’, además del nuevo single ‘COUNT ON ME’.
Kevin Abstract y Dan Streit dirigen el sorprendente vídeo de ‘COUNT ON ME’. Ni siquiera después del videoclip de ‘Montero (Call Me By Your Name)’, uno de los más gays de la historia, habríamos visto esto venir. El vídeo de ‘COUNT ON ME’ presenta a Lil Nas X como pareja de Dominic Fike, ambos de viaje al campo, alejados del mundanal ruido. En el trayecto, Lil Nas X tiene tiempo de bromear sobre «quién es Radiohead» cuando Dominic Fike intenta pincharlos. La deriva del vídeo es de corte psicodélico, como si ellos o sus directores, o todos, se hubieran fumado algo por el camino.
‘COUNT ON ME’ ya contaba con una participación improbable, la de Shawn Mendes, así como la de Ryan Beatty. Puedes oír a ambos en el estribillo diciendo que «no importa lo que digan de nosotros», que puedes «contar comigo». A$AP Rocky entona el primer verso. La outro de corte religioso, en castellano, que aparece en el videoclip, no aparece en la versión «álbum» de todo esto.
Greta Van Fleet es una de las bandas más exitosas del momento que peor críticas recibe. La media de su disco de debut ‘Anthem of the Peaceful Army’ es de 53 sobre 100, a todas luces paupérrima para un grupo de su tamaño, y las reseñas que el largo recibió en su momento no escatimaron en malas palabras hacia la formación estadounidense. La crítica principal que los medios han enarbolado hacia Greta Van Fleet es el parecido nada disimulado de su sonido con el de bandas de hard-rock clásico de los 70 como Led Zeppelin o Cream, hasta el punto de parecer una copia sin gracia de estos. En el mejor de los casos se decía que Greta Van Fleet componen buenos temas que no suenan a ellos mismos, en el peor que sus fans deben haber entrado en «muerte cerebral» si son capaces de comprar sus discos y entradas de conciertos.
Hace unos años, con la llegada de Greta Van Fleet a España, comentábamos el extraño fenómeno de este grupo que ha sido tan capaz de arrasar en el plano comercial o de encandilar a las instituciones -han ganado un Grammy y han estado nominados a varios- como de ganarse el rechazo casi unánime de la crítica especializada, en plena fase «poptimista» si se ha atrevido a plantarle un 7,2 al disco de Bieber. Los llamábamos los «Chainsmokers» del rock sin dejar de recordar el 1,6 sobre 10 que le encasquetó Pitchfork -el medio musical más prestigioso ahora mismo, mal que pese a sus detractores- en la reseña de su disco, absolutamente humillante. Y ahora, como anticipándose a las malas reseñas que recibirá su nuevo trabajo, Greta Van Fleet han decidido posicionarse sobre el asunto, aunque solo para demostrar que hasta para opinar sobre crítica musical son poco originales.
El cuarteto de Michigan ha concedido una entrevista a The Guardian para hablar sobre su inminente segundo disco, ‘Battle at Garden’s Gate’, que el medio británico asegura «lleva más lejos incluso el compromiso de la banda con el sonido estruendoso los 70, hacia una nueva cumbre». En el artículo, The Guardian da a entender que ‘Battle at Garden’s Gate’ será otro disco que los fans de Greta Van Fleet amarán y los detractores vapulearán. Cuando el grupo es cuestionado sobre las malas críticas que ha solido recibir su música y también la voz de su cantante, Jake Kiszka, que ha sido comparada con la de una «hiena eyaculando», el músico responde que «algunas personas están escribiendo sus artículos en el sótano de su madre y están de mala hostia porque nosotros estamos haciendo algo (importante)».Y añade que «si tu carrera se basa en escribir cosas negativas sobre la gente, estoy seguro de que tienes otras cosas mejores que hacer».
La reflexión que Kiszka hace sobre la profesión de la crítica musical no es nueva. Viene a decir que los críticos musicales son músicos frustrados que no han prosperado en la vida ni lo harán a menos que dejen su trabajo y empiecen a hacer lo que verdaderamente les entusiasma, que ya os lo digo, no es escuchar los discos de Greta Van Fleet. El enfado de Kiszka con los medios musicales es comprensible desde la perspectiva de que el grupo de hecho es conocido por recibir malas críticas. Tampoco es justo pedir a cuatro muchachos que no llegan ni a los 25 años que sepan encajar todas las críticas negativas que recibe su trabajo, sobre todo si estas son mayoría, aunque tampoco está de más recordar que las reseñas positivas hacia su obra existen, y no son difíciles de encontrar. En serio, no me lo estoy inventando. Sin embargo, las palabras de Kiszka desprenden cierto tufo a condescendencia, clasismo y complejo de superioridad.
Cuando Kiszka da a entender que los críticos musicales nos dedicamos a esta profesión porque estamos enfadados con el mundo -y quién no- y queremos pagarlo con alguien, aunque ese alguien sea un grupo de éxito multimillonario al que ese crítico jamás va a conocer en persona, y tampoco es que sea necesario porque está valorando su trabajo, no si sus integrantes son buenas personas o no, sin darse cuenta denigra una profesión que es todo un arte en sí mismo si se hace bien, exactamente como la música. Sí, hay críticos que preferirían ser músicos y que sueñan con poseer ese talento, de igual manera que hay otras personas que trabajan de una cosa y preferirían dedicarse a otra. No todo el mundo tiene la suerte de convertirse en una estrella del rock o de ganar millones copiando el sonido de otros, algunos ni siquiera deseamos tal cosa. Bueno, los millones sí.
Por otro lado, cuando Kiszka menciona a esas personas que escriben en el «sótano» de sus madres, desconoce por completo sus circunstancias personales, y además hace una generalización nada fundamentada. Yo he entrevistado a cientos de artistas mientras vivía con mis padres porque el dinero no me daba para otra cosa en ese momento. He hablado por teléfono con Michael Kiwanuka desde mi minúscula habitación. He charlado con TLC sentado en una miserable mesa plegable. Leon Bridges me dio una entrevista tan sosa que por un momento pensé que la suerte la tenía yo. Y, de todas formas, ¿qué tiene de malo escribir en un «sótano» si no se tiene acceso a un espacio en condiciones? ¡Qué manera de mirar por encima del hombro! Y todavía no he mencionado los millones de estudiantes estadounidenses que se ahogan en deudas, a los cuales cualquier trabajo les vale para ganarse el pan. Ni siquiera me tengo que ir tan lejos: en España las cosas están fatal y dedicarse a la crítica musical ahora mismo es casi inviable para muchos. Pero, sorpresa, resulta que esta es la profesión de mucha gente (!), el deseo de otra (!!), y también es una pasión personal, sobre todo si de trata de escribir sobre buena música.
Cada vez que un artista opina en estos términos sobre la profesión de la crítica musical, dando a entender que solo vale si habla bien de ellos (lo cual es una paradoja, es imposible que la crítica sea solo positiva, en eso consiste criticar), me acuerdo de aquel salvaje artículo que publicó un medio de Phoenix (la ciudad, no el grupo) poniendo de vuelta y media a Ariana Grande y a Lizzo por expresar en Twitter opiniones muy parecidas, pero con peores palabras incluso. La autora de ‘positions‘, haciendo gala de esa condescendencia disfrazada de bondad que caracteriza a las personas que se creen superiores a los demás aunque no lo reconozcan, dijo que «la gente que trabaja en todos esos blogs está muy perdida» y que «un día se darán cuenta de lo insatisfechas que están con sus vidas, y con suerte se centrarán en otra cosa», con lo que concluyó, dándose una ducha de purpurina, magia e ilusión, que «cuando llegue ese día será hermoso, ¡me muero de ganas de que se sientan iluminados por dentro!» La autora de ‘Cuz I Love You‘, mucho más bruta, pero también más insensible, se limitó a escribir que «la gente que reseña álbumes sin saber hacer música debería estar desempleada».
El debate sobre el arte y sobre qué tipo de crítica artística es válida y cuál no es más antiguo que el hilo negro, pero sigue dando que pensar que ciertos artistas se crean con el derecho, solo por encontrarse en una posición de privilegio y poder, de mirar por encima del hombro a un grupo de personas que también se están ganando la vida haciendo algo que les gusta o con lo que se sienten conformes o cómodos, sin estar podridos de dinero porque Dios no les ha bendecido con el don del talento musical. Yo cada día me levanto, me miro en el espejo y me digo: ¿por qué no soy Mariah Carey? Y aunque no les guste, al menos se dedican a una profesión que les proporciona dinero y estabilidad, algo que nadie puede dar por sentado y menos ahora. Que Ariana y Lizzo borraran finalmente sus tuits puede significar o bien que les llovieron palos por sus palabras, que normal, o bien que terminaron en desacuerdo con ellas. Desconozco cuál es su posición actual al respecto y estaría bien que algún periodista se atreviera a retarles algún día con esta cuestión, sin que sus mánagers les confisquen las preguntas de antemano para proteger la imagen de sus clientes. Si han cambiado de parecer significará que por fin se han dado cuenta de su privilegio, algo que a Greta Van Fleet les falta por ahora. Cuando lo hagan seguro que el mundo se «iluminará» un poquito.
