Dua Lipa y Billy Idol, confirmados en el disco de Miley Cyrus

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14 septiembre, 2020

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Alexanderplatz es la banda dirigida por Alejandro Martínez, conocido por todo aficionado al mejor pop en castellano por los tres discazos que nos dejaron Klaus&Kinski antes de separarse, probablemente para siempre. Se nos presentó con un EP llamado ‘Contrarreforma’ (2017) en el que destacaba la pista ‘Podrías haberte quedado quieto’, y después se publicó el álbum ‘Muera usted mañana’ (2018), conteniendo temas como ‘Odio el siglo XX (bueno, y el XXI también)’. Foto: José Carlos Nievas.

Su segundo álbum recibirá el nombre de ‘Parques nacionales españoles’, pero antes, este mismo fin de semana ha salido un EP de cuatro canciones de las cuales solo el primer tema, el llamado ‘Murcia Delenda Est’, estará en el disco largo. Esta canción que os presentábamos en «Ready for the Weekend» no escoge entre el lado clásico y el lado sintético de su autor: con unos acordes que podrían haber pertenecido a Harry Nilsson y un beat más kraut, la canción es una despedida de este mundo, al tiempo que una fantasía, un «sueño» con un mundo ideal y mejor: «No sé si otro planeta, o si era una ciudad, pero me quería quedar».

En sintonía con este texto, el vídeo que estrenamos hoy en JENESAISPOP y que justifica el nombre en latín de la composición. El vídeo es una idea del propio Alejandro, filmada por José Carlos Nievas, autor también de la campechana foto que ilustra este artículo y que nos recuerda que Alexanderplatz es una banda y no un proyecto unipersonal. Mientras suena el tema, un filósofo y sus pupilos hablan sobre un mundo ideal en contraste con los problemas de la cotidianidad. La trama está convenientemente subtitulada. Esta es la descripción que nos facilita su sello Jabalina:

«En el vídeo de «Murcia Delenda Est» un Sócrates murciano impone su magisterio acerca de la belleza, la verdad y el bien, apelando a la esfera de las ideas sublimes. Pero un atribulado discípulo le expresa su frustración por la dificultad que la realidad le impone para vivir acorde a tan alto ideal. Finalmente la realidad se personará para poner orden y que se dejen de tonterías.

Murcia actual y clásica, presente y pasado, realidad y anhelo, materia e idea, carne y espíritu, vigilia y sueño, vida y muerte dialogan en una suerte de Academia de la Atenas del Segura. La música, que remite a esa ciudad ideal que no se sabe muy bien en qué esfera de las cosas o el espacio-tiempo está, se titula como la proclama de Catón que recuerda a los senadores que hay que destruir Murcia, que no seamos tan cortoplacistas y que pensemos en el después, hombre…»

El EP de cuatro canciones se completa con las mencionadas caras B: ‘Clavo ardiente’ es la más clásica y pop, ‘Me he equivocado en todo’ se zambulle en los años 80 más dream pop, explotando ese sonido melancólico tan habitual en las composiciones de Martínez. Para finalizar, ‘Marchando hacia el pasado con confianza’ es la clásica «canción final» de sus discos, de largos y tranquilos desarrollos instrumentales y contemplativos.

‘My Own Version of You’ es la mejor forma de entrar en el último de Bob Dylan

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14 septiembre, 2020

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Publicado este verano, ‘Rough and Rowdy Ways‘ está considerado uno de los mejores álbumes de la carrera de Bob Dylan, un regreso en plena forma después de una serie de discos de versiones que acumula un espectacular 95/100 en Metacritic y esta semana será nuestro «Disco de la Semana». Jaime Cristóbal revisará tres puntos clave de su discografía, si bien comenzamos desgranando una de las joyas perdidas incluidas en el propio ‘Rough and Rowdy Ways’.

El álbum se presentaba con un tema de casi 17 minutos que ha quedado relegado quizá por su longitud a un CD2 o al final del álbum, que es exactamente lo que sucedía con los 16 minutos y medio de ‘Highlands’ al término de ‘Time Out of Mind’ en 1997. ‘Murder Most Foul’ puede ser justo la canción más importante de esta era, y también era un single adecuado ‘I Contain Multitudes’. El blues de ‘Goodbye Jimmy Reed’ compite por un lugar en el podio de las favoritas del público junto al tercer sencillo ‘False Prophet’, pero hay un par de temas que sin haber sido single son un buen vehículo para adentrarnos en el álbum dada su accesibilidad, aunque no seas un gran seguidor de Bob Dylan. Por un lado ‘I’ve Made Up My Mind to Give Myself to You’, casi un villancico que explotar de alguna manera a finales de este otoño (te gustará si te gusta ‘Hallelujah’ de Leonard Cohen), y por otro la estupenda ‘My Own Version of You’, que hoy escogemos como “Canción del Día”.

De melodía intrigante en contraste con una producción susurrante y cálida, ‘My Own Version of You’ nos habla de una creación tipo Frankenstein a partir de la recopilación de rasgos y cualidades hallados en otras personas que admiramos, circunstancia que se aprovecha para convertir la canción en un cúmulo de referencias, algo que siempre ha encantado a Dylan. Con su lirismo habitual y su clásico recitado, se niegan a quedarse en el mero «name-dropping».

Dylan se propone «usar todo su poder» para «traer a alguien a la vida», que «toque el piano como Leon Russell», que reúna al «Marlon Brando de ‘El Padrino’ y a Al Pacino en ‘El precio del poder'» (‘Scarface’), entre citas que salpican en más de una ocasión a Shakespeare («Can you tell me what it means, to be or not to be?»), la historia de Roma («me pregunto qué haría Julio César») y posiblemente su propio Premio Nobel: «estudio sánscrito y árabe para mejorar mi mente / quiero hacer cosas que beneficien a toda la humanidad».

Freud y Marx salen peor parados en la narración de esta canción que tiene un punto siniestro desde que comienza. Dylan ha visitado «morgues y monasterios», y utiliza «cuchillos» para remover «costillas», si bien la sangre no llega a emerger más que desde un cactus, pues el artista no está más que desarrollando una metáfora sobre el arte de escribir. En ese sentido, hay que destacar la importancia que tiene para él el cine, pues en este rompecabezas lo mismo le da Eurípides que Scorsese. ¿Un guiño, quizá, al documental ‘No Direction Home’?

Lo mejor del mes:

Dan Croll / Grand Plan

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13 septiembre, 2020

Natural de Liverpool, como se puede apreciar en ‘Yesterday’, que recuerda un breve encuentro con Paul McCartney, Dan Croll se ha terminado de encontrar a sí mismo en Estados Unidos, y no en Nueva York, la ciudad favorita de todo europeo en Norteamérica, sino en Los Ángeles. Allí no se ha comprado una mansión como la de Robbie Williams o una casa tan mona como la de Morrissey. De pretensiones mucho más modestas, el artista simplemente ha desarrollado una faceta más de cantautor y menos de banda que la que tenía en las islas. Cuenta que sus influencias siempre han sido gente que o bien es de California o bien se ha encontrado a sí misma en este estado, y se refiere explícitamente a Joni Mitchell, a James Taylor y a Burt Bacharach.

Para acercarse a este sonido, nadie mejor que el productor Matthew E. White, conocido por su trabajo por ejemplo con Natalie Prass, que ha dado a los temas una exquisita pátina retro sin enormes arreglos, con toda la delicadeza y la calma del mundo. Canciones como ‘Honeymoon’ están grabadas con mimo: la guitarra eléctrica hace cosquillas por un lado, la voz en primer plano de Dan canturreando por el otro, en este caso sobre el fin de una luna de miel a la que no se volverá jamás. Los coros de Joseph Clarke y Angela Crawford en pistas como ‘Work’ explotan en ‘Surreal’, haciendo sonar a la canción definitivamente como una producción de principios de los años 70.

Si a ‘Rain’ le puede faltar un poco de fuerza como canción acústica, pareciendo la versión improvisada en la radio de una grabación con más cuerpo en el estudio, en otras ocasiones sí se ha recurrido al sonido de banda, como ‘So Dark’, que presenta influencias en guitarras y teclados de los Fleetwood Mac de los 70 y los 80, respectivamente. Por su parte, ‘Stay In L.A.’ tiene el gancho de una producción casi góspel de un Sam Smith o una Emeli Sandé, de ‘Stay With Me’ a ‘Next to Me’.

En el plano lírico, Dan Croll es definitivamente un cantautor personal que narra las vicisitudes de su viaje con humor o melancolía. Sus escasas dotes sociales son el foco de ‘Actor With a Loaded Gun’, que cuestiona el rol social que desempeñamos en un grupo de amigos, hablando del ridículo de presentarte en una fiesta sólo «con cerveza», sin unas tristes «flores»: «esto no es una fiesta / sino a una entrevista social / que determina la jerarquía entre los fuertes y los confundidos». El bueno de Dan pertenece con evidencia a este último grupo cuando el tema central, ‘Grand Plan’, habla de que «todo el mundo gana un montón de dinero» y «todo el mundo se casa»… menos él.

«Me han llamado «robótico» y también «intenso», entre otras cosas, es una de las frases en estas canciones que se benefician precisamente de no ser ni una cosa ni la otra. ‘Grand Plan’ es un álbum pasional pero sencillo en el que por supuesto despuntan las composiciones de corte romántico que se recrean en la cotidianidad. ‘Coldblooded‘ es el retrato de una discusión sin importancia mientras ‘Work’ y ‘Hit Your Limit’ son un bonito consuelo para alguien que acaba de petar. Sin streamings millonarios ni una atención desproporcionada por parte de la prensa, Dan Croll pertenece, desde este álbum, al equipo de gente tan querida por aquí como Jens Lekman y Tobias Jesso Jr.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Work’, ‘Coldblooded’, ‘Yesterday’, ‘Stay In L.A.’
Te gustará si te gusta: Jens Lekman, Tobias Jesso Jr, Matthew E. White, Andy Shauf
Youtube: audio de ‘Work’

«¿Le quieres o quieres ser él?» es el dilema queer que asalta a Troye Sivan en la sorprendente ‘STUD’

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13 septiembre, 2020

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Troye Sivan ha publicado este verano ‘In a Dream‘, un EP que ha visto la luz sin grandes alharacas publicitarias, acompañado de videoclips modestos y de una portada que francamente parece estar pidiendo «no me compres, gracias», pero que a su vez contiene algunas de las canciones más interesantes y maduras que el cantante australiano ha firmado jamás. El también actor ya había allanado el terreno para el lanzamiento de este experimental trabajo de pop «alternativo» con la atmosférica ‘Take Yourself Home’ o la nostálgica ‘Easy’, pero se había guardado varias sorpresas para el lanzamiento del EP, como ‘IN A DREAM‘, una canción pop colosal que puede ser la mejor de su carrera; o la producción en la que nos detenemos hoy.

‘STUD’, la pista 4 de 6 de ‘In a Dream’, se titula con una palabra que en la jerga americana viene a significar algo así como «machote». Desde el principio de la canción, que arranca de manera sutil con la presencia de apenas unas notas de piano fragmentadas y la voz doblada de Troye, a los que pronto se añade la contorsión de unos extraños sintetizadores, queda claro que ese hombre no es Troye. «Hey, machote» es la primera frase que escuchamos en ella, tras lo cual el australiano pone sobre la mesa la temática de esta composición: «puedes venir y nos vemos delante de casa, tienes todos los músculos y todos los rasgos que deseo, y sé lo que deseo», expresa el artista antes de añadir: «hey, cachas, ¿por qué tienes que ser tan grandote y fuerte y musculoso? Eres todo lo que yo no soy, pero ¿podría ser yo un tío bueno para ti? ¿Podría ser yo tu machote?»

La canción, producida por el productor sueco Oscar Görres, también responsable de la música de ‘Take Yourself Home’, ha sorprendido entre los fans de la música pop por sus cambios de registro internos. Las estrofas suenan tristes y melancólicas, angustiadas incluso («me lo paso bien follando, y buscando algo que no soy, sabiendo que tú no vas a ser esa persona especial»), al tiempo que la voz de Troye, que en momentos puntuales es distorsionada hacia graves imposibles, parece querer representar la dismorfia corporal que claramente padece el artista, al cantar cosas como «hazme creer que te gusta lo que estás viendo». Sin embargo, la producción va escalando en intensidad a medida que avanza para terminar rompiendo en un «dance break» que nos sitúa directamente en una discoteca de tecno oscura, industrial e iluminada a duras penas por unas pocas luces estroboscópicas. Después de sufrir, Troye busca el escapismo de la noche; bailar, olvidar.

La insatisfacción con el cuerpo propio no es el único tema que preocupa a Troye Sivan. ‘STUD’ es una de esas raras canciones pop que hablan de temas no tan habituales en ningún producto cultural realmente, en este caso del clásico dilema queer «¿le quiero o quiero ser él?» que suele darse tantísimo en la comunidad gay. Troye busca «algo que él no es», busca los «músculos» que él no tiene, y ha llegado a la conclusión de que, si nunca va a ser un «tiarrón», al menos queda la posibilidad de compartir cama con uno. Sin embargo, en la canción afloran enseguida las inseguridades de Troye, esa dismorfia de la que este año han hablado también artistas como Perfume Genius, motivo por el cual, quizá, el cantante sabe que su encuentro con ese «stud» va a ser puramente sexual: una fantasía hecha realidad sin sentimientos de por medio.

Es un tema del que han hablado medios como GQ, que en un interesante artículo de 2018, planteaba que la clásica dicotomía de amor romántico / amor platónico que se da en el mundo cisheteronormativo no es aplicable a la experiencia «queer», ya que las personas LGTBQ+ a menudo confunden amistad con amor debido a razones como la falta de representación. El artículo cita al psicólogo Roy F. Baumeister y señala: «El amor no correspondido afecta al 98% de las personas, pero en el mundo hetero nadie va por ahí buscando a gente que refleje su misma sexualidad, ya que los heteros están en todas partes. Por esta razón, la comunidad LGTBQ+ se obsesiona con cualquier tipo de representación, y esta es la razón por la que, en cuanto una persona gay es simpática con nosotros, asumimos que nos hemos enamorado de ella». A menudo, explica el artículo, esta atracción «proviene del cariño que nos da esa persona, de su amabilidad, y del hecho que respetan y entienden algo parecido a nuestra propia experiencia queer».

‘Al oeste del Edén’: el Hollywood que no contó Ryan Murphy

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Joric

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13 septiembre, 2020

En 2017, poco después de publicar ‘Al oeste del Edén’, Jean Stein se suicidó lanzándose al vacío desde su lujoso apartamento en un rascacielos de Manhattan. De esta manera, como si fuera un siniestro guiño posmoderno, la autora imitaba el trágico destino de algunos de los personajes de su libro. Es más, casi “escribió” su epílogo, ya que ella (fue editora de Paris Review) y su familia (es hija del fundador de MCA, actual Universal Music) son los protagonistas del último capítulo.

‘Al oeste del Edén’ narra la historia de la ciudad de Los Ángeles y su mitología a través de la historia de cinco familias que ayudaron a crearla: los Doheny, magnates del petróleo cuyo patriarca, Edward L. Doheny, inspiró la novela ‘¡Petróleo!’ (1925) y la película ‘Pozos de ambición’ (2007); los Warner, fundadores del estudio de cine Warner Bros; los Garland, poderosos industriales ferroviarios que tuvieron una hija esquizofrénica que quería ser actriz; los Selznick, el matrimonio formado por David O. Selznick (productor de ‘Lo que el viento se llevó’, ‘Rebeca’, ‘King Kong’) y la actriz Jennifer Jones (‘Duelo al sol’, ‘La colina del adiós’); y los Stein, la familia de la autora.

El libro está narrado de forma oral, tipo Svetlana Alexievich (‘Voces de Chernóbil’, ‘La guerra no tiene rostro de mujer), a partir de las entrevistas que a lo largo de veinte años realizó la autora a familiares, amigos y empleados de las cinco dinastías. Por las páginas de ‘Al oeste del Edén’, ya sea contando sus experiencias, opinando o chismorreando (según las criadas de Jennifer Jones, la actriz no era muy de llevar bragas), aparecen voces célebres como las de Gore Vidal, Jane Fonda, Joan Didion, Lauren Bacall, Dennis Hopper, Arthur Miller o Naomi Klein.

A través de esta variada combinación de testimonios, Stein compone un entretenidísimo retrato del lado más frívolo y glamuroso de Los Ángeles, el que vive en las mansiones de Hollywood, Malibu o Beverly Hills, pero también del más excesivo y destructivo, el de la corrupción, la mafia y las familias disfuncionales llenas de vástagos propensos a la depresión y las adicciones. Un ‘Ciudadano Kane’ sobre cinco poderosos patriarcas que construyeron la “ciudad de las estrellas” y destruyeron la vida de los que les rodeaban. 8.

Bill Callahan / Gold Record

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Mireia Pería

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12 septiembre, 2020

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Reconozco que Bill Callahan, con su voz de Bill Callahan, lograría venderme un frigorífico en pleno Polo Norte. Pero es que si encima abre el disco soltando “Hello, I’m Johnny Cash», ¿quién se va a resistir? Ah, la voz de Bill Callahan. Ese es uno de los motivos porque, independientemente de lo más o menos acertado de sus obras, siempre les voy a dar una oportunidad. O dos.

El caso es que ‘Gold Record’, más allá de su chiste inicial, merece todas las oportunidades que se le puedan dar. Básicamente, es Bill Callahan salmodiando, que es lo que esperas escuchar en un disco de Bill Callahan, por otra parte. Solo que este es un álbum más árido y, a la vez, más asequible que ‘Shepherd in a Sheepskin Vest’. Parece una contradicción, pero no: su brevedad -diez canciones y cuarenta minutos, frente a las veinte y una hora de «Shepherd»- y su formato, una suerte de americana-country western sencillísimo, ayuda. La guasa a costa de Cash en ‘Pigeons’ no deja de ser una pista de por dónde van los tiros. Porque más que “hits”, ‘Gold Record’ es una serie de cuentos, de estampas “country” vívidas donde brilla un fino sentido del humor regado de melancolía. Cuesta poco imaginar a Bill escribiéndolo en paisajes desérticos e infinitos.

‘Pigeons’, de entrada, puede engañar un poquito, por eso. Contiene algo de adorno (clarinete, dos guitarras) y un zumbón aire de ranchera. Aparte de la chanza a costa de Johnny Cash, prosigue con un primer verso divertidísmo: “Well, the pigeons ate the wedding rice/And exploded somewhere over San Antonio”, para rematar la canción con un bufo “Sincerely, L. Cohen”. ‘Another Song’, a pesar de lo irónico del título, es una pieza muy bonita. Brilla pop y Bill canta-entona-sube-baja dibujando una alegre melodía; como ‘35’, con la guitarra compensando la sobriedad del bajo y la batería, mientras la energía acústica que desprende su preciosa ejecución suaviza la melancolía de su letra.

La aridez se manifiesta en ‘Protest Song’, aunque las inflexiones de Bill ayudan a aligerar. Y el Western aún se hace más evidente en ‘The Mackenzies’, adornada con una mecedora y mandolinas, que progresa hacia horizontes más expansivos desde su contención inicial, coincidiendo con su sencilla pero emotiva letra sobre la bondad de los no tan extraños. La pizpireta ‘Let’s Move to the Country’ es otro ejemplo de qué bien pergeña Callahan una canción redonda solo con una guitarra y su voz, mientras ironiza suavemente sobre las ansias de una nueva vida en el campo. Aunque la palma country se la lleva ‘Cowboy’ (claro), silbido incluido. La final y preciosa ‘As I Wander’ se eleva y te conquista con su pequeño y emocionante crescendo, subrayado por golpes de vientos. Y se acaba de repente, de manera abrupta, dejando ganas de más.

‘Gold Record’ es un disco sencillo, donde Bill lleva su querencia de cantautor un paso más allá. Y nos da lo que queremos: su voz, sus historias. Su pasmosa facilidad de narrador.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Pigeons’, ‘Another Song’, ‘Let’s Move to the Country’
Te gustará si te gusta: la americana, el country acústico. Y, obvio, Bill Callahan.
Youtube: audio de ‘Pigeons’

Adiós a la leyenda del reggae Toots Hibbert de Toots & the Maytals

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12 septiembre, 2020

Toots Hibbert, cantante y líder de la banda de reggae Toots & the Maytals, ha fallecido a los 77 años de edad en Kingston, Jamaica. La causa de la muerte no ha sido desvelada.

Toots & the Maytals es considerada una de las bandas más importantes en la popularización global de la música reggae. De hecho, se piensa que la palabra «reggae» fue utilizada por primera vez en una canción de Toots & the Maytals, ‘Do the Reggay’, aludiendo «reggae» a una persona «desaliñada y que no se cuida». Esta grabación ve la luz en el año 1968, si bien la banda se forma unos años antes, en 1962, con Toots Hibbert, Nathaniel “Jerry” Mathiasin y Henry “Raleigh” Gordon en el line-up, y publica su primer disco, ,’The Sensational Maytals’, en 1965, conteniendo este uno de los primeros éxitos de la banda, ‘Bam Bam’. Éxitos posteriores de Toots & the Maytals como ‘Sweet and Dandy’, de 1969, y ‘Pomps & Pride’, de 1972, allanan el terreno para la popularización de la banda en Estados Unidos con la película ‘The Harder They Come’, que incluye en su banda sonora las canciones ‘Sweet and Dandy’ y ‘Pressure Drop’. Esta última es a día de hoy la canción más escuchada de Toots & the Maytals en las plataformas de streaming.

Más adelante, el lanzamiento del álbum ‘Funky Kingston’, de 1972, a través de Island Records impulsa la popularidad de la banda en Reino Unido y su posterior reedición americana termina de consolidar a la formación en Estados Unidos, llegando esta a girar con los Eagles, los Who o Linda Ronstadt. Pero antes, Hibbert compone una de sus canciones más conocidas, ’54-46 Was My Number’, después de pasar 18 meses en prisión por posesión de marihuana, si bien él defiende que es condenado sin pruebas por «autoridades corruptas».

Hibbert, que en 2004 ganó un Grammy por su álbum ‘True Love’, editado en solitario, volvía a la actualidad musical el pasado mes de agosto, con un nuevo álbum de Toots & the Maytals llamado ‘Got to Be Tough’.

It is with the heaviest of hearts to announce that Frederick Nathaniel "Toots" Hibbert passed away peacefully tonight, surrounded by his family at the University Hospital of the West Indies in Kingston, Jamaica… pic.twitter.com/zOb6yRpJ7n

— Toots & The Maytals (@tootsmaytals) September 12, 2020

Marilyn Manson hizo «arder el mundo» en ‘Antichrist Superstar’, su gran obra maestra

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12 septiembre, 2020

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Marilyn Manson no cree haber expresado sus ideas sobre la hipocresía de la religión y la sociedad americana lo mejor que ha podido en su debut de 1994 ‘Portrait of an American Family‘, así que se dispone a hacer una labor mejor en su disco siguiente, ‘Antichrist Superstar’. El resultado es su gran obra maestra, la que sentará las bases para todo lo que ha hecho después.

Dándole la vuelta a las críticas que recibe desde el principio de su carrera sobre todo por parte del sector más religioso y conservador de la sociedad americana, que ve en la música rock y, en concreto, en el trabajo de Marilyn Manson, el origen de todos los males del universo, en su segundo disco Brian Warner decide absorber todo el odio que suscita y convertirse en el mismo Anticristo. Le sale un álbum conceptual obviamente inspirado en el popular musical de 1971 ‘Jesucristo Superstar’ de Andrew Lloyd Webber hasta el punto que ‘Antichrist Superstar’ también es considerado una ópera rock (aunque no existe musical basado en el álbum), pero también en la letra de la canción ‘We Are the Dead’ de David Bowie, inspirada a su vez en ‘1984’ de George Orwell, y en los textos del filósofo alemán Friedrich Nietszche, tales como ‘El superhombre‘ o ‘El anticristo‘. De hecho, el álbum es dividido en tres ciclos: ‘The Hierophant’, ‘Inauguration of the Worm’ y ‘Disintegrator Rising’, a través de los cuales Marilyn Manson narra la historia de una estrella del rock demagoga que toma el poder político del mundo para eventualmente exterminar a toda la raza humana y destruir el planeta mismo. El típico tirano fascista solo que en esta ocasión hace música y quema Biblias en el escenario.

La gira del álbum, ‘Dead to the World‘, histórica, es asediada con frecuencia por religiosos y objeto de polémicas que cuesta creer fueran posibles a día de hoy: el grupo es acusado -de manera infundada- de usar su escenario para consumir drogas, practicar rituales satánicos, torturar animales o abusar sexualmente de niños, al tiempo que recibe constantes amenazas de bomba («mientras no se aburran de bombardear clínicas de aborto, estaré a salvo», declara Warner a SPIN en esta época). Grupos de religiosos americanos intentan por todas sus fuerzas que todos los conciertos de Marilyn Manson sean cancelados para proteger los «valores de la comunidad». Salas de conciertos se niegan a contratarlos por miedo de que cometan actos ilegales como los descritos. Políticos estadounidenses organizan conferencias de prensa para cuestionar la existencia de la música de la banda. En un triste episodio narrado en su autobiografía de 1998, Warner cuenta que los paramédicos de la gira se niegan a darle oxígeno para su agotamiento por no compartir sus ideales. Él entonces escribe: «Dios ha encontrado la manera de colarse en el juramento hipocrático: aparentemente Jesucristo salva vidas, pero los paramédicos de aquí no».

La grabación de ‘Antichrist Superstar’ también está marcada por la tensión, en este caso de manera provocada: el grupo experimenta con el consumo de drogas y prácticas como la privación de sueño para crear un entorno hostil en el estudio que refleje el contenido de las letras. Las primeras sesiones acaban con el estudio y los instrumentos del grupo destruidos. El guitarrista Daisy Berkowitz termina abandonando la formación poco después de que Trent Reznor de Nine Inch Nails, productor del álbum, destruya su guitarra -un regalo de su padre, que acababa de fallecer- durante una sesión de grabación y de hecho Marilyn Manson y Reznor, también enemistados, jamás vuelven a producir música juntos después del lanzamiento de este disco. Fuera o no necesario todo este caos para la producción de ‘Antichrist Superstar’, lo que queda es un álbum impreso en la historia que representa a Marilyn Manson mejor que ninguna otra de sus obras.

Demostrando más sentido del humor que muchos, ‘Antichrist Superstar’ se abre con un tema llamado «himno de odio irresponsable» que es básicamente una pequeña cápsula de ira expresada a través de la ironía, la misma que lleva a ciertos sectores de la población cristiana a amar a unos y a discriminar a otros: «soy tan americano, te vendo suicidios, soy totalitario, tengo abortos en mis ojos, odio al que odia, y violo al que viola: soy el animal que jamás será él mismo». El tema, interpretado «en vivo», da paso a ‘The Beautiful People’, el single más icónico de toda la carrera de Marilyn Manson, que no el más vendido (ese es su cover de ‘Sweet Dreams (Are Made of This)’ de Eurythmics publicado en su EP largo de 1995, ‘Smells Like Children‘). Esta grabación absolutamente demoníaca equipara capitalismo con fascismo, habla de aquellas personas débiles que serán pisadas por las fuertes en la carrera hacia el éxito, y sus ritmos trotones han sido sampleados por Christina Aguilera y Avril Lavigne, en el caso de la segunda, con la colaboración del propio Manson. Las texturas electrónicas y ritmos robustos de ‘Dried Up, Tied and Dead to the World’ obligan a pensar en el trabajo de Nine Inch Nails como harán más adelante los guitarrazos autodestructivos de ‘Mister Superstar’ o el muro de sonido de ‘Kinderfeld’, inspirada en el momento en que el pequeño Warner descubre a su abuelo masturbándose en el sótano, con sus manos con uñas marrones «como alas de cucaracha»; y la balada ‘Tourniquet’ demuestra que Warner es capaz de componer canciones bonitas a pesar de que él mismo reconoce haberse sentido «apático» durante la grabación del elepé. De hecho, Warner cuenta que arranca a llorar durante la grabación de otra de las baladas, ‘Minute of Decay’, en la que empieza cantando: «no queda mucho por amar, me siento demasiado cansado para odiar, me siento vacío».

Escalofriante en su descripción de una relación tóxica en la que Warner sirve de torniquete a una persona «hecha de pelo y huesos y pequeños dientes, y de cosas que no puedo mencionar» y cuya «espina» es una «cuerda», ‘Tourniquet’ es extraído como segundo y último single de ‘Antichrist Superstar’ a pesar de las enormes composiciones que aún quedan por descubrir dentro de su secuencia. La maraña de guitarras distorsionadas de ‘Deformography’ es una de ellas y marca el momento en que nace el Anticristo, con este clamando: «enterraré a tu Dios en mi escupitajo cálido, tú quedarás deformado por tu porno». Más adelante, ‘Wormboy’ funciona como la canción pop del álbum que nadie esperaba; en ‘Angel with Scabbed Wings’, el Anticristo parece convertirse de hecho en Dios mientras la desgarrada actuación vocal de Warner bordea el exorcismo. El tema titular presenta el verso que Warner recitará mientras quema Biblias en la futura gira, avanzado a su vez dentro del álbum al ser incorporado en una de las pistas previas, ‘Cryptorchid‘, la más sutil y electrónica, para la que Manson publica un videoclip oficial hecho con imágenes de la película de Edmund Elias Merhige de 1989 ‘Begotten‘. «Pínchate el dedo, hemos acabado, la luna ha eclipsado al sol, el ángel ha extendido sus salas, ha llegado el momento de que pasen cosas amargas» es el mencionado verso. Pero para referencias internas la de ‘1996’, cuyo estribillo dice textualmente «soy tu anticristo superestrella» pero resulta ser una canción mucho mejor que la propia ‘Antichrist Superstar’. ‘1996‘, que podría llamarse «2020», es probablamente la grabación más psicótica de toda la carrera de Marilyn Manson: cita una serie de cosas a las que el artista -o mejor dicho, el anticristo- se opone, como las «banderas», los «gays», el «Papa» o los «maridos y esposas», para terminar explotando en un ataque de cólera que pone los pelos de punta: «quemo una vela por cada pecador y arde el mundo entero», plantea al principio… y la canción podría de hecho hacer arder el mundo. ¿No será esta de verdad la mejor canción de Marilyn Manson?

A pesar de producir tan solo dos singles oficiales, ‘Antichrist Superstar’ es presentado con los singles promocionales de ‘Cryptorchid’, ‘Antichrist Superstar’ y ‘Man that You Fear’, para el que Manson de hecho publica un videoclip inspirado en la historia corta ‘The Lottery’ de Shirley Jackson y en la película ‘Santa Sangre’ de Alejandro Jodorowsky. Siempre será una injusticia que ‘The Reflecting God’ nunca obtuviera el videoclip que merecía: como grabación es una de las más contundentes, rotundas y brutales de la trayectoria de Marilyn Manson, y como canción, narrativamente puede ser la más importante de todo el disco. Conocida como la «cumbre nihilista» de ‘Antichrist Superstar’ («no hay salvación, no hay perdón»), ‘The Reflecting God‘ representa la unión perfecta de Marilyn Manson y Trent Reznor en la que muchos consideran la verdadera «masterpiece» de ‘Antichrist Superstar’. También es una de las más inspiradas, lo que en este caso no es mucho decir: ‘Antichrist Superstar’, que por cierto vende más de 7 millones de copias en todo el mundo, es una de las obras cumbres de la música pop del siglo XXI, da igual el género.

Clasificación: 10/10
Lo mejor: ‘Irresponsible Hate Anthem’, ‘The Beautiful People’, ‘Tourniquet’, ‘1996’, ‘The Reflecting God’
Te gustará si te gusta: Nine Inch Nails, Korn, Ministry, Rammstein

«‘Oxena’ es un paso hacia lo que es DORA de verdad»

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12 septiembre, 2020

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Unas horas antes de que salga ‘Oxena’, DORA acude puntual como un reloj a nuestra cita a través de Zoom. Esta es una de sus producciones más complejas, hasta el punto de que los días de ‘Hoy’ empiezan a sonar tremendamente lejanos, y la artista se muestra entusiasmada y muy segura de este tema en particular. Su padre Diego Postigo asoma la cabeza un momento para decir «hola», pero por lo demás permanece fuera de plano sin aportar nada, pues apenas DORA le cuestiona si lleva trabajando con Pional 2 o 3 años. Por lo demás, está claro que es la cantante quien toma sus decisiones según le da: ‘Oxena’ aparece en las plataformas de streaming como una grabación del sello «Dora Records». No faltan las marcas en sus vídeos ni el apoyo de personajes clave en esta familia de artistas (DORA va a protagonizar la próxima película de Paco León), pero su proyecto musical se huele libre desde la distancia.
Parecía que esta entrevista se iba a retrasar por el comienzo de las clases, pero veo que no. ¿Cómo ha ido?
Era la presentación, acabo de llegar a casa. Ha sido solo una horita. He ido para que nos dijeran las medidas del coronavirus, no han dado clases, han dicho que tenemos que estar con distancia… todo eso».

Esta canción que presentas esta semana tiene dos partes. ¿Cómo ha surgido?
Al principio era una balada, y la primera parte es la que he hecho yo sola en mi cuarto. Es uno de los últimos temas que escribí, en pleno confinamiento. En principio ese era el tema, pero un día estábamos en el estudio y Pional se puso a jugar, salió la parte más garage, y dijimos: «vamos a cambiar todo el tema, vamos a hacerlo a saco».
¿Trabajáis juntos o también en la distancia?
Tenemos el mismo estudio, está cerca de mi casa.
La segunda parte de la canción, que es más de desmadre discotequero, está muy acorde con lo que dice la letra, «estoy mejor sin ti».
Todo el tema tiene un punto como sin explotar, hasta que llega la segunda parte. Se está conteniendo y luego hay un punto en que explota. El vídeo es como un trip, es como muy surrealista, es ambiente de club. Es sobre algo que llevas dentro mucho tiempo, que tiene que salir y ya explota.

¿Por qué se llama ‘Oxena’?
La canción es sobre un amor fallido y viene de mi exnovio (risas) Hay buen rollo, es su nombre. Le escribí para preguntarle, en plan: «¿no te importa?». Pero se lo tomó muy bien, le hizo mucha gracia.

Ya habías dicho en otra entrevista que era un tema post-ruptura…
Así es. El tema que saqué antes, ‘Hoy’, también era sobre una ruptura. Pero esto está llevado a otro sitio, se puede interpretar de varias maneras, cualquier otra persona se puede identificar. «Estoy mejor sin ti» puede ser un mensaje para muchas cosas. A cualquier cosa en la vida que no te venga bien, le puedes decir: «estoy mejor sin ti, déjame en paz».

¿Dónde habéis hecho el rodaje?
Es un plató, tiene ese ambiente de discoteca pero era un plató. Toda la magia se hizo con las luces y los colores.

Te lo pregunto por si se había hecho en una discoteca en la que todavía no podías entrar…
¡Que me cuelo! Pues igual de repente puede ser otra opción de la historia: me rebelo y me cuelo (risas).

No sé si no has podido actuar en sitios por ser menor, esto cambió hace unos años…
Tengo 16, nunca he tenido problemas, llevo haciendo conciertos desde antes. Hay que llevar la firma de los padres.

Este tema tiene una producción chula. No sé si es indicativo de lo que puede estar por venir o solo es un tema más…
Todos los temas especiales, son como mis hijos. Pero este es mi ilusión, es un paso entre lo que he hecho y más adonde quiero tirar, más mi sonido. Es un paso hacia lo que es DORA de verdad. Yo estaba flipando viendo el vídeo porque decía: «¡exactamente esto es lo que quiero!». Era perfecto.

Luego está ‘Ojos de serpiente’, que es algo más clásico. Es un bolero. Es un poco como que se sale de lo que está de moda. Siempre hay alguien que reivindica la tradición, pero si coges una playlist de Spotify de hits o de canciones que están de moda, es raro dar con un bolero. No sé si es es algo que vas a seguir explorando, o fue una excepción.
Tengo muchas referencias musicales y, en piano, empecé tocando boleros. Me salió solo pero siempre voy a querer experimentar. Puedo hacer un bolero y al día siguiente me saco un blues. Me gusta probar de todo.

Dices que tienes referencias variadas. Cuando me dijeron «la hija de Bimba Bosé está haciendo cosas muy chulas», pensé que tu madre podía ser un referente, pero creo que más bien lo ha sido en otros campos…
Sí, así es. A mi madre la veo como un gran referente en términos de su actitud, su ropa, su presencia… En la música hay cosas que sí porque admiro el disco que se hizo con mi padre, me encantaría tirar para el rock en un punto de mi vida. Pero yo voy tirando con mis cosas, con mis referencias…

«A mi madre la veo como un gran referente en términos de su actitud, su ropa, su presencia»

¿Qué evolución has tenido como fan de la música desde pequeña?
De pequeña escuchaba a Aretha y todas las míticas de soul. También Ray Charles, James Brown… han sido siempre mi base más fuerte. A mi lado con locura. Luego he tirado por el rock con mi padre: Los Ronaldos, Arctic Monkeys… ahora estoy tirando más hacia el hip hop. Wu-Tang Clan, Erykah (Badu), que me encanta. Todo…

Al escuchar tu single me venían a la cabeza más bien nombres como The xx, James Blake… pero estás escuchando cosas bastante antiguas.
Me gusta escuchar las raíces. Escucho mogollón de cosas que salen ahora y me gusta estar al día de lo que escucha la peña. O escuchar lo que salió hace 5 o 10 años. Pero tengo tan interiorizado Erykah y Outkast, que escuchas a los de ahora y es como: «entiendo de dónde lo has pillado».

«Tengo tan interiorizados a Erykah Badu y Outkast, que escuchas a los de ahora y es como: «entiendo de dónde lo habéis pillado»».

¿Cómo es trabajar con Pional y cómo surge?
Trabajar con «Pio» fue por mi padre. Nuestro encuentro fue raro. Yo iba a hacer un jingle para Carolina Herrera que quedó en el aire, pero empecé a escribir y con él fluyó todo muy rápido, conectábamos mucho e hicimos como tres canciones muy rápido. Pruebo con todos, he estado probando con más gente, pero Pional siempre ha sido con el que mejor conecto.

¿Cuánto tiempo llevas trabajando con él?
Casi 3 años, 2 o 3 años.

¿Os soléis organizar así? ¿Tú empiezas un tema a piano y luego lo trabajáis juntos?
Hay muchas maneras, se me ocurre una melodía y meto ya el piano. O hay una progresión y cambia la melodía. Probamos un poco de todo. Depende mucho, hay veces que los temas son 100% mi estructura, y me quiero quedar con lo escrito en mi cuarto, y otras veces busco un cambio. Otras veces él me pasa una base, como la de ‘Call Me Back’, que me puso una base, la tiró un poco, y ahí ya me escribo yo cosas. «Pio» también se graba muchas vocecitas y cosas. Y mola.

«Eso de meter muchos singles en un disco… esa idea no la entiendo. Estoy pensando cómo hacer mi concepto y montármelo bien»

¿Tenéis muchas canciones?
Hay bastante material, más del que pensamos. Si nos ponemos a revisar, hay incluso para hacer un disco. Pero eso de meter muchos singles en un disco… esa idea no la entiendo. Estoy pensando cómo hacer mi concepto y montármelo bien. Cuando tenemos un tema que queremos sacar, lo sacamos. En un mes o dos, saldrá otro que por ejemplo sonaría muy bien como en una playlist. A veces pienso en cómo encajaría un tema detrás de otro.

Quieres decir que los singles que ya tienes publicados no encajarían dentro de un disco.
Veo muy diferente el concepto single y el concepto disco. Tengo muchos temas, pero no quiero amontonarlos. Me mola que en un disco haya una historia. Tiene un peso diferente. A mí personalmente me gusta escucharme los discos con calma, saber de qué van, por qué esta canción, por qué esta otra, por qué las letras…

«Hay unos discos increíbles que es una pena dejar atrás si se pueden hacer otras cosas, se puede crear otro mundo a partir de ellos»

Es un concepto que se daba por muerto. Pero han salido discos con conceptos chulos, como Rosalía, Bad Bunny… Tu perspectiva es clásica. No sé si tus amigos tienen esta misma pasión.
La gente con que me junto no escuchamos lo mismo, pero somos muy inquietos musicalmente. Tengo un amigo al que le encanta Freddie Gibbs, me pasa cosas de hip hop. O yo a ellos. Pero somos bastante oldies, nos mola lo clásico (risas).

¿Qué música española escuchas?
Ahora estoy con el primer disco de Los Ronaldos entero. Alice Wonder, Kaydy Cain, Siniestro Total, Derby Motoreta’s…

Yo soy mucho mayor pero es que hasta yo ya si me gusta algo, les paso un tema suelto a mis amigos, antes que un disco entero. Se está perdiendo…
Me da mucha pena eso. Estoy en una lucha para recuperarlo. Hay unos discos increíbles que es una pena dejar atrás si se pueden hacer otras cosas, se puede crear otro mundo a partir de ellos. Porque hacer un disco es un mundo.

¿Cuál es tu meta a largo plazo?
Sacar muchos discos, vivir de ello… lo que he querido desde pequeña, es lo que siempre he querido, quiero hacer giras, tengo muchas cosas pensadas, un disco con mi padre, muchas cosas…

Un disco con tu padre sonaría muy distinto a uno con Pional.
(risas) Sí, mi padre sabe mucho de música, sería algo más clásico a nivel de producción. Bueno, clásico… habrá que verlo.

En tu familia siempre ha habido muchos artistas, y dices que siempre has querido dedicarte a esto. ¿Esto cómo se ha visto? ¿Cómo se vive desde dentro? Es un trabajo de largo recorrido y mucha paciencia. Y de disciplina.
Es que me gusta tanto que a mí no me cuesta. Miro atrás, me doy cuenta del trabajo que he hecho y digo: «¡sí que he hecho cosas!» (risas) Creo que en la familia sí que se ha dicho lo típico de «la niña canta», pero mi padre no me empezó a tomar en serio hasta que escribí mi primer tema y ahí fue: «esto ya va en serio».

¿Qué tema fue?
Uno que nunca se publicó, llamado ‘Monsters’.

«Si saco un single, ya estoy pensando en el segundo. No me quedo estancada en los comentarios, en el «hate», no aporta nada»

La fama tiene un punto negativo. Puedes hacer una declaración que tiene muy mala recepción, decir algo que sienta muy mal o críticas muy malas. A mí es un tema que me produce mucha inquietud, ¿no has tenido miedo de ello o nunca te ha producido cierto rechazo?
Es una cosa al final del trabajo. Si tienes esta ambición de darte a conocer, estás en una posición en la que estás muy expuesto. Tienes que tener tu círculo muy ubicado sobre lo que quieres hacer y no escuchar el ruido de fuera. Así es como me protejo. Si saco un single, ya estoy pensando en el segundo. No me quedo estancada en los comentarios, en el «hate», no aporta nada.

Estás en la película nueva de Paco León, no sé si está en pre-producción, has leído el guión…
Todavía no he leído nada, pero sí me sé la historia. Es increíble, tengo muchas ganas, me da vértigo. Sí que había pensado: «cuando sea más mayor me lanzo». Pero no ha sido como «quiero ser actriz». Es una oportunidad que se me plantea y creo que voy a aprender mucho.

Pero tú eres la protagonista, ¿no? ¿Has hecho pruebas?
La verdad es que nos quedamos en shock cuando vino Paco a presentarnos el proyecto. Hicimos el vídeo de ‘Ojos de serpiente’, nos contó «esto es lo que pasa», que quería que fuera prota y nosotros flipando. Muy surrealista, en verdad. Me da tranquilidad hacerlo con Paco, porque transmite muy bien lo que quiere hacer. Cuando estábamos haciendo el vídeo, enseguida entiendes dónde quiere ir, tiene una manera de expresarse y de transmitir que a mí me asegura mucho.

Supongo que tiene que ver con las pelis que ha hecho con su madre, el captar lo natural…
Sí, es así, su madre yo creo que nunca había actuado, eso es lo que me estaba contando, y se especializa en trabajar con gente así, muy natural. En sus pelis coge gente bastante real. Las personas que coge para sus cosas ya son para él un personaje en sí mismas.

Antes de la pandemia estabas actuando, en Madrid creo que para unas 300 personas. Supongo que se te han estropeado los planes para este año.
Ha sido todo como que se ha derrumbado, tenía festivales y me apetecía mucho. Me jode pero tengo suerte de que no me afecta tanto, no vivo a base de los conciertos. Es una época para crear, para escribir, para hacer las cosas que no se pueden hacer normalmente.

¿Cómo has llevado estar encerrada en casa? No sé si eres muy callejera…
Ahora que se ha levantado el confinamiento estoy súper callejera, pero me gusta estar en mi cabeza, en mi movida, me encierro a veces a escribir y a hacer cosas. He estado mucho conmigo misma, con mi familia, me ha traído mucha paz.

Entiendo que ayuda que te lleves bien con tu padre, que no es el caso de todo el mundo…
Me llevo muy bien. Bueno, es un poco mitad, mitad. Porque hacer de padre y de mánager es un poco… (risas) Pero nos llevamos súper bien.

‘Calor’ puede ser un punto de inflexión para Monterrosa y Miqui Brightside

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11 septiembre, 2020

Monterrosa estrenan otro de sus rompepistas, aunque este es algo diferente. Se trata de ‘Calor’, una tardía canción del verano que han perpetrado esta vez no en solitario como dúo, sino junto al productor de música electrónica Miqui Brightside, conocido por singles como ‘Home’ o el genial ‘Burning Bridges’ o por sus sesiones en todo tipo de eventos y festivales dentro y fuera de nuestras fronteras. Foto: Raquel Xallas.

La canción, que habla de ligoteo al modo de una canción de Cassino tipo ‘Tu noche en mi coche’ («dónde hay que firmar para tenerte dentro un rato más»), presenta una base muy 90’s, conformando una de las producciones más elegantes del dúo formado por Rocío de Las Chillers y Esnórquel DJ. Con el estribillo melódico que aportan Monterrosa (sobre todo el de «Tanto calor nubla mi mente / me escogiste entre tanta gente») y el sencillo estribillo instrumental de Miqui Brightside, ‘Calor’ podría ser un punto de inflexión tanto para unas como para el otro: es la canción del dúo más presta a una sesión de «voguing» y definitivamente la aproximación más descaradamente pop de Miqui, que logra que el beat nunca caiga en lo zafio.

Hablamos con los tres sobre este tema que pertenece al proyecto «Home Feat Jägermusic» del que os hablamos la semana pasada a raíz de la colaboración de PUTOCHINOMARICÓN con AWWZ. El álbum sale el 2 de octubre en formato digital, y a finales de octubre en edición vinilo limitada a 1000 copias, componiéndose de colaboraciones realizadas en confinamiento por artistas del roster de Jägermusic.

Monterrosa: «Nos propusimos hacer nuestra canción del verano»

¿Cuál es el origen de la letra? Es una historia tan vuestra que parece difícil que la hayáis creado ad hoc para este proyecto. Es tan 100% vosotras que parece haber estado siempre ahí…
Hablando con Miqui nos propusimos hacer algo ultraveraniego, nuestra propia canción del verano. Quisimos que la letra fuera sencilla y directa, y que hablara de esas tórridas y efímeras pasiones que parecen solo posibles durante el estío. Hemos querido capturar el momento en el que las señales parecen claras, pero todavía dudas de si esa persona quiere rollo o solo está jugando. Ese instante y ese juego a veces es más excitante que lo que viene después.

La historia es súper sexual («¿dónde hay que firmar para tenerte dentro un rato más?»), y surge de un DM, ¿con las discotecas cerradas, sin festis… ¿los DM’s son lo único que nos queda para ligar?
Personalmente creo que se ha instaurado totalmente. Los fueguitos, los mejores amigos, las fotos bomba y los DMs de instagram es el terreno de ligue predominante ahora mismo, al menos entre los maricones. Es más relajado que otras apps como Grindr y da mucho juego. Si antes ligar por internet era un tema novedoso que daba para varios programas de ‘El diario de Patricia’, yo creo que ahora ya casi no se liga si no es por internet. Y con el confinamiento mucho más, claro.

Vuestras canciones tendían a ser autoproducidas, así que en este caso hay un cambio de registro, ¿cómo os sentará si alguien piensa que esta es vuestra canción mejor producida?
El gusto es por definición personal y subjetivo; nos alegrará mucho si la canción gusta, porque hemos querido alejarnos de nuestra marca como grupo y siempre está bien experimentar cosas nuevas. Miqui ha hecho un gran trabajo y a nosotras el resultado nos encanta. Queremos poner ‘Calor’ a toda pastilla y restregarnos con muchas personas en cuanto la seguridad y la salud pública lo permita.

Miqui Brightside: «Ha quedado en un punto perfecto de sutil y desmadrado»

¿Qué te gustaba o conocías de Monterrosa antes de este proyecto conjunto?
Personalmente nos conocíamos de antes y he de decir que ya se había comentado en algún momento la idea de hacer algo conjunto, más dirigido a un remix, aun así. Además tocamos en Valencia un día que abrí yo y Rocío me pidió que metiera tralla aún siendo la una de la tarde, yo encantado evidentemente. La conexión siempre fue buena, y ¡ahora, más!

La producción tiene su parte instrumental como gancho, su drop y su pequeña parte de subidón, ¿para ti el resultado es sutil y lleva tu marca o querías hacer algo más desmadrado y gamberro?
Yo personalmente llevaba un tiempo con la idea de hacer un tema cuyo bajo fuera la parte principal de la canción, pero esto siempre necesita que se acompañe de unos buenos vocales. Un buen ejemplo es Channel Tres. En España no tenía muy claro cómo podía ejecutarlo pero creo que con las voces de Monterrosa ha quedado en un punto perfecto de sutil y algo desmadrado. Tengo muchas ganas de escucharlo en directo y confío en que sea pronto, toco madera.

También es un cambio de registro para ti, ¿crees que te picará el gusanillo y harás más producciones pop, en castellano, revientapistas… o lo ves como una excepción entre lo que estás haciendo últimamente?
Quiero ver un poco cómo evoluciona. Sí que es cierto que tengo en mente abrirme un poco en cuanto a producciones para más artistas se refiere, ya que me da miedo no conseguir adaptarme a otros artistas. Pero tengo claro que los temas que siga haciendo 100% para mí serán con ese estilo del cuál creo que aún me queda bastante por explotar.

Lo mejor del mes:

La camiseta gafe de Declan McKenna: los Rolling le dejan sin número 1 pese a su llamamiento

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11 septiembre, 2020

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Hacía tiempo que no había una batalla día a día tan emocionante por el número 1 de álbumes en Reino Unido. Sobre todo porque desde que supimos que Taylor Swift adelantaba 3 días la salida del CD de ‘folklore’, Fontaines DC no tenían ninguna opción de ser número 1, pese a la calidad de su disco.

Pero esta semana era diferente. Declan McKenna estaba encaminado a ser el nuevo top 1 según las “midweeks” del fin de semana con su segundo álbum ‘Zeros’, pero la diferencia era de muy pocos cientos de copias sobre los Rolling Stones. Estos tenían la reedición de su disco de 1973 ‘Goats Head Soup’ acechando, y después de varios días al borde del empate técnico, finalmente han tomado la delantera.

‘Goats Head Soup’, que ya fue top 1 en Reino Unido a su edición, es el nuevo número 1 en Reino Unido tras vender 13.100 unidades en 7 días y ‘Zeros’ ha de quedarse con el top 2 tras despachar 12.400. Para los Rolling es además un récord, pues con este 13er. número 1 en las listas británicas, resultan haber sido número 1 en las mismas durante 6 décadas consecutivas. Además, empatan con Elvis y Robbie Williams en cantidad de números 1, tan solo por detrás de los Beatles, que tienen 15. De hecho, no superan el mayor lapso entre números 1 del mismo disco, pues ‘Abbey Road’ volvió a ser número 1 con motivo de su 50º aniversario, recientemente.

Lo gracioso de la historia es que Declan McKenna había contraatacado esta semana en la reñida rivalidad recordando que hubo un buen día que se puso una camiseta que decía “¿QUIÉN COÑO ES MICK JAGGER?”. Ayer escribía en Instagram, todo en mayúsculas: «Estoy tan cerca de un número 1. Vuestro apoyo lo significa todo. El streaming no va a contar ahora mismo, comprad una copia, decídselo a un amigo, podemos hacerlo». Como veis, no ha surtido mucho efecto. Lo de la camiseta sería una broma, pero es inevitable dejar el chascarrillo fácil: quizá ahora se haya enterado, pues se ha quedado sin saborear su primer número 1.

Su debut ‘What Do You Think About the Car’ fue top 11 en 2017 y, eso sí, al menos con este ‘Zeros’ que ha presentado con singles como ‘Beautiful Faces’, ‘The Key to Life on Earth’ y ‘Be an Astronaut’, mejora el dato. Con humor, eso sí, ayer Declan McKenna versionaba ‘Satisfaction’ en TikTok, ya oliéndose la tostada. No pertenece en realidad a este disco de los Rolling, pues es bastante anterior, pero lo que cuenta es la intención.

Respecto a los Rolling, ‘Goats Head Soup’ era el álbum que traía nada menos que la ultra popular ‘Angie’, una de las canciones más populares de la banda. Otros temas destacados de aquel álbum fueron ‘Dancing With Mr D’ y ‘Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)’. La reedición con descartes y maquetas se ha promocionado con temas como ‘Criss Cross’, ‘Scarlet’ y ‘All the Rage’. ‘Scarlet’ es una grabación perdida que se realizó en octubre de 1974, con la participación de Jimmy Page y Ric Grech junto a Mick Jagger y a Keith Richards.

Roy Borland / ESPESSO

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11 septiembre, 2020

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Demasiada atención mediática para los concursantes que salen de Operación Triunfo y muy poca para los que salen de otros programas con buenos datos de audiencia pero dinámicas menos propias de «reality». Roy Borland pasó por La Voz, y antes era conocido como uno de los chicos que cantaban en la calle, en concreto en el Templo de Debod. Nacido en Madrid, sobrino-nieto del icónico artista panameño Manny Bolaños e hijo de un pianista de jazz llamado Vicente Borland, Roy se ha criado embelesado lo mismo por la música de Bobby McFerrin (el de ‘Don’t Worry, Be Happy’) que por la del cantante de R&B Brian McKnight o Coldplay.

La pulcritud del soul más apto para toda la familia marca la deriva de ‘ESPESSO’, su primer disco, una colección de 10 canciones en inglés bienintencionada y agradable que pretende capturar, cronológicamente, una relación de amor desde las chispas del primer encuentro, hasta la desazón del final. Así, el álbum se abre con un tema jazzy (al modo de Billie Eilish o James Vincent McMorrow), que se pregunta «¿quién no se enamoraría de ti?»; pronto nos muestra al buenino de Roy convertido en un servicial muchacho que te trae «vino» y «chocolate» (‘CHEESE’)… hasta que las cosas se van torciendo. «Subí a la cima y caí» es una frase de ‘VALENTINE’, ‘I LOVE YOU, BUT…’ lo dice todo con la adversativa de su título y el álbum termina con la tristona ‘TREE’, entre Frank Sinatra y Henry Mancini, y la conclusión «dejaremos que las cosas sigan su curso».

Roy Borland ha escrito la letra y la música de todas estas canciones, implicándose en la producción junto a Sergio Fernández, que además se ha encargado de la importante labor, en este género, de tocar bajo y contrabajo. Juntos desarrollan ideas tan hábiles como la unión de las dos primeras pistas y el modo en que emerge ‘MY SUN’, la gran composición del álbum en sus guiños al easy-listening y las bandas sonoras sesenteras (además de a Kiefer y Nat King Cole, como dice).

Eso sí, no siempre las calculadísimas decisiones estéticas son las mejores: ‘CHEESE’, que parecía tener un poco de garra, se pierde en su bobalicón tarareo. Nada que no sepa el mismo Roy, pues ha titulado esta canción en honor a la palabra «cheesy», que en inglés se utiliza para designar algo ñoño.

Por suerte, a continuación ‘AWAKEN’ huye de ello con la voz de María Yfeu, que sí es de la escuela de Dinah Washington y su mejor discípula aunque ella no lo supiera, Amy Winehouse. En sus momentos más atrevidos, Borland tiene un timbre trémulo que recuerda a los momentos más cálidos y cercanos de Devendra Banhart, como sucede en la mencionada ‘I LOVE YOU, BUT…’, mientras en lo musical hallamos pequeños riesgos: las locuciones de Alan Watts dan bastante cuerpo, ‘DREAMY’ juega a ser un vals que plantea con sabiduría que «los sueños, sueños son… y fuente de arrepentimiento» y ‘VALENTINE’ es una aproximación a los ritmos cubanos bien resuelta. Veremos qué tal se le da su plan de hacer un disco en castellano, ahora que el inglés no está muy de moda.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘MY SUN’, ‘AWAKEN’, ‘DREAMY’, ‘I LOVE YOU, BUT…’, ‘TREE’
Te gustará si te gusta: Francis White, Russian Red, Virginia Labuat
Youtube: vídeo de ‘MY SUN’

David Guetta se refina junto a Sia, ahora subiéndose al carro 80’s

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11 septiembre, 2020

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David Guetta estrena hoy un nuevo tema llamado ‘Let’s Love’ en el que repite equipo con Sia. Con ella ya había perpetrado el macrohit ‘Titanium’ y muchas otras canciones después, pero esta es diferente.

‘Let’s Love’ es una producción de synth-pop muy próxima a ‘Blinding Lights’, aquella canción de The Weeknd que nos conquistaba a finales de 2019 y que ha arrasado y continúa arrasando este 2020. De hecho, continúa en el top 5 del global de Spotify cuando nos aproximamos a su año de edición: con 1.400 millones de reproducciones solo en esta plataforma, ya podemos concluir que va a ser una de las canciones más exitosas de la historia.

Más listo que el hambre, David Guetta se aproxima ahora a este sonido en esta buena canción, mucho más elegante que su registro habitual; exactamente igual que se acercó al sonido Daft Punk en ‘Dangerous’ (2014) justo después de que Daft Punk petaran con ‘Get Lucky’ (2013).

En todo caso, es un avance un par de semanas después de que David Guetta estrenara un tema colaborativo llamado ‘Pa’ la cultura’, completamente espantoso, inspirado en ‘Mi gente’, y eso sí, con carácter benéfico. En él colaboraron Abraham Mateo, Zion & Lennox, Lalo Ebratt, Thalia y un largo etcétera.

Respecto a Sia, es una de sus canciones más synth-pop, si no la que más, que llega mientras la australiana celebra otro éxito. Se trata de ‘Del mar’ con Ozuna y Doja Cat, una de esas canciones latinas que sin ser número 1 o top 10 en ningún país en particular va sumando streamings multimillonarios en las plataformas de streaming, sumando un poquito de cada territorio, latino y anglo.

‘La valla’ predijo el futuro, pero pertenece al pasado

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11 septiembre, 2020

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Todavía tengo pendiente ‘Mrs América‘, se me olvidó que volvieron ‘DARK‘ y ‘La casa de las flores‘, abandoné por aburrimiento ‘The Walking Dead’ hace mucho y ‘Tiger King‘ hace poco, se me pasó grabarme la última de ‘Homeland’, no sé bien qué tengo que hacer para poder ver ‘Normal People’ ni ‘Veneno’, me quedaba siempre dormido intentando ver ‘La zona’, me gustaría volver a ver la tercera temporada de ‘Twin Peaks’ pero cada día me suena más utópico y tengo la fantasía de alguna vez poder ponerme al azar una serie. Con la oferta creciente en cada plataforma, cada vez de más maneras… ¿de verdad alguien tiene ánimo de ponerse una nueva serie que estrenen en Antena 3 o Telecinco?

‘La valla’ tenía anoche un atractivo que ‘Madres’ antes de anoche, no: haber predicho el futuro. La serie, cuyo tráiler llegaba a estrenarse en 2019, habla de un extraño virus mortal que amenaza a la población. El presidente del gobierno aparece en televisión declarando el estado de excepción, se recortan las libertades, se pide a la gente que se quede en sus casas, hay toque de queda, la gente pobre vive hacinada mientras los ricos continúan comiendo jamón serrano y merendándose un vino tinto… Sólo han faltado un plano de gente lanzándose a la desesperada y sin motivo a la compra ingente de papel higiénico, y un cameo de Fernando Simón, para que reconociéramos nuestra vida actual en la pequeña pantalla. También sobraba una Tercera Guerra Mundial sobre la que poco se sabe de momento.

La serie creada por Daniel Écija sitúa la acción en 2045, en un Madrid polvoriento, gris, desolado por la escasez de recursos. No queda agua, aunque sí hip hop y fiestas de sexo. En lugar de la ciudad dominada por la tecnología que imaginábamos, parecemos estar más bien en el Berlín separado por un muro («la valla» bien podría ser una suerte de Checkpoint Charlie) o la España de Franco, incluso por vestuario. En su retrato de un estado totalitario, que llegó porque en situación de crisis, «el pueblo requirió de gobiernos fuertes», la serie es una mina para que los bots de Twitter se pongan las botas viendo la paja en el ajeno. Entre referencias a ‘El cuento de la criada’ y autorreferencias a ‘El internado’, que además estará de vuelta el año que viene, la serie no termina de situarse en «el futuro», y no porque a sus personajes les hayan quitado la internet.

Duelen las comparaciones internacionales, pero después de la viralización de ‘La casa de papel‘ fuera de nuestras fronteras, hay que apuntar más alto: ‘La valla’ no resiste las comparaciones con la que ha sido una de las grandes series de este verano, ‘Colapso’, disponible en Filmin. Donde la serie francesa premonitoria presentaba una estructura original, un ritmo de cortar el hipo, y un guión que da verdadero miedo por lo que pueda anticipar sobre nuestro incierto sino; la propuesta de Antena 3 no se decide entre lo underground y lo generalista. Parece optar a lo primero con un guión demasiado caótico y con demasiados frentes abiertos (los chips, la propia Guerra Mundial, el ministro, el colegio, las diversas antagonistas), ante el que fueron muchos los usuarios que anoche manifestaban en redes no estar enterándose de nada. La serie fue un éxito de audiencia con un 15% de share, pero mucho va a tener que mejorar para sostenerse, para captar a la audiencia que a estas horas de la noche entre semana (‘El Hormiguero, ese programa, acaba casi a las 23.00) solo busca evadirse.

Pero para la audiencia más exigente, ‘La valla’ tampoco parece la mejor opción. La situación de alerta máxima que recrea debería ser carne de cañón para un guión que reflexionara sobre hasta qué punto peligran nuestras libertades, hasta qué punto aterra que el gobierno controle toda la información, o qué puede pasar con la diversidad y la desigualdad en un mundo como este. Este guión enrevesado por un lado y paradójicamente con sus flashbacks y subrayados por otro, resulta vago y viejuno. «Nos quitaron lo más importante que tenemos las personas: la libertad» es la frase estelar de la pobre Ángela Molina, que logra mantener en pie este producto lo mismo que Olivia Molina. A Unax Ugalde le tocó caer al suelo… varias veces. Ya se me había olvidado que existían los «teasers» del capítulo siguiente, entre atracones de series y series a demanda. Y más miedo que el himno de la Nueva España que se ha creado y cerró anoche, da que lo mejor que tengan para el segundo episodio sea a Ugalde diciendo que «va a cruzar esa puta valla». 5.

Muere Jotamayúscula, pionero del hip hop en castellano

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11 septiembre, 2020

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Radio 3 informa de que ha fallecido Jotamayúscula. Según algunas fuentes, la causa de la muerte ha sido un infarto, aunque no se ha confirmado de manera oficial. De verdadero nombre Jesús Bibang González, fue pionero del hip hop en nuestro país al formar parte de El Club de los Poetas Violentos, después conocidos como C.P.V. (con estas siglas debéis buscarlos en las plataformas de streaming), tras haber ganado un concurso de talentos en Madrid tan pronto como en 1993, cuando este género estaba a años luz de ser mainstream en nuestro país.

Con el colectivo del que formarían también parte El Meswy, Kamikaze, Mr. Rango, Paco King y Supernafamacho, Jotamayúscula publicó en 1994 ‘Madrid Zona Bruta’, considerado el primer álbum de hip hop en castellano, y que el año pasado celebraba su 25º aniversario. Con motivo de esta efemérides, Jotamayúscula declaraba a Cuarto Poder: “El disco lo hicimos con inocencia, éramos jóvenes, todo era nuevo y estábamos emocionados e ilusionados. No esperábamos tampoco ningún tipo de repercusión, lo hicimos porque teníamos ilusión por lo que nos gustaba. En la vida pensábamos que nos iba a firmar una discográfica, España todavía estaba en pañales en ese aspecto”. El grupo era conocido también por su vocación antifascista. Jotamayúscula comentaba en esta entrevista: “Había un tipo de mensaje revolucionario que hoy en día, en la situación que vivimos, es aplicable».

Jotamayúscula desarrolló después de otros álbumes una carrera en solitario, y continuó colaborando con gente como 7 Notas 7 Colores, Violadores del Verso, Mala Rodríguez o Kase.O, entre muchos otros. Entre estas colaboraciones, destaca su aparición en ‘Genios’ de ‘Violadores del verso’ y en varios álbumes de Mala Rodríguez, desde sus inicios en ‘Yo marco el minuto’ en 1999 (un año antes de ‘Lujo ibérico’) hasta la relativamente reciente ’33’, una excelente producción que era suya y que era incluida en 2013 en ‘Bruja’.

También era conocida su labor al frente del programa El Rimadero (‘Rimadero’ se llamaba una de las canciones de ‘Madrid Zona Bruta’) en la mencionada radio pública, que desarrolló durante más de 20 años: desde 1998 hasta nuestros días, resultando ahí indispensable como divulgador del hip hop. Hace muy pocos días había compartido las novedades del programa en las redes sociales.

Entre quienes han lamentado su muerte encontramos nombres tan dispares como los de Pablo Iglesias («El hip hop que hoy podemos escuchar aquí, no sería posible sin Jotamayúscula»), Los Chikos del Maíz (Nega afirma saberse de memoria ‘Madrid Zona Bruta’ mejor que sus propios discos), o incluso músicos procedentes del indie como Pepo Márquez y periodistas televisivos como «Gonzo», y especializados, como Diego Manrique. Haze ha dejado uno de los mensajes más sentidos: «Llevo 15 minutos llorando. No era mi hermano, ni mi amigo ni siquiera un conocido. Sin embargo, estuvo en los duros inicios, en la raíz, en el origen del hip hop español. Ha muerto Jota Mayúscula, presentador durante décadas de El Rimadero… ¡¡¡LOCOOOO!!! DESCANSA EN PAZ».

Aun no lo podemos creer.
Se ha ido nuestro querido @jotamayuscula
Responsable de @ElRimaderoR3 y de los programas en video de @Radio3Extra Hablando con las agujas y el recien estrenado Jammin con Jotamayusculahttps://t.co/eqioWRXkvK https://t.co/P1gIdqaBsb pic.twitter.com/CiKavJTSoy

— Radio 3 (@radio3_rne) September 11, 2020

Llevo 15 minutos llorando. No era mi hermano, ni mi amigo ni siquiera un conocido. Sin embargo, estuvo en los duros inicios, en la raíz, en el origen del hip hop español. Ha muerto Jota Mayúscula, presentador durante décadas de El Rimadero… ¡¡¡LOCOOOO!!! DESCANSA EN PAZ. pic.twitter.com/tdaWTw5xFr

— HAZE (@elhaze) September 11, 2020

Se ha ido uno de los pioneros, uno de los que lo hicieron primero en este país. Muchos, siendo chavales, estábamos deseando que llegara el sábado para escuchar los temones que traía. Un abrazo fuerte a familiares y amigos.

DEP Jota Mayúscula, respetos a la familia CPV. pic.twitter.com/IDHCrNyAql

— Los Chikos del Maíz (@chikosdelmaiz) September 11, 2020

Nos deja uno de los pioneros del rap en España. El hip hop que hoy podemos escuchar aquí, no sería posible sin Jota Mayúscula. Abrazo enorme a sus amigos y familiares. Hasta siempre pic.twitter.com/nvxpiDJh2p

— Pablo Iglesias 🔻 (@PabloIglesias) September 11, 2020

Un saludo a la familia y amigos de @jotamayuscula. Y gracias a él por lo que hizo en su vida artística. Largo recuerdo a un pionero del rap en España. #unavidaextra pic.twitter.com/M6qJFyhKku

— Fer González Gonzo (@FerGonzo) September 11, 2020

Esta noche ha fallecido Jota Mayúscula, sin el cual es imposible entender el rap en España. Por muchos motivos, esto es un palo dolorosísimo. Respeto y condolencias a su familia y a sus amigos. La vida ha perdido graves. pic.twitter.com/rBsSa8BUxv

— Pepo M. (@Pepo_Marquez) September 11, 2020

DORA supera una ruptura en la pista de baile en ‘Oxena’

Por

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11 septiembre, 2020

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DORA, a la que en breve dejaremos de conocer como hija de Bimba Bosé y Diego Postigo, ha sorprendido en su media docena de singles publicados hasta la fecha, dada su considerable variedad de registros, lo que incluye canciones de las que alternan guitarra acústica y electrónica como su gran éxito de momento ‘Call Me Back‘, temas más bailables como ‘Stay’ y ese neo-bolero cuyo vídeo dirigía Paco León, ‘Ojos de serpiente‘.

El nuevo single que publica esta noche es un paso más. Se llama ‘Oxena’, como la persona a quien se dirige esta canción post-ruptura, y se divide claramente en dos mitades: una primera que supone un lamento («¿Sabes qué pasa? / Siempre lo doy todo por quien no lo merece / Y al final me rompo»); y una segunda que «rompe» con eso sobre una base más UK Garage o drum&bass, sobre la que repite una y otra «estoy mejor sin ti», hasta el punto de que este podría ser el título de la canción. Una producción avanzada que también ha construido junto a su mano derecha Pional y que podríamos emparentar con Jamie xx, Flume o también la primera Najwa (la de ‘That Cyclone‘, ¿nadie la recuerda?), si no fuera por la peculiaridad de las dos partes.

En breve publicaremos una entrevista con DORA realizada este jueves vía Zoom, en la que la artista nos habla de su carrera y ambiciones, pasando también por otros temas, sus influencias o la película que protagonizará de la mano de Paco León. Sobre ‘Oxena’ nos ha explicado: «Al principio era una balada, y la primera parte es la que he hecho yo sola en mi cuarto. Es uno de los últimos temas que escribí, en pleno confinamiento. En principio ese era el tema, pero un día estábamos en el estudio y Pional se puso a jugar, salió la parte más garage, y dijimos: «vamos a cambiar todo el tema, vamos a hacerlo a saco»».

Continúa: «Tiene un punto como sin explotar, hasta que llega la segunda parte. Se está conteniendo y luego hay un punto en que explota. El vídeo es como un trip, es como muy surrealista, es ambiente de club. Es sobre algo que llevas dentro mucho tiempo, que tiene que salir y ya explota». Efectivamente, el vídeo realizado por su tío Gorka Postigo que se estrena a lo largo de este viernes se sitúa en una discoteca, un escenario en el que liberar los fantasmas de dicha relación fallida. El exnovio, por cierto, ha dado su consentimiento para aparecer en el nombre del tema: «Hay buen rollo, es su nombre. Le escribí para preguntarle, en plan: «¿no te importa?». Pero se lo tomó muy bien, le hizo mucha gracia».

No obstante, DORA quiere que el mensaje de ‘Oxena’ sea mucho más universal: «El tema que saqué antes, ‘Hoy’, también era sobre una ruptura. Pero esto está llevado a otro sitio, se puede interpretar de varias maneras, cualquier otra persona se puede identificar. «Estoy mejor sin ti» puede ser un mensaje para muchas cosas. A cualquier cosa en la vida que no te venga bien le puedes decir: «estoy mejor sin ti, déjame en paz»». Publicaremos la entrevista completa en breve.

Lo mejor del mes:

Lo nuevo de James Blake, Annie, Matt Berninger, Omar Montes…

Por

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10 septiembre, 2020

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Esta noche se han publicado discos de artistas como Marilyn Manson, Everything Everything, Doves, el productor Paul Epworth y Flaming Lips, este incluyendo su corte con Kacey Musgraves (el de Will Butler sale finalmente el día 25). También hay nuevas canciones de DORA, Sia con David Guetta o La Habitación Roja que sumamos en nuestra playlist “Ready for the Weekend” a los temas que hemos ido conociendo de New Order, Gorillaz con Robert Smith, Mala Rodríguez y Janelle Monáe durante la semana.

Pero también tenemos ya nuevos temas de Django Django, Maga, Matt Berninger, Bob Mould, Gabriel Garzón-Montano, Sean Nicholas Savage, of Monsters and Men o Stats, que es el guitarrista de Dua Lipa y La Roux en directo. Carly Rae Jepsen es la artista invitada del delicado tema de mxmtoon, que además ha sacado un corte llamado ‘bon iver’, tal cual. David de La M.O.D.A. continúa con su proyecto experimental nostalgia.en.los.autobuses.

Entre las novedades que nos deja el mainstream encontramos lo nuevo de Mr Eazi con Major Lazer y Nicki Minaj, Marshmello con Demi Lovato, Daddy Yankee con Anuel AA (llamados a petarlo con ‘Don Don’), Omar Montes con Rvfv, Usher, el baladón adulterado de Danna Paola con MIKA o Alicia Keys. Entre las curiosidades, James Blake versiona a Frank Ocean, y temas de Rhye, beabadoobee, MICHELLE con Arlo Parks y Dizzee Rascal. También hay remixes de Róisín Murphy, Kylie y los de Dua Lipa se lanzan también por separado. Aunque para curiosidades, inéditos de Tom Petty y Joni Mitchell para sus futuras cajas y un tema de un EP punk que Beastie Boys sacaron en los 90.

El pop español nos deja canciones de Chef Creador y Malamute, Alexanderplatz, Monterrosa y Miqui Brightside, La Habitación Roja, Maria Rodés, Cosmen, Mediapunta, Paula Cendejas, Caravan Trip con MuéveloReina (va sobre mascarillas, en concreto de quitarse todo), Fon Román con Coque Malla y Yung Beef.

Completamos la playlist de momento con canciones nuevas de Slow Pulp, King Hannah, Sylvan Esso, Mint Field, This Is the Kit, Eartheater, Asha Imuno, Omar Apollo y Action Bronson. Good Sad Happy Bad es el nuevo proyecto de Micachu & the Shapes. No olvides dejarnos en la sección de comentarios qué canciones te parece qué faltan o cuáles te gustaría ver reseñadas en nuestra web.

20 años de ‘Overload’, el debut de una disruptiva máquina de hits llamada Sugababes

Por

Raúl Guillén

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10 septiembre, 2020

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El 11 de septiembre de 2001 dos aviones de pasajeros impactaban sobre las Torres Gemelas de Nueva York, en un ataque terrorista simbólico sin precedentes en el mundo occidental, cambiando para siempre la realidad de varias generaciones. Justo un año antes, todo era diferente. Aliviado el planeta al contemplar que el Efecto 2000 no había sido para tanto, todo era más plácido. O, mejor dicho, solo lo parecía: en España, ETA recrudecía sus asesinatos en supuesta defensa de la independencia de Euskadi; en USA, Clinton se preparaba para culminar sus dos mandatos dejando la presidencia del país en manos de George W. Bush; el petróleo vivía una escalada de precios descomunal; el euro se depreciaba por la subida de tipos del Banco Europeo; se estrenaba el primer capítulo de Dora, La Exploradora… Y ese cambio de siglo también trajo cambios en la música: Radiohead cambiaban el devenir del rock con ‘Kid A’, Madonna el del pop con ‘Music’, Coldplay debutaban a lo grande con ‘Parachutes’, se separaban The Smashing Pumpkins, se consolidaban los fenómenos comerciales de Britney Spears y Christina Aguilera… y, precisamente hace hoy 20 años, se publicaba ‘Overload’, primer single de una máquina de hits enmascarada tras tres casi niñas bajo el nombre de Sugababes.

Los artistas y discos citados en el párrafo no están escogidos a vuelapluma, sino que nos ayudan a plasmar cuál era el «estado del pop» en la época: el grunge había sido asimilado y deglutido por la industria hasta no quedar nada (o reconvertirse al metal, de fans siempre fieles), el rock estaba mutando a espacios más eclécticos (Coldplay) y experimentales (Radiohead), y el pop se nutría del nuevo auge del R&B y el soul adoptado por artistas blancos, mientras que Madonna mostraba una vía audaz en la que lo electrónico y lo orgánico iban de la mano, claro anticipo de la fusión de estilos que ha predominado en lo que llevamos de milenio. Y en Reino Unido, el resacón sin vuelta atrás del britpop había devuelto el cetro de los éxitos a grupos pop como S Club 7 –o lo que quedaba de alguno de ellos, con Robbie Williams triunfando al margen de Take That– o girl groups como All Saints. Precisamente el creador de estas, Ron Tom, fue el hombre que también propició el germen del jovencísimo trío.

Tom había fichado para su agencia a unas talentosas chicas de apenas 12 años, Siobhán Donaghy y Mutya Buena. En principio la idea era lanzarlas como solistas, pero un día en 1998 coincidieron en el estudio, se entendieron bien y comenzaron a escribir (sí, escribían sus letras: toda una anomalía) sus canciones sobre bases del propio Ron Tom o de Cameron McVey y Paul Simm, tándem conocido por sus éxitos para las mentadas All Saints y Neneh Cherry (recordemos que el primero era pareja de Cherry por entonces, padre además de la ahora estelar Mabel). A esas sesiones se sumó Keisha Buchanan, una amiga de la infancia de Buena, y la química de las tres convenció al mánager y también al sello London Records, que inmediatamente acordó con ellos la publicación de su álbum debut. Tras dos años de trabajo, ‘One Touch’ veía la luz a finales de noviembre de 2000, precedido por el citado single con el que debutaba. El impacto de ‘Overload’ y Sugababes fue considerable de primeras. Y no tanto porque las tres jóvenes apenas tuvieran en la fecha en torno a quince años, sino también por la mezcla racial, reflejo de una realidad de la sociedad británica que raramente, por entonces, era mostrada tal cual en la industria del entretenimiento. Tampoco eran arquetipos de belleza al uso, sino chicas normales, de aparente autenticidad, lo cual aportaba credibilidad al proyecto. Y, sobre todo, mostraban una propuesta nueva y fresca para el pop del nuevo milenio.

‘Overload’ era el epítome de lo que contenía ‘One Touch’: soul, R&B, hip hop, funk ejecutados con una premisa claramente minimalista y contundente, limpia pero rotunda. En este caso, una base formada por una batería funky muy vigorosa y realista –sólo el hi-hat que irrumpía tras el primer verso suena a caja de ritmos–, y un bajo de extraordinario músculo que constituye el leit motif básico de la canción. Una base en la que, pese a los constantes overdubs, scratches y efectos fantasmales, primaba la naturalidad, y en la que los instrumentos tradicionales dominaban sobre los electrónicos (una evidente conexión con el ya citado ‘Music’). Mención aparte merecen las guitarras eléctricas –solo surf-rock incluido– y unos tímidos arreglos de metales que aludían a clásicos de la música negra, en una suerte de precedente de la relevancia de Amy Winehouse un lustro después. Y no es caprichoso decir esto, porque Paul Simm participó con su colega Felix Howard en la grabación de algunas canciones relegadas a caras B (la versión de ‘Someone to Watch Over Me’ de los Gershwin y ‘Close to the Front’, principalmente) de las sesiones de ‘Frank’ y ‘Back to Black’. Y su influencia fue incluso más allá: en ‘Stripped’ de Christina Aguilera, publicado dos años después, se incluía ‘Make Over’, un tema firmado por ella y Linda Perry que, entre arreglos folclóricos y giros «grungy», tenía una melodía que de manera muy obvia bebe de ‘Overload’. Incluso, en un verso, tiene el morrazo de cantar el título de esa canción. Dos años después, la sociedad de autores estadounidense ASCAP reconocía créditos en esta canción a los autores del tema de Sugababes, reflejándose en nuevas tiradas de ‘Stripped’.

Volviendo a ‘Overload’, por supuesto que esa base no sería casi nada sin una melodía excelente, cautivadora desde el primer instante. Sencilla, pero tampoco facilona. Donaghy arranca cantando en solitario ese tuétano musical, sumándose a ella Buchanan y Buena en el fabuloso estribillo. La última se adueñaba del curioso puente dubstep, que acentuaba la absoluta contemporaneidad de la propuesta, mientras que Keisha se luce en los contrapuntos finales. La letra, evidentemente, no podía tratar de otra cosa que no fuera los picores erótico-sentimentales con algún mozuelo –más bien chav– del popular y multiétnico Noroeste de Londres del que provenían Mutya y Keisha. Pero no dejaba de sorprender cierta madurez en sus textos, bastante alejada de la inocencia impostada por Britney en ‘Oops!…I Did It Again‘. Aquellas niñas, sabían que saltarse las clases por su crush estaba abocado al desastre, como bien expresa, con un punto tragicómico, el gancho principal: «El tren viene y ya sé cuál es su destino: es un viaje solo de ida a una situación demencial». La tesitura de clásico de ‘Overload’, marcando distancias con «rivales» como Atomic Kitten (mucho más esclavas de las tendencias de mercado), quedaba también demostrada en esta rara versión acústica en televisión, con arreglos de jazz-folk psicodélico propios de Terry Callier o el maldito Sixto Rodriguez.

‘Overload’ no sólo fue su primer single sino también el primer top 10 en la lista de singles británica de los 18 que han conseguido Sugababes en toda su trayectoria. Tenía madera de número 1 y no lo fue: se quedó en el 6, posición que sin embargo superó en Alemania, Grecia, Austria. Pero la crítica la ha celebrado incluso más positivamente: no solo optó al BRIT a mejor single de aquel año, sino que publicaciones como NME y Pitchfork la han destacado en resúmenes de la música más importante de los últimos 20 años. El resto de buenos (aunque no tan fulgurantes) singles de ‘One Touch’ –’New Year‘, ‘Run for Cover‘ y ‘Soul Sound‘– estuvieron aun más lejos de coronar las listas, pero no fue un flop ni mucho menos. Al contrario, su comportamiento fue más bien el de un sleeper, probablemente gracias a que es un gran disco lleno de temas tan espectaculares como ‘Look at me’ o ‘One Foot In’, en los que se mezclan sonidos orgánicos y atemporales con guiños a estilos rabiosamente modernos entonces como el UK garage o el drum n bass. Fue subiendo muy poco a poco en la lista de álbumes, hasta alcanzar el puesto 26 en la primavera de 2001 y ser certificado disco de oro en UK. En todo caso, este debut era un anticipo de lo que se confirmaría en años posteriores como una auténtica máquina de hits: ningún otro grupo femenino desde Spice Girls había logrado seis números 1 de singles en su país –’Freak Like Me’ sería el primero y ‘About You Now’ el último–, y alcanzaron un hito que se le había escapado incluso a las Chicas Picantes: coronar simultáneamente la lista de singles (con ‘Push the Button’), álbumes (‘Taller In More Ways’), airplay y descargas durante una semana de 2005.

En todo caso, esa brillante carrera en números ha estado acompañada de cierta controversia, con una formación repleta de cambios hasta extremos delirantes. Tratando de resumir mucho, todo comenzó poco después de su debut cuando, en mitad de un entrevista promocional en Japón, Siobhán decidió abandonar no solo la charla con el periodista sino también el grupo (años después negaría, eso sí, haberlo hecho saliendo por la ventana de un cuarto de baño). Tiempo después, al emprender su trayectoria en solitario, aseveraba que casi desde un primer momento se sintió completamente desplazada por la amistad de las dos chicas de barrio, Mutya y Keisha, llegando a acusar de manera explícita a la última de ser una bully. Donaghy sería inmediatamente sustituida por Heidi Range, un descarte de Atomic Kitten con pinta de pija y que se alejaba de la primigenia imagen de normalidad del trío. Poco importaba, puesto que esa era devino en la de mayores éxitos del grupo con el estupendo ‘Angels with Dirty Faces’ (2002) y el más regulero ‘Three’ (2003)… hasta que fue Mutya la que emprendió las de Villadiego, primero aduciendo una enfermedad y luego el nacimiento de su primera hija.

Amelle Berrabah ocupaba su sitio a instancias del management, dejando a Keisha como la única miembro original de Sugababes. Tres discos más –el mentado ‘Taller In More Ways’, ‘Change‘ (2007) y ‘Catfights and Spotlights’ (2008)–, con el celebrado recopilatorio ‘Overloaded‘ –no podía llamarse de otra forma– entre medias, fue lo que resistiría en el proyecto Buchanan. Tras nuevas quejas de acoso por parte de Berrabah y un amago de espantá de esta, era Keisha quien se marchaba, ante el pragmatismo del equipo que dirigía la franquicia: resultaba más fácil dar con un nuevo miembro –sería Jade Ewen, concursante de Eurovisión 2009– que dos teóricas «víctimas» para la miembro original. Esta, hace muy poco, daba una nueva visión del asunto, defendiéndose y denunciando que, aunque no supo verlo en su momento, aquello fue una estratagema que denota el «racismo sistémico de la industria musical».

Todo este folletín continuaría, con la paradoja de que, mientras las «nuevas» Sugababes languidecían promocionando un mediocre ‘Sweet 7‘ (2010) que supondría el fin definitivo de la franquicia, las «viejas» limaban sus asperezas para reunirse, ilusionadas, y grabar un nuevo álbum bajo el nombre de Mutya Keisha Siobhan o MKS. ¿Pensáis que la loca historia de esta anómala franquicia podría concluir así, con un final medio feliz? Ni modo: tras adelantar oficialmente en 2012 el single ‘Flatline‘ y mostrar ‘Boys‘, el disco ‘The Sacred Three’ se filtraba y las chicas decidían no publicarlo y seguir trabajando en otro, mientras en paralelo seguían pugnando en los tribunales por recuperar la marca original. Las últimas noticias en ese sentido parecían esperanzadoras: el año pasado, tras reaparecer con una versión orquestal de ‘Flowers’ junto a DJ Spoony, Buena confirmaba que querían celebrar este 20º aniversario que hoy nos ocupa con nueva música y una gira. Pero sorpresa: algo ha fallado y seguimos sin saber nada. Pocos proyectos en la historia del pop pueden presumir de tantos éxitos como vaivenes como esta anomalía conocida como Sugababes.

Pablo Alborán denuncia el sospechoso parecido de un single turco al de su éxito ‘No vaya a ser’

Por

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10 septiembre, 2020

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Pablo Alborán sigue trabajando en su nuevo disco -ese que anunció en el vídeo de su salida del armario así como quien no quiere la cosa- y mientras ha acudido a Twitter para mostrar su sorpresa ante el nuevo single del cantante turco Erkan Erzurumlu.

El tema se llama ‘Kalbin Nereli’ («¿dónde está tu corazón?»), es el único editado por Erzurumlu hasta la fecha al menos hasta donde puede verse en Spotify, ha sido publicado oficialmente por la rama turca de Sony Music… y guarda un parecido harto sospechoso con el single de Pablo Alborán de 2017, ‘No vaya a ser’. Melodía, ritmo, instrumentación… ambas canciones son prácticamente iguales. Apenas el idioma las separa de ser la misma canción. El supuesto plagio puede parecer una casualidad hasta que descubres que las portadas de ‘No vaya a ser’ y ‘Kalbin Nereli’ también son prácticamente la misma: mismo fondo, mismo vestuario, misma fuente. El videoclip, también muy parecido, incluye la presencia de una mujer que muestra alegremente un abanico de España, momento en que te das cuenta que la copia ha debido ser a propósito.

Las palabras de Pablo Alborán ante la descarada copia han sido «no tengo palabras», seguidas de un emoji de enfado. Se desconoce si el cantante malagueño tomará medidas legales -como sus fans le están sugiriendo- para defender sus derechos como autor o preferirá adoptar la filosofía de su amiga Pastora Soler, que a su tuit de denuncia ha contestado alegremente: «Oooooooh! Muy fuerte!!!! 🤭 Besitos grandes!» Otro que ha opinado sobre la copia ha sido Cepeda: «Ni el tono le ha cambiado», ha escrito. Lamentablemente, el videoclip de Erkan Erzurumlu ha sido eliminado de Youtube sospechosamente muy poco después de la polémica provocada por el tuit de Alborán, pero la canción sigue estando disponible en Spotify para quien quiera realizar la comparación pertinente. ¿Habrá tenido Alborán algo que ver con la desaparición del vídeo de Youtube? ¿Quizá su sello, Warner Music, ha tomado medidas después del revuelo visto en redes?

De haber copiado ‘No vaya a ser’ Erkan Erzurumlu, el cantante puede decirse que ha sido hasta valiente, pues el primer single de ‘Prometo‘, compuesto exclusivamente por Alborán y producido exclusivamente por Julio Reyes, no es desconocido precisamente para el público de habla hispana: con casi 100 millones de reproducciones en Spotify es uno de los mayores éxitos de la carrera de Pablo Alborán y en España ha sido top 9 en la lista oficial de singles y ha sido certificado como doble platino.

🤔 no tengo palabras… 😡https://t.co/EUOaoCCdFu https://t.co/aJESHw3XU0 pic.twitter.com/UIC6yDV8mX

— Pablo Alborán (@pabloalboran) September 10, 2020

Oooooooh! Muy fuerte!!!! 🤭 Besitos grandes!😘

— Pastora Soler (@PastoraSoler) September 10, 2020

El abanico de la muchacha. Por dios, esto es demasiado. LOL. pic.twitter.com/unJpCcTves

— Izaro. (@izarorosenthal) September 10, 2020

Bruce Springsteen anuncia su disco número 20, ‘Letter to You’, y comparte el tema titular

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10 septiembre, 2020

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Bruce Springsteen ha anunciado nuevo álbum de estudio grabado junto a su mítica E Street Band. ‘Letter to You’ sale el 23 de octubre, ha sido producido por el propio Bruce junto a Ron Aniello y se compone de 12 pistas, 3 de las cuales han sido recuperadas de su repertorio de los años 70 y después regrabadas. Estas son ‘Janey Needs a Shooter’ (1978), ‘If I Was the Priest’ (1972) y ‘Song for Orphans’ (1972). La segunda es considerada por fans del Boss una de las canciones más importantes de su carrera a pesar de nunca haber sido editada, ya que con ella el artista consiguió ser fichado en Columbia después de presentar dicha composición a uno de los ejecutivos del sello.

Explica la nota de prensa: «Grabado en el propio estudio de Springsteen en Nueva Jersey (con su productor y buen amigo Ron Aniello), mezclado por Bob Clearmountain (The Rolling Stones, Bon Jovi) y masterizado por Bob Ludwig (Led Zeppelin, Queen), ‘Letter to you’ es un álbum de puro y auténtico rock, con el mítico sonido orgánico y directo característico de la banda de su vida. Banda fiel, en la que militan su pareja Patti Scialfa y Nils Lofgren (Crazy Horse), entre otros». El mismo Boss añade: «Me encanta el disco, estoy feliz por cómo ha quedado la parte emocional impresa en él. Lo grabamos en sólo cinco días y resultó ser una de las mejores experiencias de grabación que he tenido en mi carrera. El sonido de la E Street Band tocando en mi estudio completamente en vivo y sin re-grabaciones es espectacular, algo que nunca antes habíamos hecho».

Precisamente a Bruce y a su banda tocando en directo es lo que muestra el videoclip del primer adelanto de ‘Letter to You’, el tema titular. Se trata de un corte esperanzado en el que Bruce canta sobre haber mandado a alguien una carta en la que ha plasmado todo lo malo y lo bueno que se le ha pasado por la cabeza: «en la carta que te me ha mandado he expresado todos mis miedos y mis dudas, todas las cosas duras que he descubierto, y todo aquello en lo que he visto la verdad», canta, para después añadir: «he plasmado toda la luz del sol y toda la lluvia, toda mi felicidad y todo mi dolor, las oscuras estrellas de la noche y el cielo azul de la mañana».

Aunque la discografía de Bruce es dilatada y abarca ya 19 discos, sin contar sus 6 álbumes en directo editados -‘Letter to You’ será el vigésimo nada menos-, quizá no esperábamos un nuevo trabajo por su parte tan poco después del lanzamiento del último, ‘Western Stars‘, que salió el pasado verano y fue un éxito rotundo de público y crítica.

Así queda el tracklist de ‘Letter to You’:

01 One Minute You’re Here
02 Letter to You
03 Burnin Train
04 Janey Needs a Shooter
05 Last Man Standing
06 The Power of Prayer
07 House of a Thousand Guitars
08 Rainmaker
09 If I Was the Priest
10 Ghosts
11 Song For Orphans
12 I’ll See You in My Dreams

Marilyn Manson / WE ARE CHAOS

Por

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10 septiembre, 2020

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Marilyn Manson ha presentado su nuevo disco con un single que, aleluya, apetece ponerse en bucle: el baladón ‘WE ARE CHAOS‘ es uno de los temas más pop que ha compuesto jamás, y también uno de los más bonitos. La marca de David Bowie, gran ídolo de toda la vida de Brian Warner, se nota especialmente en las estrofas, pero luego la canción se crece en un estribillo cantado a coro («estamos enfermos y jodidos y somos complicados») que, en su heroico tramo final, llega a poner los pelos de punta.

‘WE ARE CHAOS’, el single, también es un pequeño engaño, pues el nuevo álbum de Marilyn Manson no profundiza en sus influencias glam a pesar de que Brian Warner y su productor Shooter Jennings escucharon un montón de música de este estilo durante la composición del disco: Shooter le pasaba a Warner música de T.Rex o de los Kinks, él sus elepés favoritos de Bowie, ‘Diamond Dogs’ y ‘Scary Monsters’, o ‘Welcome to My Nightmare’ de Alice Copper. Como ‘Diamond Dogs’, el sucesor de ‘Heaven Upside Down‘ se abre con un interludio recitado y enturbiado por un efecto robótico, pero lo que sigue después es un corte de rock duro de Marilyn Manson más. Tiene tan poco misterio como su poema de apertura, en el que Warner interpreta a una abeja que «destruirá todas las flores» y «cubrirá la tierra de miel» para que «todo el mundo se coma a sí mismo». Es el mismo escenario apocalíptico, marcado por el dilema entre el bien y el mal, que ha preocupado a Warner durante toda su carrera. «Mis ojos son espejos: solo veo dioses a la derecha y demonios a la izquierda», concluye el artista, para más señas.

Warner, ya el único integrante original de Marilyn Manson que queda dentro de la formación, compuesta a su vez por el guitarrista Paul Wiley, el bajista Juan Alderete y el batería Brandon Pertzborn, explica que su propósito con ‘WE ARE CHAOS’ ha sido precisamente distanciarse de todos los temas que han solido atormentarle, como la política o la religión: «el disco trata más sobre cómo puedo yo conectar con el resto del mundo tanto emocional como mentalmente: es un disco conceptual que cuenta una historia que va a ser diferente para cada persona». Si ‘WE ARE CHAOS’ presenta un concepto, es el de un hombre que guarda una visión tremendamente pesimista del mundo, hasta el punto que muchos cortes del álbum hablan de la muerte de una manera cercana. El siguiente single del disco de hecho se titula ‘DON’T CHASE THE DEAD’, es uno de los destacados por su furiosa energía y -en este caso sí- sonidos inspirados en la época berlinesa de Bowie, y su estribillo clama «no persigas a los muertos» para inmediatamente añadir: «o los muertos te perseguirán a ti». La inminencia de la muerte es mentada en’INFINITE DARKNESS’, título también de la pintura que se ha usado como portada del álbum, obra del propio Warner. En este rabioso tema que evoca a la época ‘Antichrist Superstar’, Warner señala que «solo porque seas famoso no significa que valgas algo en este mundo o en el siguiente» para después sentenciar: «alguien va a morir pronto, no te metas en medio, tú no eres el héroe».

A partir de este pesimismo, ‘WE ARE CHAOS’ es un trabajo eminentemente oscuro, probablemente el más oscuro de Marilyn Manson desde el vampírico ‘EAT ME, DRINK ME’. Es un poco gótico el corte ‘SOLVE COAGULA’, que con sus atmósferas desoladas y abatidas, expresa el que puede ser el mensaje último de todo el disco: «no soy especial, simplemente estoy roto y no quiero que nadie me arregle». En el mismo tema, Manson canta que no existe «nadie a que quiera parecerse» y que por eso «ha seguido siendo el mismo», y en el blues-rock de ‘KEEP MY HEAD TOGETHER’, el artista directamente canta: «no intentes cambiar a nadie, terminarás cambiándote a ti mismo» para después soltar una frase gráfica de las suyas: «como cristal y escupo diamantes». Y en un estilo más cercano a la «torch song», ‘HALFWAY & ONE STEP FORWARD’ parece situar al oyente directamente en un funeral para ofrecer una triste reflexión sobre la vida, que «trata sobre cuánta gente llora cuando mueres, no sobre el torrente de lágrimas que echas cuando estás vivo».

Dicho esto, ¿en qué posición colocar ‘WE ARE CHAOS’ en de la discografía de Marilyn Manson? Las canciones vuelven a no ser las más inspiradas de su carrera reciente, y para muestra una ‘PERFUME’ que no pasa de imitar los típicos clichés del rock’n roll sin nada realmente interesante que ofrecer. En general, musicalmente no existe riesgo de ningún tipo en estas composiciones, ni aparentemente un solo ápice por crear algo que se salga de la norma de lo que ha sido la última etapa de la banda. Buenas canciones como ‘WE ARE CHAOS’, ‘DON’T CHASE THE DEAD’, ‘KEEP MY HEAD TOGETHER’ o ‘PAINT YOU WITH MY LOVE’, la más clásica de las baladas, casi Motown, son alternadas con otras que pasarán a ser olvidadas la semana que viene, como «HALFWAY» o ‘BROKEN NEEDLE’. Ya sin grandes conceptos a la vista ni interés por explorar nuevos lugares musicales, Marilyn Manson vuelve con un trabajo que al menos destaca por su personal y oscuro mensaje y por unas estupendas letras llenas de pensadas metáforas que vuelven a estar bastante por encima de la media.

Calificación: 6,9/10
Lo mejor: ‘WE ARE CHAOS’, ‘DON’T CHASE THE DEAD’, ‘PAINT YOU WITH MY LOVE’
Te gustará si te gusta: la etapa reciente de Marilyn Manson tanto como la primera
Youtube: vídeo de ‘WE AR CHAOS’

Niño de Elche, Maria Arnal y Chenta Tsai revelarán sus nuevos proyectos en Sónar 2020

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10 septiembre, 2020

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Sónar ha dado con una manera de poder celebrar algo de alguna manera, pese a la pandemia que vivimos en todo el mundo. En tan sólo unos días, el 18 y el 19 de septiembre, entre las 10.30 de la mañana y las 2 de la madrugada se podrán seguir vía streaming varias actuaciones y ponencias de manera gratuita y a través de dos canales de streaming. Será a través de a través de www.sonar.es y www.sonarplusd.com.

También habrá actividades presenciales en vivo, con aforos limitados, en el CCCB de Barcelona. Las sesiones de DJ desde la Torre d’Alta Mar podrán seguirse únicamente online de 12:00h del mediodía hasta la medianoche: en este caso será una selección de artistas de la escena local. Un total de 140 artistas y ponentes participan en más de 70 actividades entre conciertos, debates, Dj sets, workshops, exposiciones y nuevos formatos como vídeo cápsulas producidas expresamente para el festival por numerosos artistas.

Arca ofrecerá en el Teatre del CCCB un dj set especial que será su primera actuación tras el confinamiento. En el mismo lugar se podrá ver a Maria Arnal i Marcel Bagés presentar su nuevo álbum en formato showcase (cosa que iban a hacer en el Sónar original que iba a celebrarse a finales de esta primavera, como recordamos). Laurel Halo actuará desde Berlín, Daito Manabe lo hará desde Tokio y Nicola Cruz desde Quito, mientras Max Cooper presentará «Max Cooper Live AV show», un show audiovisual exclusivo. desde Kings Place Studios de Londres.

Desde Madrid podremos ver a Niño de Elche, que presentará en vivo la pieza “Segunda diferencia: Oraciones del siglo XXI”, avance de su próximo trabajo; también a Ms Nina ya Chenta Tsai presentando un proyecto audiovisual inédito. Este está inspirado «en una colección de historias sobrenaturales escrita por el poeta y erudito de la dinastía Qing ‘Yuan Mei’ (袁枚, 1716-1798). Su performance se compone de sonidos, imágenes y espacios que han sido significativos para Chenta Tsai a la hora de reconectar con sus raíces como persona racializada migrante asiática disidente sexual».

En otros lugares actuarán John Talabot con Desilence, Morad en representación del trap más rompedor, entre muchos otros que podéis consultar en la web. Por su parte, las conferencias seguirán 5 ejes temáticos: el tema principal será la ciencia y su enfoque transdisciplinar en los campos de la bioacústica, la neurociencia, el biohacking y el cambio climático. Los otros cuatro ejes se centran en la robótica y su interacción con entes vivos, los avances en tecnología inmersiva e hiperrealidad, la inteligencia artificial y su papel en las economías de la creatividad y los nuevos interfaces y herramientas para la creación musical y audiovisual.

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