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Shakira pierde una ocasión con el vídeo de ‘Me gusta’, pero anuncia nueva música

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Aunque Shakira no ha llegado al número 1 en España con su tema junto a Anuel AA, ‘Me gusta’, no se puede negar que ha sido todo un éxito: continúa en el top 7 casi 2 meses después de su lanzamiento, es platino en nuestro país y a nivel global se acerca a los 100 millones de streamings. Había cierta curiosidad por comprobar qué pasaba con el videoclip de esta canción que samplea el hit de 1992 ‘Sweat (A La La La La Long)’, pero ha cumplido con las expectativas solo a medias.

Sony lo presenta como «un cortometraje vibrante y surreal dirigido por Drew Kirsch (‘Lover’ de Taylor Swift)», pero al final lo que vemos no es tanto un corto como un vídeo de cuidadísima fotografía, reiterativo y en el que no termina de pasar nada. Asistimos a un viaje en tren y a una ¿apasionante? sesión de cocina de Anuel AA y posterior cena de ambos protagonistas, pero no se termina de mover ficha en ninguna dirección para aprovechar esa letra que se queja: «dices que me quieres pero siento que me usas». Es lo que se conoce desde siempre como «una ocasión perdida».

La buena noticia es que Sony confirma que «Shakira se encuentra grabando más música inédita que será desvelada este año», y además que emprenderá una nueva gira en 2021. Seguro que será muy exitosa tras el pelotazo dado por la Super Bowl: jamás un intermedio había sido tan visto en Youtube como el suyo junto a Jennifer Lopez, pues ya van 140 millones de visualizaciones en el visor de Google.

Anamanaguchi cancelan su gira española por el coronavirus

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La formación estadounidense Anamanaguchi ha cancelado su gira española. Esta se componía de dos fechas, el 23 de marzo en la Sala Caracol de Madrid y el 24 de marzo en la sala Wolf de Barcelona. La promotora Houston Party confirma que esta decisión ha sido motivada por el coronavirus. Hoy en portada analizamos cómo la expansión de la enfermedad está afectando a la cultura en Francia e Italia y cómo puede afectar a nuestro país.

La promotora explica en un comunicado: «En breve anunciaremos las fechas del tour que los neoyorquinos efectuarán en 2021. Quienes hayan adquirido entradas para los dos conciertos cancelados que iban a celebrarse este mes pueden recuperar el importe de las mismas dirigiéndose a los puntos de venta donde las compraron. Lamentamos las molestias que la suspensión de estas dos actuaciones puedan ocasionar a los fans de Anamanaguchi».

Hace unos días repasábamos las cinco canciones de Anamanaguchi que no podían faltar en sus conciertos, y entre las que cabe mencionar colaboraciones con Hatsune Miku o HANA. La banda publicaba en 2019 su último disco de estudio, ‘[USA]’. Esta es solo una de tantas bandas y artistas que han cancelado sus giras debido a la epidemia, y entre los que se encuentran The National, BTS, Green Day, Avril Lavigne, Maluma o Stormzy.

Bravo Fisher! se beneficia de un sólido repertorio en vivo y nos introduce a Fatal Tiger

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Bravo Fisher! presentaba este viernes en la Sala Rockville de Madrid las canciones de su nuevo disco ‘Amor’, un nuevo trabajo del que el artista se muestra tan orgulloso que llegó a sonar al completo, de cabo a rabo, durante esta presentación de aproximadamente hora y media. Comenzando con ‘Las encuestas’, la canción en la que Guillermo Galguera -hombre detrás de Bravo Fisher!- celebra el triunfo de la izquierda, el artista demostró que los estribillos pop y las melodías son el gran fuerte de esta nueva entrega. Así, sonaron con agrado ‘De menos’, ‘Pierdes’ o ‘Fin’ sin que apenas tuviéramos tiempo de echar de menos viejos éxitos como ’39’. Foto: Pablo Martínez Guitian.

Galguera no prescindió de Autotune, que es uno de los rasgos más característicos de este nuevo álbum (en los primeros momentos de la noche algo atolondrado en su mezcla con las guitarras eléctricas); pero también hubo espacio para recordar canciones de álbumes y EP’s pasados como la ultrabailable ‘Despídeme’ y ‘No me arrepiento’. Especialmente abrumadora sonó la recuperación de ‘Luznegra’ del incomprendido ‘Solos’, pese a que no se llevara tantos vítores como, al final de la velada, viejos hits de ‘El valle invisible’ como ‘Corriendo a ciegas’ y ‘Miradas’.

Es ‘Amor’ un disco colaborativo y, si bien La Bien Querida no pudo pasarse para interpretar su parte de ‘Yayito’, al fin y al cabo esta es una canción muy personal en la que Bravo Fisher! habla sobre su infancia y depresión, y no deja de tener sentido que de hecho la interprete completamente en solitario. Pero no pasó eso con otros dúos del álbum, pues Rocío Sáiz de Las Chillers y Monterrosa sí estaba por allí, y pese a que pisó una regleta en mitad de ‘Proyectil‘, lo que llevó a tener que repetir el tema; a la segunda fue la vencida y el público sí pudo celebrar otra de las nuevas grandes canciones del artista en su totalidad.

Teresa de Ganges también salió para interpretar la bonita ‘Santo y seña’, si bien la gran sorpresa de la noche la daba Fatal Tiger al realzar la belleza de ‘Laberinto’ y además ofrecer un set como telonera de cortar al hipo, gracias al despliegue de su bonita voz y únicamente al acompañamiento de una guitarra eléctrica. Impresionante, mucho mejor que en estudio, la versión en vivo de ‘Cada noche’… y eso que por alguna razón en esta sala -de gran sonido, por otra parte- no se apagan las luces para que el público pueda entregarse, desinhibirse y bailar. ¿Tiene sentido ver a los artistas ahogados en tonalidades azules y rojas mientras una luz blanca está dando en el cogote al público? Por lo demás, una noche agradable en la que Fatal Tiger parecía estar cantando desde el bar de ‘Twin Peaks’ y Bravo Fisher! nos recordó que su repertorio no tiene tantísimo que envidiar a los de totems del pop como Miss Caffeina y La Casa Azul. 7.

El post-trap de ttrraacca, el pop global de Di Brain y el R&B millennial de Tauro se enfrentan en Bala Perduda

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Bala Perduda está celebrando estos días una nueva edición en la Sala Apolo de Barcelona, y tras tener lugar los primeros «rounds», el próximo jueves 12 de marzo será el turno del tercero. Si el primero lo ganaba la banda de pop-rock Alison Darwin y el segundo el «crooner» Rodríguez Rodríguez, en la próxima entrega del concurso probarán suerte tres artistas nuevamente dispares.

En primer lugar se encuentra el gaditano ttrraacca, que presentará su primer disco ‘Depressed 24/7 but always down to party’. Si el título del largo ya llama la atención, ojo al que promete convertirse en el mayor éxito de este artista de «post-trap»: en este estilo que gustará a fans de La Zowi o Bad Gyal, ‘Eterno moderno’ critica el snobismo musical en frases como «si antes me gustaba el indie, ahora me hace potar» o «soy el emo de mi pueblo, ya no me gusta el trap, si está en Spotify es demasiao comercial, solo escucho Soundcloud, apropiación cultural, blanquito privilegiao, bañao de precariedad».

Mucho más electrónico y pop es el sonido de Di Brain, dúo de Barcelona formado por Wolf y Angel que en 2019 editaba el EP ’15’. Una manera fácil de describir a Di Brain sería comparándolos con Die Antwoord por imagen, pero por estilo andan más cerca de la versatilidad y sonido vibrante, colorido y global -pero también ligeramente industrial y post-apocalíptico- de unos Major Lazer. ‘Question Yourself’ tiene ecos dubstep y trance, mientras el dub asoma en ‘It Ain’t an Ordinary Day’ y hay ritmos propios del ska y el grime en temas como ‘Zombie Killa’.

Por último, Tauro es uno de esos proyectos perfectos para las playlist de hip-hop «chill» de Spotify. Su tema más escuchado, una colaboración con URTICARIA y VERYCUTE, tiene el bonito título de ‘Arigato bebé’ mientras ‘Tus ojos lloran sangre’ es puro trap-R&B melancólico. Sus influencias, que van del jazz fusión a los ritmos dancehall (‘Calor’) o el sonido ‘blonde’ (‘Océano’), pueden ser más remotas, sin embargo: ‘Siento’ sería una balada R&B de los años ochenta si no fuera por la presencia de ese autotune tan propio de nuestro tiempo.


Gaga, Doja Cat, Christine, Perfume Genius, Jessie Ware, Bad Bunny y J Balvin, en el top 40 de JNSP

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Lady Gaga es lo más votado de JENESAISPOP con ‘Stupid Love’, un nuevo single que ha colocado en el top 5 de Reino Unido y en Estados Unidos. También han tenido buena acogida entre nuestros lectores ‘Say So’ de Doja Cat y lo nuevo de Christine and the Queens, ambas en el top 15. En general, es una semana con multitud de novedades y también Taylor Swift, Perfume Genius, Jessie Ware, Bad Bunny y J Balvin -por separado- llegan al top 40. Nos despedimos de ‘¿Qué?’ y ‘Zorra’, ambas con más de 10 semanas de permanencia y en la mitad baja de la tabla. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 Stupid Love Lady Gaga Vota
2 1 1 5 Physical Dua Lipa Vota
3 2 1 18 Don’t Start Now Dua Lipa Vota
4 6 1 36 God Control Madonna Vota
5 4 4 14 Blinding Lights The Weeknd Vota
6 3 1 28 The Greatest Lana del Rey Vota
7 5 1 40 Aute Cuture Rosalía Vota
8 13 1 49 bad guy Billie Eilish Vota
9 11 1 84 Pienso en tu mirá Rosalía Vota
10 8 6 16 Everything I Wanted Billie Eilish Vota
11 9 9 4 Are U Gonna Tell Her Tove Lo Vota
12 10 10 3 Delete Forever Grimes Vota
13 13 1 Say So Doja Cat Vota
14 14 1 31 Quedará en nuestra mente Amaia Vota
15 15 1 People I’ve Been Sad Christine & the Queens Vota
16 16 3 30 Looking for America Lana del Rey Vota
17 12 2 35 Milionària Rosalía Vota
18 17 2 25 Really don’t like u Tove Lo, Kylie Minogue Vota
19 18 15 5 Lost in Yesterday Tame Impala Vota
20 7 6 18 sad day FKA twigs Vota
21 23 21 2 Con altura Ginebras Vota
22 15 3 12 Zorra Bad Gyal Vota
23 25 7 9 Drogas nuevas Algora Vota
24 21 9 7 Bikini Porn Tove Lo Vota
25 25 1 The Man Taylor Swift Vota
26 19 6 26 ¿Qué? La Bien Querida Vota
27 28 19 5 El colapso gravitacional La Casa Azul Vota
28 22 10 5 Monkey Business Pet Shop Boys Vota
29 29 29 2 Bad Decisions The Strokes Vota
30 30 22 8 You Should Be Sad Halsey Vota
31 32 18 7 Nuestro tiempo Amaral Vota
32 33 27 4 Danceteria (aquí nadie sabe tu nombre) Miss Caffeina, Varry Brava Vota
33 33 1 Describe Perfume Genius Vota
34 34 1 Spotlight Jessie Ware Vota
35 26 21 6 Ojalá te murieras PUTOCHINOMARICÓN Vota
36 36 1 La difícil Bad Bunny Vota
37 20 20 7 24 Georgia Vota
38 36 30 8 Yelo C. Tangana Vota
39 39 1 Rojo J Balvin Vota
40 35 35 3 Me & You Together Song The 1975 Vota
Candidatos Canción Artista
Ojos de serpiente DORA Vota
Vigilantes del espejo Triángulo de Amor Bizarro Vota
Steps Haim Vota
Serious The Whitest Boy Alive Vota
All of the Feelings Kiesza Vota
Ansiedad (has vuelto a mí) Confeti de Odio Vota
Never Come Back Caribou Vota
circle the drain Soccer Mommy Vota
The One The Lemon twigs Vota
Desciende a mí Pshycotic Beats, Pati Amor Vota
Murphy’s Law Róisín Murphy Vota
Marjorie Núria Graham Vota
Heavenly Alien Tango Vota
Give Me Another Chance Empress Of Vota
House Music All Night Long JARV IS… Vota
René Residente Vota
La carretera de la costa Chucho Vota

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Arca confirma la presencia en su nuevo disco de Rosalía y Björk

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Arca ha concedido una entrevista a Garage Magazine, la plataforma digital de «arte, moda y cultura» de VICE, y esta desvela algunos detalles interesantes de su nuevo disco, que sale este año. El sucesor de ‘Arca‘ llevará por título ‘KiCk i’ y contará oficialmente con las colaboraciones de Rosalía y Björk, entre otras no anunciadas. La primera se pasó hace unos meses por una sesión de Arca programada en ‘PrEP+’, la fiesta de Frank Ocean en Nueva York, y de la relación entre Arca y Björk casi no hace falta hablar: la primera es co-productora de sus aclamados últimos dos discos, ‘Vulnicura‘ y ‘Utopia‘. Según Garage, la colaboración de Rosalía en ‘KiCk i’ es un «dueto acelerado», mientras la islandesa simplemente «canta» en el proyecto.

En la entrevista, Arca explica que el concepto de ‘KiCk i’ es la fluidez, y que en este sentido es un trabajo que fluye entre diversos géneros, del pop al drum n’ bass. La primera pista de hecho se llama ‘Nonbinary’. La productora detalla: «Todos tenemos múltiples personalidades. Creo que eso, en lugar de causar pánico, puede ser un alivio. Ha habido una clara intención en el disco de dejar a cada personalidad expresarse, de permitir la modulación entre ellas de manera espontánea. Lo normal no existe».

En términos generales, Arca comenta el concepto del álbum: «en lugar de reflejar la disforia de género, quiero explorar la euforia de género. Me siento muy maternal y protectora con la gente que viene a verme en los conciertos». La artista explica que busca visibilizar la fluidez de género porque de niña no conocía demasiados referentes. La autora de ‘Desafío’ ha sido recientemente noticia por publicar un single de 62 minutos llamado ‘@@@@@‘.

Ya comentamos en su momento que existía un nexo de unión entre Rosalía y Björk, El Guincho, que trabajó con la islandesa en ‘Biophilia‘ antes de convertirse en mano derecha de la autora de ‘El mal querer‘. Pero además, Rosalía ha mencionado más de una vez a Björk entre las artistas que le inspiran. A El Mundo comentaba: «Björk es productora ejecutiva de su trabajo y siempre reivindica eso por encima de todo. Es una mujer a la que admiro muchísimo por eso, por su manera de entender la música y por su fuerza».

Francia e Italia toman medidas contra el coronavirus que afectan a los directos

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Tras su origen y expansión en China, el COVID-19, o coronavirus, está avanzando en Europa, con especial incidencia en países próximos –geográfica y culturalmente– a España como Italia y Francia. En el primero, donde se han dado 7.000 positivos y 366 muertos, se habla ya de «caos» cuando 15 provincias –incluidas Lombardía, donde se localizó el primer foco de contagio masivo, o Venecia– están aisladas y sus 16 millones de habitantes tienen prohibido abandonar esos territorios por cualquier medio al menos hasta el próximo 3 de abril. Sólo en casos de «imperativos profesionales debidamente verificados» y a situaciones de urgencia por razones de salud se permitirán desplazamientos y, en general, se aconseja a la población confinarse en sus casas. Tampoco pueden abrir recintos en los que pueda haber aglomeraciones de gente como museos, cines, teatros, discotecas, gimnasios y estadios de fútbol. En cuanto a conciertos, se han cancelado prácticamente todos los eventos de artistas internacionales en ciudades como Milán, Bolonia o Verona, destacando los de OneRepublic, Avril Lavigne, Maluma, Louis Tomlinson, Kelis, DIIV, Sebadoh, Princess Nokia…

En cuanto a Francia, la situación parece menos preocupante, con 1.126 infectados y 19 personas fallecidas hasta el momento. Tras ver cómo se cerraba el Museo del Louvre por el plante de sus trabajadores ante el teórico riesgo para su salud y prohibirse días atrás los eventos que congregaran a más de 5.000 personas, el gobierno francés ha acometido desde ayer medidas más extremas: han decidido prohibir las reuniones de más de 1.000 personas para evitar la propagación del COVID-19. No quedarán afectadas las manifestaciones de protesta ni los exámenes y concursos públicos, así como las elecciones municipales previstas para los días 15 y 22 de este mes, y los transportes públicos no están afectados. Pero sí los conciertos en París de Avril Lavigne, Andrea Bocelli y las dos últimas fechas de la gira de Madonna (la de Maluma prevista para el 22 de marzo podría estar al caer). En cuanto a artistas francófonos, Ninho o Roméo Elvis (hermano de Angèle) también se han visto forzados a cancelar sus eventos en la capital. Una lista que seguro crecerá con la nueva norma recién anunciada.

Recordemos que, al margen de las numerosas cancelaciones de giras internacionales, entre las que se enmarca la de Avril Lavigne, ya mencionada, y también las de Miley Cyrus y Pearl Jam (que empezaban el 18 de marzo en Toronto), un evento tan importante para la industria musical mundial independiente como el festival South By South West de Austin, Texas, anunciaba su cancelación por primera vez en 37 años.

¿Y en España? Tras los últimos datos ofrecidos por el Gobierno, que confirman 26 muertos y más de 1.000 infectados, esta mañana no se anunciaban medidas de restricción importantes, más allá de consejos de profilaxis e higiene y llamadas a la calma, pero no se descartaba que a lo largo de la tarde se aplicaran medidas excepcionales en Madrid y País Vasco. Tras anunciarse el cierre de colegios en Vitoria durante dos semanas, la Consejera de Salud vasca Nekane Murga​ ha indicado que se analizará «caso por caso los eventos que superen los 5.000 espectadores en la ciudad», refiriéndose a los culturales y deportivos. Poco después Madrid ha anunciado el cierre de guarderías, escuelas, institutos y universidades. El Ministerio de Sanidad comunicará más medidas el martes por la mañana, tras recomendar el teletrabajo y flexibilizar horarios. JENESAISPOP ha acudido a varias promotoras que operan en nuestro país para conocer sus posturas, pero hasta hoy 9 de marzo no se ha anunciado ninguna cancelación.

La organización de Mallorca Live Festival indicaba hace unos días en rueda de prensa, tras ser preguntada por el coronavirus por un periodista de la agencia EFE, que seguirían las indicaciones de las autoridades sanitarias con las que ya afirmaban estar en contacto. Lo mismo nos indican desde SanSan Festival, el primero de los grandes festivales del año que tiene lugar en Semana Santa en Benicàssim: hablan de normalidad y de su coordinación con las autoridades locales en función de las decisiones del Ministerio de Sanidad. Aun así, recuerdan que falta más de un mes para el evento (las primeras medidas anunciadas, como el cierre de colegios en Vitoria, atañe a las próximas 2 semanas). Una responsable de prensa de Last Tour, promotora de Bilbao BBK Live y Azkena, nos indica: «Todos los eventos siguen adelante y no hay ninguna previsión de cancelación por parte de las autoridades, de artistas ni del promotor».

Algunos de los macroconciertos previstos en Madrid para los próximos días son el concierto de despedida de Tequila, la puesta de largo de ‘Salto al color’ de Amaral, la entrega de premios de Cadena 100 y el tour de Maluma. Por Barcelona también pasarían Maluma y la gira de The Cat Empire.

Rodrigo Cuevas: «La colaboración con Refree fue todo el rato un descojone porque tenemos un sentido del humor muy parecido»

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Rodrigo Cuevas es uno de los artistas nominados a los Premios MIN en la categoría de Álbum del año, y de hecho es uno de los artistas más nominados de esta edición, que se celebra el miércoles 11 de marzo. El artista asturiano aspira al mencionado premio gracias a su primer disco ‘Manual de cortejo‘, hecho mano a mano con Raül Fernández «Refree» y con el que ha alcanzado el top 53 de la lista de ventas española. Tras varios años triunfando de manera más local gracias a su espectáculo de cabaret y a canciones tan divertidas como ‘Verdiciu‘, Rodrigo Cuevas ha consolidado su promesa con un primer largo que cruza música y textos tradicionales asturianos con electrónica, y sobre el que nos hablaba recientemente vía telefónica, bastante antes de que se dieran a conocer las nominaciones de los MIN. El artista está a punto de mudarse cuando hablo con él y nos habla de la composición del disco por los pueblos asturianos, la importancia de reconocer la historia o de las ventajas y desventajas de que los jóvenes vivan, como él, en el campo. Foto: M2 Visualstudio.

Te iba a preguntar por el pueblo donde vives, Vegarrionda, pero me dices que te estás mudando…
Sí pero me mudo a la aldea de al lado, está a 2 kilómetros. Es el mismo valle.
Te vi en Leitmotiv hablando sobre tu vida en el pueblo. ¿Cómo es tu día a día en Vegarrionda? ¿Viajas mucho a la ciudad?
Viajo bastante al estar de gira, los fines de semana suelo tener más trabajo y durante la semana intento estar en casa lo máximo posible porque me encanta, vivo con mi pareja y nos gusta trabajar en la finca, la huerta, tenemos una burrina, un perrino, gatos… Nos gusta mucho hacer vida de casa, de pueblo.
Has hecho el disco con Refree. Los dos os embarcasteis en un viaje por los pueblos de Asturias y Galicia. ¿Por qué pueblos fuisteis? ¿Recuerdas algún percance o anécdota que vivierais durante el viaje?
La idea inicial era irnos por los pueblos de Asturias y Galicia pero al final por Galicia pasamos muy de lao. Estuvimos en el Aller, en Cabanón; estuvimos en Cangas del Narcea; en Vidal, grabando; en Trabau, que está en Degaña… y fue muy bien. Raül necesitaba un viaje iniciático por los pueblos de Asturias para conocer de primera mano la música asturiana, sin filtros, y al final le flipó un montón.

Una anécdota es que estábamos en Vidal, en un pueblo arriba del monte; yo tenía que irme a por unas cosas y Raül y otros se fueron a Trábau, y yo le dije de coña que tuvieran cuidado por allí porque es zona de osos. Y yo, que soy asturiano, no he visto un oso en mi vida. Al rato le llamo y me dice que ha visto dos osos, que los han grabado y todo. Y al día siguiente nos despertamos allí y por la mañana fueron los osos al mismo prado, los veíamos desde el hotel. Muy guapo.

Recuérdame cómo llegas a colaborar con Refree. Parece que siempre está a mil cosas…
Yo le invité a un concierto en Barcelona, él vino y al salir no me dijo nada y yo pensé que no le había gustado. Sin embargo, a los tres o cuatro días es él quien me contacta por mail y me dice que le gustó un montón el concierto y me ofrece colaborar. Me dice «si quieres ahondar más en esa parte folclórica, te acompaño en eso, que me encantó (el concierto)». Y a partir de ahi yo volví a Barcelona, tocamos juntos… y poco después nos pusimos a trabajar en serio.

En el viaje buscabais empaparos de tradición, en concreto hablas de voces, percusiones, de músicas…¿Teníais algo concreto en mente?
No íbamos con un objetivo muy concreto, la intención sobre todo era que Raül viera de primera mano cómo es la cosmovisión asturiana, el folclore tradicional, y escuchar los puntos de partida para el disco, que, gracias al viaje, nos dimos cuenta que tenían que ser la voz y la percusión. A partir de ahí el objetivo fue adornar y que Raül viese la profundidad del trabajo que podíamos hacer, la emotividad del folclore asturiano, del paisaje, la forma de hablar, la lengua… que al final todo esto está unido.

«El objetivo del viaje fue que Raül viese la profundidad del folclore asturiano, del paisaje, la forma de hablar, la lengua… que al final todo esto está unido»

¿Qué descubristeis durante el viaje que os fascinara o sorprendiera especialmente?
A mí me sorprendió muchísimo Angelita d’El Cabanón, que al final no salió en el disco. Me parece impresionante cómo canta, a sus 82 años. Es muy fuerte. Ahora no paro de ir a su casa.

¿Cómo la describirías?
Ella canta tonadas y tiene una forma muy antigua de cantar. Las tonadas a veces se cantan muy fuerte, como gritado, y ella las canta de una forma muy suave y delicada y las adorna muy bien. Es una virtuosa.

¿Y a Raül?
A Raül le sorprendió muchísimo Angelita Caneiro, que es una panderetera de Degaña, de las que mejor tocan este instrumento. Sale en ‘Pena’. Es increíble cómo toca la pandereta.

¿Cómo fue el proceso de adaptar textos tradicionales al lenguaje pop?
La mayoría de textos del disco es tradicional. Es el lenguaje poético que más he estudiado y trabajado y además encaja perfectamente con formas más pop porque son rimas fáciles, son versos octosílabos de ABAB, que son muy fáciles de utilizar en muchos temas.

¿Hubo algún tema que fuera especialmente enriquecedor para ti adaptar?
‘Tengo de subir al puertu’. Mi planteamiento con esta canción era otro al principio, fue muy guay cómo creció con Refree, que la hizo tan experimental. Para mí quedó un temazo revelación.

En cuanto al trabajo de Refree, ¿cómo decidís qué tipo de texturas electrónicas meter en las canciones? ¿Ha sido un trabajo de exploración conjunto?
La grabación y producción del disco la hicimos juntos, todo al mismo tiempo. Estábamos en su estudio todo el rato los dos opinando, aportando; hay cosas que toco yo, cosas que toca él… Fue todo muy compartido, por eso al final se decidió que Raül tenía que salir en el álbum no solo como productor, sino también en la misma portada como artista, porque el disco es de los dos.

¿En general cómo describirías a Raül como colaborador?
Nos entendimos muy bien desde el principio prácticamente. Y fue muy fácil porque como los dos tenemos un sentido del humor muy parecido, estábamos riendo todo el día, experimentando y divirtiéndonos mucho. Estuvimos encerraos en el estudio más de mes y medio y todo el rato fue un descojone.

Por otro lado lo que has buscado en este disco es potenciar la parte seria de tu discurso.
Más que seria diría que es una parte más profunda, porque en el disco también hay cosas divertidas, como el ‘Xirinigüelu’. Quería que fuera profundo, que no se quedara en una parte superficial.

«La colaboración con Raül fue desde la amistad y todo el rato fue un descojone porque tenemos un sentido del humor muy parecido»

De hecho uno de los temas que tratas en el disco es la importancia de la historia, que no se olvide el pasado. La primera pista se llama ‘Namás s’acaba lo que nun se cunta’, ‘Cesteiros’ o ‘Rambalín‘ cuentan historias dentro de que las propias canciones y músicas tradicionales ya son historia… ¿Por qué es tan importante para ti el concepto de que la historia no sea olvidada?
En el mundo tradicional eso es importantísimo. Yo buscaba transmitir la importancia de reconocer no solo el pasado, sino también el legado, lo que la gente antigua deja detrás. Antiguamente se hacían las cosas como si la gente durase cientos de años, se hacían las cosas para durar generaciones. Ahora es al revés, compramos cosas que nos valen una pasta y que nos duran dos o tres años, nos gastamos 300 euros en un pantalón y ni siquiera nos planteamos que ese pantalón nos vaya a durar 4 o 5 años. Ya ni te digo dejárselo a nuestros hijos… Antiguamente lo que se tenía se intentaba que durase para los siguientes.

De ahí nace también el título del disco. Hablar de «cortejo» hoy en día suena totalmente anacrónico.
Exacto. Yo en el concierto hago un reflejo de lo que es la decadencia humana, y lo hago comparando la forma de ligar que es la de cantar ‘Ronda de Robledo de Sanabria’ debajo de una ventana con lo que puede ser mandar un mensaje a alguien que ponga «ola d dnd», así sin vocales, mal escrito. Es la mayor decadencia humana que existe (ríe).

Decadencia humana en cuanto a relaciones personales, te refieres…
¡En cuanto a todo, en cuanto a elegancia existencial! ¡No se puede ser más cutre que preguntar «ola d dnd»!

«No se puede ser más cutre que preguntar «ola d dnd». Es la mayor decadencia humana»

En ElDiario dijiste que los jóvenes deberían vivir en el campo y los mayores en la ciudad. Es una declaración radical.
Bueno, eso una simplificación de lo que dije pero sí. Yo creo que los jóvenes deberían vivir en el campo y opino que para la gente mayor es mas cómodo vivir en la ciudad. Hay mucha gente que dice «yo en el campo ya viviré cuando sea mayor» y yo respondo: «¿pero cuando seas mayor cómo te vas a ir a vivir el campo, si no tienes ni puta idea? ¡Y te vas a estar quejando de todo!» Al campo tienes que irte de joven y luego ya de mayor irte a la ciudad, que es donde tienes un ascensor, el médico y el súper al lado de casa, y donde no tienes que coger el coche para nada.

¿Por qué los jóvenes deberían vivir en el campo?
En el campo hay más libertad en todos los sentidos, si necesitas un espacio grande para algo es más barato, en el campo puedes conocer a gente de forma más profunda, si te gusta hacer fiestas en casa es más fácil hacerlas, puedes desarrollarte más personalmente…

Lógicamente para vivir en el campo se necesita coche…
Hombre, ahora sí porque hay muy poca gente pero seguro que si hubiera más gente habría más transporte público.

¿Cómo es en tu cabeza un campo habitado sobre todo por gente joven?
Tiene la desventaja de que los jóvenes gentrificamos todo mucho, y por esta razón el campo perdería autenticidad. La gente es tan pesada gentrificando, haciendo todo igual… Por otro lado, el campo es un lugar más intergeneracional, la gente mayor te enseña mucho, todo el mundo está más en contacto los unos con los otros, y esto contrarrestaría lo otro.

«La gente es muy pesada gentrificando, haciendo todo igual»

Dices que Mercedes Peón es tu mayor referencia. Yo no la conocía, la escuché el otro día y me fascinó, me pareció una especie de Meredith Monk gallega. ¿Qué es lo que más valoras de su trabajo?
Valoro su autenticidad, su conciencia de que lo que está haciendo es un legado para los demás, y luego el directo tan potente que tiene y el conocimiento que tiene de la música tradicional. Para mí ella es como una señora antigua tocando instrumentos electrónicos y eso me fascina.

Sigues presentando ‘Trópico de Covadonga’. ¿Habrá gira de presentación clásica de ‘Manual de cortejo’ o seguirás con el mismo espectáculo?
De momento seguimos con ‘Trópico de Covadonga’, que en cualquier caso es el espectáculo donde toco las canciones de ‘Manual de cortejo’.

Muere Max Von Sydow, el actor-fetiche de Ingmar Bergman que triunfó en el cine mainstream

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Según informan medios internacionales como Paris Match, el actor sueco Max Von Sydow ha fallecido hace unas horas a la edad de 90 años, según ha comunicado su esposa, cineasta y productora francesa, Catherine Brelet. Se desconoce si padecía algún tipo de dolencia, más allá de su avanzada edad. Von Sydow era uno de los actores más prestigiosos y populares del cine internacional: primero, por haber sido uno de los actores predilectos de Ingmar Bergman, protagonizando algunos de sus filmes más célebres como ‘El séptimo sello’ (1957), ‘Fresas salvajes’ (1957) o ‘El manantial de la doncella’ (1960); y después, porque su carrera en Hollywood le llevó a participar en auténticos taquillazos, lid en la que se ha empleado casi hasta sus últimos días.

Tras encarnar a nada menos que Jesucristo en ‘La historia más grande jamás contada’ (George Stevens, 1965), Von Sydow alternó nuevos filmes a las órdenes de Bergman (‘La hora del lobo’, ‘La vergüenza’) con una creciente carrera en Hollywood. Así, su rostro se hizo enormemente conocido en los años 70 y 80 con papeles no siempre protagonistas, pero sí destacados (y, lo más importante, inolvidables) en éxitos como la adaptación fílmica de ‘El exorcista’ (William Friedkin, 1973; también participó en la secuela de John Boorman, ‘El Hereje’), ‘Evasión o victoria’ (John Houston, 1981), el ‘Conan El Bárbaro’ que encumbró a Schwarzenegger (1982), algún Bond como ‘No digas nunca jamás’ (Irvin Kershner, 1983), ‘Dune’ (David Lynch, 1984), ‘Hannah y sus hermanas’ (Woody Allen, 1986). En 1987 protagonizó ‘Pelle El Conquistador’ de Bille August, por la que obtuvo su primera nominación a un Oscar; la segunda, que tampoco ganó, llegaría en sus últimos años de carrera: en 2011, gracias a su papel en ‘Tan fuerte, tan cerca‘ de Stephen Daldry.

La fecha de su última nominación a un galardón de la industria de Hollywood es significativa, puesto que muestra cómo Von Sydow mantuvo su carrera activa con papeles relevantes hasta el final: ‘Shutter Island‘ (Martin Scorsese, 2010), ‘Robin Hood’ (Ridley Scott, 2010), ‘Star Wars: El despertar de la fuerza‘ (JJ Abrams, 2015) o el éxito televisivo ‘Juego de tronos‘ (donde interpretaba al Cuervo de Tres Ojos). Desde su matrimonio con Brelet, Von Sydow vivía en la región de la Provenza, se había nacionalizado francés y había sido condecorado con la prestigiosa Legión de Honor.

«¿Dónde me devuelvo? Mándame la ubicación» es la nueva autoflagelación de Confeti de Odio

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Confeti de Odio se está labrando una carrera como uno de los letristas más brutalmente honestos de su generación, y después de encogernos el corazón con el retrato depresivo de ‘Si me quiero’, estrena una nueva balada que sí formará parte del largo que publica esta primavera, y que sucede a la noise-pop ‘Muchísimo‘.

Se trata de una canción llamada muy gráficamente ‘Ansiedad (has vuelto a mí)’ en la que Lucas de Laiglesia vuelve a hacernos pupa con una serie de frases imborrables. «Busco soluciones, cero terapeutas, sé que me hacen falta pero qué pereza» puede resumir el sentir de toda una generación, pero en el tema hay lugar también para la baja autoestima («salgo por la noche medio arreglado, en el cuerpo raro que me ha tocado») y los chistes autocríticos («y el problema aquí soy yo, que no tengo solución, ¿dónde me devuelvo?, mándame la ubicación»). Sin embargo, Lucas, como buen narrador de historias que es, culmina el tema con un momento de esperanza: «y si no hay nada feliz en tu mundo, podemos ser infelices los dos juntos, aunque nada sea como hemos soñado, el infierno es más fresco a tu lado».

La cruda producción de ‘Ansiedad (has vuelto a mí)’, en la que en momentos estratégicos asoma la melodía de un teclado, pone en el centro el sincero mensaje de esta canción que Confeti de Odio presenta mediante un «lyric video» creado por Glux y compuesto por un vídeo de la infancia de Lucas. Vidaur es también noticia estos días por la publicación de ‘El tejido de las cosas‘, su debut en la novela que acaba de publicar Libros Walden, la división literaria del sello de idéntico nombre.

Lo mejor del mes:

The Weeknd estrena en directo ‘Scared to Live’, que incluye un guiño a Elton John

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Cuando faltan menos de dos semanas para que llegue hasta nosotros ‘After Hours’, el esperado nuevo álbum de The Weeknd, Abel Tesfaye está lógicamente inmerso en una intensa promoción del álbum. Hace un par de semanas presentaba la balada que da título al álbum y, a finales de la pasada semana, un cortometraje de 5 minutos en el que comienza abandonando el plató del programa de Jimmy Fallon tras actuar en directo… con la nariz aparentemente rota, dando continuidad al clip de su actual hit mundial ‘Blinding Lights‘. Con la cara ensangrentada y llorando, se pasea de esa guisa por el suburbano de Nueva York, atormentado, hasta que algo invisible le persigue y ataca. Luego, más sereno, espera en el ascensor a una pareja que todo apunta que lo pasarán mal.

Esa misteriosa imagen con la cara destrozada es ya el icono de esta era para el canadiense, hasta el punto de que actuaba exactamente así en el famoso programa de variedades Saturday Night Live, presentado en esta ocasión por el actor Daniel Craig. En primer lugar interpretaba ‘Blinding Lights’ apoyado en un trío en directo, rodeado de espejos. Y, más llamativamente, estrenaba otra de las canciones de ‘After Hours’. Se trató de ‘Scared to Live’, una canción en la que en su interpretación estaba asistido por nada menos que Daniel Lopatin, el hombre tras el audaz proyecto de música electrónica Oneohtrix Point Never y que acaba de firmar la BSO de ‘Uncut Gems’ –film en el que, por cierto, Tesfaye hace un cameo–. Este último tema es un medio tiempo que, por ambientación y sonidos, alude a las baladas románticas de los 80. Aunque quizá lo más llamativo es el fragmento del célebre ‘Your Song’ de Elton John que hace las veces de remate a su estribillo.

Tras el, valga la redundancia, estelar ‘Starboy’, The Weeknd parecía recular hacia su carácter más experimental y underground en ‘My Dear Melancholy,’, miniálbum editado en 2018. Sin embargo, los primeros singles de ‘After Hours’ le confirman como una de las grandes estrellas masculinas del pop actual, gracias a su dominio de los sonidos neo-R&B y su capacidad para aproximarlos al pop, como ha mostrado con creces con los singles de este disco: ‘Heartless‘ conseguía el número 1 en la lista de singles de Billboard, mientras que ‘Blinding Lights’ lograba lo propio en Reino Unido, suponiendo su primer número 1 en ese país. ‘After Hours’ será presentado en una gira europea que no pasará por España, al menos de momento.

Soccer Mommy / color theory

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Soccer Mommy, el proyecto de Sophie Allison, llega a su segundo disco tras haber llamado la atención en el entorno underground con canciones de su debut como ‘Your Dog‘ y ‘Cool‘. Playlists de Spotify como «Sad Indie», «Feel Good Indie Rock» y «Ultimate Indie» son sus mayores fuentes de popularidad, lo cual dice bastante sobre lo que nos encontraremos en este disco que recibe el nombre de ‘color theory’, y que Sophie Allison ha explicado que trata sobre los demonios que le vuelan la cabeza (‘lucy’), la enfermedad terminal que su madre ha padecido durante una década (‘yellow is the color of her eyes’), la manipulación que puede llevarle a impedir alzar la voz (‘stain’) o la depresión en el acercamiento a la vida adulta (la práctica totalidad del álbum).

Sophie Allison nació en 1997, el año de edición de ‘OK Computer’, y la influencia de los Radiohead de mediados y finales de los 90 es tan patente que una de las pistas casi, casi se llama ‘Climbing Up the Walls’. La mencionada ‘yellow is the color of her eyes’ tiene tanto del inicio de ‘Subterranean Homesick Alien’ como de las estrofas de ‘Creep’, e incluso cuando el disco decide acercarse a los sonidos ambiente (‘night swimming’), o a un mínimo de virguería (‘gray light’) recuerda a la banda de Jonny Greenwood.

Otra influencia fundamental en este disco parecen Deerhunter, muy especialmente ‘crawling in my skin’, que prácticamente es una composición de los de Bradford Cox, aunque solo sea porque el productor escogido para el álbum es Gabe Wax, que fue un ayudante de ingenieria de sonido en ‘Monomania‘ y ha trabajado en varios álbumes de The War on Drugs. Las guitarras eléctricas crudas y sórdidas de todo el álbum nos llevan por tanto de manera continuada al underground de los 90, también con referencias como los Sonic Youth más pop, Pixies o Yo La Tengo, pero eso no quita fuerza dramática a algunas de las composiciones.

Así, la «outro» de ‘yellow is the color of her eyes’ es absolutamente abrumadora en su enfrentamiento a la muerte (“quererte no es suficiente / aún estarás bajo tierra cuando todo acabe / reconoceré el día cuando llegue / sentiré frío cuando me apaguen el sol”), mientras que las melodías de ‘circle the drain‘ y ‘crawling in my skin’ podrían haber sido hits de la era MTV en la década que parece haber inspirado principalmente todo este álbum.

‘color theory’ tiene tiempo de dejar alguna pequeña nota de humor e ironía, como en esa ‘royal screw up’ que Soccer Mommy dice haber escrito en 20 minutos («te pones tu armadura y salvas a chicas guapas como yo»), pero nunca termina de dejar de lado cierta amargura («quiero una respuesta para todos mis problemas / pero no hay respuesta porque yo soy el problema, ahora y siempre»), resultando más que nada un reflejo de la alienación y la frustración post-adolescente. Seguro que una generación puede identificarse con su visión oscura del mundo, y otra algo mayor recordará junto a ella unas cuantas cosas.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘yellow is the color of her eyes’, ‘circle the drain’, ‘crawling in my skin’, ‘lucy’
Te gustará si te gusta: Deerhunter, Torres, los Radiohead entre ‘The Bends’ y ‘OK Computer’

Nathy Peluso y DORA, protagonistas en la gala dedicada al 8M de Operación Triunfo 2020

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La gala número 8 de Operación Triunfo 2020 se celebraba anoche, 8 de marzo, Día de la Mujer Trabajadora. Por eso el talent-show tuvo una selección musical especial en el que todas las canciones interpretadas –salvo las de los nominados Gérard y Jesús, escogidas por ellos– tenían un poso feminista y/o estaban compuestas por mujeres. ‘Girls Just Wanna Have Fun‘ de Cyndi Lauper, ‘Se acabó‘ de María Jiménez, ‘Mujer latina‘ de Thalía (por parte de la talentosa Nia, que vio «recompensado» su talento con la noticia de que Kike Santander producirá su primer single; temblando estamos), ‘Man! I Feel Like a Woman‘ de Shania Twain, ‘La puerta violeta‘ de Rozalén, ‘Just a Girl‘ de No Doubt (su intérprete en la gala, Maialen, fue escogida como favorita del público) y ‘bad guy‘ de Billie Eilish fueron los temas escogidos, rematando al final (no al inicio, como es habitual) con ‘No controles‘ de Olé Olé fueron los temas interpretados.

En esa exaltación de la mujer, destacó también la presencia de dos mujeres como invitadas. Dos artistas muy jóvenes, y habituales en esta web como son Nathy Peluso y DORA, proyecto musical de Dora Salvatore, hija de Diego Postigo (The Cabriolets) y la desaparecida Bimba Bosé. Esta interpretó el neo-bolero que había estrenado precisamente el pasado viernes, ‘Ojos de serpiente‘, justo cuando la artista de tan solo 15 años se presentaba en directo en Madrid. Acompañada por un trío en directo, DORA brilló (literalmente, gracias a una llamativa sudadera llena de pedrería) en su primera actuación en un escenario de tanta difusión como OT, y quizá eso derivó en ciertos nervios que afectaron a su voz.

Mucho más segura y sólida, dado su bagaje y, sobre todo, el morrazo del que siempre ha presumido en escena, Nathy Peluso comandó cual diva pop un amplio cuerpo de baile mientras interpretaba su último single. Un ‘Business Woman‘ con el que la argentina lanza un mensaje de poder dentro de una industria que, también, está tradicionalmente dominada por mujeres, y que tuvo una traslación bastante potente en este inmejorable altavoz. Al terminar su actuación, dio las gracias a Anajú por haber cantado tres galas atrás su ‘Sandunguera’.

Las claves visuales de los vídeos de Lady Gaga, J Balvin, The Strokes, Taylor Swift y Demi Lovato

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El planeta de colores de Lady Gaga, los mensajitos de J Balvin, la teletienda distópica de los Strokes, las reivindicaciones feministas de Taylor Swift y la expiación de Demi Lovato. Zarandeamos las imágenes de los videoclips más destacados de las últimas semanas y recogemos sus referentes estéticos y narrativos.

Stupid Love (Lady Gaga)

“El mundo se pudre en conflictos. Muchas tribus pelean por su dominio. Mientras los Espirituales rezan y sueñan con la paz, los Kindness Punks luchan por Chromatica”. El nuevo vídeo de Lady Gaga comienza con una introducción que podría valer para cualquier opereta espacial o fantasía heroica de esas que poblaron las estanterías de los videoclubs y las jugueterías de los ochenta: ‘Flash Gordon’ (1980), ‘Krull’ (1983), ‘Masters del universo’ (1987)… En la primera imagen vemos un plano general de Chromatica, un mundo posapocalíptico construido a base de darle brillo a los Trona Pinnacles californianos (vamos, como hicieron con la Ciudad Encantada conquense en ‘Conan, el bárbaro’). Luego aparecen las tribus y empiezan las luchas bailadas. El director Daniel Askill, famoso por el ‘Chandelier’ de Sia, prioriza las coreografías, los pasos espasmódicos de Gaga y el diseño de vestuario (a cargo de Laurel DeWitt), por encima de la narración. El resultado es algo así como una versión drag de ‘Mad Max’, con pinceladas de ‘Barbarella’ y churretones de los Power Rangers y las Sailor Moon.

Rojo (J Balvin)

Si conduces hablando por el móvil te puede pasar como a J Balvin, convertirte en un fantasma celoso con cara de zombi, que no dejará de acosar a su ex pareja hasta que le guste un novio para ella y dé su aprobación como si fuera un padre gitano (tradicional). El videoclip de ‘Rojo’ se puede ver como una relectura de ‘Ghost’ (1990) en clave macho-facha, un estilizado melodrama con mensaje DGT que esconde subtextos tan variados como la dominación machirula más allá de la muerte o la publicidad “subliminal” de Coca-Cola Energy (¿capaz de resucitar a un muerto?). Dirigido por el estajanovista Colin Tilley (en 2019 rodó casi una treintena de clips), ‘Rojo’ destaca también por su estilo visual y su narración cinematográfica: una combinación de travellings ceremoniosos con planos más dinámicos con steadicam filmados en formato panorámico.

Bad Decisions (The Strokes)

La particular gramática de la teletienda parece una fuente inagotable de inspiración para los creadores de videoclips. En los últimos años hemos visto varios ejemplos: ‘Hula Hoop 8000’ (Monarchy), ‘Love Is A Parasite’ (Blanck Mass), ‘Mudas y escamas’ (Sr. Chinarro), ‘NRG’ (Duck Sauce)… Los últimos en sumarse a este sub(sub)género son los Strokes. ‘Bad Decisions’ es una parodia de los infomercial en clave setentera. El director Andrew Donoho, autor de los últimos vídeos de Twenty One Pilots o del ‘Dirty Computer’ de Janelle Monáe, no solo replica la estética de los setenta sino también la caligrafía visual de la televisión de la época: formato, tipografía, movimientos de cámara, iluminación, cortinillas… Un juego metalingüístico que le sirve al realizador para elaborar un discurso satírico sobre la industria musical –grupos prefabricados, bandas clónicas, estilos intercambiables, repetición de fórmulas- envuelto en una historia de ciencia ficción con ecos de ‘Westworld’ o ‘Black Mirror’.

The Man (Taylor Swift)

Comedias como ‘Adiós, Charlie’ (1964) o ‘Una rubia muy dudosa’ (1991) exponían lúdicamente las desigualdades de género a través de una misma premisa argumental: ¿qué pasaría si un mujeriego misógino se reencarnara en el cuerpo de una mujer? En ‘The Man’, Taylor Swift persigue el mismo objetivo lúdico y reivindicativo. Pero lo hace desde un ángulo diferente: ¿cuál sería su consideración social y profesional si en vez de una mujer exitosa… “fuera un hombre”? La cantante (y directora del clip) denuncia el sexismo y los privilegios del hombre-blanco-cis-heterosexual a través de varios ejemplos de masculinidad tóxica: un autoritario y egocéntrico jefe de oficina, un irrespetuoso viajero haciendo manspreading como si tuviera cáncer testicular (la escena incluye una meada en una pared con alusiones a su ex manager Scooter Braun), el dueño de un yate lleno de chicas en bikini inspirado en el Leonardo DiCaprio de ‘El lobo de Wall Street’ (a quien cita en la letra de la canción), un narcisista felicitado por su ligue ocasional, un padre felicitado por… hacer de padre, un putero, un “sugar daddy” y un tenista increpando al juez que, a diferencia de Serena Williams en el US Open, no es sancionado por ello. Al final hay sorpresa, y un último codazo satírico: “¿Podrías intentar ser un poco más sexi?”.

I Love Me (Demi Lovato)

La iconografía del “ángel del hombro” es uno de los recursos narrativos más populares de la ficción. La figura de un pequeño ángel (la virtud) y un demonio (la tentación) a cada lado de un personaje ha servido durante décadas para ilustrar los conflictos internos. El último vídeo de Demi Lovato reinterpreta esta convención narrativa adaptándola a los nuevos tiempos, mucho menos judeocristianos. El “ángel” sigue yendo de blanco, pero ya no tiene alas. Ahora levita como un yogi en el nirvana. El “demonio” ya no va de rojo ni lleva un tridente, ahora va de oscuro y hace deportes de contacto. La cantante neutraliza a su yo negativo a golpes y se enfrenta al mundo con una sonrisa luminosa. ‘I Love Me’ ilustra una canción que tiene mucho de autoficción terapéutica. Como si fuera una metáfora de su propia rehabilitación, Lovato, tras acallar a sus demonios, avanza por la vida cantando y bailando mientras va dejando atrás ‘Camp Rock’, a los Jonas Brothers y una ambulancia que remite a su último ingreso por sobredosis. Un vídeo que podría valer como complemento para su libro ‘Se fuerte: 365 días al año’.

Stephen King y Elvira Lindo cuestionan el veto a las memorias de Woody Allen

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Woody Allen es noticia después que la editorial francesa Hachette, que iba a publicar las memorias del director, ‘A Propos of Nothing’, después de haber sido estas rechazadas por otras cuatro editoriales, haya anunciado que finalmente no publicará el libro. La decisión de Hachette ha llegado motivada por las críticas del hijo de Allen, Ronan, autor de ‘Catch and Kill (Atrapa y Mata: Mentiras, espías y una conspiración para proteger a los depredadores)’, libro en el que el hijo de Allen investiga las acusaciones de abusos sexuales contra Harvey Weinstein, y que el año pasado publicaba la misma editorial. Ronan ha acusado a Hachette de «doble moral» y de “falta de ética y compasión por las víctimas” y ha decidido romper con la editorial, tras lo cual esta se ha retractado, enviando un comunicado en el que informa que ya no va a editar el texto del director.

La decisión definitiva de Hachette, que ha informado devolverá los derechos del libro a Woody Allen, ha sido cuestionada por varios nombres destacados, entre ellos el escritor Stephen King, quien, en una serie de tuits, ha compartido su opinión al respecto, desfavorable. Ha dicho: «La decisión de Hachette de anular el libro de Woody Allen me incomoda mucho. No es por él, me importa un pimiento el señor Allen. Lo que me preocupa es a quien le pondrán la mordaza después». El escritor ha añadido que «una vez empiezas, el siguiente es más fácil» y ha matizado que le parece «ignorante de cojones» que Hachette aprobara publicar las memorias de Woody Allen –acusado de abusos sexuales por su hija, Dylan Farrow- después de editar el libro de su hijo.

En España ha sido la autora Elvira Lindo quien ha criticado duramente el veto al libro de Woody Allen en un artículo llamado «matar a Woody Allen» que se ha viralizado en Twitter. Lindo argumenta que «parece no importar que la justicia haya desestimado dos veces la culpabilidad del director en los abusos que le achaca su hija», compara el trato a Allen con el «damnatio memoriae que se practicaba en la Antigua Roma» y critica el «feminismo hollywoodiense y la «negación del otro como ser humano» que ejerce, según ella, Ronan contra su padre.

Caribou interpreta a su manera la fiebre house 90s con la gloriosa ‘Never Come Back’

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Productores como Calvin Harris o Mark Ronson & Diplo (unidos bajo el alias Silk City) han conseguido que el clásico house de los 90 haya resurgido como recurso estético de éxito con hits como ‘One Kiss’, ‘Promises’ o ‘Electricity’. Pero no es una exclusiva del mainstream ni mucho menos –de hecho, se diría que artistas de corte más alternativo como Disclosure habían contribuido lo suyo a revitalizar ese subgénero–, que ofrece interpretaciones tan personales como la que ha servido para adelantar ‘Suddenly‘, el magnífico nuevo álbum de Dan Snaith bajo el nombre de Caribou, nuestro Disco de la Semana, sobre el que teníamos oportunidad de hablar con el mismo artista en una interesante entrevista. [Foto: Thomas Neukum.]

Hablamos de ‘Never Come Back’, un tema que ofrecía una pista de la diversidad que contiene este trabajo del canadiense, en la que ‘Home‘ y ‘You and I‘, también magníficas, ejemplificaban otras vertientes sonoras de la amalgama entre hedonista y alienígena que contiene ‘Suddenly’. Como decía, supone la particular aproximación a ese house (o deep house), que atrapa desde su mismo inicio combinando el doble gancho de su teclado espacial y una voz pitcheada ininteligible, al que enseguida se suma la caja y la voz aflautada de Dan que repite el enigmático mantra «y nunca vuelves, nunca vuelves para…»

Snaith explicaba en la nota de prensa que fue la primera canción de ‘Suddenly’ que terminó, y que fue tan divertida de hacer como lo es para nosotros bailarla. «Tan pronto como aterricé en los acordes de sinte principales y el gancho vocal, el resto vino junto muy rápido y naturalmente», explica. «Sentí que mi trabajo era no interponerme y no complicarla o sobrepensarla. A veces los mejores placeres son los sencillos», remacha. Ciertamente ‘Never Come Back’ aparenta sencillez, pero a la vez se percibe cómo Caribou juega sobre esa estructura básica, tanto con las percusiones y pianos como con un segundo estribillo (ese, no menos enigmático, que dice «Nunca puedo olvidarlo / prométeme que no te arrepentirás / Tú y yo estábamos juntos / incluso aunque nos conocíamos mejor»). E incluso se percibe, en esa outro en fade out, que tenía alguna que otra línea melódica más en la que trabajar, pudiendo haber prolongado sus cinco minutos otros cinco más. Pero tiene razón: como está, ya es gloriosa.

Lo mejor del mes:

‘Never Worn White’ de Katy Perry transmite de todo menos felicidad

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Parte de la redacción evalúa ‘Never Worn White’, la balada con la que Katy Perry ha anunciado su embarazo.

«‘Never Worn White’ es una balada a piano con bien de cuerdas, de esas bigger-than-life, que no me interesa lo más mínimo. Que esté co-escrita y producida por el sueco Johann Carlsson –conocido sobre todo por trabajos de Ariana Grande como el megahit ‘Bang Bang’ (con Jessie J y Nicki Minaj, como sabemos) y ‘Dangerous Woman’ (la canción)– justo como los últimos singles publicados por Perry ‘Small Talk‘ y ‘Harleys In Hawaii‘, no es un plus en absoluto: muy imaginativamente (#no), comienza con una interpolación de la famosa marcha nupcial de Mendelssohn, y su letra es cuidadosamente genérica («nunca vestí de blanco, pero quiero hacerlo contigo» o «estoy aquí de pie porque de verdad quiero decir «sí, quiero»»), pese a referirse de forma evidente a su relación con el actor Orlando Bloom, con el que parece que habrá boda al fin. No me cabe duda de que, por coñazo que sea, será un éxito a largo plazo: ya hay comentarios en el vídeo que aseguran que la usarán en su propia boda. ¿Puede dar más pereza? Es, en fin, un auténtico coñazo cuyo mayor ¿mérito? es haber convertido una circunstancia personal –como un embarazo y una futura boda– en un objeto de marketing. Bravo». Raúl Guillén.

«Soy defensor (moderado) de las baladas de Katy Perry. ‘Thinking of You’ me trae buenos recuerdos, ‘Not Like the Movies’ es una monada, la producción de ‘Ghost’ es preciosa y, dependiendo del día en que me preguntes, ‘Choose Your Battles’ me parece su mejor canción. ‘Never Worn White’ no es peor que muchas baladas que lo petan hoy en día en las listas británicas. De hecho, daría un riñón por que esto fuera un hit a cambio de que no dejaran a Lewis Capaldi -o puestos a pedir, a Ed Sheeran- cantar nunca más. Dicho esto, ‘Never Worn White’ tampoco es muchísimo mejor que todo eso. Su ñoñez es mínimamente tolerable. La letra es obvia de más. Una escucha y a otra cosa. Lo único que quitaría es a Katy Perry: hay un momento del puente en que su voz da ganas de salir corriendo. Espero que a Orlando Bloom no le pase lo mismo». Jordi Bardají

«De ‘Total Eclypse of the Heart’ o ‘The Power of Love’ pasando por ‘Thinking Out Loud’, han sido cientos las baladas de la historia del pop que han sabido dejar una sensación positiva y revitalizante pese a su poso romanticón. Baladas que cantar con una sonrisa pese a contener un fondo tóxico, desesperado o agridulce, gracias a su melodía o a su estructura. Lo peor de ‘Never Worn White’ es que parte de una situación alegre -Katy Perry va a casarse y está en estado- pero no sabe transmitir nada de eso: parece que él va a decirle que no en cualquier momento. Desde que emerge la melodía de Mendelssohn y se deforma para convertirse en una cosa tan tristona, parece que esto va a convertirse en ‘November Rain’ en cualquier momento. Qué mal rollo». Sebas E. Alonso.

Núria Graham / Marjorie

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Núria Graham ha publicado este mes de febrero su tercer disco, el primero tras participar en el álbum debut de la mediática Amaia Romero. No hay en ‘Marjorie’, el tercer largo de la cantautora de Vic, canciones parecidas a la maravillosa ‘Porque apareciste‘, pero tampoco se las echa en falta en un trabajo que suena personal y propio ante todo, y que echa mano de diversas influencias para crear una carta de amor a la familia en su sentido más amplio.

Son diversos los escenarios y personajes con los que vamos topando en ‘Marjorie’, y que no son necesariamente autobiográficos aunque puedan tomar inspiración de la vida de su autora. Sin ir más lejos, la primera canción, una emocionante ‘Connemara’ titulada como la región irlandesa en la que Núria y su familia solían veranear (la artista, cuyo padre es irlandés, sigue yendo a este lugar a menudo), y que evoca maravillosamente el sonido de los primerísimos Beach House, narra un suicidio, evento que Núria reconoce le es personalmente ajeno. Sin embargo, ‘Marjorie’ sí es autobiográfica, pues cuenta cómo la abuela de Núria -que se llamaba así, y a la que la artista no llegó a conocer- solía esperar a su marido durante horas cigarro en mano a que volviera del trabajo, construyendo mediante sonidos muy guitar-pop un bonito retrato del sufrido amor romántico de Marjorie, un sentimiento que la artista identifica como propio, guiado por la dependencia. En ella, la autora de ‘Does it Ring a Bell?‘ canta que su abuela y ella parecen estar «cometiendo los mismos errores».

Son varios los momentos de ‘Marjorie’ que valen la pena. Si la estupenda canción de raíces americanas ‘Another Dead Bee’ no tiene nada que envidiar al repertorio de Courtney Barnett (a la que recuerda mucho en ‘The Stable’) o Kurt Vile gracias a una melodía como un sol de buena, ‘Toilet Chronicles’ es un ejercicio interesante por varios motivos. Es una versión de ‘Amor de garrafa’ de Power Burkas, grupo en el que milita el ex de Núria, Marcel Pujols. La catalana convierte el hit power-punk del cuarteto de Barcelona en una bonita composición country-pop que pasaría por suya sin ningún problema, y que pretende ser un reflejo de ese «amor puro más allá de lo romántico» que Núria siente por el músico. El tema final, ‘No Returning’, es la versión de Núria de un tema que su tío compuso a la edad de ella y que dejó grabada en un cuatro pistas. Y a lo largo del álbum, los matices britpoperos y cambios de ritmo de ‘Do You Wake Up for a While Every Day?’ o los coros girl-group de ‘Hazel’ van expandiendo el sonido de Núria hacia interesantes nuevos lugares, creando huella dentro del que es sin duda el álbum más maduro de la cantautora hasta la fecha.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Connemara’, ‘Marjorie’, ‘Toilet Chronicles’, ‘Another Dead Bee’
Te gustará si te gusta: Laura Veirs, Courtney Barnett, Mac DeMarco

Vivien Goldman te acerca a la «herstory» del punk en ‘La venganza de las punks’

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Si sale un grupo de punk, compáralo con los Ramones; si piensas en un prototipo de punky, que sea John Lydon incluso desde su mansión en California; si has de elogiar la versatilidad de un grupo de la era punk, que sea The Clash… ¿Acaso la mujer no pintó nada en los albores del punk, como si no hubiera tenido nada contra lo que protestar? La periodista Vivien Goldman publicaba el año pasado una «historia feminista de la música de Poly Styrene a Pussy Riot» que acaba de salir en España bajo el nombre de ‘La venganza de las punks’. Merece la pena mencionar su título en inglés ‘Revenge of the She-Punk’s’, en sintonía con otros neologismos como «herstory» o «shero» que aparecen en el libro en lugar de los términos masculinos «history» o «hero». Foto: Christoph Voy.

Eso es lo que nos encontramos a lo largo de estas 240 páginas: un recorrido por mujeres más invisibles y menos citadas pero que también han cambiado la historia de la música. Las hay muy conocidas como Debbie Harry o Patti Smith, algunas bastante conocidas al menos en el mundo relativamente underground, como Sleater-Kinney o Bikini Kill; y las hay completamente desconocidas y surgidas tanto en países anglosajones como en Colombia, Alemania, Rusia, Indonesia, República Checa o España, pues Las Vulpes y Diego A. Manrique protagonizan un pequeño cameo en el libro (curiosa la visión de Goldman sobre la Transición Española).

Vivien fue también música, estuvo allí a finales de los 70 y principios de los 80, y eso le permite ahondar en las cualidades musicales de estas protagonistas de una manera más técnica. Todo el libro se orquesta en torno a cuatro pilares, que son la identidad femenina, el dinero, el amor/desamor y la protesta, y para ello presenta aproximadamente una docena de canciones desde las que analiza cada uno de esos bloques. Así, Goldman incluye declaraciones de entrevistas, datos y curiosidades sobre las mujeres que cambiaron el curso de la historia de la música, pero de vez en cuando ejerce también de crítica musical, explicando qué tenían las canciones analizadas de revolucionarias tanto desde el plano lírico -el principal- como desde el plano estructural o sonoro.

En ocasiones la línea que diferencia lo que es punk de lo que no es punk es muy fina y extraña, por ejemplo, que haya varias menciones en el libro a Annie Lennox y ninguna a Tracey Thorn, pero si desde luego este libro está aquí no es para provocar una nueva pelea de gatas, pues obviamente son todas las que están, aunque no estén todas las que son. En verdad, si un defecto fácil se le puede poner a ‘La venganza de las punks’ es que su interminable name-dropping puede expulsarte de la historia si no viviste aquellos años, en lugar de meterte en aquel mundo de desigualdad y rabia que llega hasta nuestros días. Nada que una buena playlist como esta no pueda solucionar. El libro está orquestado en torno a 4 listas de canciones por una razón, y es entonces, cuando escuchas mientras lees, cuando este libro se convierte en una verdadera gozada.

Porque además de recordarnos la valía de bandas pioneras como ESG, y hacernos recuperar a The Raincoats o The Slits, Vivien Goldman rescata canciones desconocidas y absolutamente inauditas como ‘The Boiler’ de Rhoda & The Specials, que retrataba una violación tal cual ante el estupor del público que pudo asistir a sus presentaciones en directo. Turbador aunque no tanto como que hayamos sido capaces de evolucionar tan poco en 40 años en esta materia. La «catedrática del punk» pasa también de soslayo por el capitalismo feroz, el machismo en Jamaica, los derechos LGTB+, la conciliación y otras interesantes cuestiones en un libro que muestra una visión de la mujer (punk) totalmente poliédrica. 7,5. Disponible en Amazon y en tu librería de barrio favorita.

Nick Cave contesta a un fan que le pregunta si cambiaría sus viejas letras, hoy problemáticas

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Nick Cave tiene una página web en la que contesta preguntas o reflexiones de sus fans. Y en las horas previas al 8 de marzo, el artista australiano ha contestado a un fan que le preguntaba si cambiaría las letras de sus canciones que hoy en día pueden resultar ofensivas.

¿Qué opina Cave? Digamos que él no habría cambiado la palabra «mariconez» de la canción de Mecano. El artista empieza su carta con una comparación: «Mis canciones se sienten un poco nerviosas hoy en día. Son como niños que han estado jugando alegremente en el patio de la escuela, y a los que después les comunican que tienen una horrible deformidad física. Sus corazones se hunden y se mean los pantalones. Abandonan el patio muertos de vergüenza al tiempo que un futuro desdeñoso e hipócrita se gira hacia ellos para tirarles una piedra encima».

Sin cortarse un pelo, el australiano plantea: «¿Qué compositor habría predicho hace treinta años que el futuro perdería su sentido del humor, su sentido de la diversión, su sentido del contexto, del matiz y de la ironía, y que caería en manos de una pandilla de ofendidos constantemente enfadados?» Y añade una interesante reflexión: «Quizá los compositores deberíamos haber sido más cuidadosos con nuestras palabras, esto lo puede reconocer e incluso puedo estar de acuerdo con ello, pero nunca deberíamos culpar a las canciones mismas. Las canciones son organismos divinamente construidos. Poseen su propia integridad. Por muchos defectos que puedan tener, sus almas deben ser protegidas a toda costa. Se les debe permitir existir dentro de su horror aberrante, sin ser molestadas por esos estridentes defensores de lo inocuo, aunque sea como indicador de que el mundo ha evolucionado hacia un lugar mejor y más sensible. Si hay que imponer un castigo, que sea a los artistas, no a las canciones. Lo podremos soportar. Prefiero ser recordado por haber escrito algo que era perturbador u ofensivo, que por haber escrito algo blando y sin sangre».

Tres protagonistas femeninas en tres novelas gráficas hechas por mujeres

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Jessica Campbell / XTC69

‘XTC69’ es el más combativo de estos tres trabajos que reseñamos, por arremeter contra el machismo con contundencia, aunque desmarcándose con humor e ironía. Ya ha conquistado a Grimes, hasta el punto de considerar a Jessica Campbell única a la hora de unificar ciencia ficción con realismo mágico, y no es para menos viendo las mañas que se gasta la comandante Campbell pilotando la nave espacial XTC69 junto al resto de féminas de la tripulación, con el objetivo de encontrar hombres por la galaxia con quienes reproducirse.

La autora canadiense parece hacer un guiño a la película de Spike Jonze ‘Cómo ser John Malkovich’ por crear una serie demente de chistes y bromas e interpretar ella misma a varios personajes de ‘XTC69’, demostrando una gran fortaleza narrativa pero también cierta debilidad en los dibujos. El trazo grueso le da agilidad, y el blanco y negro elemental aporta ligereza a un asunto tan trascendente, pero la escasez de detalles más elaborados impide ampliar horizontes a este cómic que podría impresionar más. 7. Disponible en Amazon y en tu tienda de barrio favorita.

Posy Simmonds / Cassandra Darke

¿Quién no conoce a una señora que roza la tercera edad egoísta y solitaria? ¿Quién no tiene una amiga que se pasa el día despotricando de su sobrepeso, alardea de tacañería, es ágil mentalmente hasta regodearse en su mala educación, e incluso miente con maravillosa imaginación? Todas estas cualidades y otras más han convertido a la marchante de arte Cassandra Darke en una exiliada social tan segura de sí misma que nada parece provocarle remordimientos.

La autora Posy Simmonds, con una nominación a los Oscar por ‘Famous Fred’ y autora de libros infantiles principalmente, consigue meternos con profundidad en la vida de la divorciada Darke. Ni empatizamos con el personaje para reforzar nuestras convicciones más asociales, ni nos alejamos por antipatía. Nada se echa de más o de menos en este universo femenino burgués en el que prevalecen las apariencias, y en el que el suspense hace acto de presencia cuando Cassandra encuentra una pistola en su casa en extrañas circunstancias. A esto hay que sumar un dibujo magnífico rotulado en tonos pardos, combinados con rosas y violetas en determinadas viñetas; que no se cumple con un patrón estándar en más de dos páginas seguidas con la consiguiente estimulación de la acción; y que su autora reflexiona sobre los límites de la soledad más allá de lo políticamente correcto. 8,5. Disponible en Amazon y en tu tienda de barrio favorita.

Ulli Lust / Cómo traté de ser una buena persona

Este trabajo que aparece bien posicionado en algunas listas de lo mejor del pasado año -no todas, suponemos que por el volumen brutal de publicaciones-, corre el riesgo de quedar sepultado como uno más porque la calidad media general ha sido apabullante. Y eso a pesar de tener un título francamente llamativo, suficiente para captar nuestra atención, si bien hay que dejar claro de antemano que no estamos ante un manual de autoayuda al uso, y que su autora no trata de solucionar las cosas por medio del psicoanálisis o cuentos sanadores. Lo que sí intenta es estimular la sinceridad con la propia identidad a pesar de que las circunstancias lo imposibiliten.

Ulli Lust, nacida en Viena y residente en Berlín, retoma la senda de sus memorias con esta última entrega autobiográfica. Un ejercicio valiente por ser capaz de poner encima de la mesa las relaciones entre tres desde un punto de vista alejado de la mujer tradicional inmersa en el patriarcado, y adentrándose en el jardín de si se puede amar a dos personas a la vez.

Siendo madre a los 23 años de un hijo de 5, desvincula dicha edad de la experimentación y el descubrimiento de la sexualidad, pues Lust tiene claro que quiere romper convencionalismos afectivos y sexuales. Con un tono rosa como arma como el de la portada, en esa búsqueda de la identidad desfilan la diferencia de edad, la cultural y la inmigración, por si todo esto del triángulo sentimental fuera poco. 8. Disponible en Amazon y en tu tienda de barrio favorita.

Tennis / Swimmer

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Llevamos casi una década esperando que llegue el Gran Disco, con mayúsculas, de Tennis. Desde su debut ‘Cape Dory‘ –que, atendiendo a su calificación, podríamos entender como su mejor disco, quizá beneficiado por la eterna frescura de un primer trabajo–, llevamos aguardando que el dúo formado por Alaina Moore y Patrick Railey publique ese disco incontestable que les confirme como uno de los grupos más importantes de su generación. Todos y cada uno de sus trabajos posteriores a aquel se postulaban como tal, y en todos hemos visto como se consolidaban como emocionantes artesanos de un pop propio de otra época (entre los últimos 60 y los primeros 70, concretamente), con grandes singles respaldados por bonitas canciones. ‘Swimmer’, su nuevo álbum, se atisbaba gracias a sus singles como el capítulo definitivo en esa estupenda colección de intentos… y termina siendo solamente el quinto (séptimo, si consideramos también los buenos EPs ‘Small Sound‘ y ‘We Can Die Happy’).

Puede entreverse cierta decepción en esa afirmación, no la puedo ocultar. Da un poco de rabia que, otra vez, nos encontremos ante un disco en el que hay tres o cuatro canciones enormes coronando otras tantas canciones menos deslumbrantes y emocionantes, pero también exquisitas en lo formal y bonitas en el fondo. En este caso, la segunda parte del autoproducido ‘Swimmer’ se sitúa de forma siempre elegante en esa hipotética intersección entre los espectros que abarcan por separado Beach House, Lana Del Rey y los Saint Etienne más orgánicos, con monos números marca-de-la-casa como ‘Late Night’ o ‘Matrimony II’, adornada con alguna encantadora salida de tangente (la paulsimonesca ‘Tender As a Tomb’). Sin embargo, ya deja de ser una sorpresa que no raye a la misma altura que la primera mitad del álbum.

En ella, tras la fantástica intro que supone la balada ‘I’ll Haunt You’ –en la que Alaina habla, como gran tema del disco, de la madurez, tanto personal como la de su matrimonio con Patrick–, se han sucedido embrujándonos los adelantos ‘Need Your Love’ –con esos cambios de ritmo tan sorprendentes como fascinantes–, ‘How to Forgive‘ –ya hablamos de su particular guiño a la Madonna de los 80– y ‘Runner‘ –con referencias místicas que, asegura Alaina, están más inspiradas por Judee Sill que por verdadera fe religiosa–. Ese tándem fantástico, remachado por la preciosa ‘Echoes‘ –una preciosidad entre Cocteau Twins y Joni Mitchell–, conformaba la esperanza de que ‘Swimmer’ podía ser ese disco lindando en lo sobresaliente que llevamos un tiempo esperando. Y no, no lo es. Sin embargo, también cabe recordar que, después de todo, no existen tantos proyectos artísticos capaces, como Tennis, de mantener un nivel creativo tan alto durante tanto tiempo sin necesidad de piruetas estéticas ni modernizaciones forzadas, manteniéndose estrictamente fieles a su propio universo. Así que, debemos darnos por satisfechos con que nos regalaran al menos media década más de discos «sólo notables». Visto así, un hipotético «grandes éxitos» sería, a buen seguro, ese disco incontestable que, con trabajos así, no nos cansaremos de esperar.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Runner’, ‘How To Forgive’, ‘Need Your Love’, ‘Echoes’
Te gustará si te gustan: Beach House, Lana Del Rey, Real Estate.
Escúchalo: ‘Need Your Love en Youtube.

Los Enemigos: «Ahora estamos en un momento muy fraternal, muy unidos»

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En 2014, tras una reunión lucrativa –algo reconocido abiertamente por ellos– obrada dos años antes, ‘Vida inteligente’ suponía el regreso discográfico de Los Enemigos tras tres lustros. Ahora, seis años y un par o tres de discos por separado de Josele Santiago y Fino Oyonarte, reducen ese lapso considerablemente y han publicado este 6 de marzo ‘Bestieza‘, un nuevo trabajo en el que, haciendo honor a su título –un palabro acuñado por ellos– su rock truena fuerte y rápido.

Sobre este nuevo álbum hemos charlado por vía telefónica con Josele Santiago, mientras se recupera en casa de un inoportuno esguince de tobillo que le tiene en reposo. «Es puñetero, pero no pasa nada», tranquiliza, seguramente con la mente puesta en las próximas fechas de presentación del disco. Una ya extensa gira por España que comienza en la Sala Capitol de Santiago el día 20 de marzo y que cuenta con fechas muy especiales como el 17 de abril en la Sala Apolo de Barcelona, el 1 de mayo en el festival murciano Warm Up 2020 y el 29 de mayo en La Riviera de Madrid. [Foto: Óscar Carriquí.]

‘Bestieza’ es un disco muy potente y directo, ¿y puede que también el más corto de vuestra carrera?
No lo sé, la verdad. Es posible.

¿De dónde parte la idea de hacer un disco así de inmediato?
Son las canciones las que van teniendo ideas, no hay un concepto detrás de esto. Las canciones van pidiendo, vamos probando, y a todas les sentaba bien un poquito de caña y aceleración. Fuimos siendo cada vez más bestias y, excepto a tres de las diez, que son más medio tiempo, van a una velocidad y a una zurra considerable. Como les sentaba bien, se la dejamos puesta. Y ahí están, nos cuadraban así, no le dimos más vuelta y nos metimos al estudio.

Aunque están ‘La costumbre’ y ‘Rey Pescador’, todas duran menos 3 minutos.
De «one, two, three», sí… (Risas)

«A todas las canciones de ‘Bestieza’ les sentaba bien un poquito de caña y aceleración. Fuimos siendo cada vez más bestias»

Pero, ¿habéis descartado canciones por ser demasiado largas?
No, no, ya te digo… Esto es lo que había, no solemos tener mucho material de sobra. Cuando reunimos estas diez… No sé, tenían una coherencia y un peso específico importante. Lo vimos en el local y dijimos «¿para qué más?» Además, teníamos muchas ganas ya, que había pasado mucho tiempo desde ‘Vida inteligente‘, han pasado cosas en el seno del grupo… y teníamos ganas de sentirnos ya activos.

Está producido por Carlos Hernández Nombela, que se ha convertido en un nombre muy importante en el ámbito independiente. ¿Por qué le escogisteis? ¿Qué discos producidos por él os han decidido a contar con él?
La verdad es que Carlos es amigo nuestro de hace tiempo, nos estuvo haciendo la P.A. [Nde: es decir, fue su técnico en directo] a Los Enemigos en los 90. Hemos seguido su carrera, claro. Y aunque él, como buen profesional que es, puede hacer de todo, le conocemos bien y lo que le pone es esto. (Risas) Nosotros le llamamos «bestieza», él lo llama «zurra», llámalo «punk»… Era la persona ideal. También le hemos seguido en sus discos con Airbag, con Triángulo de Amor Bizarro, el sonido que le saca a Carolina Durante… encajaba bastante en lo que queríamos para las canciones: guitarras crudas y distorsionadas, muy urgentes. Se le ocurrió a Fino: «¿llamamos a Carlitos?» Y dijo que sí enseguida, en cuanto oyó las canciones, porque a él le pone este tipo de contundencia.

¿Me equivoco, o hay más coros que en ninguno de vuestros discos? ¿Por qué?
Es verdad que hay en todas o casi todas. Antes había (coros) más puntualmente, pero es un tema que teníamos bastante trabajado. En este caso se imponía como contrapunto al guitarreo, porque no es sólo guitarreo, hay unas melodías muy curradas. Estaban pidiendo a gritos unos coritos, que además es uno de los puntos fuertes de Carlos. Y bueno, que Chema, Fino y David están ya muy curtidos en esto, también había que aprovecharlo. Fue muy divertido de grabar, trayendo cada uno su arreglito… hasta que ves que te pasas de frenada, y tienes que recular. Pero están muy currados, entran como un guante.

¿Dirías que eso es, a su modo, significativo del momento que vivís ahora como grupo?
Es posible, ahora estamos en un momento muy fraternal, muy unidos, muy contentos con la entrada de David (Krahe)… Pero es algo que, como te decía, hemos trabajado toda la vida, desde ‘La vida mata’, en ‘Ouija‘ por ejemplo.

«Manolo Benítez decidió irse con los Porretas… y bueno, ya está, está en los Porretas»

Mencionabas ahora la incorporación como guitarrista de David Krahe. ¿Cómo vivisteis la salida de Manolo (Benítez), que llevaba tantos años con vosotros?
Bueno, Manolo decidió irse con los Porretas… y bueno, ya está, está en los Porretas. Nosotros buscamos un sustituto y el que más cerca estaba era David, porque trabaja conmigo hace mucho tiempo, tanto en acústicos como con la banda, conoce el repertorio enemigo a la perfección y somos amigos desde que éramos pequeños. Entonces… estaba claro. Lo intentamos, vino al local, encajó de cojones de bien en todos los aspectos. Y Manolo… pues está en los Porretas.

¿Y qué dirías que ha aportado David a vuestro sonido y a este disco?
Pues que tiene una paleta de colores muy amplia, porque él es un guitarrista muy versátil, tiene muy trabajado el tema de efectos, los colores precisamente, es muy minucioso y muy entusiasta en el trabajo. Una banda lógicamente agradece todas estas cosas, y se nota, se nota mucho.

«Cuando te sale una canción así tan redonda es un subidón muy grande. Tampoco se puede comparar con un orgasmo. ¡Esto dura más!»

Siete mil canciones’ es un pedazo de primer single, que marca el tono del disco. ¿Qué se siente cuando surge una canción así, que imagino pronto será favorita del público, si no lo es ya?
Hombre, cuando te sale una canción así tan redonda es un subidón muy grande. No se puede comparar a nada, porque tampoco se puede comparar con un orgasmo. ¡Esto dura más! (Risas) Pero es algo así.

Al principio parece que ese tema habla un poco de encontrarse desubicado en el mundo actual, pero termina siendo una canción de amor, ¿no? ¿Es un poco un buen compendio del aspecto lírico del disco?
Sí, bueno, es un disco que no da la espalda a disfrutar de la vida y a afrontarla con esperanza, a pesar de que estén las cosas como estén. Esta es una canción muy romántica, sí es verdad, porque habla de desubicación pero desde la cabezonería del desubicao. Es, como quien más y quien menos, busca el amor. Pero ahí está el tío en sus trece, y no hay Dios que lo saque. (Risas)

En algunas letras da la sensación que planteas una renuncia a militar en nada. Me refiero a letras como “La capitulación expande mi mente (…) / Nada me hace más fuerte que desertar”, de ‘Sacrilegio sideral’, o “Es mi armadura, pura discreción” de ‘Rey pescador’. ¿Es una especie de posicionamiento vital o político?
Bueno, yo escribo en primera persona porque me gusta ponerme en el personaje, pero nunca he estado en prisión y ahí está ‘Desde el jergón’, nunca me he suicidado y ahí está ‘septiembre’, etcétera, etcétera. En este caso, el ‘Rey pescador’ es muy irónica, estoy hablando en la piel de un santurrón, que todos conocemos a alguno. Y… ¿cuál era la otra que decías?

«Siempre quiero que haya una historia delante, no me gusta sentar cátedra»

‘Sacrilegio sideral’.
Sí, es un… ese posicionamiento, esa tendencia existe, ese no identificarse con nada. Pero siempre quiero que haya una historia delante de eso, no me gusta sentar cátedra, y tampoco quiero renunciar a la narrativa, que para eso estamos. Aquí hay un tema que siempre me he planteado: cuando ves a un sin techo, todos tienen una historia detrás y, en un día concreto, se tuvieron que ir de casa. Salieron de su ciudad, de su pueblo, y parece que bastantes de ellos… se alegran, ¿sabes? (Ríe) Tiene un punto de conexión con los cínicos, con ‘La Secta del Perro‘, que también está presente en otras de estas canciones y me apasiona. «Sacrilegio» es sobre un tío que se va, se pira, y es un poco la peliculilla de ese día concreto, me pareció interesante captar ese momento. Me gusta trabajar con imágenes, a veces en movimiento. Si son en movimiento, mejor, de hecho. Es una escena bastante nihilista.

¿Prefieres mantener un poco el misterio sobre el trasfondo de tus canciones?

‘La ofensa’, con frases como “eres gente, puta gente, que no va a sobrevivir, ojalá revientes”, es una de las letras más iracundas…
¡Ahí me pongo en la piel de un hijoputa! (Risas) Un hijoputa que además ni se arrepiente ni nada. Me interesa también ese tema del mal.

¿Habla sobre el mal?
Sí, siempre me ha interesado y está ahí. Además ahora parece que vuelve con fuerza, sobre todo en la literatura sudamericana, (ahí) se trata mucho. A mí me encanta, es un tema que me fascina de toda la vida. Y bueno, este es un poco eso, un hijoputa hablando…

«En ‘La ofensa’ me pongo en la piel de un hijoputa»

En el puente de esta canción suena de fondo un discurso o una arenga de fondo. Tiene un cariz político, entonces…
Claro, claro que sí. Eso está situado… Hay muchas situaciones históricas en las que esa frase (Nde: “Hoy finges no saber, mañana fingirás no recordar”) encajaría a la perfección. Pero yo la escribí pensando en la república de Weimar, justo antes de la ascensión del nazismo, que es una época fascinante y que tiene muchas similitudes con la actual. Por eso cuadraba perfectamente el altavoz este, antediluviano.

Fino Oyonarte adopta la voz solita en ‘Océano’. No es la primera vez que canta él un tema vuestro, pero tampoco es frecuente. ¿Cómo decidís que lo haga?
Siempre o casi siempre mete alguno en cada disco, desde ‘Gas’, si no recuerdo mal. O incluso dos.

O sea que es ya una tradición.
Sí, sí. Generalmente siempre es uno de los que componemos a medias. En este caso hay tres (Nde: los otros son el segundo single ‘Vendaval’ y ‘Mar de sendas’) y podía haber cantado los tres, porque canta de puta madre. Pero bueno, por mantener un poco de cohesión y unidad, se quedó uno y me dejó a mí los otros dos.

Cuando hablabas hace unos meses con mi compañera Mireia, decías que creías que podíais haber hecho más conciertos juntos, los dos solos, de las que habían salido. ¿Habéis hecho algún avance sobre eso, mirando al futuro?
Sí, lo recuerdo. Sí estaría bien, pero ahora estamos centrados en Enemigos. Igual cuando dejemos de girar con ‘Bestieza’ puede que sea el momento, pero ahora estamos muy centrados en eso y muy por la labor, además. Hay muchos bolos y el futuro inmediato se presenta movido, divertido y… tenemos ganas de ensayar, imagínate de tocar… (Risas)

Estáis en modo Enemigo.
Sí, muy Enemigo. Y esto necesita una base sólida y no distraernos con nuestras movidas, tenemos que concentrarnos todos en ‘Bestieza’.

¿Tienes alguna fórmula ya para dirimir si un tema que te sale va para Enemigos o es para ti?
No. (Ríe) Palabra que no. Nadie me cree, pero es así. Luego es cuestión de meterle vatios o no, o meterle otro tipo de arreglos. Pero en la manera de componer la verdad es que no.

¿Puede ser que tus letras más abstractas sean para Los Enemigos y las más personales o íntimas, para tus discos solo? Es una impresión que tengo yo.
Puede ser, a lo mejor. No lo había pensado, es posible. Pero vamos, visto desde dentro… ¡es hilar muy fino! (Risas) Yo tiro p’alante y no me planteo eso tanto. Pero sí es posible, sí.

«Este disco ha salido de esa energía, de ese sentirnos vivos»

Antes hablabas de los bolos. Cuando os reunisteis en 2012 no tuvisteis problema en admitir que fue porque os ofrecieron mucha pasta. Ahora parece que hay también una demanda más constante, por parte del público. ¿Creéis que es por cierta nostalgia de una etapa concreta?
Cuando nos juntamos en 2012 lo hicimos por una oferta muy difícil de rechazar, pero nos sentimos a gusto en la furgoneta, en el escenario, nos sentíamos vivos. Y con el tiempo, resulta que no nos faltaba razón. La cosa está ahí, tiene espíritu, tiene músculo, tiene fuerza… y hemos seguido a pesar de algún bajón o alguna crisis que otra, como es normal en todo organismo vivo. Y ahí estamos, este disco ha salido de esa energía, de ese sentirnos vivos. Y de dar muchas vueltas también por la península, porque no han faltado bolos en estos años y hemos cogido la inercia que teníamos antes del parón aquel de los 2000.

Pregunto esto porque hace poco veíamos también el regreso de 091. Salvando las distancias, porque ellos hacían mucho más que no publicaban disco, veo un paralelismo con vuestra situación, hay mucho interés por un grupo que en su momento no fue quizá tan bien valorado como debía.
En su caso creo que es incluso más exagerado todo esto, porque en su momento, no sé bien por qué, nadie les hizo ni puto caso. Hay un poco de justicia poética en el caso de 091. En el nuestro no lo sé, porque, si te fijas, nosotros vivimos de la música desde el año 93 o 94, dejamos de tener otros curros y otros apaños por ahí. Hemos sido más afortunados que ellos.

«A pesar de que yo he escrito la mayoría de las canciones, no me sentía moralmente autorizado para tocar el repertorio entero yo solo»

Y cuando nos separamos lo hicimos por voluntad propia, no fue por presiones externas o que no hubiera curro. Al contrario, lo hicimos en un momento muy dulce, nos salían bastantes bolos. Pero bueno, nos sentíamos así. Y, si no lo hubiéramos hecho, quizá no nos hubiéramos vuelto. Porque siempre te queda esa espinita de «hostia, podíamos haber seguido»… Y luego el repertorio también tira mucho. (Dices) «joder, es una pena que esté ahí muerto de risa». A pesar de que yo he escrito la mayoría de las canciones, no me sentía moralmente autorizado para tocarlo entero yo solo, más allá de una canción de vez en cuando. Lo suyo era tocarlo con Los Enemigos, y estas cosas, que teníamos por la cabeza, nos dimos cuenta de todo en cuanto empezamos a ensayar. Estas circunstancias han ido empujando, empujando… y aquí sigue andando el carro.

Has dicho antes que Carlos os llevó la P.A. y él va frecuentemente con grupos en directo. No sé si la idea es contar con él también en la gira de presentación.
Sería de puta madre, pero él está muy liado ahora. Está con Carolina Durante y con Triángulo de Amor Bizarro, creo, que sacan ahora un disco por cierto. Por nosotros encantados, pero dudo que tenga tiempo.

Tronaréis igualmente.
Eso sí. (Risas)

‘All of the Feelings’ es el hitazo 80s que quizá ya no esperabas de Kiesza

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Con ‘Blinding Lights’ de The Weeknd arrasando en todo el mundo, ¿qué otras canciones parecidas pueden triunfar? Kiesza, quien lo petara hace cinco años con el house de ‘Hideaway’ antes de que su carrera diera un giro siniestro cuando la cantante sufría, en 2017, un accidente de coche que pudo ser fatal, vuelve con un nuevo single que es un hitazo 80s en toda regla.

La deriva en la vida de Kiesza ha significado que su debut de 2014, ‘Sound of a Woman‘, no ha conocido continuación en todos estos años, lo cual no le ha impedido en este tiempo seguir publicando música. El verano pasado llegaba la balada ‘Sweet Love’, unos meses más tarde era el turno de la tropical ‘You’re the Best’, y este año hemos conocido la burbujeante ‘When Boys Cry’. Ninguno de estas canciones ha alcanzado la repercusión (moderada) de la discotequera colaboración de Kiesza con Bakermat de 2017, ‘Don’t Want Your Love’. Pero ninguna de ellas es ‘All of the Feelings’.

Si Carly Rae Jepsen hiciera chocar ‘Midnight City’ de M83 con ‘All Night Long (All Night)’ de Lionel Richie, el resultado de esa explosión sonaría parecido a ‘All of the Feelings’. Es una canción efectivamente explosiva, eufórica en su reencuentro con el verdadero amor, descrito en ese gran estribillo que reza «estoy teniendo otra vez esos sentimientos, vuelvo a creer en el amor». Kiesza no puede controlar su deseo, así que en ‘All of the Lights’ recompone su felicidad en un pelotazo ochentero que debería darle un hit muy merecido a su carrera.