Lil Nas X sigue con la promoción de su mini-LP inexplicablemente nominado al Grammy a Álbum del año (el rapero se llevó dos en la pasada ceremonia por ‘Old Town Road’) y estrena el videoclip de su nuevo single, ‘Rodeo’. Como recordaréis, la versión original de esta canción que también mezcla trap y country contaba con la colaboración de Cardi B, pero el tema que se está promocionando es una remezcla con Nas que no incluye a la autora de ‘Press’.
Si el vídeo de ‘Old Town Road’ se basaba en las películas del viejo oeste y el de ‘Panini’ en películas de ciencia-ficción tipo ‘Blade Runner’, el de ‘Rodeo’ presenta homenajes a diversas películas de los años 90 y principios de los 2000 dentro de una historia de terror en la que el rapero aparece reconvertido en vampiro.
Hay referencias a ‘Repo Man’, ‘Scream’, ‘Matrix’ y posiblemente a ‘Buffy Cazavampiros’ en esta absurda superproducción dirigida por Bradley & Pablo que tampoco busca ser sutil en su inclusión del «product placement» de turno. ¿Conseguirá elevar el vídeo los streamings de este remix, que van por los 4 millones tras su estreno el 27 de enero? La versión original de ‘Rodeo’ suma ya 133 millones, por lo que va a tener difícil igualarlos.
Santander Music, uno de los festivales de referencia del norte de España, inaugura su edición número 12 con una serie de interesantes confirmaciones entre las que destacan varios grandes nombres como La Casa Azul, que tras publicar ‘La Gran Esfera‘ en 2019, estrenará nueva música este año según su sello Elefant. El festival tendrá lugar en Santander los días 6, 7 y 8 de agosto.
El regreso a los escenarios de El Columpio Asesino también podrá verse en Santander, donde los de Pamplona presentarán su esperado nuevo trabajo, ‘Ataque celeste’, que sale a la venta el 21 de febrero. Y otros que vuelven en 2020 con nuevo álbum bajo el brazo y que también están confirmados en Santander son son Varry Brava, que acaban de sorprender con su single de reggaetón ‘Loco’.
Más nombres potentes se suman a Santander de la mano de León Benavente, que seguirán desgranando el notable ‘Vamos a volvernos locos‘, o Delaporte, que acaban de editar el estupendo single ‘Clap Clap’. Además Kidd Keo, que triunfa actualmente con ‘MONEY TILL I DIE’, y la revelación Ginebras se cuentan entre los nombres desvelados hoy por el festival. Xoel López, Belako, Ladilla Rusa, Inmir y Pin & Pon DJ’s completan la tanda de confirmaciones.
Devendra Banhart, que acaba de ser confirmado en el festival Vida de Vilanova i la Geltrú, Barcelona, actúa la semana que viene en España, en concreto el día 11 de febrero en La Riviera de Madrid, el 12 de febrero en el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián y el 13 de febrero en la sala Razzmatazz de Barcelona. La promotora Sonde3 Producciones informa que las entradas para los conciertos de Devendra en Madrid y Barcelona están completamente agotados. Aún quedan «unas pocas» localidades para el show de San Sebastián, disponibles aquí.
El cantautor venezolano presenta su último disco, ‘Ma’. La nota de prensa recuerda que el «contenido lírico» de ‘Ma’ «gira en torno al concepto de la maternidad». Y continúa: «Su acercamiento no es literal, sino que lo enfoca desde diferentes ángulos; la naturaleza incondicional del amor maternal, el deseo de cultivar, el anhelo de establecer la relación de la madre con el niño y las consecuencias de que ese vínculo se rompa».
El texto sigue: «Sus preocupaciones son tanto personales como globales e incluyen una mirada autobiográfica a la vida, la muerte y reflexiones sobre el precario estado del mundo. Banhart, que pasó su infancia en Venezuela, se ha mostrado profundamente afectado por la pobreza que vio allí. «Mi hermano está en Venezuela, mi primo, mis tíos y tías. Están aguantando la respiración, paralizados. Hay una sensación de impotencia. No hay nada que puedas hacer excepto enviar mucho amor». Devendra canta tres canciones del disco en castellano y una en portugués».
Pese a las cancelaciones en la gira de ‘Madame X’ que Madonna desempeña actualmente en Europa, este tour continúa adelante, espaciando las actuaciones para que la lesión que viene arrastrando desde hace tiempo no se resienta y pueda completarlo en su totalidad. Parte de sus fans de Londres, que había sido la última ciudad en vivir varias anulaciones de shows –a los tres iniciales se sumaron luego dos más, de los quince previstos inicialmente–, disfrutaron ayer de su espectáculo en el célebre teatro The Palladium que, sin embargo, acabó mal… aunque no tan mal como podría haber acabado.
Según denuncia hoy la Ciccone en sus redes sociales, el show llevaba una demora de cinco minutos sobre las 23:00h –hora marcada para su final, para «no interrumpir la paz del vecindario»– cuando a ella le quedaba una sola canción para terminar. Pero la organización del teatro decidió desplegar la cortina antiincendios que aísla el escenario del público en caso de que haya una emergencia. Un elemento metálico que, como señala Madonna, pesa unas nueve toneladas. Finalmente, señala, fue detenida a medio cerrar, no causando ningún daño a los bailarines, músicos y demás personal del equipo que estaban sobre el escenario, pero ciertamente podría haberse liado muy parda.
Como muestra Madonna en un vídeo, el público aguardó a que se resolviera la incidencia aclamando a «Madame X» y, pese a que el telón –esta vez de tela– estaba cerrado, ella irrumpió al grito de «¡Que os jodan, cabronazos!» y, acompañada por sus bailarines y coristas, interpretaron ‘I Rise‘ con las luces encendidas. «Los artistas están aquí para interrumpir la paz», titula el texto en el que da su versión de lo sucedido en Instagram.
it was 5 minutes past our 11:00 curfew—-we had one more song to do and The Palladium decided to censor us by pulling.down the metal fire curtain that weighs 9 tons. Fortunately they stopped it half way and no one was hurt…… Many Thanks to the entire…https://t.co/Acwe7dUsVmpic.twitter.com/rbEyFl0akn
«Mira al mundo a tu alrededor… Mejor no, no mires». Así, con esa no-tan-absurda contradicción marca de la casa, comienza una ‘The Raven’ que de algún modo podría estar relacionada con el poema de Edgar Allan Poe –su referencia a la muerte, quizá–. «Es lo que escribiría cuando escribo sobre ‘El cuervo'», canta en la letanía final de esa canción, aparentemente sin sentido. Es bien conocida que el estilo de escritura de Dan Bejar al frente de su proyecto Destroyer es una suerte de «torrente de consciencia» con referencias a la cultura popular (Johnny Cash, hoteles barceloneses, asesinos en serie y canciones propias y ajenas, entre otras cosas), con el que ridiculiza todo (a él mismo, el primero) y las palabras se suceden en un desorden consciente, a menudo justificadas por el sonido que cobran en su recitado somnoliento y perezoso (no es baladí que grabara sus pistas vocales en la cocina de su propia casa en plena noche), más que por su significado. Pero, de vez en cuando, nos abre los ojos algún latigazo de poesía poderosa: «estuve en América, estuve en Europa, es la misma mierda: miro alrededor y veo una habitación llena de mulas de carga hundiéndose eternamente en un mar de amor», canta en ‘Cue Synthesizer‘.
La decadencia de ese mundo contemporáneo antes aludido, con el «efecto 2000» como cúspide previa a una caída cuesta abajo, parece inspirar en buena medida la lírica de ‘Have We Met’, el álbum número 12 en la carrera del canadiense. Pero esa faceta no es la más sorprendente o destacada en el nuevo trabajo de Bejar. Porque en él, inesperadamente, renuncia a buena parte de ese muro de sonido que venía caracterizando a Destroyer desde la época del excelso ‘Kaputt‘ y ‘Poison Season‘. Ni siquiera prosigue la peculiar aproximación a sus sonidos británicos favoritos que acometió en ‘Ken‘. Esta vez renuncia a los arreglos orgánicos y los coros de aquellos discos y, con la asistencia de su productor de confianza en la última década, John Collins, y el guitarrista Nic Bragg, recupera el sonido sintético de aquel ya lejano ‘Your Blues’ para construir todo el álbum.
Lo cual no significa, ojo, que estemos ante un retroceso. Porque lo que entonces era una baja fidelidad forzosa, es aquí una sugerente economía de medios en la que los pocos elementos palpitan, refulgen y envuelven como si de una orquesta minimalista se tratase en la que hasta los silencios y las pausas tienen su cuota de protagonismo. Bajos –muy especialmente, absolutamente brutales en ‘Crimson Tide’, ‘Cue Synthesizer’–, unas cajas de ritmo liberadas y sucias («Cue fake drums») que por momentos suenan a baterías y percusiones reales, unas guitarras imaginativas e incisivas (¡un poco Mike Oldfield!), alternando fiereza y delicadeza, y unos teclados que, con frecuencia, llevan la voz cantante incluso por delante de Bejar. Sí, porque con este empleado en su papel de crooner altivo y decadente –eso sugiere una portada que casi está en los cánones de un Julio Iglesias o un Luis Miguel– no precisamente esforzado en los estribillos –con la excepción de la bonita ‘The Man In Black’s Blues’–, con frecuencia son riffs de piano o sintetizador los que dejan la impronta melódica más potente en estas canciones, ganchos instrumentales que resuenan en nuestra cabeza a posteriori.
Desde luego así sucede en sus singles: tanto la hipnótica ‘Crimson Tide’ –abriendo el álbum a lo grande, también con la bárbara imagen «I was more like an ocean / Stuck inside hospital corridors»– como el fascinante desarrollo de ‘It Just Doesn’t Happen‘ –cinco minutos de esos que podrían dilatarse quince tranquilamente y no aburrirían– como la citada ‘Cue Synthesizer’ –en la que Dan va casi introduciendo verbalmente los instrumentos– coinciden en eso. Pero también otros números más lentamente amasados que descubrimos con la escucha completa de ‘Have We Met’, como el precioso riff que discurre paralelo al fraseo cadente de Bejar en ‘Kinda Dark’ –¡y qué solo de guitarra, señora!–, los fraseos de Bragg que van por libre en ‘The Raven’ o el vals del espacio exterior –con ecos de Isao Tomita en sus sintes– de la bonita ‘University Hill’.
‘Have We Met’ es un disco exquisito, no cabe duda, si bien hay ciertos vaivenes en su secuencia que rebajan peligrosa e injustamente el interés. Me refiero a esa boutade llamada ‘The Television Music Supervisor’ –sobre cómo un prescriptor musical también puede estar errado en sus decisiones–, el ambiental instrumental que da título al álbum o una ‘foolssong’ bonita, extendida dos minutos con ecos de forma harto innecesaria, como un somnífero «regalo» ya en la «cara B» del disco. No dejan de guardar coherencia en la marcada propuesta estética de ‘Have We Met’, es innegable, pero rebajan la euforia –contenida, como hacia dentro– que despiertan otros momentos de la enésima muestra de genio de Dan Bejar, Destroyer.
Calificación: 7,9/10 Temas destacados: ‘Crimson Tide’, ‘Cue Synthesizer’, ‘It Just Doesn’t Happen’, ‘Kinda Dark’, ‘The Man In Black’s Blues’ Te gustarán si te gustan: The War On Drugs, Aldous Harding, Yo La Tengo. Escúchalo en: en Youtube
Flavia Kleiner, fundadora de la organización Operation Libero, lleva un tiempo frenando a la ultraderecha suiza en los referéndums, cuando nadie más parecía poder pararles. En una reciente entrevista del periodista Carlos Barragán para El Confidencial, daba una clave: “hay que romper su control de la narrativa, porque ellos son muy inteligentes: intoxican el debate y obligan al resto a hablar de sus temas (…) no podemos permitir que se atrevan a decir qué es y qué no es nuestro país. El resto de partidos no solo han comprado parte de su vocabulario, sino que han dejado que la ultraderecha patrimonialice la bandera nacional”. Os suena a algo que estamos viviendo aquí, ¿verdad?
La verdad es que, en un momento en que la ultraderecha está en auge por toda Europa -y todo el mundo-, la mera existencia de ‘And Then We Danced‘ –’Solo nos queda bailar’, en su traducción española– es de celebrar. Y más aún cuando viene con esta calidad y con este mensaje. Aunque el contexto post-URSS de Georgia sea distinto al de Suiza, Francia o España, se comparte la cultura machista, el peso religioso -aquí mayoritariamente de la Iglesia Ortodoxa-, y esa búsqueda de cabeza de turco ante los problemas de los trabajadores que suele acabar en el odio al diferente. Y ‘And Then We Danced’ empieza acertando desde ahí: su protagonista no está precisamente en la familia burguesa de ‘Call Me By Your Name‘, sino que Merab es un chico cualquiera que duerme en un sofá y trabaja de lo que puede para ayudar a su familia (su madre, su abuela y su hermano). Un joven más de ese 94% de jóvenes georgianos que rechaza el matrimonio entre personas del mismo sexo, tasa más alta incluso que la de Rusia. Va quedando claro que éste no es un coming of age más sobre el despertar sexual de un adolescente gay, ¿no?
Nuestro protagonista es Merab, que por las tardes curra de camarero para llevar dinero a casa y por la mañana asiste a las clases de la Compañía Nacional de Danza de Georgia, a la que se incorporará un nuevo alumno, el misterioso Irakli. Pero no penséis que esto de la danza equivale a mayor apertura de miras en el tema LGBT: esto no es ballet, es danza georgiana, como se encarga de decir el profesor. Y la danza georgiana es, además de un símbolo absoluto de la tradición del país, una danza cargada de hipermasculinidad, y en la que no hay sitio para bailarines con cualquier atisbo de cualquier cosa que se considere “femenina”. Tanto es así que las escuelas de danza de Georgia se negaron a ayudar al equipo, avisándose entre ellas de la temática de la película, y el único bailarín que se ofreció a colaborar con las coreografías pidió hacerlo en secreto para no tener problemas (y no se le mencionara en los créditos). Ante el panorama, el director Levan Akin, que quería que el protagonista no fuese un actor profesional sino un bailarín de danza georgiana, aceptó buscar en su lugar un bailarín de danza contemporánea… pero ni así. De hecho, el protagonista Levan Gelbakhiani llegó a rechazar hasta 5 veces la propuesta, pero finalmente la insistencia de su tocayo dio sus frutos. Y menos mal: la de Gelbakhiani es una de las interpretaciones del año, y cuesta creer que se trate de un actor no profesional. Ahora, el “actor no profesional” se ha visto nominado a los Premios EFA a mejor actor (con competidores de la talla de Banderas o del ganador del Oscar Jean Dujardin), además de recibir numerosos galardones por su trabajo.
Cuenta Akin que la inspiración para la historia vino del Orgullo de Georgia de 2013: los que se arriesgaron a manifestarse fueron agredidos por personas convocadas por la Iglesia Ortodoxa. Tres años después, el director, sueco pero de padres georgianos, se decidió a documentarse sobre el asunto para el que sería su cuarto largometraje – con diferencia, el de mayor impacto internacional, siendo ‘And Then We Danced’ la película propuesta por Suecia para los Oscar. Finalmente no acabó en la lista, pero no nos hubiese sorprendido verla, e incluso ver una sorpresa en la categoría de mejor actor para Gelbakhiani, porque se lo hubiese merecido. Y, aunque él lleve todo el peso, destacan también el trabajo de Bachi Valishvili (Irakli), de Marika Gogichaishvili (la abuela de Merab) y, sobre todo, de Ana Javakhishvili, quien da vida a Mary, la novia de Merab y responsable de una de las escenas más tiernas de la película.
Si hablamos de grandes escenas de la película, podríamos citar muchas (los juegos ambiguos con Irakli, la conversación con el hermano, o por supuesto la escena final, que luego comentaremos), pero quizás la que más se queda en la mente -y además sería un crimen no mencionarla en nuestra web- es aquella en la que suena ‘Honey‘ de Robyn de fondo (la selección musical va desde la música folclórica georgiana a aportaciones suecas como ésta o como ABBA). Desde la primera vez que escuché ‘Honey’ supe que tenía un poder audiovisual brutal, y deseé ver una escena en la que se usara en condiciones… ¡pero no pensé que sería tan pronto! Se aprovecha el poder de la música de la mejor manera: la secuencia dice mucho pero ningún personaje habla, la secuencia desborda deseo y no hay nadie follando, es romántica y no hay un solo beso, etc. Y, cuando ‘And Then We Danced’ aún no ha acabado y ya sabemos que es una de las películas del año, llega la traca final, por si nos sabía a poco.
Para no desvelar nada, solo diremos que, además de flipar con el aspecto técnico, aquello tiene un punto simbólico muy importante, y bastante relacionado con las palabras de Kleiner con las que iniciábamos esta reseña. En España estamos viviendo una etapa oscura, de odio al diferente, de odios entre nosotros, de enfrentamientos por banderas y patrias, pero en cierto modo somos bastante afortunados: si las agresiones en el Orgullo de 2013 inspiraron a Akin, tampoco en este 2019 ha podido celebrarse el Orgullo en Georgia. Ante esto, Merab da –sin pronunciar una palabra– un discurso bestial sobre el orgullo de ser quien realmente es y sobre cómo reapropiarse del significado de la tradición.
Esto mismo era una de las características de José Ocaña, el histórico artista y activista LGBT+ cuyo apellido da nombre al Premio que se le entregó en el Festival de Cine Europeo de Sevilla a ‘And Then We Danced’, además de llevarse el Premio del Público (especialmente importante este apoyo), y de numerosos galardones como la Espiga Arcoiris en Seminci o de arrasar en Lesgaicinemad, por citar solo festivales españoles –fuera, como decimos, también está siendo aclamada–. Pero, mientras unos afortunados vemos la película, aplaudimos su calidad y celebramos su valentía, en su propio país los espectadores se encuentran con boicots en los cines que la proyectan, con quemas de banderas LGBT+ y agresiones de grupos de ultraderecha. Merab tiene un mensaje desafiante para ellos, y alentador para quienes tratan de vivir en libertad: aún cuando el contexto le es más adverso, aún cuando las circunstancias sean horribles, Merab nos dice que él no se va a esconder, que no vamos a escondernos. Que en las peores circunstancias es cuando vamos a ser más nosotros mismos que nunca. Es cuando vamos a bailar. 8,5.
A mitad de la ya pasada década de los 10s DMA’s se alzaron como la enésima esperanza para el brit-pop… con la pequeña –ínfima, casi– de que no eran británicos, sino australianos. Curiosamente –y quizá por eso mismo– este trío de Sidney ha resistido mejor el paso de los años que muchas de esas otras bandas inglesas que también suenan ocasionalmente a Oasis, Primal Scream, The Stone Roses o Happy Mondays. [Foto portada: McLean Stephenson.]
Lo cierto es que gracias a discos como ‘Hill’s End‘ (su debut de 2016) y, dos años después, ‘For Now’ (muy late-Oasis, pero con bonitos matices pop como los de la balada ‘In The Air‘), el grupo permanentemente ataviado con gorras de visera –para terminar de despistar, su estética es casi pokera– ha vivido una aceptación progresiva, consolidando una base de fans e incluso grabando y publicando un MTV Unplugged –sí, aún existe esto– el año pasado. Incansables trabajadores, en este 2020 cumplirán con su ciclo de un disco de estudio cada dos años y ya han anunciado el lanzamiento de ‘The Glow’ el próximo 24 de abril.
Un disco que han grabado con Stuart Price (Pet Shop Boys, Madonna, The Killers) a los mandos y que deja su impronta en la pátina sofisticada de sus nuevas canciones. Ya lo hacía en ‘Silver‘, primer adelanto lanzado a finales de 2019, un medio tiempo que explotaba de forma expansiva tras un delicado arranque. Y ahora ha vuelto a suceder, de manera aun más marcada, en ‘Life Is a Game of Changing’, segundo single del disco.
Marcada por una potentísima base rítmica bailable, la irrupción de la línea del bajo y las guitarras nos traen a la mente a New Order –no en vano Price también ha trabajado para el grupo de Manchester–, con ciertos toques de psicodelia en teclados y ambientaciones del estribillo y su coda final, consiguiendo una de las canciones más pintonas y excitantes en la carrera de DMA’s. El atractivo «pack» lo completa un bonito vídeo filmado por Bill Bleakley y protagonizado por la agitada vida de unos jóvenes en Bangkok. Sin duda, esperamos que ‘The Glow’ esté a la altura de tan poderoso avance.
Tracklist de ‘The Glow’:
1. Never Before
2. The Glow
3. Silver
4. Life Is A Game of Changing
5. Criminals
6. Strangers
7. Learning Alive
8. Hello Girlfriend
9. Appointment
10. Round & Around
11. Cobracaine
2020, Año TAB: tras presentar días atrás ‘Ruptura’, primer avance –que no single: si mantienen su costumbre, un bofetón sonoro antecederá a una canción más melódica y pegadiza– de su nuevo disco, Triángulo de Amor Bizarro acaban de anunciar todos los detalles de ese quinto álbum de su carrera, coincidiendo con la puesta en marcha de su preventa.
Se titulará ‘Triángulo de Amor Bizarro’ y se publicará el día 20 de marzo próximo. En él llaman la atención nombres de canciones como ‘Fukushima’, ‘Canción de la fama’, ‘ASMR para ti’, ‘SYF paga’ –¿puya al sector financiero?– o ‘Calígula 2025’ –con, suponemos, nada que ver con el proyecto electrónico de Nacho Canut–. También se ha revelado su portada, una imagen gris oscura que parece la funda de papel de un viejo vinilo con las típicas marcas de su uso continuado. Mushroom Pillow, como decíamos, ha dispuesto ya la precompra del disco en formato digital y físico. En este apartado, además de CD y vinilos convencionales, habrá una edición especial de tan solo 500 copias de vinilo coloreado, solos o en packs con bolsas de tela y camisetas.
Imaginamos que el cuarteto de Abanqueiro estará a punto también de anunciar fechas de presentación de este trabajo. Por el momento hay fechas anunciadas en abril en Córdoba y Donosti, al margen de su presencia confirmada en festivales como WARM UP, Spring Festival, Bilbao BBK Live o Zaragozafelizfeliz. Este es el tracklist de ‘Triángulo de Amor Bizarro’:
01. Ruptura
02. No Eres Tú
03. Vigilantes Del Espejo
04. Canción De La Fama
05. Fukushima
06. ASMR Para Ti
07. Acosadores
08. SYF Paga
09. Calígula 2025
10. Folia De Las Apariciones
11. Cura Mi Corazón
12. Los Golpes Olvidados
Tan pronto como el viernes de la semana que viene, 14 de febrero, estará a nuestra disposición el esperado álbum de regreso de Justin Bieber, ‘Changes’. Un disco en el que, más que al pop, se arrima al neo-R&B y el hip hop. Y no lo decimos solo por lo que ha revelado en singles como ‘Yummy‘ y ‘Get Me‘ –este último con Kehlani–, sino por los artistas invitados en el tracklist que acaba de presentar hace unas horas.
Post Malone –que devuelve al canadiense el favor de ‘Deja Vu’, tema que compartían en ‘Stoney‘, su debut oficial pre-estrellato–, Travis Scott –de nuevo, cuenta saldada después de que el intérprete de ‘Sorry’ participara en ‘Rodeo’, primer disco del rapero–, Quavo –que ya coincidió con Bieber en el hit de DJ Khaled ‘I’m The One‘; su tema compartido, ‘Intentions’, se lanza dentro de unas horas– y el cómico-MC Lil Dicky forman parte del elenco de participantes en ‘Changes’. Entre sus 17 canciones –se incluye el remix de ‘Yummy’ con Summer Walker estrenado días atrás– encontramos un título tan llamativo para nosotros como ‘ETA’, que obviamente (¿o no?) no tiene que ver con la banda terrorista vasca: son las siglas de «estimated time of arrival», «hora estimada de llegada».
Además, en las últimas horas Justin también es noticia por haber batido un nuevo récord en su carrera: esta vez, por la premiere del primer capítulo de su docu-serie, ‘Seasons’, el más visto en la historia de Youtube en su primera semana, con más de 32 millones de visualizaciones. Aquí os lo dejamos, tras el listado de canciones de ‘Changes’:
‘All Around Me’
‘Habitual’
‘Come Around Me’
‘Intentions’ (ft. Quavo)
‘Yummy’
‘Available’
‘Forever’ (ft. Post Malone & Clever)
‘Running Over’ (ft. Lil Dicky)
‘Take It Out On Me’
‘Second Emotion’ (ft. Travis Scott)
‘Get Me’ (ft. Kehlani)
‘ETA’
‘Changes’
‘Confirmation’
‘That’s What Love Is’
‘At Least For Now’
‘Yummy (Summer Walker Remix)’
Acostumbrados ya a amanecer con el nombre de un venerable artista de avanzada edad como trending topic a modo de feliz falsa alarma, esta vez no se ha cumplido esa regla y era cierto: esta madrugada se ha conocido la muerte de Kirk Douglas, el penúltimo mito del Hollywood dorado que quedaba vivo. A la edad de 103 años, nada menos. Ahora tan solo le sobrevive Olivia de Havilland, que curiosamente ostenta la misma edad que Douglas. Ella también es trending topic a esta hora de la mañana.
Decimos así adios casi del todo a una época realmente histórica del cine, apoyada en estrellas como el propio Kirk Douglas. Nació en Nueva York en 1916 como Issur Danielovitch Demsky, en el seno de una modesta familia de origen judeo ruso, donde vivió muy pronto el abandono de su padre del hogar familiar. Casi en paralelo, Douglas comenzó a interesarse por el teatro en el colegio, y se formó en interpretación desde muy joven, combinándolo un grado de Filosofía y Letras en una universidad que pagaba haciendo pequeños trabajos en el campus. Su imponente físico le llevó también a practicar allí la lucha libre.
Una beca en la prestigiosa American Academy of Dramatic Arts de Nueva York le abrió las puertas de Broadway a principios de los años 40, teniendo que interrumpir su progresión para alistarse en el ejército. Graduado con honores, se casaba poco después con una ex-compañera de la academia de arte dramático, Diana Dill –madre de sus hijos Michael y Joel–. Y fue otra compañera de esa misma institución, Lauren Bacall, la que le introduciría ya definitivamente en Hollywood, debutando en el cine en 1946 con ‘El extraño amor de Martha Ivers’.
Lastrado por sus ideas políticas abiertamente izquierdistas, le costó quizá más que a otros actores alcanzar la condición de estrella, quizá también por inclinarse por papeles más complejos pero menos agradecidos en taquilla. ‘El ídolo de barro’ (Mark Robson, 1949), donde daba vida a un boxeador, fue el primer papel memorable de su carrera, obteniendo su primera nominación a un Oscar y cambiando ya su estatus definitivamente. A partir de ahí, combinó a placer onerosos papeles en el cine de aventuras (‘20.000 leguas de viaje submarino’, Richard Fleischer, 1954), biográfico (‘El loco del pelo rojo’, biopic de Van Gogh de Vincente Minnelli, 1956), bélico (‘Senderos de gloria’, Stanley Kubrick, 1959) y western (‘El último tren de Gun Hill’, John Sturges, 1959).
Aunque sin duda el proyecto que le convirtió definitivamente en un mito sería ‘Espartaco’ (1960), mastodóntica película histórica que produjo y protagonizó él mismo bajo la dirección de Kubrick. Pese a las numerosas dificultades que envolvieron su rodaje, su millonario presupuesto se vio devuelto con creces en taquilla, obteniendo además cuatro premios Oscar y erigiéndose como una de las películas más icónicas del Hollywood dorado. Tras varios fracasos de taquilla de sus propias producciones, en la década de los 60 volvió al teatro para protagonizar ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’. Curiosamente, trató infructuosamente de filmar una película con ese guión, cediendo luego los derechos a su hijo Michael, que como sabemos sacó adelante el proyecto 10 años después con un considerable éxito. Pero sus días de mayor gloria quedaban ya atrás, y los 70, 80 y 90 transcurrieron para él entre papeles menores de cine (llegó a abandonar el rodaje de ‘Acorralado’, el primer Rambo de Stallone) y televisión y fracasos en sus producciones. En semirretiro desde entonces, en 1996 obtenía un Oscar honorífico a su carrera, premio personal que le había sido negado en tres ocasiones.
Para entender el cambio en cuanto a variedad musical que ha dado Operación Triunfo en sus últimas ediciones no hay que irse a aquellos episodios en que Amaia versionaba a Neutral Milk Hotel o a Arcade Fire en la Academia. Los nominados de la edición actual, que no está enganchando demasiado a la audiencia de momento, han apostado para defender su estancia en el concurso por dos canciones muy diferentes: Nick por ‘Thriller’ de Michael Jackson (valiente) y Maialen por ‘Dinamita’ de La Bien Querida. La autora de ‘Brujería‘ era la primera sorprendida por esta elección y llegaba a filtrar por error el repertorio de la gala 4 debido a la emoción… apareciendo en varios medios generalistas a consecuencia de ello.
Ocupada con la gira de su nuevo disco (fechas aquí), Ana Fernández-Villaverde verá una de sus composiciones ser interpretada en pleno prime-time, lo cual le parece «una fantasía». Así nos lo cuenta en esta entrevista vía mail en que explica el jardín de la filtración, a qué otros artistas le gustaría escuchar en el programa o su único recuerdo de la primera edición de Operación Triunfo: un sueño erótico con David Bisbal. Ella ya había dicho que era fan de ‘Esclavo de sus besos’, pero parece que de este sueño solo estaba enterada Nuria Roca. Además, os dejamos con el primer pase de micros, ante el que Fernández-Villaverde ha tuiteado: «lloro».
‘Dinamita’ sonará en Operación Triunfo la semana que viene en voz de Maialen. ¿Qué pensaste al enterarte?
Me enteré el lunes por la mañana. OT me nombró en Twitter y decía algo así como: «¿Se decantará Maialen finalmente por ‘Dinamita’ de La Bien Querida para la Gala de eliminación?». Me impactó y me hizo ilusión que en un programa de máxima audiencia y tan mainstream se vaya a escuchar una canción mía y que la canción tenga tanto protagonismo. Me hace ilusión.
¿Alguna vez te habías imaginado una canción tuya sonando en OT? Si sí, ¿había sido ‘Dinamita’ o más bien otra? ¿Te habría gustado más otra?
Nunca me lo habría imaginado. Es una fantasía. ‘Dinamita’ me parece una buena opción y ya puestos, ‘Los Jardines de Marzo’, ‘Muero de Amor’ o ‘La Fuerza’ también podrían encajar bien. Jajajaja, claro que sí.
«Como Brian (Hunt) puso la foto del reparto en el chat del grupo, di por hecho que ya era público, ni lo contrasté»
¿Cómo accediste al repertorio de la gala 4? ¿Te han dicho algo por haberlo filtrado?
Tenemos un concierto el sábado en Málaga y como Brian Hunt no puede hacerlo porque se va de viaje, habíamos quedado con Toni Cupido, que va a sustituirle, para ensayar. Como ensayamos en el Invernadero, que es el estudio de Brian, al llegar me dice: «¿sabes que van a cantar ‘Dinamita’ en OT?» Y le digo: «algo estoy leyendo por Twitter, ¡qué fuerte!». Todo esto mientras sacábamos los instrumentos para ensayar, cables por aquí y por allá, llegaba uno, otro, comentábamos ‘La Isla de las Tentaciones‘… Brian puso en el grupo de WhatsApp de La Bien Querida esa foto famosa con el reparto de canciones y el ‘Dinamita’ subrayado en amarillo y me dijo que se la había pasado una amiga que trabajaba en OT. Nosotros seguíamos con el cacharreo, probando sonido, enchufando, desenchufando… Como Brian la puso en el chat del grupo, di por hecho que ya era público, ni lo pensé un momento, ni lo contrasté… la puse en el stories… Me sabe mal por la chica que se la pasó a Brian porque le habrá caído terrible bronca por mi culpa!!!!! Mil disculpas, lo siento mucho.
Al acabar el ensayo la quité pero ya estaba en todas partes. No estoy viendo el programa y no tengo ni idea de cuándo suele salir el reparto… En fin, con toda mi emoción porque iban a cantar ‘Dinamita’ en OT, lo puse… Por la tarde me enviaron un periódico digital donde lo ponían de noticia: “La Bien Querida filtra por error las canciones de la Gala4 de OT”. ¡Vaya lío!
‘Dinamita’ habla de asumir riesgos en la vida, de «incumplir las normas»… pero a su vez es una canción muy clásica. Parece un buen momento para que suene en Operación Triunfo después de la victoria de Amaia, del protagonismo de La Casa Azul, ahora mismo de Zahara como profe… ¿Qué opinas del cambio que ha dado OT en cuanto a su apoyo a el pop «alternativo»?
No me acuerdo ahora cuántos años lleva OT en antena, pero la primera edición sí la vi. Hubiera sido impensable que un o una concursante eligiera una canción, por ejemplo, de Los Planetas. Mira, no sé en qué edición salía Julio Ruiz de jurado y los indies veíamos un poco raro que estuviera ahí. Mola este cambio en los repertorios, claro que sí, y que haya otro tipo de profes.
«Recuerdo que una vez tuve un sueño erótico con Bisbal porque al día siguiente llamé a mi vecina y amiga Nuria Roca para contarle los detalles. Es lo único que recuerdo de esa edición»
¿Qué otros artistas o canciones te gustaría que se tuvieran en cuenta en el programa?
Hay muy buenos y buenas autoras que se conocen poco como Rafael Berrio, Julio de la Rosa o Lorena Álvarez.
¿Viste las primeras ediciones?
Vi la primera edición por la novedad. Recuerdo que una vez tuve un sueño erótico con Bisbal porque al día siguiente llamé a mi vecina y amiga Nuria Roca y se lo conté y estuvimos analizando los detalles de mi sueño… Es lo único que recuerdo de esa edición.
¿Alguna vez pensaste en participar antes de que tu carrera despegara o realmente no comulgas con el formato?
Nunca me he tenido por una buena cantante así que jamás he pensado en participar en un programa de este tipo. Además, los y las que conocen mi historia saben que empecé en la música con mi primer disco (‘Romancero‘, 2009), antes no tenía experiencia previa de ningún tipo, llevo toda mi carrera con un sello muy indie como es Elefant Records y nunca me he planteado pasarme a una multi.
No estoy ni a favor ni en contra del formato, cada uno que vea lo que quiera. Lo que sí es cierto es que la tele te pone ahí y luego hay que gestionar esas carreras, esa expectación por parte de los fans y esa exposición mediatica… uf… Por otro lado, Amaia lo está haciendo muy bien, sin duda mi favorita de OT.
«Espero que se salve Maialen. No me molan los gorgoritos y esas cosas de buenos cantantes, yo voto por el menos es más pero sin dejar de mostrar personalidad»
Si te llegara una llamada de OT para impartir cultura musical u otra disciplina, ¿aceptarías?
No sé, tendría que estudiar las condiciones. Si no estoy haciendo nada en ese momento es posible. ¿Por qué no?
Finalmente, ¿qué consejo le darías a Maialen de cara a su interpretación de ‘Dinamita’?
Espero que se salve Maialen. ¡No me lo pienso perder! ¡Seguro que lo hace mucho mejor que yo! A mí es que no me molan los gorgoritos y esas cosas de buenas y buenos cantantes, yo voto por el menos es más pero sin dejar de mostrar personalidad, lo cual también es posible.
Con motivo de la buena acogida de la Super Bowl de Shakira y Jennifer Lopez, que se acerca a los 100 millones de visualizaciones en Youtube en tan sólo 2 días, actualizamos nuestro artículo sobre las mejores actuaciones de la historia en este evento, que hasta ahora solo incluía shows hasta 2016. Recordamos también que de los 60 a los 80 predominaron las marchas populares e imitadores (con alguna excepción como la inencontrable actuación de Ella Fitzgerald haciendo ‘Mack the Knife‘ en 1972), que fue durante los 90 cuando se empezaron a entender las posibilidades de este espectáculo para el mundo del pop y que ha sido durante este siglo cuando la NFL se ha terminado de volver loca con el intermedio del encuentro. También repasamos algunas de las peores actuaciones de la Super Bowl.
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14.-Coldplay (2016)
Sentimientos encontrados sobre el show de Coldplay. Ni el repertorio parecía el mejor al incluir ‘Paradise’ o prescindir de ‘Yellow’ ni pegaba mucho la inclusión de Bruno Mars y Beyoncé. Sin embargo, ver a estos frente a frente con ‘Uptown Funk’ y ‘Formation’ es un momento totalmente icónico que se ha llevado por delante la propia presentación de Bruno Mars de 2014, sobria de más y también forzada en el momento Red Hot Chili Peppers. Tan icónico es que su parte se ha subido aparte a Youtube de forma oficial. Aunque ver a Chris Martin agachadico entre Mars y B es todo un poema, hay que reconocer que Coldplay han hecho de su gama de colores todo un sello de identidad y el final colaborativo con recuerdo a otras actuaciones también fue un acierto. El vídeo completo de Coldplay no se puede incrustar pero está oficialmente en Youtube.
13.-Stevie Wonder y Gloria Estefan (1999)
A la Super Bowl siempre le ha gustado unir a gente imposible y Gloria Estefan y Stevie Wonder formaron toda una extraña pareja en 1999. Ambos pudieron unir soul y salsa con dignidad y el paso de ‘You Are The Sunshine Of My Life’ a ‘Oye!’ no es tan traumático como pueda parecer. Estefan supo jugar muy bien sus cartas desde el punto de vista escénico y además, ver a Wonder bailando un poco de claqué antes de que Gloria pase al escenario es digno de recordar.
12.-The Rolling Stones (2006)
No hace falta ser una diva o un divo del pop -como parece últimamente- para dar un gran show en la Super Bowl. Los Rolling fueron todo energía durante sus 12 minutos, comenzando con ‘Start Me Up’ (¿con qué si no?) y cerrando con ‘Satisfaction’. Además, la que liaron no fue moco de pavo: el escenario con su logo en forma de boca requirió de 28 piezas separadas que hubieron de ser montadas en 5 minutos por 600 voluntarios.
11.-Paul McCartney (2005)
Canción, canción y canción es lo que pareció defender Paul McCartney en su tiempo, optando por ‘Drive My Car’, ‘Get Back’ o ‘Hey Jude’ para cerrar, en un espectáculo vivo y dinámico. Puede que ‘Live and Let Die’ no esté por ejemplo exactamente entre sus 4 mejores canciones, pero siempre da juego en directo. Lo único malo de 2005 es que le llamaron porque se consideró «una apuesta segura» en contraste con el año anterior, el año de la teta de Janet Jackson y Justin Timberlake.
10.-James Brown, The Blues Brothers, ZZ Top (1997)
En 1997 y tras lo vivido el año anterior, la organización de la Super Bowl intentó ponerse las pilas sumando sobre el mismo escenario a The Blues Brothers, James Brown y ZZ Top. No se superó lo visto en 1996 (ver más abajo), pero a pesar del playback, bastante penoso en bastantes momentos, que en 12 minutos suenen cosas como ‘Everybody Needs Somebody to Love’, ‘I Got You (I Feel Good)’ o ‘Tush’ también es historia. Atención al momento “cars & girls” de ZZ Top y al totum revolutum final. Un meme continuo.
9.-U2 (2002)
Cuatro meses y medio después de que cayeran las Torres Gemelas, U2 tocaron en el intermedio de la Super Bowl. Sí, son irlandeses, ¿pero quién mejor que ellos para mandar un mensaje de paz y de fe a América? La banda de Bono acertó totalmente al pasar de interpretar un popurrí para centrarse en sólo tres canciones, más que nada dos por su duración (‘MLK’ es una rareza de la banda de dos minutos dedicada a Martin Luther King). Hay momentos bastante chanantes en los que sí, parece que es Joaquín Reyes quien corre por el escenario, mira a cámara o se abre la chaqueta y aparece la bandera estadounidense, pero ‘Beautiful Day’ suena esperanzadora y ‘Where the Streets Have No Name’, mientras pueden leerse los nombres de los caídos, pocas veces ha sonado más emocionante. Lo cual es mucho decir de la canción que abría ‘The Joshua Tree’ y tantas veces sus conciertos.
8.-Beyoncé (2013)
Las dos únicas pegas que se pueden poner al show de Beyoncé son las forzadas caras de la cantante, que inspiraron un sinfín de memes desluciendo la magnífica actuación y el abuso del formato popurrí cuando sus canciones no es que duren 2 minutos. ¿A alguien le da tiempo a disfrutar de ‘’Bootylicious’? ¿Era tan necesario interpretar ‘End of Time’? ¿No se quiere meter tantísima cosa que en los enlaces entre canción y canción hasta te aburres? Por lo demás, un avance de la artistaza que ya dejaba entrever ‘4’ y se confirmaría en ‘Beyoncé’ y ‘Lemonade’, con una dirección artística de órdago en fotografía, iluminación y coreografía (grande ’Baby Boy’). Un gran espectáculo que solo puede desembocar en ‘Halo’.
7.-Madonna (2012)
Madonna devolvió el interés internacional a la Super Bowl, volviendo a convertir su descanso en el acontecimiento internacional que no había sido con Tom Petty, The Who o Black Eyed Peas, pese a los buenos momentos que tuvieron todos ellos, los últimos más acertados haciendo de Daft Punk que juntando a Fergie con Slash. La de Madonna hasta entonces fue la actuación más vista de la historia. Estuvo un poco lastrada por LMFAO y sobre todo por un playback pésimamente disimulado, pero la salida con ‘Vogue’ en plan Cleopatra, la divertida coreografía de ‘Give Me All Your Luvin’ -peineta de M.I.A. incluida- y la despedida con una emocionante ‘Like a Prayer’ y Cee Lo Green recordaron de qué manera puede comerse un escenario esta mujer y lo elegante que es cuando se pone.
6.-Lady Gaga
Lady Gaga está entre los pocos artistas que ha logrado hacer de la Super Bowl realmente uno de los grandes hitos de su carrera. ‘Joanne’ era un disco que no estaba funcionando nada bien, y que no había sido especialmente bien acogido, hasta que se presentó allí para interpretar a piano ‘Million Reasons’. Pero lo que es más, Gaga supo prescindir de toda colaboración para reivindicar en su lugar su extensa colección de macrohits, no demasiado apiñados en formato popurrí, dejando a casi todos respirar, y reconciliándonos con la Gaga que nos enamoró: la de ‘Just Dance’, ‘Poker Face’, ‘Telephone’ y ‘Bad Romance’ como final obvio y necesario. Como complemento, el divertidísimo salto al vacío del principio, grabado unos días antes; y el guiño político que suponía referenciar a Woody Guthrie en esa pequeña intro.
5.-Shakira y Jennifer Lopez
Shakira no ha podido hacer una Super Bowl más de la escuela de Beyoncé: abuso de popurrí en récord de canciones por minutos -propias y ajenas-, bailarinas femeninas, ritmos tribales, caprichos en el repertorio… pero se beneficia de la compañía para superarla en dinamismo en un show que crece con los visionados. Tanto Shakira como Jennifer Lopez han logrado marcar su espacio y al tiempo beneficiarse de actuar cada una tan sólo 7 minutos en lugar de 13, dando todo de sí mismas de manera incansable, con momentos bastante locos, como el de la “pole dance” o el de la batería. No hay lugar para el aburrimiento ni en la primera parte de Shakira, ligeramente más latina, salsa incluida; ni en la parte de Jennifer Lopez, espectacular gracias al uso de varias alturas. Bad Bunny y J Balvin saben sumar sin invadir (sobre todo el primero), dejando claro el gran tanto que se apunta la Super Bowl en 2020: la reivindicación de lo latino, 100% de actualidad, incluso con un punto reivindicativo. Y además, está el tema de la sororidad: esperemos que se hayan acabado para siempre las guerras de divas. Más de una mujer poderosa cabe en nuestros corazones.
4.-Katy Perry (2015)
Katy Perry encontró en sus 12 minutos un maravilloso equilibrio entre su lado infantil y su lado adulto, recordando por qué ‘Teenage Dream’ y ‘Prism’ han sido discos tan millonarios: son aptos para todos los públicos. La salida con ‘Roar’ es todo un show (¿de verdad es playback? ¿seguros? Pues qué bien hecho…), ‘Dark Horse’ no puede ser más moderneta desde el punto de vista escénico, el añadido de Lenny Kravitz en ‘I Kissed a Girl’ fue un aciertazo, el de Missy Elliott para qué decir y luego está lo del meme del tiburón en ‘Teenage Dream’. Parecía “creepy”, probablemente lo fue, pero debería haber salido en todos los anuarios. Al final Katy Perry voló con ‘Fireworks’, más y mejor que los Black Eyed Peas en 2011, y aun así recibió críticas encontradas. Una gran injusticia que sumar a su carrera.
3.-Bruce Springsteen & The E Street Band (2009)
Llamar a Bruce Springsteen para actuar en un intermedio de la Super Bowl es lo que se conoce como una “win-win situation”. Desde el primer segundo en que el Boss se dirige a la cámara para adentrarse en nuestras casas, sabes quién es el ídem. A partir de entonces ‘Tenth Avenue Freeze-Out’ vuelve a sonar como un pelotazo, ‘Born to Run’ no puede ser más épica, ‘Working on a Dream’ no puede poner más pelos de punta durante sus 3 minutos de duración con y sin coro góspel y el cierre con ‘Glory Days’ está a la altura. Alegría de vivir.
2.-Prince (2007)
Quiso llover el 4 de febrero de 2007 en Indianápolis, durante el partido de la Super Bowl y durante el intermedio, que Prince tenía que cerrar con ‘Purple Rain’. El artista ofreció una actuación magistral desde el punto de vista musical y desde el escénico, con una fotografía espectacular en varios momentos del tema final, cortina mediante. El arranque con ‘We Will Rock You’ es lo de menos. Los planos de Prince tocando la guitarra en ‘Best of You’ mientras las cámaras se cubren de lluvia, o su cara después de la primera frase de ‘All Along the Watchtower’ tienen un hueco evidente en la historia del pop.
1.-Diana Ross (1996)
Últimamente la actuación de Prince suele ser muy justamente reivindicada como la mejor de la historia, por razones evidentes, pero la de Diana Ross permanece muy injustamente infravalorada. El repertorio es de los mejor surtidos de hits que se han visto jamás. Arrasan desde que comienzan ’Stop in the Name of Love’, ‘Baby Love’ o ‘Chain Reaction’. ¿Y qué decir de ‘Ain’t No Mountain High Enough’, ‘I Will Survive’ o ‘Take Me Higher’? Dos años después hubo un homenaje a la Motown con Boyz II Men y The Temptations, pero no fue lo mismo. El de Diana fue un gran espectáculo girl group, soul y disco, cuyo arranque inspiró a Katy Perry unos años después y cuya despedida hacia los cielos no puede ser más gloriosa. ¿El mejor final de actuación de la historia? Take me higher!!!???! I will survive!!!???! ¡Brava Diana!
Christine And The Queens sorprende con una canción nueva publicada esta tarde bajo el nombre de ‘People, I’ve Been Sad’. Su sello no informa de si el tema avanza un disco nuevo, el sucesor de ‘Chris‘, por lo que no queda claro si estamos ante el primer sencillo de tal largo, un tema suelto o simplemente un tema con el que la artista está promocionando la plataforma COLORS, que apuesta por «artistas talentosos y excepcionales» en un mundo «saturado». Es en el canal de Youtube de esta plataforma, y no en el de Christine, donde asistimos realmente a este estreno.
En el caso de ser simplemente una especie de canción para un anuncio, no puede ser mejor, pues recupera el gusto melódico que en ‘Chris’ a veces estaba en segundo plano; y en su acercamiento al R&B con matices un poco más synth-pop interesantes, no puede representar mejor su sonido. En cuanto a la letra del tema, sí es algo más sencilla y clara de lo habitual, apelando a los momentos duros que pasamos, a los momentos en que estamos ausentes, y a aquellos en que sufrimos cuando hablan mal de nosotros.
Su sello recalca que ‘People, I´ve Been Sad’ «llega después de 18 meses de conciertos, colaboraciones y galardones internacionales». En cuanto a colaboraciones está claro que se refieren, entre otras, a ‘Gone’, su hit con Charli XCX del año pasado.
¡Sufjan Stevens anuncia nuevo disco! ¡Es un elepé colaborativo con su padrastro, Lowell Brams! ¡Sí, el de ‘Carrie & Lowell‘! ¡Y no será el sucesor oficial de aquel trabajo sino un álbum ambiental de 21 pistas compuesto mediante la improvisación durante varios años! Mmm… ¿qué guay?
Disuelto ya el «hype» que la primera exclamación de este post haya podido producir, efectivamente ‘APORIA’ no será el gran regreso de Sufjan Stevens a la música tras su nominación al Oscar por ‘Mystery of Love’, la maravillosa canción que aportaba a la película ‘Call Me By Your Name‘. ¿O sí? Al menos por lo que dan a entender sus primeros detalles, ‘APORIA’ será en realidad un nuevo capricho de Stevens en la estela de sus proyectos recientes con gente como Nico Muhly (el concierto de ‘Planetarium’) o Timo Andrés (el ballet de ‘The Decalogue’). Sale el 27 de marzo.
Como cualquier fan de Sufjan sabrá, Lowell Brams no es solo padrastro de Sufjan, sino también co-fundador junto al autor de ‘Michigan’ del sello a través del que publica todos sus discos, Asthmatic Kitty. El primer avance de ‘APORIA’ es un breve tema ambiental y new age, totalmente instrumental, llamado ‘The Unlimited’, que os dejamos bajo estas líneas. Stevens lo presenta en una playlist de Spotify formada por la música que ha «inspirado» el proyecto, en concreto por temas de gente como Julianna Barwick, Boards of Canada, Enya, Fennesz o Vangelis.
‘APORIA’:
01 Ousia
02 What It Takes
03 Disinheritance
04 Agathon
05 Determined Outcome
06 Misology
07 Afterworld Alliance
08 Palinodes
09 Backhanded Cloud
10 Glorious You
11 For Raymond Scott
12 Matronymic
13 The Red Desert
14 Conciliation
15 Ataraxia
16 The Unlimited
17 The Runaround
18 Climb That Mountain
19 Captain Praxis
20 Eudaimonia
21 The Lydian Ring
Una noticia mala y otra buena para los fans de Savages: la mala es que el grupo seguirá sin sacar disco al menos de momento, la buena es que el primer single en solitario de Jehnny Beth, el fantástico ‘I’m the Man’ que pasaba por nuestra sección «La Canción del Día», no era una cosa puntual y aislada.
Incluido en el álbum de canciones de la serie ‘Peaky Blinders’, ‘I’m the Man’ formará parte del primer disco en solitario de Beth, que llegará el próximo 8 de mayo tras las colaboraciones de la artista con Gorillaz o Julian Casablancas. ‘To Love is to Live’ contará además con las colaboraciones de Romy de The xx, Joe Talbot de IDLES y el actor de ‘Peaky Blinders’ Cillian Murphy. En Facebook, Beth ha comunicado que hoy es un día agridulce para ella, pues anuncia el álbum al tiempo que va a visitar a su padre enfermo a un centro hospitalario, donde se encuentra ingresado en la unidad de cuidados intensivos. Dice que por esta razón el título de este trabajo le conmueve más que nunca.
La nota de prensa explica que ‘To Love is to Live’ será el disco en el que Beth realmente «reclame el centro de atención». Y apunta: «Este álbum es una oscura reflexión sobre el extraño negocio de estar vivo. A lo largo del disco, la cantante explora los puntos más profundos de su conciencia creativa envuelta en un torbellino de sonidos. De hecho, al acceder a esas partes más escondidas y menos cómodas de sí misma, Jehnny Beth ha creado una obra que es asombrosamente catártica, ferozmente abrasiva y de una exposición brutal».
Y con el anuncio de ‘To Love is to Live’ (preciso título) llega a las plataformas una canción nueva de Beth que rebaja la energía de ‘I’m the Man’ para entregarse a una sensualidad carnal. De hecho, si no fuera por sus sonidos distorsionados a lo PJ Harvey o Yeah Yeah Yeahs, ‘Flower’ casi pasaría por una balada de ‘The Sensual World’ de Kate Bush.
‘Sanación‘, el miniálbum debut de María José Llergo es nuestro Disco de la Semana por mérito propio. La artista cordobesa lleva un par de años en boca de todos por su fuerte personalidad y el rotundo valor artístico de todo lo que hace, más allá de géneros y etiquetas. Su primer disco es un perfecto ejemplo de ello: en él conviven lo orgánico y lo primitivo con la electrónica contemporánea. Es también un trabajo oscuro, reflejo de un proceso de superación personal en el que, explica, ha sido fundamental la disciplina de la meditación, que vertebra el álbum. Sobre este y su crecimiento artístico charlamos con ella en el lobby de un hotel de Barcelona, ciudad en la que hasta hace unos meses había vivido varios años cursando estudios musicales becados. [Fotos: Paloma Wool, cedidas por Sony Music.]
Vestida con una sencilla camiseta blanca en la que se lee significativamente la palabra «Flamenco» –cubierta la mayor parte del tiempo por su larga melena negra–, María José es menuda, sonriente casi todo el tiempo. Se muestra muy agradecida por la atención hacia ella y su arte. Es abierta y directa, y habla con un hilo de voz calmado y modesto, que se vuelve rotundo cuando explica su punto de vista. Sobre todo al referirse al flamenco y las etiquetas. Habla con un discurso natural y sincero, pero profundo y meditado, con poso. Como ‘Sanación’.
Felicidades por el disco, se percibe mucha densidad y mucho trabajo en él.
Jo, ¡gracias! ¡Me alegro de que te guste!
¿Cómo te sientes ahora, después de que se haya publicado, después de tanto tiempo anticipándolo?
Me lo he tomado con calma. La verdad es que el disco estaba terminado desde octubre, y podría haberse publicado antes. Tenía mucho trabajo actuando en diciembre, y sentía que si lo sacaba entonces no iba a ser capaz de disfrutar de este momento. Necesitaba tiempo para asimilarlo todo, ser consciente de cada paso que daba. No sentirme atropellada por las circunstancias, estar tranquila. Y que mi familia también estuviese tranquila, pasar tiempo con ellos, que lo escucharan antes que nadie. Prepararles. Ahora, a ver cómo lo recibe el mundo. Espero que pueda sanarles también, igual que me está sanando a mí. ¡Y así ha salido! (Risas)
Pero si no recuerdo mal ya hablaste del EP como algo cierto a finales de 2018. ¿Por qué se ha demorado? ¿Has cambiado la dirección del disco, has trabajado más los temas…?
He cambiado la dirección de mi vida. (Risas) He tenido muchos cambios vitales en los tres últimos años, sobre todo en este último, y yo necesitaba que todo estuviera en orden para construir sobre un suelo firme. Quería hacerlo todo de una manera consciente, no a lo loco.
«¡Espero no estar sanándome toda la vida! A partir de ahora quiero realizarme»
Como decía antes, me parece que ‘Sanación’ es un disco breve en duración pero denso en contenido. Dividido en dos partes en lo musical, coincidiendo con cada cara del vinilo, un trabajo conceptual… ¿Siempre tuviste esa idea sobre cómo sería tu primer disco, o ha ido evolucionando?
Es un disco conceptual, muy influido por la meditación y tiene siete temas porque hay uno por cada chakra. Yo, componer, llevo componiendo toda mi vida, es como una forma de desahogarme. Tengo muchas canciones compuestas, que ya irán saliendo. Pero este trabajo es así porque es como yo me siento ahora. ¡Espero no estar sanándome toda la vida! (Risas) A partir de ahora quiero realizarme.
«(Mi evolución) ha ido en paralelo a los recursos que yo he tenido cuando he grabado esas canciones»
Según lo veo, el disco parte de un punto más orgánico, aunque también tiene sintetizadores, y va evolucionando hacia la electrónica. ¿Es debido a tu crecimiento como compositora y artista, dirías que ha ido en paralelo?
Sí, pero diría que ha ido en paralelo a los recursos que yo he tenido cuando he grabado esas canciones. Por ejemplo, yo no visualizaba ‘Niña de las dunas’ con solo guitarra y voz, sino con sintetizadores, arreglos… cosas que yo no tenía. Llevaba dos años escrita y, cuando pude grabarla, esos eran los recursos que tenía y así se grabó. Me cedieron el teatro de mi pueblo, Pozoblanco, y la grabamos allí. Luego mi amigo Raúl (Pérez, del Estudio La Mina de Sevilla) se enrolló y me la mezcló y masterizó. Y así pudo ver la luz. Pero no pasa nada, la propia canción salió adelante, ella eligió su momento, tiene su propio camino. También me gusta reflejar ese momento primitivo, que sea fiel al momento en que nació. Aunque puede que la reedite en algún momento. «Las obras no se acaban, se abandonan», ya lo sabes (Nde: es una cita de Paul Valèry).
El disco es un tanto oscuro. ¿Te refleja bien como artista, como tú eres, o te ha sorprendido incluso a ti misma?
Más que como artista, me reflejan como persona. Todos tenemos luces y sombras, y mis sombras pesaban mucho. Necesitaba quitármelas del medio porque no me dejaban avanzar. Necesitaba aprender de lo que había vivido para tirar p’alante. Mi forma de curarme ha sido hacer belleza de lo que me duele. Ya sea de un dolor externo, social, de un dolor personal, de desamor, de rabia… Ha sido un trabajo personal muy potente en este último tiempo.
¿Y cómo surge la posibilidad de trabajar con Carlos Rivera, Lost Twin?
Precisamente me lo presentó Raúl Pérez. Yo le conté mi imaginario, lo que yo tenía en mente y me dijo «conozco a un muchacho que te va a caer genial». Me fui a Sevilla un fin de semana, estuvimos juntos y ya sacamos dos temas de aquello.
«(En el disco) quería reflejar lo que yo siento cuando canto en el portal de mi casa»
¿Pero siempre tenías en mente emplear la electrónica dentro de tu visión del folclore?
Yo lo que quería era reflejar lo que yo siento cuando canto en el portal de mi casa, cómo los ecos rebotan por los azulejos de las paredes, cómo el sonido se une y se crea un todo que nunca termina de desaparecer. Eso era lo que necesitaba, y es un aura que me da la electrónica, no los instrumentos acústicos que me habían enseñado a utilizar en los conservatorios en los que he estudiado.
En la nota de prensa se habla de «flamenco bastardo»…
(Nde: Me ataja enseguida) Yo no me defino como nada. Entiendo que los demás necesiten las etiquetas para entender, pero creo que se quedan cortas. Cada uno intenta hacer su aproximación en torno a mí como buenamente puede… (Risas)
No es fácil, no…
A veces no lo comprendo, o no coincido. O me hace gracia y me da hasta ternura. ¡Yo qué sé! Me llamo María José Llergo y te lo estoy dando todo. Más clara no puedo ser. Te estoy entregando mi nombre completo, mis letras, mi voz, mi cara… Si me quieres conocer, puedes. Porque además soy superaccesible, concedo un montón de entrevistas…
«Todo lo canto con un toque andaluz. No es que yo lo elija, lo finja, lo fuerce o lo pueda remediar»
La pregunta era si de alguna manera te incomoda decir que tu música es flamenco, sin más.
No me incomoda nada. Tengo una base, he crecido en Andalucía escuchando flamenco y copla toda mi vida, mi abuelo me ha cantado fandangos, tangos, boleros… toda mi vida. Cuando me vine aquí a Barcelona a estudiar canto moderno y jazz, todo lo cantaba con un toque andaluz. No es que yo lo elija, lo finja, lo fuerce o lo pueda remediar. Está en mí innatamente y no se va a ir, está en mi raíz. Por muy lejos que vaya, siempre estará, por mucho que se estire el tallo, siempre volverá… (Risas)
Preguntaba lo del flamenco porque no faltará quien diga «esto no es flamenco».
Es un disco de autor. Yo no incluyo material tradicional en mis letras, ni en mis melodías. Yo puedo cantar por soleá en el primer tema (Nde: ‘¿De qué me sirve llorar?’), que el compás está hecho con el escarvillo de mi abuelo contra la tierra, pero es una melodía mía y la letra es mía. O cantar por seguiriya en el último tema (Nde: ‘Me miras pero no me ves’). ¿Es una seguirilla tradicional? No, es una canción por seguiriya. Es un punto de partida. En ningún momento mi disco se puede catalogar como flamenco tradicional. ¡Eso está para mí claro! Y para cualquiera que conozca el flamenco.
«Cuando escucho a Arca o FKA twigs, yo flipo, porque me encantan»
Precisamente en ese último tema veo conexiones con Arca…
Me encanta Arca…
… o FKA twigs…
¡Uh! ¡Gracias! (Risas)
… pero siempre con tu visión personal. No sé en qué medida te han inspirado, o te influyen al componer.
No me son ajenos. Pero cuando me pongo a componer me es ajeno todo. Me encierro, me meto donde me encuentre a mí misma y entro en una especie de trance. Es como un ritual en el que solo quiero encontrar la máxima verdad que tenga dentro, que necesite salir. Entregarme a la música y crear belleza, aunque sea del dolor. Lógicamente, cuando escucho a Arca o FKA twigs, yo flipo, porque me encantan. ¿Cómo no voy a apreciar su arte? ¡Madre mía! Sería un desperdicio… Pero de ahí a tomar cosas suyas… Si lo hago, es de forma inconsciente. Ten en cuenta que todos vivimos en este mismo momento y todos tenemos las mismas herramientas, los mismos sintes… Entonces es fácil converger en puntos. Y está guay. Usamos la misma tecnología, pero cada uno a su manera. Eso es lo fascinante.
«Tú en tu presente debes comprender el pasado para construir lo que mañana será el futuro»
Uno de mis temas favoritos del disco es ‘El péndulo‘. Su letra es un tanto abstracta, pero por un momento me da la impresión de que hablas de defender lo antiguo en un mundo en el que prima lo novedoso, la urgencia… Como si te situaras como una transmisora de la tradición.
Pues sí, pero no solo de la tradición musical, sino como elemento de identidad y casi histórico. Decía Machado «la historia es un puente inacabado». No se puede entender (el mundo) solamente teniendo en cuenta el pasado, sino que somos un puente entre el pasado y el futuro. Tú en tu presente debes comprender el pasado para construir lo que mañana será el futuro. Es un poco eso. A mí los cantes me llevan, no los llevo yo a ellos. El otro día me preguntaron que cómo iba a ser mi futuro. ¡No lo sé! (Risas) Incierto y marcado por el cante, por las letras, por el arte. No elijo las cosas que escribo, ¿eh? Hay veces que escribo cosas y digo «¿cómo he sido capaz?» «Me miras», por ejemplo. No es fácil de cantar, ni tampoco de escuchar, por su oscuridad. Hay que estar dispuesto a abrirse para hacerlo.
Y esa idea de comprender el pasado para conformar el futuro también surge en las letras. Has citado a Machado y algunos versos también tienen un punto lorquiano. Entiendo que también se aplica en tu poesía.
Claro. A veces es simplemente un retrato del momento en el que estás y cómo te sientes. Pero en ese retrato hay encriptada historia, ya sea tuya personal o del lugar y el momento en el que estás. Esa es la capacidad del arte, dejar la impronta de la generación que lo hace. Si leemos a estos poetas clásicos que me encantan y que hemos citado, yo a Machado y tú a Federico, vemos reflejada esa época. Cómo eran España, Europa, el Mundo… y qué cosas no deberíamos repetir.
«Yo he aprendido a cantar con mi abuelo, y quiero que se sepa lo importante que es para mí, ha sido determinante»
No lo estamos haciendo muy bien…
(Risas) ¡No! ¡Vamos en picado! Da un poco de miedo…
Llama la atención la «entrada» al disco, que es una entrada sonora a la casa de tus abuelos, tocas la puerta, hablas con tu abuelo… ¿Por qué este recurso?
Es una forma de situarme, el origen. No se puede conocerme a mí sin conocer a los míos. Así empezar a escuchar el disco es como abrir una puerta a lo más profundo de mí. Yo cuando voy a Pozoblanco lo primero que hago es ir a casa de mis abuelos. Da igual la hora a la que llegue, me están esperando. Igual ya están acostados, pero dejan la puerta entreabierta y la luz encendida. Llego les doy un beso, y ya me voy y les dejo dormir. Cuando estoy allí, ellos son con los que más tiempo paso. Y si puedo llevármelos al campo, ya es… todo. Yo he aprendido a cantar con mi abuelo, y quiero que se sepa lo importante que es para mí, ha sido determinante. No solo por sus consejos, sino como ejemplo de vida. Yo hago las cosas como las hago por su influencia. Siempre ha protegido mi libertad por encima de todo. O ha procurado que yo misma lo haga con su ejemplo, siendo honesto consigo mismo. Y él me ha hecho cantar desde este punto, y saber el valor de mi voz. No el precio: el valor.
«Ahora quiero otras cosas, quiero luz, encontrarme a gusto con las personas con las que comparto tiempo»
¿Sientes que, una vez está el disco en la calle, has sanado?
Sí, he sanado muchas cosas. Por lo menos ya estoy abierta para este tipo de vida, sin una mochila tan pesada como la que tenía antes. Ahora quiero otras cosas, quiero luz, encontrarme a gusto con las personas con las que comparto tiempo. Aunque sean personas a las que no conocía, como tú. Quiero disfrutar, aprender, realizarme… ¡Que ya por fin puedo!
En línea con eso, y como decía en la crítica, es curioso cómo pese a su oscuridad es rotundo. Te muestra con firmeza.
Necesito eso, necesito tierra firme. Y a partir de ahí, voy p’alante, buscando el sol. (Risas)
Eso me lleva a pensar en las distintas colaboraciones que hiciste el año pasado con nombres tan distintos como Ricardo Vicente, Juancho Marqués o $kyhook. ¿Qué condiciones se tienen que dar para que te abras a colaborar con un artista?
Es esencial que la persona me caiga bien, que se note que es buena persona, que quiera hacer música, compartir contigo, a pesar de que seamos diferentes. Yo he estado compartiendo música desde que vine a estudiar a Barcelona hace más de seis años (Nde: desde hace unos meses vive en Madrid), y eso me encanta, me enriquece, me hace feliz. Me hace tener esperanza en el ser humano, porque si podemos entendernos en la música, nos podemos entender en todo. Lo importante es que nos escuchemos, nos queramos, nos ayudemos…
Cuando tengo tiempo, siempre estoy abierta a escribir con otras personas, o simplemente a aprender de artistas que no conozco. Porque yo escucho música muy antigua, y a veces no conozco a la gente… de aquí, nueva. (Risas) Y poco a poco voy conociendo y me enriquece su forma de ver el mundo. La mayoría de la gente con la que he colaborado tenía más experiencia que yo y me han aportado mucho en cuanto a la precariedad de este mundo, las giras, la industria… Con Juancho aprendí, y aprendo, muchísimo. Es muy inteligente emocionalmente, y tiene una integridad que agradezco un montón. Lo de $kyhook fue increíble, cómo fluyó la energía. Yo acababa de escribir un poema sobre una tormenta, porque me encantan las tormentas, me parecen preciosas; a la mañana siguiente fui al estudio con él, toqué una rueda de acordes con un sinte precioso, él hizo el bajo y el beat, y me puse a cantar ese poema con una melodía inventada. Y la letra encima le iba perfecta, porque era un disco sobre el espacio, la luna, la Naturaleza… Fue precioso. Pablo es precioso. Cuando alguien te acoge así, te escucha, te acepta…
Te importa eso por encima del ámbito en que se mueva.
¡Sí! Y ya de repercusión, ni hablemos. Algún mánager me contacta diciendo «ya verás la repercusión que va a tener esto…» Y yo digo «bueno, espérate a ver si me cae bien». (Risas) Con Ricardo Vicente fue también precioso, él tiene muchísima experiencia, me contó mil anécdotas… ¡Y es profesor de filosofía! ¡Madre mía! Conversación asegurada. No hay forma mejor de enriquecerse que con los demás.
Solo te he visto una vez en directo, en un teatro muy pequeño, y en un formato íntimo de voz y guitarra. La semana que viene empiezas la nueva gira. ¿Se unirá ese formato con esta nueva vertiente electrónica?
Claro, unidas, siempre. La unión hace la fuerza. (Risas) El primer concierto es el 14 de febrero en L’Auditori de Barcelona, justo al lado de la ESMUC de Barcelona, donde estudié, así que me hace una ilusión tremenda. Habrá sorpresas. Hasta una big band, vamos a tener.
María José Llergo firma discos y ofrece un showcase acústico hoy 5 de febrero en Barcelona, a las 18h30 en la Fnac de L’illa Diagonal.
Låpsley, uno de los jóvenes talentos más prometedores de 2016 -aunque su mayor éxito, ‘Station’, con más de 30 millones de reproducciones en Spotify, data de un año antes-, ha anunciado al fin su regreso con un nuevo disco que verá la luz el próximo 20 de marzo a través de XL Recordings.
El sucesor del notable ‘Long Way Home‘ se titula ‘Through Rain’. Siguiendo con la temática acuática de título y portada, ‘My Love Was Like the Rain‘ forma parte del tracklist como pista número 2: se trata del tema con el que la británica reaparecía tras tres años y medio de silencio, avanzando el EP ‘These Elements‘. Otro tema de ese reciente trabajo, ‘Ligne 3’, también está incluido.
Pero lo que Låpsley nos muestra hoy de ‘Through Water’ es un tema completamente nuevo llamado ‘Womxn’, en el que usa una serie de sonidos ochenteros, con un punto tropical incluso, para expresar un mensaje de liberación. Canta: «hay una chica en tu interior diciendo que esta es una mala decisión, pero hay una mujer en ti que dice que es la verdad, me pregunto qué decirle a ella, me pregunto adónde quiero ir, dejo de juzgarla, le digo quien quiero ser».
Tracklist de ‘Through Water’:
01. Through Water
02. My Love Was Like the Rain
03. First
04. Ligne 3
05. Our Love is a Garden
06. Leeds Liverpool Canal
07. Sadness is a Shade of Blue
08. Womxn
09. Bonfire
10. Speaking of the End
Desde que publicara su primer disco importante en 2007, ‘Spiderman of the Rings‘, Dan Deacon se ha convertido en una de las figuras más personales de la electrónica internacional. Hace música experimental pero asequible, quizá por lo que tiene de colorida y cinética; es un animal escénico y siempre tiene algo que decir. ‘Mystic Familiar’ es su primer disco de estudio desde ‘Gliss Riffer‘ (2015), si bien en este tiempo ha estado entretenido colaborando en casi una decena de películas, produciendo y coescribiendo con el dúo Ed Schrader’s Music Beat; y actuando con la Orquesta Sinfónica de Baltimore.
‘Mystic Familiar’ mantiene el sonido con el que identificamos, esto es, sintetizadores con millones de texturas, ritmos frenéticos, miles de sensaciones entre la locura y lo onírico… añadiendo ahora un protagonismo inusual de su voz. El nuevo CD de Dan Deacon trae las letras de Dan Deacon, como subrayando lo que importa su mensaje, esta vez influido por sus «prácticas terapéuticas de autocompasión y atención plena» y meditación «para acceder al pozo interno de creatividad del que hablaba David Lynch en el libro ‘Catching the Big Fish'». Brian Eno sigue en su punto de mira, en concreto su baraja de cartas con dilemas, de cara a la composición.
Si bien la música se corresponde con las imágenes turbadoras del creador de ‘Twin Peaks’, las letras son un contrapunto totalmente luminoso, incitándonos a aprovechar el momento. Lo primero que hay que destacar es hasta qué punto proponen un reencuentro con la naturaleza, recibiendo nombres que transmiten tanta paz como ‘Become a Mountain’, ‘Sat By a Tree’ o ‘Fell Into the Ocean’. Lo segundo es hasta qué punto incitan a mirar al futuro pese «a que nos hacemos mayores», como sugiere nada más comenzar ‘Become a Mountain’. «Abre los ojos» y «respira profundamente» son un par de los mensajes de esta pista. «Despierta» y «es una vida corta» otro par de ‘Sat By a Tree’; «Siéntete libre, tienes que relajarte antes de transcender» el mensaje de ‘Fell Into the Ocean’; y «Todavía, estoy vivo, estoy gritando», parte del texto de ‘My Friend’.
Algunas de estas canciones se orquestan en partes, de hecho la parte central del disco se compone de las 4 suites de ‘Arp’, pero esto no es una novedad en la carrera de Dan Deacon, que por ejemplo ya terminara ‘America’ de esta manera a nivel estructural. La novedad es el enorme peso de su voz, sonando en sus momentos más preciosistas a Mercury Rev y en los más psicodélicos a Flaming Lips; y sobre todo lo bien que sienta este mensaje optimista y sencillo a sus producciones. Quizá si estas estuvieran menos llenas de claroscuros las canciones resultarían ñoñas, pero con este nivel de tensión y distensión, no puede ser el caso.
Pese a que es su voz la que propicia la accesibilidad del disco -ojo porque el CD2 en la versión digital incluye una sucesión de considerables «radio edits»-, no se puede pasar por alto la belleza contenida en la instrumental ‘Weeping Birch’. Tanto un número arriesgado por su lugar en la secuencia (el álbum no vuelve a producir emoción similar después) como un número tan «llorón» como el árbol al que se dedica, contiene la emoción y posibilidad de conexión con el gran público del Yann Tiersen más agitado. En momentos como ese es que ‘Mystic Familiar’ resulta un reencuentro feliz con un viejo amigo.
Calificación: 7,5/10 Temas destacados: ‘Weeping Birch’, ‘Become a Mountain’, ‘Sat By a Tree’ Te gustarán si te gustan: The Flaming Lips, Todd Terje, Matmos, los anteriores Escúchalo en: en Youtube
Después de publicar uno de los mejores discos de 2019, Sharon van Etten no para y publica hoy un nuevo single llamado ‘Beaten Down’, cuyo videoclip en blanco y negro ya está online. Se trata de una sombría balada sobre el «amor, la paciencia y la empatía» y sobre «tomar decisiones que cambian tu vida al tiempo que permaneces lo suficientemente fuerte como para llevarlas a cabo».
Efectivamente, ‘Remind Me Tomorrow‘ fue uno de los álbumes mejor valorados del año pasado, y ha sido importante para Sharon van Etten por diversas razones. El disco consolidaba a la artista como una grande del rock alternativo actual tras el enorme paso adelante dado por ella en ‘Are We There?‘, y además sumaba una serie de canciones incontestables a su carrera entre las que destacaba necesariamente ‘Seventeen’, también una de las mejores del pasado año (la 3ª para nuestro site).
Sobre ‘Remind Me Tomorrow’, que aparecía en los resúmenes del año de numerosas publicaciones especializadas incluido el nuestro, mi compañero Raúl Guillén escribía que es «un gran trabajo con grandes canciones, arrojando luz a perfiles antes insospechados de una artista más poliédrica de lo que jamás imaginamos». Y añadía: «Hemos perdido a una cantautora; no pasa nada, tenemos más. Pero hemos ganado a una artista más completa y audaz; y de esto no vamos tan sobrados».
Lido Pimienta sigue avanzando, ‘Miss Colombia’, el disco que publica el próximo 17 de abril y que es especialmente esperado al ser el primero desde que la cantante y compositora colombiano-canadiense ganara el Polaris en 2017 gracias a su segundo trabajo, ‘La Papessa’, anteponiéndose a grandes como Leonard Cohen o Feist. Pimienta ya había avanzado el disco con el primer single ‘No pude’.
El nuevo adelanto de ‘Miss Colombia’, hoy nuestra «Canción Del Día», es una apasionada canción de desamor en clave de cumbia, aunque como siempre sucede en el caso de Pimienta, su aproximación a este género es mucho más interesante, contemporánea y cercana a lo que ha podido hacer el productor Nicola Cruz en ‘Cumbia del olvido’ que a una puramente tradicional. La artista ha producido su nuevo largo junto a Prince Nifty y Matt Smith y esta ‘Eso que tú haces’ está co-producida por el primero.
¿Qué avanza ‘Eso que tú haces’ de este nuevo disco que es a su vez «rebelde y delicado, exploratorio y combativo» y que toma inspiración tanto de músicas afro-latinas como el palenque y la cumbia como de Cardi B? Avanza seguramente su lado más personal y romántico con una interpretación vocal magnética y una letra que va directa al grano: «mírame a la cara cuando me hables, y no me digas nada si no quieres, pero no me falles, me duele», canta Lido antes de sentenciar: «eso que tú haces no es amor». ‘Miss Colombia’ también abordará temas como el racismo o la desigualdad sufrida por las comunidades indígenas, pero ‘Eso que tú haces’ muestra, de momento, un bello ejercicio de reflexión y liberación personales.
‘Miss Colombia’:
1 Para Transcribir (SOL)
2 Eso Que Tu Haces
3 Nada (feat. Li Saumet)
4 Te Quería
5 No Pude
6 Coming Thru
7 Quiero Que Me Salves (preludio feat. Rafael Cassiani Cassiani)
8 Quiero Que Me Salves (ft. Sexteto Tabala)
9 Pelo Cucu
10 Resisto Y Ya
11 Para Transcribir (LUNA)
La de Depeche Mode ha sido una carrera irregular: después de dar varios tumbos en sus primeros años, triunfaron masivamente con su sexto disco, publicaron su obra maestra con el séptimo, y lo que vino después no ha alcanzado la aceptación popular de aquellas dos obras. Hoy cuesta creer que haga 30 años de ‘Violator’, pero así es. Cumplirá tres décadas de existencia en marzo, pero antes, exactamente hoy 5 de febrero, es ‘Enjoy the Silence’ el que celebra este aniversario, aunque parezca mentira pues escuchada hoy ha de ser una de las producciones del año 1990 -y de los 90 en general- que mejor han envejecido. El tiempo no ha hecho mella en su elegante producción electrónica ni en su emocionante melodía, que compuesta originalmente por Martin Gore con intención de aplicarla a una balada, en su forma definitiva se convertiría en el mayor éxito de toda la carrera de la banda sin realmente nadie esperarlo.
Fue gracias al input de Alan Wilder (componente de Depeche Mode hasta 1993) y Flood (productor del álbum), que en un momento de iluminación, consideraron que ‘Enjoy the Silence’ debía ser una canción uptempo en lugar de una fúnebre balada. Gore rechazó la idea en una primera instancia, como ha contado el jefe de Mute Records y «miembro invisible de Depeche Mode» Daniel Miller, al opinar que la canción era suya y por tanto debía quedarse tal y como él la había concebido. Al final cedió y la canción, en palabras del propio Dave Gahan, tampoco cambió muchísimo más: en base a un animado ritmo electrónico, a una melodía de guitarra eléctrica añadida por Gore por deseo expreso de Flood -melodía que se repite a lo largo de la canción- y a la actuación vocal de Gahan, nació ‘Enjoy the Silence’ tal y como hoy la conocemos. Sin duda, este es un ejemplo de cómo una decisión artística en principio anecdótica puede cambiar para siempre la carrera de un grupo.
Y vaya si la cambió: con la mismísima ‘Personal Jesus’ en la calle desde hacía meses, ‘Enjoy the Silence’ llegó un tiempo después para convertirse en la canción más exitosa de toda la carrera de Depeche Mode, y probablemente también en la mejor. Fue un éxito global que alcanzó el número 6 en Reino Unido y el número 8 en Estados Unidos además de muy buenas posiciones en toda Europa. Curiosamente, España fue uno de los dos países en que la canción llegó a ser número 1 (también en Los 40) junto a Dinamarca, y esta también logró grandes posiciones en mercados europeos como el alemán (2), el holandés (5) o el francés (9). Y si ‘Enjoy the Silence’ fue uno de los mayores éxitos comerciales de todo el año 1990 en Estados Unidos y Europa, también es uno de los más han perdurado en el tiempo al margen de sus cifras originales: con 190 millones de reproducciones en Spotify y 175 millones de visualizaciones en Youtube (nada mal para una canción tan vieja) es el mayor éxito del grupo en la era del streaming.
Uno de los motivos por los que ‘Enjoy the Silence’ ha permanecido en la conciencia popular en la manera en que lo ha hecho ha de ser su aparente simplicidad, evidente en la instrumentación y sobre todo en unos sencillos riffs de guitarra eléctrica que el grupo reproduce al final de la canción también desde un teclado. Así, ‘Enjoy the Silence’ va elevando el vuelo poco a poco hasta alcanzar una enorme majestuosidad capaz de erizar la piel a cualquiera, y la presencia de unos coros de corte eclesiástico en la composición puede explicar por qué la canción ha sido adaptada a lo largo de los años por artistas como Lacuna Coil o HIM. Aaunque no son desde luego los únicos que la han abordado con más o menos acierto: si Carla Bruni, Keane o Nada Surf la han interpretado íntegramente, el productor neerlandés Junkie XL buscó que su producción para Britney Spears de 2005 ‘And Then We Kiss‘ fuera un ‘Enjoy the Silence’ contemporáneo. No le salió nada mal la jugada.
¿Pero cómo no iba a perdurar una canción que habla tan poéticamente sobre buscar paz en un mundo lleno de ruido? ¿Una que no puede resultarnos ya más emblemática gracias a frases tan simples como «todo lo que he querido es que estuvieras en mis brazos» o «las palabras son innecesarias, solo hacen daño»? Hace poco hablábamos con Bombay Bicycle Club sobre la importancia de trabajar canciones lo justo y necesario y ‘Enjoy the Silence’ es un ejemplo de que la frescura y la espontaneidad pueden hacer maravillas históricas. Hoy, en pleno 2020, tampoco puede sonar más relevante su mensaje, pero lo que siempre ha estado claro es que pocas canciones que han abogado por «disfrutar del silencio» nos han hecho amar más la música.
Rosalía protagoniza esta semana la entrada más fuerte en la lista oficial de singles española con ‘Juro que‘, la canción que presentaba en la gala de los premios Grammys (los internacionales) junto a ‘Malamente’. ‘Juro que’ debuta en el número 7, por lo que mejora el dato de la experimental ‘A palé’, que lo hacía en el número 15, pero sin haber entusiasmado muchísimo al público al menos de momento: el vídeo de ‘Juro que’ sigue entre los más vistos de Youtube España, pero la canción ya ha desaparecido de todo el top 50 de canciones más escuchadas en Spotify España a una semana de su lanzamiento.
La siguiente entrada en la lista está firmada por C. Tangana y Natti Natasha. Su ‘Viene y va’ entra en el número 25, dos puestos por encima de lo que lograba ‘Yelo’, ya ausente de la lista. ‘Viene y va’ sí se mantiene en el top 50 español de Spotify, en concreto en el número 29, pero tras varios singles que han pasado bastante desapercibidos en lista, aquel top 3 alcanzado a finales de 2019 por ‘No te debí besar’ con Paloma Mami va quedando un poco lejos hoy en día. ¿Dará la sorpresa? Rosalía y C. Tangana aparecen con sus últimos vídeos en nuestra sección «Estética del videoclip».
Otra entra destacada en lista es la de ‘Olvídate de mí’ de Natalia Lacunza, que muy lejos del exitazo logrado ya en sus primeros días de estreno por ‘nana triste’, debuta en un discreto puesto 64 pese a haber sido presentada en directo en el escenario de Operación Triunfo. El resto de entradas las firman Kidd Keo con ‘Money Till I Die’ (38), Myke Towers con ‘Girl’ y ‘Relación rota’, top 47 y 79, respectivamente; y Jey Blessing, Rauw Alejandro y Los Fantastikos con ‘Suave’ (94).
Hinds acaban de anunciar un nuevo álbum, el tercero de su carrera tras ‘Leave Me Alone‘ y ‘I Don’t Run‘. Publicado de nuevo por el sello británico Lucky Number, el 3 de abril llega ‘The Prettiest Curse’, un disco en el que el cuarteto madrileño presenta una estética completamente nueva, a todos los niveles. Comenzando por un portadón firmado por la célebre artista Ouka Leele que, una vez más, congrega a Carlota, Ana, Ade y Amber, pero que esta vez las sitúa en un estudio repleto de objetos que, dicen, tienen una historia detrás.
De hecho, estrenan web interactiva en la que hay diez objetos singulares que pueden «consultarse» y que revelan el título de cada canción del álbum y una clave de cada una de ellas. Canciones que han sido producidas por Jennifer Decilveo, artista norteamericana que ha trabajado con Beth Ditto, The Strokes, Bat For Lashes, The Wombats, Anne-Marie –estuvo nominada a un Brit por ‘Speak Your Mind’– o Andra Day –nominada a un Grammy por su trabajo en ‘Rise Up’–. Lo cual se traduce en un giro de sonido hacia texturas más electrónicas y ambientales, como ya atestiguaba ‘Riding Solo‘ –adelantada meses atrás– y ahora refrenda ‘Good Bad Times’, otro nuevo tema estrenado hoy.
Se trata de un medio tiempo con las guitarras en un segundo plano, protagonizado por un riff de teclado de reminiscencias ochenteras (a lo Destroyer, por ejemplo) y un magnífico gancho a modo de estribillo. Además, aunque Ana y Carlota siguen alternándose en la voz principal, esta vez lo hacen introduciendo algunos versos en español. Un spanglish que imaginamos será mejor recibido por la parroquia hispana que por su numeroso público anglosajón. El tema se presenta con un clip dirigido por Jean Lafleur (Sen Senra) con las chicas ejerciendo de superheroínas de serie B, al más puro estilo ‘Kick-Ass’.
Hinds anuncian también hoy un extensísimo tour durante los meses de abril, mayo y junio, que no depara ni una sola fecha en España… hasta la llegada de la temporada festivalero. Ya figuran en el cartel de Mad Cool 2020. Os dejamos con el tracklist de ‘The Prettiest Curse’:
1. Good Bad Times
2. Just Like Kids (Miau)
3. Riding Solo
4. Boy
5. Come Back And Love Me
6. Burn
7. Take Me Back
8. The Play
9. Waiting For You
10. This Moment Forever
José Luis Cuerda, director de películas tan queridas como ‘El bosque animado’, ‘Amanece, que no es poco’ o ‘La lengua de las mariposas’, ha fallecido a los 72 años en Madrid a consecuencia de una embolia, según han confirmado fuentes familiares.
El cineasta, productor y guionista nacido en Albacete era uno de los más celebres y queridos de nuestro país gracias a sus imaginativas y a menudo surrealistas películas inspiradas en la vida cotidiana de la España rural, que daban la vuelta a temas como la religión. ‘Total’, de 1983, fue la primera de una tetralogía de películas surrealistas que se completarían con ‘Amanece, que no es poco’ (1989), ‘Así en el cielo como en la tierra’ (1995) y ‘Tiempo después‘ (2018). Recibida tibiamente en su momento, ‘Amanece, que no es poco’ es hoy una película de culto gracias a su re-descubrimiento por las nuevas generaciones.
Ganador de cinco Goyas -entre ellos el de Mejor película por ‘El bosque animado’, de 1988-, Cuerda dirigió otras películas celebradas como ‘Los girasoles ciegos’ (2008), que llegó a ser elegida para representar a España en los Oscar, o ‘La lengua de las mariposas’, una de varias adaptaciones cinematográficas que Cuerda realizó de diversos textos, en este caso el homónimo de Manuel Rivas, ambientado en la Guerra Civil. Antes de debutar en el cine con ‘Pares y nones’, el cineasta realizó cientos de reportajes y documentales e impartió Realización Cinematográfica en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca.
Lil Nas X sigue con la promoción de su mini-LP inexplicablemente nominado al Grammy a Álbum del año (el rapero se llevó dos en la pasada ceremonia por ‘Old Town Road’) y estrena el videoclip de su nuevo single, ‘Rodeo’. Como recordaréis, la versión original de esta canción que también mezcla trap y country contaba con la colaboración de Cardi B, pero el tema que se está promocionando es una remezcla con Nas que no incluye a la autora de ‘Press’. 
Santander Music, uno de los festivales de referencia del norte de España, inaugura su edición número 12 con una serie de interesantes confirmaciones entre las que destacan varios grandes nombres como La Casa Azul, que tras publicar ‘
Devendra Banhart, que acaba de ser confirmado en el festival Vida de Vilanova i la Geltrú, Barcelona, actúa la semana que viene en España, en concreto el día 11 de febrero en La Riviera de Madrid, el 12 de febrero en el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián y el 13 de febrero en la sala Razzmatazz de Barcelona. La promotora Sonde3 Producciones informa que las entradas para los conciertos de Devendra en Madrid y Barcelona están completamente agotados. Aún quedan «unas pocas» localidades para el show de San Sebastián, disponibles 
Pese a las 
«Mira al mundo a tu alrededor… Mejor no, no mires». Así, con esa no-tan-absurda contradicción marca de la casa, comienza una ‘The Raven’ que de algún modo podría estar relacionada con 
Flavia Kleiner, fundadora de la organización 
A mitad de la ya pasada década de los 10s 
2020, Año TAB: tras presentar días atrás ‘Ruptura’, primer avance –que no single: si mantienen su costumbre, un bofetón sonoro antecederá a una canción más melódica y pegadiza– de 
Tan pronto como el viernes de la semana que viene, 14 de febrero, estará a nuestra disposición el esperado álbum de regreso de Justin Bieber, ‘Changes’. Un disco en el que, más que al pop, se arrima al neo-R&B y el hip hop. Y no lo decimos solo por lo que ha revelado en singles como ‘
Acostumbrados ya a amanecer con el nombre de un venerable artista de avanzada edad como trending topic a modo de feliz falsa alarma, esta vez no se ha cumplido esa regla y era cierto: esta madrugada se ha conocido 
Para entender el cambio en cuanto a variedad musical que ha dado Operación Triunfo en sus últimas ediciones no hay que irse a aquellos episodios en que Amaia versionaba a Neutral Milk Hotel o a Arcade Fire en la Academia. Los nominados de la edición actual, que 
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Christine And The Queens sorprende con una canción nueva publicada esta tarde bajo el nombre de ‘People, I’ve Been Sad’. Su sello no informa de si el tema avanza un disco nuevo, el sucesor de ‘
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Una noticia mala y otra buena para los fans de Savages: la mala es que el grupo 
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Desde que publicara su primer disco importante en 2007, ‘
Después de publicar 
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La de Depeche Mode 
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