La noticia absurda del día involucra a dos miembros de One Direction, a Drake y a HBO. La cadena de televisión americana ha estrenado recientemente una nueva serie producida por Drake, ‘Euphoria’, basada en la serie israelí del mismo nombre que se emitió entre 2012 y 2013, y que está protagonizada por la cantante y actriz Zendaya. La serie está dando que hablar por su representación medio explícita del sexo entre adolescentes y su consumo de drogas.
En el tercer capítulo de ‘Euphoria’, que acaba de emitirse, vemos una escena animada de Louis Tomlinson y a Harry Styles de One Direction practicando sexo. Se trata de una escena imaginada por una de las personajes de la serie, que crea «fan-fiction». Así, el mito de la relación homosexual entre Tomlinson y Styles (apodada «Larry Stylinson») ha llegado a la televisión tras años alimentando el contenido de «fan fiction» de sitios como Tumblr, y que en su momento llevaba a Tomlinson a desmentir que hubiera algún tipo de relación entre Styles y él, declarando incluso que esta «conspiración» había perjudicado su relación con su compañero de banda.
En Twitter, Tomlinson ha negado que la escena haya contado al menos con su aprobación: «puedo decir categóricamente que ni he sido contactado para la escena ni la he aprobado». Styles, menos dado a usar las redes sociales, no ha emitido declaración al respecto por el momento, como tampoco Drake. Os dejamos con la escena en cuestión grabada por un fan, y que sí, es bastante sexual:
I can categorically say that I was not contacted nor did I approve it.
«Se les ha subido a la cabeza», «no le llegan a John Waters ni a la suela del zapato«, «la segunda temporada de «Paquita» no mola tanto como la primera»… ¿Es mi entorno tóxico o la popularidad de Los Javis parecía estar decayendo durante el último año?
Dejando de lado filias y fobias personales, lo que nos importa es que la tercera temporada de ‘Paquita Salas’ ha llegado este fin de semana a Netflix. Y nunca he entendido muy bien qué significa exactamente lo de «se les ha subido», pero lo que está claro es que Javier Calvo y Javier Ambrossi han sabido mantener la cabeza bien fría para ofrecer la que es la mejor temporada de su proyecto estrella. Lo es porque es la más emocionante, la más divertida y también la más contenida.
Conocimos ‘Paquita Salas’ como un proyecto de modesto presupuesto en el que el actor de ‘Física o química’, «FOQ» para los amigos, y el de ‘Sin tetas no hay paraíso’, pareja desde 2010, parodiaban el turbulento mundo de los representantes de artistas, y el turbulento mundo de los actores. La hipocresía y la falsedad campaban a sus anchas en los guiones, pero siempre haciendo buen uso de un sentido del humor muy almodovariano, sin dejar que la amargura de un mundillo plagado de paro, altibajos, depresión y algo de hambre empapara la serie. Lo que uno se preguntaba a su término era por qué la idea no se había desarrollado antes. La segunda temporada se profesionalizaba, pero la sucesión de cameos y metaguiños hacían que el guión perdiera un poco el norte por momentos.
Hasta ahora. Los Javis han corregido ese defecto en una tercera temporada mucho más centrada, en la que, sí, lógicamente unos cameos valen más que otros. Hay al menos 30, y no, no pinta tanto la anecdótica aparición de Famous trabajando en el COGAM como el hilarante papel que han dado a Juan Echanove. Quizá podamos apuntar que la cacareada participación de Terelu Campos esté algo desaprovechada después de todo. Pero en la mayoría de los casos las apariciones estelares tienen su razón de ser y, sobre todo, no enturbian el sentido de este guión, que nos conduce a la que fácilmente es la cumbre de toda la serie (¿cómo la superarán?).
La tercera temporada de ‘Paquita Salas’ es especialmente crítica contra el linchamiento de alguien que cíclicamente se produce en la era de las redes sociales. «Yo no los llamo haters, los llamo hijos de puta» es una de las frases estrella de Paquita en esta temporada en la que se tratan temas como las pocas posibilidades de los actores y actrices trans, el machismo imperante en la industria cinematográfica y televisiva, el dolor que genera la telebasura o la cultura de las «cancelaciones» hacia alguien que ha cometido un «error» de manera pública. Son geniales tanto la trama de Belinda Washington, reinventada a la postre como una suerte de Leticia Sabater, como la nueva aproximación al caso Anna Allen, aquella actriz que en el mundo real se inventó una carrera en Hollywood y desde entonces vivió una pesadilla. Esta última protagoniza ese cameo totalmente histórico con un monólogo «meta» mirando a cámara, mucho más enriquecedor para todos que cualquier «trending topic» que durara hora y quince minutos. «Voy a coger todo lo que me ha pasado y a convertirlo en algo que valga la pena» es algo que debería aparecer grabado a fuego en nuestras apps favoritas y navegadores.
Mientras Los Javis nos hacen pensar y reír con esa protagonista a una lata de cerveza o a un gin tonic pegada, los guiños a la cultura pop se suceden sin descanso. Y el concepto de cultura pop de los guionistas y directores es amplio y natural, entendible por una generación mayor de lo que son ellos, y también por una menor. Siempre han explicado en las entrevistas lo orgullosos que están de ser españoles, y para ellos la cultura pop de nuestro país incluye tanto una preciosa canción de La Bien Querida como el ‘Cadillac solitario’ de Loquillo; lo mismo a Ángeles Martín que la voz de Amaia interpretando una jota popular llamada ‘Tan pequeñica y sincera’; a Julio Medem y a Emilio Aragón; una cabecera con Isabel Pantoja o una broma sobre Ciudadanos que eventualmente Toni Cantó no sabemos si ha terminado de pillar.
Frente a ese deseo de algunos por hacer de menos al cine español y a la ficción televisiva española, Los Javis reivindican que Cayetana Guillén-Cuervo reclamando un Goya, Úrsula Corberó y Daniel Grao han formado parte de tu vida y te importan más de lo que te creías. La presencia de Dulceida o Josh Hutcherson muestran que ya no hay mainstream ni underground, tampoco fronteras, ni voluntad apolítica ni tampoco guiones para el adoctrinamiento. Cuando uno ve a Lidia San José caracterizada de chico, igual no sabe si reír o llorar, pero sí que su personaje tampoco ha hecho nada digno de ningún linchamiento. ‘Paquita Salas’ viene cargada de aristas en 6 capítulos que pasan en un suspiro. Citando a James Rhodes, por favor, menos de todo lo demás, y dame más de Paquita. 9.
Es posible –aunque es más posible que no, desgraciadamente– que te suene un proyecto llamado ELM (de Experimental Little Monkey`) que en 2016 publicaba en Discos Walden ‘Positivismo tropical’. Tras él estaba Lucas Bolaño, un músico que, desde Madrid, muestra una enorme afinidad con los proyectos del Baix Llobregat en torno al desaparecido colectivo Hi-Jauh USB? –La Estrella de David, Gúdar, Tirana–. Pero, en su caso, siempre pone por delante la voluntad de no pasar desapercibido a nadie poniendo por delante el espíritu pop y melódico sin renunciar a desafiar las convenciones.
Así sucede sobre todo en ‘Un sendero fluorescente‘, el primer disco que publica bajo un nuevo alias, Estrella Fugaz. Un disco que ha sido grabado gracias al apoyo del Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid publicado por el modesto sello Caballito Records, y en el que cuenta con colaboraciones estelares del indie nacional como las de Soleá Morente, David Rodríguez, Caliza u Olivia Tirana. Y, aunque contiene canciones tan atractivas como ‘Alegría‘, ‘Max y Ellen‘, ‘Fin de año‘ o ‘Wow!’, hoy escogemos destacar ‘El verano español’ porque viene muy a cuento.
No sólo porque, ola de calor mediante, estemos inmersos ya de lleno en esa época estival, sino también por lo que tiene de actualidad su referencia al célebre crimen de Alcàsser, que ha sido objeto de una serie documental emitida en Netflix. Y es que, a través de esos asesinatos –»De la tierra salía una mano, una de las tres chiquillas
parecía que estuviera escapando, pero no»–, como también de la masacre de Puertourraco –»Y se fueron a la plaza del pueblo, con escopetas y cartuchos
y cayeron nueve cuerpos, menos mal que no eran tuyos»–, retrata cómo muchos hemos crecido en veranos en los que el drama y la tragedia emitidos en prime-time –»Veranos de Ramón García, de Pepe Navarro, la telebasura nos está salpicando»– se mezclaban con playa, vacaciones, fiestas populares y jolgorio, en un contraste realmente creepy que en aquellos momentos nos parecía casi normal, perfectamente descrito en ese verso final con flauta travesera, coros de Soleá y remate bossanovesco: «Banderas y banderillas, matanzas y homicidios / parrilladas y parricidios, idilios de verano».
Tras publicar este primer disco como Estrella Fugaz, hace tan sólo unos días que Lucas Bolaño lanzaba a través de Discos Garibaldi un 7″ con dos nuevas canciones igualmente fascinantes, entre Hibernales y los Animal Collective más pop: ‘Adios’ y ‘Tu cumpleaños’.
Llegamos al debut de Hatchie advertidos de las cualidades de su artífice, la joven australiana Harriette Pilbeam, por su EP del año pasado ‘Sugar & Spice‘. Fue allí donde supimos de su gusto tanto por My Bloody Valentine como por Carly Rae Jepsen, ofreciendo un tipo de dream pop que bebía del sonido de gente como Cocteau Twins o Slowdive, pero con un gusto por las melodías pop y las letras de amor y desamor más cercano al pop adolescente. Los mismos ingredientes los encontramos en su primer disco largo, ‘Keepsake’, que se abre con una melodía que podría haber escrito Taylor Swift, ‘Not That Kind’, pero siempre con un fondo más alternativo, con punteos que podría estar tocando Johnny Marr y podría haber producido Stephen Street.
Mientras The Cure y New Order son las referencias evidentes en la guitarra de ‘Obsessed’, los textos remiten más bien a grupos como Sixpence None The Richer, pues la palabra «kiss» aparece en este disco casi tanto como en la carrera de los americanos. «Si pudiera besarte una vez más, ¿se solucionaría todo o eso me convertiría en una mentirosa?» es el estribillo de la estupenda ‘Without a Blush’, mientras otra de las canciones recibe precisamente el nombre de ‘Kiss the Stars’. ¿De qué nos habla esta? De románticos «paseos en bici a casa», hechos por «el camino más largo», y de «promesas» de que no cambiaremos durante los «próximos 10 años», evitando caer en los mismos «errores» que han ido mermando una relación.
‘Keepsake’ no es, por tanto, un álbum mucho más ambicioso de lo que ya lo fue el EP de Hatchie, pues por ejemplo antes del cierre con la efectiva ‘Keep’, ‘When I Get Out’ suena a algo que ella misma ya nos ha contado antes. Y de hecho, cuando se pone experimental o rara no salen a la artista sus mejores canciones: el single ‘Stay With Me’ es un refrito entre el sonido Underworld en ‘Born Slippy’ y la melodía de ‘Stay’ de U2 algo incómodo de escuchar. Sin embargo, el gran estribillo de la machacona ‘Secret’ acribilla tanto como ese emerger de la batería hacia su mitad; el final de ‘Unwanted Guest’ es todo un subidón; y las canciones en general están bien construidas, con una interesante y natural balanza entre comercialidad y el sonido indie británico de finales de los 80 y principios de los 90.
Calificación: 7/10 Te gustará si te gustan: Chvrches, The Sundays, Carly Rae Jepsen Lo mejor: ‘Without a Blush’, ‘Obsessed’ Escúchalo: Spotify
Interpol han dado un movimiento inesperado en su carrera al anunciar un tour conjunto con Morrissey que desarrrollarán por Estados Unidos el próximo otoño. La decisión les ha valido no pocas críticas en la red social por antonomasia para criticar, Twitter, a cuenta de la simpatía por un partido de extrema derecha británico de su futuro compañero de gira. Por eso en una entrevista ofrecida a la publicación Hot Press, Paul Banks fue cuestionado por la decisión de aceptarlo. «Pensamos que sería un buen espectáculo para nuestra banda», decía inicialmente la transcripción de la entrevista. «Así es como lo veo», proseguía, «no me meto demasiado en otras historias».
Pero Banks ha acudido a Twitter para aclarar que la transcripción era incorrecta (ya ha sido editado en el articulo de Hot Press), y que lo que dijo fue que «sería un buen espectáculo para nuestros fans» –parece lógico pensar que la dicción de «band» y «fans» en inglés puede ser confusa–. Además, el cantante del grupo neoyorquino ampliaba su respuesta sobre el asunto: “No siempre sostengo las mismas creencias que los artistas con los que trabajo, y no considero que eso sea un requisito. Aborrezco el racismo, la homofobia y cualquier forma de prejuicio basado en la nacionalidad, raza, etnia, religión, género, identificación de género o estatus socioeconómico de una persona», sentencia, por si había dudas.
Interpol actuaban este pasado fin de semana en el festival de Glastonbury, presentando las canciones de su álbum del año pasado, ‘Marauder‘, y también las del recién publicado EP ‘A Fine Mess’ –una nueva versión del ‘Fine Mess’ más 5 inéditos de las mismas sesiones de su último disco–. Por su parte Morrissey trata de promocionar su nuevo disco de versiones, ‘California Son‘, mientras parte del público y crítica le cuestiona, como decíamos, por su apoyo manifiesto al partido abiertamente xenófobo For Britain. Él asegura que medios como The Guardian han lanzado contra él una «Campaña de Odio».
Belle & Sebastian publicarán este año un nuevo disco, que no será el sucesor de ‘How to Solve Our Human Problems‘, el álbum que lanzaron el año pasado en varias partes, sino una banda sonora. En concreto, Stuart Murdoch y compañía han compuesto la música para ‘Days of the Bagnold Summer’, la nueva película de Simon Bird (‘Inbetweeners’) sobre la complicada relación de un adolescente metalero y su madre bibliotecaria, que a su vez está basada en la novela gráfica homónima de 2012 escrita por Joff Winterhart.
La BSO de Belle & Sebastian verá la luz el 13 de septiembre conteniendo 11 canciones nuevas y dos viejas re-grabadas para la ocasión, ‘Get Me Away From Here I’m Dying’, de 1996; y ‘I Know Where The Summer Goes’ de 1998. Eso sí, el primer avance el disco es un tema totalmente nuevo llamado ‘Sister Buddha’ y cuyo videoclip en blanco y negro ya puede verse.
Sobre el disco, Stuart Murdoch ha dicho que en cuanto leyó el libro de Winterhart se disparó su inspiración de cara a la composición de la música para la película, incluso cuando Simon Bird todavía no había rodado una sola ecena de ella. Y ha apuntado: «quieres ponerte a ello temprano, porque así puedes empezar a tener conversaciones nocturnas con el director sobre ‘El graduado’ o lo que sea. Todos tenemos fantasías con esas grandes películas de los 60 y 70. Si vas a participar en un proyecto como este, tienes que hacerlo bien». El 4 de noviembre, Belle & Sebastian actúan en el Auditorio Baluarte de Pamplona.
Sleater-Kinney acaban de anunciar su nuevo disco producido por St. Vincent, un ‘The Center Won’t Hold’ que verá la luz el 16 de agosto y que se ha presentado con el trallazo ‘Hurry on Home’, una de las mejores canciones del momento, y más recientemente con el single ‘The Future is Here’.
Sin embargo, el regreso de Sleater-Kinney sufre ahora un importante varapalo, pues una de sus integrantes ha decidido abandonar la formación. En un comunicado publicado en sus redes, Janet Weiss, la batería más longeva de Sleater-Kinney, ha anunciado su marcha de la banda aparentemente por motivos artísticos. «La banda se dirige hacia una nueva dirección y ha llegado mi momento de irme», ha escrito, añadiendo: «nunca olvidaré las cimas que Corin, Carrie y yo alcanzamos juntas ni los momentos magníficos que pasamos: fuimos una fuerza de la naturaleza». La artista concluye su carta agradeciendo a los fans su apoyo durante 24 años.
Sleater-Kinney han expresado su pesar por la marcha de Weiss en Instagram, escribiendo que ha sido un «privilegio» trabajar con ella en casi todos sus discos. Weiss ha sido batería de Sleater-Kinney desde el lanzamiento de ‘Dig Me Out’, su tercer disco, en 1997, hasta el último que está a punto de salir. De momento los fans están lamentando la noticia y anunciado que devolverán las entradas para sus próximos conciertos, mientras se desconoce si habrá nuevo tercer miembro o si Sleater-Kinney seguirá su carrera ahora como dúo.
Este fin de semana se ha celebrado en Worthy Farm una nueva edición del festival Glastonbury. Desde la emoción desatada de IDLES hasta el momento de gloria de Lil Nas X en el concierto de Miley Cyrus, pasando por el histórico set de Stormzy, estos han sido 10 de los shows destacados:
The Killers e invitados
12 años después de su «desastroso» concierto en Glastonbury , tras el cual Brandon Flowers declaró que el grupo no volvería a actuar en el festival, The Killers han vuelto a Worthy Farm de nuevo como cabezas de cartel. Por los vídeos, parece que Flowers estuvo más en su salsa que entonces, aunque la noticia es que por su set se pasaron nada menos que Pet Shop Boys y Johnny Marr.
Stormzy, ya un grande
El autor de ‘Gang Signs & Prayer’ dio uno de los conciertos más masivos y celebrados de Glastonbury. The Guardian ha llamado su concierto «histórico» y varias personalidades de la música y de la política británicas, como Adele o Jeremy Corbyn, han felicitado al artista por su éxito. Stormzy es el primer artista de grime que encabeza el festival, por lo que su concierto es un hito. Chris Martin o Dave, entre otros, se pasaron por su escenario.
NME puntúa con 5 estrellas el concierto de Rosalía en Glastonbury, destacando su set por encima del de The Cure o The Killers y describiéndola como «futura cabeza de cartel» del festival. La autora de ‘El mal querer’ dio el concierto que nos emocionó en Primavera Sound, y alternando inglés y español, dedicó ‘Aute Cuture’ al amor libre en el día del Orgullo: «hay muchas formas de amar y ninguna es mejor que otra».
La energía de Janet Jackson
Las reseñas de Glastonbury destacan el concierto lleno de coreografías y energía de Janet Jackson, no tanto un setlist compuesto por bastantes canciones conocidas y otras no tanto pero en el que, sobre todo, destacó la inexplicable ausencia de ‘Together Again’, su éxito de 1997. En su lugar cantó por ejemplo la fan favorite ‘Rock with U’, y aunque no tocó un solo tema de su último disco, al menos sí se acordó de su single más reciente hasta la fecha, ‘Made for Now’.
Kylie, por fin en Glasto
Kylie finalmente ha actuado en Glastonbury, 13 años después de cancelar la que iba a ser su primera aparición en el festival, debido al cáncer de mama que le fue diagnosticado. La australiana recordó emocionada esta circunstancia durante un punto del show. Además, tampoco actuó sola y por su set pasaron Nick Cave, con quien cantó su dueto ‘Where the Wild Roses Grow’, y Chris Martin, que se le sumó en ‘Can’t Get You Out of My Head’.
El clan Cyrus y ‘Old Town Road’
Lil Nas X no era uno de los artistas confirmados en Glastonbury, pero Miley Cyrus no dejó pasar la oportunidad de invitarle al escenario para cantar ‘Old Town Road’, la canción número 1 en el mundo, que es un éxito en parte gracias al remix con su padre Billy Ray. El Cyrus original también apareció en el escenario para entonar ‘Old Town Road’ y al final fue Lil Nas X quien defendió solo su nuevo single ‘Panini’ ante el público masivo de la intérprete de ‘Party in the U.S.A.’.
La emoción desatada de IDLES
IDLES han debutado en Glastonbury, un hito en su carrera como el propio grupo ha declarado en Instagram. «Hemos esperado toda nuestra carrera para tocar aquí». Hacia el final del concierto, el éxito del grupo ‘Danny Nedelko’ desataba el furor absoluto del público, pogo incluido, haciendo que el cantante Joe Talbot no pudiera contenerse las lágrimas. Un vídeo emocionante.
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El éxito de Billie Eilish
A nadie se le escapa que Billie Eilish es una de las artistas pop más famosas del momento, pero nunca viene mal verla actuar frente a miles y miles de personas a sus 17 años para recordarlo. Tal es la popularidad de Billie que, el pasado mes de abril, la organización de Glastonbury decidió trasladarla a un escenario más grande. Un pequeño error de cálculo.
Vampire Weekend, en la cima
La actuación de Vampire Weekend en Glasto era muy esperada, pues el grupo acaba de publicar su primer disco en 5 años. En la sección de comentarios de Youtube, la gente está opinando cosas como que «Vampire Weekend es la mejor banda de la década» o «A-Punk > Mr. Brightside», mientras otro destaca las improvisaciones de la banda a la guitarra durante su versión de ‘New Dorp. New York de SBTRKT.
Liam Gallagher
Esta superestrella del rock británico no invitó a colegas como The Killers o Kylie sino que, como Janet, actuó completamente solo, haciendo uso de un repertorio que, como se sabe, alterna temas propios de su trabajo en solitario con éxitos de Oasis. Según The Guardian la gente se acordaba sobre todo de canciones como ‘Don’t Look Back in Anger’.
Jack White ha sido noticia en los últimos días por dos razones. En primer lugar, ha publicado un nuevo disco con su banda The Raconteurs, el primero en 11 años. Y en segundo, ha declarado en una entrevista que nunca ha tenido teléfono móvil. White no está nada contento con el modo en que la prensa musical ha reflejado estas dos noticias, en algún caso erróneamente, y ha arremetido contra varios medios en un post de Instagram (que debe haber publicado con… ¿un teléfono móvil?)
El detonante de la carta de White ha sido una noticia de SPIN, la cual ha malinterpretado unas declaraciones de White en un medio irlandés. El músico ha asegurado en The Irish Times que el motivo de la demora del álbum de The Raconteurs ha sido su reciente adicción a la heroína, pero las declaraciones de White han sido en tono de broma, y el músico ha querido aclarar sus palabras en la carta para evitar confusiones: «En mi vida he tomado heroína ni ninguna otra droga ilegal y cualquier persona próxima a mí puede confirmar esto. Si hubieras leído el artículo entero, habrías visto que estaba bromeando. Pero supongo que los hechos no van a impedir a SPIN sacar un buen clickbait». SPIN ha corregido desde entonces su noticia.
Es entonces cuando White aprovecha la coyuntura para dirigirse a otros medios por su cobertura de la noticia sobre su rechazo a los teléfonos móviles: «Queridos Pitchfork, Stereogum, Noisey y el resto de medios del «periodismo» ejem «musical» basura: aunque entiendo que trabajáis en el negocio del clickbait, y que estáis cabreados porque Third Man Records no os ha enviado una copia gratis del nuevo disco de The Raconteurs por lo desagradables que sois normalmente, aquí van un par de apuntes: yo no odio a la gente que posee teléfonos móviles, ni evito que haya alguno cerca mío, ni odio TODA la tecnología». White añade que este no puede ser el caso pues «escucho música digital, poseo un coche eléctrico y estoy escribiendo esta aburrida respuesta desde mi ordenador».
En el final de su carta, White defiende que en sus tiempos, «allá por los años 1800» los artistas «no eran castigados por decidir tomar la vía menos transitada o por contestar preguntas con respuestas impopulares». «Incluso se esperaba que nos rebeláramos contra lo establecido, si te lo puedes llegar a creer», añade. El músico concluye que su objetivo es inspirar a la gente a que viva una vida sana y que las personas se inspiren las unas a las otras.
Es más que posible que hayas visto su trabajo en portadas de discos de grupos underground como Calavera o Caniche Macho. O en carteles de conciertos de Boogarins, Mishima, Nueva Vulcano, My Expansive Awareness o Baywaves. O en publicaciones como Harper ́s Bazaar, El País, Traveller Conde Nast y LeCool. Y que, sin embargo, no te suene su nombre, Mercedes Bellido. [Fotografía: Mercedes Bellido.]
Esta joven de Zaragoza, licenciada en Bellas Artes, es una de las pintoras e ilustradoras españolas más personales y reconocibles de la actualidad, y acaba de publicar su primer libro. Lunwerg Editores lanzaba hace pocas semanas ‘El libro oculto de los animales’ (disponible aquí), un bestiario en el que, a través de su preciosa obra gráfica, ahonda en la carga simbólica de las 30 especies que retrata en sus cinco capítulos. Así que, dada su cercana relación con el mundo de la música, ha aceptado someterse a nuestro Tipo Test, para desvelarnos los fetiches musicales de su vida, presentes y pasados, que hemos reunido en una playlist.
¿Tienes canción favorita de todos los tiempos? En caso negativo, ¿una canción que te haya obsesionado últimamente?
Tengo muchas canciones favoritas, es como tener que elegir un plato de comida no puedo. Pero últimamente he escuchado mucho ‘Honey’ de 070 Shake, ‘Aquellos Ojos’ de Mujeres, y ‘Younger Us’ de Japandroids. Bueno… y ‘Malito’ de Sticky M.A me pone de buen humor.
¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
‘Fast Car’ de Tracey Chapman, a mi madre le encantaba y por la noche en la hora de la cena ponía en la radio un programa que se llamaba La Gramola y esta la ponían bastante, tengo ese recuerdo de ella haciendo la cena mientras sonaban temazos de los 80. En mi casa siempre ha sonado música todo el rato, así que tengo muchos recuerdos musicales.
¿Qué canción desearías haber escrito?
‘En Algún Lugar’ de Duncan Dhu, es deprimente pero me voló la cabeza de niña.
¿Qué canción odias con toda tu alma?
‘Rainy Day Women’ de Bob Dylan. No sé por qué, pero siempre paso esa canción en cuanto suena el primer segundo. No la odio pero no me gusta nada.
¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál fue el último y en qué formato?
Sí, aunque el último me lo regalaron porque hice la portada, ‘Venganza’ de Caniche Macho. El último que compré fue un vinilo de oferta de éxitos de Johnny Cash y un CD de Willie Nelson. Estaba muy country estas navidades. (risas)
¿Cuál es tu plataforma favorita para escuchar música ahora mismo? Por ejemplo, al margen de los Spotify/Apple Music, ¿escuchas discos enteros en Youtube?
Spotify y Youtube, pero para sesiones de electrónica suelo ponerme el Soundcloud.
¿Qué opinas del supuesto revival del vinilo o peor aún, del cassette? ¿Es puro postureo o te interesa especialmente?
A mí la verdad es que me mola. No voy a decir que porque se escuche mejor, porque no lo creo, pero sí que me gusta tener los discos que me han gustado o los que tienen portadas guays, no te voy a engañar. En casa tenemos bastantes vinilos y CD´s, casetes no tantos.
Actuación vocal que adores.
‘Devil Got My Woman’ de Skip James.
¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
No me avergüenzo de la música que escucho, sea la que sea.
¿Mejor secuencia de canciones en un disco que hayas oído?
No se si la mejor pero el nuevo disco de Apparat, ‘LP5‘, está muy bien construido. Pero es uno de tantísimos que me encantan de principio a fin, como ‘Pink Moon’ de Nick Drake, ‘22, A Million‘ de Bon Iver, ‘Forever Changes’ de Love… y un largo etcétera.
¿Algún disco que te encante pero cuya secuencia te parezca un desastre y lo escuches siempre en modo «shuffle»?
Pues, la verdad, ahora no me viene ninguno a la mente.
¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Creo que es algo más complejo como para tener unos parámetros concretos, además de que interfiere no sólo la personalidad y los gustos sino el momento, lugar y circunstancias en el que la escuchas.
Un remix que te haya vuelto loca.
El remix de Bonobo para ‘Full Circle’ de George Fitzgerald. Me gusta todo lo que haga George Fitzgerald.
Un disco que haya marcado tu vida.
Supongo que ‘Origin of Symmetry’ o ‘Absolution’ de Muse, marcó toda mi adolescencia. Hay muchos más pero, si tengo que elegir, Muse.
Lil Nas X ha salido del armario. En el último día de junio, mes del Orgullo, ha escrito en Twitter: «Algunos de vosotros ya lo sabéis, a otros os dará igual, a otros os dejaré de molar, pero antes de que acabe este mes quiero que escuchéis ‘c7osure’ atentamente». A continuación, el rapero ha apuntado a la portada de su EP de debut, ‘7’, en el que un arcoiris aparece proyectado en un rascacielos, escribiendo: «de verdad pensaba que lo había hecho obvio». La canción a la que alude el rapero habla sobre el deseo de ser quien uno realmente es: «quiero y necesito liberarme, usar mi tiempo para ser libre», dice la primera frase, antes de otra clamar: «no parece que sea el momento adecuado, pero miro atrás a este momento, y veo que estaré bien».
Aunque Lil Nas X no ha declarado explícitamente ser gay ni en sus tuits ni en la canción citada, no se necesitan más palabras por su parte para entender que lo es o que al menos es una persona queer. Y aunque muchas personas se pregunten hoy por qué la salida del armario de una persona pública es noticia hoy en día, no debería ser un misterio para nadie por qué lo es en este caso: Montero Lamar Hill (nombre real de Lil Nas X), un joven rapero negro de Atlanta, lleva 13 semanas consecutivas en el número 1 de Estados Unidos con ‘Old Town Road’, una canción que además fusiona dos géneros musicales históricamente tan conservadores y dados a la homofobia como el hip-hop y el country. No hace tanto que Migos reaccionaban a la salida del armario de ILoveMakkonen con rechazo en una polémica entrevista, siendo los primeros muchísimo más populares que el segundo incluso entonces, con apenas un hit a sus espaldas.
Que el autor de un hit tan monstruoso como ‘Old Town Road’, que incluso ha llegado a España (es top 67) y que no es un hit local, sino el mayor en el mundo en estos momentos, salga del armario supone un espaldarazo enorme para la visibilidad queer en Estados Unidos y por tanto en el mundo. Además, Lil Nas X ha sido valiente realizando estas declaraciones ahora, en medio de la tormenta de ‘Old Town Road’, y no después cuando el éxito de la canción haya pasado y la relevancia del rapero menguado. Aún está por ver si el éxito de ‘Old Town Road’ ha dado lugar a un nuevo «one hit wonder» o a la nueva gran estrella del rap americano, pero al margen de cual termine siendo el destino profesional de Lil Nas X, al menos el rapero siempre podrá decir que actuó en el momento adecuado, dando ejemplo de lo que ha de ser el Orgullo, y aún a sabiendas de que sus palabras, lamentablemente y aún a día de hoy, puedan afectar negativamente a su carrera aunque sea un poco. Ojalá la repercusión de esta noticia en la carrera de Lil Nas X sea solo positiva.
some of y’all already know, some of y’all don’t care, some of y’all not gone fwm no more. but before this month ends i want y’all to listen closely to c7osure. 🌈🤩✨ pic.twitter.com/O9krBLllqQ
Madonna ha actuado en la noche de este domingo en el Orgullo de Nueva York, en un evento para el que se agotaban las localidades el pasado mes de marzo, mucho antes de que se anunciara que sería ella la gran estrella invitada. La cantante realizó un set corto, de tan solo 4 canciones, en contraste con el que hizo Kylie Minogue de 12 temas, llegándose a disculpar porque no había tenido tiempo de preparar nada más.
En un momento se llegó a rumorear que ‘Music’ o ‘Faz gostoso‘ formarían parte del set, pues habían sido ensayadas, pero por alguna razón, al final se descartó. Los temas interpretados fueron ‘Vogue’, con una sucesión de bailarinas disfrazadas de Madonna interpretando a los personajes del nuevo disco de la cantante, ‘Madame X’; ‘American Life’, desde el principio vinculada a este nuevo álbum por su carácter político y por la co-producción de Mirwais; y dos nuevos temas, ‘God Control’, con todo un cuerpo coreográfico; y finalmente ‘I Rise’, que sigue contando con la voz de Emma Gonzalez, pese al desencuentro entre esta y Madonna.
La elección de estas dos nuevas composiciones tenía toda la razón de ser respecto al Orgullo, pues el vídeo de ‘God Control’ critica la falta de regulación de armas con unas imágenes que recuerdan a la matanza de la discoteca gay Pulse; y ‘I Rise’ se ha vinculado desde el principio con la comunidad LGTB+ y la elección de Madonna como embajadora del 50º aniversario de Stonewall. La artista tuvo unas palabras de agradecimiento para la comunidad LGTB+, indicando que llevaba toda su vida preparándose para esa noche, y ofreció un set colorido y festivo en contraste con el oscuro que escogió para Eurovisión. En MadonnaTribe podéis ver una galería de imágenes.
Hace poco más de un año, celebrando la llegada del estupendo catálogo casi al completo (sólo casi: artistas como Joanna Newsom aún rehusan a ceder su obra al streaming) del sello Drag City, recordábamos la figura de David Berman. Un artista confundido en su día como un émulo de Pavement que mostró con discos como ‘The Natural Bridge’ (1996) o ‘American Water’ (1998) que en realidad era un cantautor rock con tintes tradicionales y una personal perspectiva en sus letras, más cercano a compañeros de sello y generación como Will Oldham o Bill Callahan pero con un mayor sentido del humor y la ironía. Pero, tras varios discos, en 2008 publicó el notable ‘Lookout Mountain, Lookout Sea’, tras el que anunció su retiro total (de nuevo, casi: fue uno de los vocalistas invitados en el álbum de regreso de Avalanches) de la música… hasta ahora.
Hace algunas semanas, Drag City anunciaba que Berman había decidido sacar del congelador su faceta artística y que regresaba con un nuevo proyecto llamado Purple Mountains. Pero, pese al nuevo nombre, poco parece haber cambiado para Berman en lo musical, a tenor de los tres adelantos que ha mostrado de su debut, ‘Purple Mountains’, que, producido por los miembros del grupo Woods Jeremy Earl y Jarvis Taverniere, verá la luz el próximo 12 de julio. Si acaso, una voluntad manifiesta por acaparar una mayor atención, en forma de melodías certeras y arreglos casi convencionales, luminosos.
Apenas el pasado viernes mostraba la vibrante aunque tristona ‘Margaritas at the Mall‘, un par de semanas antes compartía una ‘Darkness and Cold‘ en la que hace leña de su propio patetismo (su vídeo es para no perdérselo), y algo más de un mes atrás, revelaba el primer single del álbum, que por méritos propios hoy destacamos como la Canción del Día. Se trata de ‘All My Happiness Is Gone’, una canción cuyo arranque, de coloridos sintetizadores y melodías memorables, parece en las antípodas del mensaje que sí aclara su título y extiende su letra. «Los amigos son más cálidos que el oro cuando te haces mayor / Y mantenerlos es más difícil de lo que supones / Últimamente tiendo a hacer extraños allá donde voy / Algunos de ellos fueron una vez gente que me alegraba conocer», comienza Berman en una reflexión sobre cómo la vida nos va dejando cada vez más solos, derivando luego en escenas de ansiedad y depresión. Si hay alguien capaz de hacer una canción tan (aparentemente) divertida que nos deje un rictus de pavor, ese es David Berman.
Tracklist de ‘Purple Mountains’:
1. That’s Just The Way I Feel
2. All My Happiness is Gone
3. Darkness and Cold
4. Snow is Falling in Manhattan
5. Margaritas at the Mall
6. She’s Making Friends, I’m Turning Stranger
7. I Loved Being My Mother’s Son
8. Nights That Won’t Happen
9. Storyline Fever
10. Maybe I’m the Only One for Me
La activista Emma Gonzalez, que sobrevivió a una masacre en Estados Unidos y después se hizo popular por hacer un discurso de más de 10 minutos contra el uso de armas en este país, ha sido muy crítica con el vídeo estrenado recientemente por Madonna, precisamente contra el uso de armas, el correspondiente a ‘God Control’. El vídeo dirigido por Jonas Åkerlund recuerda la matanza que se produjo en una discoteca gay de Estados Unidos el 12 de junio de 2016. Madonna ha querido reflexionar en él sobre cómo ni en un club al que acudimos para «liberarnos» podemos «sentirnos seguros».
La crítica de Emma Gonzalez hacia el vídeo de ‘God Control’ es muy significativa, pues Madonna ha incluido su famoso discurso en otra de las canciones de su nuevo disco ‘Madame X’, ‘I Rise’. En concreto son de Emma las palabras y la voz con las que arranca esa composición: «Us kids don’t know what we’re talking about / That we’re too young to understand how the government works / We call B.S.». «Nosotros, los jóvenes, no sabemos de lo que hablamos. Somos demasiado jóvenes para comprender cómo funciona el gobierno. ¡Y una mierda!». De hecho, Time.com ha creado un vídeo oficial para la canción en el que aparece Emma Gonzalez, como podéis comprobar bajo estas líneas.
Emma ha dicho en Twitter que el vídeo de ‘God Control’ es «un desastre» («fucked up») y que es «horrible». «Madonna debería haber mandado un mensaje advirtiendo lo que su nuevo vídeo contenía, ESPECIALMENTE a las víctimas de la discoteca Pulse, ESPECIALMENTE al ser publicado justo después del aniversario del 12 de junio. Esta NO es la forma correcta de hablar de la violencia de armas, en contra de lo que muchos fans han dicho. La gente que trabaja en la comunidad por el control de armas sabe cómo hablar de la violencia de armas, no la mayoría de las celebridades». En su cuenta se ha producido un debate sobre si el vídeo de Madonna dota de glamour a la violencia o si es claramente reivindicativo. Gonzalez ha borrado también algún tuit, pues Madonna sí ha linkado el lanzamiento de este vídeo desde el principio con varias asociaciones por la prevención de armas en contra de lo que sugería e incluso ha recibido el apoyo de algunas de ellas.
So I’ve been ruminating on this thread for the past few days, make sure I get the words right.
Madonna’s new video for her song #GodControl was fucked up, it was horrible.
She should have sent out a message warning what her new video contained, ESPECIALLY to the Pulse Victims, ESPECIALLY as it was released Just After the Anniversary on June 12th.
This is NOT the correct way to talk about gun violence, unlike how many fans have been exclaiming — people who have been working in the GVP community know how to talk about gun violence, not most celebrities. #GodControl
If you want to support the gun violence prevention movement, donate to the places who need it, in this case the One Pulse Foundation and listen to the actual stories from actual survivors of gun violence. #GodControl
Los próximos días 4, 5 y 6 de julio se celebra en Madrid, en concreto en el recinto del IFEMA – Feria de Madrid, una nueva edición del festival Río Babel, que busca «refrescar las noches» de la ciudad con un interesante y variado cartel centrado en el pop hispanoamericano aunque no exclusivamente. Bad Bunny es uno de sus cabezas de cartel, pero también Fatboy Slim y entre sus nombres destacados encontramos también a Bomba Estéreo, Fuel Fandango o a los holandeses Chef’Special. Estos son 10 de los nombres imperdibles de Río Babel:
Bad Bunny
El actual número 1 de singles en nuestro país con ‘Callaíta’ visitará el festival madrileño unas semanas antes del Sónar para presentar su arsenal de macrohits en solitario y en colaboración con otros artistas. ¿Por dónde empezamos a contar tanto hit? Capaz de triunfar masivamente tanto con el trap de ‘Soy peor’ como con el reggaetón de ‘MIA’ con Drake como con un baladón como ‘Amorfoda’, sin olvidar que el cantante está presente en dos de los mayores éxitos de 2018, ‘Te boté’ y ‘I Like It’, y eso que aún no hemos mencionado ‘Dura’ con Daddy Yankee, Bad Bunny es sencillamente uno de los artistas mas populares del mundo en estos momentos. Su concierto en Río Babel es de visita obligada.
Chef’Special
Con decenas de millones de reproducciones en las plataformas de streaming, Chef’Special es con bastante seguridad uno de los grupos holandeses más populares del momento. La razón es un sonido muy atractivo, que en ‘Into the Future’ parece beber de Gorillaz tanto como en otros temas del reggae o el folclore europeo, pero que parece brillar especialmente en sus temas más acústicos, como ‘Birds’ -que conjuga un ritmo Motown hecho con palmas con guitarras acústicas y el humeante sonido de una trompeta- o la preciosa ‘Nicotine’. En definitiva, un grupo que aborda sonidos globales con respeto y originalidad, y cuyos conciertos, cuenta Río Babel, suelen ser una experiencia para los fans.
Trending Tropics
El año pasado despuntaba el nuevo proyecto de Visitante de Calle 13 con Vicente García gracias a un álbum debut sobre el que teníamos oportunidad de hablar en distensión con ellos. Un proyecto de nombre tan actual y apegado a la tecnología como Trending Tropics que, mediante ritmos de reggaetón u otros estilos latinos, hip-hop o synth-pop y colaboraciones con Ana Tijoux, Li Saumet de Bomba Estéreo o Vetusta Morla, y con canciones que pasaban de lo divertido a lo sobrecogedor, el grupo desplegaba sus preocupaciones sobre el devenir de la humanidad y ese «futuro que ya pasó».
Fatboy Slim
Aunque Río Babel destaca por su cartel con gran peso de la música latinoamericana, no se centra en esta exclusivamente y por ejemplo este año uno de sus cabezas de cartel es Fatboy Slim. Uno de los mayores exponentes del big beat británico durante los 90 junto a The Prodigy, que este año lamentablemente ha perdido a su vocalista Keith Flint, Fatboy Slim arrasaba en 1998 con el álbum ‘You’ve Come a Long Way Baby’ y su single principal ‘Right Here, Right Now’, que este año ha decidido recuperar a su manera, en el single ‘Return to the Valley of Right Now’, en clave más chill out. El artista también acaba de publicar un «best of».
Jorge Drexler
Exponente del pop de cantautor más sensible y mimado, el cantautor uruguayo ganador de un Oscar presenta en Río Babel su gira ‘SILENTE’, en el que está presentando a guitarra y voz, completamente en solitario, un repertorio diseñado especialmente para la ocasión. En 2017, Drexler lanzaba su hasta ahora último álbum, un ‘Salvavidas de hielo‘ muy interesante pues estaba hecho casi exclusivamente a base de guitarras. El álbum incluía colaboraciones con Julieta Venegas, Natalia Lafourcade o Mon Laferte, esta última precisamente otra de las artistas incluida en este artículo.
Mon Laferte
La cantante chilena es una superestrella de la música latinoamericana. Después del éxito de sus álbumes »Mon Laferte Vol. 1′ y ‘La trenza’, que produjeron dos enormes hits como fueron ‘Tu falta de querer’ y ‘Amárrame’ con Juanes, respectivamente, una de las voces más pasionales y con más poderío del pop latino publicaba el disco ‘Norma‘, en el que de manera más excitante que nunca presentaba su fusión de sonidos del folclore latino y andino con ritmos de rock retro o del doo wop americano. ‘El beso’ fue el gran hit de aquel álbum que también incluía el conocido tema ‘Caderas blancas’ y una colaboración con El David Aguilar.
Bomba Estéreo
Sigue de gira el dúo colombiano formado por Li Saumet y Simón Mejía, enormemente popular sobre todo desde que en 2015 lo petara con sus singles ‘Somos dos’, ‘Soy yo’ o ‘Fiesta’, aunque al final ha sido un remix de ‘To My Love’ por Tainy el que ha terminado convirtiéndose en su mayor éxito con diferencia, superando los 300 millones de streamings. Todo un milagro pues la canción remezclada era antigua y ni siquiera había sido single en su momento. En 2017 el grupo publicaba un nuevo álbum que sumaba otros éxitos a su repertorio como ‘Duele’ o ‘Internacionales’ y nunca me cansaré de repetir que el directo de Bomba Estéreo es absolutamente imperdible.
Fuel Fandango
El dúo formado por Cristina Manjón (Nita) y Ale Acosta llega a Río Babel a través de la gira con la que este año están celebrando sus 10 años en la música. Una década en la que su fusión de flamenco, rock, soul y electrónica no ha hecho sino conquistar cada vez a más público, como demostraba hace unos años el éxito de su último disco publicado hasta el momento, ‘Aurora‘. Con motivo de este aniversario, JENESAISPOP tenía oportunidad de hablar hace unos meses con Fuel Fandango, que nos dejaban un titular más idóneo imposible para Río Babel: “Vamos a dejarnos ya de etiquetas y vamos a disfrutar la música de manera libre y abierta”.
El Cuarteto de Nos
El veterano grupo de rock uruguayo publica este año nada menos que su 17º trabajo, un ‘Jueves’ del que ya se conoce el primer single. ‘Punta Cana’ es, en sus palabras, un «ska macabro» y sin duda es un tema bailable, verbenero y bastante diferente al sonido habitual del grupo, caracterizado en realidad por una fusión de pop-rock y hip-hop que ha explorado -aunque sin nunca ignorar otros estilos- en toda su discografía, como demuestra su mayor éxito ‘Lo malo de ser bueno’.
Él Mató A Un Policía Motorizado
El grupo de rock argentino continúa de gira presentando su estupendo álbum de 2017 ‘La síntesis O’Konor‘, en tanto su líder Santiago Barrionuevo ultima su trabajo en el álbum debut de Amaia, que se espera para septiembre. Hace poco teníamos ocasión de hablar con él sobre aquel disco tan importante en su carrera, sus próximos pasos artísticos -se avecina «split» con Los Planetas- y sobre la ganadora de Operación Triunfo 2017. Pero en Río Babel serán los «motorizados» los protagonistas en un concierto en el que seguramente no faltarán sus temas más queridos, como ‘El tesoro’.
Thom Yorke lleva bastante tiempo presentando en directo los temas de ‘ANIMA’, su tercer álbum de estudio en solitario. Muchos de ellos Yorke los tocó el año pasado en el Sónar, por ejemplo, en un concierto que yo mismo reseñé para este medio y que, en mis propias palabras, se “hizo bola” hasta el punto que la pista quedó bastante despejada al final del show. Siempre es mala señal que el interés del público decaiga durante un concierto cuando debería pasar lo contrario o al menos mantenerse, pero estaba claro entonces que las nuevas canciones de Yorke no eran demasiado interesantes; y en el año que ha pasado desde aquel concierto, con ‘ANIMA’ ya entre nosotros, no parece que estas composiciones hayan sufrido una evolución significativa.
La campaña promocional de ‘ANIMA’ ha sido de las buenas. En el metro de Londres aparecieron hace unos días una serie de carteles anunciando los servicios de ‘ANIMA Technologies’, una empresa dedicada a la recuperación de los sueños olvidados. El anuncio facilitaba a su vez un número de teléfono, pero al llamar contestaba una persona que informaba que las “autoridades han ordenado a ANIMA Technologies el cese de su actividad empresarial”. No solo esto, sino que con el disco ha llegado a Netflix un bonito corto de 15 minutos llamado también ‘ANIMA’ en el que suenan tres de sus 9 canciones, y que dirigido por Paul Thomas Anderson, traslada a imágenes algunas de las preocupaciones que plagan a Yorke en este nuevo largo.
‘ANIMA’, que recibe su título de una teoría de Carl Jung sobre «imágenes arquetípicas de lo eterno femenino en el inconsciente de un hombre», es un disco carcomido por la ansiedad, de la que Yorke sufrió “increíbles brotes” durante un par de años. CRACK Magazine, que entrevistó en exclusiva a Yorke hace unos meses, cuando el disco aún no había sido anunciado, hablaba de “visiones distópicas” y de “historias llenas de ansiedad sobre claustrofobia contemporánea”, y en este caso las letras narran pesadillas en las que las ratas son humanos y al revés, Yorke es “engullido por la ciudad” o grita a sus aparatos tecnológicos como si fueran personas: “maldita maquinaria, ¿por qué no me hablas?”, canta en ‘The Axe’. “Un día voy a darte un hachazo, ¿dónde está el amor que me habías prometido?” Como se puede comprobar, las letras de ‘ANIMA’ pueden contener un elemento de humor, presente también en un cortometraje en el que a veces no sabes si estás viendo a Thom Yorke o a Buster Keaton tratar de salir del metro sin éxito; y el cantante nunca deja de usar en sus temas frases absurdas como “pronto pronto moshi mosh” o “foie gras foie gras brick a wall brick a wall” que evidentemente buscan representar algún tipo de enajenación mental.
La música es más seria, sin embargo. Como en ‘The Eraser’ y ‘Tomorrow’s Modern Boxes’, Yorke, de nuevo con la ayuda de su colaborador habitual Nigel Godrich, vuelve a hacer uso en ‘ANIMA’ de una electrónica rítmica, obtusa, grisácea y triste, a su vez aportando una mayor dimensión a las producciones que parece necesariamente inspirada en su otro trabajo paralelo al mando de Atoms for Peace (las guitarras de ‘Impossible Knots’) o en su reciente banda sonora para ‘Suspiria‘ (ciertos arreglos). El problema es que esta dimensión sonora no funciona al servicio de las mejores canciones que Yorke ha podido presentar. Es irónico que la canción decididamente más monótona de ‘ANIMA’, ‘Dawn Chorus’, que, por cierto, lleva 10 años rondando el repertorio de Radiohead, sea a su vez la más emotiva, pues con poco más que unos melancólicos teclados, una voz robotizada y otras ambientaciones, Yorke consigue conmover como pocas veces lo logra a lo largo del disco. Y es que aunque las ambientaciones urbanas e intoxicadas de ‘Last I Heard’ (…He Was Circling the Drain)’ o ‘Twist’ estén logradas, sus mejores momentos ocurren cuando abren una vía hacia la melodía, en este caso a través de una sección orquestal que, en ambos temas, aporta una luz y una belleza muy necesarias en el álbum.
‘ANIMA’ difícilmente logra mantener el interés más allá de estas canciones por culpa de unas composiciones vagas, aparentemente poco trabajadas y desarrolladas en la mayoría de los casos, que tampoco ofrecen nada especialmente interesante en lo musical. Yorke pertenece al linaje de artistas británicos que buscan retratar el mundo distópico en el que vivimos mediante la electrónica, pero mientras The Future Sound of London lograron el éxito comercial en los 90 y Burial se convirtió en el artista más influyente del milenio, Yorke en solitario siempre ha operado desde un lado, de manera más modesta. Sin embargo, ‘The Eraser’ era un debut sólido y ‘Tomorrow’s Modern Boxes’ un trabajo algo peor que al menos sí dejó una joya como ‘The Mother Lode’, pero ‘ANIMA’ enciende alarmas desde el principio. La primera pista, ‘Traffic’, podría ser la 8 porque no puede pasar más desapercibida, y pese a su título,’I Am A Very Rude Person’ no tiene demasiada mala leche. En realidad su atmósfera lúgubre está conseguida y su letra, que parece dirigirse a los críticos, puede ser la mejor de todo el disco. Pero la canción apenas produce algún tipo de impacto, un problema que se repite sobre todo en la segunda mitad en la que ni siquiera el fondo jazzy de ‘Impossible Knots’ parece aprovechado.
Probablemente solo gracias al corto de ‘ANIMA’ recordaremos en el futuro la resbaladiza ‘Not the News’ pero tampoco es una canción demasiado memorable ni siquiera aproximándose a cierta épica, mientras ‘The Axe’ e ‘Impossible Knots’ definitivamente son ese tipo de canciones que, como suele decirse en la prensa musical, a menudo de manera errónea, «no van a ninguna parte». Y no es que no tengan dirección, es que simplemente sus desarrollos no son interesantes. Solo al final el álbum remonta con una ‘Runwayways’ de sugerente, casi majestuoso gancho melódico en la que además parecemos escuchar al androide de ‘Kid A’. La conexión de ‘ANIMA’ con el álbum de Radiohead de 2000 es obvia pues es en ese disco donde empieza el interés de Yorke por el tecno abstracto, pero si en sus dos primeros álbumes en solitario, el músico desarrolló estas inquietudes de maneras más o menos logradas, en ‘ANIMA’ la cosa se ha torcido bastante, dejando Yorke con él un álbum francamente frustrante, y no porque sus propios ritmos y atmósferas busquen emular esa misma sensación. Para el tiempo que llevan estos temas guardados en un cajón, es una pena que no sean mejores. Como aquel concierto visto en el Sónar más bien inducen a despejar la sala. Thom Yorke actúa en un par de semanas en Bilbao BBK Live 2019.
Calificación: 6/10 Lo mejor: ‘Last I Heard’ (…He Was Circling the Drain)’, ‘Twist’, ‘Dawn Chorus’ Te gustará si te gusta: Burial, Aphex Twin, The Future Sounds of London, el trabajo de Thom Yorke en solitario Escúchalo:Spotify
Lejos de pensar que, tras la paz sellada entre Taylor Swift y Katy Perry, el siguiente podría ser Kanye West, este fin de semana se ha desatado un terremoto que hace pensar que será complicado. Y eso que Scooter Braun, mánager al que Swift parece considerar responsable de sus problemas con el rapero, ya ni siquiera le representa. Todo ha comenzado cuando este fin de semana se ha hecho público que una empresa propiedad de Braun ha absorbido Big Machine –a cambio de 300 millones de dólares de nada–, el sello en el que Swift comenzó a desarrollar su carrera y en el que alcanzó su enorme éxito con discos como ‘Red’ y ‘1989’, antes de fichar por Universal para publicar ‘reputation‘ y, en unas semanas, ‘Lover‘.
Así, los 6 primeros álbumes de Taylor pasan a ser del total dominio de la empresa de Braun. Como ha contado Pitchfork, la ex-artista country publicó ayer domingo, 30 de junio, una carta en Tumblr, que encabeza con una antigua publicación de Justin Bieber en el que este (también representado por Braun), West y Scooter se mofaban de ella tras la polémica con el clip de ‘Famous’: «Este es Scooter Braun acosándome en las redes sociales cuando estaba en mi momento más bajo. Está a punto de apoderarse de toda la música que he hecho», resume, muy grosso modo, en un rótulo rojo sobre la imagen. En el texto, Swift asegura que quiso comprar los derechos de esos discos, pero que Scott Borchetta, su propietario, le ofreció un contrato por el que le entregaría uno de sus antiguos discos por cada uno nuevo que publicara con él. Algo que ella rechazó al entender que hipotecaría su futuro artístico.
Taylor también recuerda los episodios en torno a ‘Famous’ y la revelación de grabaciones telefónicas con ella por parte de Kim Kardashian West, incluyéndolos en la estrategia de bullying que supuestamente Braun lleva años empleando contra su persona. «Para mí es el peor de los casos», asegura antes de cargar contra Borchetta por lo que considera una deslealtad, ya que, asegura, las veces que él ha escuchado de su boca las palabras «Scooter Braun» de su boca fue «llorando o intentando no hacerlo». «Afortunadamente dejé mi pasado en manos de Scott, no mi futuro», dice antes de recordar la publicación de su nuevo disco el próximo 23 de agosto.
Borchetta, por su parte, ha respondido a estas acusaciones con otra carta en la que dice que Swift tuvo la oportunidad de ser poseedora de los derechos de su música y que nunca la vio llorar por Braun. De hecho, dice, Scooter es un gran valedor de su figura y su música, y recuerda su rechazo cuando este acudió a ella para participar en homenajes orquestados por él, como el que Ariana Grande, su representada, ofreció en Manchester semanas después del atentado sufrido allí, u otro en recuerdo de las las víctimas de la masacre de Parkland. Borchetta también dice que él mismo envió un mensaje a Taylor Swift informándola, y asegura que también el padre de ella y otros ejecutivos afines estaban al tanto de la operación desde 5 días antes, por lo que no entiende por qué dice en su carta que se despertó sorprendida por la noticia.
A todo esto, y ya que aparecía en la foto de la discordia que encabeza el post de Swift, Justin Bieber se ha metido en el ajo. En principio mediando, disculpándose por haber participado en aquella imagen –y por tanto, reconociendo en cierto modo que sí hubo acoso, aunque dice que West le reprobó por publicarla en sus redes sociales– y lamenta no haber hablado con ella de esto en todos estos años; pero luego dice que considera injusta la carta de Swift, ya que, asegura, «Scooter te respaldó desde aquellos días en los que me permitiste abrir (conciertos) para ti». «Ni Scooter ni yo tenemos nada negativo que decir sobre ti, de verdad queremos lo mejor para ti», sigue, ofreciéndose a hablar para resolverlo antes de terminar diciendo que «no suelo participar en estas cosas, pero cuando intentas desfigurar a alguien que quiero, eso es cruzar una línea». No es por nada, pero suena a amenaza.
Aitana ha sido número 1 en España, tanto de streaming como de ventas, con su primer disco ‘Spoiler’, que incluye singles que han sido un exitazo como ‘Teléfono’ o ‘Vas a quedarte’; o pueden serlo, como ese ‘Me quedo’ con Lola Indigo que acaba de estrenar videoclip. Hablamos con Ocaña en un céntrico restaurante de Madrid sobre su primera gira, que acaba de comenzar; sus inesperadas colaboraciones con Henry Saiz, Pional o Guille Galván de Vetusta Morla; la más esperable producción junto a Alizzz y El Guincho (la mencionada ‘Me quedo’) o la inclusión de temas de Operación Triunfo en su repertorio en vivo. La cantante se muestra inquieta -en un momento se disculpa por estar jugueteando con un móvil que resulta ser el mío y no el suyo, y de hecho el instrumento con el que estoy grabando esta entrevista- pero también muy confiada en el trabajo realizado.
¿Qué tal ha ido el primer concierto de la gira en Murcia? Siendo el primer concierto, ¿ha habido fallitos de estos que nadie ve?
Es que no quise estar atenta a los errores, sino a salir a pasármelo bien. Me dije: «voy a hacer que la gente se lo pase bien y también a disfrutarlo yo». Si voy a sufrir con este trabajo, ¿de qué me sirve? Cuando me estaban maquillando me decían: «estás muy tranquila, no te confíes». Y yo: «No, no estoy confiada, simplemente estoy concentrada y dispuesta a pasármelo bien»». Comentabas que nunca habías actuado hora y media tú sola…
No, no, no, en mi vida, nunca había estado tanto tiempo en el escenario. Siempre era 3 minutos y salir, 3 minutos y salir. Como cuando me han invitado a cantar Luis Fonsi, David Bisbal o Morat. Siempre me decían: «se te ve nerviosa». ¡Es que no me daba tiempo a hacerme!
¿Se te hizo largo actuar?
¡Para nada! Y eso que duró 1 hora y 45 (minutos). Básicamente porque hablo… porque soy una cotorra. ‘Vas a quedarte’ es de las últimas y yo pensaba: «¿cuándo ha pasado el concierto tan rápido?». Y de repente en la última era como «¿ya se ha acabado?». ¿El show es más de música en vivo, de baile, de voz…?
De todo. Hay músicos en directo, cuatro bailarinas increíbles, igual que los músicos… Hay momentos de baile, de calma solo con el piano… A capella no hay nada, solo cuando hablo, que hablo mucho (risas). ¿Pero está todo medido tipo como un concierto de diva pop o hay lugar para la espontaneidad?
Hay espontaneidad porque me considero una persona espontánea, porque yo voy a lo loco. Pero sí que es verdad que desde febrero y marzo que estaban todos los temas, escogimos para las coreografías a Vicky Gómez, Mamen Márquez me ha ayudado a todo lo que es la voz para subsistir hora y media y estar bien el día siguiente, hemos trabajado con Ludovico en la parte musical… Desde 3 semanas antes de que saliera el disco estuvimos con los ensayos, que fueron 2 semanas en Madrid y otra en Málaga en unos «stages» con todo el escenario montado para familiarizarme con el escenario.
He cotilleado en el setlist, y está ‘Arde’, que al no estar en el disco pensé que era una canción que habías querido dejar atrás. Y también hay varias versiones.
No, para nada. Mi disco tiene 14 canciones, más ‘Arde’ y ‘Presiento’. Y 5 covers, entre las que está ‘Someone Like You’. Con las versiones he querido hacer un «remember» a Operación Triunfo, menos ‘Someone Like You’ que no la canté en Operación Triunfo pero sí es la primera que canté a mi familia, como en un concierto casero. Le tengo mucho cariño. En un momento pensé que no podía hacer covers, pero fui a ver a Sebastián Yatra a Barceló y le vi hacer un montón de covers. Una de Bad Bunnny… Y yo pensaba: «¿cómo puede hacer covers si tiene muchísimas canciones para elegir lo que quiera?». Pues porque le gusta, le apetece, quiere hacérselo pasar bien a su gente… A mí también me apetece hacer las canciones más emblemáticas de Operación Triunfo, y un trocito de ‘Someone Like You’ de cuando empecé.
Hay gente que se niega a hacer las canciones que cantó en OT, pero a ti te vemos encantada…
Yo estoy encantada. Sí quería esperar a tener un disco entero para actuar, para que el 85% fueran mis canciones, pero estoy encantada de hacer versiones. No me estoy comparando con Ariana Grande pero cuando empecé a escucharla lo que hacía ella eran también versiones. Y me parecía muy bien, muy lícito, muy lógico. Gente absolutamente grande también hace versiones.
Te llaman mucho «la Ariana Grande española», supongo que por estética. Luego, el disco no tiene nada que ver, ni siquiera las que pueden ser un poco más R&B…
No… Sí que tengo influencias del pop comercial porque es lo que me gusta y es lo que yo escucho. Hay diferentes estilos, pero he intentado buscar lo que más se puede asemejar a lo que tengo dentro de mí.
Cuando te vimos cantar ‘Arde’, la verdad no adiviné que terminarías trabajando con Henry Saiz o Pional, gente que viene del mundo DJ… ¿cómo ha sido?
Fue por coincidencias. También he trabajado con Guille de Vetusta Morla. Estaba con Guille Galván, Henry Saiz, Pional… y como que no tenía mucho sentido los 3. «¿Qué podemos hacer aquí?» (risas) Pero tienen tanto que aportar… Fue una mezcla de ideas, quedó divertido y guay. De ahí salieron ‘Cristal’ y ‘Barro y hielo’, que son de mis canciones favoritas. Tengo ganas de volver a trabajar con ellos y sacar cosas nuevas.
¿Hay alguna canción de todos estos artistas que te guste particularmente?
De Guille, ’23 de junio’ es la última que han sacado (Vetusta Morla) y me flipa, me gusta un montón. El videoclip me parece precioso. Soy muy pro-videoclip, aunque a veces no hace falta, pero en este caso me encantó. Pional ha estado con DORA, y he visto cosas que no han salido y me encantan. Me parece muy buena compositora y cantante, con 14 años. Es increíble. El Guincho ha trabajado con esta cantante…
¿Björk?
¿Bjork es la que canta como muy metido, no? Me encanta lo que hizo con ella y todo lo que ha hecho con Rosalía me parece increíble.
¿Qué crees que da unidad a tu disco?
La variedad de estilos, yo creo.
«No podemos menospreciar el reggaetón porque sea reggaetón. Obviamente con algunas letras no estoy de acuerdo y son machistas. Poco a poco se va evolucionando en eso y hay cosas que trabajar, pero en sí el estilo me parece superlícito»
¿Ha cambiado tu gusto musical durante los últimos meses?
Más que cambiado, yo creo que ha aumentado. Antes me gustaba solo el pop en inglés y ahora tengo una visión mucho más abierta. Considero que todos los estilos tienen su trabajo detrás y son importantes. No podemos menospreciar el reggaetón porque sea reggaetón. Obviamente no me gustan algunas cosas del reggaetón, con algunas letras no estoy de acuerdo y son machistas. Poco a poco se va evolucionando en eso y hay cosas que trabajar obviamente, pero en sí el estilo me parece superlícito. Es lo que se escucha y tiene ese éxito mundial. No todo el mundo tiene el poder de hacer un éxito mundial.
Has trabajado con El Guincho y Alizzz. Justo cuando salió la primera versión de ‘Lo malo’, entrevistamos a Alizzz y le preguntamos si produciría la versión definitiva de la canción. Dijo que sí, pero que no la remezclaría. No sé si habéis hablado algo de eso.
En cuanto a ‘Lo malo’, no, pero con ellos he hecho ‘Me quedo’ que es más latina, más urbana… Me encanta lo artistas que son en cuanto a la visión que tienen y la creatividad musical. Se nota que llevan mucho tiempo y que cada vez están experimentando más. Ellos me dieron esa visión. Al principio con ‘Me quedo’ yo estaba como «no sé, no sé, no sé». Pero me la ponía todos los días, en el coche, mi padre la bailaba todo el día… Es verdad que buscaba a alguien con quien hacerla, porque noté que le faltaba algo, por eso se lo dije a Lola (Indigo). Y ellos me decían «no te preocupes, keep calm, no solo sacas reggaetón, al final haces otras cosas».
¿Es distinto trabajar con ellos que con Andrés Torres y Mauricio Rengifo (productores de ‘Despacito’ y de algunos temas de Aitana)?
Cada persona es un mundo y tiene su manera de trabajar. Cada uno va a ser diferente. Mauricio y Andrés también han producido baladas y canciones indies, creo que hicieron algo con Imagine Dragons. Han ido más allá, no solo se quedan en el reggaetón.
¿Qué canciones de este disco has escrito más tú sola? ¿O siempre compones más en plan mesa redonda?
Sí. Puedes traer una idea, por ejemplo en ‘Nada sale mal’ el primer estribillo es mío. Pero las demás llegas y dices: «he pensado que podemos hablar de esto». Yo escribo, otra persona saca la producción, otras personas con más experiencia en cuanto a escritura que yo me dicen «pues aquí en vez de esto yo pondría esto»… Cosas así.
«Hay muchos ojos puestos en mí, y es precioso, pero yo también necesito buscar mi propia salida»
En ‘Cristal’ hablas de querer ser una bruja, bien sea buena o mala. ¿Qué quieres decir?
Esa canción habla de que en este año y medio muchas personas me han intentado aconsejar, pero yo necesito mi momento de rebeldía, de experimentar en cuanto a ser una bruja, sin hacer daño a nadie. Hay muchos ojos puestos en mí, y es precioso, pero yo también necesito buscar mi propia salida.
¿Te refieres a que tienes derecho a equivocarte?
Y de hecho me he equivocado. Estoy más expuesta.
Esta canción habla de la sobreexposición.
Y de la sobreprotección. Es un proceso para mí también. Yo también soy de cristal y todo el mundo es de cristal, es parte del ser humano ser frágil.
No sé si también esta canción habla en contra del paternalismo.
Yo lo entiendo. Entiendo que mucha gente te intente proteger y aconsejar. No hablo solo por mi familia porque mi familia y yo hemos aprendido mucho juntos. «Está bien que me protejas pero déjame que te enseñe que puedo hacer más cosas, y si me equivoco volveré a probar».
Te has mudado a Madrid, que es como el peor sitio para ser reconocido por la calle y que te pidan fotos todo el rato…
Me he mudado porque estaba siempre aquí. Tenía que hacerlo, no me gusta vivir en un hotel, perdía las cosas, me parecía un poco desastre mi vida. Necesitaba poder organizarme, tener aquí mi sitio porque mi trabajo ahora estaba aquí.
Amaia nos decía que en Barcelona la gente se cortaba más, pero que aquí en Madrid todo el mundo la hablaba y la abrazaba. ¿No te agobia?
No, lo entiendo. Entiendo todos estos momentos… Depende de dónde te metas. Hay veces que puedo caminar tranquila y si alguien te para, pues, si no tienes prisa, qué menos que pararte. Hay veces que si tengo que coger un AVE, o llegar a un restaurante, me agobio porque alguien me está explicando cómo siente mis canciones y pienso: «no tengo tanto tiempo cómo me gustaría, me gustaría quedarme más rato»… Va por momentos.
«Me gusta la variedad del disco, no es una variedad disparatada»
¿Qué canción del disco crees que puede marcar más tu futuro?
Me gusta mucho ‘Cristal’, ‘Con la miel en los labios’, ‘Vas a quedarte’, ‘Las Vegas’…
O sea, variado…
Me gusta esa variedad y no es una variedad disparatada. Me gusta Dua Lipa, que tiene ‘New Rules’, pero también la de «House», que es una balada que luego te digo como se llama (NdE: seguramente se refiera a ‘Homesick’). ¿Por qué a Dua Lipa se la relaciona con el pop si también tiene música variada?
Hablando de ‘Las Vegas’, cuéntame qué es esa frase de «sin saber nada todo el mundo hablaba».
Mucha gente cuando ve fotografías, empieza a imaginar cosas. Y solo es una foto.
Te refieres a Instagram.
Sí. O a fotos de paparazzis. La gente habla mucho y a veces puede ser verdad pero de chiripa porque no saben lo que están diciendo. Es gracioso que la gente hable tanto, a partir de solo una foto. No sabéis qué hay detrás de todo eso.
«No puedes jugar con una enfermedad, con un trastorno alimenticio. No puedes decir a la ligera «tienes anorexia»».
Acabas de decir en una entrevista que ahora mismo no borrarías la foto que borraste cuando te dijeron que tenías anorexia…
Ahora mismo seguro que no la borraría. Lo hice porque me asusté y yo no quiero promover nada. Recapacitando me dije: «¿Pero qué estás promoviendo? No estás promoviendo nada. Solo estás haciendo que las personas que están delgadas se sientan mal consigo mismas». Si están sanas, no se pueden sentir mal. No puedes jugar con una enfermedad, con un trastorno alimenticio. No puedes decir a la ligera «tienes anorexia». Es que no.
¿Ha cambiado tu manera de ver las cosas a raíz de las polémicas que surgen de vez en cuando?
Yo creo que sí, que mis opiniones se van desarrollando, también con mi madurez. Pero a la vez soy yo. La base es la misma.
¿Cómo es un día en tu vida ahora mismo?
Durante el día soy muy disciplinada. Antes de la gira por las mañanas entrenaba, dos o tres horas de baile, luego canto. Son todo clases y por las noches a dormir. Los fines de semana, si no tengo nada, me gusta salir con mis amigos.
¿Qué canciones te han sorprendido por su recepción en streaming? No sé si estás muy atenta a estas cosas…
Me gustó que mucha gente me comentó ‘Las Vegas’. Lo que dice, pero también el estilo musical. No pensé que de primeras fuera a gustar tanto. Sé que ‘Con la miel en los labios’, las baladas, gustan…
Y tú encantada…
¡Claro!
Me esperaba más éxito de ‘Mejor que tú’.
Yo pensé que iba a tener menos. Cuando salió ‘Tráiler’, me decían que por qué no la había sacado como single, y ni se me pasó por la cabeza.
Pensé que podía funcionar sola como ha pasado con ‘Me quedo’.
Pero no le dimos el valor de un single, como a ‘Arde’. ‘Vas a quedarte’ la exponía como mi single, lo cantaba en las radios, en televisión. Es la que tenía videoclip, el videoclip marca mucho si es un single o no.
Luego las canciones en inglés no gustan tanto…
Yo creo que en España… Mi idioma es el español y entiendo que las canciones que más gusten sean las españolas. Música en inglés hay muchísima, y la gente las recibe mejor si es alguien de fuera…
Realmente en el top 20 español, nunca hay muchas canciones en inglés. No creo que las hayas hecho con ese objeto o con miras internacionales…
No miro ningún tipo de éxito, sino lo que me gusta y lo que quiero poner en el disco. Si quiero mostrar mi verdad, muchas letras y melodías me salen en inglés porque es lo que yo escucho. Sería ilógico por mucho que tenga menos crédito que lo demás.
«La colaboración con C. Tangana es rara porque mis letras son bastante blancas, y las letras de C. Tangana son mucho más a cuchillo»
Ya te pregunté en la rueda de prensa, pero cuéntame algo más sobre tu colaboración inédita con C. Tangana. De repente una colaboración vuestra me parece muy bomba.
Era superraro, ¿no? Es variado en cuanto a letra.
Raro, no sé…
Sí es raro porque mis letras son bastante blancas, y las letras de C. Tangana son mucho más a cuchillo. Intentamos ponerlo en común pero siempre hay algo de cada uno de nosotros.
Hay un dúo grabado, entonces.
Hay algo grabado sin acabar, hay que darle muchas vueltas. Lo hicimos como forma de composición, ni siquiera hablamos de sacarlo. Es como cuando hicimos ‘Me quedo’, que hasta dos meses antes de sacar el disco no metimos la parte de Lola. No sabemos qué va a pasar.
Y lo primero que te viene a la mente al hablar de esa canción es el contraste.
Él no tiene filtros, me parece superguay, le funciona mucho, es como lo plasma en la música. Mi manera de ser es mucho más blanca y letras más… pues no sé.
¿Esta canción está más en su tejado o en el tuyo?
Está en medio, pero claro, hay estrofas suyas… Es una canción bastante reivindicativa pero a la vez es jevi. Puede tirar por muchos lugares…
¿Reivindicativa tipo feminismo o empoderamiento?
Es empoderamiento pero no feminista, que también. Pero es más como de cuando se objetiviza a alguien y tú no quieres. Es una ironía de eso, de «pues ahora te voy a objetivizar de esta manera».
¿Cómo objetivizar a alguien?
No te puedo decir qué se objetiviza porque te estaría diciendo mucho. Ya se verá.
Parte de la redacción evalúa ‘MEGATRON’, el nuevo single de Nicki Minaj, que anticipa su próximo álbum:
«Aunque Nicki Minaj hizo oposiciones el año pasado para caer mal al mayor número de gente posible, al menos su música seguía hablando por sí misma. Puede que ‘Queen’ no fuera un disco perfecto, pero al menos ‘Chun Li’, ‘Barbie Dreams’, ‘Hard White’ y ‘Good Form’ eran estupendos temas de gangsta rap, misteriosos y duros como un diamante, que mostraban a una Minaj en plena forma como rapera. ‘MEGATRON’, su nuevo single, se parece un poco más a ‘Coco Chanel’, pues directamente samplea (o más bien re-elabora) el éxito de dancehall de 1998 ‘Head High’ de Mr. Vegas. La idea funciona. Minaj deja prácticamente íntegra la base original de la canción, compuesta por un sugerente riddim y una pegadiza línea de guitarra eléctrica, y la utiliza para espetar una serie de versos que, sin ser especialmente magnéticos esta vez, sí son dinámicos y mantienen el interés. Con unos «bra ta ta tat» por aquí y una leve melodía autotuneda por allá, Minaj construye un tema despreocupado y totalmente «cool» en el que se celebra a sí misma sin caer en vulgaridades de todo a cien como algunos de sus compañeros de gremio. Es divertida por ejemplo la frase «Trunk in the front-front, I need a blunt-blunt, I own my own Moscato, bitch, we gettin drunk-drunk», aunque mi favorita sin duda es la dedicada a su «pussy»: «If you eatin’ it / do it precisely / ‘Cause I’m a millionaire, this pussy pricey». Jordi Bardají
«Sin ser ‘Anaconda’, ‘MEGATRON’ me reconecta con Nicki Minaj como ninguno de los singles de ‘Queen’ pudo. Usando una base de un tema jamaicano, Nicki rapea sus lindezas con la desvergüenza que la caracteriza, pero dejando sobre todo un gran estribillo que podría haber cantado Rihanna o quizá ya haya cantado Sia: «Shots, shots, shots, I’m drinkin’ / It’s better when I’m drinkin’. No le ha hecho falta mucho más: uno de los secretos de esta cosa tan machacona es lo poco que dura, lo corta que se hace y vuelta a empezar». Sebas E. Alonso.
«No se puede decir que Nicki Minaj no lo quiera intentar con su último single. Repite lo que sabe que le funciona, distintos guiños a lo que ya le ha funcionado, un acercamiento más pop, (intentos de) ganchos a patadas, letra directa, disfrutona y con toque veraniego… pero, quizás precisamente por eso, la cosa se queda en un «tried too hard». No es tan directa como ‘Anaconda’ cuando intenta eso, no es tan divertida y pop como un ‘Starships’ y, por no irnos a lo que ya son sus clásicos, es que no llega siquiera al nivel de ‘Chun-Li’. La repetitiva base intenta ser pegadiza pero acaba siendo molesta, las estrofas se hacen largas y, eso sí, los “brra-ta-ta-ta” cumplen su función. Pero, en general, ‘Megatron’ es algo que ya hemos visto antes, y mejor». Pablo N. Tocino.
Este mes de junio ha llegado a las plataformas de streaming un nuevo single de Alec Benjamin, el joven cantautor de Phoenix autor del hit ‘Let Me Down Slowly’ -que ya destacamos como canción del día tras su breve incursión en la lista de singles española- y de la mixtape que lo contenía, ‘Narrated for You’.
Producida por una Alex Hope que ha trabajado con Troye Sivan, Carly Rae Jepsen o MARINA, entre muchos otros, ‘Must Have Been the Wind’ es la típica balada de pop acústico de Benjamin, pero es también una de las más inspiradas que ha publicado a nivel melódico. Si Benjamin ha demostrado ser un dotado compositor de melodías pop bonitas que además no pueden ser más «radio-friendly», a lo que sin duda contribuye su adictiva voz, ‘Must Have Been the Wind’ es un ejemplo emblemático de ello, en este caso conmoviendo desde el reposo, sin el dramatismo de ‘Let Me Down Slowly’.
También tiene su miga la letra de ‘Must Have Been the Wind’. En ella, Benjamin nos cuenta la historia de una pelea que escucha desde su apartamento, durante la cual oye a una chica «llorar» y cuyo recuerdo no le deja dormir. Para comprobar qué ha pasado, Benjamin visita el piso pertinente, llama a la puerta y es atendido por la chica, que niega que los ruidos provengan de su casa: «Creo que tus oídos te están engañando», contesta. «Debe haber sido el viento». Claramente algo pasa y el tema adquiere un matiz totalmente «cheesy» en el puente, cuando Benjamin decide poner ‘Lean on Me’ en su casa a toda mecha para insinuar a la chica que pude «contar con él». La idea funciona. Sí, efectivamente ‘Must Have Been the Wind’ puede ser tan cursi como una canción de la primera Taylor Swift o de John Mayer, pero también es una absoluta monada, algo obvio en cuanto la escuchas en directo.
En el anti-estrellato del nuevo rap español, Cecilio G. ha sido, desde siempre, una de sus figuras más controvertidas. Verdadero artífice de lo que luego fueron Pxxr Gvng, su carrera se ha debatido entre incontables beefs con otros raperos, excentricidades y excesos varios, rumores sobre su salud y el punto de inflexión personal que ha supuesto su paso por la cárcel, que ha confesado que, por mucho que sea una idea glamurizada en el hip hop, no le ha gustado nada. Y, en medio de todo eso, ha ido desperdigando su innegable genio en más contadas ocasiones de las que serían deseables, en casi innumerables mixtapes que alternaban temazos incontestables (como ‘El bueno de Markus’, ‘Gucci Fendy o Prawda’, ‘Legendario’, ‘Speed Life’, ‘Antonio Alcántara’ –con El Coleta–, ‘Barro’, ‘From Darkness With Love’ o ‘Pikete espacial’ –que casi ha trascendido el underground–) con casi el mismo número de desfases insostenibles.
Pero, como decía, la dolorosa estancia en prisión le ha hecho cambiar el enfoque que estaba dando a su carrera y ahora se muestra decidido a aprovechar al máximo su talento sin renunciar a esa personalidad única que le lleva a enemistarse enconadamente con C. Tangana pero hacerse amigo para siempre de los Taburete. Este cambio de actitud y mayor ambición se ha materializado en dos mixtapes publicadas en los últimos meses (la nueva se llama ‘Todos presos’). La primera de ellas es esta ‘Million Dollar Baby’ lanzada el pasado mes de marzo dentro de la plataforma La Vendicion Records, la misma en la que milita Yung Beef, con el que ha enterrado su beef (e incluso parece que estar al caer una colabo entre ambos, ‘Teletubi’).
En este nuevo trabajo (con 7 cortes en 20 minutos, podemos equipararlo a un EP) claramente deslumbra la canción titular. Un auténtico prodigio de rap old-school bien adaptado a la idiosincrasia actual por el dominicano Marvin Cruz –que pese a su juventud ya ha producido a Soulja Boy y Lil B, además de a numerosos MCs españoles y latinos–. Un tema que deslumbra por su gancho y, sobre todo, por la honestidad que imprime Juan Cecilia en sus versos, confesionales y honestos. Pero esta vez no es sólo una gema que brille entre cortes delirantes o prescindibles. ‘Million Dollar Baby’ es, hoy por hoy, el disco más completo y cohesionado que haya publicado nunca El Ceci. Apoyado básicamente en el citado Cruz y Limabeatz –con un estilo que bebe abiertamente del funk carioca–, Cecilio es el mismo de siempre pero mejorado en auténticos pepinazos como la casi pop ‘Trankimazin’, el trap de ‘Gracias Gucci Mane‘ o una ‘Cecilio G Kush’ que es classic Ceci en el buen sentido, con barras brutales y divertidas.
Como en el tema que da nombre a la mixtape, lo mejor viene de nuevo cuando se desnuda sin miedo en una ‘Intro’ que dirige a su padre fallecido, con una base de Javier Andrade (nombre real de Limabeatz) construida en torno a un sampler de ‘In My Mind‘ de Dynoro & Gigi D’Agostino, a la altura de emoción que requiere la letra. Sólo desentona aquí una ‘Ando con 3’ flojilla –y eso incluye su masterización, considerablemente menos potente que la del resto– y lo poco comprensible que es la inclusión de una versión de ‘Porque te vas’ de King Jedet en la que no hay ni una sola palabra de Juan (aunque como gesto, es simpático). Algo en ‘Million Dollar Baby’ dice que Cecilio G. está alcanzando un nuevo nivel en su carrera. Como canta en la mejor canción de este disco, Cecilio G. ha pasado de colarse en el festival Sónar a ser contratado por el evento de música, creatividad y tecnología barcelonés. El sábado 20 de julio estará en SonarXS, dentro de Sónar de día.
Calificación: 7,3/10 Lo mejor: ‘Million Dollar Baby’, ‘Intro’, ‘Trankimazin’, ‘Gracias Gucci Mane’ Te gustará si te gustan: Yung Beef, Kinder Malo, Sticky M.A., Kaixo Escúchalo: Spotify
Anoche al salir del Poble Espanyol barcelonés escuché decir que, para lo visto en la primera jornada de Share Festival 2019, quizá era mejor escuchar a esos artistas en tu casa, bien fresquito. Por más que la primera jornada de este festival con espíritu solidario –el euro de cada vaso reutilizable en barra va destinado a colaborar con distintas ONGs como Amnistía Internacional, Acción Contra el Hambre o el Instituto Jane Goodall, que además cuentan con stands informativos en el recinto– pudiera denominarse «la noche del pregrabado», no puedo estar de acuerdo. Como la etimología indica en el origen de la palabra «festival», más que una consecución de conciertos se trata de una celebración en la que participan tanto los que están bajo el escenario –un público jovencísimo, muchos adolescentes e incluso familias completas– como sobre él. Y en eso no se pudo poner demasiados peros a los artistas congregados. Cada uno en su medida, contribuyeron sobre todo a animar, hacer bailar y divertir. La ópera es en el Liceu, pocos kilómetros más al norte de la Ciudad Condal. [Todas las fotos cedidas por Share Festival 2019.]
Bien es cierto que, en ese papel, hubo dos nombres que mandaron sin apenas resistencia: C. Tangana y Becky G. EL Madrileño, regresado a España de su periplo americano, parece haber dejado atrás el concepto arty de ‘Ídolo’ y ‘Avida Dollars’. El único acompañado por instrumentos en directo –Alizzz en bases y teclados, más un percusionista que aportaba un rico saborsito latino–, C. Tangana, dominador del autotune, centró su set en lo que la gente desea: hits. Y no sólo los tiene a espuertas, de todos los colores y épocas –’De pie’, ‘Caballo ganador’, ‘Persiguiéndonos’, ‘Cuando me miras’, ‘Bien duro’, un ‘Antes de morirme’ en el que él mismo cantó los versos de Rosalía (en ‘Guerrera’, en cambio, sí sonó la voz de Dellafuente)– sino que la lista no para de crecer. ‘Un veneno‘ y ‘Pa llamar tu atención‘ fueron de lo más coreado de la noche, antes de los inevitables ‘Mala mujer’ y, como bis, una ‘Llorando en la limo’ con intro y outro, con el único acompañamiento del piano de Cristian Quirante. Ah, y sí, como cabía esperar, Becky G subió con él a escena para cantar ‘Booty‘, esta vez a dúo.
Y es que el set de la artista californiana comenzaba precisamente con esa canción y la no aparición de Puchito con ella fue un bajoncillo. Pero antes del arreglo que más tarde desempeñaron más tarde, ya la propia Becky G se encargó de alejar cualquier mal sabor de boca, con un set tan breve como fulgurante. Acompañada por un DJ que lanzaba los temas, cuatro bailarines y toda la pirotecnia, Becky del Bloque venía a dar espectáculo sin desfallecer, respondiendo que no, no necesita ningún álbum para armar un buen repertorio. Sin respiro –la media hora larga, no sabemos si comprimida por retrasos previos, pasó volando–, la ex-Power Ranger amarilla no se andó con mandangas y encadenó la docena de éxitos recientes, propios o remixes ajenos, con y sin voces amigas pregrabadas. Así, ocasionalmente sonaron las voces de Sean Paul (‘Mad Love’), Maluma (‘Mala mía’ y ‘La respuesta‘) o Daddy Yankee (‘Dura’) mientras que ella sola suplió con un estupendo registro vocal las de Anitta (‘Banana‘) o Paulo Londra (‘Cuando te besé’ fue uno de los momentos de mayor conexión con el público, llegando a marcarse un a capella posterior). Y Becky no sólo cantó bien (a pesar de que se mostró descontenta con el sonido que la entraba por el monitor de oído), sino que encabezó el cuerpo de baile con soltura. Lo mejor fueron que, conectando bien con lo que pedía el público, su set fue dinámico y ágil, no permitiendo que decayera ni un segundo hasta encender la gran traca final con ‘Mayores’ y ‘Sin pijama’. Llamadlo tablas, currazo previo o lo que queráis, pero fue incontestable.
Y esto viene a que, aunque no pueda compararse por tratarse de una artista relativamente nueva y con menos medios, el show de Lola Indigo, pese a ser muy esperado y contar con un puñado de canciones perfecta para liarla, no logró esa perfecta comunión con el público. Y, precisamente, por cierta falta de dinamismo, que se evidenció al contraste con la artista yanqui. La verdad es que su salida a escena con media hora de retraso –un no especificado problema técnico que se solucionó, sospechosamente, cuando el sol dejó de pegar bien fuerte sobre el escenario– fue un bajón, pero, tras el arreón primero de ‘Mujer bruja’ y ‘Maldición’, los interludios de baile y proyecciones casi entre cada canción del estupendo ‘Akelarre‘ (por supuesto, sonó al completo, además del remix de ‘Borracha’ de Yera) hicieron difícil llegar entregarse a los esfuerzos y palpable entrega de Mimi Doblas y sus cuatro bailarinas. Es guay que quiera hacer un show de música y baile, pero el público también quiere bailar, no sólo mirar.
Y si el fortísimo sol fue un problema para los artistas en Share Festival, en esta primera jornada lo peor se lo comió enterito el bueno de Don Patricio. «De verdad les digo que me siento como si estuviera en la playa», decía. Sólo que sin sombrilla, un refresco, arena y –un detallito– agua del mar. Casi nada. Pero eso no hizo que el de El Hierro, que celebró los 5 meses del notable ‘La dura vida del joven rapero‘, se entregara menos o que se marchitara de calor como el pobre ramo de flores con el que subió a escena y que acabó arrojado «como en las bodas». Sin gota de autotune, tras unos inicios dubitativos en los que no parecía acertar con el tono a usar en ‘Porrito en París’ y ‘Carita de guiño’, dio con la clave: los canturreos, mejor para el público (‘Bonsai’), y él se dedicó a rapear. Y ahí no falló, logrando divertir recurriendo a clásicos del reggaeton propios (‘La papaya’) y ajenos (una intro con ‘Dile’ y ‘La gasolina’), y afianzándose con la locura desatada con ‘Enchochado de ti’. En un auténtico puntazo, Bejo y Uge, sus colegas del combo Locoplaya, se subieron al escenario para cantar temas propios como ‘Cuelga tú’ o ‘Crazy’, entre balones y colchonetas hinchables, caramelos y melones –que fueron arrojados al público tras darles unos lametazos–. Pura diversión bajo (y a pesar de) la solana, rematada con el inevitable ‘Contando lunares‘ y un número instrumental próximo a «Paquito El Chocolatero».
Este fin de semana tenía que tener lugar en Bélgica un festival llamado Vestiville que contaba con nombres tan enormes en su cartel como Cardi B, Future, Migos, A$AP Rocky, Nicky Jam o Jason Derulo. Sin embargo, ayer no abrió sus puertas y la organización informaba de su cancelación tan solo unos minutos antes de que la apertura tuviera que producirse.
A través de Twitter, a las 17.25 horas informaban de que el alcalde de Lommel había decidido que el festival no arrancara por razones de seguridad. Apelaban directamente al equipo de seguridad de A$AP Rocky, el cual había decidido que la “seguridad del artista y del público no podía ser garantizada”. ¿A qué recuerda esto? Exactamente a lo que sucedió en el caótico Fyre Festival cuando el equipo de seguridad de Blink 182 visitó las instalaciones poco antes de su inauguración. Sus responsables decidieron que su grupo no iba a actuar y entonces se desató la tormenta.
A$AP Rocky informaba a través de sus redes de que “debido a problemas de seguridad, infraestructura y producción” su show no podía tener lugar; y la cancelación lógicamente ha desatado la ira de los asistentes al festival. Estos están denunciando problemas en el abastecimiento de agua y comida, incluso haber sido retenidos en el cámping durante horas, y también están compartiendo vídeos de algunos momentos de pánico.
Scenes at @VestiVille were beyond scary. Unprofessional and so unsafe. No announcement regarding cancellation and staff members put at risk. Ridiculous pic.twitter.com/IitjUjvFze
Currently at @VestiVille – this is FYRE festival 2.0 – was not allowed to leave the campsite during 14hours to go get food or water and they were not selling any either #vestiville
Today at 5:00 PM the mayor of Lommel decided to not let Vestiville start. After consultation with the security services and ASAP Rocky’s security officer, it was decided that the safety of the artist and the public could not be guaranteed.
La noticia absurda del día involucra a dos miembros de One Direction, a Drake y a HBO. La cadena de televisión americana ha estrenado recientemente una nueva serie producida por Drake, ‘Euphoria’, basada en la serie israelí del mismo nombre que se emitió entre 2012 y 2013, y que está protagonizada por la cantante y actriz Zendaya. La serie está dando que hablar por su representación medio explícita del sexo entre adolescentes y su consumo de drogas.
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Llegamos al debut de Hatchie advertidos de las cualidades de su artífice, la joven australiana Harriette Pilbeam, por su EP del año pasado ‘
Interpol han dado un movimiento inesperado en su carrera al anunciar un tour conjunto con Morrissey que desarrrollarán por Estados Unidos el próximo otoño. La decisión les ha valido no pocas críticas en la red social por antonomasia para criticar, Twitter, a cuenta de la simpatía por un partido de extrema derecha británico de su futuro compañero de gira. Por eso en una entrevista ofrecida a la publicación 
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Thom Yorke lleva bastante tiempo presentando en directo los temas de ‘ANIMA’, su tercer álbum de estudio en solitario. Muchos de ellos Yorke los tocó el año pasado en el Sónar, por ejemplo, en un concierto que yo mismo reseñé para este medio y que, en mis propias palabras, se “hizo bola” hasta el punto que la pista quedó bastante despejada al final del show. Siempre es mala señal que el interés del público decaiga durante un concierto cuando debería pasar lo contrario o al menos mantenerse, pero estaba claro entonces que las nuevas canciones de Yorke no eran demasiado interesantes; y en el año que ha pasado desde aquel concierto, con ‘ANIMA’ ya entre nosotros, no parece que estas composiciones hayan sufrido una evolución significativa.
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