Fontaines D.C. volverán a España este agosto para una breve gira de tres fechas. La banda irlandesa actuará el 8 y el 9 de agosto en Baluarte de la Candelaria (Cádiz), el 11 de agosto en Muelle Live (Alicante) y el 13 de agosto en Ciudadela (Pamplona). Las entradas, a la venta en este link.
El grupo ha compartido el anuncio con un mensaje dirigido a sus seguidores: «Estamos deseando volver a este país que siempre ha sido tan especial para nosotros». La banda, que tiene un integrante español, añade que España es «un lugar que siempre ha sido especial» para ellos. Actualización: Las entradas para el Baluarte de la Candelaria han durado 5 minutos (primer día) y 1 hora (segundo día). Las últimas entradas para Alicante y Pamplona están disponibles.
Fontaines D.C. siguen presentando ‘Romance‘, uno de los mejores discos de 2024.
Hoy, 22 de mayo, salen nuevos discos de María José Llergo, Bleachers, Ed O’Brien (de Radiohead), JPEGMAFIA, Greeicy, Alela Diane… y el minidisco de Naiara, que comentamos con su autora en portada. También hay discos de Bladee y La Estrella de David, y salen EPs de Shego y Chica Sobresalto.
El single destacado hoy en portada es el de Charli XCX, pero también nos ha gustado mucho el de Olivia Rodrigo, y vemos que a vosotros también. Otros sencillos notables son los que avanzan por primera vez los próximos discos de Anni B Sweet, Barry B y Cariño. Entre los “second singles” disponibles hoy, el de Lola Indigo.
Además, hay novedades muy interesantes en el pop internacional de artistas como Kelsey Lu, Channel Tres, Blondshell, Lauv y Vince Staples. La música nacional deja interesantes novedades de Vangoura, ABHIR con Ralphie Choo, Sistema Nervioso, Alba Morena, El Último Vecino, DORA o FUTURACHICAPOP. Además, tenemos singles televisivos de Amaral y Kylie Minogue.
En otro orden de noticias relacionadas con la entrega este jueves de los premios Ivor Novello en Londres, Harry Styles ha tenido el “honroso y terrorífico” papel de entregar un galardón a Thom Yorke. Durante su discurso, el cantante se ha deshecho en elogios hacia el influyente líder de Radiohead, destacando la capacidad de Yorke como compositor para “transmitir lo que a veces significa ser humano”, al tiempo que lo describe con imágenes como “un alienígena”, “un fantasma acechante” y “un profeta enfadado”.
El momento más curioso de su intervención llega cuando Styles habla de lo profundamente personal que ha resultado la música de Radiohead en su vida, en concreto en su vida sexual. Afirma que perdió la virginidad escuchando a la banda y menciona el tema exacto, que no puede ser más improbable: ‘Talk Show Host’, la famosa cara B de ‘Street Spirit (Fade Out)’ que apareció en la banda sonora de ‘Romeo + Julieta’.
“Perdí la virginidad con ‘Talk Show Host’. Perdí la virginidad con la intro de esa canción”, cuenta Styles, que por alguna razón continúa hablando del poder casi espiritual de la música de Radiohead: “La obra de Thom es música que se siente. Siempre ha sido para mí una experiencia algo religiosa. Religiosa en el sentido de que la comprensión parecía ir en ambas direcciones. Siempre sentí que podía entender de forma única al autor de estas canciones, y que por fin alguien estaba capturando lo que a veces significa ser humano. «Gracias a Dios a alguien se le ha ocurrido esto», solía pensar”.
Styles continúa señalando que no puede “exagerar” la influencia que la música de Radiohead ha ejercido en su “creencia en el propósito del arte», ni la influencia que la música de Yorke sigue teniendo él, antes de afirmar que “sin Exit Music (For a Film) no existiría ‘Watermelon Sugar’”. Es decir, su canción sobre el cunnilingus. ¿Es esto humor británico o va en serio?
Yorke, presente en la ceremonia -de hecho posó con Styles en una foto-, aprovechó su discurso de agradecimiento para criticar a la industria musical y su “fijación con el precio de las acciones de los servicios de streaming a costa de los artistas: recordad, sin nosotros no sois nada”. Además, interpretó ‘Jigsaw Falling Into Place’ y un nuevo tema supuestamente titulado ‘Space Walk’.
Rosalía ha sido una de las artistas galardonadas este jueves en la gala de los premios Ivor Novello, que reconoce a los mejores compositores de la industria musical. Entre las galardonadas con este prestigioso premio se encuentran también Lily Allen, CMAT o Sam Fender, mientras que George Michael ha sido convertido miembro de la Academia de forma póstuma.
Rosalía, que se encuentra actualmente en un descanso de su gira LUX, ha asistido al Grosvenor House de Londres para recoger el premio a Compositora Internacional del Año, por el extraordinario ‘LUX‘, y su discurso está siendo especialmente comentado por el momento en que señala la desigualdad de la industria musical.
Agradeciendo el premio, subraya su propio privilegio, afirmando que hay “innumerables autores brillantes que no serán reconocidos como merecen porque no son europeos blancos de clase media, cuya crianza ha sido lo bastante estable como para convertir un atisbo de talento en una carrera de éxito”. Mientras el público aplaude, detrás de ella, a Damon Albarn se le dibuja una sonrisa.
Durante el discurso, asegura que la idea de escribir un cuarto álbum le “aterrorizaba” por la presión que sentía de “ese monstruo insaciable, comúnmente conocido como la industria musical”, recordando que lo trabajó durante tres años, y ha indicado que “ni en sus mejores sueños” habría imaginado recibir semejante distinción.
Como señala 20 Minutos, Rosalía es la primera artista española que recibe el prestigioso premio Ivor, aunque no la primera hispanohablante, ya que Shakira lo obtuvo en 2022.
Britney Spears fue detenida en marzo por conducir bajo los efectos del alcohol, y ahora el vídeo policial de su arresto ha sido publicado por las autoridades estadounidenses. Varias imágenes del material han comenzado a circular en redes sociales, dentro de un vídeo obtenido por The New York Times que incluye hasta tres horas de grabaciones.
En las imágenes, Spears responde de forma confusa a las preguntas de los agentes, alternando frases incoherentes, cambios de tono y acentos. También insiste en que estaba bien para conducir, a pesar de que la policía la había detenido por circular de manera irregular entre carriles.
El vídeo recoge además momentos surrealistas, como ese en que la cantante ofrece a los agentes ir a su casa, comer lasaña y usar su piscina, mientras se niega durante varios minutos a salir del vehículo. Según el informe, su actitud y sus respuestas llevaron a los oficiales a concluir que se encontraba bajo la influencia combinada de alcohol y un estimulante. Por otro lado, quizá las imágenes no son tan «erráticas» y alarmantes como titulan los medios.
Durante la detención, el agente afirma haber detectado olor a alcohol en el coche. Spears contesta: “Probablemente puedo beber cuatro botellas de vino y cuidarte. Soy un ángel”. El informe detalla que Spears declaró haber tomado tres medicamentos recetados ese día, incluidos Prozac y Adderall.
Tras la detención, Spears fue liberada a la mañana siguiente y aceptó un acuerdo de culpabilidad por un cargo menor, evitando así prisión adicional. El pacto incluye 12 meses de libertad condicional y la obligación de completar un programa de rehabilitación de tres meses por abuso de sustancias. Spears ingresó voluntariamente en un centro de rehabilitación a mediados de abril y abandonó la clínica a finales de mes.
Olivia Rodrigo ha publicado el segundo sencillo oficial de su nuevo disco, ‘you seem pretty sad for a girl so in love’. La canción se titula ‘the cure’ y todos hemos pensado lo mismo al leerlo: ya son demasiadas referencias a la banda de Robert Smith.
Se sabe que la autora de ‘GUTS’ es una gran fan de The Cure, refiriéndose a Smith como su «héroe personal» y llegando a cantar con él en el escenario de Glastonbury el año pasado. Juntos interpretaron ‘Friday I’m In Love’ y ‘Just Like Heaven’. A su vez, es justamente esta canción la que la artista mencionaba en ‘drop dead’, el primer single de su álbum.
Sin embargo, ‘the cure’ no se inspira tanto en The Cure a simple escucha, sino en el sonido del indie folk más emo de los años 2000, pero llevado al terreno emocional de Olivia, que utiliza metáforas médicas de «antídotos», «toxinas» o «veneno» para narrar una historia de inestabilidad emocional. La letra incluye la expresión “I’m unraveled”, que da título de la gira de Olivia, que pasa por España el año que viene.
A lo largo de cinco emocionantes minutos, Olivia entrega un inesperado slow burner casi anticomercial y que, con solo guitarra y voz, va construyendo pacientemente la tensión hasta que la canción explota en un final con batería y orquesta. Olivia describe ‘the cure’ no solo como una de las mejores canciones que ha escrito nunca, sino también como su favorita del disco. Sin duda, es una de sus mejores composiciones.
Actualización: La canción ha logrado alcanzar el top 1 en el Global de Spotify y se mantiene fuerte en el top 3 en su tercer día de vida. Además de su espectacular vídeo con «plot twist» dejando atrás el pasado, la cantante ha compartido un vídeo en directo exclusivo para Spotify.
Aunque este es el segundo single del proyecto, Rodrigo también desveló en SNL la canción ‘begged’, con coros de Weyes Blood incluidos. El nuevo disco de Olivia Rodrigo estará disponible el 12 de junio en todas las plataformas.
Charli xcx ha inaugurado recientemente una nueva era con el lanzamiento de ‘Rock Music‘, un tema atrevido aunque corto, que no ha entusiasmado a su público. Charli comparte ya un segundo single, ‘SS26’, que promete reconciliarla con el público.
Las siglas de ‘SS26’ responden a la frase ‘Spring Summer 2026’ y la canción sigue la línea de ‘Rock Music’ pero se sostiene en una melodía más desarrollada y accesible. De estructura menos disruptiva que la de ‘Rock Music’, ‘SS26’ afirma la reinvención rock de Charli xcx en una canción que apunta a la atemporalidad de los clásicos en melodía e instrumentación.
La letra la había publicado ya la propia Charli en su perfil de Substack, donde de vez en cuando comparte alguna reflexión en forma de artículo. El texto de ‘SS26’ parece una crítica irónica y distópica del mundo del entretenimiento y la sociedad contemporánea, llevando el concepto de ‘Rock Music’ más allá.
El texto, cargado de ironía, se sitúa en un contexto apocalíptico (“When the world is gonna end no hope for any of it”) para construir un retrato cínico del mundo contemporáneo y su obsesión con las celebridades, la fama y el culto a la imagen personal.
La letra incluye críticas a la superficialidad de la moda (“Yeah we’re walking on a runway that goes straight to hell”) y a la cultura de la cancelación (“I was hacked / It was taken out of context obviously”), así como a la lógica de la disculpa obligatoria publicada para salir del paso, representada en la banal imagen de una «disculpa escrita en el blog de notas del móvil».
Entre los versos más llamativos destaca aquel en el que la artista alude al uso de la identidad como herramienta de branding comercial (“Think my politics could work as a press strategy / And my heritage could give me quite the USP”), en una reflexión sobre cómo lo personal se convierte en estrategia de marketing. Aunque quizá el más destacado sea aquel en el que se afirma que ya «ni la música, el cine o la moda podrán salvarnos». Para Charli, no solo ha muerto la pista de baile, sino también la cultura misma.
El contraste entre la ternura y vulnerabilidad que desprende la melodía y la crudeza de la instrumentación, que incluye capas de guitarras fuzzy, bajos crudos y al final también cierta pátina hyperpop en producción, no solo es deliberado, sino que se explica en la letra, también. Charli, destripando el sistema desde dentro
Naiara fue la ganadora de Operación Triunfo 2023. Destacando por su potentísima voz, la artista zaragozana dio una de las actuaciones más memorables de la edición con su versión de ‘Gata Bajo La Lluvia’, de Rocío Dúrcal. Justamente, mañana lanza ‘La Española’, su primer EP con Universal, en el que homenajea a las grandes de la música española, desde Las Grecas hasta Rocío Jurado. Con esta, se atreve a versionar uno de sus mayores himnos.
Desde su salida del concurso, Naiara ha lanzado varios singles con los que ha probado diferentes estilos dentro del pop contemporáneo, desde el electropop de ‘Tienes Que Saber’ hasta el pop urbano de ‘Enlokiá’ o ‘Veneno’. Sin embargo, con la salida de este EP, asegura que ha encontrado el sonido que mejor la define.
Hablamos con Naiara sobre el «largo y duro» proceso de creación de ‘La Española’, el papel de las folclóricas en su vida, encontrar un sonido propio y la gira que canceló el año pasado.
Como estamos aquí en el Candela, te quería preguntar qué te transmite un lugar tan icónico.
Sí, pensar que por aquí han pasado tantos artistas que admiro… No sé, es un cúmulo de emociones y sensaciones increíbles, la verdad.
Tu primer EP, tu primer proyecto como tal, está al salir. ¿Cuáles son las sensaciones?
Tengo muchísimas ganas y muchísima ilusión. Hemos puesto todo el amor, la delicadeza y el cariño, tanto mi equipo como yo. Al final, este camino ha sido un poco largo, un poco duro, pero gratificante a la vez. Creo que tengo entre manos algo que para mí me representa y me define como artista, que tiene un peso. El conjunto de todo lo que es ‘La Española’ creo que me identifica a más no poder.
¿Por qué dices que ha sido largo y duro? ¿Cuáles han sido las complicaciones?
Más que complicaciones, digamos que lo difícil ha sido el hecho de encontrarme artísticamente. Vengo de una orquesta en la que he cantado absolutamente todos los estilos. Entonces, vale, he cantado de todo, pero, ¿qué quiero proyectar yo como artista? Para llegar al acierto ha habido muchos errores. He hecho muchas canciones que nunca van a ver la luz. Me ha costado encontrarme, realmente. He necesitado mis tiempos, he necesitado quitar capas de mí, silenciar todo el exterior, el ruido y simplemente enfocarme en lo que yo quiero ser. Mirar atrás, de dónde vengo, mis orígenes, mis raíces…
Los singles que has sacado hasta ahora van desde el pop italiano hasta la bachata. ¿Te refieres a este proceso?
Los singles que he ido sacando también forman parte de mí. Son canciones que me encantan y que tampoco descarto seguir haciendo, porque para mí la música es diversión, es jugar con ella. No me quiero cerrar solo a una cosa. Para mí, sería superaburrido hacer solo una cosa. Los singles que he ido sacando… Ahí están. Digamos que mi proyecto quería que fuera algo más sólido, con un peso diferente, con una historia, con un porqué. Luego, en cuanto a los singles, pues no descarto hacer un reguetón, no descarto hacer una bachata otra vez. O sea, en eso estoy abierta completamente.
«Me considero una mujer superespañola y superorgullosa de dónde vengo»
¿De dónde viene ese título tan grandilocuente?
El título es potente. Yo me considero una mujer superespañola, estoy superorgullosa de dónde vengo, del país en el que he nacido, de nuestras costumbres, de las mujeres españolas, que somos las mejores, y de esa forma que tenemos de hacer las cosas con tanta pasión y tanto poder. El título viene de una sesión de estudio que tuve hace un montón de tiempo con un compositor que se llama Yassir y él cantó un trozo de una canción que estábamos componiendo y la frase era como: «Entra el club y se quedan mirando porque todos quieren con la española». Entonces, dijimos:»Wow, la española» y ahí se quedó. Al tiempo, pensé que era un nombre que me encantaría para un proyecto, porque yo no me puedo sentir más española.
O sea, que fue tu primera opción.
Siempre ha sido ‘La Española’, siempre.
Es un homenaje a las mujeres españolas pero también a su música. Sampleas a Las Grecas, versionas a Rocío Jurado… ¿Qué papel ha jugado esta música en tu vida?
Desde que tengo razón de ser, en mi casa se escuchaba a Isabel Pantoja, a Rocío Jurado, a Las Grecas… Yo las veía en la tele y las imitaba. Me ponía como una manta haciendo que era una bata de cola y me ponía a bailar. Y en este proceso de creación, al poder quitarme esas capas y escucharme a mí misma y saber por dónde quiero llevar mi proyecto, yo decía que esa es la música que a mí realmente me ha llenado. Yo quería ser una folclórica con tatuajes.
¿Cómo te enfrentas a hacer una versión de una canción tan grande como la de Rocío Jurado, ‘Como Yo Te Amo’?
Con mucho orgullo y con mucho amor. Al final, siento que esa canción la quiero dedicar a todas las mujeres españolas y en concreto a Rocío, que siento que ha abierto mucho camino a las siguientes que han ido llegando después. Es como una canción de amor hacia las mujeres, hacia mí y hacia todas las mujeres españolas.
¿Qué tal ha sido trabajar con Alba Morena en la composición y Rico Rosa en la producción?
Es superfácil trabajar con ellos. Yo siempre traigo lo que es el boceto de la canción, con algo escrito y tal, y desde ahí vamos desarrollando las ideas. Alba es una compositora increíble y Rico es un productor maravilloso. Realmente, con él encontramos el sonido de todo. Ha sido un punto de inflexión en mi proyecto.
¿Crees que un artista debe encontrar su sonido?
Creo que de alguna manera es importante, porque muchas veces, o yo por lo menos, escuchas una canción durante tres segundos y ya sabes de quién es por cómo suena. Eso es lo que me gustaría conseguir a mí, que la gente supiese cómo suena un tema mío. Creo que es importante encontrarlo, pero es complicado. He estado mucho tiempo buscándolo, pero bueno. Trabajando, con esfuerzo y ganas, todo es posible.
¿Es algo difícil de forzar no?
Más que difícil, es un tema de constancia. Es ponerte, y ponerte, y ponerte, y guiarte por lo que te gusta, lo que no te gusta… Ir probando. Para llegar al acierto hay que pasar por muchos errores.
«Las mujeres españolas somos las mejores»
Todos los que habéis salido de OT 2023 y de las ediciones posteriores os habéis enfrentado a una industria muy diferente a la de hace unos años. ¿Qué es lo que más te sorprendió al salir del concurso?
Todo en general. Ir de la mano de una compañía tan grande como Universal es un apoyo muy grande. Yo, la verdad, no tengo ninguna ninguna queja. A mí me han ayudado un montón, me escuchan, me apoyan y… No sé. Hay muchas cosas con las que lidiar, obviamente, pero estoy contenta.
Si no hay quejas, todo bien.
Y si las hay, no te lo voy a decir (risas).
Cuando saliste, además, saliste como la ganadora del concurso. Seguro que tiene un lado complicado.
¿Complicado ganar un concurso de 14.000 personas? ¿Ganar 100.000 euros? Para mí, lo complicado ha sido gestionar más lo que es toda la vida que se te viene tan diferente, pero la oportunidad para mí ha sido maravillosa. Ha sido un punto de inflexión en mi carrera. O sea, si no hubiera pasado por OT, quizás no estaría ahora mismo aquí.
Obviamente, mucha gente te diría que no tienes nada de lo que quejarte, pero gestionar todo eso seguro que no es fácil.
Te cambia tanto la vida que hay muchas cosas con las que lidiar, muchas cosas de las que aprender a gestionar, muchos estímulos en muy poco tiempo… Pero bueno, estamos hechas para todo lo que venga.
¿Cómo te centras al salir de OT, al encontrarte con todo esto?
Para mí, la mejor manera de estar tranquila, feliz y que todo esté en orden es estar con mi gente de siempre. Mis amigos de toda la vida, mi familia, mis hermanas, mi madre, mi abuela, irme al parque a comer pipas con mis amigos, hacer las cosas de siempre… No hago nada diferente a lo que hacía antes.
«La orquesta ha sido la etapa en la que más feliz he estado en toda mi vida»
Me hizo gracia lo que dijiste en el programa de Ana Milán, cuando contaste que no fuiste a la actuación de los Juegos Olímpicos de París con OT porque habías jurado ir a las ferias de tu pueblo para ver la orquesta en la que trabajabas.
Yo qué sé. A veces, me dejo guiar por lo que me dice mi corazón y me siento muy responsable con mi trabajo, pero eso fue algo que se decidió de una manera que para mí no fue la mejor ni la correcta. Creo que el trabajo se habla en privado, no delante de cámaras como en el concurso. Yo hubiera dicho que no si me hubieran preguntado por detrás, claro. Hubiera dicho que no, pero no por nada, sino porque estábamos recién salidos del concurso y necesitaba un poco de aire, de estar con mi gente y además es que hice una promesa. Y cuando prometo algo, lo cumplo.
Me imagino que mereció la pena.
No me arrepiento en lo más mínimo.
¿Cómo es la vida de cantante de orquesta?
Muy caótica. Hay que estar viajando todo el día, de aquí para allá, y son muchas horas encima de un escenario. Es duro, pero es muy divertido. La orquesta me dio todo lo que he aprendido. Fue como mi escuela. Es que eran 150 actuaciones al año, imagínate. Y estuve ahí casi 10 años. Es mi familia. Lo digo muchísimas veces, que si tuviera que volver, volvería orgullosa y con la cabeza bien alta, porque yo he sido muy feliz. Creo que ha sido la etapa en la que más feliz he estado en toda mi vida.
Cancelaste una gira porque dijiste que no la querías hacer sin un disco. ¿Habrá gira de ‘La Española’?
De momento, ‘La Española’ sale hoy. Lo que venga en el futuro, ni yo lo sé.
El homenaje de Julieta Venegas a la música norteña y a su infancia en Tijuana no es tradicionalista, en el sentido de que Venegas no ha tratado de hacer un disco folclórico al uso, sino que ha captado un aire norteño, pero a su manera y desde su propia perspectiva biográfica. De hecho, el lanzamiento de ‘Norteña’ coincide con el de su libro de memorias, y Venegas cuenta que ‘Norteña’, el disco, no es más que una autobiografía musical.
Esta huida de la rigidez folclórica se ve compensada gracias al enfoque pop de Venegas y a su exquisito gusto como compositora. Las canciones de ‘Norteña’, con un enfoque muy narrativo en sus letras, cuentan historias de idas y venidas, de reencuentros y despedidas, y captan un aire colaborativo evidente en artistas invitados y en la expansiva instrumentación.
Una abundante variedad de cuerdas, metales, el icónico acordeón de Venegas y otra multitud de timbres pueblan el universo de ‘Norteña’, mientras las letras exponen emociones sinceras, pero siempre de forma adulta e inteligente. Venegas afirma que el retorno a las raíces es una “reacción al mundo tecnológico”, y su respuesta es ‘Tiempos dorados‘, un regional mexicano arropado de requinto y trompeta, que imagina una vida menos secuestrada por la inmediatez: “que vuelva el misterio y el aburrimiento, el no saber nada”, clama. La amistad es un tema recurrente: en ‘Tengo que contarte’ se describe el apoyo entre dos amigas, siempre desde una positividad en la que la tristeza nunca se nombra directamente, solo se habla de “algo parecido”, y la pista menor ‘Amigas’ cuenta una reunión entre dos amigas, con una querencia más orquestal.
El disco de Venegas llega en un tiempo extrañamente oportuno debido al drama de las deportaciones del ICE en Estados Unidos, pero ‘Norteña’ no responde directamente a esta situación ni la explota vendiendo drama barato; de hecho, la canción más explícitamente dedicada a las deportaciones de inmigrantes, ‘La Línea’ (la que separa las fronteras), se escribió hace dos años. Un dueto con Yahritza y Su Esencia, ‘La Línea’ transmite en realidad toda la esperanza posible, mientras el conjunto del estribillo vocal y la línea melódica del acordeón, cargada de melancolía, construye un nuevo clásico de Venegas que pocos han visto venir.
Venegas entrega dos cumbias como dos soles, ‘Leyendas de Tijuana’ y ‘Volver a ti’, que con ecos fronterizos, reiteran la temática de regreso al hogar o al encuentro de una persona amada. No todo el disco sigue su mismo nivel, ya que en la segunda mitad de ‘Norteña’ encontramos canciones sólidas, pero no igual de brillantes, como la exultante ‘Caprichos del azar’, emotiva en su retrato de un reencuentro; o ‘Esquina del mar’, que habla de mudarse a otro país en busca de nuevas oportunidades, manteniendo siempre el sabor optimista del disco. El verso “cruzamos la línea, fuimos a buscar a nuevas ciudades” conecta directamente con ‘La Línea’, fortaleciendo esa línea narrativa y conceptual del proyecto.
Ni la alegre ‘Terca’ ni la festiva ‘Te celebramos’ construyen los momentos más memorables del álbum, pero ‘Norteña’ es capaz de ganarte desde otros lados, no solo a través de la franqueza emocional de sus letras, sino también a través de su cuidada estructura narrativa, también reflejada en lo instrumental: no puede ser casualidad que el folk de cámara de ‘Callaron las canciones’ marque el ecuador del álbum, con su tono taciturno e incluso oscuro, y que de ahí pasemos a ‘Terca’ recordando la infancia, despejando ese misterio previo. ‘Norteña’ es viaje y retorno, a la vez.
Kesha sigue inmersa en su etapa independiente, una fase que hace un par de años le dio un minihit viral en redes, la literalmente increíble ‘Joyride‘, y que consolidó con la edición de un álbum más que correcto, titulado simplemente con un punto. Una idea que la italiana MYSS KETA ya había explorado años atrás, pero que Kesha, gracias a una mayor visibilidad y a la interesante dirección artística del proyecto, supo hacer suya.
La carrera de Kesha continúa ahora con el lanzamiento de un single de estética igual de disruptiva, aunque quizá no tan sorprendente como ‘Joyride’. ‘Origami’ sí lleva el sonido de Kesha a un terreno menos habitual, próximo al synthpunk y al electroclash dosmilero, aunque su pasado como diva electropop mainstream todavía asoma en un estribillo coreable, claramente diseñado para el canto colectivo.
Por lo demás, quizá si ‘Joyride’ no hubiera existido, ‘Origami’ se sentiría más como un shock que como una simple extensión de la faceta más absurda y desinhibida de Kesha. La Canción del Día, cargada de detalles de producción distorsionados, y, sobre todo, de mucha actitud por parte de la cantante, se complementa con una letra completamente delirante inspirada en la cultura japonesa, pero también en otras referencias que aparecen de repente y porque sí, como demuestra esa rima: «I’m serving supersexual, flexible intellectual / Meet me down in Shibuya, practice that kama-sutra».
Aunque para absurdo, el llamativo videoclip: una especie de orgía simulada que utiliza una coreografía repleta de poses sexuales y, por supuesto, la propia forma de ese origami convertida en una infalible metáfora pop de doble sentido.
Además, Kesha ha explicado que no bailaba de forma tan protagonista en un videoclip desde ‘Die Young’, una experiencia que, según cuenta, no fue positiva. Por eso, con ‘Origami’, pretende reapropiarse de aquella sensación: «La última vez que bailé en un vídeo fue para ‘Die Young’… y digamos que no fue precisamente una experiencia empoderadora para mí. Así que este vídeo no solo se siente como una recuperación de aquel momento, sino también como una oportunidad para bailar y divertirme. Y estar en mi cuerpo… porque es MÍO, y eso es lo que significa la libertad para mí».
Totó la Momposina fue durante décadas memoria viva del Caribe colombiano gracias a su voz ancestral y su potencia escénica, proyectando al mundo los ritmos de la cumbia, el porro y el bullerengue. Su papel fue el de puente entre lo rural y lo global, entre la cumbia de raíz y los escenarios internacionales, siempre con un pie en la tradición afroindígena y otro en la modernidad.
Su proyección internacional se consolidó a base de escenarios como el de WOMAD (el universo de Peter Gabriel), Glastonbury o Roskilde, entre otros festivales. Su disco ‘La Candela Viva’, editado por Real World Records, el sello de Peter Gabriel, es fundamental para entender la música de raíz colombiana.
Ha sido imborrable la huella de Totó, que ha fallecido esta semana a los 85 años, en la música contemporánea. Jay-Z, Major Lazer y Sevdaliza -que en su macrohit global ‘Alibi’ utilizaba la melodía de ‘Rosa’- la han sampleado o remezclado. Y canciones como ‘La Candela Viva’, ‘El Pescador’, ‘La Sierpe’ o los cantos de tambora-chalupa han abierto la música colombiana al mundo.
“Despedimos a la eterna Totó, a la eterna maestra que recorrió el mundo entero a ritmo de cumbias, porros, mapalés y bullerengues nacidos en el corazón de nuestra tierra», ha expresado El Ministerio de Cultura de Colombia, recordando «a la eterna momposina que habló de la música tradicional del Caribe, la potenció y la enriqueció durante décadas para escribir un capítulo entero de la historia cultural de nuestro país”.
El circuito estatal de música en directo Girando Por Salas (GPS) celebrará el cierre de su edición #GPS16 el próximo jueves 11 de junio en la Sala Galileo de Madrid a las 20:00.
El evento funcionará como una fiesta de fin de gira tras más de 200 conciertos realizados por toda España con apoyo económico y promocional del programa, financiado por el INAEM.
En el concierto actuarán nuestro recomendado El Niño Lord.Cash y el cuarteto de pop-rock Victorias, dos de las bandas seleccionadas de esta edición, junto a una artista sorpresa consolidada, aún por anunciar, que ya participó en el circuito en sus inicios.
Las invitaciones serán gratuitas y podrán descargarse desde la web oficial a partir del 26 de mayo, con acceso hasta completar aforo.
Poco después de firmar la canción principal de la comedia de Prime Video ‘BAIT‘, Jorja Smith vuelve con un nuevo single que promete convertirse en uno de los más destacados de su repertorio, al menos por lo que supone como regreso a sus raíces dance.
‘What’s Done Is Done’ evita, además, convertirse en el típico sucedáneo de ‘brat’ que ha inundado el pop en el último par de años. Aquí Jorja se lanza de lleno al UK garage, pero lo eleva con una producción que no se queda en la mera nostalgia: cuerdas pulsadas que entran como flashes, una melodía de aires árabes que aporta dimensión y movimiento y una interpretación vocal que refuerza esa sensación de elegancia natural, casi instintiva, «cool» sin querer.
Ese mismo aire sofisticado atraviesa toda la producción de P2J, pulida y efectiva, y se extiende también a una letra que funciona como cierre emocional de una historia de amor que no pudo ser. Jorja constata lo inevitable: «lo hecho está hecho». La otra persona quería que Jorja siguiera siendo “la misma” de antes, aunque eso ya no era posible ni real (“you were still hoping that I’d stay the same”). A partir de ahí, la canción describe engaños y desencuentros (“Lied to me nicely”, “Some kind of love, I guess we’ll never know”), hasta desembocar en un estribillo que asume el final, aunque duela (“It’s the ending”, “Should have never let this run”).
En las últimas semanas el feed de Instagram es un océano de imágenes de Marilyn Monroe retroalimentado por likes a imágenes compartidas que celebran los 100 años de su nacimiento. Es increíble pensar que hoy podría estar con nosotros, como David Attenborough, que acaba de cumplir un siglo de vida, aunque es evidente que la comparación es muy improbable. Históricamente, la figura de Monroe no está tan lejos, pero lo parece, porque cada vez que veo una imagen de ella me da la sensación de estar viendo un personaje histórico y no a una persona humana que existió.
Tanto hemos reproducido su imagen en las últimas décadas -de Warhol a Madonna y más allá- que Monroe se ha convertido más en su propio símbolo que en alguien que percibas como real. Cada día aparece una foto suya, una faceta nueva que no habías visto. Da la impresión de que cuantas más imágenes ves, menos la conoces. Y al mismo tiempo, cuando la ves en una película, en una entrevista o simplemente en imágenes firmando autógrafos, rodando escenas o atendiendo a la prensa, aparece la sensación contraria: la de conocerla, incluso la de poder ser su amigo, de que la entenderías tú mejor que la sociedad que la encumbró y después no la protegió.
Marilyn Monroe murió en 1962, pero se me ocurren pocas figuras públicas con una vida póstuma tan larga como la suya. Solo figuras históricas como Cleopatra o Napoleón Bonaparte vienen a la mente. Desde entonces, Monroe ha sobrevivido como una reproducción incesante de sí misma, que en realidad son millones de imágenes y reinterpretaciones, todas esquivando la posibilidad de fijar a la “verdadera” Marilyn Monroe. Glamurosa, vulnerable, accesible e inalcanzable a la vez, es un reflejo de nuestros deseos, aspiraciones y sueños.
En las décadas posteriores a su muerte nos hemos acercado a la “verdadera” Marilyn: hemos sabido apreciar su talento, su faceta más culta, el hecho de que, como todos nosotros, era un ser humano complejo. Pero eso convive con otra cosa: su vida cultural póstuma no es una extensión de su carrera, sino una producción completamente separada de ella. Monroe simplemente deja de participar en ella: su vida ya no es necesaria, porque es reproducida por los medios hasta el infinito.
Cuando estaba viva, su vida estaba extremadamente dirigida, estilizada, controlada e iluminada como un set de rodaje. Tras su muerte, sus imágenes y contradicciones se convierten, como indica acertadamente Lena Dunham en una reciente entrevista, en material cultural que se sigue reinterpretando y circulando. Quizá por eso sigue fascinando Marilyn Monroe: porque cuanto más circula su imagen, más se deshumaniza de la persona real que se escondía detrás del personaje, más queremos saber quién era. Y la clave es que el misterio nunca se resolverá, porque nunca la llegaremos a conocer de verdad. Solo conoceremos sus mil reproducciones, y las que vengan dentro del siguiente siglo.
2 minutos y 53 segundos. Eso es lo que han tardado Triángulo de Amor Bizarro en hacerme olvidar su peor disco ‘SED‘, que no, no estaba mal, pero no al nivel de ‘Año Santo‘, ‘Salve Discordia‘ o ‘oɹɹɐzıqɹoɯɐǝpolnƃuɐıɹʇ‘. 2 minutos y 53 segundos es lo que tardan en aparecer el arrebato guitarrero y la batería de Rafael Mallo en el primer tema de este álbum, ‘SMT en el Palacio Real’. O quizá atrape en el segundo 0. ¿Cuándo había empezado el grupo de noise pop por excelencia del underground nacional un disco a piano? Un piano además medio flamenco, para un tema que habla sobre la esclavitud hacia las nuevas tecnologías y las redes sociales, que «hacen que olvide mi naturaleza».
‘Mi Catedral’ no tiene un significado religioso para el trío gallego, sino que habla de construir nuestros propios espacios, cuando todo alrededor parece homogeneizado y diseñado por otros. De ahí que en el emocionante tema titular, el grupo defienda su condición artesana -en sintonía con su residencia en un pequeño pueblo gallego, al que pertenecieron siempre- aferrado a la construcción de una «vasija propia». «Es así porque quiero, es así porque puedo, y además me pagan por ello», defienden en un alegato de independencia. «Esta es mi catedral, esta es mi catedral, esta es mi catedral»… reafirman en nombre de la libertad, de la autogestión, de la fe en una misma.
Es una obviedad que ‘Mi Catedral’ es lo que podemos considerar la «canción central» del disco porque es la titular y está en medio. Pero la calidad y el carisma de ‘BBBMV a.r.m.a.s.’ hacen pensar en «dos canciones centrales». «BBBMV» tiene de kraut, tiene de noise, tiene muchísimo de Kevin Shields, casi más que nunca, que ya es decir. La canción derriba también la lucha por quién mola más como cantante, si Rodrigo Camaño o definitivamente Isa Cea, que se queda los 3 primeros cortes de este álbum. Aquí el mensaje es tan importante que cantan los dos. La última frase del tema que habla de minas antipersona y capitalismo es: «En Palestina, Dios muere todos los días».
Qué demonios, hablemos de tres canciones centrales si sumamos la sublime ‘Matar a un rey’, en medio de las otras dos, y vibrante en todas sus fases: la rabiosa rock, con Rodrigo proclamando que «el mundo se cae a cachos»; una embellecida y otra llevada al límite por cuerdas, que plantea irónicamente que «matar a un ceo, colgar a un rey» -y atención al paralelismo con «romper un jarrón»- «no está bien»; y finalmente una kraut. Estamos ante el disco más político de Triángulo de Amor Bizarro, casi próximo al rock en euskera. «Ningún partido votará en contra» para estos «campeones de lo antisocial», dice ‘Este contra oeste’.
De manera paralela, este también es un gran disco de pop cuando se pone. ‘Sacrificio‘, dejada para el final, es su pista más comercial. ‘La era chapada en oro’ y ‘Diosas adolescentes’ son excelentes acompañantes para esa vena más accesible, con especial mención a lo contagioso de ‘Odio a mi generación‘. Se habla mucho hoy en día de batalla intergeneracional, de diferencias insalvables entre generaciones de ayer y mañana. Al fin un himno de odio para tu propia generación, que seguramente lo merezca como todas las demás. Un himno que además luego vuelven a referenciar en los últimos instantes de otro tema, ‘En la Corte del E.’, elevándolo.
En un álbum tan sólido como este, el grupo apenas tropieza con ‘Pat a trenca’, una crítica a la educación, a cómo nos afecta que no se acepten nuestras rarezas de niños, muy bien construida en sus más de 6 minutos de duración, que por algo ha sido single, solo que demasiado Nirvana circa ‘Something In the Way’. Triángulo no necesitan inspirarse tan directamente en sus referentes y de hecho hace años que dejaron atrás comparaciones con Los Planetas o Surfin Bichos. Solo ellos podrían entregar un track aparentemente de relleno con la calidad de ‘Media vida’ y hacer al mundo temblar. Rodrigo chilla: «solo quiero que pase algo» y no puedes sentir más que miedo. ¿Que pase «algo que no pueda controlar»? ¿Pero algo más?
Billy Joel, que acaba de reaparecer en una intervención grabada para Eurovisión con motivo de su celebración en Viena -ciudad que inspiró uno de sus clásicos-, vuelve a ser noticia. Un biopic sobre su vida, ‘Billy and Me’, está en desarrollo, pero el propio Joel ha dejado claro que no quiere tener nada que ver con el proyecto, que no lo autoriza ni lo apoya, y ha advertido de que seguir adelante sin su visto bueno sería “legal y profesionalmente equivocado”.
El asunto es que la película no está basada directamente en Joel, sino en los recuerdos de su primer mánager, Irwin Mazur, y de Jon Small (ex-batería y amigo de juventud del músico), quienes sí han cedido sus derechos y están implicados en el proyecto. Small defiende que el guion refleja fielmente la etapa inicial del artista, incluyendo sus experiencias en bandas adolescentes, amistades, dificultades y primeros pasos musicales.
El equipo de la película ha respondido que no necesitan el permiso de Billy Joel porque se basan en historias vividas por Mazur y Small, y en derechos obtenidos legalmente. El cineasta Adam Ripp -que trabaja en la película- ha señalado que caracterizar ‘Billy and Me’ como “legal y profesionalmente equivocado” no refleja la naturaleza del proyecto ni la base jurídica de la producción.
Billy Joel era amigo íntimo y compañero de banda de Jon Small (The Hassles y luego Attila). En esa etapa, Billy tuvo una relación con Elizabeth Weber, que era la esposa de Jon Small en ese momento. Cuando salió a la luz, la amistad entre ambos se rompió y la banda se disolvió.
A raíz de esa crisis personal -la ruptura del grupo, la culpa y el conflicto con su amigo- Billy Joel pasó por una depresión muy fuerte. En sus primeros años en solitario intentó suicidarse en dos ocasiones, algo que él mismo ha reconocido en entrevistas y documentales posteriores.
El podcast «Revelación o Timo» llega a su programa número 200 al tiempo que ha sido seleccionado como uno de los mejores 50 podcasts de España por la Revista Forbes. Lo celebramos con un programa especial de más de 3 horas -casi 200 minutos- en el que respondemos más de 30 preguntas de la audiencia. Hay preguntas de artistas como Samantha Hudson, Tulsa, Algora o Dorian, de oyentes desconocidos y de amigos.
Es ocasión de revelar, entre otras muchas cosas, cuáles han sido nuestros invitados favoritos y menos favoritos, al tiempo que vuelven a salir nombres de artistas como Fangoria, Madonna, La Oreja de Van Gogh o Rosalía. Ya podéis escuchar el episodio especial en las plataformas habituales.
A menos de una semana de iniciar su nueva era, Ariana Grande tiene una sorpresa para sus fans: una edición expandida de su tercer disco, ‘Dangerous Woman‘, por su 10º aniversario, que se celebra justo hoy, 20 de mayo.
El álbum que contenía los éxitos ‘Side to Side’ con Nicki Minaj y ‘Dangerous Woman’, incluye ahora la inédita ‘Know Better Part Two’, y reúne también otras pistas antes incluidas en lanzamientos exclusivos, como ‘Step on Up’, viral gracias a su mash-up no oficial con ‘Gimme More’ de Britney Spears, que suma 61 millones de visualizaciones en Youtube; y ‘Jason’s (Gave It Away)’, aunque estos temas ya estaban disponibles.
Grande aprovecha, además, para actualizar los datos de ventas de ‘Dangerous Woman’. El álbum suma ya tres discos de platino y, en cuanto a sus singles, ‘Side to Side’ alcanza los 8 discos de platino, ‘Into You’ los 7 discos de platino y el tema titular, 6 discos de platino.
Grande ha dedicado unas palabras a ‘Dangerous Woman’ en redes, asegurando que es “Un álbum y una era que siempre ocuparán un lugar muy especial en mi corazón. Gracias por el cariño que habéis mostrado a este proyecto durante la última década y por los recuerdos más hermosos y decisivos… los valoro a ellos y a todos vosotros más de lo que las palabras pueden expresar».
Ariana Grande has updated US certifications for the ‘Dangerous Woman’ era:
• Side to Side – 8x Platinum • Into You – 7x Platinum • Dangerous Woman (single) – 6x Platinum • Dangerous Woman (album) – 3x Platinum • Everyday – 2x Platinum • Let Me Love You – 2x Platinum •… pic.twitter.com/bIEkOEbljS
La nueva era de Ariana Grande está a la vuelta de la esquina: El 29 de mayo, es decir, el viernes que viene, podrá escucharse ‘Hate That I Made You Love Me‘, el primer single de ‘Petal’. Ariana ha adelantado un fragmento del tema en sus redes, aunque más que escuchar un trozo de la canción, lo que escuchamos es su “vibe”. ‘Petal’ sale el 31 de julio.
La declaración “la pista de baile ha muerto” deslizada por Charli xcx durante una entrevista reciente, y que después resultó ser una frase de su single ‘Rock Music‘, sigue resonando en redes, sobre todo porque coincide con el lanzamiento de ‘Confessions II‘ de Madonna, donde la de Detroit realiza una plena y absoluta reivindicación de la pista de baile como lugar de refugio y liberación.
Si Charli afirma que la “pista de baile ha muerto”, evidentemente lo hace desde su punto de vista personal, basándose en su propia obra artística y experiencia en la industria. Sin embargo, su ya icónica frase ha tenido tanto eco que ha llegado a la misma Madonna, y esta ha decidido entrar al trapo y contestar, de forma más o menos velada.
Lo ha hecho en un post de Instagram donde Madonna parece responder directamente a la declaración/frase de Charli xcx: “Si tu pista de baile se siente muerta, quizá estás poniendo la música incorrecta”. Blanco y en botella. La publicación está acompañada de un reel de imágenes de Madonna posando en una pista de baile o sentada en un sofá, junto al audio de su single ‘Bring Your Love‘ con Sabrina Carpenter.
El posible recado de Madonna a Charlotte -que, seamos sinceros, está más fomentado por los medios que por las propias artistas- no está siendo pasado por alto por los usuarios de Instagram, que están contestando cosas como “the shade of it all”, “Charli shade? omg”, “qué indirecta poderosa”, “buenos días, @charli_xcx”, “Rock Music slander?”, “omg ended Charli” o nuestro favorito: “Oye, con Charli no, ¿eh?”. ¿Se sentirá Charli aludida?
El comentario de Madonna llega para echar sal a la herida, ya que Charli ha accedido en las últimas horas a defender su single ‘Rock Music’ ante la reacción negativa de sus fans. Aunque al mismo tiempo dice que ella crea por propia expresión artística y no por el qué dirán, también se preocupa por explicar sus intenciones y dejar claro que las críticas le dan igual.
El único disco de Ms. Lauryn Hill en solitario se suele considerar entre los mejores de la historia. Por eso es muy llamativo que nunca haya habido un segundo, a lo sumo aquel ‘MTV Unplugged’, que contenía canciones nuevas aún inéditas. Ms. Lauryn Hill ha intentado explicar el motivo de su parón discográfico en un post de Instagram, aunque no se sabe muy bien si se ha terminado de aclarar algo.
En respuesta a una publicación de Instagram de la plataforma FRAIM, que señalaba factores como problemas legales o falta de apoyo de la discográfica, Ms. Lauryn Hill ha dejado un largo comentario explicando su visión, en el que habla de principios, integridad artística y codicia.
“Cuando estás inspirado y deseas ser una persona con principios, lo que no se menciona lo suficiente es el desgaste… ni el desafío de encontrar seguridad para poder crear con integridad”, explica, y añade que mucha gente crea con la esperanza de ganar dinero con ello. “La mayoría ve la oportunidad solo como dinero y a menudo excluye el «sentido». ‘The Score’ (álbum de Fugees de 1996) ni ‘Miseducation’ se hicieron porque se nos «permitiera» representar lo que hacíamos; luchamos por cada centímetro”, dice. “El éxito desmedido puede generar codicia que empieza a degradar el arte por el dinero”.
La artista vuelve a compararse con Harriet Tubman, como ya hiciera en 2021, levantando las mismas ampollas, para explicar que ella también ha arriesgado para «decir verdades incómodas a los poderosos, antes de que ciertas fuerzas intentaran cerrar las puertas”, y añade: “si fuera tan fácil de hacer, ¿dónde está esa expresión ahora en el escenario global? Los sistemas tienen miedo de aquello que no pueden controlar. La creatividad es más potente cuando es libre”.
Lauryn habla del valor de la inspiración artística, más allá de su monetización, y reivindica que ha “introducido estándares y posibilidades a una generación que no sabía que podían operar en ese nivel”. Lo que no acaba de explicar, dentro de su abstracto texto, es qué le ha impedido publicar música de forma independiente en los últimos 30 años. Quizá, simplemente, Ms. Lauryn Hill ha acabado demasiado desilusionada con el mecanismo de la industria discográfica.
Kurt Vile está a punto de lanzar su segundo disco en una major, después del ‘(watch my moves)’ de 2022. ‘Zoom 97’ no solo es una gran pieza de rock lofi buenrollero, sino también la canción que da comienzo a ‘Philadelphia’s Been Good To Me’. Gracias a sus divertidos adlibs y bonita letra, es la Canción del Día.
El cantautor y guitarrista estadounidense cuenta que ‘Zoom 97’ es «la primera canción que hicimos para el disco y que sabíamos que era especial de verdad». Kurt Vile canta sobre la vida tranquila en Philadelphia, referenciando en la letra a su propio coche «haciendo zig zag» por Lincoln Drive o a sus hijas, que le mantienen «colocado»: «Esto no va de tripis / El amor verdadero es la droga más pura para mí».
‘Zoom 97’ es de esas canciones que suenan a verano y a barbacoa en el jardín, pero en vez de pintar este tipo de imágenes, Vile opta por la autorreferencialidad. Así, construye una canción que empieza hablando de la misma canción que estás escuchando: «Escribí una canción / Algunas personas dijeron que lo estaba haciendo mal / Pero mira mis manos / Mis campaneantes acordes en una mandolina Goldtone». La misma que suena durante todo el tema.
Si abro los ojos estoy en Cannes. Esto ha debido pensar Amaia Romero al encontrarse en la alfombra roja del famoso festival de cine francés, que está teniendo ya lugar, y al que ha acudido este martes acompañada del equipo de ‘Amarga Navidad‘, incluida la protagonista, la actriz Aitana Sánchez-Gijón, y, lógicamente, su director Pedro Almodóvar, que en el pasado se ha deshecho en elogios hacia la navarra, destacando su espontaneidad y talento durante el rodaje.
Como sabéis si habéis visto la película, Romero aparece en ‘Amarga Navidad’ cantando una versión de ‘Las simples cosas’ de Chavela Vargas.
Desde que Romero apareciera en el Tiny Desk, generando titulares internacionales tras aparecer tocando una silla-flauta (obra de un inventor gallego), parece que su perfil va expandiendo su frontera internacional, y esta vez vuelve a ser el caso, ya que Romero no solo se ha dejado ver en la alfombra roja de Cannes, sino que además ha podido sentarse al piano, en el exterior del Gran Teatro Lumière, a cantar unas canciones: no solo ‘Las simples cosas’, sino también ‘Volver’ -tema principal de la película homónima de Almodóvar- y su propio ‘C’est la vie’, incluido en su último disco.
No es la primera vez que Amaia canta ‘Las simples cosas’ en directo: ella y Almodóvar ya interpretaron un a capela de la canción semanas atrás durante la premiere de ‘Amarga Navidad’ en Madrid.
La gira de Amaia continúa este verano y, por ejemplo, en julio actuará en el festival Río Babel de Madrid, entre otros festivales. Además, tiene programados dos shows en arenas: en Valencia el próximo 31 de mayo y en Barcelona el 20 de diciembre, que será el fin de gira.
Las novedades de la lista de singles española se concentran en Rels B y el lanzamiento de su último disco, ‘love love FLAKK’. El artista mallorquín ha colocado todos los temas del álbum en la lista, excepto el interludio. Eso sí, la canción que más arriba ha entrado se ha plantado en el número 30. El top 5 sigue ocupado por Quevedo.
‘LLEVA AL SOL’ es la entrada más fuerte de la semana, mientras que la mayor subida es para ‘Por si mañana no estoy’ de Omar Courtz, que ha pasado del número 46 al 35. En el resto de la tabla, encontramos 9 canciones más de Rels B:
41. ‘EL MUNDO X TI’
44. ‘APRENDÍ A DECIR NO’
47. ‘QUIÉN TE VE’
54. ‘EL CIELO’ con Kali Uchis
60. ‘SUEÑO’
61. ‘MÁS QUE TÚ’
68. ‘UN PLACER CONOCERTE’
76. ‘PAÑUELITO DE SEDA’
81. ‘A 2000 PIES
Por último, en el número 100 entran Bad Gyal y Jadiel El Incomparable con la canción ‘Fashion Girl Pt.2’.
Charli xcx ha recurrido a X para desahogarse de las criticas negativas a ‘Rock Music’, el primer adelanto de su próximo disco. En una serie de tweets que muchos describen como un «crash out», la artista británica expone sus razones para hacer música y cómo lidia ella con la recepción de su obra: «Si me entiendes, me entiendes y si no, pues no», ha escrito en X.
Aun inspirando un trend viral en redes sociales, Charli ha debido de notar que la recepción general a ‘Rock Music’ ha sido negativa. Hace unos días hablaba en su cuenta secundaria de Instagram de que esto le recuerda «a la conversación inicial alrededor de PC Music», a cómo el sello fue visto como «una crítica o un menosprecio a la música pop». Terminaba asegurando estar «feliz de que la gente esté soltando sus pensamientos».
Sin embargo, en su última retahíla de tweets, Charli parece estar justificándose más que otra cosa: «Solo puedo hacer lo que me parece de verdad a mí. No estoy pensado en nada más mientras lo estoy haciendo. Ni en la recepción ni en el público ni nada así. Solo en mi conexión con ello y en si se siente honesto».
En un mensaje posterior, aprobado personalmente por Jack Harlow, la artista asegura que su objetivo no es «repeler a la gente o convencerles para gustarles», antes de cambiar de tema y decir que «existir como un ser humano en 2026 es muy difícil por varias razones diferentes». Seguramente inspirada por las críticas a su single, Charli asegura que su «consuelo» es el arte, pero que «a veces ni siquiera eso se siente como algo seguro en esta época».
En el último tweet, Charli responde a un usuario que la critica por decir que lo único que le importa es el arte, pese a que luego intenta justificarse en X interactuando con comentarios negativos («Si realmente no le importa, ¿por qué decir algo?»). Esta aclara que su trabajo trata sobre «mis constantemente fluctuantes sentimientos» y que interactúa con sus críticos porque «es una parte clave de mi trabajo».
excited for you all to hear this new music. i can only ever make what feels true to me. i’m not thinking about anything else while i’m making it. not reception or audience or anything else. just my connection with it and whether it feels honest to me.
i’m not trying to repel people away or convince people into liking me. i’m doing what i feel is truthful to me. i think existing as a human being in 2026 is really hard for a multitude of different reasons. my solace is art but sometimes that doesn’t even really feel safe in this…
my work is about my constantly fluctuating feelings. it always has been. and i engage with that because that’s a key part of what my work is about xx https://t.co/ddoffiLrCU
