Joe Crepúsculo ha anunciado que su nuevo disco, ‘Supercrepus II’, sale «después del verano». Será presumiblemente la secuela de su segundo álbum, ‘Supercrepus‘, publicado en 2008, hace ya 12 años.
El autor de ‘Mi fábrica de baile’ no ha desvelado más detalles sobre este nuevo trabajo, pero sí ha estrenado su primer adelanto oficial. ‘Discoteca en ruinas’ suena exactamente a eso, a una mezcla entre diversión y decadencia, y en concreto remite al jangle-pop de grupos de los 80 como The Smiths, Aztec Camera o The Housemartins o al de sus contemporáneos The Drums. La canción, en la que Crepus expresa su deseo por escapar de la realidad, destaca por su pizpireto juego de teclados, pero también por incorporar un interludio instrumental entre sus dos secciones (después del estribillo y el post-estribillo), un truco no tan habitual en el pop.
Tversky habían contribuido enormemente a animar nuestras vidas antes de que la covid-19 entrara en ellas y las pusiera patas arriba. El dúo radicado en Barcelona publicaba en febrero su largamente esperado álbum debut homónimo, invitándonos a bailar despreocupadamente con su amalgama de funk, house, jazz, soul y pop con tintes retro, con canciones tan memorables como ‘Addict‘. Y ahora que llevamos semanas confinados en casa… pretenden seguir haciéndolo. Hoy en JENESAISPOP estrenamos el clip oficial de un nuevo tema, creado en confinamiento y centrado precisamente en la situación que vivimos, titulado ‘Quarantine With You’. [Foto: Andrea Naranjo.]
En él, Alan Imar y Xavier Paradis aluden a la situación de las personas que están encerradas en casa en soledad, y para las que la música, entre otras cosas, está resultando ser una auténtica tabla de salvación para mantener el ánimo (y la cordura). Por eso en su letra anuncian que «Tversky están en la casa» y animan a su morador/a a «pillar algo de comida y marihuana» y llamarles, para estar un poco menos solo/a. «Con este videoclip queremos transmitir un mensaje positivo que se pueda tomar con humor pese a las graves circunstancias que estamos viviendo. Es una oportunidad para reflexionar y crear vínculos entre nosotros. Esperamos que les sirva para desconectar un rato y que piensen en todas esas personas queridas con las que les gustaría pasar este confinamiento».
En cuanto al clip, dirigido por Aaron Barreiro para LeCuala Films, emerge ese punto cómico al que alude el grupo haciéndose presentes, como apariciones sobrenaturales, a una joven confinada –la actriz Julia Martínez–. Lo cierto es que tiene también su coña observarlo desde un punto de vista más ácido, en el que los conciertos y performances online se han convertido en una verdadera invasión. Así nos explica Barreiro lo que pretendía: «con LeCuala Films hemos empezado a producir y dirigir videoclips online en esta cuarentena. Rodar desde casa nunca es fácil, pero con Tversky cambia la cosa. Nada más escuchar el tema me vino a la cabeza esta idea para transmitir al oyente y espectador que, con Tversky en casa, la cuarentena sería más amena. Al menos para mí lo es (jeje)».
‘Quarantine With You’ forma parte de una llamativa iniciativa del sello underground neoyorquino Burger Records: el sello pidió a sus bandas que grabaran de forma casera una canción sobre (y en) la cuarentena, y han hecho un total de 7 compilaciones (más un volumen de extras) bajo el título de ‘Quarantunes’, que están disponibles en Bandcamp desde hace unos días. Entre los más de 140 grupos que se han unido a la iniciativa, encontramos por ejemplo a algún otro grupo de nuestro país, como Go Cactus. ‘Quarantunes’ se presenta como «un evento de música DIY («do it yourself») y una cápsula del tiempo sonora de uno de los más extraños y aterradores periodos de la historia moderna». Además, tiene como objetivo reunir dinero para paliar el daño que hace a los grupos no poder actuar en directo. Por eso estas compilaciones no llegarán a plataformas de streaming: cada uno de los volúmenes puede adquirirse en formato digital a un precio base de unos 20$, yendo la recaudación íntegra para los artistas implicados.
Fiona Apple ha dado varias entrevistas a medios digitales para hablar sobre su nuevo disco, el RECOMENDADO ‘Fetch the Bolt Cutters‘, que acaba de dar a la cantautora estadounidense su mejor entrada en la lista de álbumes española. Rara vez la artista concede una entrevista por televisión, pero es lo que acaba de hacer este martes en el programa independiente Democracy Now!, en el que ha hablado también sobre activismo indígena y privilegio, pues en los créditos de su disco explica que este ha sido grabado en lugares que antaño fueron indígenas, en concreto, en las tierras de Tongva, Mescalero Apache y Suma. En el programa aparece también la activista Eryn Wise para hablar sobre cómo está afectando al coronavirus a la población indígena del país.
Sobre su nuevo disco, Fiona ha explicado que su sello quería que viera la luz en octubre después de haber publicado el primer single en junio, pero que ella luchó por que saliera ya. «Si hubiéramos esperado, el disco se habría perdido en la (montaña de lanzamientos). Quería ser escuchada. No me gusta abrir la boca si sé que nadie me va a escuchar». También vuelve a explicar la inspiración del título, muestra el tatuaje de unas tenazas que se ha hecho en el brazo derecho, y habla de un momento de catarsis que experimentó grabando ‘Ladies’, cuando por fin pudo expresar la furia que sentía por la persona que había abusado de ella a los 12 años.
En cuanto a su activismo, Fiona aboga por que se recuerde más que la población estadounidense vive en «tierras que no nos han sido cedidas» y reconoce su privilegio como «mujer blanca» que, durante años, ha vivido ignorante al sufrimiento de la comunidad nativoamericana.
Lil Uzi Vert es una de las mayores estrellas del rap en Estados Unidos gracias al éxito de su single ‘XO Tour Llif3’, que lleva más de mil millones de escuchas en Spotify. El lanzamiento de su segundo disco, ‘Eternal Atake’, había sido retrasado varias veces por su sello, lo cual llevaba al joven rapero de Filadelfia a retirarse de la música temporalmente. El largo veía la luz finalmente el pasado mes de marzo acompañado de un «hype» considerable y ha sido un gran éxito comercial y de crítica en su país.
El primer single de ‘Eternal Atake’, un divertido ‘Futsal Shuffle 2000’ que, con sus estilismos trance, prometía un hit «crossover» para el rapero que finalmente no se ha producido, ha sido relegado en el largo a la posición de «bonus track» de manera inexplicable. Puede que el artista, de nombre real Symere Woods, haya confiado lo suficiente en sus nuevas composiciones como para darles prioridad, pero si de algo peca ‘Eternal Atake’ es de ambicioso. Supuestamente, el sucesor de ‘Luv is Rage 2’ narra la abducción de Lil Uzi Vert (y no por un OVNI de Tom DeLonge) y su viaje a través del espacio exterior, pero este concepto no es explorado en las letras en absoluto. Únicamente la presencia en el álbum de unos interludios en los que se escucha a Uzi perdido en el espacio (aunque más bien suena fumadísimo) reflejan esta premisa, pero estos solo contribuyen a dibujar una falsa sensación de disco épico y conceptual, porque este versa básicamente sobre Lil Uzi Vert, sus infinitos lujos materiales, sus «beefs» con diversos raperos y su destreza con las mujeres, algunas de las cuales son sus fans (‘I’m Sorry’), cuando no lesbianas a las que Uzi ha conseguido «convertir» con su inimaginable poder de seducción (‘Venetia’). Por mucho que Woods haya dividido el álbum en diversas «secciones», lo que cuenta es siempre lo mismo.
Podría perdonársele a Lil Uzi Vert no haber sabido dar vida en ‘Eternal Atake’ a la odisea espacial que había ideado en su cabeza. O, por el contrario, se le podría reprender haber querido colarnos 18 canciones sobre su polla dentro de un trabajo supuestamente conceptual que en verdad no lo es. Al final lo peor de ‘Eternal Atake’ es que nos descubre a un talento harto sobrevalorado que ni de lejos ha hecho un disco capaz de alcanzar otros públicos como los de Travis Scott o el malogrado XXXTENTACION: Uzi ni posee un flow interesante, pues suena bastante exhausto ya en muchos temas, como en ‘Lo Mein’; ni un talento especial para las rimas o la palabra en general (su obsesión con los coches, los diamantes, las drogas, las joyas y las chicas no da para mucho más), ni sus bases de trap electro son especialmente estimulantes o imaginativas a día de hoy, sobre todo cuando artistas anteriores a él como Kanye West o Run the Jewels lo han hecho muchísimo antes y mejor. Aunque el trap radioactivo de ‘Baby Pluto’, ‘POP’ y ‘You Better Move’ se puede pegar a base de puro martilleo, las percusiones melódicas de ‘Celebration Station’ elevan su espíritu festivo y ‘Urgency’ con Syd aporta un episodio romántico muy necesario en un disco obcecado con una superficialidad sin matices, el gran viaje de ‘Eternal Atake’ se queda en promesa. Es a todas luces un «bluff», probablemente uno de los mayores del año.
Calificación: 4/10 Lo mejor: ‘Futsal Shuffle 2020’, ‘POP’, ‘Celebration Station’ Te gustará si te gusta: mucho el rap americano Youtube:Vídeo de ‘Futsal Shuffle 2020’
Dua Lipa continúa siendo lo más votado de JENESAISPOP con sus tres últimos singles, pero lo más llamativo es el nuevo máximo alcanzado por una canción que ha venido subiendo poco a poco: ‘Say So’ de Doja Cat. Jamie xx, Gorillaz bien acompañados y Chromatics son las entradas tímidas de la parte baja, y es momento de despedirse de ‘sad day’ de FKA twigs y ‘Bad Decisions’ de los Strokes, ya en la mitad baja y con 10 semanas de permanencia. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.
Pedro Sánchez ha presentado el plan de desescalada ante la bajada de contagios por coronavirus en España durante los últimos días, tras semanas de confinamiento casi absoluto. Como había dejado caer previamente, el plan será por fases y autonomías, dependiendo del punto de la pandemia de cada una de las comunidades autónomas.
Si este fin de semana se podrá salir a hacer deporte durante una hora, el 11 de mayo -cuando está previsto que acabe el estado de alarma-, las comunidades autónomas que cumplan los criterios del comité técnico de Sanidad pasarán de la llamada fase 0 a la fase 1. Si todo va bien 15 días después pasarán a la fase 2, y si todo va bien 15 días después a la fase 3. Cada fase durará 15 días porque es el “periodo medio de incubación del virus”. Por tanto, en el mejor de los casos la desescalada durará 6 semanas en cada territorio, y 8 en el peor. A finales de junio entraríamos en la “nueva normalidad”.
En la fase 1 se permitirá en cada provincia el inicio del pequeño comercio o terrazas con limitaciones, a un tercio del aforo.
La cultura aparece en los planes de la fase 2. En esa fase intermedia se abrirían cines y teatros con limitación de un tercio de aforo y butaca preasignada. Será posible ir a los museos y similares hasta completarse un tercio de su aforo habitual. Asimismo, Sánchez ha informado de que se podrán celebrar «espectáculos culturales» para menos de 50 personas si es en un espacio cerrado con un tercio del aforo, y al aire libre con hasta 400 personas, con butaca designada. No muchos conciertos pueden celebrarse en estas circunstancias, pero sí algunos ciclos que se habían dado por perdidos, sobre todo desde que Madrid anunciara la suspensión de todas las fiestas populares de la ciudad hasta otoño.
En la fase 3 se flexibilizará la movilidad general, si bien recomendando el uso de las mascarillas. En el ámbito comercial, entonces los aforos serán del 50%, garantizando la separación entre personas de 2 metros. Queda por definir en qué consistirá la llamada «nueva normalidad» que llegue hipotéticamente a finales de junio, que como su propio nombre indica, no será la «normalidad» que conocimos.
Yelle presentan el single de su nuevo álbum, según indica su agencia de prensa en España I Pop You. Se trata de una canción llamada ‘Je t’aime encore’, un tema que arranca como una balada electrónica al piano pero poco a poco incorpora un ritmo electrónico y distorsiones vocales, inconforme con los cánones de la balada clásica.
El tema se presenta con un lyric video, sencillo, de fondo blanco, dirigido por Loic Prigent, quien es conocido en Francia por sus documentales sobre la industria de la moda. El estilista Charlie Le Mindu le corta el pelo a Julie Budet (SPOILER: o eso parece en un principio) en un mundo en el que de repente cortarse el pelo es todo un privilegio.
Sin guiños a pelotazos como ‘Je veux te voir’ o ‘A cause de garçons’, parece claro que Yelle también van a dejar atrás el sonido de su malogrado intento internacional con Dr Luke, un ‘Complètement fou’ que, editado en 2014, no terminó de lograr lo proyectado. Yelle han lanzado desde entonces varios singles sueltos como ‘OMG!‘, ‘Romeo’ o ‘Interpassion’, pero es ahora cuando sabemos que hay nuevo disco en camino. De momento, eso sí, desconocemos detalles como la fecha de edición o su secuencia.
Hinds era una de las bandas que decidía posponer el lanzamiento de su nuevo disco debido a la crisis sanitaria, y ‘The Prettiest Curse’, que en circunstancias normales ya estaría a la venta, pues iba a salir el día 3 de abril, sale el próximo 5 de junio.
De momento, las madrileñas presentan un nuevo adelanto de este trabajo en forma de canción y de su correspondiente videoclip. En cuanto a la canción, ‘Just Like Kids (Miau)’ incluye la oración «the prettiest curse» que da título al disco, cuenta con un estribillo totalmente popero y sobre todo alude en su letra a las críticas que han acompañado a Hinds durante toda su carrera. El primer párrafo imagina una conversación que muy probablemente las chicas han vivido: «¿Puedo decirte algo sobre tú y tu banda? Estoy seguro que te gustaría escuchar mi consejo: siempre sonáis desafinadas, y no hay lugar aquí para vosotras», a lo que ellas responden: «¿tío, te conozco de algo?» Los comentarios por su acento y el machismo también son abordados en la letra no sin su buena dosis de humor. La respuesta de Hinds a todo esto: «Ha sido una conversación placentera, pero me largo a hacer mi trabajo, porque tenemos el público más loco».
Como loco también vuelve a ser el vídeo de ‘Just Like Kids (Miau)’, una especie de homenaje noventero lleno de escenas y vestuarios surrealistas y con alguna referencia a la cultura española. Vuelve a dirigir Keane Pierce Shaw, que se ha encargado de los anteriores clips del disco.
¿Qué pasa si confinas en un apartamento de Barcelona a tres músicos que habitualmente tocan en grupos como Búhos, Dr. Prats o la banda de Nil Moliner? Stay Homas es la respuesta a esa pregunta que dudamos que te hubieras llegado a hacer alguna vez sin coronavirus (o una buena ingesta de sustancias). Bajo este nombre tan recurrente para su su/nuestra situación –y en el que intuimos un juego de palabra con un personaje de los Venga Monjas–, se unen Klaus, Guillem y Rai, que comparten piso desde poco antes de comenzar el Estado de Alarma por la covid-19. Enseguida comenzaron a subir a la terraza de su edifico para grabar allí en directo canciones originales suyas. Temas alegres, desacomplejados en cuanto a estilos (música brasileña, rumba, armonías vocales 50s, funk, hip hop, toques aflamencados, folk-pop a lo Mumford And Sons Morat), y con letrillas rijosas y giros melódicos populares en torno al confinamiento que comenzaron a hacerse virales con rapidez, rulando de grupo de Whatsapp en grupo de Whatsapp. Raro es el vídeo suyo que baja de las 100.000 reproducciones.
La bossa ‘Coronão’ alcanzó pronto varios cientos de miles de visualizaciones en su canal de Youtube, y pronto se han sumado a ellos vía móvil featurings de artistas tan conocidos como el propio Nil Moliner, Macaco, El Kanka, Judit Nedderman o Sofía Ellar, pero también otros de corte más alternativo como Sílvia Pérez Cruz, María José Llergo, la freestyler Sara Socas o Sr. Wilson. Su popularidad ha ido in crescendo, han sido entrevistados en el Late Motiv de Buenafuente, han aparecido en CNN International o han recibido parabienes del mismísimo Rubén Blades. Y, la última de todas, su tema ‘Gotta Be Patient’ ha sido versionado hace unas horas por nada menos que Michael Bublé acompañado (virtualmente, claro) por el grupo Barenaked Ladies y la mexicana Sofia Reyes.
Lo más curioso de esto es que, ante tan buen recibimiento a esta propuesta, programaron un concierto post-confinamiento (si es que llega) el día 31 de julio –dentro del ciclo Curtcircuit– en la Sala Apolo de Barcelona, que agotó las entradas enseguida. Por supuesto, ya se postulan para hacer una gira real más allá de su terraza. Y además, Sony Music acaba de anunciar su fichaje: este mismo viernes lanzan su primer single oficial, ‘Stay Homa’.
Mykki Blanco vuelve con nuevo disco cuatro años después del lanzamiento de su esperado debut y poco después de protagonizar el vídeo de ‘Dark Ballet’ de Madonna. El rapero y activista estadounidense se ha hecho un nombre con temas de hip-hop agresivos como ‘Wish You Would’ o ‘Loner’, pero lo que presenta hoy es algo totalmente inesperado.
Tras ver la luz ‘Patriarchy Ain’t the End of Me’, ‘You Will Find It’ es una canción pop ambiental, bucólica y espiritual que menciona en su letra tanto a Lady Gaga («Lady Gaga en mi radio, suena ‘Alejandro'») como a Alice Coltrane (a la que recuerda bastante), y que cuenta con la participación de Devendra Banhart en coros y parte de la instrumentación. Una unión aparentemente imposible de talentos que se traduce en una composición «tranquila y optimista» que Mykki ha considerado la más adecuada para presentar su nuevo trabajo en estos tiempos. Una canción, por otro lado, marcada por el contraste: por un lado está la relajada música, y por el otro, la presencia de la voz de un Mykki sobrado de orgullo que critica a las «zorras que hablan desde la sombras» e incluso llega a declararse «su majestad, La Dona Blanco».
En un comunicado, Mykki ha dicho que ‘You Will Find It’ es una «meditación» y que no cree que «todo lo espiritual tiene que sonar pesado y serio, más bien, al contrario». E indica: «si la gente asociara la oración con reír, si rezar adquiriera un sentido sensual, divertido y ordinario, la gente se sentiría más cómoda reconociendo que busca algún tipo de conexión divina». Mykki añade que ‘You Will Find It’ «explora esa conexión» y que él «tendría que poder fumarse un porro con Dios y relajarse sin más».
Esta semana las canciones más escuchadas en España siguen siendo las mismas que la semana pasada y sin variaciones en su posición: ‘Safaera’ de Bad Bunny es número 1, ‘Amarillo’ de J Balvin número 2, ‘Tusa’ de Karol G y Nicki Minaj en el número 3 y ‘Dime Bsita’ de Robledo y Alex Martini número 4.
En el número 5 saluda la primera novedad en la lista de singles, ‘Sola & Vacía’ de Cásper Mágico y Anuel AA, una nueva producción de reggaetón que ya es top 10 en el top 50 de Spotify España. No es la única entrada esta semana de Anuel AA, uno de los reyes absolutos del reggaetón, en la lista de singles, pues su tema con Rvssian y el fallecido Juice Wrld, ‘No me ame’, debuta en el número 24.
Más adelante repite también el omnipresente Rauw Alejandro, que ha arrasado con su single en solitario ‘Tattoo’ (actualmente número 9 en España) y triunfado con ‘4 besos’ con Lola Indigo y Lalo Ebratt (actual número 8) y coloca su nuevo single ‘Ponte pa’ mí’ con Myke Towers y Sky Rompiendo en el número 32 y ‘El efecto (Remix)’ con Chencho Corleone, Kevvo y Bryant Myers en el número 59.
Por otro lado, dos canciones solidarias, escritas con motivo de la crisis sanitaria, entran en la parte media de la tabla: por un lado, ‘Aves enjauladas’ de Rozalén es número 62, y ‘Cuando estés aquí’ de Pablo Alborán, número 69. Finalmente, en la parte baja, Sinsinati son número 91 con ‘Cuando éramos dos’ e Izal número 97 on ‘La buena sombra‘, otra canción grabada en confinamiento.
El mundo no es el mismo hoy que ayer, «abril está complicated» como dice el meme, y el nuevo trabajo de Fiona Apple, el DISCO RECOMENDADO ‘Fetch the Bolt Cutters’, da a la artista la mejor posición «comercial» (solo escuchas como viene siendo el caso desde hace varias semanas) de su carrera en nuestro país: el disco entra en el número 39 de la lista única de streaming. En Estados Unidos, su mercado principal, ha entrado en el número 4 y en Reino Unido en el número 33. Donde mejor ha ido en Europa ha sido en Irlanda, donde ha entrado en el número 23.
Recientemente hemos indagado en las posibles referencias de ‘Fetch the Bolt Cutters’ y repasado la discografía de Fiona que nos quedaba por comentar, desde su debut ‘Tidal‘ hasta ‘Extraordinary Machine‘ pasando por ‘When the Pawn…‘, ninguno de los cuales entró jamás en la lista de ventas española (y tampoco ahora ha habido efecto dominó).
La entrada más significativa de la semana en la lista, sin embargo, es la del cantante colombiano Camilo, que con ‘Por primera vez’ debuta directo en el número 3 de la tabla de álbumes española, quedándose por detrás solo de los últimos trabajos de Bad Bunny y J Balvin. Unos peldaños por debajo, el rapero gallego Hard GZ coloca su álbum ‘Siempre’ en el número 8, y más adelante el rapero portorriqueño Miky Woodz entra con ‘Los 90 Piketes’ en el número 12. Finalmente, DaBaby coloca ‘Blame it On Baby’ en el número 21: se trata ni más ni menos del disco número 1 actualmente en Estados Unidos.
Una voz de mujer preguntando «Chica, ¿dónde has estado?» es lo primero que escuchamos al dar al play en el nuevo disco de A Girl Called Eddy. Así descubrimos que Erin Moran no se había ido, siempre estuvo ahí. Aunque hayan pasado más de quince años desde que pareció que podía convertirse en una Dusty Springfield de nuestra era –como si es que en nuestra era tuviera cabida otra– con su primer disco, su intención siempre fue la de publicar un segundo disco a lo grande, como siempre quiso. Y vaya si lo ha hecho.
‘Been Around’ –precisamente– es un disco de pop clásico. Incluso más clásico –en el sentido en el que lo son nombres como Paddy McAloon, Ron Sexsmith, Joe Henry o Aimee Mann– que su primer trabajo, en el que un entonces incipiente Richard Hawley proponía un sonido menos pulido. Ahora, en manos de Daniel Tashian –miembro del grupo The Silver Seas, ahora más célebre como productor de Kacey Musgraves–, los efluvios del pop más elegante y atemporal de los años 60, 70 y 80 –Van Morrison, Laura Nyro, Burt Bacharach, Beach Boys–, con genuinos tintes de rock, jazz y soul, se muestran tan reposados, sobrios y bellos como un paraje marino tras una tormenta otoñal.
Tashian ha reunido en torno a Moran a una pléyade de experimentados músicos de estudio en Nashville (entre las más célebres para nosotros, las Watson Twins que tanto protagonismo tenían en el debut en solitario de Jenny Lewis) que se han puesto a su disposición para construir un tan nostálgico como confortable colchón musical, de una riqueza poco común en estos tiempos en los que se impone la economía de medios (y espíritus). Una auténtica delicia sonora sobre la que reposan unas composiciones de Moran –sola o con invitados– que transportan a un tiempo indeterminado en el que los detalles y los matices se cuidaban tanto como para percibirse.
Con diversas pérdidas –la de su padre, retratado en la preciosa ‘Lucky Jack (20-1)’, y la de un muy querido amigo en la pirotécnica ‘Jody‘– y decepciones sentimentales –la persistente sombra de una herida de amor mal curada emerge en ‘NYC Man’ o ‘Charity Shop Window’– en su maltrecho currículo emocional, A Girl Called Eddy ha regresado buscando también su propia reconstrucción, reforzada por el tiempo («ya no me desmayo con ‘Annie Hall’ / me he convertido en el Muro de Berlín» canta cómicamente en ‘Not That Sentimental Anymore‘), mirando al pasado sin ira (‘Come To the Palisades!’ revive un amor de adolescencia en su Nueva Jersey natal), ajustando cuentas con quien corresponde («Cada vez que abro la bocaza / ¿De qué va todo esto? (…) Tu actitud de juez y jurado / me está destrozando / No puedo ganar» canta en ‘Big Mouth’) y mostrándose del todo en pazo consigo mismas y con la vida en la propia ‘Been Around’.
«He estado por aquí lo bastante como para secar unas cuantas lágrimas / He estado lo bastante para marcar los años sobre mi cara / Este es el lugar en el que estoy feliz de estar», canta en el tan grandioso como sereno corte titular del álbum, en el que asume con entereza su papel en el mundo, tanto el de la música como el otro: «Si los perdedores nunca abandonan, entonces estoy sobradamente preparada para seguir insistiendo». Y somos unos afortunados de que no haya desistido a pesar de los pesares, porque ‘Been Around’ es un regalo de principio a fin que va revelando sus encantos con una seducción sin premura. En eso, es también un disco como de otro tiempo.
Así, más allá de la inmediatez –sin descuidar nunca lo pequeño, lo aparentemente accesorio– de ‘Jody’, ese conseguido y poderoso homenaje a Chrissie Hynde y Pretenders que es ‘Someone’s Gonna Break Your Heart‘ o una ‘Two Hearts‘ de memorable melodía que bien podría haber producido Edwyn Collins, emergen canciones menos explosivas que, a cambio, atacan despiadadamente nuestra compostura. Me refiero a maravillas como ‘Charity Shop Window‘ (precioso ejercicio de nostalgia ejecutado con nada menos que el oscarizado actor y compositor Paul Williams) o la dupla –sin duda conectadas por el mismo protagonista masculino, que tanto daño ha hecho a Erin– que conforman ‘Finest Actor’ («Él fue el actor más dotado de su generación / A mí me engañó del todo») y la semiacústica –más Nilsson que Lou Reed– ‘NY Man’. El precioso dueto con Tashian a ritmo de vals ‘Pale Blue Moon’ es el cálido y embelesado broche final perfecto para un ‘Been Around’ simplemente perfecto para aquellos que tienen claro que valores como la genuinidad y la emoción están muy por encima de las cifras de streaming y la originalidad (a menudo solo teórica) del penúltimo hype musical.
Calificación: 8,4/10 Lo mejor: ‘Someone’s Gonna Break Your Heart’, ‘Been Around’, ‘Not That Sentimental Anymore’, ‘Two Hearts’, ‘Charity Shop Window’, ‘Jody’ Te gustará si te gustan: Prefab Sprout, Aimee Mann, Ron Sexsmith, Richard Hawley Youtube:‘NY Man’ en Youtube
Karmento tiene ya su segundo disco preparado cinco años después de un ‘Mudanzas’ que incluía temas que exploraban las raíces de la música española como ‘Compañero’ o ‘Como una trompeta’. En los últimos tiempos también la hemos escuchado cantar en el disco de su compañero de sello en El Tragaluz, Vicente Navarro. Su voz sonaba en ‘El luto’ de ‘Casi tierra‘.
El nuevo álbum de la albaceteña se llama ‘Este devenir’ y estaba previsto para finales de abril, si bien va a retrasarse por razones evidentes. La cantante ha anunciado en Instagram para esta misma semana un segundo single llamado ‘El amor y la esfera’, pero de momento conocemos el primero, un ‘Cri cri’ creado a partir de esa sensación de soledad que sentimos cuando «no cantan en la ventana ni los grillos», como dice la primera línea de la canción. Cuando «las penas se recrudecen en el interior». O, de manera menos dramática, cuando «no necesito nada que no salga de mí».
Durante una entrevista reciente (minuto 12), Karmento ha explicado que el parón de 5 años entre disco y disco se debe a que «no estaba disfrutando de la música», por lo que decidió detenerse «para pensar mejor su camino y a qué ritmo» quería trabajar. Ha querido «respetar los pasos de lo que iba pidiendo la música» y volver solo cuando tenía «canciones bonitas que piden gritos salir». ‘Cri cri’ puede expresar parte de esa idea.
Sobre esta canción, nos indica: «El Cri Cri es una metáfora realista de la voz que surge del silencio absoluto. Si en una noche oscura en mitad de un campo no escuchases ni los grillos, el vacío sería tal que creerías estar en algún lugar del inframundo. El sonido de los grillos aparece como el primer sonido de vida, lo que te devuelve o te trae a la vida cuando crees que todo es silencio… A veces hay tan pocas respuestas a una realidad que no entiendes que solo puedes decir…..Cri Cri. Pero obviamente hay un espacio para la interpretación de quien escucha la obra».
Dicen, y hemos visto en televisiones y redes sociales, que en estos días la fauna han aprovechado para proliferar como nunca en las ciudades, aprovechando que los humanos les hemos dejado más espacio vital. En el jardín de la casa londinense de Laura Marling –esa que hemos visto en algunos conciertos confinados, ese nuevo género–, por ejemplo, hay una importante proliferación de aves cantoras que aunque resultan agradables, han hecho de la transcripción de nuestra charla un trance peor que ir al Mercadona a pelear por un vulgar paquete de harina de trigo (no maíz, no tempura, gracias). [Foto: Justin Tyler Close.]
Hablamos con la británica de su nuevo disco, ‘Song for Our Daughter‘, un disco en el que ha matizado su propuesta folk pop con nuevos aditivos y perspectivas: una producción más espaciosa, pero por momentos rica y poderosa; un nuevo perfil de narradora, que en realidad sigue revelando ciertas intimidades; una voz cálida y calmada, con la paz que da una vida tranquila cerca de su familia… Sobre todo esto y su periplo norteamericano, su fascinación por su proyecto paralelo LUMP o feminismo charlamos entre el canto de ruiseñores, alondras y herrerillos.
Espero que tú y todos los tuyos estéis bien. ¿Cómo te sientes estos días? ¿Qué estás haciendo para sobrellevar estos tiempos tan tristes?
Estoy bien. La conmoción ha pasado un poco y sigo con mi rutina normal, aparte de que me gustaría poder dar un paseo algo más largo si pudiera (ríe). Pero está bien, todo el país se está esforzando al unísono para superarlo, y de eso se trata.
«Animaría a los artistas a publicar música ahora, es un buen momento para hacerlo»
Tomaste la decisión de adelantar este disco, que estaba previsto para el verano, al contrario que muchos otros artistas que están demorándolos. ¿Aún estás satisfecha de haberlo hecho?
¡Sí, totalmente! Sobre todo porque mi experiencia de este tiempo es que ha sido muy fructífero para escuchar música. En mis paseos he estado escuchando discos de principio a fin, que es algo que no hacía desde hace tiempo, debo admitir. Así que animaría a los artistas a publicar música (ahora), es un buen momento para hacerlo.
Antes de este disco sentiste la necesidad de cambiar algunas cosas en tu carrera y tu vida personal: tras ‘Semper Femina‘ cambiaste de sello y de management, regresaste a Londres tras vivir en Los Ángeles, te involucraste en proyectos nuevos como LUMP o una obra de teatro con Robert Icke… ¿Cuál de estas cosas crees que te ha ayudado más a la hora de sacar adelante ‘Song for Our Daughter’?
Creo que probablemente sea por la propia experiencia de la madurez, y eso incluiría todas esas cosas que has mencionado. Trabajar en el teatro con Robert fue una experiencia maravillosa por la relación única que él mantiene con el lenguaje; y regresar a Londres me permitió construir por primera un estudio en mi propia casa, lo que contribuyó a dar una diferente paleta de sonidos para el álbum; y llegar a los treinta… bueno, no tenía treinta cuando empecé a crearlo. En general hacerte mayor te permite tomar nuevas perspectivas, así que todo eso que dices ha contribuido al disco.
¿Y cuál sería el mayor logro que has alcanzado en ‘Song for Our Daughter’, desde tu punto de vista?
Buena pregunta. Emmm… El disco en sí mismo supuso un reto personal para mí, porque representa mi temperamento. No sé, sabía que tenía algo especial con este disco, aunque no sabía del todo lo que era, y publicarlo se tornó en una preocupación para mí. Suponía cerrar un capítulo que había querido cambiar (en mi vida). Eso es. También enfocar la producción de una manera más sencilla ha sido bueno. Me he permitido cosas que antes no, en cuestión de arreglos. Y tener mi propio estudio ha ayudado mucho en eso.
«Creo que ahora mismo un ingeniero verdaderamente bueno es el auténtico productor de un disco»
El cambio en la producción es palpable. En este caso Ethan Johns aparece como productor, pero ¿aspiras a autoproducirte en un futuro?
En realidad he autoproducido mis últimos álbumes, los cuatro últimos. Este lo he coproducido con Ethan y Dom Monks, un ingeniero de sonido. En los tiempos actuales la producción tiene un significado muy diferente. Creo que ahora mismo un ingeniero verdaderamente bueno es el auténtico productor de un disco. Porque necesitas tener a alguien… La gente tiene un estudio doméstico y les permite hacer orquestaciones, arreglos, pero creo que la gran diferencia entre una grabación casera y un disco realmente bien sonorizado está en la producción. Seguiré autoproduciendo mis discos, pero siempre serán una coproducción con un buen ingeniero.
Entonces mi pregunta estaba del todo equivocada. Quizá debería haberte preguntado si te has planteado encargarte de la ingeniería de sonido de tus discos…
(Risas) Es algo en lo que definitivamente no soy nada buena. Creo que seguiré contando con otras personas.
Hay arreglos bastante ambiciosos en el disco, claramente en canciones como ‘Held Down’ o ‘Strange Girl’, pero también en canciones como ‘Hope We Meet Again’, que tiene unos interesantes arreglos de percusión. ¿Piensas ya cómo podrás trasladar esto al directo?
Sí, bueno, confiando en que eso ocurra pronto… En anteriores tours ya he llevado coros femeninos, pero la forma en que escribo música soy yo y una guitarra, así que siempre puedo trasladarlo así, y en realidad es mi forma favorita de hacerlo. Si alguna vez tuviera el dinero, llevaría una gran banda por todo el mundo, pero es extremadamente caro.
«Si alguna vez tuviera el dinero, llevaría una gran banda por todo el mundo, pero es extremadamente caro»
Creo que también en este disco has empezado a componer con piano, en lugar de con guitarra. ¿Es algo en lo que te gustaría profundizar en adelante?
Sí, lamento que mis capacidades al piano sean muuuuuy elementales, pero sin duda tienen un efecto en mis composiciones. Y creo que uno bueno, porque me obliga a no darle demasiadas vueltas (a las canciones), a no complicar las cosas. Así que sí, pero tengo que esforzarme por practicar más y mejorar. No soy yo quien toca en el disco, es una amiga (Nde: Anna Corcoran) quien toca el piano.
‘Song for Our Daughter’, la canción, tiene para mí una de tus letras más bonitas. ¿Cuándo nace este tema?
Fue escrita estando en Francia, hace un par de años. Mi novio, que también es músico (Nde: George Jephson, del dúo Oh Othello), estaba tocando una progresión de acordes una y otra y otra vez… Funciona bastante bien, lo de tocar las cosas una y otra vez. (Risas) Y empecé a escribir la canción, se puede decir que le robé los acordes… Y así fue, por eso tiene créditos como co-autor en el disco. El sentimiento de la canción no lo sabría decir, contiene algo de esa rabia… Mi amiga más cercana tiene una hija, es casi una adolescente… ¡Por supuesto, mi amiga y yo nos sentimos aún muy jóvenes y frescas! (Risas) Pero verla, ver a ambas, me ha conmovido, y me ha hecho pensar en lo que tuvimos que pasar cuando teníamos esa edad, cosas que nos hubiera gustado saber, cualidades que nos hubiera gustado reforzar.
Otra canción que me ha conmovido especialmente es ‘The End of the Affair’, especialmente tu manera de cantarla. Suenas calmada, como si estuvieras del todo en paz contigo mismo, no enfadada ni nada parecido. ¿Es así como te sientes en este momento?
(Ríe) Me alegra que lo percibas así. Sí, creo… creo que así es como me siento. Es, de nuevo, algo acumulativo. Me encanta la vida tranquila, y soy una persona feliz por lo general… Así que… (suspira) Sí. (Risas)
Uno de los grandes cambios en este disco es que te sitúas a menudo en el punto de vista de un narrador, en lugar de hacerlo en primera persona. ¿Pero no crees que aun así sigues revelando mucho de ti?
Creo que en mis canciones siempre revelo más de mí de lo que me gusta admitir. (Risas) Hay gente que cree que debes compartimentar ese tipo de cosas. Creo que es cierto, pero más en el sentido de no ser demasiado explícito, porque también es una manera de honrar con tu trabajo. Estoy interesada en el psicoanálisis y creo que hay muchas fuerzas poderosas en nuestro interior. Y creo que en mi escritura eso emerge de repente, incluso aunque no sea intencionadamente.
Me refería por ejemplo a una canción como ‘Strange Girl’, que para mí parece una carta que te hayas escrito a ti misma, a la chica que eras cuando te marchaste a vivir a Los Ángeles.
Exacto, exacto… En este caso no es sólo una relación de mis experiencias o mi decepción sobre mi comportamiento… Bueno, ligera decepción… Sino tambien cómo veo que eso se reflejó en todos mis amigos y cómo reforzó nuestra amistad, creo.
«No creía que ‘Short Movie’ fuera muy bueno, pero a la gente le gustó incluso más que los dos discos anteriores»
Quería preguntarte precisamente cómo te sientes ahora sobre los discos que escribiste y grabaste durante esos años, en tu estancia en Estados Unidos.
Es curioso, pero nunca sé bien cómo va a reaccionar la gente a mis discos, y suelo confundirme en mis predicciones. ‘Short Movie‘ fue quizá el disco más relacionado con mis vivencias allí. No creía que fuera muy bueno, pero a la gente le gustó incluso más que los dos discos anteriores. Puede sonar aburrido, pero procuro no hacer juicios hacia mis discos.
¿Pero aún te gustan esas canciones?
Creo que tengo un gran catálogo ahora mismo, sí. Las que han resistido me encantan, y hay muchas. Y tienen una gran presencia en mis setlists en directo, sí.
La sororidad es uno de los grandes temas de este disco, y ha estado presente en tus canciones desde hace tiempo, incluso cuando no tantas artistas como ahora se aproximaban al feminismo. ¿Sientes que hay cosas que han cambiado en cuanto a desde que empezaste a centrarte en ello?
Siento que consiguió que la sensación general entre las mujeres, quizá a un nivel inconsciente, es que vivíamos en una injusticia cultural. Y que en el mundo del espectáculo estábamos hartas. Y eso, al alcanzar a la política estadounidense, afectó al mundo del espectáculo a nivel global. Las manifestaciones de mujeres contestatarias se hicieron notar, e incluso despertaron un odio institucional. Eso avivó el fuego de una respuesta apasionada, claro, pero no estoy segura de cuánto eso ha podido influir de una manera real, no estoy tan metida en política. Sí creo que las mujeres, y los hombres, han abierto los ojos a esas injusticias, pero creo que queda muchísimo que hacer.
«LUMP se ha convertido en la parte favorita de mi vida»
Has adelantado tus planes al publicar este disco, y ya has hablado de un nuevo álbum de LUMP, junto a Mike Lindsay, e incluso un nuevo disco en solitario. ¿Siguen siendo esos tus planes?
Bueno, de hecho hemos terminado el nuevo disco de LUMP, lo acabamos en septiembre. LUMP se ha convertido en la parte favorita de mi vida, creo.
¿De verdad?
Sí. Estoy encantada con el disco. Mike (Nde: Lindsay, del grupo Tunng) hace toda la música, toda la producción. Y mi único trabajo es escribir las letras y cantarlas por encima. Lo disfruto mucho porque me es muy fácil… O él me lo hace muy fácil. Y la música es taaaan rara… (Risas) Mike es uno de los tíos más raros que haya conocido nunca. Él me ofrece su propio universo, y yo puedo quitarme el manto que me he creado con mi personaje y convertirme en otra mujer. Es muy divertido.
Eso no impedirá que hagas una gira de este disco, ¿verdad? Obviamente, cuando todo esto pase, en algún momento…
Tan pronto como pueda. Lo seguro es que será una gira en solitario, porque es lo que impondrá la economía actual. Pero sí, girar es lo que más amo de todo esto, ser músico. En cuanto podamos, ahí estaré.
También hemos comentado antes tu experiencia teatral con Robert Icke, y te has mostrado encantada. ¿Es algo que te gustaría volver a hacer?
Trabajar con Robert en particular… Nos conocimos cuatro años atrás, coincidimos en una producción. Él es una persona increíble, y también un director. Estar implicada en cualquier cosa que él haga, cuando sea que él me llame, ahí estaré. De no ser él, no lo haría, porque creo que hay mucha mediocridad en el teatro, especialmente en Londres. Así que fue un honor trabajar con él.
Daft Punk no publican disco largo desde 2013, año en que editaron el polémico -y enormemente exitoso- ‘Random Access Memories‘. Desde entonces han arrasado con sus producciones para The Weeknd, ‘Starboy’ y ‘I Feel it Coming’, han producido a Parcels… y, por separados, sus integrantes ha trabajado con Arcade Fire o Charlotte Gainsbourg. En cualquier caso, las novedades musicales del dúo francés formado por Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter han sido escasas en todos estos años.
Esto podría cambiar pronto porque, como ha informado un medio italiano y recogen medios anglosajones como Exclaim! o Stereogum, Daft Punk preparan la música para ‘Occhiali Neri’, la nueva película del director italiano Dario Argento. La información procede del al periódico italiano Repubblica, y lo curioso del asunto es que, según Argento, han sido los propios Daft Punk quienes han contactado con él para colaborar, pues son seguidores del director. «Son mis admiradores. Se conocen todas mis películas», ha dicho Argento. «Se enteraron por unos amigos franceses que iba a rodar una nueva película y me llamaron para decirme que querían trabajar conmigo». Sin embargo, los productores de Dario Argento han desmentido que esta información sea oficial y asegurado que esta responde a un «deseo» expreso del director de trabajar con Daft Punk, pero que no hay nada firmado todavía.
De materializarse esta colaboración, esta puede resultar en el primer disco largo de Daft Punk en 7-8 años, y en su primera banda sonora en una década: la música de ‘Tron: Legacy’ data de 2010. El rodaje de la nueva película de Argento arrancaba el próximo mes, pero ha sido aplazado a septiembre. Y según Repubblica, Daft Punk visitarán al director en Roma cuando la realidadlo permita. De momento empezarán a enviarle las primeras canciones “pronto”. Así que toca preguntarse: ¿habrá nuevo disco de Daft Punk en 2021, aunque sea en forma de BSO?
Jessy Lanza publicó nuevo single el 20 de febrero, poco antes de que se decretara el estado de alarma en España. Hace dos meses de aquello, y ha sido hoy cuando la cantante y productora estadounidense ha decidido anunciar su esperado nuevo disco.
‘All the Time’ saldrá el 24 de julio a través de Hyperdub y su sello asegura que será la colección de canciones más «puramente pop» de su carrera. Oh No‘, su anterior entrega, se presentó con ‘It Means I Love You’, una de las 10 mejores canciones de 2016.
El single con el que se presenta ‘All the Time’ ahora es otro elegante número de electrónica bailable llamado ‘Face’, que remite al footwork de ‘It Means I Love You’ pero desde una manera muchísimo más contenida y sutil. Lanza ha explicado el significado de la canción: «Fantaseaba en lo que todo el mundo estaba pensando basándome en sus expresiones… Me encontré a mi misma proyectando mis emociones en los extraños a los que observaba. Fui a casa y escribí la letra imaginando que los transeúntes tenían conversaciones telepáticas los unos con los otros. Las preguntas que me imaginaba que se estaban haciendo oscilaban entre lo sexual y lo provocador».
‘All the Time’:
01 Anyone Around
02 Lick in Heaven
03 Face
04 Badly
05 Alexander
06 Ice Creamy
07 Like Fire
08 Baby Love
09 Over and Over
10 All The Time
En la montaña rusa de emociones que suponen estas semanas de confinamiento, uno de los mejores consuelos está resultando ser poder atender a discos publicados en las primeras semanas del año que el día a día había hecho que pasaran desapercibidos. En esas, ha sido una verdadera alegría atender con el mimo que merece al ya casi inesperado regreso de A Girl Called Eddy: quince (!) años después, por fin ha tenido continuidad su glorificado álbum de debut (producido por Richard Hawley) con ‘Been Around‘, nuestro Disco de la Semana. Publicado, además, por un sello español, Elefant Records, que no hace sino ratificar su genuinidad y pasión por la música.
‘Been Around’ es un disco que, si cabe, ratifica aún más que su lejano primer disco el exquisito gusto por el clasicismo de Erin Patricia Moran –recordemos que su alias no es otra cosa que un homenaje al debut discográfico de Dusty Springfield–, pop, rock y soul fuera de tiempo que la alinean con figuras como Aimee Mann, Ron Sexsmith o… Chrissie Hynde. La líder de Pretenders es una clara inspiración en la que, sin duda, es la canción más vigorosa y vibrante de este álbum, ‘Someone’s Gonna Break Your Heart’.
«Daniel (Tashian, productor del ‘Been Around’, ganador del Grammy a Álbum del año por ‘Golden Hour’ de Kacey Musgraves) y yo somos muy fans, y un día estábamos tonteando en su estudio (…) y dijimos «¿Y si hacemos un homenaje a Pretenders solo para echar unas risas?» Ese es el origen, ni más ni menos, de la canción, según nos lo ha contado Erin en una entrevista que publicaremos estos días. «Fue la bomba hacerla y sentirme durante 2 minutos y 57 segundos como una rockera», añade Erin, que dice que no sabe si la canción ha llegado a Hynde aún, aunque sí tiene constancia de que le gustó mucho su primer disco. «¡No somos dignos!», bromea en referencia al famoso gag de ‘Wayne’s World’.
Pero lo cierto es que sí porque, más allá de la sorprendentemente fiel imitación de los gorgoritos característicos de Chrissie, ‘Someone’s Gonna Break Your Heart’ es una canción de power pop dignísima y brillante, con una melodía totalmente deslumbrante que la convierte en el hit potencial de ‘Been Around’. Y, en línea con la mezcla de melancolía y humor de todo el disco con el que asume su aura de eterna perdedora.
En el caso de este tema, una perdedora en el plano sentimental: curada de espanto, nos advierte que «puede no ser esta noche, puede que no hoy, / pero te prometo que va a pasar de cualquier manera: / Alguien va a romperte el corazón. / Alguien va a hacerte daño. / Alguien te va a hablar con dulzura. / (Pero) Alguien te hará llorar». Ante eso, la única esperanza resulta ser que esa persona que nos daña, después de todo, «tampoco tiene un corazón a prueba de balas», y recibirá de su propia medicina.
De la irreverencia a la irrelevancia. Los sudafricanos Die Antwoord nos sacudieron durante la década pasada con su personal visión del hip-hop, sus polémicos agravios a otros artistas y su arsenal de imágenes desconcertantes. Su quinto álbum, el primero que conocemos desde el incierto anuncio de su separación, ha tardado 4 años en llegarnos, y no puede estar pasando más desapercibido. Son pésimos tiempos para lo políticamente incorrecto y su mensaje está quedando diluido: es difícil comprenderlo, porque si Ninja y Yolandi Visser lo explicaran demasiado y completamente en serio estarían perdiendo el 50% de su gracia. Panther Modern, uno de los raperos invitados rescatados de la escena underground, arranca ‘HOUSE OF ZEF’ pidiendo que «abramos la puerta». Hay pancartas contra «haters» colgando del cuello, proclamas de «Ninja for President», autorreferencias (‘I Fink U Freeky’) y escuchamos lo que significa el título del álbum… ¿pero dejará el público entrar a Die Antwoord acaso?
La receta sigue siendo la misma: bases hip-hop, trap, a veces tecno, trip-hop o psicodélicas suenan en segundo plano bajo unas letras mitad en inglés, mitad en afrikáans, siempre subyugantes, ora con mensajes de autoafirmación, ora pervertidas. En su objetivo de machacarnos el cerebro, ‘ZONKE BONKE’ y ‘DA GODZ MUS B KRAZY’ no pueden intentarlo más fuerte. A Moonchild la han invitado para cantar que va a «comerte el culo» mientras la oímos relamerse en una canción llamada ‘NAAI IS ’N LEKKER DING’ en la que lo primero que escuchábamos era un coro infantil. A continuación, a Smiley le han llamado para contar que «no es gay», y que «no la tiene pequeña, obviamente», pero que Ninja tiene «la polla más grande». «Siempre la he admirado», incluye la apasionante narración de ‘MY LIFE IS A PORNO’. Nada nuevo bajo el sol en una secuencia que incluye un extraño relato sobre la locura y la muerte a cargo de Roger Ballen (‘WHEN THE SUN GOES OUT’) y una balada reptante llamada ‘DON’T SLEEP’.
Tras estas dos canciones situadas hacia la mitad de la secuencia, ‘BANG ON EM’ vuelve a sacar literalmente la ametralladora, y lo cierto es que esa última parte del disco remonta entre los teclados truculentos de ‘HO$H HO$H HO$H’ y sobre todo el poder de las dos últimas canciones. ‘FUTURE BABY’ representa el éxito de un buen contraste, con la dulce voz de Ninja en las antípodas de una base industrial que ni Chimo Bayo; y el álbum se cierra con una ‘No 1’ que han querido producir bajo un manto de electro ochentero. Ninja, convertido en un crooner del synth-pop, pasea por el mundo preguntándose cómo sienta «ser nadie», sin que nadie te haga «fotos», sin «fama» y sin que «nadie sepa tu nombre», sin que a nadie «le importes», «ni te mire». Después de varios «eye rolling», ‘HOUSE OF ZEF’ se despide dignamente con una curiosa canción de despedida… ¿o es una metáfora de su presente?
Calificación: 5,9/10 Lo mejor: ‘No 1’, ‘FUTURE BABY’, ‘OPEN THE DOOR’ Te gustará si te gustan: Eminem, Enrique y Ana, Diplo Youtube:‘No 1’ en Youtube
Andrea Compton es una conocida youtuber que a día de hoy suma 585.000 suscriptores en su canal gracias a sus simpáticos vídeos sobre series, películas, cómics, música y cultura pop en general. Por supuesto la música tiene un peso muy importante en el contenido de sus vídeos, y hemos querido pasarle nuestro «tipo test» a Andrea para que nos descubra la música favorita y la que más le ha marcado.
¿Tienes canción favorita de todos los tiempos?
Siempre he dicho ‘With or Without You’ de U2, pero creo que a día de hoy es ‘Life in Technicolor II’ de Coldplay.
¿Una canción que te haya obsesionado últimamente?
‘Blinding Lights’ de The Weeknd. No salgo de esa canción, ¡la escucho mil veces al día!
¿Canción que asocies a un recuerdo infantil?
‘Say You’ll be There’ de las Spice Girls. ¡Estaba obsesionada con la canción y el videoclip!
¿Qué canción odias con toda tu alma?
‘No One’ de Alicia Keys, porque la escuché tantísimo el año que salió que ahora no puedo escuchar ni 10 segundos de esa canción.
¿Qué canción te encanta pinchar? ¿Y cuál odias que te pidan?
Amo pinchar ‘High School Musical’, Lady Gaga y David Bisbal, todas seguidas, es un súper buen combo. Odio que me pidan ‘Rebelde’, soy fiel defensora de ‘Erreway’ para siempre.
¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál fue el último y en qué formato?
El último de Coldplay, lo tengo en todos los formatos como buena fan. También tengo los últimos de Lizzo y Harry Styles. Depende de la edición me compro más formatos o solo el CD normal.
Hablas mucho de series en tu canal. ¿Con qué serie has descubierto recientemente algún grupo?
A Odesza por la promo de ‘Outlander’ de la última temporada. Me encanta ‘Corners of the Earth’.
¿Cuál es tu plataforma favorita para escuchar música ahora mismo? Por ejemplo, al margen de Spotify/Apple Music, ¿escuchas discos enteros en Youtube?
Me encantan los remix o megamix que hay en YouTube, los que mezclan un artista con otro, hacen versiones 80s de canciones de ahora, etc.
¿Qué opinas del supuesto revival del vinilo o peor aún, del cassette? ¿Es puro postureo o te interesa especialmente?
Creo que hay parte de postureo y parte de querer escuchar música de otra forma. Además, las ediciones de vinilo son mucho mejores que las clásicas de CD y eso a los fans nos gusta más.
Nos encantó tu vídeo sobre las revistas de los 2000. ¿De qué artista eras fan en la época? ¿Qué canción recuerdas escuchar a saco?
El primer disco de Avril Lavigne fue mi religión durante mi adolescencia y me lo sé de memoria. Me pasó igual con Simple Plan, Green Day y el primer disco de Estopa. Creo que me los sé todos de memoria.
¿Alguna canción que, en algún momento, te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el “guilty-pleasure”?
Me daba mucha vergüenza admitir que me encantaba el disco ‘My World’ de Justin Bieber. Ahora admito sin problema que lo amo, ¡jajaja!
¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Canciones que se acercan a la perfección, para mí, serían ‘Blu’ de Jon Bellion, ‘Dog Days Are Over’ de Florence + the Machine y ‘Byegone’ de Volcano Choir. Ah, y toda la discografía de Coldplay, ¡jajaja!
Un remix que te haya vuelto loca.
Soy una pesada, pero…
Woodkid, o lo que es lo mismo, el cantante, músico, realizador y diseñador gráfico francés Yoann Lemoine, despuntaba en 2013 con su proyecto musical tras haber dirigido videoclips para Katy Perry (‘Teenage Dream’), Lana Del Rey (‘Born to Die’) o Taylor Swift (‘Back to December’). Los vídeos de Woodkid eran una de sus grandes bazas y, aunque el artista ha seguido trabajando detrás de las cámaras –por ejemplo para Harry Styles (‘Sign of the Times’)–, su primer y único álbum de estudio hasta la fecha, ‘The Golden Age‘, data de 2013 (en 2016 compuso la banda sonora para ‘Desierto’ de Jonás Cuarón y editaba un EP junto al pianista Nils Frahm).
Después de haber anticipado su regreso musical con un teaser a finales de 2019, por fin, siete años después, su segundo álbum es una realidad. Aunque de momento no se conoce detalle alguno, parece más cerca que nunca con la edición de su primer single de adelanto. Se trata de ‘Goliath’, canción estrenada este viernes que, como es habitual, redunda en una música electrónica épica y oscura, con un marcado carácter cinematográfico. Y, también como acostumbra, está presentada con un videoclip de espectacular factura.
En este caso nos traslada al corazón de una industria minera a través de uno de sus trabajadores. A través de la mirada de este, hastiada, confusa y triste, podemos observar cómo una cantera de mineral se revela totalmente monstruosa, con ciertos rasgos que revelan, de manera insólita, maneras casi humanas. Casi de manera literal. Así lo explica Lemoine: «Trata sobre escala, sobre toxicidad. Sobre estas delirantes máquinas industriales que representan tan bien mi miedo y ambigua atracción por la locura humana. Este es el mundo que hemos construido en torno a ‘Goliath’, un mundo en el que el dominado puede derrotar a lo gigante, lo invencible».
Westerman fue uno de los nombres más desconocidos por el gran público presentes en la pasada edición del Vida Festival de Barcelona. Él es un muchacho londinense cuya música recuerda al llamado «sophisti-pop» de artistas veteranos como Sade o The Blue Nile y al de artistas contemporáneos como Wild Beasts o MorMor. Su primer disco, ‘Your Hero is Not Dead’, sale el próximo 5 de junio.
Con Westerman podríamos estar el enésimo proyecto de «bedroom-pop» de turno, pero no. Las canciones del británico suenan tan mimadas, elaboradas, matizadas y, ejem, sofisticadas como las de cualquier profesional de la música pop que lleve años dedicado a esto. Will Westerman creció escuchando tanto a Bronski Beat y a Tina Turner como a Nick Drake y Neil Young y de niño fue miembro de un coro. Estas circunstancias han expandido su musicalidad y oído para la canción pop clásica, lo cual se refleja en la composición y en la compleja instrumentación de muchas de sus canciones, como ‘Outside Sublime‘ (atentos a su precioso videoclip) y ‘Waiting on Design’, que con un pie en el art-pop y otro en el easy-listening y el smooth-jazz, desentonarían más en una playlist de hits actual que en radio. La mano de Westerman para la ornamentación instrumental es más evidente aún en temas com ‘Think I’ll Stay‘, la más The Blue Nile de su repertorio.
Las mejores canciones de Westerman pueden ser ‘Blue Comanche’ y ‘Confirmation’. La primera empieza recordando a Fleet Foxes (el artista tiene una canción folki muy bonita llamada ‘Mother’s Song’) pero luego se convierte en una hija muy probable del sonido de Wild Beasts y Cigarettes After Sex, a los que Westerman recuerda vocalmente. ‘Blue Comanche’ es buen ejemplo de cómo unos teclados y unos tarareos bien colocados al final de una canción pueden elevarla sin esperarlo. La segunda, hoy nuestra Canción Del Día, usa el ritmillo de ‘Smooth Operator’ y guitarras y teclados desorientados para minuciosamente construir una composición de pop elegante que se crece en el estribillo final de la manera más sutil posible. Suena a que podría haber salido en los 80 en el mejor de los sentidos. Y ojo al homenaje a René Magritte en el diseño gráfico de su debut: esto sí es tener las cosas claras.
El nuevo álbum de Nicolas Jaar comienza con ‘Vanish’, una pista que genera tanto terror como una banda sonora de John Carpenter o una «danza de brujas» de Berlioz. Nada bueno anuncian las primeras notas de una composición que después incorpora un lamento repetido como un mantra: «di que vas a volver, di que vas a volver». ¿Quién querrá adentrarse en este entorno tan lúgubre, sucedido por otra pista tan tambaleante como ‘Menysid’?
Nicolas Jaar celebró su 21º cumpleaños publicando un debut llamado ‘Space Is Only Noise‘ que le puso en el mapa de la electrónica experimental internacional. Después vendría el politizado ‘Sirens’, sobre la historia del país de sus padres, Chile; conocimos su proyecto paralelo Darkside; ofreció la versión más luminosa, accesible y bailable de sí mismo bajo el alias Against All Logic, con el que este año ha firmado un segundo disco tras el pelotazo que supuso el primero; y ha contribuido ligeramente a la producción del último álbum de FKA twigs, para varios medios de comunicación, el gran álbum de 2019. Ni que decir tiene que una obra que se llama ‘Cenizas’, firmada con su nombre y apellido, supone un retorno a lo más oscuro.
Apartarse del «mundanal ruido», oxigenarse, deshacerse de sus vicios… era la gran inquietud de este artista hace unos años cuando quiso «sentir todo» y para ello dejó «el alcohol, el tabaco, la cafeína, la carne, etcétera». Antes de que la humanidad se confinara, él se declaró «en cuarentena al otro lado del mundo» para trabajar durante unos meses en su nueva música. Nicolas Jaar se las prometía muy felices entonces, pero pronto se dio cuenta de que el mal no se había ido a ningún sitio, más bien se lo había llevado consigo, y sus pensamientos negativos están concentrados en este ‘Cenizas’. En la canción titular asegura que «cada día nuestro mundo se achica o se derrumba»; ‘Vacíar’ (sic) es pura tenebrosidad, ‘Hello, Chain’ nos entrega más sonidos de ultratumba… Son los miedos del artista llamándonos desde el más allá. «Ya no cabe nada, pero estamos juntos sin noticias del otro mundo».
John Coltrane continúa siendo una referencia para Nicolas y en especial ‘Crescent’ (1964) ha sido una inspiración en este álbum. Le gusta particularmente cómo suena «húmedo y seco al mismo tiempo, trascendente en su sutileza y humildad». Añade: «no se basa en nada salvo en su humilde fe en la melodía, el ritmo y la libertad». «No grita desde una montaña ni se regodea en su subjetividad», indica. Este mensaje publicado en su web es importante porque se publicó apenas unas horas antes del día de salida de ‘Cenizas’, anticipando y condicionando su escucha, y porque da varias de las claves de lo que encontraremos en él.
El disco tiene un ambiente mortecino y depresivo en muchos momentos, pero también consiente el ritmo tribal aportado por el polvoriento blues de ‘Mud’, cuya letra encierra un punto de esperanza («esperaremos / la paciencia es nuestra virtud»). El ambiente de la pista titular es onírico (además, cuando canta en castellano no puede evitar parecer un poquito Devendra Banhart) y la melodía de ‘Garden’, a piano, es un oasis de belleza donde no cabe el horror con el que esta aventura había comenzado. No obstante, no es el desenlace del viaje, pues aún faltarán la caída de ‘Xerox’ y el cierre con ‘Faith Made of Silk’, una canción que con su batería y sus sintetizadores, bien podría ser de Apparat. Nicolas vuelve a usar la palabra «fe» y vuelve a la «cima de la montaña» pero desde luego no es para chillar desde ella. Desde allí asegura que «una cima es tan solo el camino hacia un descenso», sin imponer al público cuál era el lado bueno. Eso quizá depende de nuestra subjetividad, pero no tanto que el artista mantenga su buena mano para transmitir la idea de luz y la de sombra, la del vicio y la de virtud.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Cenizas’, ‘Garden’, ‘Agosto’, ‘Mud’, ‘Faith Made of Silk’ Te gustará si te gustan: Brian Eno, el último Scott Walker, Burial, Apparat Youtube:‘Cenizas’ en Youtube
‘Fast As You Can’, ‘Limp’ y ‘Paper Bag’ no habían logrado dar a Fiona Apple el impacto que había tenido ‘Criminal’, pero la sombra del multiplatino en Estados Unidos de ‘Tidal‘ jamás condicionará a la artista. Nunca la veremos a la caza del público mayoritario. ‘Extraordinary Machine’ suena como un álbum que, tomando como base algunas ideas del pasado, abre tímidas nuevas vías para el futuro. ‘Get Him Back’, por melodía, parece empezar donde se queda ‘Fast As You Can’; el álbum se promociona con dos sencillos simultáneos y uno de ellos es una balada al piano grabada en una toma llamada ‘Parting Gift‘: la Fiona que conocimos influida por el jazz sigue ahí.
Sin embargo, la producción del álbum, salvo un par de excepciones, es a cargo de Mike Elizondo (Dr Dre), también encontramos a ?uestlove tocando instrumentos, y pese a que este no es un disco de hip-hop, hay cambios sustanciales. ‘Tymps (The Sick in the Head Song)’ cuenta con un punto tropicalillo con sus marimbas y su retahíla de instrumentos, a saber, un mellotron, un clavinet, un Wurlitzer, una celesta, un «tack piano«… que también repiten en el single ‘O’ Sailor’, donde además encontramos un órgano Farfisa listado entre tantas otras cosas que su enumeración casi requiere de un bidón de palomitas. Y sin embargo… no se nota. La producción es de una sobriedad que ni gusta ni disgusta.
Ni resulta unitaria: las dos canciones que no están producidas por Mike Elizondo lo están por la ex mano derecha de Fiona Apple Jon Brion, con quien había redondeado su gran obra maestra. Estas pistas han decidido situarse abriendo y cerrando el disco. La propiamente titulada ‘Extraordinary Machine’ y ‘Waltz (Better than Fine)’ hacen honor a este último nombre, como invitando a una danza colorida, explotando el lado más luminoso del jazz. «Tymps» y ‘Window’, gracias a sus arreglos, pueden encajar en esa vertiente del álbum, pero el «difícil-tercer-disco» suena un tanto indeciso entre el sonido por el que apostar tras 6 años de espera.
Las letras de Fiona, en cambio, siguen sacando punta a las decepcionantes relaciones humanas. ‘Oh Well’ indica: «cuando yo buscaba tranquilamente afecto / tú estabas buscando mis imperfecciones / qué desperdicio de amor incondicional / en alguien que no cree en las cosas». ‘Parting Gift’ abre los ojos en medio de un beso «más de una vez» para concluir: «aquello acabó mal pero me encanta cómo empezamos». Mientras ‘Window’ opta por cortar algo por lo sano, la agresiva ‘Get Him Back’ planea «cómo matar aquello que no podemos atrapar», y después llama a su siguiente amante «un esnob despreciable» que cayó «tan abajo» que ni se atrevía a «mirar a la cara».
‘Extraordinary Machine’ es, tal y como lo encontrabas en una tienda de CD’s, o tal y como puedes descubrirlo hoy en tu plataforma de streaming favorita, otro buen álbum de Fiona Apple que no representa un enorme paso adelante en lo musical pese al cambio de productor, pero en el que su lengua viperina se mantiene y también el nivel compositivo en cuanto a melodías. El problema es que el disco está completamente perseguido por su historia, la de la filtración de sus primeras maquetas con Jon Brion: ¿qué sería de ‘Extraordinary Machine’ sin su buena ración de fans proclamando, por ejemplo, en los comentarios de Youtube, que las maquetas de este tercer álbum conforman el mejor disco de Fiona Apple, su verdadera obra maestra?
En 2002 han pasado tres años desde la edición de ‘When the Pawn…’ y Brion y McAfee-Maggart -primero el apellido materno- se empiezan a reunir para grabar con la idea de sacar el álbum para otoño. El disco empieza a retrasarse ad nauseam, los fans entienden que a Sony no le está gustando el resultado y emprenden una campaña para que salga cuanto antes, pero no por ello recibiendo más que filtraciones de maquetas sin masterizar hasta que el álbum se edita en 2005 -¡a finales!- y rehecho por Fiona sin Brion, junto a Mike Elizondo. Para entonces son muchos los que ya se habían hecho a las 11 grabaciones filtradas y secuenciadas, es decir, un disco como un piano, y el drama de «la maqueta era mejor», uno de los lugares comunes de la historia de la industria musical, tiene aquí uno de sus puntos de discusión más apasionantes.
Dos canciones de Jon Brion no cambian apenas, algunas sufren grandes retoques (los arreglos de ‘O’ Sailor’ y ‘Get Him Back’ son nuevos, pero el espíritu es muy similar) pero otras parecen canciones completamente diferentes… y algo peores que en su versión original. En la versión original de Brion el álbum se abría de manera imponente con una versión con las cuerdas a todo gas de ‘Not About Love’, y continúa de manera tenebrosa con ‘Red Red Red’, aquí como en una película de miedo. Son dos canciones que en la versión definitiva del álbum no abren sino que casi cierran, haciéndonos reflexionar sobre la importancia de la disposición de los elementos, qué decisiones hacen de un disco una obra de arte y cuáles no.
En declaraciones a Rolling Stone, el reportaje deja claro que fue Fiona y no su discográfica quien no estaba contenta con las grabaciones originales. Apple cuenta que esas canciones podrían haberse quedado incluso sin editar en «territorio «no me importa nada»», y explica que el problema es que «no había tenido tiempo de convivir con las composiciones antes de grabarlas, por lo que realmente no sabía lo que quería». Es gracioso que una frase del álbum sea «estoy indecisa sobre ti otra vez» y que incluso una canción como la gran ‘Please Please Please’ sea una composición sobre la creación musical, en la que Apple bromea: «no más melodías / carecen de impacto / son bonitas / ya se ha inventado antes / ¡danos algo que nos resulte familiar!».
En la versión original del álbum, este era el tema de cierre. Es comprensible que en su huida de lo «familiar», de lo que ya «conocemos», Fiona Apple pasara de la versión original del disco. Para empezar, porque los arreglos quitan peso al verbo. Y además porque ciertos arreglos no acentúan el significado último de la composición. La artista no tenía por qué convertir ‘Extraordinary Machine’ en una banda sonora de Tim Burton, y mucho menos en la banda sonora de ‘Amelie’. Lo malo es que, en su huida razonable, no terminó de dar con una solución alternativa que impresionara tanto como el disco filtrado.
Así, un tercer álbum con una personalidad muy marcada, representando una era muy definida de Fiona Apple, acabó ante nuestros ojos desdibujado. E involuntariamente más que como un disco como una experiencia de comparativa musical sin parangón, a la que estoy seguro de que algún día se le hará justicia en forma de reedición con los 2 discos. Aunque sea en 2045.
Calificación: 7,9999/10 Lo mejor: ‘Not About Love’ (Jon Brion), ‘Get Him Back’ (cualquiera de las dos), ‘O’Sailor’ (cualquiera de las dos), ‘Extraordinary Machine’, ‘Waltz’, ‘Parting Gift’ Te gustará si te gustan: Yann Tiersen, las bandas sonoras, los dramas de discos filtrados y maquetas Youtube:la maqueta
Joe Crepúsculo ha anunciado que su nuevo disco, ‘Supercrepus II’, sale «después del verano». Será presumiblemente la secuela de su segundo álbum, ‘Supercrepus‘, publicado en 2008, hace ya 12 años. 
Fiona Apple ha dado varias entrevistas a medios digitales para hablar sobre su nuevo disco, el RECOMENDADO ‘
Lil Uzi Vert es una de las mayores estrellas del rap en Estados Unidos gracias al éxito de su single ‘XO Tour Llif3’, que lleva más de mil millones de escuchas en Spotify. El lanzamiento de su segundo disco, ‘Eternal Atake’, había sido retrasado varias veces por su sello, lo cual llevaba al joven rapero de Filadelfia a retirarse de la música temporalmente. El largo veía la luz finalmente el pasado mes de marzo acompañado de un «hype» considerable y ha sido un gran éxito comercial y de crítica en su país. 
Dua Lipa continúa siendo lo más votado de JENESAISPOP con sus tres últimos singles, pero lo más llamativo es el nuevo máximo alcanzado por una canción que ha venido subiendo poco a poco: ‘Say So’ de Doja Cat. Jamie xx, Gorillaz bien acompañados y Chromatics son las entradas tímidas de la parte baja, y es momento de despedirse de ‘sad day’ de FKA twigs y ‘Bad Decisions’ de los Strokes, ya en la mitad baja y con 10 semanas de permanencia. Podéis escuchar 
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Pedro Sánchez ha presentado el plan de desescalada ante la bajada de contagios por coronavirus en España durante los últimos días, tras semanas de confinamiento casi absoluto. Como había dejado caer previamente, el plan será por fases y autonomías, dependiendo del punto de la pandemia de cada una de las comunidades autónomas.
Yelle presentan el single de su nuevo álbum, según indica su agencia de prensa en España I Pop You. Se trata de una canción llamada ‘Je t’aime encore’, un tema que arranca como una balada electrónica al piano pero poco a poco incorpora un ritmo electrónico y distorsiones vocales, inconforme con los cánones de la balada clásica. 
Hinds era una de las bandas que 
¿Qué pasa si confinas en un apartamento de Barcelona a tres músicos que habitualmente tocan en grupos como Búhos, Dr. Prats o la banda de Nil Moliner? 
Mykki Blanco vuelve con nuevo disco cuatro años después del 
Esta semana las canciones más escuchadas en España siguen siendo las mismas que la semana pasada y sin variaciones en su posición: ‘Safaera’ de Bad Bunny es número 1, ‘Amarillo’ de J Balvin número 2, ‘Tusa’ de Karol G y Nicki Minaj en el número 3 y ‘Dime Bsita’ de Robledo y Alex Martini número 4.
Fiona Apple nunca ha sido una gran vendedora de discos en nuestro país y su primera entrada en la lista de ventas española se registró en 2012, con la salida de su penúltimo álbum ‘
Una voz de mujer preguntando «Chica, ¿dónde has estado?» es lo primero que escuchamos al dar al play en el nuevo disco de 
Karmento tiene ya su segundo disco preparado cinco años después de un ‘Mudanzas’ que incluía temas que exploraban las raíces de la música española como ‘Compañero’ o ‘Como una trompeta’. En los últimos tiempos también la hemos escuchado cantar en el disco de su compañero de sello en El Tragaluz, Vicente Navarro. Su voz sonaba en ‘El luto’ de ‘
Daft Punk no publican disco largo desde 2013, año en que editaron el polémico -y enormemente exitoso- ‘
Jessy Lanza publicó nuevo single el 20 de febrero, poco antes de que se decretara el estado de alarma en España. Hace dos meses de aquello, y ha sido hoy cuando la cantante y productora estadounidense ha decidido anunciar su esperado nuevo disco.
De la irreverencia a la irrelevancia. Los sudafricanos Die Antwoord 
Andrea Compton es una conocida youtuber que a día de hoy suma 585.000 suscriptores en 
El nuevo álbum de Nicolas Jaar comienza con ‘Vanish’, una pista que genera tanto terror como una banda sonora de John Carpenter o una «danza de brujas» de Berlioz. Nada bueno anuncian las primeras notas de una composición que después incorpora un lamento repetido como un mantra: «di que vas a volver, di que vas a volver». ¿Quién querrá adentrarse en este entorno tan lúgubre, sucedido por otra pista tan tambaleante como ‘Menysid’?
‘Fast As You Can’, ‘Limp’ y ‘Paper Bag’ no habían logrado dar a Fiona Apple el impacto que había tenido ‘Criminal’, pero la sombra del multiplatino en Estados Unidos de ‘