Esta semana la batalla por el single número 1 en Estados Unidos ha estado reñida entre el remix de ‘Say So’ de Doja Cat con Nicki Minaj y el remix de ‘Savage’ de Megan Thee Stallion con Beyoncé. Tanto ‘Say So’ como ‘Savage’, en sus versiones originales, ya aparecían entre las 6 canciones más escuchadas en el país, por lo que los remixes de ambas han buscado darles el empujón definitivo para llevarlas al número 1, y finalmente ha sido ‘Say So’ el que lo ha conseguido, mientras ‘Savage’ se ha quedado en el número 2.
El número 1 del remix de ‘Say So’ es el primero para Doja Cat en Estados Unidos y, aunque parezca mentira, también el primero para Nicki Minaj, que no solo se ha quedado cerca de serlo varias veces (‘Anaconda’ alcanzó el número 2, ‘FEFE’ con 6ix9ine alcanzó el top 3) sino que, en sus 10 años de carrera, ha llegado a ingresar hasta 109 canciones dentro de la tabla de Billboard sin lograr un número 1 con ninguno de los 108 anteriores. Así, Nicki se convierte en una de las artistas que más tiempo ha tardado en alcanzar la cima del chart americano, en concreto, 10 años y 3 meses, quedándose cerca de los 11 años transcurridos entre el debut de Kid Cudi y su primer número 1 con ‘THE SCOTTS’ con Travis Scott la semana pasada; y también la que más singles ha tenido que publicar para conseguirlo. Solo Justin Bieber había tardado tanto, si bien en su caso lo consiguió con su single número 47, ‘What Do You Mean?’.
El remix de ‘Say So’ es también la primera colaboración entre dos mujeres raperas que topa la cima del Billboard, según Genius. Como apunte, ‘Say So’ es a su vez el primer número en mucho tiempo para el malogrado Dr. Luke, uno de sus co-autores. En concreto, desde que ‘Dark Horse’ de Katy Perry logró dicha posición en enero de 2014.
Cariño, una de las bandas nacionales revelación del año, como demuestran las reproducciones millonarias de ‘Bisexual‘, ‘Canción pop de amor‘, ‘:(‘ o su versión de ‘Llorando en la limo’ de C. Tangana, así como su sorprendente confirmación en el cartel de Coachella (el festival ha sido aplazado a octubre, todavía hay esperanzas de que su primer concierto en California pueda tener lugar), publica su primer EP el próximo 19 de junio. Se llama ‘x si me dejas en visto’ y, en palabras del trío madrileño, «contiene tres canciones para alguien que te dejó en visto o que aún ni tiene tu whatsapp. pal amor que fue y pa otro que vendrá. pa tener una excusa para mandarle ese mensaje del que quizá te arrepientas o quizá no. pero estas canciones son mucho más pa vosotros».
Las dos primeras canciones de este nuevo EP que viene a suceder al debut largo de Cariño de 2019, ‘Movidas‘, ya las conocemos: son la mencionada ‘:(‘ y la reciente ‘Excusas‘. Y la tercera llega hoy a las plataformas de streaming. ‘Te brillan’ es otra píldora de punk-pop de la banda en la que nos parece escuchar un cruce nada descabellado entre Los Punsetes y La Bien Querida. Es una producción de Juan Pedrayes de Carolina Durante, quien acaba de producir el debut de Marcos y Molduras, y habla sobre lo difícil que es a veces decir «te quiero».
‘Te brillan’ llega además con un curioso videoclip animado por la ilustradora Rocío Quillahuaman, quien el año pasado, más o menos sobre estas fechas, nos compartía su música favorita.
Aunque quizá acabe por pesarles profesionalmente –especialmente con las dificultades de comunicación que se han generado en el mundo con la pandemia de coronavirus–, a Buscabulla les honra la decisión de haber dejado la fructífera vida personal (el matrimonio formado por Raquel Berrios y Luis Alfredo Del Valle se conoció allí, y allí nació su hija) y profesional emprendida en Nueva York años atrás para volver a sus orígenes. La morriña de su hogar se acrecentó cuando los huracanes Maria e Irma devastaron su Puerto Rico natal y, pese a no ser quizá el mejor momento, decidieron volver a la isla… para descubrir que ya nada era tan bonito y emotivo como habían conservado en sus recuerdos y que muchos de sus seres más queridos ya ni siquiera estaban allí. Esa extraña sensación de desarraigo (plasmada en un documental de próximo estreno) en la que para ellos siempre había sido su casa vertebra e inspira su fantástico álbum debut, ‘Regresa’.
Aunque a priori Buscabulla aparentan cierto paralelismo con otro dúo mixto latinoamericano como son Bomba Estéreo –culparía a esa estética que hace chocar folclore y modernidad, además del razonable parecido físico entre Berrios y Li Saumet–, lo cierto es que los puertorriqueños se distinguen musicalmente de los colombianos de forma ostensible. En contra del explosivo espíritu festivo de aquellos, Berrios y Del Valle se inclinan por la sutileza en su mestizaje. Su arraigo latino está ahí, pero diluido de manera discreta en un pop sofisticado al estilo del que facturaban Chairlift (no es casual que Patrick Wimberly, ex-socio musical de Caroline Polachek, se haya implicado en el aspecto técnico de este disco), imbuido de G-Funk, efluvios disco y un espíritu vaporwave más contemplativo que epidérmico. Pese a eso, la voz de Raquel gana peso con respecto a sus dos primeros EPs porque, explican, querían resaltar el tono emotivo de este disco: necesitaban que se entendiera bien lo que dicen.
‘Regresa’ no es, resumiendo, un disco festivo… lo cual no significa que no sea un disco bailable. Ya quedaba demostrado con los singles ‘Vámono‘ –pese al tono algo triste que retrata la incertumbre de su viaje de vuelta en lamentos como «¿quién me va a ayudar?»– y ‘NTE‘ –que contrapone maravillosamente un sonido contemporáneo y anglosajón con un lenguaje coloquial y desafiante–, y lo refrendan también el elegante dream-disco ‘Nydia‘ –inspirada por la amistad que han establecido con la actriz Nydia Caro, que dejó su NY natal para triunfar en la isla– o la excitante, incendiaria en lo lírico, ‘Ta que tiembla‘, en la que el personal sonido de bajo que gobierna en todo el disco llega a tesituras increíbles, tanto como el flow de Raquel.
Y es que, incluso cuando lanzan mensajes de cariz político como en esta o ‘Manda fuego’ –abiertamente inspiradas por las revueltas contra el Gobernador Ricardo Rosselló que apoyaron también sus compatriotas Residente y Bad Bunny–, lo que manda en Buscabulla es la elegancia y la sensualidad. Porque, ante el difuso significado de sus letras –a veces muy concreto, otras veces casi ininteligible; si gira en torno a su regreso a la isla, transmite más sensaciones que mensajes concretos–, cortes tan bonitos, delicados y sexys como ‘Club tú y yo‘ o ‘Mío’ dejan muy claro que la parcela que conecta más con su estilo es la sentimental/sexual. ‘Regresa’ es un disco de los que se sudan… pero sobre todo bailando en horizontal.
Beneficiado por un minutaje corto –incluso cabe cuestionar por qué no se desarrollan más los prometedores interludios ‘Fiebre’ (¿un mensaje contra la dictadura de las tendencias musicales?) y ‘Volta’–, ‘Regresa’ condensa el fuerte de Buscabulla: equilibrar sonoridades audaces y modernas –el R&B experimental de Blood Orange o Solange emerge como referente– pero con una perspectiva enraizada en lo latino tanto desde el punto de vista lingüístico –aunque a veces no consigamos captar todas sus palabras, el peculiar flow de Berrios es otro de los grandes descubrimientos de este debut– como rítmico, sin necesidad de recurrir al reggaetón para hacerlo. En ese sentido, más allá de su sonido, ‘Regresa’ es un precioso canto de amor del dúo por sus orígenes, incluso con todo en contra.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘NTE’, ‘Nydia’, ‘Vámono’, ‘Ta que tiembla’, ‘Club tú y yo’. Te gustará si te gusta: Chairlift, Blood Orange, Bomba Estéreo, Lido Pimienta, Solange. Escúchalo: Bandcamp
Hidrogenesse publican el 22 de mayo ‘¿De qué se se ríen los españoles?’, el disco que recopila sus canciones para la exposición ‘Humor absurdo: una constelación del disparate en España’, que ha podido verse en el centro de arte CA2M de la Comunidad de Madrid. El disco incluye la canción titular, que puede escucharse desde el pasado mes de enero junto a un videoclip casi tan surrealista como la propia composición.
En aquella pieza podíamos escuchar los coros de Xoxé Tétano de Los Ganglios, quien vuelve a proporcionar coros en el nuevo adelanto de este trabajo. Se trata de una versión de ‘Pasodoble de los esqueletos’ de Miguel Mihura, canción escrita por Miguel Mihura y compuesta por Daniel Montorio que aparece en la película ‘Una de miedo’ de 1935 de Eduardo García Maroto, director al que Genís Segarra y Carlos Ballesteros han querido reivindicar con la mencionada versión.
El vídeo de ‘Pasodoble de los esqueletos’ también es obra de Xoxé Tétano, es tan surrealista como manda la ocasión, y se sitúa, como no podía ser de otra manera, en un cementerio. Os dejamos con el listado de canciones de ‘¿De qué se se ríen los españoles?’.
Cara A
1. Rubianes en el espacio
2. Empanadilla de Móstoles
3. ¿De qué se ríen los españoles? (Versión album)
4. Pasodoble de los esqueletos
Cara B
1. Empanadilla de Móstoles (A capella)
2. S. U. S. (Colón era una mujer)
3. ¿De qué se ríen los españoles? (Remix)
4. Organillo sin manivela (Tema)
Primavera Sound había pospuesto su edición de 2020 a agosto, pero hoy anuncia que esta pasa a celebrarse finalmente en 2021 debido a la evolución de la crisis sanitaria, siguiendo los pasos del Sónar. El festival se celebra en Cataluña, una de las comunidades autónomas que este lunes no van a solicitar pasar a la fase 1 de la desescalada por consejo de las autoridades sanitarias.
En un comunicado, Primavera Sound indica que la próxima edición del festival seguirá celebrando su 20 aniversario como estaba planeado este año, y da ya las nuevas fechas: será del 2 al 6 de junio. Sin embargo, el cartel será distinto y el festival anunciará los primeros artistas de su nueva programación el próximo 3 de junio, día en que podrá solicitarse también la devolución de entradas. En cuanto a estas, el festival informa que todas las entradas ya adquiridas serán válidas para la edición de 20121 y que estas «incluirán beneficios especiales para todos aquellos que decidan conservarla».
«Estamos desolados y sentimos enormemente los inconvenientes causados, pero la salud y el bienestar de nuestro público y de todas las personas involucradas en el festival ha sido y sigue siendo nuestra absoluta prioridad», apunta el festival en su misiva. «No podemos más que agradeceros vuestra paciencia, amor y comprensión ante este escenario tan incierto».
A su vez, Primavera Sound comunica que Primavera Pro, su encuentro para profesionales de la industria musical, sí celebrará una edición 100% virtual este año, del 21 al 24 de julio de 2020, «con el objetivo de analizar, reflexionar y debatir acerca de los innumerables retos que afronta el sector en este nuevo paradigma».
Como tantos otros espectáculos musicales, en este caso televisivo, Televisión Española se vio obligada a suspender sine die la edición 2020 de Operación Triunfo, que estaba en curso cuando el gobierno de España decretó el estado de alarma por la COVID-19. De hecho, estaba ya en su recta final, con nueve concursantes en liza (recordemos sus nombres, porque puede que ya ni lo recuerdes: Nia, Gèrard, Flavio, Anaju, Samantha, Eva, Hugo, Bruno y Maialen) y cuatro galas por delante. Hoy el ente público anuncia que el talent-show vuelve para su culminación el día 20 de mayo, y aclara todas las posibles dudas que eso podría generar, dada la situación.
Para empezar, los concursantes ingresarán días antes en la academia tras someterse (y superar, claro está) a tests para la detección del coronavirus, del mismo modo que todos los trabajadores del programa. Una vez allí, continuarán su preparación «según las directrices de los Servicios de Prevencion de GESTMUSIC y RTVE», con unas medidas «conforme a las indicaciones del Ministerio de Sanidad» que se detallan en parte. Se aclara que no habrá masterclasses presenciales, y que de haberlas serán de manera telemática, al igual que las clases de voz y movimiento de Natalia Calderón y de cultura musical de Zahara.
Además, se confirma que las cuatro galas serán sin público, lo cual se contradice un tanto con la razón esgrimida para su suspensión: teóricamente fue «por no poder mantener el formato de galas que caracteriza al talent musical»: no habrá bailarines ni músicos que acompañen a los concursantes, que tendrán su propio micro durante toda la gala y habrán de vestirse y maquillarse solos «en la medida de lo posible». En la gala del día 20, los dos concursantes que se jugaban su permanencia en la Academia antes del confinamiento, Gèrard y Hugo, se jugarán su permanencia en la academia. También parece confirmado como presentador Roberto Leal, lo cual podía verse en cuestión después de que se anunciara a bombo y platillo su fichaje por Antena Tres para presentar el regreso al canal de ‘Pasapalabra’.
Se pondrá así fin a una de las ediciones de Operación Triunfo que peores datos de audiencia ha cosechado pero también una de las más polémicas. Justo el pasado viernes se estrenaba ‘Sal de mí’, la canción que los chicos de esta edición de OT han compuesto con el cantautor Andrés Suárez dentro de la academia como ejercicio.
Desde Pamplona, Melenas se han consolidado durante el último par de años como una de las bandas fundamentales del underground nacional. Si volaban los vinilos de su debut, este segundo álbum llega al mercado con 200 copias ya despachadas, lo que en España sabemos que equivaldría a un buen top 50 en nuestra lista de ventas si esta fuera exhaustiva y contaran todas las tiendas y webs de bandas a la británica. ‘Días raros’, título ya ideado antes de la crisis del coronavirus, pues el álbum se grabó el verano pasado, no presenta grandes novedades respecto al «fuzz pop» que conocimos en pequeños hits como ‘Mentiras’ o ‘Gira’. Oihana, Leire, María y Lauri continúan haciendo de las guitarras eléctricas, los teclados y la reverb su seña de identidad, sin miedo a que las letras queden en un segundo plano, a veces ininteligibles.
Ese tipo de sonido es el vehículo idóneo para unas canciones que hablan sobre nuestras obsesiones, como sucede en el sencillo ‘No puedo pensar’, si bien es el paso del tiempo el tema más recurrente de ‘Días raros’. «Desde la cama tumbadas vemos el tiempo pasar / no hace falta decir nada, nos vemos al despertar», dice la última canción ‘Vals’; un tema recibe el título de ‘El tiempo ha pasado’ y otro el de ‘Ya no es verano’, y los recuerdos de otra era nutren los textos de composiciones como ’29 grados’ («te puedo imaginar en el mismo lugar / pero tú ya no estás»). Dicen Melenas que con este álbum querían “plasmar un estado de ensimismamiento y de ensueño», sensación especialmente conseguida en la letra de ‘Despertar’, con frases como “sin querer cierro los ojos, vuelvo al sitio que soñé / de aquí no me moveré» o «no me despiertes de este sueño en el que todo me va bien».
Pero la banda también ha querido celebrar «momentos de querer salir, de buscar el otro lado, de sacar chispas a lo que hay fuera, de divertirse y no pensar en nada más», entregando composiciones muy revitalizantes, saltarinas y a veces divertidas. En contraste con la balada de frases planeteras ‘El tiempo ha pasado’ («Aquí sentada en mi cuarto ya llevo días pensando qué harás, volveremos a hablar / qué harás si seguirás igual»), de bonita outro dream pop a los teclados; vuelven a brillar las melodías ultrapop como en el álbum anterior. Es el caso de ‘Despertar’, marcadísima por su batería; ‘3 segundos’, casi un rock’n’roll bailable cuyo estribillo es «papapapá»; o la estupenda ‘Ciencia ficción’, cuya sesentera secuencia de acordes podría haber sido firmada por los mejores Astrid. Los amigos Tamu Tamurai (Exnovios) y Jaime Cristóbal (J’aime) firman la producción de un álbum ciertamente ensimismado y romántico, en el que asoman ciertos visos de madurez. ‘Ya no es verano’ pasa de «recuerda este momento, por favor / tanto como lo haré yo» a «no hace falta que digamos nada más, no alarguemos el final».
Calificación: 7,3/10 Lo mejor: ‘3 segundos’, ‘Ciencia ficción’, ‘No puedo pensar’, ‘El tiempo ha pasado’ Te gustará si te gusta: Veronica Falls, The Jesus and Mary Chain, The Raveonettes Escúchalo: Bandcamp
Este fin de semana Guille Mostaza (ex-Ellos) y que acaba de publicar ‘Desventura’, segundo disco junto a Frank Gálvez (ex-Gasca), se ha convertido en cronista de uno de los chafardeos más alucinantes del pop reciente. Uno que tiene como extraños co-protagonistas a Depeche Mode y a Rosario «Chayo» Mohedano, la sobrina-cantante de Rocío Jurado. Mostaza, que incluso ha sido citado como fuente/cronista en el programa de cotilleos de Telecinco ‘Socialité’, desvelaba este pasado fin se semana la historia: el pasado 24 de febrero (Guille habla de abril, pero sucedió dos meses antes) Rosario y su distribuidora Lanzadera Music mostraban la portada del que será su nuevo trabajo titulado ‘Rosa de febrero’. A la vez revelaban su primer single, titulado del mismo modo y dedicado a su popular madre Rosa Benito, como queda claro en su clip oficial, no apto para diabéticos.
Hasta aquí todo OK para los fans de Cadena Dial y Radio Olé. A casi nadie le escamó nada hasta que, de alguna manera inverosímil, el dibujo de una rosa roja sobre fondo negro cortada en el centro por el título del álbum llegó hasta el afamado fotógrafo y realizador Anton Corbijn, nada menos, que hizo acto de presencia en los comentarios de su Instagram para señalar la «originalidad» de la propuesta. Se refería, claro está a la evidente similitud de esta con la portada de ‘Violator’ de Depeche Mode, disco que hace unas semanas cumplía 30 años y que convertía a los británicos en un grupo masivo a nivel global, vendiendo varios millones de copias.
Esto ha inspirado una serie de de cachondos memes –no nos queda claro si por iniciativa popular o del propio Guille– que proponen portadas alternativas para ‘Rosa de febrero’. Lamentablemente, Chayo ha optado finalmente por una simple foto de sí misma con sus pose y sonrisa más naturales. La cantante no se ha pronunciado sobre la polémica en ningún momento, pero sí ha retuiteado un mensaje de ¿una fan? que, con distintos ejemplos (muy cogidos con pinzas, en nuestra opinión), reúne portadas de discos que «el destino quisieron (sic) que compartieran similitudes en la idea creativa». También, difunde otro mensaje de la misma persona (y al parecer jueza especializada en propiedad intelectual, puesto que asegura que «no existe plagio») que dice que la portada «se ha cambiado porque se ha hecho una reedición para actualizarla ya que ha cogido en pleno confinamiento la promoción». ¡Okidoki!
Puea el equipo de diseño parece haber copiado la portada de Violator de Depeche mode del año 1990. De todas maneras mis felicitaciones para @RosarioMohedanopic.twitter.com/6UXKK8c7eb
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Gracias a dios en la industria de la música hay mucho compañerismo. Desde discográficas multinacionales me mandan estas portadas de distintos artistas que no tienen plagio pero el destino quisieron que compartieran similitudes en la idea creativa. Gracias compañeros.@socialitet5pic.twitter.com/h25rKB7Gzz
ACLARACIÓN: 1. No existe plagio 2. Es una rosa encargada adrede de creación propia 3. Ha pasado todos los filtros que se pasan desde la distribuidora central. 4. Se ha cambiado porque se ha hecho una reedición para actualizarla ya que ha cogido en pleno confinamiento la promoción
Al rapero conocido como Tekashi69, o 6ix9ine, le ha venido estupendamente todo esto de la crisis del coronavirus: encarcelado desde noviembre de 2018 por pertenencia a banda armada, ha conseguido salir de la cárcel varios meses antes de lo previsto, puesto que el juez ha considerado que su condición de asmático le ponía en riesgo en prisión. Y un mes después de su liberación, Daniel Hernández ya ha lanzado su primer single post-trullo, ‘GOOBA’, con el que ya ha batido un par de récords.
Estrenado el viernes pasado, el clip de ‘GOOBA’ –en el que, una vez más, recurre a su reconocible estética multicolor, esta vez con seis chicas vestidas y teñidas cada una en un color del arcoiris– supera ya los 84 millones de visualizaciones en Youtube. Según algunos medios, los 43 millones de visualizaciones que obtuvo en las primeras 24 horas lo convitieron en el vídeo de hip hop más visto en la plataforma en ese plazo, superando a ‘Kill Shot’ de Eminem, con 38M. Además, el streaming en directo que Tekashi llevó a cabo en su Instagram para presentar la canción fue visto por más de 2 millones de personas, batiendo también una marca. En Spotify, ha entrado directamente al top 6 global, no muy lejos de los nuevos singles de Travis Scott y Drake. Y todo ello, sin el apoyo de una gran multinacional de la música.
Pero no todo el mundo recibe igual de bien a 6ix9ine: en las últimas horas, Snoop Dogg ha reprochado a Meek Mill y un ejecutivo de Tidal que «apoyen a esa rata»… que es como se suele llamar en el argot gangsta a los chivatos. 6ix9ine había conseguido reducir su condena a dos años tras delatar ante el juez a los miembros de una banda de delincuentes neoyorquina que habría sufragado, supuestamente, su carrera, implicando también a Cardi B en el asunto, entre otros. Según reportaba TMZ, rechazó ser incluido en el programa de protección de testigos para, presumiblemente, que eso no le impidiera cumplir con un millonario contrato discográfico. En todo caso, Hernández tendrá aún que responder a varios juicios pendientes, entre ellos el relacionado con el tiroteo en el que se vio envuelto junto con Kanye West, que participaba en la filmación de una de sus colaboraciones en ‘DUMMY BOY‘.
Antes de que la pandemia del coronavirus se cebara especialmente con la comunidad de Madrid, teníamos ganas de hablar con la organización de Tomavistas sobre su personal línea editorial, sobre sus particulares notas de prensa, sobre sus espinitas clavadas, sobre el camino que ha seguido como pequeña empresa hasta convertirse en una de las citas imprescindibles de la ciudad… Lo que leéis bajo estas líneas es una entrevista en dos mitades: una se realizó antes de la covid-19 y la otra obligadamente se ha hecho ahora dada la nueva situación. Tomavistas, que había confirmado a artistas como Suede, Jarvis Cocker, Amaia, The Horrors, of Montreal, Austra, Los Punsetes y León Benavente, ha sido aplazado desde mayo al primer fin de semana de septiembre. A día de hoy aún su futuro es incierto tras la suspensión de toda fiesta popular este verano en Madrid, y a la espera de medidas y restricciones por parte del gobierno central. Hablamos con la organización del festival, esto es, Imarú Aledo, Jose Gallardo y Willy G. Blesa. Foto: Javier Rosa.
¿Cómo estáis viviendo el confinamiento? ¿Cómo ha sido la decisión de retrasar el festival debido a la covid-19? ¿En qué momento se tomó exactamente la decisión?
Jose: «Pues la verdad es que no hemos dejado de trabajar de forma intensa, así que está siendo un confinamiento entretenido y emocionalmente complicado. Ya desde el 5 de marzo fuimos conscientes de que la cosa se podía poner difícil, así que lo primero, sin tratar de alarmar mucho a las bandas, fue pensar en un aplazamiento, elegimos unas fechas y empezamos a tantear a las agencias. En todo momento considerábamos que nuestra obligación era mover el festival como única opción, siempre y cuando se confirmara que las autoridades no nos dejaran hacerlo en mayo como así ha terminado siendo porque aún estamos en estado de alarma y el festival tendría que celebrarse dentro de 10 días. En 20 días ya teníamos asegurado el cambio con el line up intacto en un 90% y conservando a todos los cabezas de cartel, hemos recibido mucha comprensión y apoyo por esa parte tanto de bandas como del público».
Willy: «Entiendo que como todos, intentando sacar adelante los días con el mejor humor y predisposición. En esta nueva normalidad hemos tenido que tomar muchas decisiones en muy poco tiempo, una de ellas, retrasar el festival. Nos dimos cuenta bastante pronto, ya que toda la información que recibimos era muy poco positiva en relación a los eventos masivos. Una vez pudimos hablar con todas las partes integrantes y valorar el impacto de aplazar el evento, decidimos anunciarlo en medios».
El ministro de cultura no ha querido aún hablar del escenario de los festivales, pero según algunas voces tampoco habrá conciertos en otoño o muchas bandas no podrán venir porque no girarán hasta 2021. ¿Cuál es vuestra situación? Hay cierta desazón al respecto tras la no devolución del dinero en algunos festivales, pero se está explicando que «aplazar» es la única manera de que los festis no se declaren en bancarrota.
Jose: «Los festis vamos a quedarnos muy tocados sean cual sean, y sean cuando sean, las decisiones del ministro, que parece que posterga a no se sabe cuándo, mientras vemos que en todos los países de nuestro entorno están cancelando todos los festivales hasta septiembre y octubre. Somos muy poco optimistas de que Tomavistas se pueda hacer en septiembre y en este momento lo que queremos es ponernos a trabajar en 2021 si queremos que esto no nos hunda del todo. Tenemos hipotéticamente un año por delante para la próxima edición y hay que ponerse a trabajar ya.
Sobre las devoluciones tenemos un problema y es que los seguros de cancelación no cubren la Fuerza Mayor provocada por una pandemia, así que estamos desprotegidos y el dinero de las entradas ya se ha invertido en pago de impuestos de las entradas, adelanto de cachés de artistas, comunicación y publicidad y pagos del personal que lleva trabajando desde hace más de un año en esta edición, es decir, el dinero en su mayor parte ya no está y tenemos que valorar muchas opciones para poder afrontar esa situación tanto para el aplazamiento que tenemos anunciado como para una posible cancelación definitiva que bien podría materializarse en breve. Como no depende de nosotros, el agotamiento tanto nuestro como de todas las agencias de contratación, es bastante importante al tener las dos opciones activas encima de la mesa y eso empieza a ser ya insostenible».
Willy: «Es bastante desolador averiguar que el sector en el que desarrollas tu actividad profesional y vital es probablemente el último en considerarse. No sabemos nada y probablemente seguiremos así algunas semanas más. Necesitamos el apoyo de todas las partes para sobrevivir, desde las administraciones públicas, patrocinadores y obviamente el público. A este último en nuestro caso estamos informando y dando la seguridad suficiente, es nuestra manera de hacer las cosas. Creo que debemos seguir trabajando en ese sentido, informando y haciendo partícipe al público. Es complicado ganar la confianza de alguien y muy sencillo hacerla perder».
«Necesitamos el apoyo de todas las partes para sobrevivir, desde las administraciones públicas, patrocinadores y obviamente el público»
¿Podéis contarme algo sobre la génesis del festival? Mucha gente tiene la visión de que ya es un gigante de Madrid, pero tengo entendido que en verdad es bastante familiar, una cosa montada por amigos, ¿no?
Jose: «Estábamos empezando a conocernos. Empezó con una relación laboral ajena a este proyecto aunque relacionada con el sector y que al final nos hizo muy afines. La relación pasó a convertirse en un festival, luego en una empresa y ahora en un festival un poquito más grande, por el camino hemos formado una familia».
Imarú: «Han pasado ya 7 años y en nuestro caso, el de Willy y el mío, hemos formado dos familias, nuestra querida Familia Tomavistas y una en la que nos acompañan dos niñas de 2 y 6 años. Teníamos un proyecto entre manos, Willy y yo fuimos los primeros que nos juntamos para hacer una agencia de consultoría musical, él viene de discográfica y yo de agencia, vimos una oportunidad y montamos una pequeña agencia, desarrollamos un proyecto para una marca y contamos con Jose para que nos ayudara con el booking y de ahí hasta ahora. Nos han pasado muchas cosas bonitas pero yo puedo resumir estos años en dos palabras: “Lucha constante”».
Willy: «Partimos desde el mismo lugar los 3, teníamos muy claro qué tipo de festival queríamos hacer y qué valores debía tener. Ahora que han pasado casi 7 años, he de decir que somos todavía más amigos y que trabajamos en un proyecto que tiene vida propia. Tomavistas nos dice qué se puede o no se puede hacer».
Supongo que es feísimo elegir, ¿pero podríais escoger un concierto o un par de conciertos que hayan marcado la historia del festival? ¿O alguno del que todo el mundo te hable cuando habla de Tomavistas?
Jose: «Beach House en 2019. Histórico».
Imarú: «En realidad, vemos pocos bolos durante la producción, yo el año pasado gocé en grande un paseo que me di por el auditorio durante el concierto de Morgan, creo que llegué a llorar, el ambiente que se respiraba era acojonante».
Willy: «Yo vuelvo al inicio y estoy absolutamente de acuerdo con Jose, Beach House y Spiritualized 2019».
«Queríamos contratar a Beach Fossils de manera enfermiza», «descubrimos a Boy Pablo en Oslo», «hemos oído el disco de Austra y será su obra cumbre»… vuestras notas de prensa tienen estos guiños más personales que la media. ¿Queréis así diferenciaros o mostrar un lado más humano de la organización?
Imarú: «Hay varios valores que definen Tomavistas y uno muy importante es la personalidad y el cariño con el que hace la programación, estas cosas hay que contarlas, digamos que es una diferenciación, pero no buscada, sale natural».
Jose: «Creo que cuando haces una nota de prensa, hay que tratar de contar historias para que la gente pueda entender cómo una banda y un festival llegan a fusionarse en momentos determinados, explicar un poco la química que hace que las cosas sucedan».
Willy: «Yo no entiendo la vida sin esa pizca de humanidad y empatía. Por ese motivo intento que todo aquello que hago y digo tenga ese componente emocional. Me gusta la gente, que le voy a hacer…»
¿Qué trabajo tiene que hacer la organización de un festival durante el año pero no se ve tanto? Al margen de patrocinios y relación con las instituciones, que supongo que es la parte más rollo, por ejemplo, ¿cuántos viajes al año hacéis para ver a artistas en directo y luego seleccionarlos?
Jose: «Hay mucho trabajo que hacer de todo tipo. Lo de los viajes creo que hacemos menos de los que nos gustaría, pero sí es cierto que visitar otros festivales, como por ejemplo Paredes de Coura, mi festival favorito a parte de Tomavistas, te infecta un poco la cabeza. Allah-Las por ejemplo tocan este año porque en 2015 me enamoraron en el Paredes y por fin les hemos podido hacer después de intentarlo todos los años desde entonces. Aquel año flipé con Temples, con ellos tuvimos mejor suerte y les hemos contratado 2 veces».
Imarú: «Las relaciones con patrocinadores e instituciones también construyen, hacen que el festival sea posible e incluso aportan valor al festival, al final son partners y todos, en su medida, aportan al festival. No es rollo, es bonito, a mí me gusta. Y viajar… sí, menos de lo que nos gustaría, tampoco hemos estado muy boyantes como para ponernos a viajar y ver festivales para crear el mejor…» (risas)
Recuerdo haber visto a Agorazein en Tomavistas, y creo que la gente se lo pasó guay, pero la música urbana no identifica en general el festival. ¿Es una cuestión de gustos personales o estratégica porque veis que hay una gran parte del público que realmente odia todavía esa música a día de hoy?
Jose: «Fue C. Tangana, pero sí, estuvo muy guay. Creo que no hay una música concreta que identifique al festival, creo es más un nexo de otras cosas, más de emoción y trascendencia. Nadia Rose, Mikal Cronin o Austra a pesar de que sus estilos sean muy dispares, tienen muchas cosas en común, les escuchas y dices: «¡guau! ¡Lo tienen! Y tienen que estar en Tomavistas».
«Paridad, cuotas… lo he dicho otras veces, me gusta la música, la haga quien la haga»
Goldrapp, Austra, Javiera Mena, Hercules & Love Affair… se habla mucho de paridad pero parece que vosotros lleváis años cuidando la cuota LGTB+. ¿A qué se debe?
Jose: «Paridad, cuotas… lo he dicho otras veces, me gusta la música, la haga quien la haga y hay gente increíble haciendo música maravillosa, no vamos en búsqueda de contentar a nadie. Creo que va más de apostar por la sensibilidad y no tanto de equilibrar géneros. Si aportamos nuestro grano de arena para fomentar la igualdad, pues encantados porque creo que es muy importante que esto suceda y se naturalice».
Imarú: «Es importante no cerrarse a públicos, pero vamos, yo creo que esto nos sale de manera natural porque es nuestra forma de vivir».
Llama mucho la atención la línea nacional del festival, con muchos grupos noveles interesantes, por ejemplo Pantocrator, Chaqueta de Chándal… ¿es una de vuestras preocupaciones, no? ¿Con cuánto tiempo de antelación se ficha a artistas noveles? Quiero decir, si ahora mismo salieran o empezaran a petarlo, yo qué sé, Adiós Amores, ¿su contratación ya sería para el año siguiente?
Jose: «Digamos que es un fichaje constante. Mira, no conozco a Adiós Amores, de repente los escuchamos y tocan el año que viene. Para este año y con el cartel cerrado ya es imposible, pero tal vez hace unas semanas no lo hubiera sido. La escena alternativa en nuestro país está en un momento increíble y hay que estar atento porque de repente pasan cosas. Siempre dejamos algún hueco final para sorpresas de última hora».
Imarú: «“No conocía esta banda, la vi en Tomavistas y ahora la escucho en bucle”: creo que no hay un testimonio más chulo que esto».
Luego da la sensación de que nunca actuaría en Tomavistas cierto tipo de grupo nacional, como Izal, Love of Lesbian, Vetusta Morla. Sin embargo, sí se ha visto a Pucho como asistente. No sé si le invitasteis o se compró el abono, pero si Vetusta no van a Tomavistas, ¿es por una cuestión presupuestaria o editorial?
Jose: «Nos consta que Pucho es fan del festival y ha venido ya unas cuantas veces. Vetusta Morla podrían tocar en el festival, personalmente les tengo un inmenso cariño y respeto desde hace muchos años, así que con ellos no hay un problema editorial».
Me encanta el parque Tierno Galván y es relativamente céntrico, ¿pero alguna limitación física que impida que la disposición de escenarios, de las barras o de los baños sea como de verdad os gustaría?
Willy: «El parque es increíble, pero como cualquier cosa increíble, tiene sus limitaciones. Por poner un ejemplo, no podemos generar tráfico en el vial de entrada, hacemos más de 300 portes de entrada y 300 de salida, imagina lo tedioso que es ese trabajo».
Imarú: «Si solo fuera alguna…»
Por ejemplo, el escenario 2 tiene muchísimo encanto, pero me parece un poco rara la disposición de su barra: ahí hay gente pidiendo de paso, la gente cenando y la gente que está en ese escenario.
Willy: «Nos gustaría poder ofrecer otros espacios diferentes dentro del parque, pero nosotros no tenemos la última palabra».
Jose: «Sí, es un poco camarote de los Hermanos Marx. Creo que tiene mucho que ver con la pregunta anterior».
¿Cuál dirías que ha sido el momento más duro del festival?
Jose: «El final de la edición de 2016. Ese día cambió mi vida para siempre. Hasta ahí puedo leer».
Willy: «Hemos vivido momentos durísimos, hasta el punto de plantearnos si realmente merecía la pena continuar. Mi sensación es que nos ha hecho más fuertes y con una experiencia increíble para resolver casi cualquier problema».
Imarú: «Casi… Sí, después de la paliza de la producción averiguar cuál había sido el resultado del festival fue durísimo, pero nos hizo aún más piña, decidimos tirar para adelante y estamos muy orgullosos de ello porque lo hemos hecho juntos».
«Es realmente angustioso ver por ejemplo cómo entra una borrasca por el norte o cómo una epidemia puede hacer saltar por lo aires todo en cuestión de horas»
Estuvo el año de la tormenta. Como usuario lo viví como algo divertido, no sé si porque ya he ido a muchos festivales y celebro toda anomalía: gente debajo de los bancos, gente secándose con el secador en los bares cercanos, gente trayendo calcetines secos a colegas… No sé si vosotros en verdad vivís estas cosas con verdadera angustia, en plan, parte meteorológico en el smartphone 24/7…
Willy: «3 semanas antes del montaje estamos enganchados a todo tipo de aplicaciones que nos hablan de todo tipo de marrones que van a suceder. Es realmente angustioso ver por ejemplo cómo entra una borrasca por el norte o cómo una epidemia puede hacer saltar por lo aires todo en cuestión de horas».
Jose: «Parte meteorológico, evolución de epidemias, vuelos de artistas, tráfico, flujos de público… Sí, es bastante jodido todo».
No recuerdo que ese año hubiera que cancelar gran cosa, ¿pero qué pasa cuando en un festival hay que hacer cancelaciones gordas? ¿Todos estáis cubiertos por las aseguradoras u os enfrentáis a pérdidas o grandes daños a nivel imagen, ventas para el año siguiente, etc? En resumen, ¿cuáles son las consecuencias de cancelar por temporal en un festival?
Willy: «Por suerte solo hemos cancelado 1 concierto en las 5 ediciones del festival, solo 1 entre mas de 200 bolos. Es horrible porque no sabes si el chaparrón que acaba de caer es pasajero o por el contrario se va a quedar ahí por horas».
Imarú: «Ese día fue muy heavy, “ya deja de llover, ¿no?”, “me ha dicho no sé quién que viene de su barrio y ha durado 20 minutos… Depende del tiempo que lleve el festival en marcha, si se han celebrado más del 50% de las actuaciones o no. No va por el tamaño del artista sino por el tiempo transcurrido, si cancelas a las 11 de la noche, has abierto puertas a las 17.00h y cierras a las 03.00 y no ha tocado el cabeza de cartel, el seguro no te cubre la cancelación porque considera que ya se ha celebrado más de la mitad y no cubren nada. En base a las pólizas de los seguros y las leyes de cada comunidad están hechas las condiciones de venta, gustarán más o menos, pero es lo que hay. También te digo que hay ciertas causas mayores que tampoco cubren los seguros, al final son como los de tu casa, hay que andarse con ojo porque a la mínima… «ay… eso no está cubierto». Si bien tengo que decir que nosotros estamos felices con el nuestro, es bastante coherente».
¿Alguna espinita clavada de artista que os gustaría llevar pero no pueda ser por razones presupuestarias? Si tuvierais el presupuesto de Coachella, ¿quién sería el primer elegido?
Jose: «Si tuviera el presupuesto de Coachella, que por cierto no tengo ni idea de cuánto puede ser, no sabría por dónde empezar, creo que lo primero que haría sería bajar el presupuesto a la mitad, como poco. Estoy infectado por la búsqueda del ahorro».
Willy: «A mí personalmente me apetecían bastantes bandas de los 90. Recuerdo ir a ver 1 hace bien poco y salir totalmente abochornado del concierto. En ocasiones la realidad supera la ficción».
¿Y alguna que no haya podido ser por razones logísticas o de fechas, pero casi-casi (aparte de Beach Fossils)?
Imarú: «De momento logísticas no, pero las limitaciones del parque no nos dejarían traer según qué artistas, no cabe un tráiler, como ha dicho Willy solo hay un vial de producción. En fin, que los Stones con sus 8 trailers (uno el gym de Mick Jagger, no podrían venir a Tomavistas en el formato de producción actual».
Jose: «Por las fechas, cientos, pero no digo nombres porque somos cabezones y si no se puede un año, se intenta otro».
Este viernes 15 de mayo se publica ‘Quickies‘, el nuevo álbum de The Magnetic Fields que es, con todo mérito, nuestro Disco de la Semana. En él, Stephin Merritt y su grupo (los habituales Sam Davol, Claudia Gonson, Shirley Simms y John Woo, junto a otros colaboradores entre los que se cuenta Daniel Handler, el hombre tras el alter ego literario Lemony Snicket) se enfrascan esta vez, tras el tan vasto como rico ‘50 Song Memoir‘, en reunir una colección de «rapiditas», como su propio título indica: apenas una de sus 28 canciones supera los 2 minutos y medio, mientras que varias no alcanzan ni el minuto de duración.
Lo cual no implica que sea un disco menor en su carrera, ni mucho menos. Ni ligero, como demuestra por ejemplo el que fuera su primer adelanto, ‘The Day the Politicians Died’. Sobre un fondo musical bastante sencillo –apenas un piano solemne y nada elaborado que contrata con lo cómico de su letra–, en ella Merritt celebra en boca de su mejor amiga y mánager Claudia Gonson «el día que murieron los políticos»: «Billones rieron, nadie lloró / el día que murieron los políticos. / La celebración fue mundial / el día que murieron los políticos. / Incluso sus propias madres, / sus maridos y esposas, / dijeron «¡ahora todos los hombres son hermanos!» / Sigamos con nuestras vidas».
En los tiempos que vivimos en los que lo satírico y la retranca están cayendo en desuso, despreciados por generaciones para los que la ironía y la metáfora son tan cosa del pasado como una almena o un cilicio, pueden leerse comentarios de ofendidos en el canal de Youtube. En la entrevista que tuvimos la ocasión de hacer a Merritt días atrás y que publicaremos en los próximos días, el autor de ’69 Love Songs’ se reafirmaba totalmente en su mensaje. A la pregunta del por qué ahora esta canción, respondía: «Lo que me maravilla es por qué no la he hecho antes». No le gustó demasiado que le cuestionáramos si este era un disco concienciado o político: «Aunque no estaba siendo irónico sobre estos temas, (…) realmente me encantaría que cada político del planeta NO estuviera muerto ahora mismo». Y, como en muchas canciones de Stephin, el giro final da la clave de su trasfondo: «Hemos salido del barro. / Somos distintos a las bestias. / (Ahora) que hemos saboreado la sangre, / devoremos a todos los curas».
Bad Bunny ha publicado nuevo disco por sorpresa. ‘LAS QUE NO IBAN A SALIR’ es presumiblemente una colección de descartes de ‘YHLQMDLG‘, el que hasta ahora era el último álbum de estudio del cantante portorriqueño, y que sigue siendo uno de los álbumes más exitosos del momento y el álbum más escuchado desde hace varias semanas en España. Aunque también pueden ser temas sin relación con este disco, pues alguno de ellos menciona explícitamente la «pandemia».
‘LAS QUE NO IBAN A SALIR’ se compone de 10 canciones y cuenta con las colaboraciones de Nicky Jam, Don Omar, Zion & Lennox, Yandel, Gabriela y Jhay Cortez. La noticia ha provocado que tanto Bad Bunny como algunos colaboradores y títulos del álbum sean algunos de los temas más comentados de la tarde de hoy domingo. Además de en plataformas de streaming, el disco puede ser escuchado a través de sus respectivos lyric-videos en Youtube.
‘LAS QUE NO IBAN A SALIR’ sería por tanto el tercer disco oficial de Bad Bunny, tras haber publicado hace unas semanas el citado «Yo Hago Lo Que Me Da La Gana», un disco que ha hecho historia: al entrar directo al número 2 de Billboard 200, se convirtió en el disco cantado en íntegramente español que más alto ha llegado en la lista de álbumes estadounidense. Recordemos que el primer disco de Benito Antonio Martínez Ocasio, ‘X 100PRE‘, se publicaba también por sorpresa en la Nochebuena de 2018.
Tracklist de ‘LAS QUE NO IBAN A SALIR’:
01 SI ELLA SALE
02 MÁS DE UNA CITA
03 BYE ME FUI
04 CANCIÓN CON YANDEL
05 PA’ ROMPERLA
06 BAD CON NICKY
07 BENDICIONES
08 CÓMO SE SIENTE – Remix
09 RONCA FREESTYLE
10 EN CASITA
Jessie Ware sigue adelantando el disco que publica el 5 de junio con nuevos singles que están dando forma al que parece será su trabajo más hedonista y centrado en la pista de baile. Desde ‘Spotlight‘ a ‘Ooh La La’ pasando por ‘Adore You’ y ‘Mirage’, este nuevo largo llamado ‘What’s Your Pleasure?’ vendrá a colocar a Jessie Ware en el mismo hueco de artistas pop que, actualmente y un poco desde los márgenes, están actualizando la música disco a su manera, como Róisín Murphy, Robyn o Metronomy (Joseph Mount es uno de los músicos involucrados en el proyecto).
La manera de Jessie Ware es por supuesto una elegancia y sutileza máximas, y el enésimo sencillo extraído de la cantante aplica este modo a lo grande. De nuevo hecha para evocar el glamour de las pistas de baile de los años 70 y 80, ‘Save a Kiss’ es una canción de diva disco con todas las letras, y lo logra mediante una producción de James Ford y Midland que adorna una base típicamente deep house con las cuerdas disco de rigor y un robusto motivo de sintetizador que remite a la Robyn de ‘Dancing On My Own’ y ‘Call Your Girlfriend’.
Empleando pues estilos de la música disco, el house y el electropop, y también algún retazo góspel en los coros, ‘Save a Kiss’ construye una euforia majestuosa y sutil para contarnos una historia clásica de deseo y pasión incontrolables, pero expresada con la mayor de las contenciones. Al fin y al cabo esta canción se llama «guárdame un beso» y su espíritu es el de la absoluta anticipación: en ella, Ware está «aprendiendo a ser paciente» porque su amado «se guarda lo mejor para el final». Poco a poco esa tensión se resuelve en un estribillo «solo quiero un poco de tu amor» que, pese a su expresada timidez, suena grande y explosivo, marcando el momento más «diva» de la canción.
Mucho se ha hablado en los últimos meses de cómo la deriva ultracomercial de las producciones de Netflix –buscando claramente no ver amenazado su dominio en el terreno de las plataformas VOD– ha ido propiciando que sean HBO, Hulu u otras plataformas/productoras menos populares las que vienen capitalizando los elogios de la crítica y sus premios –basta echar un vistazo al palmarés de los últimos Globos de Oro–. Por eso ha sorprendido tanto encontrar una miniserie como ‘Unorthodox‘ en el gigante californiano: por su factura y temática, cabría más esperarla en una plataforma especializada en cine y televisión de autor, tipo Filmin. Pero lo cierto (y lo mejor) es que, a pesar de su apariencia, se mantiene fiel a la principal premisa de la compañía dirigida por Reed Hastings: absorbe de inmediato y sus cuatro capítulos de una hora de duración se devoran.
Su argumento también parece atípico para los estándares de Netflix: ‘Unorthodox’ narra la historia de una joven perteneciente a una comunidad de judíos jasídicos –una facción ultraortodoxa que fue prácticamente exterminada al completo por el nazismo– establecida en Brooklyn que trata de escapar de su estricta vida en ella y huye, nada menos que a Berlín. Pero lo cierto es que la apuesta no era tan arriesgada como parecía, puesto que se basa –aunque, como se ha explicado después, todo el periplo berlinés es ficción inspirada en su historia– en la autobiografía de Deborah Feldman, ‘Unorthodox: The Scandalous Rejection of My Hasidic Roots‘, uno de los libros más vendidos en EEUU en 2012. Pero la clave de ‘Unorthodox’ reside, más que en su historia, en cómo se nos muestra.
En el enfoque buscado por la productora y co-guionista Alexa Karolinski (de manera inesperada, en su currículo figura la labor de productora en el documental de Bunbury ‘El camino más largo‘), la escritora Anna Winger y la realizadora alemana Maria Schrader (ambas del equipo de la premiada ‘Deutschland 83’), contando con la supervisión de Feldman, destaca sobre todo el extremo cuidado por la estética –más cercana a la de una producción indie que a un producto televisivo– y los detalles. Gracias a un fabuloso casting de actores en su mayoría desconocidos e incluso aficionados, la recreación de cómo es esa comunidad de judíos ortodoxos desde sus entrañas, algo tan inexpugnable y poco frecuente, con todos sus rituales y costumbres desgranados con los máximos respeto y fidelidad, es verdaderamente alucinante. Casi tanto como saber, a través del interesante minidocumental sobre su making-of, que el mismo barrio de Brooklyn se recreó, con todo el sentido, en la propia Berlín, ciudad repudiada por los jasídicos desde su abominable genocidio de la Segunda Guerra Mundial.
Pero los aspectos visuales de ‘Unorthodox’ son tan destacables como su narrativa. Y no es casual que las principales implicadas en ello hayan sido mujeres, porque la empatía y el mimo que demuestran para con las emociones son encomiables. Y no solo las de «Esty» Shapiro, la protagonista inspirada en Feldman, a la que da vida de forma prodigiosa la desconocida Shira Haas, sino hacia todos los personajes femeninos de la serie, principales y secundarios, presumiendo de una ausencia de maniqueísmo que es, quizá, lo mejor de la película. Porque aunque ‘Unorthodox’ expone la sinrazón, la doble moral y la contradictoria ausencia de piedad y amor real de cualquier ortodoxia religiosa, pero no hace juicios sumarios. No lo hace con la joven que, asfixiada y llena de dudas sobre su vida, deja atrás a los que más la quieren para lanzarse a un abismo, pero tampoco con la comunidad religiosa en que creció (sí con su doble moral, pero eso es algo extrapolable a prácticamente cualquier religión), ni con las personas que la dejaron atrás o las que se encuentra en su nuevo camino y que demuestran sus prejuicios hacia ella.
Así, ni la heroína es inmaculada y 100% coherente en su devenir, ni su marido Yanky –también estupendamente interpretado por Amit Rahav– es un ser despiadado que solo busca su desdicha. Las cosas, como en la vida, no son tan sencillas. Lo que sí emerge es la certeza de que la misoginia y la opresión hacia la mujer está entreverada en toda la sociedad, no solo en los judíos jasídicos. Pero, sobre todo, es una bonita oda a la libertad y al arte como vía para encontrarla y encontrarse. Y por sesudo que suene esto, el periplo de Esty se muestra de una manera vertiginosa por medio de ágiles flashbacks y flashforwards, dejando espacio para la intriga, el humor y hasta el romance (aunque esa parte sea algo torpe, telefilmesca). Esa mezcla hace de ‘Unorthodox’ uno de los productos más inclasificables y atinados de la historia reciente de Netflix. 8.
Confeti de Odio, el proyecto musical del cantante y compositor madrileño Lucas De Laiglesia, acaba de publicar en pleno confinamiento su debut largo, un trabajo llamado ‘Tragedia Española‘ en el que Lucas profundiza en sus tragedias emocionales con sinceridad y humor sin dejar de lado la ambición musical que ha caracterizado su proyecto desde el inicio: cabe recordar que esta es la misma persona que a principios del año pasado editaba un single de urban-pop y justo después una versión de Teen Suicide que era aplaudida por su autor original. Por poco se nos olvidaba que Confeti de Odio es ante todo un proyecto de guitarras.
Y en esas coordenadas se mueve ‘Tragedia Española’ en sus 29 minutos de duración, si bien abriendo nuevas vías de expresión para un artista que ha demostrado priorizar el no aburrirse nunca de sí mismo. Porque como él mismo nos ha comentado en una entrevista, su intención con ‘Tragedia Española’ no ha sido hacer una simple colección de canciones «sino un disco más coherente», lo cual «implicó que subiera mi nivel de autoexigencia» como compositor. La canción de ‘Tragedia Española’ que mejor representa esta ambición es ‘Todo muere’, la que lo abre como adivinando el coronavirus, y con la que Lucas ha buscado una composición de pop setentero con guitarras y pianos tan «grande y sobria» como las que suele firmar Father John Misty. Por otro lado, la balada ‘Triste de verdad’ y la más animada ‘Dale otra oportunidad al amor’, con esas palmas tan girl-group, aportan al álbum una capa sesentera que no abandona los guitarrazos tan habituales en el repertorio de su autor.
La música que ha inspirado ‘Tragedia Española’ es más variada de lo que parece, y su autor ha confeccionado para JENESAISPOP una playlist de 9 canciones que le han servido de guía para la composición de este trabajo, nuestro «Disco de la Semana». Todas ellas sirven para entender su discurso desde varios puntos de vista: ‘Otherside’ de Perfume Genius refleja el contraste que existe en su música -y sobre todo en sus letras- entre una angustia existencial desesperante y la necesidad imperiosa de amar sin importar lo que pase, ‘Your Best American Girl’ de Mitski nos recuerda que, como ella, Confeti de Odio es un letrista apegado a la verdad brutal y sin artificios. Por otro lado, ‘I Don’t Love You’ de My Chemical Romance es una elección obligada pues el mismo Lucas reconoce que su gusto por mimar las melodías procede de su afición al emo-rock de los primeros años 2000, y Father John Misty aparece naturalmente con un tema, ‘Disappointing Diamonds are the Rarest of Them All’.
Otros parecen haber nutrido a Lucas en espíritu. Es el caso de Parálisis Permanente: no hay ningún tema de ‘Tragedia Española’ tan punk como su versión de ‘Heroes‘ de David Bowie, aunque su mensaje de esperanza casi naíf («yo quisiera poder nadar bajo el mar, y nada nos alejaría, ser como delfines por siempre jamás») está muy presente en temas del álbum como ‘Ansiedad (has vuelto a mí’). Quizá no por estilo, pero sí por su mensaje de tristeza ante el abandono de un amor, ‘Happy Days and Lonely Nights‘ de Ruth Etting (una conocida cantante de los años 30) ha sido otra de las inspiraciones de ‘Tragedia Española’. Pero es sobre todo la música de artistas como Elliott Smith, Daniel Johnson o Elvis Depressedly la que parece conmover a Lucas desde un lugar espiritual: autores de una música personal y a menudo solitaria y periférica, todos ellos comparten con Confeti de Odio su visión particular e introspectiva del mundo.
El exitazo de la pizpireta ‘Hot Girl Summer’, luego ‘Savage’ gracias a TikTok y ahora el remix de esta última con su paisana Beyoncé son el espaldarazo definitivo para la rapera de Texas Megan Thee Stallion, ya en la primera línea del rap americano. Influida según ella misma por la música de Pimp C, Lil Kim, Three 6 Mafia y la propia Beyoncé, Megan Jovon Ruth Pete lleva publicando singles y mixtapes desde 2017, como el «freestyle» de «Stalli» o el año pasado una ‘Fever’ que incluía hasta 14 temas. A la espera de que llegue su debut largo oficial, la cantante nos entretiene con un EP de 25 minutos que tiene varias cosas que comentar.
Acompañan a la destacada ‘Savage’, llamada a ser un éxito con su estribillo «classy, bougie, ratchet, sassy, moody, nasty», otras canciones que también tienen como objetivo la autoafirmación. Es el caso de ‘Ain’t Equal’ y de la enorme ‘B.I.T.C.H.’. Inspirada en ‘Rather Be Ya Nigga’ de Tupac porque Megan quiere ser «sexy y un gangster al mismo tiempo como él», es todo un desafío para «haters»: «dices que quieres respeto, pues trátame como tú quieras que te traten / Me dices que sea real, pero no practicas lo que predicas». Casi igual de impactante es ‘Captain Hook’, un tema sexual sobre un pene gancho que ha tenido la ocurrencia de llamar, pues eso, «Capitán Garfio». Cuando dice que le gustan «las pollas con un poco de curva», el delirio es similar al de ‘Anaconda’ cuando hablaba de comer culos cual lechugas romanas.
En ‘Suga’ aparecen beats intrigantes como los de ‘Ain’t Equal’, que comienza hablando de las muertes de su madre y abuela en el mismo mes, pero también hay otros momentos más melódicos. Si bien incluir una nadería como ‘Rich’ después de ‘B.I.T.C.H.’ pone el sabor a «MIXTAPE», se agradece mucho la incursión de Kehlani en ‘Hit My Phone’. El EP o lo que esto sea -hay 9 pistas- se cierra por ese mismo camino del R&B. Producida por The Neptunes como ‘Stop Playing’ con Gunna, escuchamos la autotuneada ‘Crying in the Car’, en la que lo mejor no son los efectos de voz sino los samples de fondo tipo góspel, y finalmente una ‘What I Need’ producida por Timbaland después de que lleváramos un buen rato pensando en el mismo. Este lado más tradicional deja muchas ganas de escuchar un clásico de verdad como ‘You Don’t Know My Name’ de Alicia Keys, probablemente porque juntarse con The Neptunes y Timbaland no es lo mejor que pueda hacer nadie en 2020. Sin embargo, Megan ya se había ganado nuestra atención. No es posible que solo haya hueco en tu corazón para una rapera o dos, mientras decenas y decenas de raperos masculinos copan el Billboard 200.
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘B.I.T.C.H.’, ‘Savage’, ‘Hit My Phone’, ‘Captain Hook’ Te gustará si te gusta: Nicki Minaj, Bad Gyal, Lil Kim Youtube:vídeo de ‘B.I.T.C.H.’
Little Richard, uno de los grandes pioneros del rock ‘n roll y también una de sus figuras más influyentes, ha muerto a los 87 años, ha confirmado su hijo a Rolling Stone. La causa de la muerte ha sido un cáncer de hueso.
Conocido por sus explosivas actuaciones y por su aspecto andrógino y extravagante, Little Richard firmó durante los años 50 algunas de las canciones de rock ‘n roll más recordadas, empezando por una archiconocida ‘Tutti Frutti’ que sería versionada ya entonces por Elvis Presley y los Beatles, los cuales interpretaron varios de sus temas. Otros de los grandes éxitos de Little Richard fueron ‘Good Golly Miss Molly’, ‘Long Tall Sally’, ‘Lucille’ o ‘Rip it Up’, y su debut de 1957 ‘Here’s Little Richard’ se considera uno de álbumes más importantes del rock ‘n roll original.
La influencia en la música de aquel muchacho de Macon, Georgia llamado Richard Wayne Penniman que triunfaría a lo grande al margen del apoyo de su familia, que condenó su homosexualidad hasta el punto de expulsarle de su casa a los 13 años, fue más allá de las versiones que realizaron de sus canciones, además de Elvis y los Beatles, artistas como Buddy Holly, Everly Brothers, Creedence Clearwater Revival o los Scorpions. Fue transversal y cruzó no solo la música sino también la expresión de género, adelantándose por décadas a David Bowie y Prince. Pocos artistas de la historia del pop, de hecho, emularon tan abiertamente a Little Richard sobre el escenario como el genio de Minneapolis, y el autor de ‘Tutti Frutti’ afirmó en 1989 que Prince era «el Little Richard de su generación».
Más adelante, el espíritu sobre el escenario de Penniman empaparía el de «performers» como André 3000 de Outkast o, de manera bastante obvia pues comparten corte de pelo, Bruno Mars, quien reconocería a Little Richard entre sus influencias más tempranas. La admiración a Little Richard llega a tal punto que es posible trazar su influencia en el sonido de grupos de rock duro como Deep Purple, AC/DC (Bon Scott le adoraba) o Metallica,´pero también en la educación musical de artistas como Bob Dylan, quien, en un mensaje, ha explicado que Little Richard fue el artista que le inspiró a dedicarse a la música. También Mick Jagger ha recordado que Little Richard fue su mayor ídolo durante sus primeros años de adolescencia. Entre quienes han lamentado la pérdida del torbellino de Macon, Georgia se encuentran también Brian Wilson, Quincy Jones, Ringo Starr o Janelle Monáe.
I just heard the news about Little Richard and I’m so grieved. He was my shining star and guiding light back when I was only a little boy. His was the original spirit that moved me to do everything I would do.
I’m very sorry to hear about Little Richard. He was there at the beginning and showed us all how to rock and roll. He was a such a great talent and will be missed. Little Richard’s music will last forever. Love & Mercy, Brian pic.twitter.com/kcak6Rf4Re
Absolutely heartbroken this morning at also hearing the news of the passing of my bro & friend, the great Little Richard. From our connection through our mutual mentor, Bumps Blackwell, to recording “Money Is” & “Do It To It” for the $ soundtrack, to…https://t.co/jeHNYYobEPpic.twitter.com/aEJEQVuNN9
El próximo 26 de mayo se publica ‘El bando bueno’, nuevo álbum de Sr. Chinarro tras ‘Asunción‘, coronado –nunca mejor traído el verbo, como luego veremos– por una portada en la que Antonio Luque se presenta como el célebre «caballero de la mano en el pecho» de El Greco. Tras un rumbero primer avance, ‘La sábana‘, este viernes ha presentado un nuevo single que denota la presumible (y habitual) diversidad de este nuevo trabajo.
Se trata de ‘Una famiglia reale’ y no, no es una errata: aunque en su letra hable de «una familia real», la italianización del título se manifiesta en el último estribillo, acaso como un homenaje a Battiato. Entre nosotros, Antonio, por propia experiencia: lo de travestir de idioma un nombre funciona regular. En todo caso, la canción funciona por lo demás a las mil maravillas como «canción chinarra». Así la denomina una nota de prensa que revela que está inspirada en la versión de ‘El rito’ que hizo en su día Dan Bejar, Destroyer, en aquel EP- homenaje a las canciones de Chinarro, del que toma ese aire de boogie nuevaolero.
«Podemos decir que he decidido empezar el disco con una canción que es una farsa porque todo lo demás parece serlo. Comenzar falsificando a los Rolling Stones (de la época ‘Emotional Rescue’) porque estamos atrapados en un loop de mentiras refritas una y mil veces, en un antiguo orden que durará más que Keith Richards y la reina de Inglaterra juntos», dice Luque refiriéndose al trasfondo lírico, que no hace otra cosa que «mostrar lo rancio para denunciarlo».
Es decir, dibuja a base de topicazos (que se cumplen a rajatabla, eso sí) al típico «Cayetano» que con tan buen tino retrataran también Carolina Durante. Solo que con unos años más (no muchos), y con aspiraciones de formar una familia de bien, una «que parezca real» con una mujer que sea «su princesa Leticia». Así entre versos y estribillos certeros, estupendas guitarras, ritmo funky y sus archiconocidos y perversos juegos de palabras en plena forma, Sr. Chinarro tiene en ‘Una famiglia reale’ una probable nueva favorita para los fans de siempre y quizá algunos nuevos.
Tras exitazos como ‘Glee’ o la saga ‘American Horror Story’, todas producidas por Fox (ahora propiedad de Disney), Netflix llamó a la puerta de Ryan Murphy y le puso en la mano 300 millones de dólares para que se fuera con ellos. El “niño homosexual de Indiana que se mudó a Hollywood con 55 dólares en el bolsillo”, como suele autodefinirse el director, no se lo pensó demasiado y firmó un contrato de cinco años con la plataforma de Reed Hastings. ‘Hollywood’ es la segunda serie de Murphy para Netflix tras la decepcionante ‘The Politician’.
Lo mejor de ‘Hollywood’
El (habilidoso) manejo de los referentes: La serie es un gozoso homenaje a las películas de los años 40 y 50, por lo que se disfruta mucho más si conoces el Hollywood que retrata: los melodramas de Douglas Sirk protagonizados por Rock Hudson, las películas de posguerra de George Cukor (‘Doble vida’, ‘La costilla de Adán’), la progresista ‘Encrucijada de odios’ (donde al director Edward Dmytryk le obligaron a cambiar el personaje homosexual de la novela por uno judío y, como desquite, llenó el reparto de figurantes gays)… Además, el guión está basado en el suicidio de la actriz Peg Entwistle y en ‘Servicio completo’ (Anagrama), las memorias del proxeneta Scotty Bowers. Su lectura (o la visión del documental ‘Scotty y los secretos de Hollywood’), y la de ‘Hollywood Babilonia II’ (Tusquets), donde se cuenta la historia de Entwistle, son altamente recomendables.
El (esplendoroso) diseño de producción: Ahora que casi todos parecemos jubilados recién levantados de la cama, ver la exuberante recreación que ha hecho Murphy del Hollywood dorado nos hace recordar aquellos tiempos en los que la gente no estaba todo el día en chándal y zapatillas. Los estudios de cine, las gasolineras, los diners, las mansiones de Beverly Hills, la ceremonia de los Oscar… ‘Hollywood’ es una gran espectáculo visual donde los decorados, el vestuario y los peinados son igual de elocuentes –sino más- que cualquier línea de guión.
La (estimulante) premisa argumental: ‘Hollywood’ se puede ver como un cruce amable entre la relectura del melodrama clásico que hizo Todd Haynes en ‘Lejos del cielo’, y la emotiva carta de amor al cine que filmó Tarantino en ‘Érase una vez en… Hollywood’. Murphy imagina un Hollywood de posguerra donde la moral reaccionaria que se impuso tras el código Hays de censura y la persecución macartista impulsada por la Guerra Fría, fue combatida por un gran estudio con la producción de una película que desafiaba el machismo, la homofobia y el racismo imperantes. Un desafío temático y de casting que, sin embargo, en una feliz y arriesgada voltereta irónica, respeta los códigos dramáticos (los famosos “finales hollywoodienses”) del mainstream de la época. Esta apuesta por el sentimentalismo luminoso puede que descoloque a más de uno, pero está plenamente justificada. ¿No era el Hollywood dorado una fábrica de sueños?
Lo peor de ‘Hollywood’
Su (molesto) tono discursivo y aleccionador: Desde un punto de vista narrativo, ‘Hollywood’ tiene un problema: una parte importante de los conflictos dramáticos que expone la serie no los vemos, solo los oímos. Algunos de los personajes, los más sufrientes, tienden a verbalizar sus sentimientos como si estuvieran mandando mensajes al espectador en vez de conversar con su interlocutor. Esto provoca una distensión dramática que afecta tanto a la credibilidad de las escenas como a la eficacia del discurso que se quiere trasmitir, haciéndolo parecer más simplón de lo que debería. ¿Corregirán este fallo en la segunda temporada? De momento no hay confirmación, pero el rodaje de ese ‘Dreamland’ puede ser un buen punto de partida… 7.
La redacción evalúa el nuevo single de Sia, ¿el hit que no pudo ser?
«Si bien es cierto que cabía esperar más, mucho más de la unión de tres talentos como Sia, Dua Lipa y Greg Kurstin, y que el abuso de la aliteración («save my life»X N veces, «boom, boom, boom», «dark, dark, dark», «high, high, high», «fly, fly, fly», «sky, sky, sky», etcétera) es esperpéntico, solo el pre-coro y el estribillo de ‘Saved My Life’ ya justifican la existencia de esta canción. Una construcción melódica preciosa a la que solo le falta y le falla… lo demás: ni los versos, ni la perezosa instrumentación, ni la producción de la canción (¿asumimos que es una demo?) están a la altura que merece». Raúl Guillén.
«Tirada al mercado un sábado y presentada en un acto benéfico detrás de una lámpara, ‘Saved My Life’ no tiene pinta de «salvar» la carrera de Sia, exenta de éxito desde hace un par de temporadas. Sin embargo, este tema no debería caer en saco roto por varios motivos: en primer lugar, Dua Lipa está detrás de sus créditos y nadie sabe exactamente aportando qué. ¿De verdad este detalle va a pasar desapercibido teniendo en cuenta el éxito de ‘Future Nostalgia‘? En segundo lugar y remitiéndome a las máximas de ABBA, esta es la primera canción de Sia que se me ha pegado -y a la primera- desde hace muchos años, en concreto desde que salieron ‘Cheap Thrills’ y ‘The Greatest'». Sebas E. Alonso.
«Sia, esa persona conocida por escribir hits en 10 minutos desde el sofá de su casa, entrega un nuevo single que suena escrito exactamente en esas mismas condiciones. ‘Saved My Life’ no es una de las peores canciones que la australiana ha firmado recientemente, pero como composición solidaria se toma demasiado al pie de la letra su cometido, y no solo por su título… porque la canción no puede sonar más a cliché desde el segundo cero. Es la típica canción de superación que Sia escribe con los ojos cerrados y sin pensar mucho. Obviamente ella es capaz de muchísimo más, pero no subestimaría su desempeño comercial: precisamente ella ha demostrado que puede convertir en un hit cualquier cosa». Jordi Bardají
Sónar informa hoy de que la edición de junio 2020 no podrá celebrarse, pasando a 2021. Obviamente la causa es la crisis del coronavirus, pues la situación de la pandemia ha impedido que Torra solicite siquiera que Barcelona pase a la fase 1 de desescalada el próximo lunes 11 de mayo. La edición 2020 contaba con nombres como The Chemical Brothers, Arca, The Blaze, Mura Masa y Maria Arnal i Marcel Bagés, quienes presentaban su misterioso nuevo sonido tras el impacto de ‘45 cerebros y 1 corazón‘.
Este es el comunicado que se remite a la prensa esta tarde: «Sónar lamenta comunicar que, debido a la crisis global originada por la pandemia de Covid-19, las ediciones 2020 de Sónar Barcelona y Sónar+D no podrán celebrarse, por lo que se posponen a 2021. Tras valorar cuidadosamente todas las opciones, y atendiendo a las normativas gubernamentales, esta decisión ha sido la única posible para garantizar plenamente la salud y la seguridad de todos los asistentes, artistas y equipos involucrados. La 27ª edición de Sónar Barcelona y la 9ª de Sónar+D tendrán lugar los días 17, 18 y 19 de junio de 2021 en los recintos de Fira Montjuïc de Barcelona y Fira Gran Via de L’Hospitalet. Desde ahora mismo, estamos trabajando con los artistas, ponentes y entidades participantes para reprogramar en 2021 la mayoría de shows y actividades que todos esperábamos disfrutar este año».
En cuanto a las entradas, se indica que los «poseedores de Entradas y Acreditaciones Profesionales recibirán un correo electrónico el próximo 19 de mayo con la información detallada de todas las ventajas para conservarlas para 2021 o bien, si lo desean, para acceder al reembolso de su importe».
A pesar de todo, se celebrará una edición extraordinaria de Sónar+D los próximos 18 y 19 de septiembre en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), el espacio donde nació y creció. Será un nuevo formato con «contenidos diseñados para el contexto actual». Será online, gratuito y abierto a todo el mundo.
Hoy 8 de mayo era la fecha de salida del nuevo disco de Belako, ‘Plastic Drama’. Pese a que ya conocíamos hasta 5 sencillos (a destacar el excelente ‘Truce’), el lanzamiento se ha retrasado debido a la covid-19. Lo que sí puede hacerse hoy es el pre-order del álbum. Al mismo tiempo, Belako anuncia la realización de 3 conciertos en junio. ¿EN JUNIO? Habéis leído bien: en junio. ¿Cuando aún no sabemos ni en qué fase de la desescalada estaremos el lunes que viene y los conciertos están en completo stand-by hasta la fase 2? Exacto.
El grupo ha ideado una gira por autocines: serán 3 conciertos en 3 autocines ya anunciados de Madrid, Denia y Getxo, en una fecha de junio por determinar, cuando se concreten las fechas de la desescalada. El show en directo incluirá un espectáculo audiovisual en las pantallas de los recintos, donde también se podrá ver la realización de los conciertos. En vista de que los conciertos van a tener que verse reducidos en cuanto a aforo de manera dramática y que al aire libre el máximo será de 400 personas con silla, alguien ha ideado que qué mejor para guardar las distancias de seguridad que quedarte sentado dentro de tu propio automóvil. También se podrá ir en bicicleta. Una ideaza que suena a «revelación» total, si bien habrá que esperar a ver cómo se la toma el público de este crispado país.
La nota de prensa de La Trinchera, su agencia de comunicación, informa de que se rodará un documental que supondrá su «propia road movie, adelantándose a los problemas para actuar en directo por la alarma sanitaria». Recuerdan que Belako han sido estudiantes de Bellas Artes y, como amantes del cine protagonistas del espectáculo Zelako (Zinea & Belako) para el Festival Zinebi de Bilbao. El documental constará de dos partes: la primera recogerá «la emoción de la presentación del disco en mitad del actual estado de emergencia, y la segunda, una nueva vuelta por los mismos recintos, al recuperar la normalidad, sin vehículos». Estos serán los recintos:
MADRID
Autocine Race
DENIA (ALICANTE)
Autocine Drive
GETXO
Autocine Getxo
Hace un par de meses fantaseábamos ya con la idea de que, a estas alturas, la normalidad (la vieja o la nueva, la que fuera) habría regresado a nuestras vidas para estas fechas. Spoiler: nos queda un trecho. En esa fantasía imaginábamos cómo sería disfrutar en libertad de algunos discos futuros, y uno de ellas era ‘Regresa’, el álbum debut de Buscabulla… que ha visto la luz hoy viernes 8 de mayo. El dúo puertorriqueño formado por Raquel Berrios y Luis Alfredo Del Valle, afincado en Nueva York, se daba a conocer seis años atrás con un primer EP que contó con el beneplácito del sello Kitsuné y Dev Hynes (Blood Orange).
Tras un segundo EP lanzado en 2017, Raquel y Luis decidían emprender el camino de regreso a su país, al contrario que muchos otros de sus amigos y familiares. Ese choque emocional, «lleno de angustia y pérdida», alimenta en buena medida ‘Regresa’, editado por el sello Domino: «el álbum refleja la alegría de estar de regreso, pero también es melancólico», dice Raquel. “Puedes sentirte como un extraño en tu propia casa porque la isla está pasando por tiempos muy difíciles y extraños. La mayoría de las personas de nuestra edad han huido. También hemos cambiado después de estar lejos por tanto tiempo ”.
Esa agitación social y económica, al contrario de lo que pueda parecer, no da lugar a música oscura e introspectiva, sino que Buscabulla permanecen fieles a su espíritu hedonista y luminoso en lo sonoro. Así, tras el estupendo primer single ‘Vámono‘, publicado el otoño pasado, hace unas semanas destacaban la canción que nos convenció definitivamente de que había que prestar mucha atención a ‘Regresa’. Me refiero a ‘NTE’, siglas que contraen la expresión «no te equivoque», que se repite en el estribillo de su letra. Una suerte de desafío hacia aquellos que han cuestionado, en uno u otro sentido, su decisión de volver.
En este caso, ese afán retador y descarado se corresponde con una música sensual y atractiva, a lomos de bajos y guitarras superfunky sobre percusiones calientes –la marca de la casa–, y con la dulce voz y el carisma de Raquel llevando la batuta. Hasta el punto de que en su clip, filmado durante una puesta de sol en la playa, el crucial momento en que ella se quita la peluca rubia se altera el pitch de la canción. Los aires 70s-80s de ‘NTE’ hacen pensar en ellos como una suerte de reinterpretación caribeña del rollo Italians Do It Better, concepto inventado que difícilmente podría sonar más atractivo.
¿Somos nosotros o está empezando a animarse la cosa de los discos a medida que se va relajando el confinamiento? Esta semana Ready for the Weekend está cargada de singles, como viene siendo habitual en las últimas semanas, pero también hay un buen puñado de discos nuevos. Los más importantes quizá sean los de Kehlani, Hayley Williams (la vocalista de Paramore en solitario), Mark Lanegan, Natalia Lafourcade (un nuevo álbum que alterna composiciones propias con tradicionales mexicanos) y Buscabulla en el plano internacional, y Melenas, St Woods y Karmento en el estatal. Pero además hay discos de I Break Horses, RAC, Blake Mills, el debut largo del productor madrileño Bruma, el joven e interesante jazzman Chip Wickham, el rapero italiano Ghali (que cuenta en un tema con Don Patricio) y un álbum sorpresa de Chris Brown. Aparte, desde hoy podemos disfrutar de EPs de Hailee Steinfeld, Little Simz, Pshycotic Beats, Cecile Believe y del productor y MC madrileño Oddliquor, además de una nueva mixtape del afamado beatmaker español Cookin Soul.
En los últimos siete días hemos venido destacando canciones que han publicado Sia, nostalgia.en.los.autobuses (proyecto de David Ruis de La M.O.D.A. producido por Refree), Lianne La Havas, Dirty Projectors, Fontaines D.C., Cass McCombs, Kim Petras y Bob Dylan. Al margen de estos, destacamos los nuevos singles de Sr. Chinarro, Ginebras (con un tema que obviamente está inspirado por esto que nos contaron), C. Tangana (‘Guille Asesino’, que junto a su número 1 de singles ‘Nunca estoy’ forma parte de un inminente EP), Weezer, Jessie Ware, !!!, Ana Mena & Dellafuente, Cut Copy, The New Raemon, The Magnetic Fields, Hidrogenesse, Charli XCX (tercer avance de su disco grabado en confinamiento), The Streets, Sen Senra, Tórtel, Jehnny Beth, Joe Goddard (Hot Chip) & Hayden Thorpe (ex-Wild Beasts), Bejo, Tei Shi, Paul Weller, Arlo Parks, Sleaford Mods, Ella Eyre, Canijo de Jerez, Kimberley Tell, Wet, Hnos Munoz y un largo etcétera.
No faltan esta semana canciones en beneficio de la lucha contra la Covid-19, como las que han publicado en las últimas horas Ariana Grande & Justin Bieber, la mismísima Cher (versión de ‘Chiquitita’ de ABBA), y Vetusta Morla, junto a una pléyade de artistas, de Christina Rosenvinge a Sabina pasando por Kase.O, Xoel López, Alice Wonder, Carlotta de Hinds o Dani Martín. También destacamos un inédito de Martha Wainwright, en el que vuelve a cantar con su hermano Rufus, y un tema de Gorillaz con Skepta y Tony Allen, en homenaje al batería nigeriano fallecido hace pocos días.
Esta semana la batalla por el single número 1 en Estados Unidos ha estado reñida entre el remix de ‘Say So’ de Doja Cat con Nicki Minaj y el remix de ‘Savage’ de Megan Thee Stallion con Beyoncé. Tanto ‘Say So’ como ‘Savage’, en sus versiones originales, ya aparecían entre las 6 canciones más escuchadas en el país, por lo que los remixes de ambas han buscado darles el empujón definitivo para llevarlas al número 1, y finalmente ha sido ‘Say So’ el que lo ha conseguido, mientras ‘Savage’ se ha quedado en el número 2.
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