Fontaines D.C. / A Hero’s Death

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6 agosto, 2020

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Cecilio G ha anunciado en Instagram que deja la música al menos temporalmente. El pasado 2 de agosto, el trapero barcelonés escondía 5 pen drives por Barcelona que contenían su nuevo EP ‘TDPS2 CARA B’ e invitaba a quienes los encontrasen a colgarlo en internet o quedárselo, y ahora explica que este juego escondía un motivo mayor: «el juego de los pen drives no era más que una forma de anunciaros que voy a dejar la música este 2021, para que os hicierais a la idea… Necesito estar con mi famila, disfrutar de otra forma la vida, olvidarme de vosotros y vosotros de mí, echaros de menos y volver si no con más fuerza, con otro punto de vista… Muchísimas gracias por estos 5 años en la música».

El autor de la sobrecogedora ‘Million Dollar Baby‘, una de las mejores canciones de 2019, y de otros éxitos como ‘Pikete Espacial’, ha sido uno de los representantes del trap más queridos de la escena española a pesar de nunca haber salido exactamente del underground, al menos hasta este mismo año, cuando ha aparecido en uno de los temas más interesantes del último disco de Mala Rodríguez, que destacamos precisamente hoy.

El artista, que ha lanzado incontables «mixtapes», la última, este mismo año, ha sido polémico por sus apariciones televisivas (sonado fue su absurdo encuentro con Carlotta Cosials de Hinds, recientemente aparecía en ‘La Resistencia’ de David Broncano), así como por sus innumerables enfrentamientos contra otros raperos como C. Tangana o por aquella vez que se presentó en el Sónar montado en un caballo, enfadando a todo aquel que estuviera mínimamente sensibilizado con los derechos de los animales. También ha dado que hablar por sus problemas con la justicia, pero, por contra, ha sido admirado por sus honestas letras, en las que ha hablado sin tapujos sobre su vida, que ha pasado por diversos baches.

Cuando Alanis Morissette sonaba a Janet Jackson

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6 agosto, 2020

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Una de las trivias más divertidas para cualquier fan de la música pop es descubrir que Robin Sparkles existió de verdad y es Alanis Morissette. La autora de ‘Jagged Little Pill‘, uno de los discos más vendedores de la historia, hasta el punto que ensombrecería para siempre su carrera para desgracia de quienes consideran el siguiente, el esotérico y larguísimo ‘Supposed Former Infatuation Junkie’, realmente su mejor trabajo, fue durante un breve periodo de tiempo una pequeña estrella del pop adolescente en su país natal, Canadá. Allí publicó dos discos, ‘Alanis’ y ‘Now is the Time’, que vendieron un total de 250.000 copias y fueron Disco de Platino y Oro, respectivamente, aunque realmente nadie más los escucharía y hoy día están totalmente fuera de circulación.

Dado que ya en el momento de su edición, la crítica hablaba de ‘Alanis’ como poco menos que un reducto de la música de Janet Jackson o Debbie Gibson, puede darse por sentado que el disco no ha envejecido demasiado bien. De hecho, es mediocre hasta el punto que ni siquiera de los singles extraídos de él, como ‘Feel Your Love’ o ‘Too Hot’, puede decirse nada demasiado bueno. La función de ‘Alanis’ no fue más que la de exprimir los sonidos de moda del momento, como el dance-pop (‘Walk Away’) o el new jack swing (‘Feel Your Love’), para un público fácilmente impresionable, pero desde luego no ofrecer un producto con la personalidad que más tarde desarrollaría Alanis por su cuenta. Destacaría la actuación vocal de la artista en ‘Jealous’, donde ya se aprecia a la bestia que conoceríamos más adelante, pero entre sucedáneos de Janet (‘Human Touch’), otros de Mariah Carey (‘On My Own’), y otros de un funky supuestamente experimental (‘Oh Yeah’), muy poco de la firma de Morissette está presente en este disco que ha sido merecidamente olvidado.

Si para algo puede servir la escucha del álbum es para descubrir de dónde proceden algunas preocupaciones que plagarían a Alanis más adelante. En declaraciones de la artista, en la época de ‘Alanis’, su sello ejerció una «presión brutal» sobre ella para que perdiera peso de cara al lanzamiento del disco, lo que le haría terminar desarrollando problemas de anorexia y bulimia que le obligarían a acudir a terapia para «desprogramar mi cerebro». La artista tuvo que aprender que «lo que sea mi cuerpo, es perfecto tal y como es». De hecho, es en esta época cuando Alanis es víctima de una violación y de abusos por parte de hombres más poderosos de la industria musical, incidentes sobre los que hablaría en su debut internacional.

Por otro lado, hay que elogiar que Alanis jamás fuera una de esas artistas que reniegan de su pasado, y la artista nunca ha mostrado vergüenza por haber grabado estos trabajos: «No me da miedo que la gente escuche esos discos, nunca hice portadas de Playboy… no hay nada de lo que me arrepienta. Para mí, (mi pasado) valida ‘Jagged Little Pill’. Entonces no era yo misma y no tenía tanta experiencia en la vida. No estaba preparada para abrirme de esa manera. Mi propósito entonces era entretener a la gente y dar mis primeros pasos en la industria, y también divertirme y ser joven en lugar de compartir cualquier secreto que escondiera en ese momento. Los tenía, pero no me sentía cómoda compartiéndolos». Pero luego llegó 1995 y el resto es historia…

Bon Iver cuenta con las voces de Bruce Springsteen y Jenny Lewis en la solidaria ‘AUATC’

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6 agosto, 2020

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Bon Iver, de actualidad por su participación en el nuevo disco de Taylor Swift, publica un segundo single solidario para ayudar a afrontar la crisis del coronavirus y cuyas ganancias serán donadas a Direct Relief, organización humanitaria que «trabaja para proteger tanto a trabajadores como a pacientes». El primero recibía el nombre de ‘PDLIF’, siglas de «please don’t live in fear», y el segundo presenta otro título abreviado, ‘AUATC’, que significa «ate up all their cake».

La canción cuenta con coros del mismísimo Bruce Springsteen, aunque la nota de prensa apenas le menciona en los créditos, quizá para no restar importancia a la causa; y también de Elsa Jensen, Jenny Lewis y Jenn Wasner. El videoclip, filmado en Nueva York y dirigido por Aaron Anderson y Eric Timothy Carlson, está protagonizado por el bailarín Randall Riley.

El tema llega a su vez acompañado de un manifiesto contra el capitalismo: «Toda persona merece ser tratada con dignidad, equidad, justicia y alegría. Sin embargo, nuestras sociedades capitalistas han creado un mundo que apoya sobre todo a los más ricos y a la élite, así como a las empresas depredadoras y las políticas que motivan su desproporcionado éxito». El texto sigue: «Una persona cualquiera es dejada de lado y desoída; comunidades marginadas son aún más oprimidas por su raza, estatus económico, género, orientación sexual, credo, historial criminal, estabilidad habitacional, educación, capacidad, estatus de documentación y más. La pandemia exacerba estas graves desigualdades y una codicia que sigue sin ser revisada. Debemos seguir luchando para derrocar el capitalismo tal y como lo conocemos y reconocer nuestra participación colectiva en el respaldo de sus instituciones dominantes».

Mala Rodríguez presenta en vivo su disco más incomprendido, su ‘Earthling’, su ‘MDNA’ particular

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6 agosto, 2020

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Mala Rodríguez ha publicado hace tan sólo dos meses un nuevo álbum. ¿Alguien se acuerda? ¿Alguien lo tiene presente? El esperado ‘Mala’, su primer disco en 7 añazos, no ha podido pasar más desapercibido por las listas, durando tan sólo 3 semanas en el top 100 oficial en España. Lo fácil es echarle la culpa a la covid-19, a la ausencia de edición física. Pero a estas alturas está bastante claro que el álbum no ha conectado con sus viejos seguidores, los del rap en crudo… ni tampoco ha logrado acercarse a neófitos, ni siquiera sumando nombres tan apetecibles para las nuevas generaciones como Lola Indigo o Cecilio G.

Como David Bowie en la era ‘Earthling’ (1997), cuando tuvo que reducir los aforos de sus conciertos de manera drástica (en Madrid pasó de Las Ventas a Aqualung), o como su fan Madonna en ‘MDNA’ (2012), lo de sumarse a las tendencias de moda (el jungle, la EDM, el reggaetón) en lugar de crearlas le ha salido por la culata. Porque el público seguramente lo que espera de ella es que haga algo más fiel a su propia carrera o algo más «adulto». Esto nos contaba en una entrevista el año pasado, hablando de «ageism»: «En ‘Egoísta’ me criticaron porque salía con coletas. ¿Te acuerdas de AC/DC? ¿Lo que les gusta salir de colegiales? Pues a mí también. No como en el momento hipersexualizado del porno, sino como estudiante rabiosa con todas las ganas de discutir. En millones de conciertos he llevado coletas y falda. Pero como ahora tengo 40 años… Nunca ha sido un problema para mí la edad. En ‘Egoísta’ había comentarios de «por qué lleva coletas si tiene 40 años». Aunque los tuviera, yo no estoy haciendo nada para tus ojos, lo estoy haciendo por mí. El hombre cree que tú eres un producto para su consumo. Me parece arcaico el asunto. Muchas mujeres defienden que se nos hace invisibles a partir de cierta edad, y siempre tenemos que estar justificando nuestras acciones, cuando la mujer adquiere un poderío a partir de los 30 que no tiene nada que ver».

En lo musical, de la misma manera que ni ‘Earthling’ era un disco tan malo como se dijo en su momento y es bastante más divertido de recuperar que otros álbumes de Bowie de los 90, y ‘MDNA’ escondía grandes WTF’s que eran mejores que sus singles, ‘Mala’ merece la pena. ¿Es su gran comeback, su mejor álbum? No. ¿Merece pasar tan desapercibido? Ni remotamente: está sin duda por encima de la media de lo que está ahí fuera triunfando en el mercado ahora mismo. Su gran momento WTF, la canción con todas las papeletas de acabar entre lo mejor de 2020, al menos entre nuestra redacción, es la arriesgada ‘Superbalada’, una canción más ambiciosa que ‘Contigo’, ‘Aguante’ y ‘Dame bien’, esos singles tan a tiro hecho que sí, han podido conquistar las playlists de moda, pero no han logrado en absoluto despertar la curiosidad del público hacia el resto del álbum. De hecho, ‘Problema’ con Lola Indigo es una de las canciones con peores streamings de esta última: nada como «intentarlo demasiado» para que el público te diga: «ni de coña». ¿Es una grabación tan penosa? Pues peores cosas se han visto por el top 100 recientemente.

Aunque un poco destartalado en su mezcla de estilos, en ‘Mala’ terminan funcionando de una manera o de otra el baladón que supone ‘Mami’, la intro oscura de ‘Nuevas drogas’, ‘Like’ y sobre todo esa extraña pieza marca de la casa que es ‘Antes de todo aquello’ al principio de la segunda mitad.

Pero la canción que de verdad sorprende que no cale un poquito más entre el público es ‘Pena’ y aquí creo que sí le voy a echar la culpa a la pandemia, supongo que responsable de que no exista el videoclip que todos imaginamos en cuanto escuchamos la canción. Es verdad que el tema se acerca al ya sobadísimo tropical house, pero no sé en qué planeta la melodía de esta canción de amor puede ser considerada «mala» o pobre: la química entre Mala Rodríguez y Cecilio G es evidente en un tema que debería estar en todas las playlists sabrosonas del verano 2020, rindiéndose a la sensualidad de ese «solo si tú quieres, eh-eh» o a ese puente que aporta él «sólo dame una señal».

Así la defendía Mala Rodríguez en la entrevista que le hacíamos este año, donde revelaba que un vídeo se llegó a planear: «¿Has visto qué cosa más bonita de canción? Cecilio es tan grande, cuando la gente lo asimile… Es un verdadero artista. Atiende a lo que siente, y es tan honesto con su manera de entender su arte que… ahí está. No quiero parecer una crítica, pero hoy en día un artista parece más un obrero que un artista, pero él es un verdadero artista y eso es la fuente de todo. ‘Pena’ es una canción preciosa, describe una sensación muy genuina. Le dije que para el vídeo tenía que salir montando a caballo, pero luego lo hizo en el Sónar (ríe). Es lo más». Mala Rodríguez actúa esta noche 6 de agosto en Madrid, quedan entradas.

Lo mejor del mes:

Robyn y Channel Tres «impactan» la pista con SG Lewis, co-productor de ‘Hallucinate’

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5 agosto, 2020

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Robyn y Channel Tres son los artistas invitados del nuevo single del productor británico SG Lewis, cuyo álbum debut saldrá este año, más adelante, conteniendo también el single previo, ‘Chemicals’. Estamos hablando de Samuel George, co-autor y co-productor de ‘Hallucinate’ de Dua Lipa. Este ‘Impact’ destinado a las pistas de baile y estrenado esta misma tarde por la mismísima Annie Mac de la BBC es el tema favorito de todos los que ha grabado SG Lewis, gracias a «la química que ha habido entre Channel y Robyn». Según la nota remitida a los medios de comunicación por Republic Records, el artista dice que Channel tendrá «pronto un legado en el mundo de la música como el de Robyn», y además revela que en la producción de esta canción ha colaborado Totally Enormous Extinct Dinosaurs.

Hay también en dicha nota declaraciones de Robyn: «Sam ha hecho este tema instantáneamente, es una habilidad especial hacer una canción que te llegue de primeras e ‘Impact’ lo consigue. La canción me dio esa sensación y no fue duro escribir un estribillo para ella, especialmente con las voces de Channel ya metidas. Channel Tres vino de gira con nosotros el año pasado así que sé la presencia que tiene en el escenario y espero que en algún momento del futuro podamos compartir el escenario juntos, con Sam, tocando esta canción».

El disco de SG Lewis dará continuidad a un EP en 3 episodios en el que SG Lewis contó con Clairo, el mencionado T.E.E.D. y AlunaGeorge. El episodio «Dusk» estaba dedicado al disco, al funk y al electro, «Dark» a sonidos más duros y variados y «Dawn» era sobre la sensación de unión del público al amanecer.

Lejos de ‘Coffee’, beabadoobee se adentra en el indie noventero en los singles de su debut

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5 agosto, 2020

Un par de años después de pasar por «Revelación o Timo» con temas como ‘Coffee’, beabadoobee, que este 2020 era nombrada como artista que seguir por el BBC Sound of, anuncia su disco de debut de cara al próximo 16 de octubre. El álbum recibe el nombre de ‘Fake it Flowers’ e incluye el reciente single ‘Care’, pero por supuesto nada que ver con su macrohit a nivel mundial ‘death bed (coffee for your head)’, construido por Powfu a partir de la mencionada ‘Coffee’, que salía en 2017.

Si ‘Care’ presentaba un sonido de indie-rock noventero a lo Pixies, con un punto más pop a lo Sundays, en esa onda continuamos en esta nueva canción estrenada hoy que habla oficialmente de una amistad, de confesar los errores y de «desmerecer algo porque se parece demasiado a ti misma». ‘Sorry’ pasa de las cuerdas a la explosión de guitarras, como podrían haber construido PJ Harvey o más recientemente Torres. Parece que esta será su línea artística tras lo también expuesto en temas de sus EP’s pasados como ‘Take If You Want To‘.

Fake It Flowers:
01 Care
02 Worth It
03 Dye It Red
04 Back to Mars
05 Charlie Brown
06 Emo Song
07 Sorry
08 Further Away
09 Horen Sarrison
10 How Was Your Day?
11 Together
12 Yoshimi, Forest, Magdalene

The Psychedelic Furs / Made of Rain

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5 agosto, 2020

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Los grupos que han realizado giras durante este siglo tirando sobre todo de éxitos del pasado se dividen entre los que han ofrecido material nuevo e interesante que promocionar -OMD, New Order- y los que no -Stone Roses, hasta nuevo aviso The Cure-. Dejando en un incómodo punto intermedio a gente como Pixies, que han topado con críticas irregulares dependiendo del lanzamiento, esta es una gran semana para The Psychedelic Furs. Tras unos años de gira sin repertorio nuevo en que los hemos visto por ejemplo en Madrid y en el Festival de Benicàssim, dejan de pertenecer al segundo grupo para pasar al primero: ‘Made of Rain’ vuelve a situarles en el mapa después de 29 años sin disco de estudio.

¿Qué ha pasado en estos 29 años? Que la banda sonora de ‘Call Me By Your Name‘ ha hecho recientemente por ellos lo que en los 80 conseguía ‘La chica de rosa’ de John Hughes; que una generación de artistas ha desarrollado su carrera muy influida por ellos, lo que incluye a Interpol, a The National y a The Killers, pues Brandon Flowers ha tenido el privilegio de sacar a Richard Butler en sus vídeos… y que el rock and roll ha muerto, salvo excepciones. Lo cual ha sido, paradójicamente, uno de los motores para decidir a esta banda a volver tras casi 3 décadas, especialmente satisfecha del sonido evolucionado que estaban consiguiendo en sus muchísimos directos.

Así lo dice Butler en una de las sosísimas entrevistas que la banda está concediendo, apenas hablando en profundidad ni sobre este álbum ni sobre su pasado. Una de las pocas pegas que podemos poner a la promoción de un ‘Made of Rain’ que merecía mayor entusiasmo por su parte o de sus entrevistadores, quizá un single más decidido, y una secuencia algo más breve para que el álbum pudiera ser reproducido en bucle como los mucho más escuetos ‘Talk Talk Talk’ (1981) y ‘Forever Now’ (1982).

Poco más. Por lo demás, ‘Made of Rain’ muestra a una banda en forma, capaz de contentar a quienes echen de menos la escena post-punk de principios de los 80, particular dado su uso del saxo, característica que los autores de ‘Dumb Waiters’ mantienen; pero a su vez de arriesgar y ofrecer cosas diferentes, como en la final ‘Stars’, ligeramente más electrónica y mutante. Sin que nadie pueda acusarles de haberse vendido o haber querido chupar de donde no debían, las nuevas composiciones de Psychedelic Furs mantienen cierta influencia de la Velvet Underground, añadiendo la del último David Bowie, y sin miedo a relacionarse con la oscuridad industrial de Nine Inch Nails, como en parte de ‘The Boy That Invented Rock & Roll’. La escucha del álbum es un divertimento en ese sentido, durante la cual dan ganas de mandar saludos a tanta gente que llegó tras ellos, como Elbow (‘Ash Wednesday’) y John Grant (‘Come All Ye Faithful’).

Capaces de dejarse producir en su momento lo mismo por el inigualable Todd Rundgren (que tocó la marimba en su obra maestra ‘Love My Way’) que por Stephen Street (en el que era su olvidado último disco hasta la fecha), The Psychedelic Furs no tienen miedo de acercarse al sonido Morrissey (‘Hide the Medicine’, de grandes coros femeninos) ni a lo kitsch. Uno no sabe qué va a deparar ‘You’ll Be Mine’ cuando empieza, si una producción de John Cale o más de Bon Jovi, si bien el tema se termina alzando en base al carisma de Butler. Y hay que decir que después de 29 años, su voz suena mejor que nunca, como muestra la balada ‘This’ll Never Be Like Love’.

Es a través de ella que el mensaje de ‘Made of Rain’ nos llega de manera cristalina, tranquila, sin subrayados ni estridencias. Las letras hablan sobre lo frustrante que puede ser la vida y el paso del tiempo («Siempre quise lo que no tuve, lo consigues y se te escapa de nuevo», dice ‘Don’t Believe’ antes de recordar que «la vida es corta»), sin aleccionamientos ni mayores dramas. Equilibradamente, se presentan un tema tan contemplativo como ‘Wrong Train’ -de espectaculares acústicas-, la mención a «las reinas del underground» de la estupenda ‘No One’, y otro corte que parece debatirse entre la crueldad, la sorna y la hipocresía, ‘Come All Ye Faithful’ («te dije que te quería, pero te mentí, me estaba riendo de ti»). Textos y música en los que detenerse sin las prisas propias de 2020 durante las próximas semanas.

Calificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘No One’, ‘Wrong Train’, ‘Don’t Believe’, ‘You’ll Be Mine’, ‘Hide the Medicine’
Te gustará si te gustan: Bowie, la Velvet… y The National, The Killers e Interpol
Youtube: vídeo de ‘No One’

‘La pintora y el ladrón’: uno de los mejores documentales del año se estrena en el Atlántida Film Festival

Por

Joric

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5 agosto, 2020

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En 2015, la pintora checa Barbora Kysilkova, residente en Noruega, recibió una llamada de la galería Nobel de Oslo: dos de sus pinturas habían sido robadas. Kysilkova no era Munch. ¿Por qué alguien iba a arriesgarse a robar dos obras de una artista poco conocida? Al poco tiempo los ladrones, que habían sido grabados por cámaras de seguridad del edificio, fueron arrestados. En el juicio, Kysilkova preguntó a uno de los ladrones por el paradero de sus pinturas. No lo sabía. Había actuado completamente drogado y no se acordaba. Antes de marcharse, la pintora le hizo una última pregunta: “¿Puedo hacerte un retrato?”. El ladrón aceptó.

El director Benjamin Ree, conocido por ‘Magnus’ (2016), un documental sobre el campeón del mundo de ajedrez Magnus Carlsen, escuchó esta historia y contactó con la artista: estaba interesado en filmar su relación. La pintora y el ladrón solo se habían visto tres veces, así que su relación estaba empezando. El resultado de esta indagación, que se prolongó durante varios años (y en los que hubo más retratos y muchos más sucesos), es ‘La pintora y el ladrón’, uno de los documentales más singulares de la temporada y uno de los títulos estrella del Atlántida Film Festival.

Tras un prólogo donde se cuenta el origen de su peculiar amistad, la película comienza poniendo el foco en el ladrón: su pasado delictivo, sus adicciones, su personalidad sensible y autodestructiva, su deseo de atención y redención. Pero luego, en un cambio de punto de vista, el documental termina centrándose en la pintora, cuyo pasado y personalidad se acaban revelando tan oscuros y problemáticos como los del ladrón. Dos almas perdidas que se encuentran, conectan y se curan a través de la amistad, el consuelo mutuo y el arte.

Lejos de plegarse a las convenciones del true crime (el atraco, el proceso judicial y la búsqueda de los cuadros apenas sirven como excusas para hacer avanzar la acción), el director utiliza las herramientas narrativas de la ficción para construir una trama que, como los cuadros hiperrealistas que pinta Kysilkova, ilumine la verdad que se oculta tras la representación mimética de la realidad (atención al extraordinario cierre). Ree no quiere hacer un retablo narrando los aspectos más escabrosos y sensacionalistas de la vida de estas dos personas, sino un retrato cubista, una exploración desde distintos ángulos sobre la complejidad de las relaciones humanas. 9.

Anuel AA anuncia macrogira española para verano de 2021

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5 agosto, 2020

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Anuel AA celebra su disco de oro con ‘Emmanuel’, que lleva seis semanas en el número 1 de la lista de álbumes española, donde ni siquiera Taylor Swift en el mejor momento de su carrera ha podido con él, y anuncia una gran gira por España y Europa que tendrá lugar en el próximo verano.

La gira española de Anuel AA pasará por Madrid, Barcelona, Málaga, Valencia, Bilbao, Alicante, Almería, Granada, Murcia, Galicia, Canarias e Ibiza. No se conocen las fechas exactas de momento, solo se sabe que la gira tendrá lugar entre junio y septiembre del año que viene, pero atentos a nuestras páginas para cualquier novedad relacionada con la gira del reggaetonero boricua. El ambicioso tour incluye también paradas confirmadas en capitales como Londres, París, Roma y Estocolmo; eventos en Alemania, Austria, Suiza y Bélgica, y visitas a países árabes como Dubai y Marruecos.

Durante su gira ‘Real hasta la muerte’, en 2019, Anuelya llenó todos los recintos que visitó, como el Wizink Center de Madrid, el Bizkaia Arena de Bilbao, el Palau Sant Jordi de Barcelona y el Auditorio Rocío Jurado de Sevilla. Este año, el artista ha sido número 1 con ‘Hasta que Dios diga’ con Bad Bunny y con ‘El Manual’ además de con el remix de ‘La Jeepeta’ de Nio Garcia, y también se apuntado otros hits gracias a ‘Reggeaetonera’ o ‘Fútbol y rumba’ con Enrique Iglesias.

James Dean Bradfield de Manic Street Preachers hace un disco inspirado en Víctor Jara y le dedica su nuevo podcast

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5 agosto, 2020

James Dean Bradfield, guitarrista de Manic Street Preachers, publica este mes de agosto, en concreto el día 14, ‘EVEN IN EXILE’, un nuevo disco inspirado en el trabajo del cantautor, poeta y activista chileno Víctor Jara del que ya se conocen tres adelantos, ‘There’ll Come a War’, ‘Seeking the Room With the Three Windows’ y ‘The Boy from the Plantation’.

De cara al lanzamiento de este trabajo, el músico ha anunciado el estreno de un podcast sobre la figura de este influyente artista que contará con 3 episodios y la participación de varios artistas. El primero de esos podcasts podrá escucharse hoy 5 de agosto y «analizará el impacto del trabajo del chileno en la música moderna, incluyendo entrevistas con Joey Burns de Calexico y Charlie Burchill de Simple Minds». El segundo verá la luz el 12 de agosto y examinará a Jara en el «panorama artístico más amplio» junto a la ganadora del Oscar Emma Thompson y el coreógrafo Christopher Bruce, quien creó el ballet inspirado en Jara ‘Ghost Dances para la Rambert Dance Company’.

Finalmente, el tercer episodio se estrenará el 19 de agosto, con el disco de James ya en la calle, y se centrará en la influencia de Jara dentro del género de la canción protesta. Contará con entrevistas al escritor Dorian Lynskey (’33 revoluciones por minuto’), los cantantes Dafydd Iwan y Holly Near, el diputado laborista para Cardiff West Kevin Brennan y el co-guionista Patrick Jones. Os dejamos con los tres singles de ‘EVIL IN EXILE’ lanzados hasta el momento:

Lianne La Havas nace otra vez en la escalofriante ‘Bittersweet’, una de esas canciones que se crecen en directo

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5 agosto, 2020

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Lianne La Havas ha editado en el mes de julio su tercer disco, homónimo pues es el que mejor la representa como artista, y además de verdad. Si los dos primeros trabajos de Lianne, aunque dignos, caían en el error de la sobreproducción, haciendo parecer a su autora una especie de sucesora de Emeli Sandé, Lianne ha evitado totalmente esta circunstancia en un tercer trabajo que suena orgánico, rico y totalmente ajeno a la búsqueda del hit de turno, con el cual Lianne sí ha dado de manera orgánica, topándose de hecho con su mejor canción.

Porque ‘Green & Gold’ era mucho, pero ‘Bittersweet’ también lo es. Si el álbum narra el declive de una relación, ‘Bittersweet’ nos sitúa, ya desde el principio del disco, en un escenario de desolación en que las cosas llevan yendo mal mucho tiempo. El primer pasaje, lleno de angustia y confusión, es demoledor: «por favor, deja de preguntar «¿todavía me quieres?» / No tengo mucho que decir, hablemos por la mañana / por favor, no hagas esto, estoy demasiado lejos, no sé qué decirte». Y en la segunda estrofa, la realidad es imposible de disfrazar: «si mañana estamos bien, ¿eso lo hace verdadero? No del todo, tenemos esta discusión todos los días», canta Lianne antes de concluir, de manera lapidaria: «esta mierda no va a ningún sitio». El estribillo «he nacido otra vez, todas mis piezas rotas, en una agridulce lluvia de verano» representa la metamorfosis de Lianne, el momento en que por fin es capaz de seguir adelante.

Con poco más que un pausado ritmo de batería, pequeños goteos de piano y teclado y una sutil guitarra eléctrica, Lianne construye una balada melancólica, de sonido corpulento a pesar de su escasa instrumentación reconocible, y melódicamente espectacular en su crescendo escalofriante y lleno de sentimiento, que Lianne dirige hábilmente con su humeante voz. Especialmente en directo, la canción se crece, mostrando una proyección y control vocales por parte de Lianne que pueden llegar a producir escalofríos, especialmente en su versión acústica realizada en el programa de Stephen Colbert, en un escenario que ha sido decorado como un salón, contribuyendo a la sensación de intimidad que provoca esta gran canción.

Muere en un accidente el hermano de Frank Ocean, a los 18 años

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5 agosto, 2020

Ryan Moore, hermano de Frank Ocean, ha fallecido este domingo 2 de agosto de madrugada en un accidente de coche, como ha informado un medio local de Los Angeles y ha confirmado Pitchfork. Tenía 18 años. El otro ocupante del coche, su compañero de clase Ezekial Bishop, también fallecía en el acto. La policía cree que un exceso de velocidad ha podido ser la causa de que el coche se estrellara contra un árbol.

De verdadero nombre Ryan Breaux (Frank Ocean se llama en verdad Christopher Breaux), el joven tuvo cierto protagonismo en el disco ‘blond’, pues en la pista final ‘Futura Free’ se incluía una entrevista con él a los 11 años, siguiendo con la dinámica de un álbum que había incluido interludios como ‘Be Yourself’. De manera espeluznante, la entrevista incluida en la revista que acompañó al disco incluía la pregunta «¿qué harías en tu último día en la Tierra?», a lo que Moore respondía: «todo lo que esté en mi lista de cosas que hacer antes de morir como, no sé, hay un montón de cosas que haría, como pasar mucho tiempo con mi familia, decirles que me voy y probablemente… no sé. Hay un montón de cosas que podría hacer».

Respecto a ‘Be Yourself’, en aquel momento la gente asumía que este interludio estaba narrado por la madre de Frank Ocean, pues al fin y al cabo escuchábamos una voz femenina indicándole que no hiciera el tonto con las drogas y concluyendo: «soy mamá, llámame, adiós». Sin embargo, era el mismo Ryan quien tenía que aclarar en su cuenta de Twitter que no se trataba de la voz de la madre de ambos, sino la de un amigo. Paris Brosnan, hijo de Pierce Brosnan y amigo de Ryan, ha compartido una serie de instantáneas en recuerdo del joven, cuya pérdida seguro marcará la trayectoria de Frank Ocean, que tan sensible ha sido a los valores familiares.

Ver esta publicación en Instagram

To my brother, who was talented beyond belief, possessed a heart of gold, had an energy that was infectious, a smile & laugh that lifted everyone’s spirit, and was a loyal and authentic friend to anyone he knew. You were just getting started and ready to show the world who you were. You were a leader and you had a whole army of loyal soldiers behind you. Thank you for being there for me when I needed you most, thank you for all the wild nights, thank you for your music and all the late night studio sessions with Fray, thank you for blessing us ALL with your presence on this earth. I will carry you in my heart always. Until I see you again brother. Ryan Breaux forever & Zeek Bishop forever.

Una publicación compartida de 310 ༜ 808 (@paris.brosnan) el 2 Ago, 2020 a las 4:51 PDT

¿Troleo? ¿Filtración? ¡Hype! Dua Lipa confirma espectacular disco de remixes

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5 agosto, 2020

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Esta noche Madonna dejaba con el culo torcido a los seguidores de Dua Lipa subiendo una extraña instantánea a las redes sociales en la que confirmaba que el día 14 de agosto sale su remix de ‘Levitating’ junto a Missy Elliott. Pero el collage incluía también recortados de mala manera a Gwen Stefani y a Mark Ronson, llevando a muchos usuarios a pensar que estaba subiendo uno de esos «fan mades» que tanto le gustan, y que había confundido a Gwen «con una foto de sí misma de 1999» y a Mark Ronson con su propio ex productor, Stuart Price.

Después de 3 horas divertidísimas de especulación en Twitter y el foro de Popjustice, con mensajes que fueron del «que alguien le cierre el Instagram a Madonna» a «Madonna tardando una semana en informar sobre el remix y filtrando ahora la información del álbum de remixes de Dua Lipa es «classic Madonna»», pasando por una retahíla de memes con la cara de Gwen Stefani enterándose por Instagram de que había colaborado con Dua Lipa; esta ha subido exactamente la misma instantánea, revelando parte de lo que va a suceder. Y elevando al cubo el amor/odio al Instagram de Madonna por el camino.

El 21 de agosto, una semana después del remix de ‘Levitating’ que estará producido por The Blessed Madonna y no por Stuart Price y KOZ, se publicará un álbum de remezclas llamado ‘Club Future Nostalgia The Remix Album’. Además de la nueva versión de ‘Levitating’ podremos disfrutar de una nueva del hit ‘Physical’ producida por Mark Ronson y «muchas, muchas más sorpresas», como «remezclas de algunos de los artistas favoritos» de Dua Lipa.

¿Quiénes son algunos de esos «artistas favoritos»? ¿Cuáles son esas «sorpresas»? Desde antes de que llegara la confirmación de Dua Lipa se había jugado a las adivinanzas, pues en la instantánea compartida en principio por Madonna, había muchos otros «huevos de Pascua» desperdigados: aparece el logo de Jamiroquai en uno de los coches, hay quien ha visto a Kylie en el caballo blanco, a Moloko en el perro e incluso a Normani en una esquina.

Algunas de esas predicciones se harán realidad y otras habrán quedado en la imaginación de la gente. Pero lo seguro es que, al margen de que estas remezclas mejoren el resultado inicial, y mira que en ‘Physical’ o en ‘Levitating’ había muy poquito margen de mejora, Dua Lipa está dando una era que pasará a la historia del pop por lo que tiene de excitante. Ya tenía uno de los discos del año desde el día de su salida; ahora está dándole toda la vida posible en medio de una pandemia.

Nadie sabe a ciencia cierta a estas alturas si aparte de anunciar esta bomba que puede resucitar en las listas a dos personas tan improbables en 2020 como Madonna y Gwen Stefani, se mantiene esa edición deluxe con canciones nuevas que supondría un tercer relanzamiento de ‘Future Nostalgia’, un disco que ya había vendido 1 millón de copias. Dua Lipa ha declarado que tiene material para entretener a sus seguidores hasta 2022, por lo que esa teoría parece afianzarse.

the normani collaboration is comingpic.twitter.com/1E6nMGoAn5 pic.twitter.com/vAQdBljDgb

— 𝐜𝐡𝐫𝐢𝐬 is coming (💆🏽‍♂️ era) (@chris_n_chill) August 5, 2020

Fans have noticed potential hidden clues in this #LevitatingRemix photo that could have a bigger meaning – what do you guys think?

🔎 Car logo = Jamiroquai = FN inspo
🔎 White horse = Kylie Minogue = FN inspo
🔎 Dog = Moloko = FN inspo
🔎 Gwen Stefani = FN inspo pic.twitter.com/WboKiWG9A9

— Dua Lipa Hungary (@dualipahungary) August 4, 2020

Taylor Swift no puede con Anuel AA en España

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4 agosto, 2020

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Taylor Swift ha debutado muy obviamente en el número 1 en Estados Unidos y Reino Unido con ‘folklore‘, además de en Canadá y Australia y en otros países europeos como Bélgica o Noruega. Sin embargo, en España el todopodoeroso Anuel AA le impide alcanzar dicha posición con ‘Emmanuel‘, aún habiendo lanzado la artista tropocientas ediciones distintas de este disco que además ha sido editado por sorpresa, con un día de aviso. ‘folklore’ se ha de conformar con el número 2 en nuestro país y no logra por tanto repetir los datos de ‘Lover‘ y ‘reputation‘, que sí fueron número 1, aunque sí mejorar los de ‘1989‘ y ‘Red‘, que fueron número 4 cuando el nombre de Taylor en nuestro país aún no estaba tan consolidado como ahora.

La otra noticia más significativa que encontramos en la lista de álbumes española esta semana es la subida de ‘Spoiler‘ de Aitana, que asciende del número 22 directo al 3 por alguna extraña razón. El disco, editado el verano pasado, lleva 60 semanas en lista y ha logrado mantenerse dignamente en ella a lo largo del año actual, mientras la cantante catalana ha ido estrenando diversas colaboraciones, como su nueva canción junto a Morat, ‘Más de lo que aposté‘.

Por su parte, entran en lista ‘Atrevido’ de Trueno, autor del inminente nuevo número 1 de singles en España, ‘Mamichula‘ (nos vemos la semana que viene); ‘Now or Never’ de Nio García y Casper Mágico en el 21, ‘Trap and Love’ de Beny Jr en el 50, ‘Metal Cmomando’ de Primal Fear en el 57, y ‘Virus’ de Haken en el 99.

‘Agua’ de J Balvin y Tainy, nuevo número 1 de singles en España

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4 agosto, 2020

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La lista de singles española conoce un nuevo número 1 y no, no es un tema de Anuel AA y tampoco de Ozuna, pero sí de otra persona ya más que acostumbrada a ocupar esta posición en nuestro país: se trata de J Balvin, que, después de tres semanas en lista, alcanza dicha posición con ‘Agua’, su nuevo tema con Tainy (su productor) para la banda sonora de la nueva película de ‘Bob Esponja’. El tema será destronado muy probablemente la semana que viene por ‘Mamichula‘ de Trueno, Nicki Nicole, Bizarrap y compañía, que entra directo al número 4 de la lista de singles y actualmente es la canción más reproducida en Spotify España precisamente por delante de ‘Agua’.

El autor de ‘Colores‘ vuelve a aparecer en la lista de singles con ‘Un día (One Day)’, su nuevo tema con Dua Lipa y Bad Bunny, que entra en el número 6 después de haber logrado posiciones más bien modestas en el mercado anglosajón: en Reino Unido, país de Dua Lipa, ha entrado en el número 76, y en Estados Unidos -donde Bad Bunny ha sido, en solitario, número 2 de álbumes- curiosamente ha tenido un poco más de suerte, pues ha debutado en el número 63. El tema es número 11 en el top global de Spotify, pero en las clasificaciones británica y americana ni aparece, lo que significa que no está consiguiendo mantener el interés con el paso de los días, quizá por culpa del terremoto Taylor Swift.

Y hablando tanto de Trueno como de Taylor Swift, ambos protagonizan varias entradas en la lista de singles: el primero debuta en el número 37 con ‘Sangría’ y en el 95 con ‘RAIN’. Por otro lado, Taylor logra colocar ‘cardigan’ en el número 66 y ‘exile’ con Bon Iver en el 83. Finalmente, y sin nada que ver con estos dos artistas, el nuevo enemigo de Vox Cepeda debuta en el 78 con su nuevo sencillo, ‘Si tú existieras’.

ANOHNI espera el fin de la «repugnante presidencia» americana versionando a Bob Dylan y Nina Simone

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4 agosto, 2020

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ANOHNI vuelve con el lanzamiento de un nuevo 7″ el próximo 2 de octubre que saldrá a través de Secretly Canadian, y el cual se compone de dos versiones, de ‘It’s All Over Now, Baby Blue’ de Bob Dylan y ‘Be My Husband’ de Nina Simone. La artista ha explicado ambas en sendos textos en los que, como de costumbre, vale la pena detenerse.

Sobre la primera, ANOHNI cuenta que la grabó hace unos años y que, al escucharla hoy, le ha recordado al turbulento presente actual, a una «náusea de nostalgia por el sufrimiento del presente o incluso del futuro». El productor de la canción, Hal Willner, ha fallecido este año a causa del COVID-19. La artista añade: «espero que este momento, y esta repugnante presidencia, terminen pronto, y que estos intolerantes y estos capitalistas y evangelistas apocalípticos regresen pronto a sus pequeñas cuevas podridas. ¿Pero cómo puede esto ocurrir a menos que los medios de comunicación americanos y las redes sociales sean obligados a decir la verdad? Me alegra haber visto la movilización de Black Lives Matter y el resurgimiento del movimiento Occupy, pero cuando Joe Biden dijo que los «americanos no quieren la revolución, sino una vuelta a la decencia», estaba equivocado: en el fondo, todos sabemos que la continuación de nuestras civilizaciones por más tiempo requiere un cambio sísmico».

En cuanto a ‘Be My Husband’, se trata de una grabación de 1999, interpretada por la banda entonces conocida como Antony and the Johnsons en Nueva York. ANOHNI es una gran admiradora de Nina Simone, a quien de hecho llegó a ver en directo en el año 1991. «Aparentemente no hubo publicidad del concierto, porque el teatro estaba medio lleno. Entonces, Nina tenía fama de ser una persona volátil e impredecible, pero aquella noche cantó con una dignidad tremenda, realmente de manera increíble, e hizo como 5 o 6 bises. Para mí, Nina Simone fue la artista más grande del siglo XX. No escribió muchas canciones, pero las que escribió son algunas de las más profundas de la época. ‘Be My Husband’ es una de ellas».

A la época de Antony and the Johnsons ha querido llevarnos también ANOHNI con el videoclip de ‘It’s All Over Now, Baby Blue’, construido a partir de imágenes de archivo de conciertos de la banda durante los 90. Os dejamos con el audio del EP subido a Bandcamp:
<a href="http://anohni.bandcamp.com/album/it-s-all-over-now-baby-blue-b-w-be-my-husband">It’s All over Now, Baby Blue b/w Be My Husband by ANOHNI</a>

Amaia anima el «nuevo verano» y anuncia dos nuevos singles

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4 agosto, 2020

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Amaia Romero ha vuelto a la actualidad musical estos días con el estreno de un nuevo videoclip animado para ‘Nuevo verano’, aprovechando lógicamente que ya es verano, aunque desde luego no exactamente el que esperaba ni ella ni nadie debido a las extrañas circunstancias en las que nos encontramos.

‘Nuevo verano’ es el alegre tema que contenía una de las frases más icónicas del debut de Amaia, «esta noche estoy contenta pero poco, no mucho», y su punto naíf está perfectamente plasmado en su videoclip, una monada animada por Néstor F en la que vemos a la cantante navarra comiéndose un helado delante del mar (¿esto no era una canción de Papa Topo?) o acompañada de un extraterrestre de color verde.

Justo cuando está a punto de cumplirse un año desde el lanzamiento de ‘Pero no pasa nada’, que salió el 20 de septiembre del año pasado, lo cual parece una eternidad a estas alturas, la navarra anuncia el lanzamiento de dos nuevos singles para el próximo 7 de agosto. Pero que nadie se vuelva loco, ya que se trata de ‘Cosas interesantes que decir’ y ‘La victoria’, dos temas que la artista ha cantado en directo durante la gira de presentación de su primer disco, pero que no había grabado hasta ahora.

La autora de ‘El relámpago’ era noticia durante la cuarentena por una pequeña polémica con Tinet Rubira surgida a raíz de un documental sobre ella rodado tras su salida de Operación Triunfo que nunca vio la luz. Antes, durante la gira de ‘Pero no pasa nada’, la cantante entretenía al público con mil y una versiones inesperadas, de Natalia a La Buena Vida.

Dominic Fike / What Could Possibly Go Wrong?

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4 agosto, 2020

«¿Qué podría posiblemente salir mal?». En medio de la pandemia y con la industria musical a punto de desmoronarse en lo que se está llamando «la mayor crisis» desde los otros años 20 resulta que todo o casi «ha salido mal». Parece una broma, ¿verdad? Tiene sentido, porque el artista revelación Dominic Fike parece también haberse tomado a broma su esperado disco de debut, lo cual en este caso es bueno, pues ha dado lugar a un álbum de media hora, fresco y variado, un poco raro, idóneo para este raro verano.

La presión de igualar el pelotazo dado por un tema publicado en 2018 llamado ‘3 Nights’ parece inexistente en un disco de tempo relajado y calmado incluso cuando trata temas como la fama, de soslayo la política o el hecho de haber estado en prisión. Como consecuencia de una agresión a un policía, y después haberse saltado la libertad condicional, Dominic Fike ha tenido sus más y sus menos con la justicia, y de hecho no puede de momento visitar Reino Unido por problemas con su visado, algo que pasa casi sin que te des cuenta por la letra de la canción final, ‘Florida’. El álbum en general, en cambio, habla del amor con todo el divertimento posible, como indican los mismos títulos de dos de las canciones más lozanas, ‘Chicken Tenders’ y ‘Vampire’.

‘Chicken Tenders’ es el single principal, y una de las canciones alternativas del verano, gracias al color que aportan géneros tan distintos como el R&B, el synth-pop y los restos de la chillwave en esta canción sexual entre sábanas de hotel y «pops de pollo». Y ‘Vampire’ ha de agradar por igual a todos a los que haya conquistado esta canción con ese estribillo que dice: «tan solo he venido a decirte / que todo el mundo en esta fiesta es un vampiro / que esto no es vino tinto / y que todos somos comida para los chupadores de sangre / moviéndose bajo la luz de la luna».

Como una enternecedora comedia de terror de serie B, o lo que es lo mismo, como los últimos discos de los Strokes, ‘What Could Possibly Go Wrong?’ no se casa con ningún género pasando de esa intro de un minuto llamada ‘Come Here’ que pretende ser un homenaje a los Pixies, a un tema que parece de hecho escrito por el grupo de Julian Casablancas, ‘Double Negative (Skeleton Milkshake)’. Lo mismo que ‘Why’. Dominic Fike asegura ser tan fan de Lil Kim como de Eminem y de los Red Hot Chili Peppers, como atestiguan melodías como ‘Cancel Me’, en la que se pasa por el arco de triunfo la «cultura de la cancelación» porque perder la fama le permitiría irse a su casa con su familia, y ‘Politics & Violence’.

Entre estas 14 canciones, a veces es difícil dilucidar si algunas pistas son una genialidad o más bien una nadería, y a esa orquestada grabación con homenaje a Beach Boys llamada ’10xStronger’ me remito; pero ‘What Could Possibly Go Wrong?’ sí justifica muchas de las cosas que están convirtiendo a su autor en una pequeña leyenda en ciertos entornos: es colega de Brockhampton, Billie Eilish dice que es uno de los artistas más infravalorados de la actualidad y ha terminado viviendo en Los Ángeles en la casa de un Arctic Monkey.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Chicken Tenders’, ‘Vampire’, ‘Why’
Te gustará si te gustan: los Strokes, Mac DeMarco, lo mismo Drake que Sean Nicholas Savage
Youtube: vídeo de ‘Chicken Tenders’

Fontaines DC reavivan el hype punk y británico… desde Irlanda y con «baladas»

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4 agosto, 2020

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No se puede decir que el hype de Fontaines D.C. se haya extinguido con su segundo álbum: más bien todo lo contrario. Si en ‘Dogrel’ canciones como la urgentísima ‘Big’, ‘Sha Sha Sha‘ y la compleja ‘Boys in the Better Land’ sonaban como clásicos que siempre nos acompañarían, lo mismo puede decirse de una serie de canciones que encontramos en ‘A Hero’s Death’, nuestro «Disco de la Semana». Ahí están el agitado sencillo ‘Televised Mind’, el desangelado y poético tema que abre el álbum ‘I Don’t Belong’, el primer single homónimo y canciones con todo el potencial para ser un enorme cuarto o quinto sencillo como es el caso de la trotona ‘I Was Not Born’ y ‘A Lucid Dream’. Canciones con títulos tan enormes como ‘Love Is the Main Thing’ o ‘Living in America’ tampoco van a pasar desapercibidas, pues desprenden el suficiente carisma como para jamás ser confundidas con otras. Foto: Ellius Grace.

Las melodías reptantes de la banda y sus letras existencialistas han conectado con el público en muy poco más de un año, pues hay que recordar que ‘Dogrel‘, a todas luces uno de los mejores discos de 2019, salía en abril del año pasado, y tan sólo 15 meses después ha llegado este segundo álbum que a todas luces será también uno de los mejores de 2020. Curiosamente, aunque el clima que vivimos no es el mejor para un grupo de 5 chicos de punk, con la música latina y los ritmos antiguamente conocidos como «trap» y «urban» dominando listas y playlistas, la banda ha triunfado.

Sin que sus conciertos sean dechados de energía brutal, al menos hasta lo visto en el FIB 2019, cuando presenciamos algo más meditado y atormentado que salvaje (volverán a nuestro país en marzo de 2021, en principio), Fontaines D.C. están logrando situarse como una de las bandas más queridas de su generación. Esta semana, si el streaming de Taylor Swift o similar no lo impide, ‘A Hero’s Death’ será el nuevo número 1 oficial en álbumes de Reino Unido. Su debut se quedó en el top 9, pero sin duda su música y sus letras, estas últimas inspiradas por poetas como Yeats y James Joyce, están conectando con el desencanto del mundo este último par de años.

En Reino Unido siempre han guardado un hueco para el rock, y este 2020 han sido número 1 en la lista de álbumes Paul Weller, Liam Gallagher y Blossoms, además de Bob Dylan, pero todos sabemos que lo habitual es ver a Dua Lipa, Drake, Lewis Capaldi o Juice WRLD (casi siempre solistas de pop, rara vez grupos y menos de guitarras, a lo sumo más versátiles como The 1975) en la cima a día de hoy. Visto el tímido apoyo de Radio 1 (BBC), que ha incluido en sus playlists ‘Televised Mind’ (en modo «C», no en el «A», ni en el «B», pero menos da una piedra), algo a lo que no pueden aspirar otros artistas más ruidosos como IDLES, el fenómeno Fontaines D.C. recuerda un poquito al apogeo del hype británico de finales del siglo XX. Lo cual es bastante gracioso porque ni son británicos ni hacen exactamente punk.

Procedentes de Irlanda, y han hecho de su procedencia de Dublín una de sus señas de identidad desde el icónico vídeo de ‘Big’, Fontaines D.C. están ocupando una parte del espacio que el NME dio a Joy Division entre 1979 y 1980 o el que dio al Brit Pop en los 90. Este mes de junio el grupo protagonizó de hecho la portada del semanario británico -ahora virtual-, ese lugar otrora tan importante que Oasis llegaron a ocupar hasta 56 veces (sin contar las portadas referidas a sus carreras en solitario). Antes de que el público internacional virara hacia la crítica americana gracias a medios como Pitchfork, Stereogum o Gorilla vs Bear, era la prensa británica la que cortaba el pescado, normalmente ensalzando a grupos británicos. Con el post-Brit pop en punto muerto, fue muy significativo que el mismo NME diera una portada en 2008 a las 25 mejores bandas americanas, destacando a Vampire Weekend, pues los tiros estaban yendo por otros derroteros. El fenómeno Fontaines D.C. -como antes Arctic Monkeys- parece conectar con los viejos tiempos, y en este caso con mayor unanimidad crítica que Blossoms: a pesar de ser irlandeses, Fontaines D.C. pueden optar al Mercury Prize y de hecho ya fueron nominados con ‘Dogrel’… finalmente perdiendo contra Dave.

No parece probable que dentro de más de un año se acuerden de ellos en el prestigioso premio, pues este 2020 ya se han jugado las cartas y Fontaines D.C. han llegado esta vez fuera de plazo. Quién sabe qué discos aguardan en esta temporada 2020/2021 tan incierta, pero parece difícil que el encanto de las canciones de ‘A Hero’s Death’ pueda desvanecerse. Y es que entre tiros como ‘I Was Not Born’ y ‘Televised Mind’, llama la atención el enorme número de «baladas» que encontramos en su álbum. Nótense las comillas, pero es que el disco no solo decide abrirse con la pausada ‘I Don’t Belong’, sino que después continúa con ‘Love Is the Main Thing’, se recrea en un punteo cincuentero en ‘Oh Such a Spring’ y se cierra con dos composiciones de melodía tan sentida como ‘Sunny’ y ‘No’. Y cuando a un grupo le funcionan igual las «baladas» que los números de rock, es que puede quedarse contigo para siempre.

Ela Minus resucita el espíritu combativo del mejor electroclash en ‘megapunk’

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4 agosto, 2020

La colombiana residente en Brooklyn Ela Minus nos conquistaba hace unos meses con el primer single oficial que publicaba en Domino tras haber lanzado unos cuantos temas por su cuenta, entre ellos ‘ceremony‘ de su EP ‘Adapt.’ (2017). Se trataba del enigmático ‘they told us it was hard, but they were wrong’, que desde entonces ha sido remezclado por varios artistas, entre ellos Fort Romeau, logrando medio millón de reproducciones en Spoti. Foto: Teddy Fitzhugh.

Ela Minus cambia ahora de tercio con un tema que este viernes os presentábamos entre nuestra selección de novedades semanales «Ready for the Weekend». Ya no suena como un cruce entre Róisín Murphy y Hot Chip como en ‘ceremony’, sino que se mete de lleno en la vertiente más electro de la susurrada «they told us…», explorando ahora al máximo sus posibilidades como icono electroclash.

‘megapunk’, que hoy es nuestra «Canción del Día», nos lleva a la música que llenaba las pistas de locales como en Madrid el Ochoymedio o en Barcelona Razzmatazz (cuando había discotecas abiertas, queremos decir) poco después del año 2000. Eran los días en que sonaban mucho los primeros éxitos de Chicks on Speed, Le Tigre, Fisherspooner, Miss Kittin y otra gente que parecía saberse de memoria el ‘Living on Video’ de Trans-X. ‘megapunk’ construye un sólido crescendo con beats y sintetizadores, y lo hace además con una letra reivindicativa.

Gabriela Jimeno, curtida en un grupo de hardcore y como batería de jazz aunque no lo parezca, ya había escrito la frase «música brillante para días oscuros» en uno de sus sintetizadores cuando Donald Trump fue elegido presidente, y había indicado en el NME que le gustaban las máquinas por todo lo que con ellas podía expresar. En este caso es claro adónde conduce toda esta oscuridad: «no quieres entenderlo / estás intentando separarnos / pero contra todo pronóstico / aun así no lograrás detenernos», dice en un momento esta composición, en la que parece claro quién es el objetivo.

Casi hasta el punto de que ha tenido que aclarar que esta no es una canción inspirada en el momento actual que vivimos (covid-19, Black Lives Matter, etcétera). Sobre la grabación, indica: «Cuando escribí esta canción el año pasado, me preocupaba que perdiera contexto si no se publicaba de inmediato. No podía estar más equivocada. Este es el momento perfecto para sacar esto. Tenemos que seguir adelante. Ánimo y fuerza». Añade su sello que este es su mensaje confiado en «la creencia de que todos tenemos el poder de cambiar las cosas», encontrando «una conexión clara entre la libertad de la escena DIY en la que creció y la cultura del club» al ahondar en la historia de los sintetizadores que ella misma diseña.

Lo mejor del mes:

‘cardigan’ sí logra sumar otro top 1 para Taylor Swift en el Billboard Hot 100

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3 agosto, 2020

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No es noticia que Taylor Swift consiga un número 1 en el Billboard de álbumes o incluso en Reino Unido. Lo primero para ella es pan comido, y lo segundo más o menos también. La pregunta era con cuántas copias ‘folklore’ lograría llegar al top 1 del Billboard 200 y finalmente han sido 846.000, muy cerca de la cifra de ‘Lover’ (867.000). De ellas, 615.000 han sido copias reales, 218.000 son puntos procedentes del streaming. Esta barbaridad en pleno 2020 y sin que el álbum esté en las tiendas físicas (sí en su web), implica que este es ya el disco más vendido de todo el año en Estados Unidos. Además del 7º número 1 en este país para la artista.

Mucho más complicado tenía el single ‘cardigan’ llegar al top 1 lanzándose a la vez que el álbum, sin demasiados puntos de radio, ni el potencial comercial de otras de las canciones de Taylor Swift. Pero finalmente sí lo ha logrado, siendo su 6º número 1 en singles, tras ‘We Are Never Ever…’, ‘Shake It Off’, ‘Blank Space’, ‘Bad Blood’ con Kendrick Lamar y ‘Look What You Made Me Do’. Como recordaréis algunos, todos los singles de ‘Lover’ se quedaron con las ganas.

Como informa la fiable cuenta de Twitter de chart data, ‘cardigan’ entra al puesto 1 del Billboard Hot 100, mientras ‘the 1’ será top 4 en el Billboard que se actualice mañana y ‘exile’ top 6, todo un hit para Bon Iver: este es el primer top 10 para Justin Vernon, que hasta ahora solo había aparecido en el top 20 por sus colaboraciones con Kanye West en 2010 (sí había sido top 2 en el Billboard 200 hasta en 2 ocasiones, con ‘Bon Iver’ y ’22, A Million’).

Además, Swift ha batido varios récords por el camino: la primera vez que un artista debuta a la vez en el top 1 de singles y álbumes en Estados Unidos. Igualmente, es la primera vez que una artista femenina sitúa varias canciones en el top 5 en su primera semana. Y ahora Swift es la artista femenina con más entradas en la historia del Billboard Hot 100 superando a Nicki Minaj, ya que las 16 pistas de ‘folklore’ han logrado entrar en dicha clasificación. Taylor suma 113 entradas en el Billboard Hot 100, quedando el top 10 de esta clasificación así:

Most Hot 100 Entries

224, Drake
207, Glee Cast
169, Lil Wayne
113, Taylor Swift
111, Future
110, Nicki Minaj
109, Elvis Presley
108, Kanye West
101, Chris Brown
100, Jay-Z

‘Mamichula’ no es una respuesta a ‘Papi chulo’ pero puede ser un hit aun mayor

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3 agosto, 2020

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¿Quién no recuerda ‘Papi chulo (te traigo el mmmm)’? La canción de la panameña Lorna publicada en 2002 se convertía en nuestro país en una de las canciones del verano 2003, y además en un éxito considerable en países europeos como Francia, Holanda, Bélgica e Italia, donde llegaba al top 5. Y hay que recordar que en aquellos tiempos ya había tenido sus éxitos internacionales gente latina como Ricky Martin pero desde luego no era habitual que la música en castellano llegara a países de Europa. Ni siquiera hablar de reggaetón: Daddy Yankee y Don Omar estaban por publicar los seminales ‘Barrio fino’ (2004) y ‘The Last Don’ (2003).

Lorna aparece de vez en cuando por aquí y por allá, pero siempre sin acercarse por supuesto a la repercusión de ‘Papi chulo’. 17 años después, el número 1 de Spotify España y por lo tanto posiblemente el próximo número 1 en nuestro país de manera oficial es un tema llamado ‘Mamichula’ que, no obstante, no tiene tanto que ver. Se trata de un dúo muy esperado por los seguidores de dos jóvenes cantantes argentinos, Trueno y Nicki Nicole, ambos con millones de «followers». Él fue uno de los ganadores de la conocida Batalla de los Gallos de Red Bull el año pasado, y acaba de lanzar su disco de debut incluyendo este tema y otros hits como ‘Atrevido’, el que da nombre al álbum. Y ella es también una de las mayores apuestas de Sony tras el éxito el año pasado de su disco ‘Recuerdos’ y más recientemente de su tema ‘Colocao’ («como Drake»). Produce ‘Mamichula’ alguien tan asentado como Bizarrap, curtido en Youtube.

El resultado es una canción que no va a ser top 5 en Bélgica, y no va a ser tan influyente como ‘Papi chulo’, pero por el contrario va a pasar a la historia en los países latinos, dado el éxito que está alcanzando en todos ellos: al previsible top 1 en España y Argentina, también habrá que sumar un top 20 en México. El suficiente para que el tema ronde el top 35 del global de Spotify pese a estar en castellano.

La razón del éxito de ‘Mamichula’ está en su búsqueda de la atemporalidad, con una recreación melódica en la tradición latina y en los instrumentos orgánicos en la estela de lo que hizo Camila Cabello en los tiempos de ‘Havana’. Trueno y Nicki Nicole tienen su «flow» -ella parece La Mala Rodríguez en su segundo verso-, pero no les ha importado sacrificarlo en busca de una melodía que trascienda, como los C. Tangana y Rosalía de ‘Antes de morirme’. Por si no había quedado claro, el tema añade una sección de cuerdas, algo bastante atípico en los hits de hoy, por increíble que pueda parecer.

Ha hablado sobre todo esto Trueno en una entrevista en Rolling Stone, narrando de qué manera se dieron muchas vueltas a la producción de la canción, pero revelando que el esqueleto de la misma se completó en tan sólo 3 horas. La letra, con referencias a 2 Pac y a John Lennon, incluye también un guiño a la ciudad de Madrid, que no en vano es la 2ª de todo el mundo que más le escucha a él y la 3ª que más la escucha a ella.

‘Say Something’ convence más en JENESAISPOP que ‘cardigan’ y ‘Un día’

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