C. Tangana ha triunfado este otoño con ‘No te debí besar’, su single con la cantante chileno-estadounidense Paloma Mami producido por su mano derecha Alizzz, que se mantiene en el número 14 de la lista de singles española tras haber alcanzado el top 3.
Con la llama de esta canción aún lejos de apagarse, el rapero madrileño publica nuevo single también en colaboración con otro artista latino. Y no es cualquiera. Se trata del portorriqueño Darell, uno de los autores originales de ‘Te boté’, uno de los mayores éxitos de 2018 a nivel global y probablemente el hit de reggaetón más icónico de los últimos tiempos en su forma de «remix»; y autor también de éxitos como ‘Velitas’ o ‘Tu peor error’. También está presente en ‘B11’ con Myke Towers, en ‘Asesinas’ y en el remix de ‘Ta To Gucci’. Sí, Darell conoce la lista de éxitos española casi tanto como Antón.
¿Y cuál es el resultado de la colaboración entre C. Tangana y Darell? ‘Pronto llegará’ es un tema co-escrito por C. Tangana y Darell junto a otras 5 personas, que ha contado con la co-producción de Alizzz e iLL BLU. Estamos ante una de las reinvenciones relacionadas con el folclore de Puchito, como ya lo fueron -cada una en su género- ‘Un veneno’ y ‘Para repartir’, aquí con Cuba en el punto de mira.
Tras una filtración del tracklist a través de Amazon, La Roux confirma los detalles de su tercer álbum de estudio. Se titula ‘Supervision’ y verá la luz en su propio sello –Supercolour Records– un poco más tarde de lo previsto, el día 20 de febrero de 2020. El primer single se llama ‘International Woman of Leisure’, es muy Michael Jackson, y acaba de ser lanzado junto a su videoclip.
Por otro lado, La Roux ha anunciado una gira por Europa en febrero que no la traerá a España, mientras en marzo se dedicará mucho más a fondo, de manera sorprendente, a recorrer Norteamérica. Este será el tracklist del álbum que presentará:
01 21st Century
02 Do You Feel
03 Automatic Driver
04 International Woman of Leisure
05 Everything I Live For
06 Otherside
07 He Rides
08 Gullible Fool
Ya la pasada primavera Elly Jackson anunciaba que había culminado la grabación de este trabajo. Y en las últimas semanas, aunque sin mostrar su rostro, la británica había reaparecido en una cuenta de Instagram, revelando imágenes de la composición y grabación del álbum –además de haber presenciado un show de la actual gira de Tyler, the Creator–.
La Roux saltó a una relativa popularidad a finales de la pasada década cuando, tras algunos singles, publicó en una multinacional su debut homónimo, trufado de fantásticas canciones como ‘Quicksand’, ‘I’m Not Your Toy’, ‘In For The Kill’, ‘Fascination’ o ‘Bulletproof’, que llegó a ser un éxito más allá de los circuitos alternativos. 5 años después –ese parece ser su ciclo de producción– publicaba ‘Trouble In Paradise‘, un disco notable que resultó ser un claro fracaso comercial y que ella misma calificó después de «disco de transición». En estos años, apenas la habíamos escuchado cantar gracias a distintas colaboraciones con Skream, New Order y, más recientemente, con Whyte Horses, interesante supergrupo grupo británico formado por Dom Thomas con el que también han colaborado puntualmente Jez Williams de Doves, Ian Parton de The Go! Team, Melanie Pain de Nouvelle Vague o Chris Geddes de Belle And Sebastian.
Higinio y Rosa son un matrimonio de un pueblo andaluz indeterminado en 1936 y cuya relación, como las de tantas otras parejas, se rompió por la Guerra Civil. Solo que, en este caso, el motivo no es que ejecuten o hagan prisionero a uno de los dos… o, en cierto modo, sí: uno de los dos se convierte en prisionero en su propia casa. Jon Garaño, Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi debieron pensar en todo el potencial que escondían -nunca mejor dicho- las historias de los llamados “topos” de la posguerra, de cara a su nuevo proyecto tras los éxitos con ‘Loreak‘ y ‘Handia‘. Así, ‘La Trinchera Infinita’ nos presenta primero cómo el estallido de la guerra sorprende a la pareja, con una especie de prólogo en el que Higinio intenta escapar para, finalmente, volver a su casa y esconderse “temporalmente” bajo el suelo de ella, hasta que se calmen las aguas. Lo que ni él ni ella saben es que las aguas no se van a calmar y que ese “temporalmente” va a durar más de 30 años.
Pude ver la película en el Festival de San Sebastián, donde se llevó múltiples elogios de la crítica y varios premios del Festival, entre ellos a mejor dirección y mejor guión, y no puedo estar más de acuerdo. ‘La Trinchera Infinita’ es una historia complicadísima de poner en pie; es difícil contarla y contarla bien, y, aún más, conseguir que el espectador no pierda la atención en sus casi tres horas de metraje, que abordan varias décadas de nuestra Historia. Pero el guión (del propio Goenaga junto a Luiso Berdejo) y la dirección son claves en esto, y aciertan a la hora de poner al espectador como el propio topo: nos acercan esa sensación de enclaustramiento y asfixia del propio Higinio, consiguiendo que ‘Buried’ y ‘La habitación del pánico’ parezcan ambientadas en el prado inicial de ‘Midsommar‘, algo a lo que ayuda también la cuidada fotografía de Javier Agirre.
El diseño de sonido es también reseñable en una película donde son tan importantes los silencios, donde tenemos que sentir el ambiente como si nosotros fuésemos también un topo. Esos silencios son clave incluso en el sexo, dando una de las escenas de sexo más incómodas, realistas y a la vez llenas de pasión que hemos visto en los últimos años en nuestro cine. Porque si la película llega tanto a quienes han podido verla no es por su retrato de la época de posguerra (y toda la dictadura), que también, sino porque el miedo, la soledad y la asfixia que tan bien consiguen transmitir afecta a sus personajes y afecta a ese amor tan puro que vemos al principio, y que pensamos que aguantará carros y carretas… pero llega un momento en que empieza a resquebrajarse. ‘La Trinchera Infinita’ retrata cómo todo esto afecta a Higinio, pero también a quien ejerce el rol de cuidadora y protectora para que la artimaña funcione, a Rosa (y a tantas mujeres como ella).
Antonio de la Torre vuelve a entregarnos una interpretación magistral, quizás la mejor hasta el momento (viendo la capacidad con la que este tío se supera, no creo que le dure mucho el récord), por lo complicado de este personaje, especialmente cuando, por cuestiones técnico-cronológicas, se podría caer en la parodia involuntaria. Todo el reparto desprende una envidiable naturalidad (criticada con los argumentos de siempre contra el acento andaluz, ahí tenemos las quejas de Boyero sobre los “necesarios” subtítulos para esta película y, curiosamente, también para ‘Entre dos aguas’) y cumple su función estupendamente. Desde el hijo de la pareja (interpretado por el pequeño Adrián Fernández y por el solvente Emilio Palacios una vez ha crecido) hasta personajes que parecen tener menos importancia pero son clave para darnos un soplo de humanidad y un respiro cómico (pienso en ese cartero obligado a permanecer en el armario y en los potajes de su madre), pasando, por supuesto, por el antagonista Vicente Vergara. Y no, no me he olvidado de Belén Cuesta. Es que merece un párrafo aparte.
Belén se confirma como una de las mejores actrices que nos ha dado el cine español en los últimos años, y, viéndola, no podemos evitar acordarnos de cuando su Magüi buscaba a “la actriz 360, que es buena en comedia y en drama”. Personalmente, encuentro absurdo que a una actriz que borda la comedia no se le considere “buena actriz” hasta que no hace un papelón en drama (cuando hay muchas “buenas actrices” de drama que no hacen comedia porque tienen menos arte que un san jacobo), pero es cierto que muchísima gente sigue pensando así. Y esa gente se quedará de piedra viendo a Cuesta en ‘La Trinchera Infinita’, viendo cómo es capaz de darnos toques de comedia que se agradecen bastante (la descripción que hace Rosa de Franco es uno de los momentazos del cine de 2019), cómo es capaz también de dejarnos con un nudo en el estómago y, sobre todo, cómo expresa con tanta honestidad la tensión que Rosa va acumulando a lo largo de los años, cómo se va quemando y los cambios que va sintiendo. ‘La Trinchera Infinita’ se ha estrenado muy cerca de ‘Mientras dure la guerra’, y eso perjudica al ya de por sí difícil destino comercial de las películas españolas ambientadas en la Guerra (por el estereotipo existente alrededor de ellas). Pero si vais a verla comprobaréis que no solo es bastante superior a la de Amenábar, sino que es, con permiso de ‘Dolor y gloria‘, la película española del año. 8,5.
Un año más, recomendamos varias películas de miedo para ver esta noche de difuntos: lo último de Nacho Vigalondo, la primera producción de Blumhouse para Netflix, un slasher aterrador y estiloso, una de guerra, nazis zombis y científicos locos, y un clásico de culto que está más de actualidad que nunca.
Into the Dark: Pooka (Nacho Vigalondo)
La productora de terror Blumhouse y la plataforma Hulu unieron fuerzas el año pasado para crear Into the Dark, una antología de telefilmes de terror. Aunque son independientes entre sí, tienen un nexo temático común: cada historia está inspirada por una festividad propia del mes de su emisión (la serie tiene una periodicidad mensual). A Nacho Vigalondo (‘Colossal’, ‘Open Windows’) le tocó la Navidad. En ‘Pooka’, el director cántabro invoca el espíritu (muy poco navideño) de Lynch (‘Carretera perdida’) y Polanski (‘El quimérico inquilino’), para narrar un inquietante cuento de Navidad protagonizado por un aspirante a actor que decide aceptar un trabajo típicamente navideño: dar vida a Pooka, el peluche favorito de los niños en esas fiestas. A pesar de ser un guión ajeno (la primera vez en su carrera), Vigalondo lo ha hecho completamente suyo: paradojas temporales, monstruos de inspiración japonesa, fugas mentales, humor negro… y hasta una canción de Joe Crepúsculo (‘Todo lo bello es gratis’). Sin duda, uno de los mejores episodios de la antología. 8.
Disponible: HBO
Cam (Daniel Goldhaber)
Seguimos con Blumhouse… y con Lynch. Esta vez la productora especializada en cine de terror ha colaborado con Netflix, cuyos últimos títulos en este género -aprovecho que es Halloween para hacer un poco de sangre- son un desastre: ‘Eli’, ‘Wounds’, ‘En la hierba alta’, ‘La perfección’… No es el caso de ‘Cam’. El debut de Daniel Goldhaber es un ingenioso divertimento de terror psicológico ambientado en el negocio de las webcams para adultos. Escrita por la ex camgirl Isa Mazzei y protagonizada por Madeline Brewer (la sufrida Janine Lindo de ‘El cuento de la criada’), ‘Cam’ funciona muy bien en dos niveles: como (feminista) retrato del competitivo y a menudo oscuro mundo de las trabajadoras sexuales en internet, con sus luchas diarias por conseguir mejores “propinas” y ascender puestos en el ranking de popularidad, y como inquietante pesadilla lynchiana (y también hitchcockiana) poblada de siniestros dopplegängers, confusión de identidades y tensiones entre lo real y lo digital. Tan recomendable como un buen episodio de ‘Black Mirror’. 7,5.
Disponible: Netflix
Los extraños: Cacería nocturna (Johannes Roberts)
No podía faltar un slasher en un especial de Halloween. Y este es de los mejores (y de los más infravalorados) del último año. Secuela tardía del estupendo debut de Bryan Bertino (‘Los extraños, 2008), ‘Los extraños: Cacería nocturna’ es un nuevo ejemplo de cómo el cine de terror, sobre todo cuando está tan codificado como el subgénero slasher, no es tanto una cuestión de guión como de mirada, de puesta en escena. El libreto, escrito por el propio Bertino, no puede ser más tópico y anoréxico. Sin embargo, su traslación audiovisual es una maravilla. Con un ojo puesto en la elegante caligrafía visual del cine de John Carpenter y otro en los ambientes de ‘Viernes 13’ (1980), el director Johannes Roberts (‘A 47 metros’, ‘El otro lado de la puerta’) propone un sádico juego del ratón y el gato que contiene algunas de las mejores secuencias del cine de terror reciente: la aparición en el tubo, la persecución con el coche en llamas y, sobre todo, la magistral escena de la piscina a ritmo de Bonnie Tyler. Solo por esa secuencia merece la pena esta película. 8,5.
Disponible: Google Play, YouTube, DVD
Overlord (Julius Avery)
El debut de Julius Avery, el thriller carcelario ‘Son of a Gun’ (2014), no es nada del otro mundo. Pero algo debió de ver en él J.J. Abrams para que decidiera llevarse al director australiano a Hollywood. Tras ver los apabullantes diez primeros minutos de ‘Overlord’, ya intuimos por qué lo eligió: Avery es un cineasta superdotado para filmar escenas de acción. Y quién mejor que un director de este tipo (su próxima película será ‘Samaritan’, una de superhéroes con Sylvester Stallone) para rodar este gozoso y desprejuiciado cruce entre thriller bélico y terror gore, entre el desembarco de Normandía y los experimentos médicos nazis. Con guión de Billy Ray (nominado al Oscar por ‘Capitán Phillips’ y de actualidad por firmar el libreto de la última de Terminator) y Mark L. Smith (‘El renacido’, ‘Habitación sin salida’), ‘Overlord’ no va mucho más allá de un videojuego tipo Wolfenstein, pero tiene suficiente munición pulp en su recámara como para ir disparando ráfagas de buen cine de evasión. 7.
Disponible: Movistar+
El hombre de mimbre (Robin Hardy)
Terminamos con un clásico de culto que se ha estrenado en su edición remasterizada. El videoclip de Radiohead ‘Burn the Witch’, explícito homenaje a ‘El hombre de mimbre’; la aparición de un cineasta como Ben Wheatley (‘Kill List’, ‘Turistas’), heredero del terror folk; la publicación de la inédita ‘Ritual’ (Alpha Decay, 2014), de David Pinner, que inspiró el guión de Anthony Shaffer; y, sobre todo, el estreno de la que seguramente sea la película de terror de 2019, la impresionante ‘Midsommar’, han devuelto a la actualidad a una de las joyas más extrañas del terror británico. Extraña por dos razones: la originalidad de su premisa argumental, una mezcla fascinante de investigación policial, rituales paganos, choque de religiones y memorables canciones folk (escritas por Paul Giovanni e interpretadas por el grupo Magnet); y por el malditismo que rodea a su director, Robin Hardy, autor de solo dos películas más: las olvidables (y olvidadas) ‘The Fantasist’ (1986) y ‘The Wicker Tree’ (2011), un spin-off de ‘El hombre de mimbre’ con la que intentó recuperar el éxito de su insuperable one hit wonder. 9.
Disponible: Filmin
La casa familiar de Rosalía en Sant Esteve de Sesrovires, la localidad de 8.000 habitantes de Barcelona donde nació y se crió, ha sido robada durante la pasada madrugada, como informa La Vanguardia. Según este medio, los ladrones sabían perfectamente dónde iban, pues las personas que entraron en su hogar fueron directas a la caja fuerte que había en uno de los dormitorios. La abrieron con una radial y se llevaron el contenido, que al parecer se trata de unas joyas.
Rosalía no estaba en este domicilio, pues se encuentra en Sevilla, suponemos que preparando su actuación en los MTV EMA’s de este domingo. Sin embargo, su madre sí estaba en el hogar, aunque no se percató de la presencia de nadie en la casa. De momento no se ha producido ninguna denuncia por parte de Rosalía o de su madre. Como informa el citado medio, la Unidad de Investigación de los Mossos d’Esquadra de Martorell se ha hecho cargo de la investigación, tras haber sido alertada por la policía local.
Rosalía es una de las cantantes más relevantes del momento a nivel mundial. Pese a no haber conquistado el mercado anglosajón, sus oyentes en -por este orden- Santiago de Chile, México, Madrid, Buenos Aires y Lima, entre otras ciudades hispanohablantes, son tantos como para que ahora mismo sea el top 136 a nivel global en Spotify, por delante de gigantes internacionales como U2, Radiohead, Mariah Carey, Mumford & Sons o la joven banda surcoreana de moda, BTS.
Este viernes 31 de octubre, el lanzamiento destacado es claramente ‘Don’t Start Now’, el nuevo single de Dua Lipa. Mención especial merece también lo nuevo de C. Tangana con Darell. Pero además de estos, a lo largo de los últimos días hemos conocido temas nuevos que ya podéis escuchar en nuestra playlist actualizada de novedades. Incluidos están por supuesto ‘It Might Be Time’ de Tame Impala y ‘Now I’m in It’ de Haim. El primero formará parte del nuevo álbum del australiano, mientras el segundo no se sabe si está adelantando disco alguno.
Durante la semana también han llegado a las plataformas de streamings nuevos singles que presentan los próximos trabajos discográficos de CocoRosie, Lidia Damunt, TORRES, Fuel Fandango, Algiers o Hannah Diamond. Y en cuanto a temas sueltos cabe destacar el de 13 minutazos que han dado a conocer Deerhunter en el día de Halloween, la versión de ‘I Feel Love’ de Sam Smith, el nuevo single del popular rapero 21 Savage o la nueva colaboración entre Recycled J y Don Patricio.
El viernes también es el día en que ven la luz los nuevos discos de Michael Kiwanuka, Gang Starr, Alphabeat, Jeff Lynne’s ELO, A Winged Victory for the Sullen, Cold War Kids, Miranda Lambert, Vetiver o Nicky Jam. Todas las canciones mencionadas y más, en nuestra playlist actualizada.
Ya es definitivo: Haim están de vuelta y, tras ese ‘Summer Girl‘ en el que hacían un guiño o dos a ‘Walk on the Wild Side’ de Lou Reed’, presentan el que parece el segundo single de una todavía hipotética continuación de ‘Something to Tell You‘. Se titula ‘Now I’m In It’ y, como su antecesora, se trata de una canción de cariz profundamente personal en lo que se refiere a su letra.
Si en aquel caso Danielle Haim buscaba plasmar el espíritu que trató de insuflar a su pareja –y, a la sazón, productor no solo de este grupo sino también de Madonna, Adele, Charli XCX o Vampire Weekend– Ariel Rechtshaid cuando hubo de combatir un cáncer, ahora se enfoca en hablar de sí misma y sus hermanas Este y Alana, compañeras de banda.
Concretamente de una depresión que hubo de superar y por la que, cuenta, también han pasado aquellas en distintas etapas de sus vidas. «Son momentos difíciles de olvidar y aún más difíciles de superar. Después de estar constantemente en marcha durante el último par de años, no quería parar y asumir ciertas movidas. Además, cada día mis hermanas y yo nos sentimos tan afortunadas de que este sea nuestro modo de vida… Parecía que parar y manejar estas emociones sería decepcionar a todo el mundo. Cada vez que he estado deprimida me lleva tiempo aceptar que necesito ayuda, empezar a salir de ello», dice en un extenso texto que recoge Stereogum.
Por eso aclara que ese «no podemos ser amigos / no podemos fingir que tiene sentido» que repite Danielle en el pre-coro, aunque se preste a pensar que se trata de una canción de ruptura, se refiere a ella misma y su propia mente. Y su vídeo oficial, de nuevo dirigido por el reputado cineasta Paul Thomas Anderson con más bien poca metáfora, muestra su «rescate» por parte de sus dos hermanas, que la llevan literalmente en volandas hasta un lavado automático de coches (?) del que sale fresca y renovada, lista para ir a un bar e hincharse a chupitos junto al hombre de su vida (sí, aunque aparece de soslayo, el hombre junto al que se sienta en la barra es Ariel).
Pero quizá lo más inspirado y vibrante de este retrato de la depresión es cómo su ritmo acelerado y a veces caótico –plasmado con unos fraseos pronunciados a toda pastilla (recordando un poco a los de Katy Perry en ‘Never Really Over’)– nos hace bailar. La canción –compuesta, por cierto, junto a Rostam y un talento injustamente olvidado de su misma generación, Ramesh Srivastava de Voxtrot– se construye con una suma de elementos discretos, apenas esbozados –con excepción de las exuberantes percusiones–, que al sonar superpuestos transforman en sonido el río de pensamientos que Danielle padece cuando está en esos momentos bajos, siendo ese puente al piano que detiene todo el momento de liberación, la ansiada bocanada de aire que permite recuperar el aliento. Dada la cada vez mayor visibilidad de las enfermedades mentales, parecía cuestión de tiempo que un día bailáramos al son de una depresión.
En la era de las «mixtapes» que realmente no lo son, Kim Petras ha sacado una de verdad y además con concepto: ‘TURN OFF THE LIGHT’, su colección de canciones inspirada en Halloween y completada con una segunda parte el pasado 1 de octubre (la primera salió en 2018), se compone de varios temas e interludios la mayoría de los cuales nadie contará jamás entre lo mejor que ha firmado la alemana, pero el conjunto es mucho más satisfactorio de lo que cabría esperar.
El motivo principal de esto es que ‘TURN OFF THE LIGHT’, en el que, como buena «mixtape», todas las pistas suenan seguidas y sin cortes, jamás se toma a sí misma demasiado en serio. Y no solo porque haya en ella títulos como ‘Death By Sex’ o ‘Boo! Bitch!’ o una colaboración con la mismísima Elvira haciendo la vez de Vincent Prince en el tema titular, sino porque algunas letras no dejan de tener una segunda lectura sexual que las convierte en cómicas. En ‘There Will Be Blood’, el hitazo del segundo volumen (aunque este es presentado en primer lugar en la secuencia completa), Kim canta: «soy una psicópata, esta noche será un infierno, y sé que lo quieres», y con su amante arrodillado ante ella, le incita en el estribillo a «correr por su vida» y a «decir su último adiós». Y luego está la mencionada ‘Death By Sex’, de ritmillo trap y titulada así porque Petras busca que su amante se «quede dormido» después de haber compartido con él una noche de «sexo, sexo, sexo».
De obvia inspiración synth-pop (ojo a la escalofriante ‘Wrong Turn’) y con ecos a los primeros Daft Punk en muchos puntos (‘TRANSylvania’), ‘TURN OFF THE LIGHT’ está producido principalmente por MADE IN CHINA, alias de Lukasz Gottwald, y su trabajo es especialmente elogiable en los interludios. Aunque en ‘Knives’ se echa en falta un mayor protagonismo de los «cuchillos», los ritmos industriales y gélidos de ‘demons’ y ‘Boo! Bitch!’ se acercan a lo exquisito, y lo mejor de todo es que casi todos los interludios mejoran la secuencia del álbum contra todo pronóstico. Quizá ‘Purgatory’ no sea tan buena intro como lo era ‘o m e n’ en el primer volumen, pero la macarra ‘Bloody Valentine’ tiene todo el sentido del mundo sonando después de ‘There Will Be Blood’ por alguna razón y en general toda la secuencia de la segunda parte de ‘TURN OFF THE LIGHT’ (que repito, suena en primer lugar) crea una atmósfera muy conseguida que invita a escucharla de principio a fin.
Y aunque las canciones de ‘TURN OFF THE LIGHT’ no sea tan buenas como un ‘Heart to Break’ o un ‘Broken‘, no hay que pasar por alto que ‘Close Your Eyes’ ha sido una de las más escuchadas de Petras durante todo el año pese a su temática. La canción cuenta con una melodía demasiado espectacular (es puro Dr. Luke) como para esperar 365 días a escucharla, pero se termina echando en falta en el disco un mayor número de canciones igual de buenas, porque al margen de esta, ‘There Will Be Blood’ y ‘Wrong Turn’, el resto es claramente inferior. Al menos sorprende el uso de la melodía de ‘Carol of the Bells’ de Mykola Leontovych -un villancico de 1914- en ‘Massacre’ y ‘Tell Me It’s a Nightmare’ es toda una chuchería.
En cualquier caso, y siendo ‘Thriller’ una de las canciones y videoclips más famosos de la historia, pues incluso titula el disco más vendido de todos los tiempos, ¿por qué no salen más discos inspirados en Halloween y menos de Navidad cuando Halloween es una fiesta muchísimo más divertida y popera? ¿Creará Petras tendencia? Lo que está claro es que, de haber salido en los 80, ‘TURN OFF THE LIGHT’ habría merecido, como mínimo, un especial terrorífico en la MTV…
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘There Will Be Blood’, ‘Close Your Eyes’, ‘Wrong Turn’, el aporte de los interludios y el buen «flow» de la secuencia. Te gustará si: echábamos de menos que hubiera más discos inspirados en Halloween. Escúchalo:Spotify
Después de hacer un repaso a los 5 artistas más importantes del festival MIRA Festival ¤ SON Estrella Galicia de Barcelona, que volverá a desplegar sus alas los días 5, 6, 7, 8 y 9 de noviembre en el recinto de Fabra i Coats, nos detenemos en cinco de sus joyas perdidas. La garantía de calidad, como de costumbre, es exactamente del 100%.
Vessel
En palabras de MIRA, la música de Vessel «encarna una declaración que se libera de todas las limitaciones y habla de la verdadera naturaleza de la libertad espiritual, física, artística y personal». Muchos conocieron al inglés Sebastian Gainsborough por su lúgubre segundo disco publicado en 2014, ‘Punish, Honey’, pero fue en 2018 cuando terminó de despuntar gracias a su fusión de tecno y música de cámara en ‘Queen of the Dogs’. Un trabajo inspirado en las obras de la pintora catalana exiliada en México Remedios Varo (la portada es obra de ella), que Vessel presentará en MIRA acompañado por los visuales analógicos de Pedro Maia. La cita es el sábado 9 de noviembre.
CURL
CURL no es un artista sino un colectivo y sello londinense que engloba la obra de varios artistas y productores experimentales afincados en la ciudad. Los principales son Mica Levi, Coby Sey y Brother May, pero también destaca por ejemplo el trabajo de Suitman Jungle. La primera casi no necesita ningún tipo de presentación pues es autora de las bandas sonoras de ‘Jackie’ y ‘Under the Skin’, la primera de las cuales recibió una nominación al Oscar, además de líder del proyecto Micachu and the Shapes y productora del debut de Tirzah. Las cuidadas producciones de hip-hop experimental de Coby Sey y Brother May también desprenden una sensibilidad única, que prometen uno de los directos más interesantes de todo el festival. Será el sábado 9 de noviembre.
Smerz
Fichadas por XL Recordings nada menos, las noruegas -aunque afincadas en Copenhague- Catharina Stoltenberg y Henriette Motzfeldt forman Smerz, un proyecto con el cual mezclan ritmos oscuros de electrónica con melodías propias del R&B, todo atado con sus desganadas voces. Escuchándolas lo mismo piensas en Yaeji que en Nite Jewel, Tirzah o Jessy Lanza, pero lo seguro es que tienen algo especial. La distorsiones de ‘No harm’ son un ejemplo, pero que ‘Because’ se acerque a los 3 millones de streamings en Spotify no es una sorpresa. Las chicas actuarán el viernes 8 de noviembre en MIRA junto al video-diseñador Weirdcore. Atentos los fans de los sonidos nocturnos más decadentes y confusos.
Colin Self
Dentro de las actividades paralelas de MIRA 2019 cabe destacar el concierto de Colin Self, que tendrá lugar en el Teatre Lliure de Gràcia. El artista, vocalista, coreógrafo, compositor y activista estadounidense afincado en Berlín Colin Self (foto) presentará junto a un trío de cuerdas y un grupo de intérpretes ‘Siblings’, su ópera de seis partes «trans-feminista» en el que explora temas como la «alienación», la «empatía», el «colapso social y ambiental» o el «papel de la familia no biológica». Un trabajo épico e importante que podrá degustarse en vivo el miércoles 6 de noviembre.
Blanck Mass
Otrora miembro de Fuck Buttons, Benjamin John Power se está labrando una brillante carrera en solitario gracias a sus arrolladoras y abrasivas producciones de noise electrónico, resultando este año en el Disco Recomendado ‘Animated Violence Mild‘, que contiene pepinazos como ‘Love is a Parasite’. El artista que se hace llamar Blanck Mass estrenará espectáculo en España en la próxima edición de MIRA, el sábado 9 de noviembre, con este álbum como pretexto, y acompañado por el trabajo visual de Don Tombs, que ha trabajado con Jon Hopkins, entre otros.
Thom Yorke continúa con la promoción de ‘ANIMA‘, su último disco. Y si junto a la salida del álbum, veía la luz en Netflix un emocionante corto de 15 minutos compuesto por tres visuales distintos para tres de las canciones incluidas en el largo, y dirigido por Paul Thomas Anderson nada menos, el nuevo vídeo de Yorke es completamente independiente.
La canción escogida esta vez para la promo de ‘ANIMA’ es ‘Last I Heard (…He Was Circling The Drain)’, una de las más interesantes en cuanto a su producción. La idea esta vez ha sido colaborar con Saad Moosajee y el estudio y colectivo experimental Art Camp para trasladar a imágenes esas atmósferas grises, tristes y apesadumbradas que sobrevuelan todo el disco. Pero ojo, porque el vídeo tampoco es cualquier cosa. Quizá porque, según explica el colectivo, es resultado de haber trabajado en múltiples vídeos que al final fueron desechados. El actual se compone de más de 3000 fotogramas hechos a mano.
Protagonizado por un solitario astronauta perdido en medio de una inquietante urbe, el vídeo de ‘Last I Heard (…He Was Circling The Drain)’ es una pequeña maravilla inspirada en los sueños de Thom Yorke y que busca reflexionar sobre la desconexión entre los seres humanos en el contexto de una ciudad demasiado ocupada. «Nuestro primer y último objetivo ha sido evocar los sentimientos de la canción y del disco», explica el colectivo. «Thom compartió con nosotros una lista de visiones que había tenido, imágenes desconectadas de sus sueños, y nosotros trabajamos en ellas con nuestras propias visiones. Nuestra intención ha sido comunicar el hecho de sentirte completamente solo en medio de un montón de gente con la que te identificas, pero a la que no entiendes; gente demasiado absorta en la ciudad como para ver que necesitas su ayuda».
The Twilight Sad iban a actuar esta noche en Madrid, pero el concierto ha sido cancelado a escasas horas de que empiece por problemas con el recinto de Cool Stage. Así lo ha explicado en un comunicado la promotora Doctor Music: «Lamentamos tener que comunicar que The Twilight Sad se ven obligados a cancelar el concierto previsto para esta noche en Cool Stage en Madrid. La sala no está en condiciones para la celebración del concierto debido a la realización de unas obras que no permiten la apertura de la sala al público con plenas garantías de seguridad. Lamentamos las molestias que esta cancelación pueda causar a sus seguidores, pero la seguridad en un concierto es siempre prioritaria».
En el mismo texto se indica que «el importe de las entradas será reembolsado de forma automática a partir de mañana» jueves 31 de octubre y que el concierto de The Twilight Sad de mañana en la sala La Nau de Barcelona se mantiene en pie.
Artífices de uno de los directos destacados en la pasada edición de Mad Cool y admirados por Robert Smith, con el que los escoceses han colaborado, The Twilight Sad han publicado este año un recomendable álbum de post-punk con ecos a Depeche Mode y a Joy Division llamado ‘It Won’t Be Like This All the Time‘, el que presentaban esta noche.
Que Halloween se celebre oficialmente el día 31 de octubre no significa que los famosos y la gente de a pie no empiecen a disfrazarse mucho antes, incluso con semanas de antelación. Así, en los últimos días hemos visto a varias celebridades paseando sus atuendos por fiestas o a través de Instagram, y esta vez Heidi Klum no ha sido la reina de Halloween, aunque tampoco ha habido realmente un disfraz espectacular… al menos de momento.
Sí cabe destacar la entrega de Halsey, que se ha disfrazado de hasta dos iconos del pop. Por un lado, de Marilyn Manson en la etapa de ‘Mechanical Animals‘, y por el otro, de Cher en los 70. Además, la autora del inminente ‘Manic’ salía recientemente al escenario con Avril Lavigne para cantar con ella ‘Girlfriend’, mientras la canadiense iba de la Madonna más zarrapastrosa, época ‘Holiday’. Otra cantante que se ha disfrazado por partida doble en Halloween es Demi Lovato, que ha ido de reina de Versalles y también de Pennywise.
Quizá el peor disfraz de todos haya sido el de Justin Timberlake y Jessica Biel, marido y mujer. Ella iba de él en *N SYNC y él de micrófono (?), lo cual suena a la peor idea del mundo, pero es incluso más horrorosa vista en imagen. Arriesgándose menos, las mejores amigas Cardi B y Nicki Minaj iban mejor de enfermera sexy y de Harley Quinn, respectivamente. Pero el mejor disfraz en pareja ha sido el de Ciara y su marido Russell Wilson, que han encarnado a Beyoncé y Jay-Z en el vídeo de ‘APESHIT’. Muy actual, tanto como el atuendo de «Silly Eilish» de Jameela Jamil. Por su parte, la familia Jenner/Kardashian también ha tirado por lo musical: Kourtney ha ido de Ariana Grande y Kylie ha recreado con una colega el beso de Madonna y Britney.
Fischerspooner han publicado un post en sus redes sociales que solo puede interpretarse como el anuncio de su separación. La imagen incluye el escrito en mayúsculas «FISCHERSPOONER HA MUERTO, LARGA VIDA A FISCHERSPOONER» y, en el texto de acompañamiento, el grupo simplemente escribe «gracias por todo».
El inesperado fin de Fischerspooner llega dos años después de que el dúo formado por Warren Fischer y Casey Spooner (originalmente, pues en la actualidad contaba con otros miembros) publicara su álbum ‘SIR‘, un disco producido por Michael Stipe de R.E.M. que veía la luz 9 años después del anterior, ‘Entertainment‘, incluyendo una colaboración con Caroline Polachek. No ha sido una discografía prolífica la de Fischerspooner por tanto (4 álbumes en 20 años), pero tampoco puede decirse que el grupo no haya dejado su huella en la música.
Formado en Nueva York en 1998, Fischerspooner fue uno de los proyectos surgidos del electroclash de principios de la década pasada que más popularidad adquirió junto a otros como Miss Kittin, Ladytron o Peaches. En su caso, el dúo lo logró con una serie de hitazos incontestables como ‘Emerge’, ‘Sweetness’ o su versión de ‘The 15th’ de The Wire, y otros como ‘All We Are’ o ‘Never Win’, con los que consolidó su estilo de electropop bailable y puramente neoyorquino, cristalizado sobre todo en sus dos primeros álbumes, ‘#1’ y ‘Odyssey’. Junto a sus letras políticas (algunas inspiradas en la escritora Susan Sontag, que tiene un crédito en ‘We Need a War’) y buenos directos, el grupo nunca ha dejado de tener su público, el mismo que ahora lamentará su marcha.
CocoRosie, el dúo formado por las hermanas Bianca y Sierra Casady, que despuntara a principios de la década pasada con sus discos ‘La Maison de Mon Rève’ (2004) y ‘Noah’s Ark’ (2005), creando con ellos un sonido propio de voces aniñadas y operísticas, folk extraño y preciosista, hip-hop «de habitación» mucho antes de que conociéramos el término «bedroom pop» y música hecha con juguetes y cachivaches, ha anunciado un nuevo disco que verá la luz el 6 de marzo de 2020.
‘Put the Shine On’, con esa portada exquisita marca de la casa, será el séptimo trabajo de estudio de CocoRosie, que acaban de colaborar con Chance the Rapper en su debut oficial, ‘The Big Day‘, en concreto en un tema llamado ‘Roo’, marcándose una incursión en el mainstream completamente inaudita.
El primer adelanto de ‘Put the Shine On’ es ‘Smash My Head’, que no suena tan diferente a lo que ya hiciera el grupo en su anterior álbum, ‘Heartache City‘, el cual fue, a su vez, un regreso al sonido de su debut. Aunque sí hay algún cambio. El tema presenta un ritmo downtempo y la melodía de una caja de música, pero destaca por su atmósfera gris, realzada por unos sintetizadores bastante industriales. En su videoclip, dirigido por la propia Bianca, vemos al dúo vestido con sus habituales ropajes victorianos.
‘Put the Shine On’:
01 High Road
02 Mercy
03 Restless
04 Smash My Head
05 Where Did All the Soldiers Go
06 Hell’s Gate
07 Did Me Wrong
08 Lamb and the Wolf
09 Slow Down Sun Down
10 Burning Down the House
11 Ruby Red Bass
12 Aloha Friday
El festival Cruïlla de Barcelona, que actualmente se encuentra en plena celebración de su edición de otoño, con conciertos anunciados de Manel, Catarres, León Benavente, Iseo & Dodsound, SFDK o Planet Hemp, entre otros, desvela hoy miércoles los primeros nombres de su próxima edición de verano, que tendrá lugar en julio de 2020.
Se trata de Residente, Kase.O y Lágrimas de Sangre. El primero es conocido por su trabajo en solitario tras su paso por Calle 13 y actualmente triunfa con su hit ‘Bellacoso’ con Bad Bunny, mientras el segundo es considerado una «leyenda viva» del rap español gracias a álbumes como el que publicaba en 2016, ‘El círculo‘. Por su parte, Lágrimas de Sangre parece un nombre muy esperado por los asistentes de Cruïlla según explica el festival en nota de prensa, y su sonido se caracteriza por una fusión de hip-hop, reggae y rock además de por unas letras «con un fuerte componente combativo y social». Los tres actuarán el jueves 2 de julio.
La pasada edición de Cruïlla dejó cabezas de cartel estelares tales como Kylie Minogue, Garbage, Vetusta Morla y Black Eyed Peas además de los conciertos destacados de Years & Years, Bastille, Michael Kiwanuka o Love of Lesbian. Sin embargo, aquella edición volvió a hacer especial hincapié en el rap hispano, como demuestran ahora estas nuevas confirmaciones, y en aquel caso con la presencia en su cartel de un grupo tan popular -y capaz de ser cabeza de cartel- como Natos y Waor.
Girando por Salas ha revelado los 26 artistas y grupos seleccionados en su última convocatoria, entre un total de 699. Estos 26 artistas recibirán ayudas para la celebración de conciertos dentro del circuito de salas en todo el territorio español como fomento de la expresión más viva de la música popular. Dichos conciertos (para cuyo desarrollo se han inscrito 210 salas de todo el país) se realizarán fuera de la Comunidad Autónoma de residencia de cada artista o a un mínimo de 300 km dentro de la misma. Con esto se quiere potenciar a los talentos musicales emergentes y su difusión más allá de su ámbito de influencia natural, así como incentivar la profesionalización de los mismos. Así mismo, los artistas recibirán una ayuda para la producción y promoción discográfica de sus trabajos, potenciando con ello tanto la producción discográfica como la estabilidad del circuito de salas de música en directo.
Los 26 artistas seleccionados, en orden alfabético, son Aaron Rux and the Crying Cowboys, Artistas del Gremio, Ayoho, Balkan Paradise Orchestra, Bambikina, Carlos Cros, El lado oscuro de la broca, Embusteros, Iván Sanjuán Cuarteto, J Dose, Kitai, La Sra. Tomasa, Las Sexpeares, Los Fesser, Los Saxos del Averno, Machete en Boca, Marem Ladson (que este año ha despuntado gracias a su colaboración con Natalia Lacunza); Mourn, Sweet Barrio, The Levitants, The Prussians, Tu Otra Bonita, Uniforms, Veintiuno, Wily Naves y Wom’s Collective.
Además de los votos emitidos por todos los representantes del jurado, el público, a través de la web de Girando Por Salas, pudo votar a sus bandas y solistas preferidos y los 20 más votados contaron con un voto extra. De los 26 seleccionados, 6 lo han sido con apoyo del voto popular.
Allie X es una de esas artistas capaces de moverse como pez en el agua entre el ámbito alternativo y el mainstream, y sin haber alcanzado jamás la popularidad de una Katy Perry o incluso una Charli XCX, la canadiense está construyendo una discografía llena de temas pop bastante incontestables, entre los que brillan las geniales ‘Casanova‘ y ‘Girl of the Year‘.
Nadie sabe por qué estas canciones no lo han petado como merecían, pero Allie X pasa ya página de su etapa más «Hollywoodiense» y sus nuevas canciones se sumergen en una oscuridad muy propia del mes en el que estamos, con Halloween a la vuelta de la esquina. Además, son probablemente las más sofisticadas que ha publicado la cantante hasta la fecha: solo así puede explicarse que tanto la balada ‘Fresh Laundry’ -compuesta antes de ‘Super Sunset‘- como la bailable ‘Rings a Bell’ sean tan sumamente adictivas cuando en principio no lo parecían en absoluto. Pero parece que es en estas canciones donde Allie X se ha encontrado a sí misma, y la misma artista reconoce que son las mejores que ha escrito.
En especial ‘Rings a Bell’, producida por el sueco Oscar Görres, engancha sin que realmente lo esperes: es la absoluta definición de «grower». A veces escuchas una canción que, sin conmoverte de primeras, sabes que ha plantado una semilla en tu cerebro, y es el caso de esta gran canción pop que, gracias a sus campanillas eclesiásticas, suena a medio camino entre Halloween y Navidad, pero cuya producción es puramente contemporánea. La base tiene un punto deep house que habría encajado en algún lugar de ‘Witness‘ de Katy Perry, pero a la vez un punto jazzy que remite a la primera Róisín Murphy. Y por encima de todo se impone un estribillo sutil pero a la vez ultra melódico, tan elegante y a la vez extraño como el propio estilo de Allie X en las imágenes promocionales.
Y no puede pasarse por alto que ‘Rings a Bell’ respira un elemento esotérico, casi fantasmal, que conecta con su propia temática. «El sentimiento de haber estado ya en un lugar es algo que he explorado en este último año», ha explicado la artista en Twitter. «Esta canción va sobre caer en la madriguera del conejo, sobre vivir algo surrealista, como procedente de un sueño, o quizá de tu subconsciente».
En medio de la lluvia de singles que Mala Rodríguez nos ha regalado durante los últimos tiempos, lo que ha incluido temas como ‘Gitanas’ o ‘Aguante’, colaboraciones con Juan Magan, Lola Indigo o Dellafuente, entre muchos otros; la cantante ha recibido el Premio Nacional de las Músicas Actuales. Está valorado en 30.000 euros y supone un reconocimiento a toda su carrera por su carácter pionero en cuanto «a músicas urbanas». Han pasado 6 años de ‘Bruja’, pero tenemos temas nuevos como esta misma semana ‘Dame bien’. Hablamos con la artista en un hotel junto a Universal sobre el galardón, este single reciente o ese nuevo álbum que, ahora sí que sí, está ya terminado. Ni que decir tiene que La Mala es una de mis entrevistadas favoritas, dejando una sentencia interesante, exactamente, cada dos párrafos.
¿Te esperabas el Premio?
Fue una sorpresa absoluta. ¿Lo conocías?
No (sonríe).
¿Qué te ha parecido la lista de ganadores previa?
Bastante rara, muy diversa. Pero no había ningún artista del género mío, así que ha sido un sorpresón en mil sentidos. No esperaba esa llamada. No suelo coger los teléfonos que no conozco, y Alba Molina, que me estaba hablando por teléfono, me dice: «cógelo, que igual es importante». Al cogerlo, era un montón de gente, parecía una broma telefónica. Toda esa gente hablando a mí me emocionó mucho. Me imagino que a ti también te pasará, que cuando la gente de tu profesión te muestra un respeto, es muy bonito. Y yo lo he sentido de otros músicos, de otros artistas. ¿Quién te llama para algo así? ¿No es tu mánager más bien?
Me llamó Amaya (de Miguel), creo que es la Presidenta. Alguien del Ministerio. Que era como: «¿quién eres? ¿por qué me llamas? ¿he hecho algo malo? (risas)
Se te ha dado este premio por ser pionera en tu género, siempre has mezclado la música española con lo que se hace fuera. No sé si lo ves como un reconocimiento. En realidad, tú siempre has estado reconocida por la crítica, ¿no?
Sí, supongo, no sé. Por un lado sí es cierto que he tenido mucho cariño por parte de la crítica, y en particular de otros artistas. He sentido respeto no solo en España, también en muchos otros países. Pero en este último año he tenido una mayor aceptación por parte del público. Antes sencillamente no era el momento. Ahora sí suena esa música que yo hago, la gente sí la consume de otra manera.
«No hago las cosas para que agraden, sino porque las necesito»
¿Cuándo no te has sentido reconocida?
En ‘Dirty Bailarina’. Yo después de hacer ‘Malamarismo’, que por supuesto también tuvo críticas de «¿qué haces?», porque tenía muchas cosas de funk, bases de Griffi…, seguía buscando cosas raras. Después de eso quería mostrar momentos de mi vida, porque la música que hago representa mi vida y ‘Dirty Bailarina’ es un poco oscuro. Y aquí en España era como «¿qué es esto?». No había esa comunión entre público y artista que sí vi en México. Pero no hago las cosas para que agraden, sino porque las necesito. Tampoco quiero darle muchas más vueltas.
Has trabajado con Steve Lean, supongo que sí te has sentido una referencia para artistas nuevos.
Me acuerdo de que Steve me decía que solo respetaba a Tego Calderón y a mí. Era muy pequeño cuando le conocí y le pedí bases. Le decía: «Quiero escuchar tú música». Y me pasó unos beats. Esa es la esencia de lo que hago. Alguien que está en la calle. El sonido urbano es eso, no tanto como guitarra, bajo, un montón de instrumentos. Tiene que ver con otras circunstancias. Cuando yo empecé a rapear, lo que la gente hacía era coger cintas y grabar un beat cogiendo pedacitos de breaks de canciones. Y la gente mayor que yo, ahí hacían los ritmos sobre los que rapeaban. Era la hostia. Esa es la historia. Cuando yo veo a chicos que empiezan, siempre me motiva. La esencia sigue estando ahí.
Puedo hacer un montón de música, las personas no somos planas, somos poliédricas. Yo al menos tengo dentro un montón de cosas distintas. ¿Que algunas canciones son más comerciales que otras? Pues no te lo niego
Ya nos hablaste en la entrevista anterior de tu tema con Juan Magan, ¿pero te esperabas esos streamings? 100 millones. Es flipante.
Ha sido una pasada. Yo no, pero la gente alrededor mía, sí. Me decían: «tiene mucha energía». Cuando grabé el primer verso, dije: «tengo que darle más duro porque él tiene mucha energía». (Juan Magan) pega unos gritos que te despeina, no por volumen, es por la energía que tiene el pavo. Quería hacer algo a la altura de su verso. Hice una letra, cambió un poco hacia dónde iba la canción y él entonces también modificó cosas. Yo no me limité a hacer de víctima o de mala, sino que quise dar un giro con la letra a lo que él estaba planteando. Ha quedado una canción diferente, con muchísima fuerza y sin complejos. Estaba clarísimo que me iban a criticar. Eso lo tenía muy claro. Me decía: «ahora otra vez a darle explicaciones a la gente». Porque nunca llueve a gusto de todos (risas) Yo no puedo hacer lo que me dé la gana. La gente espera de uno que haga lo que le gusta. «A mí me gusta esta canción, pues haz esta». «A mí me gusta esta canción, pues haz esta». Yo puedo hacer un montón de música, las personas no somos planas, somos poliédricas. Yo al menos tengo dentro un montón de cosas distintas. Puedo pasar por mil estados, como dice Kase.O. Me gusta compartir y explorar. ¿Que algunas canciones son más comerciales que otras? Pues no te lo niego. Pero tampoco he sido de «como esta tecla me funciona, voy a hacer 45 canciones iguales que ‘Por la noche'». O que otra. No hago eso. No me acomodo, me gusta probar. Es guay.
¿Esperabas mejores números de alguna de las canciones que has sacado este año y medio? ¿De ‘Aguante’, el tema con Dellafuente, incluso ‘Gitanas’?
No. No sé qué decirte. En realidad no me obsesionan los números, está claro que hoy día los números son definitivos para cualquier persona, pero no hay que obsesionarse, señores. Hay que entender que la vida es un misterio que no podremos resolver hasta que hayamos muerto. Todo lo demás son circunstancias de la vida. Hay canciones hermosas que no tienen ni un millón (de reproducciones) y otras que no sabes qué tienen y la gente las adora. No se sabe.
Nos hablabas el año pasado de un disco a medio hacer. ¿Qué ha pasado?
Pues que ya está acabado.
De las canciones que has sacado, ¿cuáles irán dentro? ‘Gitanas’, al menos, supongo.
De eso no sé. Hay un montón de canciones y en breve publicaremos el álbum. Ha sido así porque se ha dado así. Hoy los contratos no son por álbum, son por sencillos. Si quieres sacar sencillos, los vas sacando. Y si te encaprichas de sacar una colección de canciones, también lo puedes hacer. Es todo hablarlo.
«En este último año he tenido una mayor aceptación por parte del público. Antes sencillamente no era el momento»
Fíjate que pensaba que no te motivaba ya mucho el concepto «álbum». Parecía que se había ido perdiendo, pero Rosalía, J Balvin, Bad Bunny con J Balvin, Bad Bunny solo, han sacado discos que les han puesto en primera fila en festivales. También Becky G ha sacado disco. ¿De verdad las discográficas firman por 15 singles?
Esta industria está completamente en constante cambio, como se ha demostrado. Se están barajando todo tipo de opciones. Si algo funciona y encaja en cierto momento, se tira para allá, pero también me parece muy positivo que esté todo abierto, que no sea tan cuadriculado como antes. Antes por huevos tenías que sacar un álbum, del que se promovían 2 sencillos, y el resto era morralla. Ahora la gente puede ir colocando sencillos, puede ir creando expectativa. El álbum siempre va a funcionar, porque es como que el artista se da a conocer en una larga duración. Sacar un sencillo puede ser suerte. Que te guste el álbum es más complicado.
Estoy entendiendo que tu disco es más una colección canciones que un concepto.
Yo no soy muy de concepto. Me gusta improvisar, ir al estudio y dejarme llevar por lo que sale. Luego te das cuenta de lo que es. Es como un pintor que saca y saca. No lo paso tanto por mi cabeza, como por el corazón y es lo que sale. Luego lo miro y lo entiendo, no te digo que no. Me doy cuenta de que «esto significa esto». «Esto está hablando de esta movida». Y me pongo a llorar. Pero eso lo veo luego.
Háblame de ‘Dame bien’. ¿Cómo has llegado a esta canción, a estos colaboradores?
Soy muy fan de ‘Rebota’, de Guaynáa, le tengo un montón de cariño, le mando 200 millones de besitos gitanos. Creo que ha hecho un cambio en el reggaetón, como cuando apareció René de Calle 13. Era algo que no te esperabas. El Guaynáa ha hecho algo así. Viene y se viste diferente, saca eso que tenemos anclao del reggaetonero y me encanta. Es una persona bellísima y superinteligente. Y Big Freedia es como tener una leyenda. El boom del twerk viene del bounce y ella es una de las inventoras, junto con otra. Esta peña empezó todo esto que es un boom. Se lo explico a mis vecinas, toda esta moda viene de esta persona, que se la ha vetado, por haber iniciado una movida que ha sido mundial. Y hacer una canción con ella y con el humor que tiene El Guaynáa es como un canto a la tolerancia. Liberarnos de esos prejuicios. Tiene mucho poder porque es un grito a la tolerancia, al sentido del humor. Va por ahí.
«Como mujer soy dueña de mi cuerpo y no tengo ningún tipo de complejo (…) Nunca ha sido un problema para mí la edad. En ‘Egoísta’ había comentarios de «por qué lleva coletas si tiene 40 años». Aunque los tuviera, yo no estoy haciendo nada para tus ojos, lo estoy haciendo por mí. El hombre cree que tú eres un producto para su consumo»
¿A Big Freedia la has podido conocer?
A través de mail, llamadas: no nos hemos visto ella y yo todavía. Intentamos poderlo hacer posible, pero no fue posible.
Esta canción está muy sexualizada. Sé que tienes más o menos mi edad porque cantabas «tengo 33» cuando yo tenía 33, y me identifico un poco con esta revolución sexual a los 30 y muchos, a los 40. No sé si tú lo asocias a tu edad.
Lo asocio a que como mujer soy dueña de mi cuerpo y no tengo ningún tipo de complejo. He criado a mi familia en ese concepto de ser libre, de sentirte en paz contigo mismo. No ver como algo problemático tu cuerpo. Me disfruto y me gusto. A la mujer se la invisibiliza a partir de los treinta y pocos años, y me da igual, no me afecta. Ya en ‘Egoísta’ me criticaron porque salía con coletas, que siempre me ha encantado salir con coletas. ¿Te acuerdas de AC/DC? ¿Lo que les gusta salir de colegiales? Pues a mí también. No como en el momento hipersexualizado del porno, sino como estudiante rabiosa con todas las ganas de discutir. En millones de conciertos he llevado coletas y falda. Pero como ahora tengo 40 años… Nunca ha sido un problema para mí la edad. En ‘Egoísta’ había comentarios de «por qué lleva coletas si tiene 40 años». Aunque los tuviera, yo no estoy haciendo nada para tus ojos, lo estoy haciendo por mí. El hombre cree que tú eres un producto para su consumo. Me parece arcaico el asunto. Muchas mujeres defienden que se nos hace invisibles a partir de cierta edad, y siempre tenemos que estar justificando nuestras acciones, cuando la mujer adquiere un poderío a partir de los 30 que no tiene nada que ver.
«A las mujeres se nos hace invisibles a partir de cierta edad, y siempre tenemos que estar justificando nuestras acciones, cuando la mujer adquiere un poderío a partir de los 30 que no tiene nada que ver»
¿Entonces estos temas para ti son deliberadamente reivindicativos o simplemente lo que has hecho siempre?
Estoy haciendo lo que me apetece como siempre. Faltaría más que yo tuviera que responder al público. Yo soy así, tengo momentos de puta loca, luego soy la más comprometida, soy superpesimista y quiero suicidarme y en otros momentos me suda la polla todo.
Por lo bailables que te están saliendo estos singles, pensé que estabas saliendo más que nunca.
Todo lo contrario, no es que esté saliendo más, sino que tengo mucha alegría en mi corazón. Estoy feliz. Ha sido difícil, he sido madre soltera, he vivido momentos bastante complicados, pero ahora estoy en el mejor momento de mi vida. Tengo un equipazo, en mi vida todo está genial. Yo estoy feliz, me encuentro bien y en mi música está toda esta energía.
Esto (tu vida privada) lo has llevado con discreción.
No me apetecía hablar de eso.
«Cuando veo que la gente hace una peli al año, un disco al año, me pregunto quién está escribiendo estas canciones, porque las mías las escribo yo. Me gusta compartir algo de peso y cosas que sean verdad. Se necesita un poso para sentir y vivir»
Aunque en algunos momentos has estado desaparecida.
Me he tomado tiempo para vivir y he ido publicando cada 3 o 4 años, porque se necesita vivir para poder escribir. Cuando veo que la gente hace una peli al año, un disco al año, me pregunto quién está escribiendo estas canciones, porque las mías las escribo yo. Me gusta compartir algo de peso y cosas que sean verdad. Se necesita un poso para sentir y vivir.
El tema de los campamentos de composición supongo que no te tienta. O incluso escribir para otros.
No. Hay muchos, me interesa porque tengo muchas canciones que nunca las he cantado y seguramente le puedan interesar a otros artistas. Pero no me he planeado esa parte. Hay un par de chicas que me gustan y quiero producirles música. No es una idea descabellada, pero lo trato como algo mío.
¿Se puede saber quiénes son esas chicas?
No.
¿Cómo ha sido tu colaboración en ‘Vis a vis’? Es guay, pero también rara.
Sí, además salgo ahí como la novia de Saray (risas) Fue todo una puta sorpresa. Najwa me llamó y me dijo «vamos a hacer una cosa». Me fui un día al rodaje y allí mismo me dijeron cuál era la escena. ¿Sabes lo que es eso? Fue muy emocionante porque me gusta mucho la serie. Alba (Flores) es una tremendísima actriz. Najwa igual, es amiga. Ya le tocaba a España hacer una serie así. Ha roto un montón.
¿Ves muchas series?
No. A veces. No tengo tiempo. Cuando estoy en casa, estoy centrada en cuidar y disfrutar de mi familia. No veo series, hago otras cosas. Pero cuando me voy y estoy días sola, veo mazo de cosas. La última que he visto es la de ‘Merlí’. Está muy chula porque hablan de filósofos todo el rato, me gusta, me parece divertido.
¿Qué ha pasado con la colaboración con Alba Molina, ya que la mencionabas antes?
Eso está ahí hecho. Está la canción, pero no sé si te voy a hablar del disco porque está todavía sin fecha.
Entendí de la entrevista anterior que eso estaba a punto de salir hace ya.
He hecho una colaboración con ella aparte.
Lola Indigo nos dijo que eras una de las personas más generosas del mundo, ¿a qué se refiere? ¿Y qué te ha parecido su disco?
A mí ella me parece supertrabajadora, con muchísima energía, tiene luz. Todo lo que le está pasando es lógico porque es una luchadora, quiere que las cosas sucedan, es muy humilde también. Que se dice mucho pero es que es verdad. Si no eres humilde no aprendes. Si eres muy soberbio, luego te vas a pegar un batacazo.
«Yo me he reencontrado con España en 2013 con ‘Bruja’. Hasta entonces era muy de nichos, pequeños sectores, lo recuerdo como un lugar raro»
Tú vienes de los 2000, como Operación Triunfo. ¿Tú te esperabas que de un OT salieran cosas como ella?
El país era diferente, nuestro país ha cambiado mucho. Yo me he reencontrado con España en 2013 con ‘Bruja’. Hasta entonces era muy de nichos, pequeños sectores, lo recuerdo como un lugar raro. Fue un reencuentro bastante guapo. Las generaciones estaban cambiando, todo el público que consume los programas de tele… Nos hemos ido pareciendo a EE UU. Al final se ha conseguido ese modelo, orientado a algo más yanqui.
Lo dices como algo bueno.
En lo que tenga de bueno. Lo bueno que tiene EE UU es el pedazo de industria del entretenimiento. Aquí era cortito. Y bastante elitista. Ahora parece que se ha abierto a nuevos campos. Incluso en el cine. Ahora parece que se puede hablar de industria del cine en Sevilla y me parece la bomba. Y que contemos nuestras historias. Antes solo era importado.
«En España hay mucho racismo, me da mucha lástima, en el mundo entero y siempre va a haberlo»
A raíz de ‘Gitanas’ hiciste una declaración que nuestros lectores no entendieron muy bien, lo de que la mujer gitana era pionera del feminismo. ¿Qué querías decir?
No sé qué quieres que diga. ¿Que aquí hay mucho racismo? ¿Quieres que diga eso, mejor? En España hay mucho racismo, me da mucha lástima, en el mundo entero y siempre va a haberlo. Yo lo veo así. Dime qué otras mujeres trabajaban fuera de casa y cuidaban a los hijos con eso que llaman «crianza natural». Si lo dice una persona adinerada es guay, pero si lo dice una mujer que va con su niño al trabajo y que le da una atención 24/7… ¿comprendes? Entiendo que no se comprenda, pero yo lo digo porque me gusta decir estas cosas, porque me siento en paz cuando lo digo, porque creo que es lo justo. Hay mucho racismo. Yo tengo la piel muy clarita, pero es verdad.
El productor americano Y2K y el rapero canadiense bbno$ han logrado este verano un viral llamado ‘Lalala’ que suma 300 millones de reproducciones en Spotify después de haber sido top 10 en Canadá, top 55 en Estados Unidos, top 32 en Reino Unido, top 76 en Francia, etcétera.
bbno$ ya tenía un par de discos y un par de EP’s en el mercado pero este ha sido el tema que le ha dado el espaldarazo definitivo. Mucho ha hecho su vídeo en el que la melodía es tarareada desde el principio en el imaginario show televisivo de Y2K, que incluye marionetas y más colores que el videoclip de ‘This Is How We Do’ de Katy Perry.
Ignoro si Enrique Iglesias y Carly Rae Jepsen eran necesarios para darle más alas a esta canción, aunque es el propio Y2K el que los ha llamado en un comunicado «artistas de primera fila». En cualquier caso, aquí están para añadir sus versos desde hoy en un remix que se ha subido a las plataformas digitales. La canción adquiere con el castellano de Enrique un cariz más latino del que ya tenía, acercándose a los territorios de ‘I Like It’ de Cardi B, mientras Carly añade una estrofa en la que dice que “no busca un anillo”, que “tiene dinero” pero que aun así quiere «que sea él quien pague» la cuenta.
Modeselektor protagonizan la primera confirmación para WARM UP Estrella de Levante, que se celebrará en la ciudad de Murcia los días 1 y 2 de mayo de 2020. Los abonos generales y VIP ya están disponibles en warmupfestival.es desde 42€, solo hasta mañana a las 23:59h o hasta agotarse este cupo, cuando subirán de precio.
El pasado mes de mayo se informaba ya de que nada más terminar la edición de 2019, se habían vendido 6.000 abonos en 5 horas para la edición 2020, sin conocerse el cartel, prueba de la buena aceptación del festival entre el público.
Modeselektor, parte de Moderat, estarán en Murcia para presentar ‘Who Else’ (del que analizamos el espectacular vídeo de ‘Who’ aquí) y lo harán como es habitual, según nota de prensa, con «una producción audiovisual única y un set de escándalo en el que el sonido techno, hip hop e industrial son los protagonistas». Será un «live muy ambicioso, en el que el equipo de luces, colores y ritmos en temas como ‘Wealth’ (ft. Flohio) -una de sus nuevas colaboraciones impecables- se recordará por todos los asistentes».
Asimismo, se informa de que, como es habitual, la Región de Murcia albergará un amplio menú de actividades culturales (cine, música, literatura, moda, exposiciones y actividades familiares) en los días previos a Warm Up.
En mi imaginación, la tercera temporada de ‘Twin Peaks’ fue tal éxito que David Lynch escribe ya la cuarta temporada y los grupos matan por aparecer actuando en el Roadhouse como ya lo hicieran Chromatics, Sharon Van Etten, Au Revoir Simone, Lissie, The Veils o Eddie Vedder. El segundo disco de Cigarettes After Sex suena como un intento de que sea este proyecto el que cierre todos y cada uno de los hipotéticos episodios de esa temporada que quizá nunca existirá.
Cuando conocimos a la banda de Greg Gonzalez, ‘Cigarettes After Sex’ sonaba como el disco perfecto de dream pop para aquellos que añoraran los tiempos de Slowdive, Mazzy Starr o incluso Cocteau Twins, y para los que pensaran que tales sonidos no existían. El segundo álbum, que recibe el nombre de ‘Cry’, presenta pocas novedades al respecto: los teclados no pueden sonar más a Angelo Badalamenti, y estas nueve composiciones se entregan a punteos tranquilos y relajados, que nos llevan a una plácida playa en la que echamos muchísimo de menos a alguien.
Greg Gonzalez de hecho ha grabado este disco desde Mallorca y el single principal, ‘Heavenly’, nace de observar una «puesta de sol infinita» en una playa recóndita de Letonia, durante una noche de verano. Y la canción logra ser así de bella. El principal problema que presenta el álbum es que a veces parece que el artista se haya quedado dormido en la citada playa, mecido por las mismas melodías que se iban agolpando en su cabeza. La música de Cigarettes After Sex ha podido conectar en algunas ambientaciones con Beach House y en los punteos con The xx. Sin embargo, estos temas no esconden ni los desarrollos tan espectaculares de los primeros, ni han querido incorporar nuevos elementos por ejemplo electrónicos como han venido haciendo los segundos, aunque haya sido a costa de perder público. A todas luces ‘Cry’ es el típico segundo disco que simplemente busca asentar el nombre del artista, consolidar su base de seguidores.
En ese sentido es un álbum agradable de oír, con canciones que van creciendo tanto con las escuchas como sucede con ‘Heavenly’, ‘Kiss It Off Me’, ‘Cry’ o ‘Falling In Love’. En ellas, Gonzalez realiza un dibujo del amor y el desamor que, como David Lynch y Lana del Rey, cada uno en su estilo, debe mucho a la estética de los años 50. La mujer admirada de ‘Kiss It Off Me’ se «pasea despacio» y bebe «Slurpee», solo para luego desaparecer, inalcanzable. En otros momentos aparecen citas a Playboy, Penthouse o a Hentai. Las referencias al sexo, algo pajilleras, están levantando algunas ampollas, aunque lo peor quizá sea lo explícito de algunas letras: si fueran políticas, Greg es de los que nos diría abiertamente cuál es la papeleta que tenemos que poner en la urna.
Así, ‘Hentai’ habla de «una chica que tan pronto como te hacía correrte / adivinaba tu futuro», e introduce frases tan intensas como «te dije que quería morir en un accidente de avión / sobre el océano, pensé que sería romántico / Pero no te gustó, pensaste que sería estúpido / pensar en mí muerto te hace sentir mal». Como un guión cinematográfico de principiante, las letras a veces dejan ver demasiado. Sin embargo, dos cosas juegan a su favor: este es un proyecto onírico (su género es el «dream» pop) y como tal, es lícito que Greg nos hable de su «sueño» o de su «fantasía» tal y como los siente. Y por otro lado, por muy buena que sea su dicción y por mucho que hables inglés tan bien como los periodistas de The Guardian, en la mayoría de las ocasiones no te das cuenta de lo que esta persona está cantando. Incluso su pronunciación de «cum» pasa desapercibida porque Greg usa su voz como un instrumento más, a veces hasta el punto de que intuyes que una de sus melodías lo mismo la podría hacer la guitarra que su voz, con palabras. Hay clichés, sí, pero no nos estamos dando cuenta ahora de que este grupo se llama Cigarettes After Sex, ¿verdad?
Calificación: 7/10 Lo mejor: ‘Heavenly’, ‘Cry’, ‘Falling In Love’, ‘Kiss It Off Me’ Si te gustará si te gustan: Slowdive, Lana del Rey, Angelo Badalamenti Escúchalo:Spotify
La última temporada de ‘Juego de Tronos’, que tantas maneras apuntaba, terminaba con un desenlace que contentaba a su audiencia sólo a medias, pero desde esta semana hay oficialmente consuelo para sus seguidores. HBO ha confirmado esta misma noche que habrá una precuela de la serie sobre la que ya se conocen los detalles.
Se trata de ‘House of the Dragon’, que se comenta que se situará 300 años que la serie que todos conocemos, centrada en la historia de la Casa Targaryen. Así se ha contado en la cuenta oficial de ‘Juego de Tronos’, aclarándose que el proyecto ha sido creado por George R.R. Martin, autor de las novelas en las que se basa la serie original (ahora la inspiración será ‘Fire & Blood’), y por Ryan Condal. Miguel Sapochnik será “showrunner” junto con Condal y dirigirá el primer episodio, así como capítulos puntuales.
La noticia llega apenas unas horas después de que HBO cancelara sus planes de hacer otro spin-off de ‘Juego de Tronos’, que iba a protagonizar Naomi Watts y del que se ha llegado a rodar un primer episodio piloto. Sin embargo, este nuevo proyecto de ‘House of the Dragon’ se ha aprobado sin que se haya rodado piloto alguno.
Imagínate que sigues a Mad Cool en algún tipo de red social porque te gustan Foo Fighters, Green Day y Wilco, que actuaron en el festival cuando era en La Caja Mágica. Ponte en el lugar de esas personas huérfanas porque en 2020 no habrá Download Festival (la organización está buscando un recinto alternativo para su celebración en 2021). Está claro cuál iba a ser la reacción de esas personas cuando hoy ha llegado a sus muros la noticia de que las nuevas cabezas de cartel de Mad Cool serán Taylor Swift y Billie Eilish.
La noticia ha obtenido muchos «me gusta» en las redes sociales pero también muchas quejas. Estas son algunas de las halladas en Facebook, red social en la que Mad Cool seguramente encuentre su público más adulto:
-«¿Cómo se puede pasar en dos años de Pearl Jam, Queens of the Stone Age, Jack White y Depeche Mode a esto?».
-«Tiene guasa que me tenga que ir de festival a Francia y a Viveiro porque en Madrid no saben lo que es un festival de rock/metal».
-«Acabando con la esencia del festi en 4 años… Coachelizándose… 30.000 pijas haciendo selfies y dando la brasa en los conciertos uff y yo que quería volver este año. Pixies y poco más».
-«Ahora suena a coña decir que vi a Green Day y Foo Fighters en un Mad Cool… Bueno, que tengan el mismo problema de siempre con la cobertura y así se joden todos los que van a poner sus fotos del concierto de esta en el Instagram».
-«TENÉIS LA OPORTUNIDAD PARA EL HELLA MEGA TOUR CON GREEN DAY, WEEZER Y FALL OUT BOY!!! Pero no lo vais a traer porque preferís a traperos» (???)
Hay quien al menos aporta un mínimo sentido del humor:
-«Atentos a no confundir las pistas pregrabadas de todos estos artistazos».
-«No pongáis mucha gente en las barras, que van a estar aburridillos».
-«Y las Gemelas Olsen no?!?!? Habrá minis de colacao??? que mi madre no me deja más de las 22h00…».
Por último, entre textos escritos por fans y haters, hay uno que no he sido capaz de dilucidar si es irónico o no:
-«Falta Ariadna Grande y Selena Gómez… Vamos Mad Cool!!!».
Supongo que desde que Billie Eilish llena palacios y palaus en España y tiene el beneplácito de Thom Yorke como «lo único jodidamente interesante» que está pasando ahora mismo en el mundo musical, su capacidad de liderar un cartel está fuera de toda cuestión. Lo de Taylor es más complicado, pues viene de un entorno menos underground, nada menos que de la música country, y hace años que se ha entregado al pop de radiofórmula.
No seré yo el mayor defensor de Taylor Swift sobre la faz: que tenga 2 Grammys a Álbum del Año me parece exagerado, y lo mismo saca un single que aborrezco como ‘Look What You Made Me Do’ o ‘ME!’ que te llena un álbum de temas que no fueron un superhit pero lo merecían, como en mayor o menor medida ‘Getaway Car’, ‘London Boy’ o ‘Style’. Pero lo que cada vez tengo más claro de cara a un macrofestival de este tipo es que lo que más me gusta es que me traiga a alguien que no haya visto nunca en directo. Y en ese sentido, Mad Cool se ha apuntado un tanto a la vez que ha corrido cierto riesgo. Lo mismo que cuando programó a Post Malone cuando en su año ya se habían agotado los abonos, y este último actuó en un escenario bastante desangelado para sus estándares.
Taylor Swift tiene un estatus tan alto en Estados Unidos que rara vez hace conciertos fuera de allí. En su tour anterior, el de ‘reputation’, dio 53 conciertos, de los cuales 40 fueron en Norteamérica y tan solo 6 en Europa, todos en Reino Unido. Para ella implica cierto riesgo venir a España porque aquí no va a llenar los estadios con la facilidad que en otros países. Aunque ‘Lover’ ha funcionado bien y dos meses después de su edición aún lo encontramos entre los 40 álbumes más vendidos en España y entre los 30 más oídos; ninguno de sus singles está sonando en radio ni aparece en el top 100 de singles en España. Es difícil calcular, por tanto, cuál sería el recinto que le correspondería visitar en Barcelona o Madrid si nos visitara en solitario; si habría de hacer doble fecha o terminaría abortando misión como aquella vez en que iba a visitarnos Pharrell… y al final no. Un festival es, por tanto, una solución.
Antes que ver otra vez a Pixies, un grupo que nos ha visitado en los últimos años con algún disco medio bueno, algún disco no tan bueno y también con más cara que disco alguno; para algunos es una opción más apetecible ver el que puede ser el único concierto de Taylor de nuestras vidas. Sobreviviremos a una masa de gente haciéndose un selfie donde en otros escenarios hemos sobrevivido a una masa de gente luchando por mantenerse en pie en medio de una intoxicación etílica. A mi lado alguien se vomitó encima en el último concierto de Metallica y no pasa nada, puntué todo aquello con un 8. Pero además, seguramente en un festival con capacidad para 60.000 personas y salvo expreso deseo de la artista, lo más seguro es que de hecho suene otra música diversa y alternativa a Taylor Swift desde otros muchos escenarios. ¿Cuándo aprenderemos a disfrutar de un festival de música en toda su diversidad?
Igualmente, a poco que te guste la música, es necesario mantener cierto interés vivo por lo que le gusta a las nuevas generaciones. Es cierto que el rock de guitarras lleva unos cuantos años sin dejar nuevos nombres, y que el pop y el género urbano son los que hacen grandes números, pero es que la gente está pidiendo a artistas que ni siquiera sabemos si estarán de gira el año que viene. Ni Radiohead ni Arctic Monkeys ni Nine Inch Nails -tres de los nombres que más suenan entre las exigencias populares- se caracterizan por ser precisamente artistas que estén disponibles todas las temporadas. Ya no es una cuestión de pop contra rock, sino de que hace años que no surge una banda de rock llenaestadios. Algunos, como Coldplay, incluso han virado hacia el pop más comercial. Con este panorama, ¿solo sabemos sufrir porque Radiohead no quieren hacer gira cada año?
Y luego está la misoginia que late en muchas de las quejas. Es curioso que entre las reivindicaciones más críticas con Taylor y Billie, pocas personas o directamente nadie, mencione en el Facebook de Mad Cool a una artista femenina como alternativa. Todo son Strokes, Radioheads y Depeches. Incluso este mensaje acertado, coherente y tristemente resignado, solo menciona a artistas masculinos como adalid del bien supremo: «Esto es lo que hay, el cambio generacional es este y conforme vayan pasando los años será peor para todos los que crecimos con el rock de los 90 y la contracultura que vino de herencia de nuestros padres con Purple, Zeppelin, Who, Floyd etc etc etc. Es una pena pero hay que ir haciéndose a la idea. Las guitarras ya no están de moda». Patti Smith viene a Azkena, por si alguien se lo quiere apuntar como ejemplo de lo «bien hecho» para disimular la mala pinta que tiene cierto tipo de discurso.
A falta de que llegue el huracán ‘Alocao’ la semana que viene (ahora mismo este tema de Omar Montes y Bad Gyal está en el top 1 de Spotify España, doblando en streamings al top 2), ‘China’ de Anuel AA sigue en el puesto 1 de singles en España y el dúo de Ozuna y Rosalía en el puesto 2 una semana más.
La verdadera noticia la deja ‘Ritmo’ de Black Eyed Peas y J Balvin, que pasa del puesto 38 al puesto 3, convirtiéndose por mucho en la subida más fuerte. Estaba claro que sería un sleeper. Pese a su avance en el global de Spotify, donde ya es número 23, los países que más aportan son todos latinos: España, México, Argentina e Italia. De momento sigue sin pasar gran cosa con ‘Ritmo’ en países anglosajones.
Rels B, que es número 1 directo esta semana en “streaming albumes”, sitúa hasta 8 temas en el top 100. Son todas las canciones de ‘Happy Birthday, Flakko‘ excepto la intro de 29 segundos: ‘Sin mirar las señales’ es la entrada más fuerte en el puesto 20, ‘La Latina’ sube al puesto 31, ‘Otro Cheke’ entra al puesto 41, ‘Orgullo’ sube al puesto 46, ‘Si no te veo’ aparece en el puesto 63, ‘¿Cómo te va, querida?’ reentra en el puesto 66, ‘¿Y tú qué?’ llega al puesto 82 y ‘Quédate, te quiero’ aparece en el 92.
El resto de entradas son ‘La cama’ de Lunay y Myke Towers en el puesto 26, ‘Que tire pa lante’ de Daddy Yankee en el número 48, ‘Si por mí fuera’ de Beret en el puesto 51, ‘Caronte’ de Alba Reche en el número 68, el corte titular de ‘Mala Santa’ de Becky G en el 88 y ‘Lose You To Love Me’ de Selena Gomez, que con tan solo un día de exposición aparece en el puesto 90. El remix de ’Tutu’ de Camilo, Shakira y Pedro Capó es puesto 98.