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Meister of the Week: Pablo de Bum Motion Club tiene el ASMR interiorizado desde niño

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Bum Motion Club fue una de nuestras apuestas nacionales que destacábamos para este 2020. Se trata de un quinteto de power pop de la localidad madrileña de Aranjuez que, compuesto por Pablo Vera, Iris Banegas, Alejandro Leiva, Alberto Aguilera y Pablo Salmerón, editaba su EP de debut el año pasado, un ‘Delta’ producido y mezclado por Alejandro Leiva y Víctor Cabezuelo (Rufus T. Firefly). Un disco que dejaba temas tan potentes como ‘Fuentebravia’ o ‘La luz’. El segundo EP de Bum Motion Club verá la luz este año y el primer adelanto ya se puede escuchar: ‘El drama‘ es uno de esos temas apoteósicos y oníricos que caracteriza al grupo. Es un tema que, en palabras de la banda, «recoge ese pensamiento doble de nuestra generación, a veces esperanzador y a veces derrotista». En una nueva edición de Meister of the Week, Pablo, el batería del grupo, nos habla de su obsesión particular, el ASMR (siglas de «Autonomous Sensory Meridian Response», «Respuesta Sensorial Meridiana Autónoma» en español), una sensación física producida por sonidos amplificados por la que muchos se ven atraídos. Una lectura fascinante, como poco.

¿Qué es el ASMR para ti?
Defino los ASMR como una sensación placentera y eléctrica (una especie de hormigueo) que recorre la espalda y la nuca, pudiéndose extender a las extremidades. Lo que los crea, son percepciones sensoriales de cualquier tipo muy concretas para cada persona que los siente. Duran pocos segundos, el placer va por oleadas y dependiendo del nivel de abstracción que tengas en ese momento, se puede prolongar. El ASMR se siente de una manera muy personal. No tiene nada que ver con escuchar tu canción favorita y que se te erice el pelo, eso es emocionarse. No tiene nada que ver con el placer sexual o el placer que puede producir comer, por ejemplo.

«Mis primeros contactos fueron en el colegio, observando embobado (en secreto) cómo dibujaban mis compañeros»

¿Cuándo te das cuenta de que sientes estas sensaciones?
Los ASMR para mí llevan existiendo desde siempre. Mis primeros contactos fueron en el colegio, observando embobado (en secreto) cómo dibujaban mis compañeros. Más tarde me di cuenta que lo que me provocaba el placer era que usasen lápices de madera; luego descubrí que me fascinaba la gente que dibuja mal, pero que aún así pone esmero en la tarea. Después descubrí que también me gusta la combinación de trazos lentos con trazos rápidos, siguiendo patrones rítmicos pero a la vez aleatorios. También sentía ASMR en el médico o el dentista: el ruido de la bata, los comentarios que hacía el médico mientras me inspeccionaba, el frío y los ruidos de los artilugios de metal… Lo primero que necesito para sentirlo es un ambiente en el pueda estar relajado o seguro. Y después simplemente es tener suerte con el momento y la situación. Es algo muy aleatorio y que no pasa siempre.

¿Qué sensación de ASMR es la que más placer te proporciona?
También me gusta ver dar masajes. De hecho, cuando empezó Youtube, descubrí que viendo vídeos de masajes podía provocar esos ASMR de una manera mucho más voluntaria. Investigaba muchos vídeos para ver cuál me gustaba más, y en ocasiones me los ponía en bucle. A veces no era el vídeo entero, sino minutos específicos. Y sin darme cuenta años más tarde, di con un canal de masajes que me encanta, se llama MassageASMR. Me dio curiosidad el nombre y busqué las siglas ASMR en google, y «bum», encontré que justo lo que llevaba sintiendo toda la vida, tiene nombre y es algo relativamente reciente en el campo de la ciencia.

¿Alguna vez has sospechado que pudieras padecer hiperacusia?
Creo que no, no conozco mucho el síndrome. Suelo estar en ambientes con mucho volumen como ensayos y conciertos, además el metrónomo siempre me lo pongo muy alto… y no he tenido nunca problema en los oídos.

«El ASMR difiere mucho de la emoción o la capacidad emocional»

¿Te has topado con mucha gente que no entiende qué es exactamente el ASMR y lo confunde con emociones?
Totalmente. Lo normal es que cuando le cuentas a alguien qué se siente a nivel físico con el ASMR, piense que es la clásica sensación de piel de gallina que sucede cuando te emocionas. Son sensaciones primas hermanas, las dos tienen ese componente como de polvos pica-pica recorriendo el cuerpo. Es normal que haya confusión. Y muy difícil explicarlo. Sin embargo, el ASMR difiere mucho de la emoción o la capacidad emocional. Es provocado por acciones que por su propia naturaleza nos pueden producir satisfacción puramente sensorial. La sensación del ASMR es un hormigueo generalmente más intenso, por oleadas, y más focalizado que la emoción. Tampoco tiene que ver con el estado de ánimo, aunque es incompatible con momentos en los que no te puedas concentrar y llegar a un punto de introspección alto. También decir que hay un gran número de personas que no han oído hablar nunca del ASMR; y la mayoría de gente que lo conoce, cree que son vídeos virales de relajación guiada.

Por el contrario, ¿has conocido a gente como tú, con esta sensibilidad para escuchar sonidos del ambiente?
Pues es algo que he compartido con pocas personas. Sí conozco a amigos que lo han sentido alguna vez, pero no es algo que les acompañe. Sospecho que al ser algo intimo, es más difícil que salga a la luz. Estoy seguro de que muchas personas a mi alrededor tienen esta capacidad y no lo sé, y viceversa.

«En ocasiones (…) manipulo a las personas para sigan haciendo tareas que me gustan y que me dan ASMR»

¿Recuerdas alguna situación incómoda a raíz de dejarte hipnotizar por estos sonidos?
No. Cuando me pasa en ambientes de confianza, si no me llaman la atención, me lo callo y disfruto a solas del momento. Si me llaman la atención no tengo problema en confesar, aunque muchas veces digo que estoy empanado. En ocasiones, si lo veo fácil, manipulo a las personas para sigan haciendo tareas que me gustan y que me dan ASMR. Por ejemplo, si alguien hace un avión de papel, y entro en trance, hago todo lo posible para que siga doblando aviones, inventándome razones. De hecho, si le confieso que su acción me ha dado ASM, es muy probable que no recupere el trance en el momento que haga otro avión. El ASMR tiene un punto ocultista e íntimo muy curioso.

En ambientes de no confianza o estando solo, siempre lo oculto. Como casi siempre la “hipnosis” es por una acción combinada de tacto y sonido emitida por una persona, tengo que mantener la vista fija en ella, y bueno, no es plato de buen gusto que alguien te mire fijamente, aunque no sea a los ojos. Así que si me topo por casualidad con un emisor de ASMR, trato de no ser cantoso. También ayuda no ser ambicioso: a veces recibes un chute corto e inesperado de 5 segundos y te conformas. El trance en el que entras es caprichoso en cuanto a duración e intensidad, por lo que antes de forzar la máquina intentando sentir algo, es mejor hacer una retirada a tiempo si sientes que lo has perdido del todo.

«Mi experiencia más potente con ASMR fue con un limpiabotas en Marruecos»

¿Qué lugares concretos has visitado con el propósito de satisfacer este placer, o en cuáles has podido hacerlo aunque no fuera intencionado?
De ir a propósito a un lugar nunca. De niño y adolescente claramente un lugar especial era el aula, donde a diario se hacían cientos de actividades manuales. Era muy fácil encontrar el ASMR. El juego de mesa Pictionary es una buena fuente de ASMR. El metro de Madrid también, aunque hay que andarse con más ojo. Y finalmente la gran mayoría de servicios personalizados: sastrería, peluquería, médico, fisio… Mi experiencia más potente con ASMR fue con un limpiabotas en Marruecos.

¿Cuál es tu reacción al descubrir que esta sensación que has tenido siempre, de repente es un fenómeno de internet?
Cuando descubrí que había un montón de canales en Youtube destinados al ASMR, me petó la cabeza. La gran mayoría de vídeos no me lo provocan, porque como ya he dicho, es algo muuuy específico, y dependen muchas cosas: la persona que los hace, que la sensibilidad en sus movimientos te agrade, la temática, los patrones de movimiento y sonidos que usa… Me sorprende que el origen del ASMR venga de los vídeos que intentan provocarlo, y que haya explotado de esta manera en internet. Para mí el ASMR no tiene por qué estar en «formato vídeo», aunque reconozco que es más fácil provocarlo de esta manera.

«Los vídeos de inspecciones de orejas, nervios craneales y tez, son mis favoritos»

¿Qué vídeos de ASMR sueles ver?
Ahora mismo, me vuelven loco ciertos vídeos de «ASMR role play», que es justo lo que explicaba antes con los doctores. Es gente que se pone delante de la cámara simulando que te hacen una consulta. Los vídeos de inspecciones de orejas, nervios craneales y tez, son mis favoritos. También estoy ahora mucho con vídeos de peluquería y barbería, incluso de maquillaje.

Me gustan ciertos vídeos de ASMR típico (los que son una persona delante de la camara haciendo chorraditas, ruiditos y gestos) aunque creo que hay pocos canales que lo hacen realmente bien. Al fin y al cabo se ha masificado mucho y mucha gente que hace este tipo de vídeos lo confunde con algo puramente relajante y que te ayuda a dormir, y no tiene porqué. También me encantan los vídeos de ASMR de «tapping sounds», sobre todo cuando hacen patrones ritmicos pero que no les salen muy bien; exactamente lo mismo que con los lápices en el colegio.

¿Te interesa la música que pueda introducir sonidos parecidos al ASMR? Si es así, ¿qué sueles escuchar?
Nunca he relacionado música y ASMR. Ahora bien, creo que muchos sonidos que provocan ASMR se parecen a timbres que me parecen muy sugerentes a nivel artístico. El ejemplo más claro que veo es la canción de Radiohead ‘The Gloaming’.

Omar Montes no actuará en un festival de Málaga por «ignorar» su advertencia de usar mascarilla; él lo acusa de mentir

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El mismo día que Donald Trump es noticia por ponerse una mascarilla (parece mentira pero es cierto), Omar Montes lo es por no ponérsela. Y eso que los rebrotes, que ya llegaron, ya están aquí, siguen subiendo en España, con 73 focos activos repartidos entre 15 comunidades autónomas, siendo Catalunya, Galicia, Euskadi y Andalucía las más afectadas. De hecho, Montes ya fue noticia por acudir a una macrofiesta en plena fase 2, cuando solo se permitían reuniones de 15 personas, lo cual entonces sorprendía porque el intérprete de ‘Alocao’ venía de ganarse el cariño de la gente gracias a su generosidad con el barrio de Carabanchel durante la pandemia.

En este caso, Montes se ha jugado su actuación en el festival Marenostrum de Fuengirola, en Málaga, que ya no tendrá lugar este domingo por decisión de la organización. El cantante participaba en la entrega de un donativo al Banco de Alimentos junto a otras personas, pero durante el mismo han desoído la advertencia de la organización de usar la mascarilla obligatoria. El festival ha decidido entonces cancelar la actuación de Omar Montes por «obligación moral» y para denunciar la «actitud incívica» del cantante y sus compañeros, así como el «perjudicial ejemplo que para todos supone». El festival lamenta la decisión de cara a los fans del cantante, pero indican que «creemos que no se puede ser tibio con estas cuestiones ni tolerante con actitudes que perjudican a todos».

En sus redes, Omar Montes ha contestado a la polémica y ha acusado al organizador del festival, Caviar Urban Music, de mentir, aunque sin mencionar el asunto de la mascarilla: «Al final la verdad siempre sale a la luz. Gracias a todos los que en ningún momento habéis dudado de mí. La información del comunicado se ha borrado porque era manipulada, era todo mentira, la verdad era que no han vendido suficientes entradas y lo querían cancelar. Para más información del evento ir a mi Instagram, todo lo que se está diciendo es falso la mitad y la otra mitad es manipulado QUE NO OS ENGAÑEN !! Preguntar a la gente que estaba allí a los niños y a la gente ellos saben la verdad».

Calavera se reinventa y expande en mil direcciones (todas preciosas) en ‘Secretos’

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Calavera surgían allá por 2013 como un dúo formado por Álex Ortega e Ignacio Pérez, ambos ex-miembros de un grupo zaragozano llamado Limnopolar (allá por 2012, Amaral les señalaban como revelación para nuestra página). Debutaban con un single producido nada menos que por Eric Pollard (Low, Sun Kil Moon), con el que coincidieron en una gira de Retribution Gospel Choir (era batería del grupo paralelo de Alan Sparhawk) y que parecía la persona adecuada para registrar las aristas de un sonido americano cercano al primer Bon Iver. Ya como cuarteto, publicaban un par de EPs y, en 2017, un álbum debut (titulado ‘Exposición’, con portada de Mercedes Bellido) que mostraba sonoridades mucho más ricas y luminosas, citando como influencias Wild Beasts, Sufjan Stevens o Grizzly Bear.

Sin embargo, tras una larga gira por todo el país que incluyó conciertos como teloneros de The Posies, The Pains Of Being Pure At Heart, Luna, Vetusta Morla o Amaral, todos salvo Álex dejaron el grupo para dedicarse a otros caminos profesionales. Ortega ha decidido seguir adelante con el proyecto en solitario codo con codo con el productor (también maño) Carasueño, con el que ha estado grabando un segundo álbum de Calavera del que en las últimas semanas ha dado a conocer dos extractos. Ya el primero, ‘Malas hierbas‘, persiste en esa raíz de rock americano que está en el tuétano del proyecto, matizándolo con pinceladas de sintetizadores de sonido espacial que ofrecen un bonito contrapunto. Y el segundo, ‘Secretos’, muestra una inspiración fabulosa, que termina de abrir los ojos ante una propuesta única.

En esta, Ortega da un volantazo abiertamente pop en lo melódico, con reminiscencias bubblegum, derrochando ingenio para presentar tres o cuatro ganchos con los que alguien más rácano sería capaz de armar sendas canciones. Esa imaginación se asienta y dispara en mil direcciones (todas preciosas) sobre una pulcra y potente base motorik, y si bien su minimalismo le conecta con el de los dos últimos trabajos de Ferran Palau y sus toques de psicodelia que nos hacen hermanarle con Rufus T. Firefly, lo cierto es que desprende tal personalidad (en buena medida, gracias a la voz de Álex, cada vez más bonita y afianzada) que hace, por sí sola, que Calavera adquiera una entidad única. Confiamos en que ese próximo disco así lo confirme.

Lo mejor del mes:

Las mejores canciones de 2020, de momento

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Con algo de retraso debido a la diversidad del voto entre la redacción, normal en unos tiempos en que nos enfrentamos a un centenar de novedades semanales literalmente, compartimos la playlist con las mejores canciones de lo que va de año. Una lista en la que encontramos grandes canciones de pop (Dua Lipa, Jessie Ware, Lady Gaga, Róisín Murphy), una renovación por parte de algunos de nuestros artistas favoritos (la balada de C. Tangana con referencias a Sanz y Rosario), nuevos temazos de gente que no sabe decepcionar como Fiona Apple, Bad Bunny o Caribou y artistas revelación como Malamute o Pantocrator. Hace unos días publicábamos también el top 20 de los mejores discos de 2020 de momento.

C. Tangana / Nunca estoy
Dua Lipa / Physical
Delaporte / Clap Clap
The Weeknd / In Your Eyes
Jessie Ware / Spotlight
Tame Impala / Lost in Yesterday
Halsey / You Should Be Sad
Elle Belga / Increíble amor
Sondre Lerche / You Are Not Who I Thought I Was
Pantocrator / No te puto pilles

Guilty Conscience / 070 Shake
Triángulo de Amor Bizarro / Vigilantes del espejo
Fiona Apple / I Want You to Love Me
Charli XCX / claws
Bad Bunny / Yo perreo sola
Caribou / Never Come Back
Grimes / Delete Forever
Confeti de Odio / Muchísimo
The Strokes / Brooklyn Bridge to Chorus
Hinds / Good Bad Times

Haim / The Steps
Los Enemigos / Siete mil canciones
NTE / Buscabulla
Mujeres / Besos
Róisín Murphy / Murphy’s Law
Perfume Genius / On the Floor
Lady Gaga, Ariana Grande / Rain on Me
Tove Lo / Bikini Porn
Real Estate, Sylvan Esso / Paper Cut
Carly Rae Jepsen / Comeback

Khruangbin / Pelota
Kelly Lee Owens / On
Mala Rodríguez / Superbalada
Adiós amores / Charlotte
Andy Shauf / Neon Skyline
Sen Senra / Nada y nadie
Malamute / La espiral
Astrid S / Dance Dance Dance
Phoebe Bridgers / Kyoto
Sr Chinarro / Una famiglia reale

Anuel AA / Emmanuel

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‘Emmanuel’ de Anuel AA es desde hace semanas el disco más escuchado en España, y además ha resultado ser el primer álbum número 1 de la nueva lista mixta de Promusicae que aúna ventas y streaming. A nivel comercial no cabe duda de que estamos ante uno de los lanzamientos más importantes del año, a la altura de los de Bad Bunny y J Balvin, pues Anuel AA es también uno de los reyes del reggaetón actual como demuestra el éxito descomunal de ‘China‘, aquí extrañamente incluido a modo de «bonus track» para inflar streamings (lo mismo sucede con ‘Secreto‘ con Karol G); y también el del remix de ‘Otro trago’, el espantoso ‘Me gusta’ con Shakira o el de singles previos como ‘Quiere beber’, ‘Hipócrita’ con Zion o ‘Brindemos’ con Ozuna, todo ellos incluidos en aquel debut de Anuel AA que se titulaba con el lema oficial de este artista portorriqueño, y que en ‘Emmanuel’ vuelve a repetirse hasta la saciedad: «real hasta la muerte».

El éxito de ‘Emmanuel’ vuelve a poner sobre la mesa la vigencia de un formato -el del álbum- que parecía abocado al fracaso en la era del streaming, pero que ha demostrado mantener su relevancia gracias al éxito de trabajos largos como ‘Colores‘, ‘YHLQMDLG‘ o este ‘Emmanuel’ que han arrasado como obras totales al margen de sus sencillos. En este caso, hay que encomiar el interés de algunos artistas por editar discos tan largos como este ‘Emmanuel’ que alcanza la hora y media de duración -y sin llamarlos de otras maneras– cuando otros se dedican a publicarlos por partes como menospreciando la capacidad de atención del oyente medio. Y aunque ‘Emmanuel’ efectivamente es un álbum demasiado largo pues no todos sus cortes mantienen el nivel, por no hablar de que hay que tener muchas ganas para aguantar la la voz de esta persona durante tanto rato, al menos ‘Emmanuel’ sí presenta cierta coherencia interna gracias a la recurrencia de ciertos sonidos y mensajes a lo largo de su minutaje, y a pesar de que claramente no es un álbum hecho para conquistar a un público transversal, desde el generalista hasta el alternativo, debido a su producción de dudoso gusto, que resistiría de miedo un pirateo si estuviéramos en 2003.

En líneas generales, ‘Emmanuel’ se debate entre el pachangueo (‘Que se joda’) y la apología de las armas y el crimen organizado (el gangsta rap de ‘Rifles rusos’), con alguna que otra concesión al trap (‘Narcos’) o al melodramatismo barato (‘La vieja’). Los hits funcionan a las mil maravillas: ‘Hasta que Dios diga‘ con Bad Bunny contiene una de las rimas del año y es de hecho una de las canciones del año; ‘El Manual’, que como el primero, ha sido número 1 en España, es el corte más bailable y festivo del disco, y ‘Reggaetonera’ convence a pesar su más que obvio intento de repetir el éxito de ‘Safaera‘, pues es otro homenaje al «mixeo» marcado por sus diferentes partes como mezcladas in situ. Y esta inmediatez en el tiempo, como si Anuel AA hubiera grabado ‘Emmanuel’ la semana pasada (podría haberlo hecho visto el ritmo al que va hoy en día la industria), define el pegazido número de trap latino de ‘Somos o no somos’, un single potencial que menciona a Billie Eilish y también el «coronavirus» porque el portorriqueño quiere mantenerse «alejado» de sus enemigos.

‘Emmanuel’ presenta alguna curiosidad, ninguna de las cuales es la presencia en ‘Fútbol & Rumba’ de Enrique Iglesias, un artista al que, por alguna razón, todavía no hemos superado. La primera es que el álbum se abre con una versión bastante personal de ‘No Woman No Cry‘ de Bob Marley, es decir, con una balada, aunque esto desde luego no prepara a nadie para la irrupción de unos violines irlandeses en ‘¿Los hombres no lloran?’, título al que dan ganas de responder: «escuchándote, sí». Y también hay que mencionar que Anuel AA gusta de ir bastante lejos a la hora de usar referencias políticas en sus canciones. Algunas frases son para enmarcar: «Yo soy Donald Trump y estos cabrones Soleimani» (‘Ferrari’ con Lil Wayne) o «tengo do’ R que se llaman Wisin y Yandel, mi caserío vive en guerra como en Israel» (‘Rifles rusos’) son algunos de los pasajes que necesariamente más llaman la atención en este disco plagado de coches de lujo, joyas y armas, cuando no de menciones a Siria o Irán, y marcado por las ganas de pasarlo bien pero también de reafirmar el poder propio e incluso por cierta sensación constante de peligro («y no tomo la vida tan en serio, porque al final de ella saldré muerto»).

Entre los cortes más discretos que cabe destacar ‘Emmanuel’ se encuentra el tropical ‘Bandido’ con Mariah, el más sensual de todos, aunque entre hits inmediatos como ‘Jangueo’ siempre se termine colando un puñado de temas de relleno como ‘El problema’, ese ‘Nubes negras’ cuyo guarro sonido espantaría hasta al equipo de Vale Music, o ‘Tocándote’, que emula sin éxito el final vocoderizado de ‘Soliá’ de Bad Bunny (y sería igual de fallido de haber salido antes). Con el talento obvio para componer hits que se pegan a la primera, Anuel AA podría haber echado mano de su propio catálogo para hacer un disco un poquito más parecido a ‘China’ o a ‘Keii‘, uno de sus mejores y más elegantes singles en solitario. En su lugar ha decidido revestir algunas buenas canciones con la producción más desfasada posible, desmarcándose de la vanguardia para ir a lo seguro.

Calificación: 5/10
Lo mejor: ‘Hasta que Dios diga, ‘Somos o no somos’, ‘Jangueo’, ‘Reggaetonera’, ‘El manual’
Te gustará si te gusta: Bad Bunny, Karol G, J Balvin, Maluma, el reggaetón clásico
Youtube: Audio de ‘El manual

Billie Eilish sí estará en Mad Cool 2021

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La Razón confirma que Billie Eilish sí estará en Mad Cool 2021, después que el festival anunciara que entre los primeros nombres de su próxima edición se encuentran dos cabezas de cartel como Red Hot Chili Peppers y The Killers, así como Mumford & Sons, Twenty One Pilots, Faith No More, Deftones, Pixies, Placebo, Alt-J, Royal Blood y Major Lazer.

La autora de ‘WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?‘, que a finales del año pasado anunciaba una masiva gira mundial en presentación de este trabajo, que debía ser pospuesta por el coronavirus, pero que de hecho llegaba a arrancar, era uno de los grandes reclamos del cartel original de Mad Cool junto a Taylor Swift, quien finalmente no podrá actuar en el evento para seguir con la gira de ‘Lover‘.

En palabras de Mad Cool, con Red Hot Chili Peppers y The Killers aún no se habían revelado todos los cabezas de cartel de su próxima edición, por lo que la cabe preguntarse si tras la confirmación de Billie Eilish llegarán más o ella es la «headliner» que faltaba por revelar. En cualquier caso, el festival ha comunicado que solo ha desvelado el 70% de su cartel, y que el 30% restante será desvelado en los próximos días, hasta completar una nómina de 132 artistas confirmados.

Eminem y Kid Cudi atacan a la «mitad de la población que no quiere usar una mascarilla» en su nuevo single conjunto

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Eminem ha arrasado este año con su último álbum, lanzado por sorpresa, ‘Music to Be Murdered By‘, y en especial con el single ‘Godzilla’ interpretado junto al fallecido Juice WRLD. Sin embargo, quiere más y este viernes ha editado un single conjunto con el también rapero Kid Cudi, ‘The Adventures Of Moon Man & Slim Shady’.

Este medio tiempo de sonidos post-apocalípticos producido por Dot Da Genius, J Gramm y el propio Marshall Matters alude a varios temas de rabiosa actualidad como son el coronavirus y la muerte de George Floyd y varios otros ciudadanos afroamericanos a manos de la policía. En el primer caso lo hace para atacar a esa parte de la población que se está negando a usar la mascarilla, incluso llegando a manifestarse para protestar su uso. «La mitad de nosotros caminando como un Apocalipsis zombie, la otra mitad está enfadada y no quiere usar una mascarilla», rapea Eminem. «Solo se burlan, y así es como terminas atrapando a los enfermos». Y en el segundo lo hace para dirigirse directamente al cuerpo de policía desde el punto de vista de Floyd: «Oraciones a George Floyd y Ahmaud Arbery, ¿cómo diablos es que tantos policías están sucios? «Detente, tío, agente, lo siento, pero no puedo respirar si te pones encima de mí, tu maldita rodilla está en mi arteria carótida».

Este es el primer single de Kid Cudi en solo unos meses, ya que este año ha triunfado con ‘THE SCOTTS‘, su single conjunto con Travis Scott. En 2018 editaba un álbum conjunto con Kanye West bajo el nombre de KIDS SEE GHOSTS, si bien su último álbum de estudio en solitario, ‘Passion, Pain, & Demon Slayin’, data de 2016.

Las claves visuales de los vídeos de Rina Sawayama, Algora, Disclosure, Menta y Megan Thee Stallion

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El “ángel ebrio” de Rina Sawayama, el “hombre explosivo” creado por Algora, las desventuras de un hombre en camilla según Disclosure, el guiño al género quinqui de Menta y la performance «Mad Max» protagonizada por Megan Thee Stallion. Quitamos la mascarilla a los videoclips más destacados de las últimas semanas y dejamos al descubierto sus referentes estéticos y narrativos.

Bad Friend (Rina Sawayama)

Antes de poner a Japón en el mapa del cine mundial con ‘Rashomon’ (1950), Akira Kurosawa realizó dos películas que, si bien no traspasaron fronteras, tuvieron una gran importancia en su filmografía: ‘El ángel ebrio’ (1948), primera colaboración con su actor fetiche Toshiro Mifune, y ‘El perro rabioso’ (1949). En ‘Bad Friend’, la directora Ali Kurr recrea la estética de estos dos clásicos del cine negro nipón. El videoclip, rodado en blanco y negro y formato cuadrado emulando esas películas, comienza con una escena que es prácticamente calcada a una de ‘El ángel ebrio’: un plano medio desde detrás de la barra de una izakaya, la típica taberna japonesa (muy frecuentes también en el cine de ese gran bebedor de sake que fue Yasujiro Ozu), con dos hombres charlando y emborrachándose. Una escena costumbrista que, al estar iluminada como un noir expresionista, poco a poco se va transformando en una pesadilla etílica, en un delirium tremens cuyo clímax recuerda a la pirueta narrativa final de ‘El club de la lucha’ (1999).

Chicos transparentes (Algora)

Un nokia de los noventa subido a un pedestal. Esta metáfora visual, que aparece varias veces en ‘Chicos transparentes’, funciona como declaración de intenciones del director de este vídeo, Leo Merman. El clip se puede interpretar como un “conjuro tecnológico” (Merman dixit) a través del cual se invoca el espíritu de los ochenta y noventa en forma de diseño retro informático-telefónico, chándal yonqui y madelman sexualizado. Algora es un Arturo en bermudas fosforitas que extrae a Excálibur de la piedra-monitor y, como los adolescentes frankensteinianos de ‘La mujer explosiva’ (1984), crea su propia Kelly LeBrock a través de un ritual mágico-electrónico. Una fantasía lúbrico-científica que reinterpreta este clásico juvenil de John Hughes (‘Weird Science’ en su título original) en clave fetichista, nostálgica y pop.

My High (Disclosure)

La premisa argumental de ‘My High’ sigue la estela de comedias de humor absurdo como ‘Este muerto está muy vivo’ (1989) o las del francés Quentin Dupieux (‘Steak’, ‘Rubber’). Películas articuladas a través de una idea muy alocada estirada hasta límites disparatados. En este caso, el despiste de un celador fumeta pone en marcha un divertido relato, rodado con mucho dinamismo -cortes rápidos, barridos, zooms, planos subjetivos, diferentes angulaciones, texturas fotográficas…-, sobre las desventuras de un hombre en camilla. Una camilla que sirve para todo menos para su cometido original: carrito de la compra, obstáculo para hacer trucos de skate, carrito de bebé, cama… Lo curioso del vídeo es que, aunque está rodado antes de la cuarentena, visto desde la perspectiva actual sus imágenes parecen cobrar un nuevo sentido. ¿No se podría interpretar la peripecia de este hombre herido como una metáfora anticipatoria sobre las carencias de la sanidad en América y el colapso poscovid-19?

Me alegro de verte (Menta)

El barrio obrero de Valdezarza es como un plató de cine quinqui: todo sigue casi como en los años del desarrollismo. Al lado está la Ciudad de los Poetas, la mítica “Rojonia”, y también Cerro Belmonte, que proclamó su independencia en 1990 y pidió asilo a Fidel Castro. En este singular enclave de la periferia madrileña está situado ‘Me alegro de verte’. El videoclip narra una historia de adulterio y despertar homosexual entre “navajeros” y “colegas”, que podría haber firmado el mismísimo Eloy de la Iglesia. El director Jllamas homenajea este género autóctono a través de un uso juguetón de la ambientación retro (con pinceladas también de la estética quinqui-pija de ‘Historias del Kronen’ y de la almodovariana de ‘¿Qué he hecho yo para merecer esto?’), y la representación en clave irónica de algunos de sus elementos iconográficos más reconocibles: el robo a punta de navaja automática, el tirón de bolso en motillo, el descampado como área recreativa lumpen… Un tributo que se suma al actual revival del género cuyos signos distintivos se pueden rastrear tanto en los vídeos de Rosalía como en el trap.

‘Girls In The Hood & Savage’ (Megan Thee Stallion)

‘Mad Max 3. Más allá de la cúpula del trueno’ es la peor película de la saga ‘Mad Max’, pero también es la que tiene una imaginería más inspirada y petarda. Megan Thee Stallion parece haberse inspirado en la Tina Turner que cantaba ‘We Don’t Need Another Hero’ para interpretar esta variación feminizada y racializada de los personajes, vehículos y ambientes posapocalípticos creados por George Miller en el cine. Las imágenes de la performance, emitida en los BET Awards, están impregnadas de la iconografía que han generado los dos grandes sucesos que, por ahora, marcarán este 2020: la pandemia del coronavirus (las mascarillas que llevan las bailarinas) y el asesinato de George Floyd (el cartel del Black Lives Matter, el del puño que simboliza el Black Power).

‘Love Me Land’ de Zara Larsson es algo más que la hermana rara de ‘Don’t Start Now’

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Zara Larsson ha editado este viernes un nuevo single llamado ‘Love Me Land’ co-escrito por Jason Gill, el tándem formado por Julia Michaels y Justin Tranter y la propia Zara y producido por el primero. En los últimos tiempos, Gill ha estado presente en el éxito ‘Never Really Over’ de Katy Perry pero también en otros temas más desconocidos como ‘Let it Go’ de Alexandra Burke o, glups, ‘La noche es para mí‘, aquella canción con la que Soraya Arnelas nos dejó fatal en Eurovisión.

Musicalmente, ‘Love Me Land’ no tiene nada que ver con estas dos canciones y acabaríamos antes diciendo que suena como la hermana rara de ‘Don’t Start Now’ de Dua Lipa. El componente disco está ahí (el ritmo, las cuerdas), el electropop también, y además la canción de Zara alcanza un clímax parecido al del éxito de la cantante británica, con toda su magia convergiendo al mismo tiempo en un final explosivo. Sin embargo, ‘Love Me Land’ obliga a cierto reajuste mental tras una primera escucha, pues sus diferentes partes melódicas, lo que incluye una intro con alarma y melodías armonizadas que dura 20 segundos de los 2 minutos y 40 segundos que dura la totalidad de esta composición, suenan inconexas de primeras… hasta que todo va colocándose en su sitio. Es una canción, como manda la moda actual, diseñada al milímetro para que absolutamente todos sus elementos creen adicción, desde los «eh eh ah ah» del estribillo hasta los arranques de sintetizador que suenan donde menos esperas. Ningún segundo es malgastado en ella.

De destino desconocido, si bien se sabe que Zara trabaja desde hace tiempo en su tercer álbum de estudio, el sucesor de ‘So Good‘, que ha dicho sonará «como Abba en ácido», ‘Love Me Land’ habla sobre la euforia que produce un nuevo amor, y se presenta con un videoclip poco menos que espectacular en el que la única protagonista es la artista sueca y una coreografía que, como la canción, va a más a cada paso hasta terminar bien arriba.

Sondre Lerche / Pleasure

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En marzo de 2017 andábamos gozándolo con el recién publicado ‘Los ángeles’ de Rosalía –sin sospechar aún lo que vendría después–, con los (entonces) nuevos discos de Joe Crepúsculo, Los Punsetes y Biznaga, y las promesas de los que vendrían de Lana Del Rey (‘Lust for Life’), Lorde (‘Melodrama’, a posteriori nuestro disco del año), Los Planetas… y montones de novedades más en el mundo del pop. No es excusa, en todo caso, para haber pasado por alto ‘Pleasure’, el octavo disco de estudio de Sondre Lerche publicado por entonces. Por eso, y porque tiene todo el sentido considerando que conforma una especie de trilogía emocional con su notable predecesor, ‘Please’, y su sobresaliente continuación, ‘Patience‘, amerita ser recuperado aprovechando que este último es nuestro Disco de la Semana.

Please‘ mostraba al noruego en una transición personal profunda: el divorcio de su mujer durante ocho años, Mona Fastvold. Y se tradujo también en una transición creativa, reactivando una carrera que parecía algo adocenada a base de energía y experimentación con estructuras y sonidos. Siguiendo esa evolución, ‘Pleasure’ llevaba ese camino un paso más allá: abrazando la música electrónica y la influencia de artistas clásicos del synthpop y el postpunk como nunca había hecho antes. En buena medida, y de forma nada aleatoria, en su arranque, realmente espectacular con ‘Soft Feelings’. Un homenaje más que evidente a ‘Bizarre Love Triangle’ que, con el giro melódico de su estribillo, parece a la vez un homenaje a ‘First We Take Manhattan’, si bien la frescura de Lo-Fi Fnk también aparece por algún momento… hasta que al final regresan New Order como mágico referente. Igualmente canónica resulta ‘I Am Always Watching You’ en lo sonoro, donde apunta a la frescura de unos Dead or Alive… hasta que sugiere ecos del penúltimo David Bowie.

Esa inusual vertiente tecnopop reaparece una y otra vez en el disco (como en ‘Bleeding Out into the Blue’ o ‘Reminisce’, con un aroma a standard de jazz o swing en su melodía), pero cada vez de una forma más mestiza, entrelazándose con pop, psicodelia, funk y rock. Así sucede en otro de los singles, un ‘Serenading in the Trenches’ en el que cada instrumento (también los pianos, bajos y guitarras) se emplea con intención percusiva, rendidos a la rítmica sincopada de la canción, en un efecto emocionante de incluso cierta violencia. En cambio ‘I Know Something That’s Gonna Break Your Heart’, sobre todo, y ‘Siamese Twin’ se devanean por la estética setentera a la que tan buen partido ha sacado Kevin Parker en sus discos como Tame Impala. Y ‘Hello Stranger’, tras un engañoso inicio con ecos de los grandes autores brasileños de los 60 y 70 (una de sus grandes influencias), deglute todo lo expuesto antes entre el arrebato de un piano de house primitivo y, de nuevo, una melodía que alude a John Paul Young o que incluso podríamos imaginar interpretada por Marc Almond. Y ni siquiera así sospechamos la tormenta de noise rock que se desata en la solo aparentemente amable ‘Violent Game’, que culmina siendo un atinado contrapunto de crudeza y energía que revela que estamos ante algo mucho más complejo que «el disco electropop de Sondre Lerche».

Además, como sucede en los otros tres vértices de este pináculo creativo en la carrera reciente de Lerche, el trasfondo lírico de las canciones es bastante más profundo de lo que parece. Como su título indica, ‘Pleasure’ sí habla de, tras el trauma de la ruptura de su matrimonio, abrazar el hedonismo y dejarse llevar como nunca lo había hecho antes el noruego, tal y como confesaba a Billboard. Por ahí van los tiros de ‘Hello Stranger’ («Un buscador de placer donde el corazón se vuelve más débil»). Sin embargo, esa etapa de soltería también llevó a Sondre a la reflexión, al autoconocimiento y a entender que, aunque lo pretendiera, él no podía ser un fucker, que le importaban los sentimientos y que la masculinidad no debía ser entendida únicamente de una manera.

Un aspecto que plasmaba en sus letras y, sobre todo, que exploraba en unos vídeos muy trabajados y valientes: especialmente llamativo es el de ‘Serenading in the Trenches’, en el que exterioriza un grado de intimidad con su amigo y batería de confianza, David Heilman, que le afeita con intenciones dudosas, caminando por el filo entre ir lanzarse a hacerle el amor en plan bud-sex o cortarle el cuello. En el clip de ‘Siamese Twin’ Sondre plasma, en cambio, su parte femenina, que aseguraba siempre había sido mucho más acentuada que la masculina, al criarse en un hogar monoparental con su madre y dos hermanas mayores. Pero ‘I’m Always Watching You’, además de jugar con la idea de observarse a sí mismo desde un punto de vista externo, revela su incapacidad para superar el desamor, proyectando a su ex en el sexo esporádico con otras.

También cabe destacar que, como anticipo de lo que ha legado tres años después con ‘Patience’ y un paso más allá de lo expuesto en ‘Please’, ‘Pleasure’ presentaba un notable avance en materia de producción por parte del tándem formado por Kato Ådland y Matias Tellez. Con ellos, Lerche ha diseñado un sonido único, imponente, imaginativo y desacomplejado (algo que ya dejan muy claro esas versiones de singles de Selena Gomez o Britney Spears con las que se descuelga de vez en cuando), repleto de detalles y sorpresas, pese a partir de canciones que, como mostraba un año después reduciendo al esqueleto de una guitarra y voz en el disco ‘Solo Pleasure‘, funciona a la perfección desnudas y desarmadas de parafernalia. Que es, al fin y al cabo, otra muestra de su madurez como compositor.

Calificación: 7,9/10
Lo mejor: ‘Soft Feelings’, ‘Serenading in the Trenches’, ‘I Am Always Watching You’, ‘Hello Stranger’, ‘Violent Game’
Te gustará si te gustan: Bleachers, Lo-Fi Fnk, Marc Almond, Tame Impala. Sí, todo eso.
Escúchalo: Bandcamp

‘First Love’ es la fiesta cinematográfica más loca y divertida del año

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Takashi Miike (‘Ichi the Killer’, ‘Audition’), con más de cien películas a sus espaldas, sorprendía en la Quincena de realizadores del pasado Festival de Cannes con ‘First Love’, una obra que aunque su título pueda sugerirnos otra cosa, no se aleja del habitual estilo ultraviolento de su autor. Nos sitúa en Tokio, donde Leo, un boxeador que está pasando una mala racha personal se enamora de Monica, una joven prostituta que se ve inmersa en una trama de tráfico de drogas. Esto llevará al protagonista a vivir todo tipo de situaciones delirantes.

Parece casi imposible que una película tan alocada como ‘First Love’ pueda existir sin ser un desastre, pero Miike, dentro de su maravilloso caos construye un relato –con la ayuda, por supuesto, del gran guion de Masa Nakamura- como si fuese una suerte de Tetris en el que, misteriosamente, cada pieza encaja. Pero la clave de su éxito no solo está en su férrea estructura interna sino también en el ejemplar dominio cinematográfico del director japonés, que demuestra sus habilidades tanto para diseñar complejas escenas de acción como para dotar a cada escena de un frenético e inspiradísimo tempo cómico. La película entera es una experiencia adrenalínica, excesiva y, sobre todo, divertidísima.

Miike no tiene ningún miedo a empezarla por todo lo alto: no hay ningún momento de calma dentro del desenfreno. Es prácticamente un milagro no solo que no decaiga según avanza, sino que incluso cada vez vaya a más sin resultar agotadora. Hay espacio para todo en un filme en el que vemos yakuzas, mafia china, persecuciones en coche, drogas, boxeo, violencia grotesca y romance juvenil, entre otras muchas cosas. Y todo este entretenidísimo cóctel funciona con un estilo y una gracia admirables, combatiendo sus limitaciones de presupuesto con ideas tan kamikazes como brillantes -en particular una escena en un coche hacia el final de película-, con las que, por geniales, no queda otro remedio que aplaudir (como ya sucedió varias veces durante su primera proyección en Cannes).

Entre tanto blockbuster lleno de pirotecnia visual y sin ningún tipo de sustancia, es una alegría encontrarse con películas decididamente dispuestas al entretenimiento tan valientes y originales como esta. ‘First Love’ es una auténtica fiesta apta para todos los públicos: enfocada tanto a los que busquen ver algo accesible, como a los espectadores más exigentes. Es una celebración del cine de cualquier tipo absolutamente desprejuiciada y autoconsciente, llena de imaginación desbordante, ideas inacabables y muchísimo talento en la que es difícil no pasárselo bien. Ojalá Takashi Miike nunca deje de hacer locuras como esta. 8.

Massive Attack estrenan EP audiovisual y político, que no estrictamente musical

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Massive Attack firman una de las novedades del viernes con ‘Eutopia’, un nuevo EP de tres canciones que no es exactamente el sucesor de ‘Ritual Spirit‘ en cuanto a su contenido musical, aunque sí podría anticipar la temática de un hipotético futuro álbum del dúo británico formado por Robert Del Naja y Euan Dickinson.

Las tres composiciones que conforman ‘Eutopia’ han contado con la participación de Young Fathers, Algiers y Saul Williams, pero también con de tres eminencias del cambio climático y la economía como son Christiana Figueres, autora del Acuerdo de París; el teórico de la renta básica universal Guy Standing, y el profesor y y economista Gabriel Zucman, especializado en «riqueza global, desigualdades y paraísos fiscales». Los tema centrales de ‘Eutopia’, por tanto, son el cambio climático, el fraude fiscal y la necesidad de un salario universal.

Este trío de temas ha contado también con la «producción adicional» de Joe Goddard de Hot Chip, y básicamente se compone de unas bases musicales producidas por Massive Attack y sus colegas invitados encima de los cuales los mencionados especialistas realizan sus respectivos discursos. El EP está inspirado en el libro del siglo XVI ‘Utopia’ de Thomas More y el grupo ha dicho que, con él, ha buscado subrayar la necesidad de una revocación total del sistema actual tras el coronavirus: «el espíritu de este EP no tiene nada que ver con nociones ingenuas de un mundo ideal y perfecto, sino con la necesidad urgente y práctica de construir algo mejor, por lo que ‘Eutopia’ es todo lo contrario a un error ortográfico».


Dua Lipa estrena el vídeo animado de ‘Hallucinate’ tras contestar a los quejicas

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Estos días se ha resuelto uno de los misterios que envuelven la estrategia comercial de ‘Future Nostalgia‘ de Dua Lipa de cara a los próximos meses. Se sabía que la cantante planeaba lanzar nuevos singles de este disco y alguna que otra colaboración, pero también persistían rumores de que este nuevo single sería ‘Levitating’ -el más exitoso en las plataformas de streaming al margen de los singles ya publicados- y que podría contar con la colaboración de una «leyenda». El nombre de Madonna sonaba fuerte sin que ninguna de las dos partes confirmara o desmintiera esta información que no era tan «fan fiction» como parecía.

Como para llevar la contraria a todos estos rumores, Dua Lipa anunciaba que el nuevo single de ‘Future Nostalgia’ sería ‘Hallucinate’ y compartía su portada oficial, que no desvelaba colaboración de ningún tipo, como se confirma hoy en su estreno como single. Su videoclip es animado como mandan las circunstancias, y hace uso de un estilo de animación que recuerda al de las películas y cortos de Disney de los años 30 y 40, aunque desde un punto de vista especialmente psicodélico, llevando a la Dua animada por viajes entre la luz y la oscuridad. Por otor lado, la cantante no se cortaba en contestar a los quejicas que lamentaban que el vídeo fuera a ser animado sin haberlo visto siquiera: «¿habéis olvidado que llevamos tres meses en medio de una pandemia?», ha dicho. Quedaba por descubrir si la grabación de ‘Hallucinate’ ha sido modificada de alguna manera para su lanzamiento individual -es decir, si ha sido remezclada- o si saldrá tal cual ya la ha oído la gente, y lo cierto es que la versión «nueva» no difiere demasiado de la original.

‘Hallucinate’ es una de las composiciones de ‘Future Nostalgia’ en las que se barajaba podría participar Madonna, pues, como ‘Levitating’, es una producción principalmente de Stuart Price. Sin embargo, ¿no apetecía un sonido diferente después del éxito de ‘Don’t Start Now’, ‘Physical‘ y ‘Break My Heart‘, como el que ofrecen el medio tiempo ‘Cool’ o el sofisticado disco-pop de ‘Pretty Please‘? Claro que no tantos se han atrevido ya a reivindicar el dance-pop circa 2005 como ha hecho Dua en ‘Hallucinate’…



Rolling Stones llaman a la realizadora de Rosalía y C. Tangana para dirigir el vídeo de ‘Criss Cross’

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Rolling Stones han decidido reeditar su clásico álbum de 1973 ‘Goats Head Soup’ después del éxito obtenido por su single ‘Living In a Ghost Town’ (ajeno a este disco) durante la cuarentena y de haber aparecido en el especial de ‘One World: Together at Home’ de Global Citizen interpretando el tema ‘You Can’t Always Get What You Want’.

La reedición, que sale el 4 de septiembre, llegará al mercado en varios formatos, incluyendo una caja con 4 CD’s y una caja de 4 vinilos. La caja, el CD deluxe y los vinilos de ‘Goats Head Soup’ incluyen 10 temas extra con versiones alternativas, descartes y tres temas inéditos, el primero de los cuales ya puede escucharse. Se trata de un bluesero ‘Criss Cross’ cuyo videoclip ha sido dirigido por la madrileña Diana Kunst (Rosalía, C. Tangana, ‘Medellín’ de Madonna y Maluma). Los otros dos temas inéditos son ‘Scarlet’ y ‘All the Rage’, mientras la caja contiene también el querido directo de 1973 ‘Brussels Affair’, grabado en Bélgica y que hasta ahora solo ha estado disponible en las series de grabaciones “pirata” oficiales de 2012.

Además, el CD y las cajas ofrecen los 10 temas del álbum original remasterizados así como los vídeos de ‘Dancing With Mr. D’, ‘Silver Train’ y ‘Angie’, un libreto exclusivo de 100 páginas con material fotográfico, ensayos de los escritores Ian McCann, Nick Kent y Daryl Easlea; y «fieles reproducciones» de tres posters de la gira de 1973. Reedición suculenta cuanto menos para los seguidores de una de las más importantes bandas de rock ‘n roll de todos los tiempos.

Becky G alterna rancheras y Jamaica y retoza con su novio en ‘My Man’

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Becky G estrena hoy un tema llamado a conquistar las listas de éxito, pues se queda contigo desde la primera escucha. La canción se llama ‘My Man’, ha sido escrita por ella misma junto a habituales de hits de reggaetón como Edgar Barrera (’11PM’, ‘HP’, largo etcétera), y alterna ritmos jamaicanos a la moda con tradición.

Lo primero viene de mano de la producción del jamaicano Di Genius, quien ha trabajado con Drake, Shakira y John Legend; y lo segundo, de estar inspirada por ‘La gran señora’ de Jenni Rivera, fallecida en accidente de avión, de donde viene su reminiscencia ranchera. Así lo explica la artista elogiando este tema en una nota de prensa que habla de «empoderamiento femenino»: «Siempre me ha gustado el enfoque desde el que Jenni Rivera canta en su hit “La Gran Señora” y me parece que era algo muy transgresor en su tiempo. Es una perspectiva única que no suele ser compartida en las canciones, así que me pareció que sería realmente genial traer ese beat y esa vision al 2020 con my propio estilo Spanglish».

El vídeo ha sido grabado en casa de Becky G y se ha inspirado en la convivencia durante un “período infinito” junto a tu pareja a causa del confinamiento. Como informa la propia Sony, Becky retoza en él junto a su novio, el jugador de fútbol de los L.A. Galaxy Sebastian Lletget, de cierto parecido a Maluma en algunos planos. El director Pedro Paulo Araujo les somete a flexiones y juegos de pelota con una estética de videojuego. Indica la artista: «El vídeo es un momento verdadero que ha quedado grabado para siempre. Esta pandemia es algo que Sebastian & yo no olvidaremos. Compartir esos momentos tan privados y nuestro lado tan loco y competitivo que la gente normalmente no puede ver ha sido algo muy divertido. Nunca sentimos que estuviésemos grabando un videoclip. Simplemente nos limitamos a ser nosotros mismos”.

Escucha lo nuevo de Rufus Wainwright, The Streets, My Morning Jacket, Zara Larsson, James Blake, Rebe, Karol G, Diploide…

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Muy animada en cuanto a novedades viene esta jornada de lanzamientos del viernes 10 de julio: casi no hemos dado abasto para completar «Ready for the Weekend», la playlist con la que pretendemos dar una visión lo más amplia posible de lo acaecido en el mundo de la industria cada semana. Hoy se publican discos tan importante como el que marca el regreso al pop de Rufus Wainwright tras casi una década publicando óperas; ‘No One Is Getting Out of this Life Alive’, primer largo (mixtape, lo llama Mike Skinner) con temas originales de The Streets desde que en 2011 publicara ‘Computers and Blues‘, y que incluye colaboraciones tan variopintas como las de Tame Impala, IDLES o Ms Banks; y ‘The Waterfall II’, segunda parte del álbum de mismo título que My Morning Jacket publicaron en 2015.

Además, álbumes de Soko, The Jayhawks, los neozelandeses The Beths, el barcelonés Micka Luna (con varias aportaciones de nada menos que Adrian Utley, de Portishead), Margo Price, Donna Missal, Diploide (el dúo vallisoletano de rap sui generis y carga político-social en sus letras reaparecía hace unos días tras años de silencio), Mike Shinoda (Linkin Park), Juice WRLD (disco póstumo del rapero asesinado el pasado diciembre, con colaboraciones de Halsey y Marshmello), Julianna Barwick, G-Eazy, RHODES y Dinner Party (proyecto paralelo que une a nombres del nuevo jazz como Terrace Martin y Kamasi Washington) engrosan la lista de lanzamientos. También destaca el debut en el sello Counter Records (Tiga, ODESZA, Pional) de The Midnight, interesante dúo de synthpop de Los Ángeles, los primeros álbumes de TAURO (proyecto de neo-R&B al que conocimos gracias a Bala Perduda), NZCA/LINES (artista británico entre Roxy Music y Dorian Electra) y el mismísimo Dalai Lama (lo que leéis, el mismo que viste y cal… que viste túnica), y EPs con temas inéditos de Dominique A, Nick Mulvey y CHAII.

Tras los temas presentados a lo largo de la semana por parte de James Blake, Future Islands, !!! y, ya en las primeras horas de este día, Katy Perry, hoy sumamos a ellos una avalancha de singles de lo más variopinto: desde los nuevos fulgurantes bops de nombres del pop mainstream como RAYE, Karol G, James Bay, Becky G o H.E.R., hasta joyas indies como Sufjan Stevens (con ‘My Rajneesh’, cara B de ‘America‘ de otros 10 minutazos), The Lemon Twigs, Jessy Lanza, Cabiria, Bill Callahan, Rebe (que anuncia su primer miniálbum para Elefant Records), Bully, Miqui Brightside, Salfumán o Chavales, pasando por canciones de The Rolling Stones, Elvis Costello, Bon Jovi, Alanis Morissette, The Flaming Lips, Carla Bruni, Kid Cudi & Eminem, Travis, Doves, Throwing Muses, Foster The People, Zoé, Belako, Second, Fon Román & Zahara, Mahmood, Joan As Police Woman, M. Ward & Alia Farah, Arista Fiera, Gianluca, LP Giobbi & Little Boots, El Meister, Dominic Fike, Wye Oak, la sensación flamenca Israel Fernández y muchos más.

Además, no son pocos los remixes interesantes que incluimos hoy, destacando el que hacen Khruangbin de ‘No Distraction’ de Beck, el de Le Parody para ‘Puerta de la cânne‘, de Califato 3/4 y el de Bonobo a partir de ‘Final Days’ de Michael Kiwanuka. Aunque la palma se la lleva el dúo revelación 100 gecs, que en ‘1000 gecs and The Tree of Clues’ ven cómo artistas como Charli XCX, A.G. Cook, Fall Out Boy, Dorian Electra o Danny L Harle rehacen los temas de su debut de finales del año pasado. Tampoco faltan las versiones, tan recurrentes siempre: esta vez, destaca la adaptación cancamusera que ha hecho Sam Smith de ‘Fix You’ de Coldplay.

Escucha la playlist «Ready for the Weekend»

El concierto de Alejandro Sanz en el Puente del Corazón Partío costó 40.000 euros a Madrid

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Alejandro Sanz y el ayuntamiento de Madrid sorprendían este domingo por la tarde con la inauguración del «Puente del Corazón Partío» en Moratalaz, el barrio en el que se crió el artista. Para el evento, Alejandro ofrecía un concierto sorpresa en dicho puente, que era compartido en redes por medios como Los 40 Principales y también por la concejala de cultura de dicho ayuntamiento Andrea Levy, que por otro lado quizá no tuviera tanto al autor de ‘Más’ entre sus artistas de cabecera, teniendo en cuenta el tipo de conciertos por el que se la solía ver antes de la pandemia (Fuerza nueva, Nacho Vegas, etcétera).

Hoy el concierto de 3 canciones vuelve a ser noticia porque El País revela que el breve set costó casi 40.000 euros al ayuntamiento de Madrid, pese a que Alejandro Sanz renunció a su caché. Según recoge este medio y explica un portavoz del ayuntamiento, «el importe del contrato se corresponde a los costes de producción de la actuación musical de Alejandro Sanz. En los mismos se incluyen los honorarios de los músicos que acompañan a Alejandro Sanz, así como los logísticos, de alquiler de equipos, etcétera». El documento es público y el ayuntamiento considera la inversión amortizada dado el impacto de la noticia como promoción de Madrid «a nivel nacional e internacional».

Los tres temas que el artista ofrecía en este escenario eran ‘Viviendo deprisa’, ‘Looking for Paradise’ y por supuesto ‘Corazón partío’. Como recogía El Mundo citando como fuente a Europa Press, Alejandro Sanz ha dicho: «Es el puente de los sueños donde nos parábamos Carlos (Rufo) y yo a soñar que íbamos a ser grandes estrellas de la música y entonces nos parecía imposible pero después con el tiempo hemos descubierto que lo imposible solo tarda un poco más».

El alcalde Almeida compartía en Twitter: «Hace poco (Alejandro Sanz) me contó que todo empezó en este puente de la M30, tocando con su guitarra soñando con llenar el Palacio de los Deportes. “¿Y si lo haces otra vez?”». La noticia era recibida con entusiasmo por sus seguidores, pues ‘Corazón partío’ es obviamente un clásico del pop español; pero también con cierto recelo.

Uno de los mensajes más retuiteados dice así: «Alejandro Sanz sólo utiliza Moratalaz para venderse como un tío que lo ha pasado muy mal por criarse en un barrio conflictivo, y salió echando hostias de aquí en cuanto pudo. Ni se le ve ni se le espera hasta que le ponen una plaquita (que por cierto, reclamó él mismo)». Otros usuarios están pidiendo a Alejandro Sanz que «pague sus impuestos» en relación a la denuncia de la SGAE realizada por evasión de impuestos tanto contra él como contra Sabina hace un par de temporadas. Esta denuncia fue archivada por la Fiscalía el año pasado.

‘Natalie Don’t’ de RAYE es el «bop» que necesitabas este finde

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RAYE es el proyecto de la londinense Rachel Agatha Keen que, con solo 22 años, ha conquistado las listas de éxitos con algunos de los muchísimos singles que ha venido publicando durante los últimos tiempos. Su colaboración con Jax Jones ‘You Don’t Know Me’ era top 3 en 2016 en Reino Unido y se acerca a los 500 millones de reproducciones en Spotify, mientras otras como ‘Secrets’ han podido alcanzar el top 20 de su país. Algunos la recordaréis también por aparecer en ‘After the Afterparty’ como una de las amiguis de Charli XCX.

La canción que estrena hoy es un temazo que se llama ‘Natalie Don’t’ y es un encantador medio tiempo con guiños a la música disco que, melódicamente, en un momento dado parece emparentarse con el clásico ‘I Will Survive’, e incluso un poquito con la chanson, sobre todo en ese principio. La letra habla de «Natalie» desde el punto de vista de los celos de una manera algo retrógrada (“¿por qué le miras, cuando sabes que él me pertenece a mí (…) ahí va ella, para quitarme a mi hombre”), lo cual tiene algo más de gracia con un vídeo de estética retro y cierto sentido del humor.

Dicho vídeo es una chuchería pop como hacía tiempo que no veíamos. Pese a ser el típico rodaje en una habitación ahijado del confinamiento, en él aparece la artista entre guiños estéticos a los años 50 y al Pop-art (muy claro también en la portada del single), entre helados, compras, palomitas y osos de peluche. Los subtítulos terminan de “construir” un gran videoclip, con una serie de advertencias que recuerdan a las ‘New Rules’ de Dua Lipa, como “no bebas y cojas el teléfono”… pero en su propio estilo. RAYE ha escrito en Twitter que estamos ante su canción favorita de las que ha sacado, y es fácil entender por qué.

Lo mejor del mes:

dani / veinte

La artista revelación dani debuta con un disco de 8 temas y 28 minutos que es poca broma. Decidido en estilo e intenciones, ‘veinte’ reúne unas influencias variadas y muy bien asimiladas que van desde Lio a Vanessa Paradis, pasando por nombres más recientes como Billie Eilish y Frank Ocean.

Y digo bien asimiladas porque en lugar de caer en la mímesis de sus referentes más actuales y comerciales, sus composiciones vuelan por territorios donde algunos de los mencionados nunca lo harían. Los sonidos psicodélicos, el tipo de composición sesentera, algunos giros melódicos y el modo en que asoman los tímidos arreglos orquestales nos hacen pensar más bien en nombres clásicos como Augusto Algueró, y en seguidores suyos de los últimos -o penúltimos- tiempos como Linda Mirada y Francisco Nixon. Así sucede en la estupenda ‘Fui yo’, que al menos de momento no ha sido uno de los singles promocionados del álbum.

La suave voz de dani ha marcado su destino, primero, llevándola al fracaso en un entorno televisivo como fue el de ‘Factor X’, pero finalmente agrupándola con un tipo de artista que permanece felizmente al margen de sus criterios estéticos. Sarah Cracknell, Nina Persson, Karolina Komstedt, Ruth Radelet… tampoco es que hubieran llegado demasiado lejos valoradas por Risto Mejide. Por una cuestión de potencia y volumen, Daniela Dicostas puede tener problemas para comerse el escenario de un gran estadio, pero a cambio tiene la capacidad de convertir la escucha de ‘veinte’ en una experiencia dulce, intimista, reconfortante…

Los textos, como casi todos los que escribe cualquier persona que acaba de sobrepasar la «veintena» (el título del álbum remite a ’19’ y ’21’ de Adele, parece que inconscientemente), hablan del amor con sencillez. «A mí no me importa si hace frío o calor / siempre y cuando estés tú para sentirme mejor» es una de las frases de ‘Si te vas‘, uno de los singles que más se ha promocionado; mientras ‘Lágrimas’ plantea: «Dicen que el tiempo lo cura todo / Pero yo tengo que ver cómo». En otras ocasiones dani cuestiona el ostracismo («Mira cuántas energías / Desperdiciadas en vano / Por culpa del sofá», en ‘Mira’) o analiza el paso del tiempo y la madurez, como en la final ‘Como solía creer’, que concluye que «hay un paso entre la felicidad y la agonía». A veces, logra arrancarnos una sonrisa, como cuando en la mencionada ‘Fui yo’ espeta: «te importa más beber, que verme llorar».

Hija de miembros de Aerolíneas Federales, familiar también de algún Siniestro Total y asociada por tanto, sobre todo en la prensa local, con la Movida de Vigo, dani ha tomado definitivamente otro camino fichando por El Volcán Música y trabajando en la producción con Aaron Rux, conocido sobre todo por sus colaboraciones con Joe Crepúsculo (es el autor de su exitosa balada ‘Rosas en el mar’). Aunque la personalidad de dani está inequívocamente en su voz y en el tipo de composición directa y naíf -sin que esto tenga que ser algo malo-, los teclados synth-pop de ‘Ojalá’ y sus guitarras post-disco, la producción melancólica a lo Hot Chip de la balada ‘Dónde estás’ y sus efectos vocales o el modo en que se levanta ‘Como solía creer’ contribuyen a armar esta cautivadora opera prima.

Madonna pide no votar por su ¿ex? amigo Kanye West

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Madonna está volcada en el movimiento Black Lives Matter, hasta el punto de que nadie sabe en qué estado se encuentra físicamente respecto a las dos lesiones que le llevaron a suspender algunos conciertos de la gira ‘Madame X’. De vez en cuando se la ha visto realizando algún tipo de tratamiento o en un hospital, pero casi todo lo que sube a su red social favorita, Instagram, tanto al muro como a sus Stories, tiene que ver con este movimiento. Hay que recordar que tiene cuatro hijos adoptados negros, todos ellos menores de edad, y que fue novia de 2Pac.

La cantante, que en algún caso ha sido censurada por Instagram por postear alguna «fake news» contra Trump, ha incluido en su última Stories un llamamiento para no votar a Kanye West, que se presenta a las elecciones un poco de aquella manera: fuera de plazo en algunos estados y realizando declaraciones erráticas como que aún no se ha mirado bien qué hacer con los impuestos, dejándolo en manos divinas o religiosas. Madonna ha puesto un enlace a Chnge en el que se dan una serie de razones para «no votar a Kanye West».

Entre las razones que se dan en Chnge para no votar a Kanye West está su visión de Trump (“es el presidente más cercano que hemos tenido en años a dejar que Dios siga siendo parte de la conversación”), la tecnología (“la gente quiere ponernos chips para que no podamos cruzar las puertas del cielo”), la vacuna contra el coronavirus (será “la marca de la bestia”), el aborto o el hecho de no haber votado jamás. Estas declaraciones proceden de su entrevista promocional en Forbes, pero también se recurre a alguna declaración pasada, como su afirmación de que “la esclavitud fue una elección”.

Madonna y Kanye West mantuvieron una buena relación al menos en la temporada 2014 y 2015. Fue entonces cuando él produjo algunas de las canciones más avanzadas de ‘Rebel Heart‘: ‘Holy Water’, ‘Inside Out’ e ‘Illuminati’, esta última favorita personal de West por razones evidentes. E incluso apareció realizando uno de los pocos cameos masculinos en el vídeo de ‘Bitch, I’m Madonna’, en general dominado por artistas femeninas como Miley Cyrus, Katy Perry y Beyoncé. Madonna parecía también mantener una buena relación con Kim Kardashian, algo que, tras este post, parece difícil que pueda continuar siendo así.

Katy Perry revela en ‘Smile’ que tras esa payasa triste hay sonrisas y bailes

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Después de haber mostrado su llamativa portada, en la que aparece ataviada como clásica clown, payasa triste, este viernes Katy Perry ha mostrado la canción que da título a su nuevo álbum, ‘Smile’. Y, en contra del mohín melancólico que luce en dicha imagen, detrás de ella hay un tema bailable y optimista, cuya letra no engaña ni un ápice: «sí, me siento agradecida / Chúpate esa, cariño, me siento agraciada / Debo decir que ha pasado cierto tiempo /pero ahora tengo mi sonrisa de vuelta».

Como ya ha explicado, tras la publicación de ‘Witness’, coincidiendo con su ruptura con Orlando Bloom (con el que ahora se ha reconciliado y espera una hija de manera inminente), sufrió una depresión por las reacciones al disco y el odio que recibió en las redes sociales. Pero al fin, dice, ha superado todo eso: «soy 2.0, remodelada», canta más tarde, antes de hacer guiños a su colega en ‘American Idol’, Lione Ritchie, Bee Gees y la Mona Lisa. Musicalmente, ‘Smile’ tiene una evidente inspiración en la música disco más clásica, con esos metales sintetizados que acompañan su voz en el coro, con más pátina old-school (esos scratches) que contemporánea. Tiene sentido, puesto que esta vez no ha apostado precisamente por neófitos para su producción: corre a cargo del tándem formado por Oligee y Josh Abraham, que gozaron de especial relevancia en los primeros 00 con trabajos para Linkin Park, P!nk, Limp Bizkit, Thirty Seconds to Mars, Chromeo o Foster The People. Su último trabajo relevante fueron un par de temas en ‘Purpose‘ de Justin Bieber (2015).

‘Smile’ se publica el próximo 14 de agosto. No seguirá la tendencia del mercado y los singles del año pasado ‘Never Really Over‘ (abriendo el disco, nada menos) y ‘Harleys in Hawaii‘ (corte número 10 de 12) no serán «bonus tracks» sino «album tracks» junto con ‘Daisies‘. Su tracklist completo, en todo caso, sigue pendiente de confirmación oficial tras repetidas especulaciones –varias de ellas infundadas, como la de Aitana–, pero se trata de un disco cortito, de 37 minutos.

En otro orden de cosas, Katy ha compartido su parecer sobre el anuncio de la candidatura a la presidencia de Estados Unidos de Kanye West durante una entrevista radiofónica. La cantante, que lograra uno de sus múltiples singles número 1 en el país gracias al remix con Kanye de ‘E.T.’, ha sido más diplomática que Madonna y se ha limitado a decir que «a la presidencia debería llegar alguien con experiencia» y que sea un «hacha en su campo», de lo contrario «las cosas pueden salirse de madre como hemos visto» (la cantante se refiere probablemente a Donald Trump, aunque no lo menciona). La artista sí elogia el talento de Kanye como músico y agitador de conciencias.

Por qué no hay «canción del verano» este 2020 en 5 razones

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Estamos a 9 de julio y… ¿alguien tiene claro cuál es la «canción del verano»? Donde en otro siglo era el momento de reencontrarse con Georgie Dann, donde otros años habíamos topado ya con una clara «Bomba» dominando las listas, este nos estamos encontrando con una diversidad que no deja una vencedora clara. Juguemos a adivinar por qué.

¿Verano…? ¿Pero hay verano?

Ni que decir tiene que el verano de 2020 todavía está peleando por existir, pues apenas están asomando las primeras actividades que lo atestiguan. Primeros conciertos en recintos adaptados a la nueva normalidad, primeras discotecas abiertas -pocas- con mesas y asientos reservados, terrazas abiertas sin música… Con las pistas de baile cerradas a cal y canto, no se están dando las condiciones necesarias para que cierto tipo de canciones desarrollen su recorrido. Nos quedamos en ‘Physical’ de Dua Lipa, porque salió antes del confinamiento. Hoy por hoy no tenemos ni idea de qué funcionará mejor en una pista de baile, si ‘Stupid Love’, que es lo que radia Los 40 Principales, o ‘Rain On Me’, que es lo que ha ganado por goleada en streaming.

No ha habido primavera

Dudamos de la existencia del verano, pero no de la ausencia de primavera. Nuestro país se confinó a mediados de marzo y el estado de alarma ha durado más de 3 meses. Eso se traduce en que los clubs han estado cerrados todo este tiempo. La canción del verano, tradicionalmente, no es una cosa que sale un 1 de julio y lo peta, sino normalmente un tema que se va creciendo poco a poco hasta alcanzar su cima de popularidad por estas fechas. Ahí van unos datos: ‘Despacito’ salió un mes de enero; ‘Bailando’ de Enrique Iglesias, un mes de febrero; ‘Lean On’, un mes de marzo. La ausencia de clubs y también nuestro estado de ánimo parece haber impedido que una canción haya podido tener un recorrido similar.

Aplazamientos conocidos y por conocer

Muchos lanzamientos decidían posponerse o suspenderse a causa de la covid-19. ‘TKN’ de Rosalía y Travis Scott era uno de los más gordos, pero la lista interesante es la de todo aquello que nunca sabremos que iba a salir y no salió, porque no se encontró un momento adecuado para 1) promocionarlo 2) rodar su correspondiente videoclip 3) encajarlo en un plan de márketing que pueda adaptarse a la convulsa situación política y epidemiológica que viven lugares tan determinantes como Estados Unidos. De hecho Jessie Ware decidió posponer su álbum una semana para que no coincidiera con el «Freedom Day» (19 de junio). Tras el éxito de ‘Tusa’ de Karol G y Nicki Minaj desde el pasado mes de noviembre, es imaginable que en algún gran sello se haya decidido guardar en un cajón alguna que otra bomba. ¿Merece la pena soltarla tal y como está el mundo del ocio?

El divorcio entre radio y streaming

Decir que lo que la gente oye en la radio en España y lo que la gente oye en Spotify, Tidal o Apple Music en España es muy diferente es quedarse corto. Hablamos directamente de mundos paralelos. Anuel AA y Ozuna dominan las listas de streaming con temas como ‘Caramelo’ y ‘El manual’. Pero la radio se niega a pincharlas. Lo más radiado en España ahora mismo es ‘Blinding Lights’ de The Weeknd, una canción estupenda, una de las mejores de 2019, pero que mal que nos pese, jamás ha llegado a ser top 15 oficialmente en nuestro país. La gente en verdad prefiere ponerse a Nio García, Prince Royce, Feid, Justin Quiles, Don Patricio, Sech y Ñengo Flow… (todos ellos en el top 10 oficial ahora mismo) por mucho que en la radio no paren de dar las canciones de Nea, Doja Cat, Pablo López y David Bisbal con Aitana. Esta diversidad impide que una canción esté dominando claramente el mercado. Se da la circunstancia de que a los habituados a una forma de escuchar música no le suena ni de oídas lo que oye la otra mitad.

El dinamismo de TikTok

Como consecuencia de todo lo anterior, en las últimas semanas, ninguna canción ha dominado claramente la lista española de singles como en otras ocasiones ‘Despacito’, que fue top 1 durante meses; o ‘Tusa’, que también. Al contrario, hemos pasado de ‘Nunca estoy’ de C. Tangana a ‘TKN’ de Rosalía’, varias pistas de Bad Bunny, otras de Anuel AA… Con no uno sino dos discos de Bad Bunny recientes, uno con más de 20 pistas de Anuel y las colaboraciones extras de cada cual, es difícil adivinar qué canción pitará y cuál durará tan sólo 15 segundos de moda. En ese sentido hay que hablar de TikTok, una red capaz de aupar canciones que ni siquiera han sido single, como ha sido el caso de ‘Safaera’ de Bad Bunny. Sin vídeo ha logrado superar en streamings a la promocionadísima ‘Yo perreo sola‘, como muestra de una red abierta a aupar canciones viejas (Lizzo) o de artistas desconocidos por los que nadie apostó (Tones and I). ¿Merece la pena dilucidar cuál está siendo la canción del verano cuando TikTok está a punto de decantarse por otra?

¿Funciona la súplica de Sufjan Stevens «No me hagas a mí lo que le has hecho a América»?

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Parte de la redacción evalúa ‘America’, el nuevo single de Sufjan Stevens:

«Doce pueden parecer demasiados minutos para un single, sea de Sufjan Stevens o del Dalai Lama –no, en serio, el Dalai Lama–. Y de hecho lo son en el caso de ‘America’, a la que está claro que no favorece nada la coda ambient –¿quizá para recordarnos lo de ‘Aporia‘?– de casi cinco minutos con la que se cierra. ¿A nadie en Asthmattic Kitty se le pasó por la mente lo buena idea que habría sido lanzarla con una versión editada? En todo caso, es imprescindible encajarla en un contexto. Es la última canción de su nuevo álbum ‘The Ascension’, y era importante que fuera su primer single porque, como ha explicado Stevens, contiene su germen lírico: la idea de la deriva autodestructiva de la sociedad estadounidense –y, por extensión, de buena parte de occidente, que la ha tenido (y aún la tiene) como modelo y referente durante décadas–. Una sociedad que se ha vendido como idílica y cuyas grietas ya son de un tamaño tan desproporcionado que poco se puede hacer para que no se desborde. Para ello Sufjan habla de pérdida de fe, pero ¿está hablando de su fe en Dios… o de su fe en su propio país, en sus compatriotas? Stevens juega con esa ambivalencia: ¿quién le ha hecho «eso» a América? ¿Dios o los propios americanos? Y en lo musical, ‘America’ deja entrever la posibilidad de que ‘The Ascension’ prosiga la senda de pop experimental de ‘The Age of ADZ‘, que fue un trabajo que se mostró algo arisco al principio y acabó ganándonos. En este caso, vuelve a extraer petróleo de un patrón melódico sencillo, erigiendo un monumento instrumental a partir de él, jugando con la emoción de su gancho y sus autocoros. Ganas de ‘The Ascension'». Raúl Guillén.

«Sufjan Stevens ha decidido presentar su primer disco de verdad en un lustro no con una canción que pueda ser escuchada por todo el mundo como ‘Mystery of Love’, sino con una composición épica de 12 minutos y medio llamada ‘America’, que escribió hace 7 años pero ha visto más oportuno publicar ahora. La mayor revelación de ‘America’ llega al principio de la canción, cuando Sufjan parece confesar (nunca mejor dicho) que ha perdido la fe en Dios, cuando esta misma fe ha marcado profundamente toda su carrera. Musicalmente, ‘America’ parece una de esas canciones que ganan dentro del contexto del disco que las aloja, pues a pesar de su duración, no es una canción especialmente emocionante por ningún motivo, y si la melodía no es de las más inspiradas de la carrera de Stevens, peor aún es que esa coda ambiental no añada nada a lo que ha venido antes. No parece que la canción se la haya ganado. Y cuando termina, da la sensación de que tampoco esta ha aportado demasiado a esos 12 minutos y medio invertidos en ella». Jordi Bardají.

«»No me hagas a mí lo que le has hecho a América» es la súplica que Sufjan Stevens repite hasta la saciedad en el primer single de su nuevo disco. Y funciona por lo que tiene de directa: todos sabemos quién ha hecho daño a «América» durante los últimos años y qué cosas han pasado para que el artista haya perdido su fe. ¿A alguien le sorprende encontrarle dolido y decepcionado -como estamos todos- reconociendo que le «avergüenza admitir que ya no cree»? Las frases en ‘America’ son fáciles de entender, como ha de ser en la canción socio-política, pues si el mensaje no se comprende, no sirve para nada; y mi única duda es esa dependencia de este nuevo tema del sonido de ‘The Age of Adz’ que, la verdad, no es el álbum de su discografía sobre el que más vuelvo, quizá porque jamás llegó a salir un DVD con aquella gira que apasionó a todo el mundo, pero que de manera dramática, cada vez es un recuerdo más lejano. Por lo demás, yo sí tengo 12 minutos para dedicar a un single de Sufjan Stevens. ¿Acaso alguien tiene algo mejor que hacer este verano?». Sebas E. Alonso.

¿Qué te parece 'America' de Sufjan Stevens?

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El ‘Agua’ de J Balvin y Tainy puede hacer volar cabezas

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¿Tenías la idea de que a J Balvin le iba mucho peor con ‘Colores‘ que con ‘Vibras’? Bien, pues lo cierto es que meses después de su lanzamiento continúa en el top 10 en la lista española de álbumes, que ahora al fin aúna ventas y streaming.

No contento con eso, hoy estrena un nuevo tema con su mano derecha, Tainy, como parte de la banda sonora de la nueva película de ‘Bob Esponja’. La producción no es la típica canción infantiloide que aparece en este tipo de discos, gusta mucho a unas personas y no llega ni a sonar a otras: de esta es imposible escaparse. Se llama ‘Agua’, y no, no es una versión de Jarabe de Palo.

‘Agua’ comienza con un par de frases ininteligibles para después desarrollarse en castellano, pero da igual: lo único que vas a escuchar en ella es una suerte de flauta haciendo unas pocas notas que te van a taladrar el cerebro durante los próximos meses, con una capacidad de seducción/irritación que ya hubiera querido para sí Gwen Stefani cuando sacó aquel single tirolés. ¿Será J Balvin capaz de convertirlo en un éxito omnipresente o esto ya es demasiado?

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Mmmm ➡️ Buena idea bob 😄

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