En agosto de 2017 teníamos ocasión de entrevistar a una jovencísima artista australiana con el casi impronunciable nombre de Tkay Maidza. Charlábamos con ella a cuenta de su álbum debut del año anterior, ‘TKAY’, que dejaba vislumbrar un considerable potencial con su batidora de pop, hip hop y electrónica bailable. Su progresión se ha hecho esperar más de la cuenta quizá por su ruptura con Kitsuné, llevándola a emprender una nueva etapa de autogestión. Pero singles como la impetuosa ‘Flexin´‘ –parte de la mixtape ‘Last Year Was Weird Vol. 1’, lanzada a finales de 2018– y, ya el año pasado, ‘Awake‘ (ft. JPEGMAFIA) y ‘IDC IF U BE DED‘ exponían su particular visión musical, con un rap duro y experimental pero con gancho.
Pero por fin la suerte parece cambiar para Maidza: el sello británico 4AD, en plena expansión de referencias con fichajes alejados de sus estándares, le ha ofrecido un contrato con el que abre ahora una nueva etapa de mayor visibilidad. Y parece evidente que no se equivocan si atendemos a ‘Shook’, su primera canción publicada con ellos. Se trata de un tema producido por Dan Faber (que ya trabajó con ella en ‘Awake’ y que figura también en créditos de Dizzee Rascal y ‘Tempo‘ de la ahora exitosa Lizzo) en el que contrasta una base de bajos profundísimos con el flow cortante e incisivo de Tkay, en una letra de ego-trip en la que referencia a M.I.A.
Arulpragasam parece un referente tan evidente para Maidza como Missy Elliott, pero los coros infantiles y la instrumentación bombástica de su intro y puente también remite a sus compatriotas The Avalanches. Y además, muestra un nada despreciable potencial comercial en su enorme gancho, tan de vieja escuela: «These men, yeah I got ‘em all shook / Earthquake, yeah I got ‘em all shook / I came, I don’t play by the book / Yeah I make the bands, yeah I got ‘em all shook». El lanzamiento se potencia con un fantástico vídeo dirigido por Jenna Marsh (responsable del clip de ‘Don’t Start Now’ de Dua Lipa, entre otros trabajos), ambientado en un depósito de vehículos y ambiente motociclista, pero con un punto alucinógeno. Como diría la Preysler, «nos ha realmente conquistado».
Pantocrator es una de las bandas nacionales revelación de 2020. La pegada de singles como ‘Caballo de Troya’, ‘El ministerio de las básicas’ o ‘Calatrava’, y sobre todo ‘No te puto pilles’, ya su gran himno, ha convertido a este cuarteto de Barcelona en una promesa a la que seguir muy de cerca. El grupo es el último invitado a nuestra sección «Meister of the Week», comisariada por Jägermusic, en la que nos hablan sobre su pasatiempo favorito: animales en internet.
¿Por qué habéis escogido el tema de animales en internet?
Es el contenido audiovisual de internet que más apreciamos y nos enviamos entre nosotras. ¿Tiene algo que ver con vuestra carrera musical?
Mucho, nos encantaría ser una nutria y la primera canción que escribimos iba sobre el perro de Marta. Luego conocimos a algunos capullos y lo dejamos atrás.
¿Qué memes de animales son vuestros favoritos?
Creo que podríamos estar horas y horas en esta pregunta. Los perros dan más contenido de meme pero los gatos pueden representar más un «mood». Por lo demás, si quieres cosas adorables os recomendamos nutrias, si estás triste… cabras bebé.
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¿Hay algún integrante de Pantocrator especializado en pasar fotos de animales?
Marta y Marina son las expertas.
¿Soléis pasaros memes o fotos de animales entre los miembros del grupo?
Sí, Marina constantemente con Marta y Xiri cuando sabe que lo que necesitamos es ver un perro corriendo con música de fondo. Robert suele reírse y ya.
¿Seguís páginas de Facebook, Instagram, etc. especializadas en memes de animales? ¿Habéis descubierto muchos graciosos o interesantes? En caso afirmativo, ¿cuáles seguís?
También nos podríamos pasar horas, pero recomendamos: @daily_capybaras
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En vuestro Insta habéis compartido imágenes de nutrias para anunciar conciertos vuestros, ¿seguiréis con esta tendencia en el futuro?
Siempre nutria nunca innutria. Make nutria great again.
El-P y Killer Mike han formado uno de los combos de hip hop más demoledores de la pasada década, con tresnotablesdiscos de rap audaz, duro y comprometido. Run The Jewels saludan a los 20 con un nuevo disco que perseguirá afianzar esa posición. Siendo fieles a su carrera, se titula ‘RTJ4’ y se edita el próximo 5 de junio con una nueva versión de su icónica imagen de dos manos haciendo gestos de pistola y puño, respectivamente, esta vez sobre fondo fucsia. En esta ocasión incluye, además, una cohorte de colaboradores que participan en el disco.
Además de Greg Nice (de Nice & Smooth) y DJ Premier, que participan en el pegadizo single ‘Ooh La La’, nombres de la talla de Mavis Staples y Josh Homme de Queens Of The Stone Age (unidos en ‘Pulling the Pin’), el rapero 2 Chainz, en ‘Out of Site’ o Pharrell Williams y Zach de la Rocha de Rage Against The Machine (ambos juntos en ‘JU$T’). De hecho, esta última colaboración tenía todo el sentido, pues Run The Jewels ejercerían de teloneros en la (no por todos) esperada gira de regreso de RATM, pospuesta definitivamente a 2021. Los fans del cine de los 80 quizá ardan ya en deseos de saber qué esconde un título como ‘Goonies VS E.T.’. Os dejamos con ‘Ooh La La’ y la obertura ‘Yankee and the Brave’, lanzados como adelantos.
Tracklist de ‘RTJ4’:
01. ‘Yankee and the Brave (ep. 4)’
02. ‘Ooh La La’ [ft. Greg Nice and DJ Premier]
03. ‘Out of Site’ [ft. 2 Chainz]
04. ‘Holy Calamafuck’
05. ‘Goonies VS E.T.’
06. ‘Walking In the Snow’
07. ‘JU$T’ [ft. Pharrell Williams and Zack de la Rocha]
08. ‘Never Look Back’
09. ‘The Ground Below’
10. ‘Pulling the Pin’ [ft. Mavis Staples and Josh Homme]
11. ‘A Few Words for the Firing Squad (radiation)’
Con todo el disco bien situado en el global de Spotify de manera inmediata, hay algo de pedantería en considerar ‘LAS QUE NO IBAN A SALIR’ como un disco de descartes. Tan solo 10 semanas después de un álbum que ya tenía hasta 20 pistas, ‘YHLQMDLG‘, es hasta exhibicionista, en plan «os voy a enseñar hasta dónde llega mi talento. Hasta lo que no tenía que haber salido, mola». Es más o menos lo que Bad Bunny vino a decir sobre ‘EN CASITA’, el tema que cierra todo esto cuando lo subía a Soundcloud el mes pasado en medio de la cuarentena: «Lo grabé con los «voice notes» del iPhone. Eso fui yo improvisando, no es un tema que escribí ni un carajo. Jaja». Una carcajada con millones de reproducciones como todo lo demás. ¿Hay calidad en todo esto o el público consume todo lo que lanza Benito Antonio Martínez Ocasio como si cagara oro?
Hay un regusto a mixtape e improvisación en ‘LAS QUE NO IBAN A SALIR’. Hay cambios de volumen entre grabación y grabación, hay melodías que recuerdan a otras demasiado recientes (‘BYE ME FUI’ parece un cruce entre ‘LA CANCIÓN‘, ‘QUÉ PRETENDES‘ y ‘Solo de mí‘), hay cosas que reciben nombres tan secos como ‘CANCIÓN CON YANDEL’ y ‘BAD CON NICKY’ en referencia a sus colaboradores sin más, hay una adaptación «freestyle» de ‘RONCA’ de Myke Towers y hay buenas ideas que acaban antes de tiempo, como el R&B agradable y reconfortante de la buenrollista ‘BENDICIONES’, llena de buenos deseos incluso para sus enemigos. Y sin embargo, a nadie le importa un carajo: ‘BYE ME FUI’ es la canción que mejor está funcionando de momento… y al fin y al cabo es improbable que un disco que cuenta con colaboraciones del tamaño del pionero Don Omar y otros monstruos del streaming como Zion & Lennox, Yandel y Nicky Jam caiga en el olvido. Cuadrados, ¿verdad?
Nicky Jam, el más popular ahora mismo de los colaboradores, es el «Nicky» de ‘BAD CON NICKY’, un corte con cierto aire a ‘La difícil‘ que no obstante vira hacia otra cosa: durante un instante uno cree que la canción va a convertirse en un disparate tipo Loco Mia, después en un número tipo Timbaland o ‘Anaconda‘ y luego en una locura de EDM pasadísima de rosca. Lo único que te queda claro es que Bad Bunny ha conseguido otro divertimento en el que no en vano se canta contra «la monotonía». Nicky Jam y Bad Bunny se pelean por una chica y por quedarse el estribillo «No la llames más, que se fue conmigo / Yo le hice olvidar to’ lo que sufrió contigo». Para todos aquellos buscando la frase más machista del disco, y bien que hacéis, hay algo de eso en esta lucha de sables, pero también una voluntad muy evidente de huir de ello cuando la primera canción de la mixtape es una canción con una protagonista femenina, llamada ‘SI ELLA SALE’, sobre un terremoto de mujer independiente: «Comentarios de envidiosas no le valen / No le gustan psycho ni que la acorralen». Menos da una piedra.
También un pepinazo es el tema con Don Omar, ‘PA’ ROMPERLA’, una producción de Tainy que sin renunciar al ritmo reggaetón incorpora sonidos orientales en zig zag, tan acertados como esos sintes cercanos al trance que abren ‘MÁS DE UNA CITA’, otra co-producción de Tainy, en este caso junto a Jota Rosa. Esta es la pista con Zion & Lennox, pero es Bad Bunny quien vuelve a robar el foco cuando después de decir que a él «también le han hecho mucho daño», se arranca con un descacharrante rap en el que rima «intimidad» y «seriedad» con «los polvos en el parking de la universidad».
La melodía vocal es importante incluso en las improvisaciones, como se aprecia en el tema de amor/odio con Yandel; en ‘CÓMO SE SIENTE’, que incluye otra referencia a ‘La casa de papel‘, serie favorita del artista («vas a ver las estrellas sin telescopio / llevas tiempo encerrada y cachonda como Tokio»); y esa canción con su novia Gabriela que ha grabado con el móvil ‘EN CASITA’, en la que se anuncia ‘Viva el perreo’, lo nuevo de Jowell & Randy tras el pelotazo de ‘Safaera‘. De todos los pasatiempos con que los artistas nos han torturado en confinamiento, uno de los más ocurrentes y divertidos (¡¡»No tengo Auto-Tune y lo quiero usar»!!), con la frase de esta primavera: «cuando la cuarentena termine, sabes que me debes un polvo». ¿Pedías algo más? Pues va con dardo político por si alguien lo necesitaba: «quiero que el virus se vaya como Rosselló», en referencia al dirigente de Puerto Rico que tanto odiaba. ¿Mixtape? Sí, pero Benito Antonio no da puntada sin hilo.
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘Bad con Nicky’, ‘Pa’romperla’, ‘En casita’, ‘Más de una cita’ Te gustará si: el anterior se te hacía muy largo Escúchalo: Youtube
Parece increíble que nos acerquemos ya a los veinte años desde la “fase imperial” de luminarias del pop tan influyentes como Timbaland. El productor de Norfolk, Virginia, empezó la década de los dos mil muy arriba, y ascendiendo. Personalmente creo que su fase más fascinante fue cuando empezó a producir a estrellas de pop a mediados de década (piezas como ‘Maneater’ son su absoluta cumbre, en mi opinión), pero existen joyas brutales como esta ‘Oops (Oh My)’ de Tweet que fueron grandes hits y de las que nos acordamos muy poco.
Tweet venía del colectivo R&B Swing Mob, que incluía a Timbaland y Missy Elliott. La rapera ya había contado con sus servicios en la grabación de su álbum ‘Miss E… So Addictive’, así que cuando Tweet debutó en 2002 con el disco ‘Sweet Hummingbird’, lo hizo en el sello de Elliott (The Goldmind Inc.), quien también le echó una mano coescribiendo y grabando una parte vocal en esta canción. Timbaland produjo parte del disco y parecía indiscutible que el primer single tenía que ser ‘Oops (Oh My)’.
La canción es puro Timbaland, y su gancho es el minimalismo repetitivo rítmico del que el productor hizo su seña de identidad: la canción no tiene una batería al uso, simplemente un sonido de aro de caja, y una especie de bombo muy sumergido en la mezcla -igual que el bajo- un fondo ensordecido que da protagonismo máximo a las voces y a ese riff obsesivo que no se sabe si es una guitarra eléctrica o un clarinete tratado con filtros. En cualquier caso, supone el lienzo perfecto, cíclico, circular, para una letra sobre masturbación: la protagonista llega a su casa “hipnotizada, en trance” y “con necesidad de ayudarme a mí misma con esta sensación”. El estribillo describe cómo se va quitando la ropa, se mira en un espejo, y… “traté de evitarlo, pero estaba ocurriendo / me tragué mi orgullo y dejé que la fiesta empezara”.
La intervención de Missy Elliott es especialmente brillante, seductora pero sutil, a pesar de lo explícito de sus versos (“I was feeling so good I had to touch myself”). En su momento la canción se celebró como un himno a la masturbación femenina, algo que, con los 90 recién terminados, seguía siendo un tema si no tabú al menos no demasiado normalizado en el día a día. Y ni siquiera la inevitable entrevista quince años después en la que Tweet se desdecía (“no iba sobre eso, sino sobre positividad corporal y auto-amor”) ha impedido que la canción siga significando lo mismo para la mayoría de la gente, y que continúe apareciendo en listas tipo “las 13 mejores canciones sobre masturbación femenina” (en las que la mitad son de los últimos 10 años, muy reveladoramente).
En tiempos de confinamiento el auto-amor -en cualquiera de sus vertientes- está siendo el único recurso para muchas personas que viven solas y aisladas, así que qué mejor momento que el presente para recordar aquí en JNSP este hit de hace casi veinte años. La carrera de Tweet produjo dos discos más, otro más para el sello de Missy en 2005, y finalmente ‘Charlene’ en 2015. Ambos se clasificaron dignamente en las listas de R&B de EEUU, pero no arrojaron ningún otro hit del calibre de ‘Oops (Oh My)’.
‘Tweet’ suena en el episodio 356 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.
En un texto también remitido a la prensa, indican: “si hace unos días os dijimos que las posibilidades de celebrar Mad Cool eran muy reducidas, hoy os tenemos que decir, con mucha sinceridad, que el festival no se va a poder realizar en las fechas previstas”. La organización dice estar a la espera de que el Gobierno “decrete la causa de fuerza mayor para poder resolver todo de manera correcta”. Indican: “desafortunadamente, no podemos tomar una decisión de forma unilateral, puesto que son cientos los contratos de artistas, proveedores, patrocinadores, freelances, etc, que necesitan este tipo de resolución gubernamental, tal y como se ha implantado en la mayoría de países de Europa”.
Más adelante en el texto indican que han barajado diferentes alternativas y que “la más real y factible es aplazar el festival a 2021, con las mismas fechas”. Apuntan que “tienen un feedback muy positivo por parte de la mayoría de artistas que componían el line-up”. Intentarán, por tanto, reagendar a los máximos artistas posibles y sumar otros nuevos. El festival indica que las entradas compradas serían válidas para 2021 pero que también realizarán “el reembolso del importe de la entrada» a quien así lo desee.
Gracias por vuestra paciencia y comprensión. Queremos que sepáis cuál es la situación del Festival en estos momentos. Vosotros sois quienes lo hacéis posible.
Karmento con ‘Cri cri’, el primer sencillo del disco que ha publicado esta semana, es número 1 en JNSP por segunda semana consecutiva, mientras las entradas corresponden a los últimos singles de Joe Crepúsculo, Kelly Rowland, Paloma Mami y Benjamin Biolay, todas ellas destacadas como “canción del día” durante este mes en el site. Es tiempo de despedirse de algunas canciones con 10 semanas o más y en la mitad baja de la tabla: Tove Lo con Kylie, Taylor Swift y Jessie Ware caen, aunque de esta ya se puede votar por otro de sus temas. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.
La entrada más fuerte de la semana en la lista de “streaming albumes”, la única que tenemos en España con las tiendas cerradas, es ‘Dark Lane Demo Tapes’. La mixtape de Drake es top 3 directo en nuestro país, además de número 2 en Estados Unidos (por detrás de un disco de country, el nuevo de Kenny Chesney) y número 1 en mercados tan potentes como Reino Unido, Australia, Holanda y Canadá.
En España quien ha impedido que Drake sea número 1 es Bad Bunny, que sigue en el número 1 con ‘YHLQMDLG’ en su 10ª semana de permanencia; y también J Balvin, que se mantiene en el puesto 2 con la 7ª semana de ‘Colores’, además viendo aumentado su streaming, quizá por el estreno del vídeo de ‘Rosa’, que vuelve al top 100 de singles. La única artista femenina de todo el top 10 de los discos más oídos en España es Dua Lipa con el excelente ‘Future Nostalgia’, puesto 6 en su 6ª semana.
El mercado está parado y solo encontramos una entrada más en toda la lista de «streaming albumes»: ‘Shishi Plugg’ de Yung Beef y Pablo Chill-E llega al puesto 46. Son 9 canciones entre las que destaca el éxito en Youtube de los vídeos que se han realizado para dos de los temas, ‘No nos pueden soportar’ e ‘Y cuando llegó’.
C. Tangana continúa siendo el número 1 oficial de la lista de singles española con ‘Nunca estoy’, a pesar de que no parecía fácil dado lo ajustado de las cifras en Spotify. La principal novedad en el top 10 es la subida más fuerte de la semana: el tema de reggaetón ‘Favorito’ de Camilo pasa del puesto 12 al puesto 6, postulándose como una de las canciones del verano… si hay verano.
Por otro lado, ‘PAM’, un tema perpetrado por Justin Quiles, Daddy Yankee y El Alfa, que contiene la frase “estás más buena que Dua Lipa” es la entrada más fuerte de la semana, llegando al número 11. Si te parece de dudoso gusto la frase, la siguiente del tema es “una lipo pa’ la tipa, pa’ que quede mamacita”. Curiosamente, Dua Lipa no ha llegado tan alto en singles en España, pues ‘Don’t Start Now’ se quedó en el puesto 12 y ahora mismo es número 32, ya a la baja, aunque muy lentamente.
El resto de entradas de la semana son ‘Goteo’ de Paloma Mami en el puesto 62, ‘Tak Tiki Tak’ de Harry Nach (69), ‘Mariposa’ de Pablo López (70), ‘Pero a tu lado’ de Los Secretos (77), ‘Aleluya Pt 2’ de Rels B (86) e ‘Inolvidable’ de Ovy on the Drums y Beele (95).
El tema de Los Secretos se ha visto revitalizado como himno de resistencia frente a la covid-19, en una nueva versión en que aparecen El Cigala, Pitingo, Taburete y Jose Manuel Soto, entre otros.
Miren Iza, conocida por todos por su alias musical Tulsa, hubiera formado parte de la programación de conciertos de San Isidro, las fiestas mayores de la ciudad de Madrid… de haberse celebrado. El coronavirus ha obligado a la supresión de todo festejo popular hasta nueva orden en la capital, a la espera de avanzar de fase en la desescalada del estado de alarma y poder aspirar, en el mejor de los casos, a celebrar shows en vivo ante un público muy reducido. A pesar de eso (o justo por eso), Miren quiere compartir precisamente en la misma semana en que esa actuación hubiera tenido lugar una nueva canción.
Se titula ‘Yo no nací así’ y es su primera canción nueva publicada desde que el pasado septiembre lanzara una ‘Tres venenos‘ en la que acentuaba el giro electrónico que suponía su último álbum hasta hoy, ‘Centauros‘. En esta, de nuevo con la producción de Ángel Luján (Xoel López, Niños Mutantes, Alice Wonder) y la colaboración de Charlie Bautista, sintetizadores y cajas de ritmo vuelven a tener protagonismo, si bien de una manera más sutil, integrada con guitarras acústicas y eléctricas. Y sobre todo, dando todo el protagonismo a una bonita composición vocal que tiene cierta conexión con la canción melódica de los 70 y 80, que nos lleva a imaginar a una Mari Trini o a una Massiel cantando su gancho «Yo no nací así, / Yo me fui haciendo así. / Poco a poco, año/daño a año/daño, / me fui haciendo así».
De manera bastante curiosa, la canción fantasea con una estancia en prisión, quizá no física sino mental. Obviamente, aunque «no surge en el confinamiento», aclara Iza, es fácil leerla bajo la perspectiva de la cuarentena preventiva a la que estamos sometidos en España desde hace casi dos meses ya. «El encierro lleva consigo algo así como una suspensión del tiempo que nos invita a visitar el pasado y no siempre nos reconocemos en quienes hemos sido o en quienes somos ahora», dice Miren sobre el sentido de la canción. Esto, precisamente, cobra bastante sentido en su vídeo oficial que hoy estrenamos en exclusiva en JENESAISPOP.
En él María Pérez Sanz –autora del documental ‘Malpartida Fluxus Village’ y a punto de estrenar ‘Karen’, su nueva película sobre Karen Blixen– hace un muy ingenioso uso de las tecnologías que todos tenemos a mano en casa para crear un fascinante juego visual entre realidad y ficción, jugando «a la identificación con personajes emblemáticos como Juana De Arco y a la convivencia con las brujas y los demonios de Häxan. Momentos de una vida a uno y otro lado de la pantalla».
Aunque han pasado tres años desde la publicación de ‘Centauros’, Miren Iza no ha dejado de entregar novedades, además de actuar intensamente en vivo presentando ese disco. El año pasado, por ejemplo, participaba cantando ‘Qué va a ser de ti‘ de Joan Manuel Serrat en un disco-homenaje al genio catalán junto a artistas como Jorge Drexler, Eva Amaral, Andrés Calamaro o Sílvia Pérez Cruz. Y, ya este año, ha realizado dos colaboraciones para otros artistas: ‘Nueva Inglaterra‘ para Técnicas y Procedimientos y ‘El milagro‘ con Alberto & García.
Noches del Botánico se suma a la larga lista de festivales que anuncian su aplazamiento a 2021 debido a la emergencia sanitaria, tal y como en los últimos días han hecho Primavera Sound y Sónar.
El ciclo de conciertos madrileño arrancaba el 19 de junio de 2020, pero finalmente lo hará el 11 de junio de 2021 manteniendo su programación original con la excepción de Dido y Quique González, que no han podido reubicar sus fechas, y para cuyos concertos el ciclo ofrecerá la posibilidad de devolución de entrada o de canjear el importe antes del 31 de diciembre.
Así queda el cartel de Noches del Botánico de 2021, que seguirá contando con la presencia de Wilco, Rufus Wainwright, Agnes Obel, Belle and Sebastian, Cat Power o Woodkid, quien acaba de anunciar su regreso este año con un nuevo disco, del que todavía se desconocen los detalles.
11/06/21 – Wilco
15/06/21 – Woodkid / Awir Leon
16/06/21 – Estrella Morente / Kiki Morente
18/06/21 – Gipsy Kings ft. Nicolas Reyes and Tonino Baliardo / La Barbería del Sur
19/06/21 – Pat Metheny Side-Eye
23/06/21 – Víctor Manuel / Nando Agüeros
25/06/21 – Zenet / Javier Ruibal
29/06/21 – LP
30/06/21 – Tom Jones
03/07/21 – Belle and Sebastian / Beth Orton
04/07/21 – Crowded House / Laredo
06/07/21 – Agnes Obel / John Grant
07/07/21 – Rufus Wainwright
08/07/21 – Cecile McLorin Salvant / Tigran Hamasyan Trio
09/07/21 – Tomatito con Duquende, Israel Fernández y Antonio Reyes / Alex Conde
10/07/21 – Diego El Cigala
15/07/21 – Asaf Avidan / Mayra Andrade
16/07/21 – Zucchero / Patáx
17/07/21 – Vicente García / Tony Succar
18/07/21 – Carlinhos Brown / Cimafunk
19/07/21 – Yann Tiersen / JJ Machuca
20/07/21 – Jessie J
21/07/21 – Youssou N’dour / Cymande
24/07/21 – Andrés Suarez / Isma Romero
28/07/21 – Oscar D’León / Eva Ayllón
29/07/21 – Los Secretos / Twanguero
Y estos son los artistas que aún pendientes de nueva fecha, también han confirmado su participación en el festival:
· Of Monsters And Men / Smith & Thell
· Cat Power
· George Thorogood / Vintage Trouble
· Little Dragon / The Cinematic Orchestra
· Graham Nash / Kiko Veneno
· Herbie Hancock / Alfa Mist
· Imelda May / Nikki Hill
Bryan Adams, uno de los cantantes más exitosos que ha producido el pop norteamericano incluso a día de hoy, pues las cifras en Spotify de sus mayores singles, ‘Summer of ’69’ y ‘Heaven’, publicadas en los años 80, son estratosféricas; copa titulares por haber acusado indirectamente a China, en un post de Instagram, de haber «creado» el coronavirus.
El post en cuestión se compone de un vídeo y un texto. En el vídeo, Adams canta su canción ‘Cuts Like a Knife’, y en el texto, el cantante canadiense lamenta no haber podido salir de gira debido a la crisis sanitaria. Y aprovecha para abogar por el veganismo y para lanzar una serie de teorías sobre el origen del COVID-19 que han sido descartadas por la comunidad científica, como indica The Guardian. La primera es que el virus ha nacido del consumo de murciélagos en los mercados húmedos de Wuhan, y la segunda es que este es una creación humana producida en un laboratorio.
El mensaje dice: «Hoy empezaba mi serie de conciertos en el Royal Albert Hall, pero gracias a un grupo de bastardos avariciosos que comen murciélagos, venden animales en los mercados húmedos y han creado un virus, el mundo entero está parado, sin mencionar a las miles de personas que han muerto por culpa del virus. Mi mensaje a todos ellos, además de «muchas gracias», es que se hagan veganos».
El mensaje de Bryan Adams ha sido criticado en las redes sociales por «racista», mientras el artista ha sido objeto de similares insultos. Otros usuarios han expresado su sorpresa al descubrir que Bryan Adams no es Ryan Adams, sino otra persona con un nombre muy parecido.
Tras un trabajo tan exhaustivo como ‘50 Song Memoir‘, en el que Stephin Merritt hacia una suerte de autobiografía musicada/teatralizada con una canción por cada año de su vida, quizá no cabía esperar tan pronto («sólo» tres años) un nuevo disco de The Magnetic Fields. A un año de cumplir 30 de carrera (tragamos saliva, por la parte que nos toca), Merritt se saca de su inagotable chistera un nuevo concepto: este viernes lanza ‘Quickies’, un disco con veintiocho canciones urgentes (la más larga, de dos minutos y medio) que buscan un enfoque minimalista en lo musical y aparentemente ligero en lo lírico, alejándose de la sobreexposición emocional y personal de su anterior obra. Aún así, pese a un enfoque mayormente cómico, también observamos ciertos posicionamientos políticos y éticos en varias de sus canciones, como el single ‘The Day the Politicians Died‘ o ‘Kill a Man a Week’. Pero sobre todo es un acontecimiento musical para los que llevamos disfrutándole desde mediados de los 90, un nuevo muestrario de la genialidad sin par del artista neoyorquino. [Foto: Marcelo Krasilcic.]
Ante la ocasión de poder charlar con Stephin sobre este disco uno siente una mezcla de fervor, emoción, responsabilidad y pavor. Los primeros, movidos por su extraordinaria obra; el último, por la imagen de tipo hosco y difícil que ha dado en encuentros previos y, también, en algún que otro directo. Aún así, es una ocasión imperdible, así que uno escucha lo mejor posible en relativamente poco tiempo el streaming que facilita su compañía, lee sus letras y notas de prensa y elabora con mimo un cuestionario… que se va un poco al traste al comprobar que apenas tendremos 25 minutos en la rueda de entrevistas, que la conferencia (OK, boomer!) se acompaña de un cíclico pitido a todo volumen que complica seriamente entender al interlocutor, que habla con voz grave y pausada, haciendo que a veces uno crea que ha terminado su larga exposición… cuando aún tenía algo más que decir. Pese a las dificultades, es un subidón comprobar que no era tan fiero el león como lo pintaban: Merritt se muestra amable, divertido y atento, y hasta te ríe algún pobre chiste (quizá por compromiso, pero ahí está el esfuerzo).
¿Cómo estás?
Estoy bien, tomándome un té. ¿Qué tal tú?
Bien, muy bien. ¿Cómo te sientes estos días tan extraños, con la pandemia, el distanciamiento social, etcétera?
No puedo escribir absolutamente nada, porque estoy atrapado en mi apartamento. No puedo escribir ni una canción. Mi rutina habitual es que estoy todo el día en casa y de noche, sobre las nueve, me voy a un bar y empiezo a escribir. Así que, aunque mi profesión es muy solitaria, tengo contacto humano. Y no he tenido de eso desde hace seis semanas, porque estaba en cuarentena antes de que todo el mundo se encerrara. Para cuando estaba sano, ya estaban en cuarentena todos los demás.
«‘Quickies’ es muchas cosas distintas que ’50 Song Memoir’ no era»
Hablemos de ‘Quickies’. ¿Fue liberador poder escribir canciones de ficción después de un disco autobiográfico como ’50 Songs Memoir’?
Sí. Cada disco que hago es una reacción al anterior, esa es la motivación principal. No necesariamente rebelarse contra el álbum anterior, sino tomarlo como un trampolín que te aparte de allí. Así que ‘Quickies’ es muchas cosas distintas que ’50 Song Memoir’ no era. En ’50 Song Memoir’ todas las canciones tenían sobre tres minutos, creo, o en torno a tres minutos. Y en ‘Quickies’ ninguna se acerca. En ’50 Song Memoir’ todas las canciones eran más o menos ciertas. Bueno, no «más o menos»: todas las canciones eran ciertas, con la única excepción de que Allen Ginsberg nunca escribió un soneto (Nde: se refiere a ‘Judy Garland’, donde canta eso, «and Allen Ginsberg wrote a sonnet»). Todo lo demás es cierto. Y no solo cierto, sino sobre mí o sobre cosas que me afectaron directamente a mí. Era aseverativo, era decir «esto pasó». O incluso «esto está pasando». Y en ‘Quickies’ muchas canciones no han pasado o están pasando, sino que me gustaría que pasaran. (Risas) O pienso «¿qué pasaría si esto ocurriera?» Como ‘(I Want to Join a) Biker Gang’ (Nde: «Quiero unirme a un grupo de moteros») o ‘I Wish I Had Fangs and a Tail’ (Nde: «Ojalá tuviera colmillos y cola»). Eso está muy alejado de lo que pretendí hacer en ’50 Songs Memoir’. Además en ’50 Songs Memoir’ todas las canciones tienen arreglos para una media de siete instrumentos –bueno, algunas no tantos y algunas más, pero se aproxima mucho a una media perfecta de siete instrumentos–. Mientras en ‘Quickies’ al menos la mitad de las canciones tienen un solo instrumento, un puñado de ellas tienen dos instrumentos y solo unas pocas tienen algo parecido a una banda. No es un disco de banda en absoluto.
Tal y como has dicho, son canciones muy cortas, algunas extremadamente cortas. Pero en realidad esto es algo que ha venido siendo cada vez más común en tu carrera, al menos en los últimos años. ¿Hubo un momento en tu carrera en el que te diste cuenta de que no necesitabas más de dos o tres minutos para expresar lo que querías?
Bueno, en ’69 Love Songs’ el número de canciones por debajo de dos minutos y medio es veintitrés, la tercera parte. Y en ‘Quickies’ hay cinco más, hay veintiocho. (Risas) Creo que suman unos 40 minutos, no estoy seguro. Así que mi «último periodo» incluiría ’69 Love Songs’. ’50 Song Memoir’ también tenía muchas canciones, y pienso que mi música para teatro también ha tenido mucho de eso. Las canciones cortas son en realidad canciones íntegras, nadie se opone a ellas. Al ser muy básicas son algo que nadie desea cambiar. Mientras puedas cantarla y dejar de cantarla, está bien. Tengo al menos otras 100 canciones que podrían haber estado en ‘Quickies’, pero el asunto de ‘Quickies’ es que eso es lo que son (Nde: «rapiditas», literalmente, aunque sería más apropiado «cortitas»). Así que no podían competir las canciones más largas.
«Tengo unos cien cuadernos llenos con docenas de canciones, de los cuales sería muy sencillo sacar un álbum en la próxima media hora. Pero… no trabajo así»
Como una persona que lucha cada día por sintetizar sus escritos, ¿de verdad es tan simple como usar cuadernos pequeñitos, tal y como dices en tu nota de prensa?
¡Funciona muy bien, de verdad! Si el cuaderno te cabe en el bolsillo, puedo garantizarte que la canción que escribas en una o dos páginas va a ser muy corta.
¿Y por qué han sido 28 canciones? ¿No tuviste la tentación de buscar un número más redondo?
(Silencio) Es una pregunta justa, y no tengo una respuesta para ella. (Risas)
¿Es más fácil escribir un disco sobre un…?
¡Espera! ¡Espera! Sí tengo una respuesta (para la anterior pregunta): iban a ser 29 canciones. Pero como habíamos decidido que se publicaría en cinco discos de 7″, tuve que eliminar una.
Vaya. Es una pena.
29 es como el regalo de San Valentín previo al 69. (Risas) Y es un número no tan bonito de dividir. Si hubieran sido 30, hubiera sido sencillo de dividir en los cinco EPs: tres canciones por cara y ya está. 29 suponía desestabilizar eso, un rechazo de esa fórmula. Definitivamente el 29 significaba cosas que el 28 no. (Risas) 28 no es un número que se pueda defender ideológicamente o estéticamente. No ofende a nadie.
Ya veo. ¿Es más fácil escribir un disco sobre un determinado concepto, como el anterior, o uno sin concepto, como este?
Bueno, sí tiene un concepto: es un disco con canciones de 2 minutos y 30 segundos o menos. Excepto por ‘Come, Life, Shaker Life!’ que dura un poco más porque el guitarrista añadió una outro. Es más fácil escribir un disco que no tenga un tema concreto porque tengo unos cien cuadernos llenos con docenas de canciones, de los cuales sería muy sencillo sacar un álbum en la próxima media hora. Pero… no trabajo así. (Risas) Y no sé si eso sería un buen disco, sería algo disperso, extraño… Probablemente tendría repeticiones que sería aburrido, con falta de hilo conductor, temas reiterativos…
«Roxy Music hicieron el mismo álbum diez veces, haciéndolo cada vez mejor hasta que llegaron a ‘Avalon’. Es claramente su obra maestra, y no había ya nada más que hacer, así que se separaron»
Sí, suena mal.
Claro. Es difícil saber si el álbum sería bueno. De la manera en que trabajo es más fácil comprobarlo. Siempre digo que Roxy Music hicieron el mismo álbum diez veces, haciéndolo cada vez mejor hasta que llegaron a ‘Avalon’. Es claramente su obra maestra, y no había ya nada más que hacer, así que se separaron. (Risas) Yo trabajo de la manera contraria. Es como si jugara al ping pong conmigo mismo, un ping pong en el que la mesa va cambiando de forma.
¿Cómo llegó a ti la imagen de ‘Kraftwerk In a Blackout‘?
Una vez que The Magnetic Fields estábamos actuando en Raleigh, Carolina del Norte, en un nuevo espacio de conciertos que se llamaba como la compañía eléctrica local… No recuerdo su nombre, supongo que sería Raleigh Electric, o algo así. Y en mitad del show, el suministro eléctrico se vino abajo. Tuvimos que escoger entre renunciar a tocar o seguir sin electricidad. Y continuamos, descubriendo que, aunque la guitarra eléctrica era inútil, el violoncello y el piano iban bien. Simplemente éramos una banda distinta. Y recordé una vez que había visto a Kraftwerk en directo, en torno a la época de ‘Electric Café’, no recuerdo dónde. Creo que es la única vez que les he visto. Y recuerdo vivamente una frase: «El robot no funciona». En una canción aparecía un robot que se movía, interactuaba. Y allí estaba el robot, pero no pasó nada, ni se movió, no había nada a lo que mirar en toda la canción. Así que la idea de un fallo eléctrico en un show de Kraftwerk me la dieron ellos mismos. Están tan comprometidos con su show que, si hay un fallo en el robot, no van a volver a escena a hacer algo entretenido. Te ponen a mirar el robot inmóvil durante nueve minutos, ¡y ya está! (Risas) Admiro su compromiso.
La idea de ‘The Day the Politicians Die’ (Nde: «El día que los políticos mueran») debe ser una fantasía para muchos ahora mismo. ¿Por qué has sentido la necesidad de escribir una canción así ahora?
Lo que me maravilla es por qué no lo he hecho antes. La pregunta es «¿Por qué he tardado tanto en escribir esta canción?» (Risas) O «¿por qué cientos de escritores de canciones no la han escrito antes?» No lo sé.
«Escribo canciones como si jugara al ping pong conmigo mismo, un ping pong en el que la mesa va cambiando de forma»
Pero además de en esta canción, hay más temas similares, en el disco, como ‘Kill a Man a Day’, que tiene un claro componente feminista. o ‘Castle Down the Road’, que podría leerse como la deriva de la civilización occidental, de algún modo. ¿Es ‘Quickies’ tu disco más concienciado?
(Nde: Se hace el silencio, incluso más largo e incómodo que el resto de los silencios previos) Eeee… ¡Ha! (Nde: eso es algo parecido a una carcajada, pero muy corta) Aunque no estaba siendo irónico sobre estos temas, no espero que ocurran. Realmente me encantaría que cada político del planeta NO estuviera muerto ahora mismo, y realmente NO me encantaría que todos los hombres del planeta cayeran muertos ahora mismo. En cuanto a ‘Castle Down a Dirt Road’, es más bien sobre una calamidad que unos tipos provocan, una explosión de armas químicas que provoca mutaciones a los animales y a los niños, provocando una guerra. No es una idea utópica. Por alguna razón en mis canciones hay muchas comunas, grupos no-familiares que viven juntos. ‘Me and Fred and Dave and Ted’, de ’50 Song Memoir’, es sobre cuatro personas en dos habitaciones. ‘The Blizzard of ’78’ habla de una comuna en Vermont. Y hay otras que ahora mismo no me vienen a la cabeza. Pero en cuanto a si este disco es concienciado, también contiene canciones como ‘(I Want to Join a) Biker Gang’, que está alejada de ser concienciada. (Risas)
Sí, y de hecho creo que cuando pase la pandemia va a haber muchos que se unan a una banda de moteros.
¡Sí! Cuando escribí la canción no quería unirme a una, pero después de ver el vídeo, definitivamente quiero estar en una banda de moteros. Parece muy divertido. (Risas)
Los espectáculos que hicisteis para ’50 Song Memoir’ han sido de lo mejor que haya visto en el Auditori del Primavera Sound, en Barcelona…
¿De verdad? ¡Gracias! ¿Pudiste ver a Grace Jones?
Sí, fue fantástico.
Desgraciadamente no pude verla, pero todos en el grupo y en el equipo la vieron y les encantó.
Fue una maravilla. Pero lo que quería preguntarte es si crear toda aquella escenografía tan compleja para tan pocos conciertos no fue muy difícil, agotador, caro para apenas poder hacerlo unas pocas veces.
Sí, no ganamos nada de dinero. (Risas)
Bueno, es preocupante, pero no era exactamente lo que quería saber…
(Risas) No ganamos ni un dólar, gracias por preguntar. (Risas)
Lo que me preguntaba es si fue duro prepararlo con tanto mimo y no poderlo presentar en tantos sitios como os hubiera gustado.
Sí, fue un problema, porque hicimos muy pocos shows en Europa.
Al menos a algunos nos hicisteis muy, muy felices.
Me hubiera gustado hacer muy, muy feliz a mucha más gente. (Risas) Creo que solo fue en el Primavera, en Londres y en el festival de Edimburgo.
Es una pena.
Sí. Quisimos separarnos al calor de la madera. (Risas) [Nde: el escenario era una reproducción en madera de la habitación de juventud de Stephin, con todas los recuerdos y cosas que mencionaba en las canciones de ’50 Song Memoir’.]
«El mejor disco de Nick Cave es ‘Murder Ballads’ y nadie le obliga a poner los nuevos en perspectiva con aquel, como pasa conmigo y ’69 Love Songs'»
¿Y cómo ves desde este punto de tu carrera los discos que sucedieron a ’69 Love Songs’: ‘i’, ‘Distortion’…?
Mi idea con esos discos era la de ofrecer una colección de discos que me represente completamente a mí, lo más amplia posible. Los veo como parte de una colección de discos.
¿No sientes como si ’69 Love Songs’, que es un disco muy importante para muchísima gente, ha hecho que se minusvalore esos otros discos?
Tanto ’69 Love Songs’ como ’50 Song Memoir’ tienden a debilitar los otros discos simplemente porque son mucho más grandes. También pienso que ’50 Song Memoir’ puede hacer sombra a ’69 Love Songs’, porque este era sobre el amor pero no autobiográfico, o no particularmente autobiográfico. Así que creo que es la primera vez que uno de mis discos se mide a ’69 Love Songs’. Pero el principal objetivo de ’69 Love Songs’ era hacer una gran declaración que definiera mi carrera, lo hizo, y estoy feliz por ello. Me alegra que ’69 Song Memoir’ sea el disco que me defina. Nunca creí que me definiría una declaración tan positiva, y realmente no estaba pensando en que lo hiciera cuando salió, pero veinte años después, estoy más que satisfecho de no haber hecho un disco de «murder ballads» que me definiera. El mejor disco de Nick Cave, por mucho, es ‘Murder Ballads’, pero nadie se lo recuerda. Es un disco fantástico y nadie le obliga a poner los nuevos en perspectiva con aquel, como pasa conmigo y ’69 Love Songs’. (Guarda silencio) No sé a dónde quería llegar con eso, pero ’69 Love Songs’ es dulce, repipi, mono. Aunque tenga partes muy oscuras, lo que le define es AMOR. Y eso me gusta.
El pasado otoño hiciste un par de shows en los que recuperaste las canciones The Gothic Archies y Future Bible Heroes. ¿Hay alguna posibilidad de que vuelva alguno de estos proyectos para hacer nuevas grabaciones?
Oh, sí, lo estoy pensando. Aunque habíamos publicado un disco hace algo más de cinco años (Nde: entiendo que se refiere a ‘Partygoing‘ de Future Bible Heroes, de 2013), lo cual es muy rápido para nosotros. Considerando que hemos hecho tres discos en 25 años. (Risas) ¡Vamos a por otro!
Esta semana la batalla por el single número 1 en Estados Unidos ha estado reñida entre el remix de ‘Say So’ de Doja Cat con Nicki Minaj y el remix de ‘Savage’ de Megan Thee Stallion con Beyoncé. Tanto ‘Say So’ como ‘Savage’, en sus versiones originales, ya aparecían entre las 6 canciones más escuchadas en el país, por lo que los remixes de ambas han buscado darles el empujón definitivo para llevarlas al número 1, y finalmente ha sido ‘Say So’ el que lo ha conseguido, mientras ‘Savage’ se ha quedado en el número 2.
El número 1 del remix de ‘Say So’ es el primero para Doja Cat en Estados Unidos y, aunque parezca mentira, también el primero para Nicki Minaj, que no solo se ha quedado cerca de serlo varias veces (‘Anaconda’ alcanzó el número 2, ‘FEFE’ con 6ix9ine alcanzó el top 3) sino que, en sus 10 años de carrera, ha llegado a ingresar hasta 109 canciones dentro de la tabla de Billboard sin lograr un número 1 con ninguno de los 108 anteriores. Así, Nicki se convierte en una de las artistas que más tiempo ha tardado en alcanzar la cima del chart americano, en concreto, 10 años y 3 meses, quedándose cerca de los 11 años transcurridos entre el debut de Kid Cudi y su primer número 1 con ‘THE SCOTTS’ con Travis Scott la semana pasada; y también la que más singles ha tenido que publicar para conseguirlo. Solo Justin Bieber había tardado tanto, si bien en su caso lo consiguió con su single número 47, ‘What Do You Mean?’.
El remix de ‘Say So’ es también la primera colaboración entre dos mujeres raperas que topa la cima del Billboard, según Genius. Como apunte, ‘Say So’ es a su vez el primer número en mucho tiempo para el malogrado Dr. Luke, uno de sus co-autores. En concreto, desde que ‘Dark Horse’ de Katy Perry logró dicha posición en enero de 2014.
Cariño, una de las bandas nacionales revelación del año, como demuestran las reproducciones millonarias de ‘Bisexual‘, ‘Canción pop de amor‘, ‘:(‘ o su versión de ‘Llorando en la limo’ de C. Tangana, así como su sorprendente confirmación en el cartel de Coachella (el festival ha sido aplazado a octubre, todavía hay esperanzas de que su primer concierto en California pueda tener lugar), publica su primer EP el próximo 19 de junio. Se llama ‘x si me dejas en visto’ y, en palabras del trío madrileño, «contiene tres canciones para alguien que te dejó en visto o que aún ni tiene tu whatsapp. pal amor que fue y pa otro que vendrá. pa tener una excusa para mandarle ese mensaje del que quizá te arrepientas o quizá no. pero estas canciones son mucho más pa vosotros».
Las dos primeras canciones de este nuevo EP que viene a suceder al debut largo de Cariño de 2019, ‘Movidas‘, ya las conocemos: son la mencionada ‘:(‘ y la reciente ‘Excusas‘. Y la tercera llega hoy a las plataformas de streaming. ‘Te brillan’ es otra píldora de punk-pop de la banda en la que nos parece escuchar un cruce nada descabellado entre Los Punsetes y La Bien Querida. Es una producción de Juan Pedrayes de Carolina Durante, quien acaba de producir el debut de Marcos y Molduras, y habla sobre lo difícil que es a veces decir «te quiero».
‘Te brillan’ llega además con un curioso videoclip animado por la ilustradora Rocío Quillahuaman, quien el año pasado, más o menos sobre estas fechas, nos compartía su música favorita.
Aunque quizá acabe por pesarles profesionalmente –especialmente con las dificultades de comunicación que se han generado en el mundo con la pandemia de coronavirus–, a Buscabulla les honra la decisión de haber dejado la fructífera vida personal (el matrimonio formado por Raquel Berrios y Luis Alfredo Del Valle se conoció allí, y allí nació su hija) y profesional emprendida en Nueva York años atrás para volver a sus orígenes. La morriña de su hogar se acrecentó cuando los huracanes Maria e Irma devastaron su Puerto Rico natal y, pese a no ser quizá el mejor momento, decidieron volver a la isla… para descubrir que ya nada era tan bonito y emotivo como habían conservado en sus recuerdos y que muchos de sus seres más queridos ya ni siquiera estaban allí. Esa extraña sensación de desarraigo (plasmada en un documental de próximo estreno) en la que para ellos siempre había sido su casa vertebra e inspira su fantástico álbum debut, ‘Regresa’.
Aunque a priori Buscabulla aparentan cierto paralelismo con otro dúo mixto latinoamericano como son Bomba Estéreo –culparía a esa estética que hace chocar folclore y modernidad, además del razonable parecido físico entre Berrios y Li Saumet–, lo cierto es que los puertorriqueños se distinguen musicalmente de los colombianos de forma ostensible. En contra del explosivo espíritu festivo de aquellos, Berrios y Del Valle se inclinan por la sutileza en su mestizaje. Su arraigo latino está ahí, pero diluido de manera discreta en un pop sofisticado al estilo del que facturaban Chairlift (no es casual que Patrick Wimberly, ex-socio musical de Caroline Polachek, se haya implicado en el aspecto técnico de este disco), imbuido de G-Funk, efluvios disco y un espíritu vaporwave más contemplativo que epidérmico. Pese a eso, la voz de Raquel gana peso con respecto a sus dos primeros EPs porque, explican, querían resaltar el tono emotivo de este disco: necesitaban que se entendiera bien lo que dicen.
‘Regresa’ no es, resumiendo, un disco festivo… lo cual no significa que no sea un disco bailable. Ya quedaba demostrado con los singles ‘Vámono‘ –pese al tono algo triste que retrata la incertumbre de su viaje de vuelta en lamentos como «¿quién me va a ayudar?»– y ‘NTE‘ –que contrapone maravillosamente un sonido contemporáneo y anglosajón con un lenguaje coloquial y desafiante–, y lo refrendan también el elegante dream-disco ‘Nydia‘ –inspirada por la amistad que han establecido con la actriz Nydia Caro, que dejó su NY natal para triunfar en la isla– o la excitante, incendiaria en lo lírico, ‘Ta que tiembla‘, en la que el personal sonido de bajo que gobierna en todo el disco llega a tesituras increíbles, tanto como el flow de Raquel.
Y es que, incluso cuando lanzan mensajes de cariz político como en esta o ‘Manda fuego’ –abiertamente inspiradas por las revueltas contra el Gobernador Ricardo Rosselló que apoyaron también sus compatriotas Residente y Bad Bunny–, lo que manda en Buscabulla es la elegancia y la sensualidad. Porque, ante el difuso significado de sus letras –a veces muy concreto, otras veces casi ininteligible; si gira en torno a su regreso a la isla, transmite más sensaciones que mensajes concretos–, cortes tan bonitos, delicados y sexys como ‘Club tú y yo‘ o ‘Mío’ dejan muy claro que la parcela que conecta más con su estilo es la sentimental/sexual. ‘Regresa’ es un disco de los que se sudan… pero sobre todo bailando en horizontal.
Beneficiado por un minutaje corto –incluso cabe cuestionar por qué no se desarrollan más los prometedores interludios ‘Fiebre’ (¿un mensaje contra la dictadura de las tendencias musicales?) y ‘Volta’–, ‘Regresa’ condensa el fuerte de Buscabulla: equilibrar sonoridades audaces y modernas –el R&B experimental de Blood Orange o Solange emerge como referente– pero con una perspectiva enraizada en lo latino tanto desde el punto de vista lingüístico –aunque a veces no consigamos captar todas sus palabras, el peculiar flow de Berrios es otro de los grandes descubrimientos de este debut– como rítmico, sin necesidad de recurrir al reggaetón para hacerlo. En ese sentido, más allá de su sonido, ‘Regresa’ es un precioso canto de amor del dúo por sus orígenes, incluso con todo en contra.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘NTE’, ‘Nydia’, ‘Vámono’, ‘Ta que tiembla’, ‘Club tú y yo’. Te gustará si te gusta: Chairlift, Blood Orange, Bomba Estéreo, Lido Pimienta, Solange. Escúchalo: Bandcamp
Hidrogenesse publican el 22 de mayo ‘¿De qué se se ríen los españoles?’, el disco que recopila sus canciones para la exposición ‘Humor absurdo: una constelación del disparate en España’, que ha podido verse en el centro de arte CA2M de la Comunidad de Madrid. El disco incluye la canción titular, que puede escucharse desde el pasado mes de enero junto a un videoclip casi tan surrealista como la propia composición.
En aquella pieza podíamos escuchar los coros de Xoxé Tétano de Los Ganglios, quien vuelve a proporcionar coros en el nuevo adelanto de este trabajo. Se trata de una versión de ‘Pasodoble de los esqueletos’ de Miguel Mihura, canción escrita por Miguel Mihura y compuesta por Daniel Montorio que aparece en la película ‘Una de miedo’ de 1935 de Eduardo García Maroto, director al que Genís Segarra y Carlos Ballesteros han querido reivindicar con la mencionada versión.
El vídeo de ‘Pasodoble de los esqueletos’ también es obra de Xoxé Tétano, es tan surrealista como manda la ocasión, y se sitúa, como no podía ser de otra manera, en un cementerio. Os dejamos con el listado de canciones de ‘¿De qué se se ríen los españoles?’.
Cara A
1. Rubianes en el espacio
2. Empanadilla de Móstoles
3. ¿De qué se ríen los españoles? (Versión album)
4. Pasodoble de los esqueletos
Cara B
1. Empanadilla de Móstoles (A capella)
2. S. U. S. (Colón era una mujer)
3. ¿De qué se ríen los españoles? (Remix)
4. Organillo sin manivela (Tema)
Primavera Sound había pospuesto su edición de 2020 a agosto, pero hoy anuncia que esta pasa a celebrarse finalmente en 2021 debido a la evolución de la crisis sanitaria, siguiendo los pasos del Sónar. El festival se celebra en Cataluña, una de las comunidades autónomas que este lunes no van a solicitar pasar a la fase 1 de la desescalada por consejo de las autoridades sanitarias.
En un comunicado, Primavera Sound indica que la próxima edición del festival seguirá celebrando su 20 aniversario como estaba planeado este año, y da ya las nuevas fechas: será del 2 al 6 de junio. Sin embargo, el cartel será distinto y el festival anunciará los primeros artistas de su nueva programación el próximo 3 de junio, día en que podrá solicitarse también la devolución de entradas. En cuanto a estas, el festival informa que todas las entradas ya adquiridas serán válidas para la edición de 20121 y que estas «incluirán beneficios especiales para todos aquellos que decidan conservarla».
«Estamos desolados y sentimos enormemente los inconvenientes causados, pero la salud y el bienestar de nuestro público y de todas las personas involucradas en el festival ha sido y sigue siendo nuestra absoluta prioridad», apunta el festival en su misiva. «No podemos más que agradeceros vuestra paciencia, amor y comprensión ante este escenario tan incierto».
A su vez, Primavera Sound comunica que Primavera Pro, su encuentro para profesionales de la industria musical, sí celebrará una edición 100% virtual este año, del 21 al 24 de julio de 2020, «con el objetivo de analizar, reflexionar y debatir acerca de los innumerables retos que afronta el sector en este nuevo paradigma».
Como tantos otros espectáculos musicales, en este caso televisivo, Televisión Española se vio obligada a suspender sine die la edición 2020 de Operación Triunfo, que estaba en curso cuando el gobierno de España decretó el estado de alarma por la COVID-19. De hecho, estaba ya en su recta final, con nueve concursantes en liza (recordemos sus nombres, porque puede que ya ni lo recuerdes: Nia, Gèrard, Flavio, Anaju, Samantha, Eva, Hugo, Bruno y Maialen) y cuatro galas por delante. Hoy el ente público anuncia que el talent-show vuelve para su culminación el día 20 de mayo, y aclara todas las posibles dudas que eso podría generar, dada la situación.
Para empezar, los concursantes ingresarán días antes en la academia tras someterse (y superar, claro está) a tests para la detección del coronavirus, del mismo modo que todos los trabajadores del programa. Una vez allí, continuarán su preparación «según las directrices de los Servicios de Prevencion de GESTMUSIC y RTVE», con unas medidas «conforme a las indicaciones del Ministerio de Sanidad» que se detallan en parte. Se aclara que no habrá masterclasses presenciales, y que de haberlas serán de manera telemática, al igual que las clases de voz y movimiento de Natalia Calderón y de cultura musical de Zahara.
Además, se confirma que las cuatro galas serán sin público, lo cual se contradice un tanto con la razón esgrimida para su suspensión: teóricamente fue «por no poder mantener el formato de galas que caracteriza al talent musical»: no habrá bailarines ni músicos que acompañen a los concursantes, que tendrán su propio micro durante toda la gala y habrán de vestirse y maquillarse solos «en la medida de lo posible». En la gala del día 20, los dos concursantes que se jugaban su permanencia en la Academia antes del confinamiento, Gèrard y Hugo, se jugarán su permanencia en la academia. También parece confirmado como presentador Roberto Leal, lo cual podía verse en cuestión después de que se anunciara a bombo y platillo su fichaje por Antena Tres para presentar el regreso al canal de ‘Pasapalabra’.
Se pondrá así fin a una de las ediciones de Operación Triunfo que peores datos de audiencia ha cosechado pero también una de las más polémicas. Justo el pasado viernes se estrenaba ‘Sal de mí’, la canción que los chicos de esta edición de OT han compuesto con el cantautor Andrés Suárez dentro de la academia como ejercicio.
Desde Pamplona, Melenas se han consolidado durante el último par de años como una de las bandas fundamentales del underground nacional. Si volaban los vinilos de su debut, este segundo álbum llega al mercado con 200 copias ya despachadas, lo que en España sabemos que equivaldría a un buen top 50 en nuestra lista de ventas si esta fuera exhaustiva y contaran todas las tiendas y webs de bandas a la británica. ‘Días raros’, título ya ideado antes de la crisis del coronavirus, pues el álbum se grabó el verano pasado, no presenta grandes novedades respecto al «fuzz pop» que conocimos en pequeños hits como ‘Mentiras’ o ‘Gira’. Oihana, Leire, María y Lauri continúan haciendo de las guitarras eléctricas, los teclados y la reverb su seña de identidad, sin miedo a que las letras queden en un segundo plano, a veces ininteligibles.
Ese tipo de sonido es el vehículo idóneo para unas canciones que hablan sobre nuestras obsesiones, como sucede en el sencillo ‘No puedo pensar’, si bien es el paso del tiempo el tema más recurrente de ‘Días raros’. «Desde la cama tumbadas vemos el tiempo pasar / no hace falta decir nada, nos vemos al despertar», dice la última canción ‘Vals’; un tema recibe el título de ‘El tiempo ha pasado’ y otro el de ‘Ya no es verano’, y los recuerdos de otra era nutren los textos de composiciones como ’29 grados’ («te puedo imaginar en el mismo lugar / pero tú ya no estás»). Dicen Melenas que con este álbum querían “plasmar un estado de ensimismamiento y de ensueño», sensación especialmente conseguida en la letra de ‘Despertar’, con frases como “sin querer cierro los ojos, vuelvo al sitio que soñé / de aquí no me moveré» o «no me despiertes de este sueño en el que todo me va bien».
Pero la banda también ha querido celebrar «momentos de querer salir, de buscar el otro lado, de sacar chispas a lo que hay fuera, de divertirse y no pensar en nada más», entregando composiciones muy revitalizantes, saltarinas y a veces divertidas. En contraste con la balada de frases planeteras ‘El tiempo ha pasado’ («Aquí sentada en mi cuarto ya llevo días pensando qué harás, volveremos a hablar / qué harás si seguirás igual»), de bonita outro dream pop a los teclados; vuelven a brillar las melodías ultrapop como en el álbum anterior. Es el caso de ‘Despertar’, marcadísima por su batería; ‘3 segundos’, casi un rock’n’roll bailable cuyo estribillo es «papapapá»; o la estupenda ‘Ciencia ficción’, cuya sesentera secuencia de acordes podría haber sido firmada por los mejores Astrid. Los amigos Tamu Tamurai (Exnovios) y Jaime Cristóbal (J’aime) firman la producción de un álbum ciertamente ensimismado y romántico, en el que asoman ciertos visos de madurez. ‘Ya no es verano’ pasa de «recuerda este momento, por favor / tanto como lo haré yo» a «no hace falta que digamos nada más, no alarguemos el final».
Calificación: 7,3/10 Lo mejor: ‘3 segundos’, ‘Ciencia ficción’, ‘No puedo pensar’, ‘El tiempo ha pasado’ Te gustará si te gusta: Veronica Falls, The Jesus and Mary Chain, The Raveonettes Escúchalo: Bandcamp
Este fin de semana Guille Mostaza (ex-Ellos) y que acaba de publicar ‘Desventura’, segundo disco junto a Frank Gálvez (ex-Gasca), se ha convertido en cronista de uno de los chafardeos más alucinantes del pop reciente. Uno que tiene como extraños co-protagonistas a Depeche Mode y a Rosario «Chayo» Mohedano, la sobrina-cantante de Rocío Jurado. Mostaza, que incluso ha sido citado como fuente/cronista en el programa de cotilleos de Telecinco ‘Socialité’, desvelaba este pasado fin se semana la historia: el pasado 24 de febrero (Guille habla de abril, pero sucedió dos meses antes) Rosario y su distribuidora Lanzadera Music mostraban la portada del que será su nuevo trabajo titulado ‘Rosa de febrero’. A la vez revelaban su primer single, titulado del mismo modo y dedicado a su popular madre Rosa Benito, como queda claro en su clip oficial, no apto para diabéticos.
Hasta aquí todo OK para los fans de Cadena Dial y Radio Olé. A casi nadie le escamó nada hasta que, de alguna manera inverosímil, el dibujo de una rosa roja sobre fondo negro cortada en el centro por el título del álbum llegó hasta el afamado fotógrafo y realizador Anton Corbijn, nada menos, que hizo acto de presencia en los comentarios de su Instagram para señalar la «originalidad» de la propuesta. Se refería, claro está a la evidente similitud de esta con la portada de ‘Violator’ de Depeche Mode, disco que hace unas semanas cumplía 30 años y que convertía a los británicos en un grupo masivo a nivel global, vendiendo varios millones de copias.
Esto ha inspirado una serie de de cachondos memes –no nos queda claro si por iniciativa popular o del propio Guille– que proponen portadas alternativas para ‘Rosa de febrero’. Lamentablemente, Chayo ha optado finalmente por una simple foto de sí misma con sus pose y sonrisa más naturales. La cantante no se ha pronunciado sobre la polémica en ningún momento, pero sí ha retuiteado un mensaje de ¿una fan? que, con distintos ejemplos (muy cogidos con pinzas, en nuestra opinión), reúne portadas de discos que «el destino quisieron (sic) que compartieran similitudes en la idea creativa». También, difunde otro mensaje de la misma persona (y al parecer jueza especializada en propiedad intelectual, puesto que asegura que «no existe plagio») que dice que la portada «se ha cambiado porque se ha hecho una reedición para actualizarla ya que ha cogido en pleno confinamiento la promoción». ¡Okidoki!
Puea el equipo de diseño parece haber copiado la portada de Violator de Depeche mode del año 1990. De todas maneras mis felicitaciones para @RosarioMohedanopic.twitter.com/6UXKK8c7eb
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Gracias a dios en la industria de la música hay mucho compañerismo. Desde discográficas multinacionales me mandan estas portadas de distintos artistas que no tienen plagio pero el destino quisieron que compartieran similitudes en la idea creativa. Gracias compañeros.@socialitet5pic.twitter.com/h25rKB7Gzz
ACLARACIÓN: 1. No existe plagio 2. Es una rosa encargada adrede de creación propia 3. Ha pasado todos los filtros que se pasan desde la distribuidora central. 4. Se ha cambiado porque se ha hecho una reedición para actualizarla ya que ha cogido en pleno confinamiento la promoción
Al rapero conocido como Tekashi69, o 6ix9ine, le ha venido estupendamente todo esto de la crisis del coronavirus: encarcelado desde noviembre de 2018 por pertenencia a banda armada, ha conseguido salir de la cárcel varios meses antes de lo previsto, puesto que el juez ha considerado que su condición de asmático le ponía en riesgo en prisión. Y un mes después de su liberación, Daniel Hernández ya ha lanzado su primer single post-trullo, ‘GOOBA’, con el que ya ha batido un par de récords.
Estrenado el viernes pasado, el clip de ‘GOOBA’ –en el que, una vez más, recurre a su reconocible estética multicolor, esta vez con seis chicas vestidas y teñidas cada una en un color del arcoiris– supera ya los 84 millones de visualizaciones en Youtube. Según algunos medios, los 43 millones de visualizaciones que obtuvo en las primeras 24 horas lo convitieron en el vídeo de hip hop más visto en la plataforma en ese plazo, superando a ‘Kill Shot’ de Eminem, con 38M. Además, el streaming en directo que Tekashi llevó a cabo en su Instagram para presentar la canción fue visto por más de 2 millones de personas, batiendo también una marca. En Spotify, ha entrado directamente al top 6 global, no muy lejos de los nuevos singles de Travis Scott y Drake. Y todo ello, sin el apoyo de una gran multinacional de la música.
Pero no todo el mundo recibe igual de bien a 6ix9ine: en las últimas horas, Snoop Dogg ha reprochado a Meek Mill y un ejecutivo de Tidal que «apoyen a esa rata»… que es como se suele llamar en el argot gangsta a los chivatos. 6ix9ine había conseguido reducir su condena a dos años tras delatar ante el juez a los miembros de una banda de delincuentes neoyorquina que habría sufragado, supuestamente, su carrera, implicando también a Cardi B en el asunto, entre otros. Según reportaba TMZ, rechazó ser incluido en el programa de protección de testigos para, presumiblemente, que eso no le impidiera cumplir con un millonario contrato discográfico. En todo caso, Hernández tendrá aún que responder a varios juicios pendientes, entre ellos el relacionado con el tiroteo en el que se vio envuelto junto con Kanye West, que participaba en la filmación de una de sus colaboraciones en ‘DUMMY BOY‘.
Antes de que la pandemia del coronavirus se cebara especialmente con la comunidad de Madrid, teníamos ganas de hablar con la organización de Tomavistas sobre su personal línea editorial, sobre sus particulares notas de prensa, sobre sus espinitas clavadas, sobre el camino que ha seguido como pequeña empresa hasta convertirse en una de las citas imprescindibles de la ciudad… Lo que leéis bajo estas líneas es una entrevista en dos mitades: una se realizó antes de la covid-19 y la otra obligadamente se ha hecho ahora dada la nueva situación. Tomavistas, que había confirmado a artistas como Suede, Jarvis Cocker, Amaia, The Horrors, of Montreal, Austra, Los Punsetes y León Benavente, ha sido aplazado desde mayo al primer fin de semana de septiembre. A día de hoy aún su futuro es incierto tras la suspensión de toda fiesta popular este verano en Madrid, y a la espera de medidas y restricciones por parte del gobierno central. Hablamos con la organización del festival, esto es, Imarú Aledo, Jose Gallardo y Willy G. Blesa. Foto: Javier Rosa.
¿Cómo estáis viviendo el confinamiento? ¿Cómo ha sido la decisión de retrasar el festival debido a la covid-19? ¿En qué momento se tomó exactamente la decisión?
Jose: «Pues la verdad es que no hemos dejado de trabajar de forma intensa, así que está siendo un confinamiento entretenido y emocionalmente complicado. Ya desde el 5 de marzo fuimos conscientes de que la cosa se podía poner difícil, así que lo primero, sin tratar de alarmar mucho a las bandas, fue pensar en un aplazamiento, elegimos unas fechas y empezamos a tantear a las agencias. En todo momento considerábamos que nuestra obligación era mover el festival como única opción, siempre y cuando se confirmara que las autoridades no nos dejaran hacerlo en mayo como así ha terminado siendo porque aún estamos en estado de alarma y el festival tendría que celebrarse dentro de 10 días. En 20 días ya teníamos asegurado el cambio con el line up intacto en un 90% y conservando a todos los cabezas de cartel, hemos recibido mucha comprensión y apoyo por esa parte tanto de bandas como del público».
Willy: «Entiendo que como todos, intentando sacar adelante los días con el mejor humor y predisposición. En esta nueva normalidad hemos tenido que tomar muchas decisiones en muy poco tiempo, una de ellas, retrasar el festival. Nos dimos cuenta bastante pronto, ya que toda la información que recibimos era muy poco positiva en relación a los eventos masivos. Una vez pudimos hablar con todas las partes integrantes y valorar el impacto de aplazar el evento, decidimos anunciarlo en medios».
El ministro de cultura no ha querido aún hablar del escenario de los festivales, pero según algunas voces tampoco habrá conciertos en otoño o muchas bandas no podrán venir porque no girarán hasta 2021. ¿Cuál es vuestra situación? Hay cierta desazón al respecto tras la no devolución del dinero en algunos festivales, pero se está explicando que «aplazar» es la única manera de que los festis no se declaren en bancarrota.
Jose: «Los festis vamos a quedarnos muy tocados sean cual sean, y sean cuando sean, las decisiones del ministro, que parece que posterga a no se sabe cuándo, mientras vemos que en todos los países de nuestro entorno están cancelando todos los festivales hasta septiembre y octubre. Somos muy poco optimistas de que Tomavistas se pueda hacer en septiembre y en este momento lo que queremos es ponernos a trabajar en 2021 si queremos que esto no nos hunda del todo. Tenemos hipotéticamente un año por delante para la próxima edición y hay que ponerse a trabajar ya.
Sobre las devoluciones tenemos un problema y es que los seguros de cancelación no cubren la Fuerza Mayor provocada por una pandemia, así que estamos desprotegidos y el dinero de las entradas ya se ha invertido en pago de impuestos de las entradas, adelanto de cachés de artistas, comunicación y publicidad y pagos del personal que lleva trabajando desde hace más de un año en esta edición, es decir, el dinero en su mayor parte ya no está y tenemos que valorar muchas opciones para poder afrontar esa situación tanto para el aplazamiento que tenemos anunciado como para una posible cancelación definitiva que bien podría materializarse en breve. Como no depende de nosotros, el agotamiento tanto nuestro como de todas las agencias de contratación, es bastante importante al tener las dos opciones activas encima de la mesa y eso empieza a ser ya insostenible».
Willy: «Es bastante desolador averiguar que el sector en el que desarrollas tu actividad profesional y vital es probablemente el último en considerarse. No sabemos nada y probablemente seguiremos así algunas semanas más. Necesitamos el apoyo de todas las partes para sobrevivir, desde las administraciones públicas, patrocinadores y obviamente el público. A este último en nuestro caso estamos informando y dando la seguridad suficiente, es nuestra manera de hacer las cosas. Creo que debemos seguir trabajando en ese sentido, informando y haciendo partícipe al público. Es complicado ganar la confianza de alguien y muy sencillo hacerla perder».
«Necesitamos el apoyo de todas las partes para sobrevivir, desde las administraciones públicas, patrocinadores y obviamente el público»
¿Podéis contarme algo sobre la génesis del festival? Mucha gente tiene la visión de que ya es un gigante de Madrid, pero tengo entendido que en verdad es bastante familiar, una cosa montada por amigos, ¿no?
Jose: «Estábamos empezando a conocernos. Empezó con una relación laboral ajena a este proyecto aunque relacionada con el sector y que al final nos hizo muy afines. La relación pasó a convertirse en un festival, luego en una empresa y ahora en un festival un poquito más grande, por el camino hemos formado una familia».
Imarú: «Han pasado ya 7 años y en nuestro caso, el de Willy y el mío, hemos formado dos familias, nuestra querida Familia Tomavistas y una en la que nos acompañan dos niñas de 2 y 6 años. Teníamos un proyecto entre manos, Willy y yo fuimos los primeros que nos juntamos para hacer una agencia de consultoría musical, él viene de discográfica y yo de agencia, vimos una oportunidad y montamos una pequeña agencia, desarrollamos un proyecto para una marca y contamos con Jose para que nos ayudara con el booking y de ahí hasta ahora. Nos han pasado muchas cosas bonitas pero yo puedo resumir estos años en dos palabras: “Lucha constante”».
Willy: «Partimos desde el mismo lugar los 3, teníamos muy claro qué tipo de festival queríamos hacer y qué valores debía tener. Ahora que han pasado casi 7 años, he de decir que somos todavía más amigos y que trabajamos en un proyecto que tiene vida propia. Tomavistas nos dice qué se puede o no se puede hacer».
Supongo que es feísimo elegir, ¿pero podríais escoger un concierto o un par de conciertos que hayan marcado la historia del festival? ¿O alguno del que todo el mundo te hable cuando habla de Tomavistas?
Jose: «Beach House en 2019. Histórico».
Imarú: «En realidad, vemos pocos bolos durante la producción, yo el año pasado gocé en grande un paseo que me di por el auditorio durante el concierto de Morgan, creo que llegué a llorar, el ambiente que se respiraba era acojonante».
Willy: «Yo vuelvo al inicio y estoy absolutamente de acuerdo con Jose, Beach House y Spiritualized 2019».
«Queríamos contratar a Beach Fossils de manera enfermiza», «descubrimos a Boy Pablo en Oslo», «hemos oído el disco de Austra y será su obra cumbre»… vuestras notas de prensa tienen estos guiños más personales que la media. ¿Queréis así diferenciaros o mostrar un lado más humano de la organización?
Imarú: «Hay varios valores que definen Tomavistas y uno muy importante es la personalidad y el cariño con el que hace la programación, estas cosas hay que contarlas, digamos que es una diferenciación, pero no buscada, sale natural».
Jose: «Creo que cuando haces una nota de prensa, hay que tratar de contar historias para que la gente pueda entender cómo una banda y un festival llegan a fusionarse en momentos determinados, explicar un poco la química que hace que las cosas sucedan».
Willy: «Yo no entiendo la vida sin esa pizca de humanidad y empatía. Por ese motivo intento que todo aquello que hago y digo tenga ese componente emocional. Me gusta la gente, que le voy a hacer…»
¿Qué trabajo tiene que hacer la organización de un festival durante el año pero no se ve tanto? Al margen de patrocinios y relación con las instituciones, que supongo que es la parte más rollo, por ejemplo, ¿cuántos viajes al año hacéis para ver a artistas en directo y luego seleccionarlos?
Jose: «Hay mucho trabajo que hacer de todo tipo. Lo de los viajes creo que hacemos menos de los que nos gustaría, pero sí es cierto que visitar otros festivales, como por ejemplo Paredes de Coura, mi festival favorito a parte de Tomavistas, te infecta un poco la cabeza. Allah-Las por ejemplo tocan este año porque en 2015 me enamoraron en el Paredes y por fin les hemos podido hacer después de intentarlo todos los años desde entonces. Aquel año flipé con Temples, con ellos tuvimos mejor suerte y les hemos contratado 2 veces».
Imarú: «Las relaciones con patrocinadores e instituciones también construyen, hacen que el festival sea posible e incluso aportan valor al festival, al final son partners y todos, en su medida, aportan al festival. No es rollo, es bonito, a mí me gusta. Y viajar… sí, menos de lo que nos gustaría, tampoco hemos estado muy boyantes como para ponernos a viajar y ver festivales para crear el mejor…» (risas)
Recuerdo haber visto a Agorazein en Tomavistas, y creo que la gente se lo pasó guay, pero la música urbana no identifica en general el festival. ¿Es una cuestión de gustos personales o estratégica porque veis que hay una gran parte del público que realmente odia todavía esa música a día de hoy?
Jose: «Fue C. Tangana, pero sí, estuvo muy guay. Creo que no hay una música concreta que identifique al festival, creo es más un nexo de otras cosas, más de emoción y trascendencia. Nadia Rose, Mikal Cronin o Austra a pesar de que sus estilos sean muy dispares, tienen muchas cosas en común, les escuchas y dices: «¡guau! ¡Lo tienen! Y tienen que estar en Tomavistas».
«Paridad, cuotas… lo he dicho otras veces, me gusta la música, la haga quien la haga»
Goldrapp, Austra, Javiera Mena, Hercules & Love Affair… se habla mucho de paridad pero parece que vosotros lleváis años cuidando la cuota LGTB+. ¿A qué se debe?
Jose: «Paridad, cuotas… lo he dicho otras veces, me gusta la música, la haga quien la haga y hay gente increíble haciendo música maravillosa, no vamos en búsqueda de contentar a nadie. Creo que va más de apostar por la sensibilidad y no tanto de equilibrar géneros. Si aportamos nuestro grano de arena para fomentar la igualdad, pues encantados porque creo que es muy importante que esto suceda y se naturalice».
Imarú: «Es importante no cerrarse a públicos, pero vamos, yo creo que esto nos sale de manera natural porque es nuestra forma de vivir».
Llama mucho la atención la línea nacional del festival, con muchos grupos noveles interesantes, por ejemplo Pantocrator, Chaqueta de Chándal… ¿es una de vuestras preocupaciones, no? ¿Con cuánto tiempo de antelación se ficha a artistas noveles? Quiero decir, si ahora mismo salieran o empezaran a petarlo, yo qué sé, Adiós Amores, ¿su contratación ya sería para el año siguiente?
Jose: «Digamos que es un fichaje constante. Mira, no conozco a Adiós Amores, de repente los escuchamos y tocan el año que viene. Para este año y con el cartel cerrado ya es imposible, pero tal vez hace unas semanas no lo hubiera sido. La escena alternativa en nuestro país está en un momento increíble y hay que estar atento porque de repente pasan cosas. Siempre dejamos algún hueco final para sorpresas de última hora».
Imarú: «“No conocía esta banda, la vi en Tomavistas y ahora la escucho en bucle”: creo que no hay un testimonio más chulo que esto».
Luego da la sensación de que nunca actuaría en Tomavistas cierto tipo de grupo nacional, como Izal, Love of Lesbian, Vetusta Morla. Sin embargo, sí se ha visto a Pucho como asistente. No sé si le invitasteis o se compró el abono, pero si Vetusta no van a Tomavistas, ¿es por una cuestión presupuestaria o editorial?
Jose: «Nos consta que Pucho es fan del festival y ha venido ya unas cuantas veces. Vetusta Morla podrían tocar en el festival, personalmente les tengo un inmenso cariño y respeto desde hace muchos años, así que con ellos no hay un problema editorial».
Me encanta el parque Tierno Galván y es relativamente céntrico, ¿pero alguna limitación física que impida que la disposición de escenarios, de las barras o de los baños sea como de verdad os gustaría?
Willy: «El parque es increíble, pero como cualquier cosa increíble, tiene sus limitaciones. Por poner un ejemplo, no podemos generar tráfico en el vial de entrada, hacemos más de 300 portes de entrada y 300 de salida, imagina lo tedioso que es ese trabajo».
Imarú: «Si solo fuera alguna…»
Por ejemplo, el escenario 2 tiene muchísimo encanto, pero me parece un poco rara la disposición de su barra: ahí hay gente pidiendo de paso, la gente cenando y la gente que está en ese escenario.
Willy: «Nos gustaría poder ofrecer otros espacios diferentes dentro del parque, pero nosotros no tenemos la última palabra».
Jose: «Sí, es un poco camarote de los Hermanos Marx. Creo que tiene mucho que ver con la pregunta anterior».
¿Cuál dirías que ha sido el momento más duro del festival?
Jose: «El final de la edición de 2016. Ese día cambió mi vida para siempre. Hasta ahí puedo leer».
Willy: «Hemos vivido momentos durísimos, hasta el punto de plantearnos si realmente merecía la pena continuar. Mi sensación es que nos ha hecho más fuertes y con una experiencia increíble para resolver casi cualquier problema».
Imarú: «Casi… Sí, después de la paliza de la producción averiguar cuál había sido el resultado del festival fue durísimo, pero nos hizo aún más piña, decidimos tirar para adelante y estamos muy orgullosos de ello porque lo hemos hecho juntos».
«Es realmente angustioso ver por ejemplo cómo entra una borrasca por el norte o cómo una epidemia puede hacer saltar por lo aires todo en cuestión de horas»
Estuvo el año de la tormenta. Como usuario lo viví como algo divertido, no sé si porque ya he ido a muchos festivales y celebro toda anomalía: gente debajo de los bancos, gente secándose con el secador en los bares cercanos, gente trayendo calcetines secos a colegas… No sé si vosotros en verdad vivís estas cosas con verdadera angustia, en plan, parte meteorológico en el smartphone 24/7…
Willy: «3 semanas antes del montaje estamos enganchados a todo tipo de aplicaciones que nos hablan de todo tipo de marrones que van a suceder. Es realmente angustioso ver por ejemplo cómo entra una borrasca por el norte o cómo una epidemia puede hacer saltar por lo aires todo en cuestión de horas».
Jose: «Parte meteorológico, evolución de epidemias, vuelos de artistas, tráfico, flujos de público… Sí, es bastante jodido todo».
No recuerdo que ese año hubiera que cancelar gran cosa, ¿pero qué pasa cuando en un festival hay que hacer cancelaciones gordas? ¿Todos estáis cubiertos por las aseguradoras u os enfrentáis a pérdidas o grandes daños a nivel imagen, ventas para el año siguiente, etc? En resumen, ¿cuáles son las consecuencias de cancelar por temporal en un festival?
Willy: «Por suerte solo hemos cancelado 1 concierto en las 5 ediciones del festival, solo 1 entre mas de 200 bolos. Es horrible porque no sabes si el chaparrón que acaba de caer es pasajero o por el contrario se va a quedar ahí por horas».
Imarú: «Ese día fue muy heavy, “ya deja de llover, ¿no?”, “me ha dicho no sé quién que viene de su barrio y ha durado 20 minutos… Depende del tiempo que lleve el festival en marcha, si se han celebrado más del 50% de las actuaciones o no. No va por el tamaño del artista sino por el tiempo transcurrido, si cancelas a las 11 de la noche, has abierto puertas a las 17.00h y cierras a las 03.00 y no ha tocado el cabeza de cartel, el seguro no te cubre la cancelación porque considera que ya se ha celebrado más de la mitad y no cubren nada. En base a las pólizas de los seguros y las leyes de cada comunidad están hechas las condiciones de venta, gustarán más o menos, pero es lo que hay. También te digo que hay ciertas causas mayores que tampoco cubren los seguros, al final son como los de tu casa, hay que andarse con ojo porque a la mínima… «ay… eso no está cubierto». Si bien tengo que decir que nosotros estamos felices con el nuestro, es bastante coherente».
¿Alguna espinita clavada de artista que os gustaría llevar pero no pueda ser por razones presupuestarias? Si tuvierais el presupuesto de Coachella, ¿quién sería el primer elegido?
Jose: «Si tuviera el presupuesto de Coachella, que por cierto no tengo ni idea de cuánto puede ser, no sabría por dónde empezar, creo que lo primero que haría sería bajar el presupuesto a la mitad, como poco. Estoy infectado por la búsqueda del ahorro».
Willy: «A mí personalmente me apetecían bastantes bandas de los 90. Recuerdo ir a ver 1 hace bien poco y salir totalmente abochornado del concierto. En ocasiones la realidad supera la ficción».
¿Y alguna que no haya podido ser por razones logísticas o de fechas, pero casi-casi (aparte de Beach Fossils)?
Imarú: «De momento logísticas no, pero las limitaciones del parque no nos dejarían traer según qué artistas, no cabe un tráiler, como ha dicho Willy solo hay un vial de producción. En fin, que los Stones con sus 8 trailers (uno el gym de Mick Jagger, no podrían venir a Tomavistas en el formato de producción actual».
Jose: «Por las fechas, cientos, pero no digo nombres porque somos cabezones y si no se puede un año, se intenta otro».
Este viernes 15 de mayo se publica ‘Quickies‘, el nuevo álbum de The Magnetic Fields que es, con todo mérito, nuestro Disco de la Semana. En él, Stephin Merritt y su grupo (los habituales Sam Davol, Claudia Gonson, Shirley Simms y John Woo, junto a otros colaboradores entre los que se cuenta Daniel Handler, el hombre tras el alter ego literario Lemony Snicket) se enfrascan esta vez, tras el tan vasto como rico ‘50 Song Memoir‘, en reunir una colección de «rapiditas», como su propio título indica: apenas una de sus 28 canciones supera los 2 minutos y medio, mientras que varias no alcanzan ni el minuto de duración.
Lo cual no implica que sea un disco menor en su carrera, ni mucho menos. Ni ligero, como demuestra por ejemplo el que fuera su primer adelanto, ‘The Day the Politicians Died’. Sobre un fondo musical bastante sencillo –apenas un piano solemne y nada elaborado que contrata con lo cómico de su letra–, en ella Merritt celebra en boca de su mejor amiga y mánager Claudia Gonson «el día que murieron los políticos»: «Billones rieron, nadie lloró / el día que murieron los políticos. / La celebración fue mundial / el día que murieron los políticos. / Incluso sus propias madres, / sus maridos y esposas, / dijeron «¡ahora todos los hombres son hermanos!» / Sigamos con nuestras vidas».
En los tiempos que vivimos en los que lo satírico y la retranca están cayendo en desuso, despreciados por generaciones para los que la ironía y la metáfora son tan cosa del pasado como una almena o un cilicio, pueden leerse comentarios de ofendidos en el canal de Youtube. En la entrevista que tuvimos la ocasión de hacer a Merritt días atrás y que publicaremos en los próximos días, el autor de ’69 Love Songs’ se reafirmaba totalmente en su mensaje. A la pregunta del por qué ahora esta canción, respondía: «Lo que me maravilla es por qué no la he hecho antes». No le gustó demasiado que le cuestionáramos si este era un disco concienciado o político: «Aunque no estaba siendo irónico sobre estos temas, (…) realmente me encantaría que cada político del planeta NO estuviera muerto ahora mismo». Y, como en muchas canciones de Stephin, el giro final da la clave de su trasfondo: «Hemos salido del barro. / Somos distintos a las bestias. / (Ahora) que hemos saboreado la sangre, / devoremos a todos los curas».
En agosto de 2017 teníamos ocasión de entrevistar a una jovencísima artista australiana con el casi impronunciable nombre de Tkay Maidza. Charlábamos con ella a cuenta de su álbum debut del año anterior, ‘TKAY’, que dejaba vislumbrar un considerable potencial con su batidora de pop, hip hop y electrónica bailable. Su progresión se ha hecho esperar más de la cuenta quizá por su ruptura con Kitsuné, llevándola a emprender una nueva etapa de autogestión. Pero singles como la impetuosa ‘Flexin´‘ –parte de la mixtape ‘Last Year Was Weird Vol. 1’, lanzada a finales de 2018– y, ya el año pasado, ‘Awake‘ (ft. JPEGMAFIA) y ‘IDC IF U BE DED‘ exponían su particular visión musical, con un rap duro y experimental pero con gancho.
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