En una carrera en la que tantos de sus discos se identifican por los colores, del azul al negro pasando por el blanco, el verde y el rojo, Weezer han titulado ‘OK Human’ uno de sus discos más «coloridos». Lo es por la orquesta de 38 músicos con que han grabado este nuevo álbum. Y también hay que hablar de lo seguros de sí mismos que suenan melódicamente, incluso cuando los títulos de las canciones y las letras nos están diciendo todo lo contrario. Tomemos como punto de partida el single ‘All My Favourite Songs’: Rivers Cuomo se pregunta qué le pasa, por qué todas las canciones que le gustan son tan tristes. Y sin embargo el tema es de esos que te reconcilian con el mundo.
Los puntos de inspiración en estas canciones han sido el disco de Harry Nilsson haciendo versiones de Randy Newman, ‘Pet Sounds’ de Beach Boys (ya tenían un tema llamado como el grupo de Brian Wilson) y de nuevo los Beatles. Si estos cantaban ‘Here Comes the Sun’, Weezer ya tienen su ‘Here Comes the Rain’ que, de nuevo, suena más constructiva que trágica.
Lo que parecen haber olvidado es que en ‘Revolver’ no todas las canciones sonaban como ‘Eleanor Rigby’. Que ‘Viva la Vida’ de Coldplay era más la excepción que la regla en el disco homónimo de los de Chris Martin. En ‘OK Human’ las cuerdas están siempre presentes, a veces rozando lo pomposo, y más que en la estela de Nick Drake, en una más modesta, como Travis o Cranberries. Eso no es malo, si bien esa cita a Gainsbourg en un tema sobre un plato vegetariano hindú llamado ‘Aloo Gobi’ les sitúa en un incómodo punto intermedio. Ni hermoso ni hilarante, suena un poco acomplejado.
Eso es también 100% Weezer. Simpático. Campechano, si la deriva del rey emérito permite el uso indiscriminado de esta palabra. El grupo de Rivers Cuomo, que tanto se curró los textos hace poco en ‘The Black Album‘, ofrece aquí unas reflexiones muy sencillas sobre las redes sociales y la pandemia, cayendo en las generalidades. No esperéis reflexiones sesudas sobre lo lamentable que es que estemos enganchados a pantallas 24/7 como nos cuenta ‘Screens’, que referencia a BLACKPINK; o al número de «likes», como nos cuenta ‘Numbers’.
En ocasiones los temas de Weezer resultan bobalicones como un capítulo de ‘Barrio Sésamo’ en el que Coco nos explica la diferencia entre «cerca» y «lejos». El caso es que ellos conocen perfectamente esa diferencia porque estuvieron allí. Titulando un álbum tan modesto en respuesta a algo tan grande ‘OK Computer’ se condenan a ser la parodia cuando para mucha gente en 1994 eran tan importantes como Radiohead. De verdad. La buena noticia es que saben dónde están. Perdida entre canciones de amor hacia la esposa de Cuomo, como ‘Mirror Image’, ‘Bird with a Broken Wing’ habla sobre la sensación de haber perdido el tren. Al menos lo cuentan, se desahogan y por el camino entregan un disco que, por el modo en que está arreglado, no confundiremos con otras de sus obras. No está mal para un 14º álbum.
Megan Thee Stallion ha colocado en el número 34 de la lista de vídeos más vistos en Youtube España el videoclip de su nuevo single, ‘Cry Baby’ con DaBaby. Se trata de uno de los cortes más escuchados de su debut oficial ‘Good News‘, que veía la luz hace unos meses, alcanzando el top 2 de álbumes de Estados Unidos.
‘Cry Baby’ es un tema de trap de melodía inquietante, pero su videoclip es todo lo contrario, una explosión de color que, dirigida por Colin Tilley, sitúa a Megan y a DaBaby en el almacén de una tienda de juguetes. El homenaje a ‘Toy Story’ se ve a la legua. Y se nota que el sello de Megan confía en que ‘Cry Baby’ alcance cierta repercusión gracias a su videoclip porque el presupuesto invertido en él recuerda al de vídeo de ‘WAP‘, su single con Cardi B, que en palabras de esta, costó la friolera de 1 de millón de dólares.
Al margen de lo que pueda haber costado el vídeo de ‘Cry Baby’, lo cierto es que es un caramelo para la vista: entre los mil atuendos que lleva Megan, las otras mil pelucas que la hacen parecer Nicki Minaj en la época de ‘Beez in the Trap’ y la cantidad de escenas espectaculares que se suceden una detrás de otra a pesar de durar más o menos un segundo en pantalla, no hay un solo instante en el vídeo de ‘Cry Baby’ malgastado. Un bombardeo visual que está llamado a ser visionado una y otra vez… sobre todo si la canción gusta, claro: de momento su cumbre ha sido un top 44 en el Billboard a pesar de lo potente de su artista invitado.
Alexanderplatz, antes en Klaus&Kinski, ha publicado recientemente ‘Parques nacionales españoles‘, su segundo álbum en solitario, que es nuestro «Disco de la Semana». Hablo con Alejandro Martínez por teléfono mientras sortea algún tipo de contratiempo con su gato, con cierta nostalgia de los días en que el dúo murciano se convirtió en el favorito histórico de unos pocos, y venía a casa a hacer la entrevista promocional de cada disco. Ya no queda ni la casa ni el dúo, pero Alejandro sigue siendo la misma persona, con las mismas inquietudes teológicas y filosóficas, aunque parezca darle cierto pudor -la risa, desde luego- hablar de metáforas y literatura. En este mundo de featurings y desesperación, considero que no tiene sentido preguntarle por cierta parte de la realidad musical de este país. Foto: Paco Martínez.
¿Qué tal estás?
Me he mudado, vivo en La Huerta, una zona que rodea a Murcia. Pasé el confinamiento en un sitio sin balcón, y echaba de menos el aire libre, ver el cielo, las estrellas. La Huerta es como la Vega de Granada o la Huerta de Valencia, es otro paisaje. Igual que en Murcia no recomendaría hacer turismo, La Huerta me flipa. Son plantaciones de frutales, cítricos, hay sistemas de acequias… Es rollo ‘Cañas y Barro’ pero sin la albufera. ¿Cómo han sido estos dos años para ti?
Teniendo en cuenta la pandemia, como el resto de la gente. Cuesta pensar en 2019, porque 2020 ha sido tal carrusel de emociones… Dentro de lo que cabe, bien, porque no soy tan joven. Con 20 años esto te hace un Cristo, pero cuando tienes cierta edad y tu vida está medio ordenada no es tan traumático. Pero a los 20 años es perder uno de los años más importantes de tu vida.
¿El disco estaba encaminado antes de la pandemia?
En 2019 ya estaba haciendo cosas, mi manera de trabajar es similar desde hace 10 o 15 años. Empieza con un secuenciador donde vas grabando la idea, y ahí casi acabas las pistas finales que luego grabar bien técnicamente. Tenía claro que no quería estar constreñido como en el disco anterior, que creo que era como una reacción a lo de Klaus. En el anterior me centré en un sonido, en un estilo, tenía ciertas pautas. No había cuerdas reales, quería cuerdas de sintes. En este quería cuerdas reales, guitarras españolas. Quería jugar con lo que me apeteciera, lo que me cuadrara para cada canción sin pensar en lo unitario.
«El disco anterior era una reacción a «Klaus»»
¿Por eso de usar cuerdas reales me suena más la música a swing y bandas sonoras?
Eso también lo hacía con Klaus porque me gustaba. Grabar cuerdas es pesado porque son muchas repeticiones de lo mismo. Pero si eliges sonido de sintes imitando cuerdas, te lleva a los 80, que está bien si estás haciendo balada ochentera, pero buscando un sonido clásico, es mejor con cuerdas, es más realista.
¿Has querido ir haciendo más estilos esta vez o lo ves entonces parecido a Klaus&Kinski?
Me salía natural hacer esto así y esto asá, ir de un lado a otro, porque la música me gusta mucho. Con Klaus era así desde el principio, a Marina también le gustaba, nos dejamos llevar de una manera lúdica, natural. Quizá lo más raro ha sido lo del disco anterior, por reacción. No sé qué haré en el futuro, si me dará por hacer un disco de banda sonora o ambient o algún estilo más camerístico, canción de vodevil… Si no me entusiasma o si no me divierto no merece la pena porque son muchas horas, mucho esfuerzo. Como lo hago todo yo… a veces se te cae encima el trabajo. Tienes que estar muy a tope de energía para acabarlo. Me tengo que dejar llevar por algo que me apetece. Escuchas un disco y te recuerda a algo, te influye, te introduce en esas coordenadas sonoras y quieres buscar algo similar… Como el que está jugando.
«A la voz le tengo mucho respeto, todavía estoy buscando el punto exacto de encontrarme a mí mismo»
Tu voz es diferente a la de Marina, obviamente, eres un chico, pero los registros musicales son parecidos a los que había en Klaus. ¿Hay algún tipo de melodía, registro, estilo… que te pegue más por cómo es tu voz?
Eso todavía lo estoy explorando. Con Marina era muy cómodo para mí, porque me gustaba mucho su voz, me gustaba cómo lo hacía. La más insegura era ella, lo llevaba fatal, pero si yo estaba ahí era porque realmente creía en ello. A la voz le tengo mucho respeto, todavía estoy buscando el punto exacto de encontrarme a mí mismo en cuanto a sonido, en cuanto a registro. Es un proceso. Probablemente en 5 años sea de otra forma. Es como quien toca un instrumento y se pasa 20 o 30 años con él, siempre va a estar aprendiéndolo. Me interesan las formas musicales, me gusta lo instrumental, y ahora la voz es un instrumento también, y lo veo como un proceso. Hay cosas que no grabaría igual, y con los años te vas a lo agudo, a lo grave, no te gusta ese timbre y vas por otro lado… Es el instrumento más complejo que existe.
¿Por qué lo dices?
¿Cómo te explicaría? La cantidad de variables que influyen en el sonido de la voz humana es infinito. Es algo que estás trabajando con todo el cuerpo. Hay gente que de modo natural tiene facilidad y gente que entrena durante años. Toco la guitarra y sé lo que es enseñar guitarra, pero es infinitamente más simple que un organismo vivo. Es un tema de años.
¿Te fijas en alguien por el tipo de timbre que tienes? En plan, «hasta aquí puedo llegar».
Lo del timbre es un error, el timbre no se puede evitar, es el que uno tiene. Hay cuestiones técnicas que se pueden ir entrenando con el tiempo, que te van llevando a otro sitio donde te sientes más cómodo. Es algo natural en el sentido de que también la usas para hablar. No es sencillo de cambiar, como cuando tocas un instrumento. Me gustan muchos cantantes, algunos no tienen nada que ver. Puede ser música clásica o renacentista, o escuchas a un barítono como Johnny Cash, que no puedes llegar a ese tono sin ese cuerpo; o escuchas un poco más crooner, como Neil Hannon de Divine Comedy. O Skip James con su voz súper aguda… toda esa gente ha buscado su sonido de manera natural. Hay gente que empezó a cantar desde pequeñito.
«Me encantaba la voz de Marina, su personalidad, todo lo que aportaba, pero ella no era tan consciente quizá por causas de carácter, temperamento, vocación»
Marina no estaba considerada una gran cantante y ahora resulta que la gente la echa de menos. No sé si teníais claro que esto iba a pasar a lo último.
Sí, lo que pasó con Klaus es que ella se dejó llevar por todo lo que pasó, una bola que fue creciendo, que fue casi como un juego. No estaba dispuesta a pagar el peaje porque no era una vocación. Mientras duró, bien. Yo siempre la animaba a quedarse con lo bueno: «¡Hay gente que le encanta!». Si 30 personas te están diciendo algo bueno y 5 algo malo… Me encantaba su voz, su personalidad, todo lo que aportaba, pero ella no era tan consciente quizá por causas de carácter, temperamento, vocación.
¿Ella ha escuchado este disco?
No lo sé, a lo mejor sí. Tampoco si hablo con ella, le voy a preguntar esas cosas. Ni a un amigo le voy a preguntar.
¿Te da pudor o algo?
No, es que no me sale. No le pregunto a un amigo con el que hablo todos los días: «¿has escuchado el disco?». No sé, tenemos otras cosas de que hablar. Estas cosas de exhibirme no me salen. Tampoco hablo con ella habitualmente: no tengo mala relación, pero no hablamos todos los días. Hace unos meses me dijo: «he escuchado el EP, muy bien». Pero como quien dice: «he pasado por el médico a recoger la receta».
Hay un componente filosófico en el disco: la duda, la mortalidad, incluso en el vídeo. ¿Hay alguna corriente o pensamiento que te haya inquietado y lo consideres un tema primordial?
(risas) ¡Vaya pregunta!
¡Bueno! Has hecho un vídeo sobre la búsqueda del mundo ideal, la belleza, lo sublime…
Sí, sí… (risas) El vídeo contrapone un plano ideal que se puede interpretar de muchas maneras, con la realidad que es darte la hostia. La realidad aparece en escena. A la hora de hacer vídeos escoges algo que tenga un mínimo de sentido. El texto tiene que dar la pista. Está la escuela platónica dando cátedra y la realidad imponiéndose. Se puede interpretar, es un plano simbólico. Murcia puede representar el sueño, el anhelo, la muerte, otro plano-existencia. Y luego está la realidad, que viene a multarte.
¿De qué se despide la canción?
(risas) Es que me da cosa hablar de metáforas. Se despide del plano material, del plano real. La idea platónica del mundo de los ideas. Hablo de Murcia porque vivo en Murcia. Si fuera Guadalajara, sería Guadalajara. Representa la materia.
¿Qué más temas hay en el disco?
Hay cuestiones filosóficas, y cosas más triviales. Hay amor, que es el tema por antonomasia del pop, las relaciones afectivas. De hecho, quizá, es lo que más hay en el disco.
¿De verdad? No lo parece…
¡Sí! (risas)
«No puedo evitar huir del sentido unívoco y hacer las cosas crípticas, es un rasgo de estilo»
Los comentarios de JNSP han mejorado un poquito en los últimos años, y hay uno que dice que le ha gustado el disco, pero que le falta emoción. Mi interpretación es que cuando un disco no habla de amor, la gente dice que tiene menos emoción. Para mí el disco no habla tanto de amor como de lo que te he dicho antes: la duda y cosas más abstractas.
Claro… Sí, también. A veces cuando habla de anhelos imposibles, puede ser algo inasible, pero puede ser un deseo de amor. El primer tema (‘Isabel como Fernando’) es una declaración de amor un tanto oscura. El tercero (‘Todo es verdad salvo alguna cosa’) habla de relaciones afectivas, «no necesito nada más que tú», que es como un cliché de declaración de amor. Pero luego dice «a veces necesito otras cosas»: es el requiebro. Parece una canción de amor romántica, pero siempre hay un pero después.
La cosa es que tienes canciones que pueden parecer de amor o de la vida…
.. o de amistad, a un amigo o a otra persona.
…pero si luego la llamas ‘Spanien’, o le das un título que recuerda a Rajoy, le vas a dar una visión social o política.
Huir del sentido unívoco y hacer las cosas crípticas, no puedo evitarlo, es un rasgo de estilo. Es una manera de hacer pequeña literatura. Si estás hablando de alguien que se va a otro país, (titular ‘Spanien’) es el escenario para recrear «jo, que te pierdo». ‘Paseo por el río’ es amor y muerte, hay amor y tragedia. Hay un río por el que se desborda e inunda todo, pero es una ribera en la que pasear acompañado.
Esto que dices de «no tener un sentido unívoco» es por un lado no revelar mucho de ti mismo y por otro también un impedimento para llegar a la gente. Si no le das a la gente una canción puesta sobre la mesa, no se capta igual. No sé si estás de acuerdo con esta dicotomía.
Tal vez (risas) No pienso en esos parámetros. Pienso en sentirme cómodo con lo que hago en el momento en que lo estoy haciendo, en creer en ello. Tal vez, no son cosas que yo pueda valorar, hasta qué punto a la gente le va a gustar más o menos. No lo he hecho nunca, aunque a veces me haya ido mejor o peor.
«No quiero parecer pretencioso de más porque estoy en el ámbito de las canciones pop, pero hacer canciones es una pequeña forma de literatura»
Entre lo más oído de Klaus&Kinski, había componente abstracto como ‘Forma, sentido y realidad’, pero también ‘Mamá, no quiero ir al colegio’, que no puede apelar a algo más concreto. Me da la sensación de que cada vez quieres exponerte menos y menos.
Ay, pues, no sé, tal vez. Como no tengo psicoanalista que me revele todas esas cosas (risas) Quizá. O llevaba un tiempo haciéndolo y empiezas a depurar el estilo. Vas haciendo requiebros con el significado y el significante. Con el texto lo hago mucho: reiteración, juegos de palabras enrevesados, los significados que se van contradiciendo a sí mismos. A veces soy laberíntico, es muy probable. Intentas encontrar tu manera de poner las cosas con las que te sientas cómodo. A lo mejor dentro de unos años lo hago de otra manera. ¡Estoy pasando una fase modernista a lo mejor! (risas)
¿Qué quieres decir?
Me estaba acordando del poema de Juan Ramón Jiménez, hablando de todas sus fases después de hacerse modernista. No estoy comparando con la poesía, pero al final decía: «me dejo de mierdas y llego a la poesía pura». Eran como fases.
«Eso de componer para otros suele ser en mundos donde yo no me muevo»
A mí me parece interesante tratar de meter las letras de algunos artistas en un marco literario, comparando autores de canciones con grandes poetas, y me parece que tus letras podrían estar ahí. Tú mismo estás hablando de juegos en cierta medida ambiciosos.
Hacer canciones es una pequeña forma de literatura. Puedes optar por simplificarlo. Me gusta música en la que los textos dicen poca cosa o no presto atención y hay otra música en que la calidad literaria es un porcentaje muy grande del valor artístico del producto. Siempre le he dado cierta importancia, pero no quiero parecer pretencioso de más porque estoy en el ámbito de las canciones pop. No estoy haciendo gran literatura, pero es una forma literaria: cantar y las formas poéticas desde el principio de los tiempos. Hay gente que me gusta cómo escribe. Piensa en los Smiths, me gustaba todo, pero sin las cosas que escribía Morrissey no sería lo mismo.
¿Has pensado en escribir para otros artistas?
A mí nunca nadie me ha llamado para nada de eso, no sé cómo empezaría a hacer este tipo de cosas, ni si hay algún artista a quien le pudiera interesar. No es como a niveles más altos, mainstream. Supongo que las editoriales moverán a ciertos artistas, para cierto tipo de artistas. Si me saliera alguien que le viera un mínimo de sentido… pero no voy a buscarlo, ni sabría cómo buscarlo. Eso de componer para otros suele ser en mundos donde yo no me muevo. En este mundillo pasa poco, pero si alguna vez me lo encuentro, ya veré qué hago.
Sia estrena su nueva película ‘Music’ el 12 de febrero rodeada de una gran polémica por la representación que esta cinta hace del autismo. Los voces críticas hacia ‘Music’ condenan el fichaje de una actriz neurotípica como protagonista de la película -Maddie Ziegler- y la inclusión de una serie de escenas en las que esta es contenida físicamente durante una crisis, algo que muchos expertos no recomiendan, optando por métodos más amables.
A pesar de que Sia había declarado estar orgullosa de ‘Music’, la cual supone su debut como directora de cine, la cantante ha decidido «escuchar las críticas» y ha confirmado que planea incluir, al principio de la película, un aviso en el que se indique que la película «no recomienda el uso de restricción física en las personas con autismo». También ha dicho que eliminará dichas escenas de cara a proyecciones futuras, añadiendo: «he escuchado a la gente equivocada y esta es mi responsabilidad, mi investigación no ha sido suficientemente amplia y completa». La artista se refiere a su colaboración con la polémica organización Autism Speaks.
Las declaraciones de Sia citadas en este artículo pertenecen a una serie de tuits que ya no existen debido a que la cantante ha decidido abandonar Twitter, probablemente para evitar seguir leyendo críticas hacia ‘Music’. Vulture ha recogido los mensajes. La artista publicará el 12 de febrero también el disco de ‘Music’ y un nuevo adelanto, ‘Floating Through Space’ con David Guetta, podrá escucharse este viernes.
A pesar de que las primeras críticas hacia ‘Music’ publicadas en los medios están siendo nefastas, pues por ejemplo ha llegado a recibir una estrella y medio de Sydney Morning Herald y dos estrellas de The Guardian, la película ha obtenido dos nominaciones en los Globos de Oro por Mejor película de comedia o musical y por Mejor actriz de película de comedia o musical (Kate Hudson).
Hemos venido siguiendo a Ganges, el proyecto electrónico de la cántabra Teresa Gutiérrez, desde hace varios años, desde temas que han logrado la notoriedad de ‘Origami’ y ‘400 millas norte’ hasta joyas perdidas como ‘Classic Lover Covers‘. Ahora está a punto de autoeditar un nuevo álbum, del que esta semana hemos conocido en la playlist de novedades «Ready for the Weekend» y de pop nacional «Sesión de Control» el tercer adelanto. Y ‘6º’ es un tema que puede hacerle dar un pequeño salto por lo que tiene de universal. Es hoy nuestra «Canción del Día», tras su interpretación en vivo para STRIM.
La canción habla desde el despecho, el que produce ver a alguien con quien hemos sido felices, ser feliz sin nosotros. Gutiérrez se pregunta, en su lecho: «¿Cómo te has atrevido a ser feliz? Dime si es por un libro de autoayuda». A continuación, el «name-dropping» le sirve para construir sólidamente una letra que resulta hasta divertida desde sus sufridas inquietudes: «estoy aquí muriéndome y tu vida parece un cuadro de Okuda«, dice con cierto humor en referencia al artista urbano. Y luego, amenaza: «Igual mañana tengo fuerzas para reventarte a odio en Instagram».
Ganges titula todo esto «6º» porque está a punto de tirarse al vacío desde un sexto piso. «Se me cae el cielo encima y tú volarás hacia el país de nunca jamás», indica con un sencillo juego de palabras en torno a esa imagen suicida. Una fantasía que complementa con una producción excelente que alterna indistintamente con piano y una producción que podríamos asociar a la indietrónica de Postal Service o a la bruma de Flume. Como decíamos, ‘6º’ es el tercer single de lo nuevo de Ganges tras ‘Ya no te quiero’ y ‘Okinawa’.
A tenor de los últimos acontecimientos en torno a Marilyn Manson, pues varias mujeres le han acusado de abusos y le han expulsado por ello de su sello discográfico pese a que el artista ha negado las acusaciones, Trent Reznor ha querido dejar clara su postura. Por un lado, ha emitido un comunicado en el que niega que hace años ambos abusaran sexualmente de una mujer embriagada en los años 90. Por otro, ha recordado que hace casi 25 años rompió su relación con él, después de haberle fichado en 1994 para su sello para editar ‘Portrait of an American Family’ y trabajar también en su considerada obra maestra ‘Antichrist Superstar’ (1996). Marilyn Manson había dicho que se habían reconciliado.
En los últimos días ha circulado una anécdota que aparece en la autobiografía de Marilyn Manson de 1998, ‘The Long Hard Road Out of Hell’, anécdota que estaba extraída de una entrevista con un medio desaparecido llamado Empyrean Magazine, que no se llegó a publicar porque su editor dudó de los procedimientos mediante los que se había conseguido dicha entrevista, como informa Pitchfork. Trent Reznor quiere aclarar: «ya he dicho muchas veces a lo largo de los años que me desagrada Manson como persona y que terminé toda relación con él hace casi 25 años. Como dije, ese pasaje de las memorias de Manson es una completa invención. Me enfureció y ofendió cuando salió y sigue siendo así hoy».
Marilyn Manson afirmó en 2017 que se había reconciliado con Trent Reznor, indicando en el programa de Zane Lowe: «Ha sido él quien me ha mandado un mail, en el que dice algo así como: «me jode que la música ya no sea peligrosa y me recuerda a lo grande que eras y que fui yo en aquellos tiempos», en referencia a los años 90.
Pitchfork realiza también una interesante cronología sobre los momentos en que la línea entre la performance gore y violenta, que ha sido el sello de Marilyn Manson, se ha confundido con la realidad. En concreto listan los momentos en que ha sido denunciado en los tribunales o en los medios por su comportamiento violento o dudoso, en algún caso llegando a algún acuerdo al margen de la justicia (como en 2002 cuando una mujer murió en accidente de coche, supuestamente después de que Manson le diera drogas); e incluyendo la visión de su equipo.
Decía este en una ocasión sobre los maltratos sufridos por Evan Rachel Wood: «Los comentarios en Spin en los que Manson tenía la fantasía de usar un mazo contra Evan y cortarse él mismo 158 veces eran obviamente parte de una entrevista teatral con una estrella del rock, promocionando un nuevo disco, y no algo real».
Como preveíamos desde hace unos días, cuando decíamos que había logrado su primer top 40 en UK, Rosalía ha conseguido en las últimas horas su 4ª entrada en el Billboard Hot 100 estadounidense (no la 2ª, como nos han corregido en un comentario). ‘Lo vas a olvidar’ junto a Billie Eilish entra al puesto 62, algo por encima de lo que lograba ‘TKN’ junto a Travis Scott (puesto 66).
También similar era el número 64 del remix de ‘Relación’ y su mejor marca de momento es el puesto 53 de ‘La noche de anoche’ junto a Bad Bunny. Todos estos temas han superado lo conseguido en dicha lista por ‘Con altura’ y ‘Yo x ti, tú x mí’, los cuales se quedaban «bubbling under», es decir, en la lista que recoge lo que ha estado a punto de llegar al top 100. Estos dos temas llegaban a los puestos 17 y 18 de esa otra lista.
Por otro lado, existía un rumor persistente de que Rosalía aparecería junto a The Weeknd en la Super Bowl de este domingo, ya que ambos han compartido recientemente un remix de ‘Blinding Lights’, el macrohit de Abel Tesfaye. Sin embargo, el canadiense ha aclarado los rumores en una entrevista. Sus palabras han sido: «He leído los rumores pero no apostaría por ello. No habrá artistas invitados. No ha habido espacio para encajarlos en la historia que quiero contar en la actuación». Hace unos días, varios medios reproducían que esta colaboración estaba confirmada, si bien la fuente última no parecía del todo fiable: medios y redes de fans de Rosalía apuntaban a que Semana.com lo confirmaba pero era raro que desde este medio (que no es Semana.es) no lo apuntasen como una exclusiva mundial, cuando lo sería, sino como si nada.
Era como si lo hubiesen leído en cualquier lado y lo hubieran reproducido sin más en una noticia más hecha para Google, titulada más o menos «Dónde ver la Super Bowl», que dedicada a lo que ni siquiera anuncian como exclusiva. A veces cuando el río suena, agua lleva, pero en este caso parece que ha sido una falsa alarma. ¿O habrá sorpresa de última hora?
Estos días se han anunciado los nombres que podremos ver en el Festival Internacional de Arte Sacro. Para este evento no habrá que esperar casi 2 años como para la gira de The Weeknd, pues cuando decimos que se celebrará entre los días 18 de febrero y 25 de marzo nos referimos a 2021.
Bajo el lema #LACULTURAESSEGURA, se celebrarán en Madrid conciertos de Maria Arnal i Marcel Bagès, que están a punto de estrenar el primer sencillo de su esperadísimo nuevo disco, como han dejado caer en redes sociales y se lleva unos días comentando en nuestro foro del dúo; y Maika Makovski, que acaba de estrenar también el single de su inminente álbum. Maria Arnal realizarán una doble fecha, 2 y 3 de marzo en la Sala Roja de los Teatros del Canal; y de Makovski será el turno el 24 de febrero en la Sala Verde de los Teatros del Canal también. Las entradas para ambos shows han durado minutos u horas online, y ya aparecen como agotados.
Maika Makovski está presentando esta semana el primer single de su primer trabajo en 5 años. El rockero ‘Reaching Out to You’ es el adelanto de su próximo álbum ‘MKMK’, que sale el 28 de mayo, y ya se puede reservar. La canción habla «de la necesidad de conectar con la gente que tenemos lejos y que echamos de menos, de comunicarse en tiempos de soledad» y ha contado con músicos de renombre como el mismísimo Howe Gelb, como se puede apreciar también en el videoclip. El vídeo ochentero tipo ‘Drive’ es de David Iñurrieta, que ha trabajado con Biznaga.
Goat Girl han generado titulares en medios generalistas anglosajones por la sinceridad con la que tratan el asunto de la política británica, pero ellas no buscan ser encasilladas en la categoría de «banda política». Su nuevo disco ‘On All Fours’ musicalmente tiene demasiado que ofrecer como para reducir a la formación londinense a una sola cosa.
Si el debut de Goat Girl mostraba a una banda aficionada a absorber sonidos como el post-punk, el blues-rock o el rock de querencia western, ‘On All Fours’ se abre a otros universos. Las canciones son menos crudas y directas pero también más expansivas, ricas y satisfactorias gracias a la rica paleta de instrumentos que ha manejado la banda esta vez, lo que incluye sintetizadores analógicos y percusiones diversas. Dan Carey, que recientemente ha trabajado con Fontaines D.C. o La Roux, ha producido hábilmente este trabajo de rock contemporáneo en el que Clottie Cream, L.E.D., Rosy Bones y Holly Hole, quien ha sustituido a Naima Jelly (sí, estos son los nombres artísticos de las chicas), se toman su tiempo para investigar hacia dónde les llevan sus nuevas canciones, amasándolas con verdadero mimo y amor por la música. Así, 13 canciones suman casi 1 hora de duración, cuando el disco anterior contenía 19 y duraba bastante menos.
A veces los lugares a los que llegan Goat Girl son poco predecibles. El disco arranca ahuyentando a la «plaga del oeste» (es decir, a Occidente) en una ‘Pest’ que parece que va a ser un homenaje a PJ Harvey pero termina por un sendero más popero, onda The Coral. La música electrónica es especialmente prominente en ‘On All Fours’ y no solo porque el grupo incorpore episodios circenses como salidos de un mal sueño en la animada ‘Badibaba’ o envuelva todo el disco en ambientaciones tan pesadillescas como la portada del disco, las cuales parecen inspiradas en el repertorio de la BBC Radiophonic Workshop; sino también porque el disco-rock decadente de ‘Sad Cowboy’ te introduce un arpegio de música house cuando menos lo esperas y más lo necesitas.
Un trabajo más «reflexivo» que el anterior pues intenta observar el mundo desde cierta distancia, en lugar de obcecarse en incidentes concretos, ‘On All Fours’ entretiene más por la densidad de sonidos que explora que por la potencia de las melodías. Aquí, el fuerte de Goat Girl es su química a la hora de enriquecer las composiciones con episodios instrumentales y efectos diversos y, por ejemplo, son capaces tanto de recordar a los Deerhunter más «arty» en ‘P.T.S. Tea’, que habla sobre la identidad no binaria de Rose; como a Stereolab (que acaban de lanzar tema nuevo) en la apesadumbrada ‘Anxiety Feels’, cuyo título no hace falta explicar. La riqueza instrumental de ‘On All Fours’ significa que a veces el grupo no necesita letras para contar una historia, como sucede en la deliciosa improvisación de ‘Jazz (In the Supermarket)’.
Volviendo a la portada de ‘On All Fours’, es curioso lo bien que representa la música que aquí se halla. Los instrumentos suenan coloridos pero apagados, algunas atmósferas buscan lo fantasmal, y sobre todo no parece haber un solo segundo de silencio en este enorme tapiz de ritmos, texturas y efectos que van de la música disco más exquisita y orgánica de ‘Closing In’ al art-punk de ‘Once Again’, donde Goat Girl cantan que la gente efectivamente «cambia y nunca es la de siempre». Declaración aplicable a las chicas pues ‘On All Fours’ representa un gran paso adelante en su carrera.
Este medio día se han dado a conocer las nominaciones de los Globos de Oro, que se celebran el 28 de febrero y reconocen las mejores películas y series del año. Las mejores amigas Amy Poehler y Tina Fey presentarán la ceremonia con un pie en Los Ángeles y el otro en Nueva York.
En la categoría de Mejor canción original, que es la que más nos interesa a nosotros, hay que hablar de las nominaciones de la debutante Celeste, que hace prácticamente dos días competía en el ‘BBC Sound Of’ y ya se «codea» con la clase alta de Hollywood; de H.E.R., una de las cantantes de R&B más prestigiosas de Estados Unidos actualmente; y de Laura Pausini, quien en España no necesita ningún tipo de presentación. Ellas tres compiten con Leslie Odom Jr. y Andra Day.
En la edición número 78 de los Globos de Oro, ‘Mank‘ es la película más nominada con un total de seis candidaturas en su haber, seguida por las cinco de ‘El juicio de los 7 de Chicago‘. En cuanto a series, ‘The Crown‘ y ‘Schitt’s Creek’ son las que más nominaciones han recibido, seis y cinco, respectivamente. Netflix es la plataforma más nominada con 42 nominaciones (22 de cine y 20 de televisión), adelantando holgadamente a Amazon y HBO, que suman siete candidaturas cada una.
Mejor canción original
‘Fight for You’ – Judas and the Black Messiah, por H.E.R.
‘Hear My Voice’ – El juicio de los 7 de Chicago, por Celeste
‘Io Si (Seen)’ – La vida por delante, por Laura Pausini
‘Speak Now’ – One Night in Miami, por Leslie Odom Jr.
‘Tigress & Tweed’ – The United States vs. Billie Holiday, por Andra Day
Mejor banda sonora
Alexandre Desplat – Cielo de Medianoche
Ludwig Göransson – Tenet
James Newton Howard – Noticias del gran mundo
Trent Reznor, Atticus Ross – Mank
Trent Reznor, Atticus Ross, Jon Batiste – Soul
Mejor película de drama
El padre
Mank
Nomadland
Una joven prometedora
El juicio de los 7 de Chicago
Mejor película de comedia o musical
Borat, película film secuela
Hamilton
Music
Palm Springs
The Prom
Mejor director
Chloé Zhao – Nomadland
David Fincher – Mank
Aaron Sorkin – El juicio de los 7 de Chicago
Emerald Fennell – Una joven prometedora
Regina King – One Night in Miami
Mejor actriz de drama
Viola Davis – La madre del blues
Andra Day – The United States vs. Billie Holiday
Vanessa Kirby – Fragmentos de una mujer
Frances McDormand – Nomadland
Carey Mulligan – Una joven prometedora
Mejor actor de drama
Riz Ahmed – Sound of Metal
Chadwick Boseman – La madre del blues
Gary Oldman – Mank
Anthony Hopkins – El padre
Tahar Rahim – The Mauritanian
Mejor actriz de comedia o musical
Maria Bakalova – Borat, película film secuela
Kate Hudson – Music
Meryl Streep – The Prom
Michelle Pfeiffer – French Exit
Anya Taylor-Joy – Emma.
Mejor actor de comedia o musical
Sacha Baron Cohen – Borat, película film secuela
Lin-Manuel Miranda – Hamilton
Dev Patel – La increíble historia de David Copperfield
Andy Samberg – Palm Springs
James Corden – The Prom
Mejor actriz de reparto
Glenn Close – Hillbilly, una elegía rural
Olivia Colman – El padre
Jodie Foster – The Mauritanian
Amanda Seyfried – Mank
Helena Zengel – Noticias del gran mundo
Mejor actor de reparto
Sacha Baron Cohen – El juicio de los 7 de Chicago
Daniel Kaluuya – Judas and the Black Messiah
Jared Leto – Pequeños detalles
Bill Murray – On the Rocks
Leslie Odom Jr. – One Night in Miami
Mejor guion
Una joven prometedora
Mank
El juicio de los 7 de Chicago
El padre
Nomadland
Mejor película de animación
Soul
Más allá de la luna
Los Croods: Una nueva era
Onward
Wolfwalkers
Mejor película en lengua extranjera
Otra ronda
La llorona
La vida por delante
Minari. Historia de mi familia
Two of Us
Jason Bateman por ‘Ozark’ (Netflix)
Josh O’Connor por ‘The Crown’ (Netflix)
Bob Odenkirk por ‘Better Call Saul’ (Movistar+)
Al Pacino por ‘Hunters’ (Amazon Prime Video)
Matthew Rhys por ‘Perry Mason’ (HBO)
Mejor actriz de serie de drama
Olivia Colman por ‘The Crown’ (Netflix)
Jodie Comer por ‘Killing Eve’ (HBO)
Emma Corrin por ‘The Crown’ (Netflix)
Laura Linney por ‘Ozark’ (Netflix)
Sarah Paulson por ‘Ratched’ (Netflix)
Don Cheadle, por ‘Black Monday’ (Movistar+)
Nicholas Hoult, por ‘The Great’ (Starzplay)
Eugene Levy, por ‘Schitt’s Creek’ (Movistar+)
Jason Sudeikis, por ‘Ted Lasso’ (Apple TV+)
Ramy Youseff, por ‘Ramy’ (Starzplay)
Mejor actriz de serie de comedia o musical
Lily Collins, por ‘Emily in Paris’ (Netflix)
Kaley Cuoco, por ‘The Flight Attendant’ (HBO)
Elle Fanning, por ‘The Great’ (Starzplay)
Jane Levy, por ‘La extraordinaria playlist de Zoey’ (HBO)
Catherine O’Hara, por ‘Schitt’s Creek’ (Movistar+)
Bryan Cranston, por ‘Your Honor’ (Movistar+)
Jeff Daniels, por ‘La ley de Comey’ (Movistar+)
Hugh Grant, por ‘The Undoing'(HBO)
Ethan Hawke, por ‘The Good Lord Bird’ (Movistar+)
Mark Ruffalo, por ‘La innegable verdad'(HBO)
Mejor actriz de serie limitada o TV Movie
Cate Blanchett, por ‘Mrs. America’ (HBO)
Daisy Edgar Jones, por ‘Normal people’ (Starzplay)
Shira Haas, por ‘Unorthodox’ (Netflix)
Nicole Kidman, por ‘The Undoing’ (HBO)
Anya Taylor-Joy, por ‘Gambito de dama’ (Netflix)
Mejor actor secundario de Televisión
John Boyega, por ‘Small Axe’ (Movistar+)
Brendan Gleeson, por ‘La ley de Comey’ (Movistar+)
Daniel Levy, por ‘Schitt’s Creek'(Movistar+)
Jim Parsons, por ‘Hollywood (Netflix)
Donald Sutherland, por ‘The Undoing’ (HBO)
Mejor actriz secundaria de Televisión
Gillian Anderson, por ‘The Crown’ (Netflix)
Helena Bonham Carter, por ‘The Crown’ (Netflix)
Julia Garner, por ‘Ozark’ (Netflix)
Annie Murphy, por ‘Schitt’s Creek’ (Movistar+)
Cynthia Nixon, por ‘Ratched’ (Netflix)
Este domingo es la Super Bowl, con el esperado intermedio de The Weeknd y, como si no hubiera pandemia y es habitual en estos casos, va a aprovechar para sacar las entradas de su gira a la venta. Eso sí, la gira será en 2022. Quedan casi 2 años para que ocurra esto, pero The Weeknd actuará el 24 de octubre de 2022 en el Wizink Center de Madrid y el 28 de octubre de Palau Sant Jordi de Barcelona.
Como habréis adivinado los más avispados, las entradas no salen inmediatamente antes de los conciertos en sí, sino ya, inmediatamente después de la Super Bowl. Sin duda una manera de revitalizar la industria parece ser anunciar conciertos para el futuro y de hecho vender las entradas, y los tickets se venderán de la siguiente manera: a partir del 8 de febrero a las 10:00h en livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés. La preventa exclusiva de entradas en livenation.es empieza el 5 de febrero a las 10:00h.
La gira mundial de 104 fechas comenzará el 14 de enero en Vancouver e incluirá paradas en Chicago, Dallas, Los Ángeles, Miami, París, Berlín, España y muchas más, antes de finalizar en Londres, en el O2. Las fechas del tour están disponibles en este link. ‘After Hours‘ ha sido uno de los discos de 2020 muy obviamente y os recordamos que el artista va a sacar recopilatorio esta semana. Consulta el tracklist de ‘The Hightlights’, aquí.
serpentwithfeet, el artista de soul, R&B y gospel alternativo que maravillara al mundo en el año 2018 con el escalofriante single ‘bless ur heart‘, incluido en su primer álbum ‘soil‘, el cual llevaba a Josiah Wise a telonear a Rosalía en su gira por Estados Unidos después de colaborar con Björk en un remix de ‘blissing me’, vuelve este año con un nuevo trabajo llamado ‘DEACON’ que verá la luz el 26 de marzo a través de Secretly Canadian y que viene presentado por ‘Fellowship’, hoy la «Canción Del Día» en nuestro site.
En nota de prensa, serpentwithfeet explica que ‘DEACON’ es un disco «sensual», más «suave y gentil» que su trabajo previo, con el que ha buscado «replicar la calma y la contención que poseen muchos sacerdotes». ‘Fellowship’ no engaña en este sentido: el tema presenta un rico entramado de percusiones dulces y amables, entre las cuales es identificable el sonido de lo que parecen unos cuencos tibetanos, que también encandilaron a Björk, para rendir homenaje al concepto de amistad, de «compañerismo». No desde el dramatismo, sino desde la serenidad y la alegría, buscando el efecto hipnótico de un mantra, el estribillo de ‘Fellowship’ sentencia: «estoy agradecido por la amistad que comparto con mis amigos».
«Creo que es la bendición de haber cumplido los 30» es el gran mensaje que deja ‘Fellowship’. La letra añade: «paso menos tiempo preocupado y más haciendo recuento del amor (que hay a mi alrededor)». Muchas personas de veintipocos viven incomprensiblemente atormentadas por la llegada de la nueva década, de los 30, como si fuera la llegada de la vejez misma. Sin embargo, cuando has dedicado la década de los 20 a derribar las barreras y traumas que has acumulado durante la infancia y la adolescencia, cuando por esa misma razón cada día es un poco mejor que el anterior, la llegada de los 30 no parece una condena en absoluto, sino una bendición. Y Josiah Wise parece querernos decir lo mismo con esta preciosa canción.
Renovamos nuestra playlist dedicada al pop nacional y en castellano Sesión de Control con algunas de las novedades más suculentas editadas durante las últimas semanas. Muchas de ellas ya las habéis escuchado en nuestra playlist semanal de novedades, como la colaboración de Cala Vento y Amaral por un lado, y la de _juno y Russian Red por otro, o los destacados nuevos singles de Love of Lesbian, L E O y Dorian, Maika Makovski (puedes ver la portada de su nuevo disco en nuestro Instagram) o la revelación Ant Cosmos. Fotos: Las Dianas, Algora
En los últimos días no solo ha sorprendido el viraje al pop clásico de los de Santi Balmes: el nuevo single de Betacam, ‘Lo único que tengo’, no solo es romántico a rabiar («quiero estar ahí, quiero oírte dormir aunque estés constipada»), sino que suena como venido de los años 70, o como inspirado en el trabajo de los cantautores españoles de la época.
Justo cuando Triángulo de Amor Bizarro anuncian disco de remixes, reinterpretaciones y colaboraciones de su último trabajo, incluimos en la playlist una canción llamada exactamente ‘Triángulo de Amor Bizarro’ por Bawrut y Chico Blanco, que tiene más en común que su título con el sonido de New Order. En este plano de ritmos sintéticos cabe destacar también el electro-pop festivalero de ‘Ninguna canción habla de mí’ de Algora, el electro-rock de ‘Marte’ de K!ngdom con Varry Brava, el pop con ecos future bass y PC Music de ‘6º’ de Ganges o el synth-pop veraniego de ‘Gloss’ de Bonitx.
Otra canción casualmente llamada ‘Marte’ aparece en la playlist de Sesión de control, en este caso firmada por Kora, que sigue explorando los caminos del bedroom-pop en castellano, mientras Galgo Lento lo hace en catalán. Más animadillos son el indie-pop agridulce de ‘Eso nunca ha pasado’ de Manuel Leunam o el más ufano de ‘La chica del jardín’ de Choley, mientras Zoé se atreven a recordar abiertamente a los primeros The Cure en ‘Velur’. Cierto sabor brit-pop, pero asimilado en su propio estilo, mediante ritmos programados lo-fi, presenta ‘Getting Better’ de Alien Tango.
Mucho más macarra que todas estas canciones es ‘Todo el mundo miente’ de Las Dianas, cuya letra se compone de una sarta de mentiras que dice, pues todo el mundo, tipo «mañana empiezo a estudiar», «luego te pago sin falta», «estoy saliendo ya» «te juro que voy al gym». Les supera en cualquier caso el garage punk diabólico de ‘Perrito’ de Exfan (gran nombre) y, por sonido, también la cumbia psicotrópica de ‘El antídoto’ de Mexican Institue of Sound y La Perla, tema que nos encantaría poder bailar en una discoteca junto al hitazo de reggaetón que presentan Flor de Rap y Denise Rosenthal en ‘Báilalo mujer’.
En cuanto al resto de canciones que puedes degustar en nuestra playlist, cabe mencionar también el trap tristón de Albany, el lo-fi rock de Megane Mercury, la colaboración vocal (no de producción) de La Casa Azul en ‘Tot’ de Lildami, el R&B-soul dramático pero contenido de ‘Así lo hago yo’ de Mafalda, el folk de Bianca Steck o el suculento remix de ‘Temporal’ de LaTorre por MIEL.
The Avalanches son uno de los grupos más queridos por la crítica especializada desde que maravillaran al mundo en el año 2000 con su debut ‘Since I Left You‘, un universo caleidoscópico de pop basado en samples (en miles y miles de ellos) cuyo estatus de clásico solo ha crecido con el paso de los años. Y pasaron muchos, 16 exactamente, hasta que Robbie Chatter y Tony DiBlasi publicaran su continuación, un ‘Wildflower‘ que volvía a postularse como uno de los mejores álbumes de su año. ‘We Will Always Love You‘, el tercer álbum de The Avalanches, ha tardado menos en llegar, pero es claramente otra obra capital en su carrera. En una entrevista realizada -ojo, sorpresa- vía Zoom, Tony nos habla sobre el concepto cósmico del largo, la importancia de sus interludios o sobre su aversión a la web whosampled.com, el archivo de samples más exhaustivo y visitado.
¿Como llegáis a la idea de hacer un disco sobre el amor inspirado en la relación entre Ann Druyan y Carl Sagan?
Empezamos el disco a partir de un viaje de exploración personal que pronto escaló a un nivel más universal, de preguntarnos quiénes somos y cuál es nuestro lugar en el cosmos. Jonathan, nuestro director de arte, compartió con nosotros la historia de amor de Carl Sagan y Anne Druyan, y nos fascinó que Anne grabara el latido de su corazón y el movimiento de sus ondas cerebrales dos días después de que Carl le pidiera matrimonio, para luego mandar estos datos al espacio a a través del disco dorado. Nos pareció una buena representación de la humanidad. Después de un año con tantas malas noticias, este disco representa muchas cosas buenas.
¿Qué porcentaje del álbum es grabado antes de la pandemia y cuál después?
La mayoría de canciones, entre un 95 y un 99 por ciento, estaban hechas antes de la pandemia, lo cual fue bueno para nosotros porque el confinamiento no nos hizo mantenernos creativos en absoluto. En Melbourne hubo dos confinamientos seguidos y fueron muy duros. Por suerte, el disco recupera esa energía vital que había antes de la pandemia, no es un disco depresivo de confinamiento.
Ann Druyan iba a aparecer en el disco pero al final no fue posible. ¿Qué pasó?
Fue muy raro, nunca obtuvimos una explicación por su parte. Literalmente la noche anterior canceló su entrevista con nosotros. Teníamos preguntas preparadas y Robbie se iba a levantar a las tres de la madrugada para hablar con ella debido a la diferencia horaria. Quizá canceló por un asunto personal, quizá la muerte de Carl le sigue afectando… pero al menos nos permitió usar su imagen para la portada del disco, la cual termina de dejar bien atado su concepto.
«Johnny Marr nos ha mandado una nota en la que nos cuenta que ha escuchado ‘The Divine Chord’ en la radio y ha flipado. Dice: «¡vuelvo a molarles a los chavales!»»
¿Cuál iba a ser su contribución?
Nuestra intención era hacerle unas preguntas relacionadas con su historia con Carl Sagan y sus declaraciones las íbamos a samplear. La idea era que su voz apareciera a lo largo del disco a través de varios interludios, a modo de comentario, para unir unas canciones con otras. Como al final no pudo ser, tuvimos que pensar otra cosa.
Al final habéis incluido una serie de interludios con mucho significado…
Para nosotros son igual de importantes que las canciones. Son una especie de puzzle: toma mucho tiempo unirlos unos con otros pero cuando consigues que todos juntos tengan sentido, el resultado puede ser hermoso. Nos hemos esforzado mucho para que sea así.
¿Sabes si Ann Druyan ha escuchado el disco?
Uno de nuestros mánagers se ha puesto con contacto con ella para averiguar qué opina del disco pero no ha recibido respuesta. Estamos intentando no presionarla demasiado (ríe) pero nos encantaría recibir «feedback» de ella porque la historia de su romance con Carl Sagan es muy importante en el disco.
Hablemos de ‘The Divine Chord‘. ¿Estáis contentos con el recibimiento?
La recepción hacia ‘The Divine Chord’ ha sido excelente. Es una de mis canciones favoritas del disco, es tan feliz y popera… Nos encantó trabajar con Andrew (VanWyngarden) y Johnny (Marr) es una leyenda, siempre hemos querido trabajar con él. Le vimos en el «backstage» del festival Fuji Rock hace dos años y no nos atrevimos a hablar con él y proponerle colaborar porque nos pudo la timidez. Cuando finalmente pudimos trabajar con él fue encantador y complaciente. Hace poco hemos recibido una nota de él en la que nos cuenta que ha escuchado ‘The Divine Chord’ en la radio y ha alucinado. Dice: «¡vuelvo a molarles a los chavales!»
‘Music Makes Me High‘ es otra gran canción del álbum. Es vuestra canción más «disco». El sample de Salty Miller realmente es muy desconocido.
Nos encanta el repertorio de Numero Records, un sello especializado en publicar discos antiguos bastante desconocidos. Exploramos bastante el catálogo de este sello y nos topamos con esa canción. Curiosamente, el dueño de Numero nos ha comunicado que la canción original nunca le ha entusiasmado, pero que nosotros la hemos convertido en algo totalmente diferente. Estamos muy contentos con esta canción, tiene un rollo de french house y disc house que nos encanta. Es un homenaje a ese tipo de sonidos.
«Youtube es nuestra herramienta número uno a la hora de buscar contenido que samplear»
Me ha sorprendido mucho lo que habéis hecho con Carpenters en ‘We Go On’. ¿Cómo se desarrolla esta canción?
Nos encantan los Carpenters y hemos estado enganchados a su grabación de ‘Calling Occupants of Interplanetary Craft’, la cual temáticamente encaja con nuestro disco. En nuestra música buscamos constantemente ese punto intermedio entre la felicidad y la tristeza y ese punto lo encontramos en la música de Carpenters, así como en la de los Beatles o los Beach Boys. La voz de Karen es tan pura, tan hermosa, que contrapuesta con las de Cola Boy y Mick Jones, nos da ese equilibrio que buscamos.
¿Cómo es vuestro proceso de composición a día de hoy?
Antaño íbamos a tiendas de segunda mano y comprábamos todo lo que podíamos. A la hora de samplear dependíamos de lo que habíamos comprado ese día. Ahora, con Youtube y Spotify, es diferente, casi toda la música que necesitas la tienes en la palma de la mano. Youtube es nuestra herramienta número uno a la hora de buscar contenido que samplear. Cuando encuentras música de valor en Youtube, el algoritmo automáticamente recomienda música que muy seguramente también te va a molar.
¿Autorizar samples es tan difícil como parece? ¿Habéis tenido algún problema con este disco en concreto?
El sample de las Shirelles en ‘The Divine Chord’ fue difícil de autorizar porque es una composición de Burt Bacharach y Hal David. La canción la teníamos escrita desde hacía tiempo pero no pudimos autorizar el sample hasta el último minuto. Hay dos canciones que no hemos podido meter en el disco por culpa de no haber conseguido autorizar los correspondientes samples, una sampleaba una canción de Jim Clarke y otra una toma vocal que tampoco hemos podido licenciar. La autorización de samples es un proceso administrativo muy arduo, involucra muchos abogados y un montón de papeleo… A todas las personas que se han ocupado de este asunto las encomiamos porque para ellas ha sido un trabajo muy difícil de realizar.
«No entramos en whosampled.com porque no queremos saber qué samples que no hemos podido autorizar encuentra la gente en nuestras canciones»
Uno de los interludios más curiosos del disco es el de ‘Solitary Ceremonies’. En él escuchamos que la vidente Rosemary Brown intenta hablar con el espíritu de Franz Liszt. Os interesa especialmente la idea de recuperar voces «fantasma»…
Nosotros hemos sampleado canciones de los años 30 y 40 y somos conscientes de que las personas que las cantan llevan muertas desde hace décadas. La idea de que estas voces pululan por el cosmos por toda la eternidad nos fascina. Por otro lado, en internet encuentras de todo: gente que imita a Karen Carpenter, que intenta comunicarse con los muertos a través de «cajas de espíritus»… Rosemary Brown decía que había aprendido a tocar el piano gracias a las instrucciones que Franz Lizst le dictaba desde el más allá. En una canción que no hemos podido incluir en el disco, utilizamos el sample de un tipo que dice haber conocido a Mozart y a John Lennon.
En Youtube es posible consumir vídeos de transmisiones radiofónicas de los años 20 y 30, o incluso más antiguas, que acumulan decenas de miles de visitas. A la gente le fascina este contenido porque permite viajar al pasado.
A nosotros también nos fascina este tipo de contenido. Encontramos cosas de lo más bizarras: en ‘Take Care In Your Dreaming’ suenan unos aullidos fantasmales sacadas de las transmisiones de radio que los americanos usaban para asustar a los soldados vietnamitas por la noche durante la guerra de Vietnam, pues los vietnamitas son muy supersticiosos. También emitían mensajes intentándoles convencer de que tiraran la toalla… ¡Menudas guerras psicológicas! Hay cosas muy extrañas por ahí…
¿Os metéis en whosampled.com de vez en cuando para ver qué samples utilizados por vosotros ha pillado la gente?
No miramos esa web, no… (ríe incómodamente). No queremos saber qué samples que no hemos podido autorizar encuentra la gente en nuestras canciones. Si es un pequeño beat, pues lo dejamos pasar… Samplear es un asunto muy complicado. Puede pasar que busques autorizar un sample y, en el proceso, descubras que cierto sello discográfico ha cerrado y que los derechos de cierta canción los posee una familia que ni siquiera sabe que posee dichos derechos. Es un lío…
«En abril sacaremos una reedición de ‘Since I Left You’ por su 20 aniversario con remixes nuevos»
¿Habéis superado haber vendido todos vuestros viejos vinilos?
Entre ‘Since I Left You’ y ‘Wildflower’ pasaron 16 años. Entre Robbie y yo teníamos miles y miles de discos, habías archivado miles y miles de samples diferentes divididos en distintas categorías, muchos de los cuales después ni usábamos. Antes solíamos reunir samples a tutiplén y después decidíamos si lo usábamos para una canción o no. Era un proceso de archivo muy arduo, muy largo. Ahora decidimos trabajar de manera más espontánea: si guardamos un sample que nos gusta vamos a escribir una canción a partir de él.
¿A día de hoy cómo veis ‘Since I Left You’? Salió en el año 2000, han pasado 21 años, no sé hasta qué punto la enorme aceptación de este disco os ha perseguido a lo largo de los años…
Con los años el estatus de ‘Since I Left You’ creció y publicar un segundo disco tanto tiempo después para nosotros fue un proceso estresante porque somos perfeccionistas y queríamos cumplir expectativas. Fue difícil y dejamos que la presión nos influyera demasiado… ‘Since I Left You’ lo escucho de vez en cuando, para mí suena muy joven, despreocupado y lleno de vida y alegría. En abril lo reeditaremos con una serie de remezclas nuevas por su 20 aniversario. Originalmente, el disco salió en noviembre en Australia, y en el abril siguiente fue editado en Estados Unidos y en Europa.
¿Qué artistas han participado en las remezclas?
No te puedo decir de momento porque queremos que sea una sorpresa pero te puedo adelantar que en el disco habrá un remix de MF Doom, quien acaba de fallecer.
Hace unos días la hija mayor de Madonna, Lourdes León, la lió en Instagram respondiendo a fans de su madre, de los que debe de estar hasta el higo con muchísimo motivo, mandándolos a la mierda de muy mala manera desde su perfil verificado. «¿Sabe tu madre que no te lavas el culo?», fue una de las respuestas de Lourdes que todavía pueden degustarse. También intentando respirar al margen de su legado, encontramos a la hija de Michael Jackson, promocionando estos días un primer disco que salía en las últimas semanas de un 2020 agonizante, que ha pasado desapercibido, quizá con cierta intencionalidad.
Paris Jackson, aquella niña que vimos llorando en un pequeño discurso en el funeral de su padre en 2009 y ante a la que todos se nos encogió el corazón, se ha dado a conocer como modelo y actriz (la serie ‘Star’, la comedia ‘Gringo’). Ahora ha publicado un disco modesto pero seguro, que no ha logrado dar el salto a las listas de éxito, pero que seguramente tampoco lo pretendía. ‘wilted’ huye del pop, muchísimo más todavía del soul, el sonido Motown, el new-jack swing, el hip-hop y más aún del trap y de la música latina. Más bien recuerda al fenómeno Carla Bruni: el disco está bien, sin inventar nada, destacando por presentar un estilo que no era el que esperaba todo el mundo.
Rolling Stone y NME le dieron su aprobación (3 estrellas) y más allá fue aún AllMusic otorgándole 4. En dicha reseña, las referencias eran el Beck de ‘Sea Change’, Bright Eyes o incluso Mazzy Star. ‘wilted’ ha sido comparado con ‘folklore’ de Taylor Swift porque se parece en algo más que en los títulos en minúscula y salió después, aunque en verdad empezó a fraguarse antes de la pandemia; y los referentes de Paris Jackson son los primeros Radiohead. Su segundo grupo favorito parece Manchester Orchestra, por lo que ha conseguido los servicios de Andy Hull para producir el álbum y co-escribirlo, si bien es ella quien ha escrito completamente en solitario el single principal del álbum, ‘let down’.
Paris Jackson ha sido muy clara respecto al proceso de composición, como ha explicado a Variety. Le ha dado libertad a Andy Hull para hacer modificaciones en sus temas, pero en ocasiones él ha decidido no tocar nada. «Y en otras ocasiones sí me ha dicho que: «bueno, vamos a trabajar más esta letra, o vamos a mejorar esto de alguna manera». O ha hecho totalmente el papel de productor. Y por ejemplo en ‘eyelids’ escribió por completo su propia estrofa, y trabajamos en las armonías juntos».
Aunque el mayor éxito de momento de Paris Jackson es el tema colaborativo de americana ‘Running for So Long (House a Home)’ que no pertenece a este álbum, son muchas las canciones del largo que encierran ciertas posibilidades, porque los singles no son especialmente lo mejor. ‘undone’ es la que tiene el poso más pop, ‘cosmic (wait for me)’ destaca por su virguería electrónica, ‘wilted’ por su agitación y sus matices ligeramente malignos e infernales, y ‘another spring’ es el cierre épico y contemplativo en un largo que sigue un orden narrativo cronológico. Una de sus favoritas es ‘scorpio rising’ porque han creado un pequeño complemento de percusión con sus propios suspiros. Al final uno entiende ese mejunje intergeneracional de gente que la sigue en redes: Madonna, Kurt Vile, Rita Ora, Alfred García.
Es llamativo que el disco de Paris Jackson esté pasando desapercibido, pero tengo la ligera sensación de que su subsello dentro de Universal quiere trabajarla a la larga en lugar de llamar a los medios para hypearlos y decirles que tiene algo gordo y mega sorprendente entre manos. En Variety explican que las preguntas sobre su padre estaban prohibidas en la entrevista que hicieron a Paris, y más con la que ha caído, pero es que además la palabra «Michael» ni siquiera aparece en las notas de prensa internacionales que recibimos sobre ella. Ah, sí, sale mencionada Julia «Michaels». Enumerada como compañera de sello en Republic.
Honesta hablando de salud mental, reconociendo que la terapia ha sido muy importante para ella; atreviéndose a hacer algún pequeño show televisivo; o con alguna ráfaga lejanísima de la vida con su padre como «he crecido en una casa donde escuchábamos de todo, así que tengo la mente muy abierta», Paris parece estar ganándose el corazón de cierta gente a fuego lento. Hay un momento en esta entrevista con MTV muy destacable. Bueno, dos si sumamos ese en el que cuenta que se sabe todas las canciones de los Beatles de memoria. ¡Claro, es que su padre se compró los derechos dando con un canto en los dientes al mismísimo Paul McCartney! Me refería a cuando empieza a explicar sus tatuajes y son todos sobre Bowie, Prince, Led Zeppelin, Neutral Milk Hotel, Explosions in the Sky, siete sobre «su padre»… ¿Es Amaia hablando o la sobrina de Janet?
Bomba Estéreo lo petaron hace un lustro con un disco llamado ‘Amanecer‘ que produjo éxitos multimillonarios en las plataformas de streaming como ‘Soy yo’, ‘Somos dos’ o ‘Fiesta’, el último de los cuales fue reeditado después mediante un remix con la surrealista participación de Will Smith. Los colombianos publicaron después un nuevo álbum, ‘Ayo‘, pero comprobarían que el público a lo que seguía dando era a sus temas viejos. En 2018, el remix de Tainy de ‘To My Love’, hasta entonces un corte medio escondido de ‘Amanecer’, arrasaría en listas para terminar convirtiéndose en el mayor éxito de toda su carrera, con tres años de retraso.
4 años después de ‘Ayo’, Bomba Estéreo vuelven con un nuevo trabajo bajo el brazo que llegará la próxima primavera y de que pueden escucharse ya tres avances. ‘Agua’, ‘Deja’ y ‘Soledad’ avanzan un álbum que, sin abandonar completamente la pista de baile, sí se adentra en la naturaleza. ‘Deja’ versa sobre «la conexión y la desconexión de los humanos con el planeta, con uno mismo», según Li Saumet. «Versa sobre lo conectados que estamos los seres humanos a los aparatos tecnológicos y a las cosas virtuales y lo mucho que ignoramos las cosas reales. Hemos decidido utilizar los cuatro elementos porque forman parte del equilibrio de los seres humanos».
Efectivamente, ‘Deja’ será un trabajo dividido en cuatro secciones, las que marcan los cuatro elementos de la naturaleza: el agua, el aire, la tierra y el fuego. Con estas cuatro palabras, Bomba Estéreo introducen el single oficial de ‘Deja’, un místico corte, adornado con sonidos de la naturaleza, llamado ‘Agua’ que cuenta con la colaboración de Lido Pimienta -recientemente nominada a los Grammy internacionales- y adopta sonidos propios de ese bullerengue explorado también en ‘Miss Colombia‘.
Más próximos a la pista de baile suenan los otros dos avances de ‘Deja’: el tema titular, de mensaje motivador («deja de decir que no eres na’, que no puedes más, que no eres nada»), empieza con baterías de disco-rock para zambullirse en el deep-house y en los vocoders, y ‘Soledad’ es un medio tiempo electrónico, de ciertos ecos dancehall y house, que «habla de ese amor que sólo dura un momento y se va y no vuelve más». Como véis, ‘Agua’ puede ser el single conceptualmente más importante de ‘Deja’, pero no es el que más repercusión puede alcanzar. ¿O sí?
Maluma se ha ido a Jamaica de vacaciones. Calma: lo hizo antes de la pandemia, hace algo más de un año, para preparar este disco que tenía que haber visto la luz antes de su álbum del verano pasado, ‘Papi Juancho‘, pero que se ha venido retrasando por la imposibilidad de rodar los videoclips. Son, en cualquier caso, unas vacaciones muy diferentes a las de Bad Gyal en la misma isla. Mientras la preocupación de Alba Farelo era empaparse de calle y «sound system», pegarle al porro y filmar a bailarinas tocándose el toto, la de Maluma ha sido retozar en la playa y ligar, que es lo mismo que hace cuando está en casa. «No he fumado y ya me tiene «high»», dice en una de estas canciones, la llamada simplemente ‘Love’.
Maluma no ha buscado tanto la conexión entre reggae y reggaetón a través de samples perdidos de joyas ocultas, ni se ha dedicado a reivindicar tesoros del primer reggae en español. «Pon reggaetón, no pongas otra cosa», propone sin cortarse en la pista final, ‘Peligrosa’. Lo que sí ha conseguido es tirar de talonario para contar con dos nombres tan grandes como Ziggy Marley, el nietísimo, siempre tan dispuesto a colaborar como ya demostró con Sheryl Crow, Alanis Morissette o Carlos Vives; y Charly Black, autor del macrohit ‘Gyal You a Party Animal‘ hace 5 años. Con ellos dos abre este mini álbum, colorido y simpático, aunque nadie sepa con certeza si ‘Tonika’ es un «branded content» de Nike y Red Bull.
Las producciones de los habituales Rude Boyz, Edgar Barrera y Johany Alejandro Correa «Nyal», todos los cuales ya han trabajado con Maluma en menor o máxima medida, llenan de luz unas composiciones hechas para pasarla bien. El single ‘Agua de Jamaica’, que comienza con una guitarrita de R&B, se entrega también a las bondades del reggae, como siempre para desarrollar una letra de bellaqueo, con Maluma acercándose varias veces a la palabra «dentro, dentro». Se huye así del lado más envolvente y oscuro, de estos ritmos, y cada vez que Maluma se arranca con un «oh-ya-ya» o un «wayio-yo», se echa mucho de menos a la Rihanna más jamaicana. Su tono de voz siempre estará más cerca de un Bisbal en España o en Luis Fonsi en México, por mucho que sea más guapo.
A 5 días de su edición, ya está a la vista de todos que ‘#7DJ (7 días en Jamaica)’ no va a dar al artista muy buenos números: el éxito masivo de la también viajera ‘Hawái’ va a comerse todo eso. Lo que sí nos ofrece este disco es un intento de mejorar la propuesta de Maluma en el formato «álbum». Es un disco muy corto, con tan sólo 7 canciones, a menudo fundidas entre sí y con principios y finales perdidos entre diversos cambios de ritmo, para bien. Aunque sólo sea por lo que ‘Safaera’ se viralizó en TikTok y lo arriba que está Bad Bunny, había que intentar algo diferente y no se puede negar que ha dado un paso para cuando menos buscarlo.
La canción más ambiciosa en ese sentido es ‘Chocolate’, que empieza con unos coros como de banda sonora sesentera, luego incorpora un ritmo un poco trap, unos acordes de bedroom pop, y finalmente el beat para concordar con el resto del álbum. También funciona el drop final de ‘Tonika’, o el modo en que ‘Peligrosa’ pasa de ser un tremendo dramón al ritmo reggae. Maluma no solo ha llamado a un trompetista y a dos saxofonistas reales y acreditados para dar cuerpo a ‘Desayun-arte’, sino que esta aparece perfectamente integrada tras el single ‘Agua de Jamaica’ y antes de ‘La burbuja’. En el single, hasta funciona ese «speech» en el que parece como embriagado, diciendo: «siento como que me enamoré». Son ese tipo de detalles los que dan al disco esa sensación de conjunto, como antes a duras penas había intentado.
Auspiciados sobre todo por el éxito de ‘Antes’, Anuel AA y Ozuna firman el nuevo número 1 de álbumes en España con su disco conjunto ‘Los Dioses‘, como hemos contado en nuestro repaso a la lista oficial de singles, en la que el dúo ha colocado el álbum entero, compuesto por 12 pistas, todas las cuales aparecen repartidas a lo largo de todo el top 100. ‘Emmanuel‘ y ‘ENOC‘ también fueron número 1 en España muy por delante de sus competidores, por lo que esta noticia sorprenderá a un total de cero personas.
Más allá del nuevo número uno obtenido por «Los Dioses» del reggaetón, el resto del top 10 de álbumes más exitosos de España sigue compuesto, en el siguiente orden, por ‘11 razones‘ de Aitana, ‘EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO‘ de Bad Bunny, ‘Afrodisiaco’ de Rauw Alejandro, el mencionado ‘ENOC’ de Ozuna, ‘Future Nostalgia‘ de Dua Lipa, ‘Vértigo‘ de Pablo Alborán, ‘YHLQMDLG‘ de Bad Bunny y ‘Avionica’ de Antonio Orozco, con la entrada en el número 9 de la reedición en formato vinilo de ‘El espíritu del vino’ de Héroes del Silencio, álbum que ya fue número 1 de ventas en España en el año 1993, y que de hecho entra en el número 1 de la lista de vinilos más vendidos que ha estrenado Promusicae de manera deficitaria.
Sin olvidar que la subida más fuerte de la semana en la lista de álbumes la protagoniza Beret con su disco ‘PRISMA’, que sube vertiginosamente una posición, del 14 al 13, la otra entrada realmente significativa en la lista es la de ‘Live in Germany’ de Héroes del Silencio, que aparece en el número 15. Más adelante, ‘Morir y renacer’ de Adventus lo hace en el 74; ‘Holy Ground’ de The Dead Daisies en el 82; y ‘Plaza’ de Capo Plaza en el 86.
En cuanto a la lista de vinilos, cabe mencionar en ella las entradas de ‘Isles‘ de Bicep en el número 17, disco que se ha quedado a las puertas de alcanzar el número 1 de álbumes en Reino Unido; y de ‘Home‘ de Rhye en el 37, trabajo sobre el que hemos tenido oportunidad de hablar recientemente con su autor. Dicha lista, de no ser por Héroes del Silencio, seguiría liderada por ‘El mal querer‘ de Rosalía.
El número 1 de singles en España continúa siendo ‘Bandido’ de Myke Towers y Juhn, por lo que el titular hoy nos lo da más bien la entrada más fuerte, que en realidad es una re-entrada. ‘Zorra’ de Bad Gyal, que ya había sido número 2 en España y doble platino, reentra al puesto 5 oficial tras incorporar en un nuevo remix a Rauw Alejandro.
La canción original, en la que Bad Gyal se apropiaba del insulto misógino “zorra” para llamárselo a un hombre infiel, pierde algo de sentido con la participación de Rauw Alejandro. Aquí él aparece presumiendo: «La baby nueva cómo chinga me encanta / Y yo pensando que tú eras única entre tantas». Por suerte es Bad Gyal quien parece tener la última palabra al quedarse los últimos versos del tema, pero en cualquier caso no tiene ningún sentido que lleguemos a oír a Rauw Alejandro decir la frase estrella de la canción: «Tú eres una mierda, no vales na’ y eso todos lo saben / Tengo una gatita nueva que rico me lo hace».
Pero la mayoría del público no opina lo mismo y ‘Zorra’ ha sido una constante entre lo más oído de los últimos 10 días. Si contara Youtube en Promusicae, seguramente incluso estaría más arriba de ese top 5. Incluso a día de hoy continúa fuerte en Spotify España (número 12), casi 2 semanas después de su lanzamiento.
Bad Gyal dice sobre la remezcla en nota de prensa: “me he sentido muy bien con la nueva grabación, muy contenta y agradecida por la oportunidad. Yo escucho la música de Rauw y me apasiona su talento para crear. Este remix encaja a la perfección con nuestros estilos”.
Anuel AA y Ozuna sitúan varias canciones de su disco ‘Los dioses’ en el top 100: por eso este álbum es el nuevo número 1 en el país. Hallamos ‘Antes’ en el número 6 de singles, ‘Los dioses’ en el número 10, ’100’ en el número 23, ‘Nena Buena’ en el número 28, ‘RD’ en el número 31, ‘Perreo’ en el número 37, ‘Municiones’ en el número 40, ‘Nunca’ en el número 46, ‘Dime tú’ en el número 50, ‘La maría’ en el número 65, ‘Contra el mundo’ en el número 76 y ‘Perfecto’ en el número 77.
Toda esta retahíla de entradas deslucen otras como las de Camilo en el puesto 26 con ‘Ropa cara’, para quien esperábamos algo más por la pegada de la canción; y la de Nathy Peluso con ‘Delito’ en el número 49, realmente excepcional. Veremos qué pasa con ellas en los próximos días. El listado de entradas se completa con ‘The Business’ de Tiësto en el puesto 96 y ‘Primera carta’ de Cali y El Dandee y Beret en el número 97.
Silentó, el joven rapero estadounidense conocido por su éxito ‘Watch Me (Whip / Nae Nae)’, ha sido detenido por asesinar a su primo en Florida. El cuerpo del hombre fallecido, de 34 años, fue encontrado por la policía el pasado 21 de enero en la calle con múltiples heridas de bala. Silentó se enfrenta actualmente a una condena por asesinato.
El joven rapero de 23 años, cuyo nombre real es Ricky Lamar Hawk, ya había tenido problemas con la justicia previamente a ser detenido por asesinato. Como recuerda Billboard, el pasado mes de agosto fue detenido por allanar un domicilio y amenazar a sus dos inquilinos con un hacha para después ser desarmado por uno de ellos; y antes de todo esto ya había sido privado de su libertad por ser acusado de delitos de violencia doméstica y conducción temeraria.
Aunque en España no nos suene demasiado su nombre, pues su único éxito, el mencionado ‘Watch Me (Whip / Nae Nae)’, jamás llegó a las listas oficiales de nuestro país, como sí alcanzó las listas estadounidense (donde fue top 3), británica, francesa o alemana, Silentó protagonizó una verdadera revolución en internet en el año 2015 gracias al baile viral de este single, originado en la extinta plataforma Vine. Un tema que, a día de hoy, suma la impronunciable cifra de 1.790.333.930 de visualizaciones en Youtube, además de 318 millones de reproducciones en Spotify.
A pesar de su clara condición de «one-hit-wonder», pues la repercusión de ‘Watch Me (Whip / Nae Nae)’ ya era absolutamente inalcanzable para él, Silentó había publicado varios álbumes largos, el último de ellos el año pasado, y apenas unos días, el pasado 28 de enero, el artista editó un nuevo single llamado ‘Swish’.
Desde Gran Canaria, Ant Cosmos lleva años conjugando el indie pop con las sonoridades trap, el dream pop con la «estética kitsch/naive», en sus propias palabras. Podría ser algo próximo a los territorios de Solo Astra, antes y después de unirse a Cupido, si bien ya hace 2 años que presentaban su pequeño himno ‘Quédate a bailar’ (no me resisto a recuperar su portadón, en la imagen), en verdad puro jangle pop a medio camino entre los Smiths y Hombres G. Nada que ver con el rollo sintético de ‘Luna de colores’. Y a su vez, ‘Tal vez’ es otra cosa.
Si ‘Reloz’, su EP de 2017, hacía gala de un romanticismo exacerbado hasta cierto punto acústico, Ant Cosmos han sabido canalizarlo hacia lugares más interesantes y oscuros. El texto de ‘Tal vez’ nos habla de «una noche en el mar» y de una «playa para nosotros», pero la producción de la grabación une varias cosas. No prescinde de la caja de ritmos más sobada del reggaetón, pero le añade una guitarra evocadora como aportada por The xx y la sensación de asfixia de lo antiguamente conocido como trap. Mientras el mundo se pregunta si Drake ha sabido pasar página de todo esto, aún se puede disfrutar de este tema en castellano con madera para llegar a las masas en nuestro país.
Lana del Rey se mantiene en el número 1 de lo más votado de JNSP con ‘Chemtrails Over the Country Club’ mientras la entrada más fuerte es ‘Perra’ de Rigoberta Bandini. También entran Bicep y Rhye, que sacaban disco la semana pasada, en un top que es más bien de despedidas. Superan las 10 semanas en lista en la mitad baja de la tabla ’Tú me dejaste de querer’, ‘Man’s World’, ‘In Your Eyes’ tras casi un año, ‘Sweet Melody’ y ‘Entre las dos’, por lo que quedan eliminadas. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.
Russell T. Davies, creador de ‘Queer as Folk’, el revival de ‘Doctor Who’ o la reciente ‘Years and Years’, siempre comprometido con representar al colectivo LGBT en sus obras, regresa con ‘It’s A Sin’, una miniserie de 5 capítulos que narra la vida de varios jóvenes homosexuales durante los años 80 en Londres en plena crisis del sida. La serie aborda tanto la ignorancia absoluta del tema por parte del colectivo como la toma de conciencia y el surgimiento de grupos activistas que luchaban por la investigación de una cura.
Olly Alexander, líder de Years & Years –curiosa coincidencia- interpreta a un joven de 18 años que sale de su pequeño pueblo de provincias para estudiar en Londres. En la universidad conoce a Jill, que se convertirá en su mejor amiga y a Ash, el primer chico en el que se fija. Más tarde acabarán viviendo juntos con Roscoe, un chico repudiado por su familia que trabaja en un club nocturno, y Colin, un joven galés muy tímido que se gana la vida como sastre. Suena estereotipado y, en efecto, lo es. Pero el principal problema con sus personajes no es solamente que sean clichés andantes sino que no están desarrollados: realmente nunca conocemos nada de ellos. Davies da pinceladas por aquí y por allá pero no indaga en sus personalidades, en su manera de ver el mundo o en sus objetivos vitales, y cuando lo hace es de forma tan breve y superficial que no logra que los comprendamos. Especialmente llama la atención el personaje de Jill, interpretado por Lydia West, cuya única función en la serie parece ser la de cuidar a todos los gays que le rodean. No hay mucho más donde rascar del que probablemente sea el personaje que más tiempo tiene en pantalla.
Desgraciadamente la serie no es solo esquemática en ese aspecto, también lo es en el terreno narrativo, resolviendo tramas a través de flashbacks explicativos que sacan a relucir unas habilidades narrativas un tanto deficientes. Sin duda, se hubiera beneficiado de una mayor duración, cuidando más el desarrollo de sus tramas y profundizando más en detalle en el contexto político y en el auge del activismo (especialmente porque hay una escena sobre ello que no va a ningún sitio y solo sirve como recurso para revelar información importante de un personaje).
Parte del problema reside en esa obsesión habitual de las series de televisión con que haya giros de guion cada dos minutos: pasan demasiadas cosas todo el rato y no hay espacio para la reflexión ni para conseguir calar verdaderamente hondo en el espectador. Cierto es, que esta es un arma de doble filo, ya que también ‘It’s a Sin’ consigue que gracias a su ritmo frenético se devoren los capítulos casi sin darse uno cuenta. Si las intenciones de Davies eran las de hacer una obra que acercara el tema del sida al gran público de forma accesible y entretenida, se puede considerar a ‘It’s A Sin’ como un éxito. Y dentro de sus virtudes también está la de añadir cierta luz a esos años desde la nostalgia, pese al horror que vendría posteriormente. Lo que vino antes fueron momentos felices y libres para un colectivo que siempre había estado reprimido y por primera vez comenzaba a mostrarse visible. Peter Hoar, director de los cinco capítulos, en esos instantes logra crear una alegría contagiosa, una sensación de júbilo en el espectador al ver a jóvenes liberados, descubriéndose, yéndose de fiesta, ligando, etc. haciendo que durante esas secuencias se nos olvide la nube negra que irremediablemente se aproxima sobre ellos.
Finalmente ‘It’s A Sin’ deja la sensación de que podría haber llegado mucho más lejos si se hubiera centrado más en el tema que está tratando en lugar de preocuparse tanto por complacer al espectador. Davies, quien a buen seguro conoce las circunstancias y las situaciones que se retratan, ofrece una visión más bien periférica de un asunto que requería de mayor valentía a la hora de lidiar con él, pues parece venir de alguien que solo ha oído hablar del sida alguna vez en las noticias. Y aunque las comparaciones sean injustas, por similitud temática, resulta inevitable no pensar en el impresionante, poderoso y enfurecido retrato del asunto que ofrecía Robin Campillo en 2017 con ‘120 pulsaciones por minuto’ y en lo convencional y blanda que resulta ‘It’s A Sin’ en comparación, por muy entretenida que sea. 6.
Marilyn Manson ha sido acusado de abusos sexuales y psicológicos por varias mujeres que han compartido relaciones románticas con él. Entre ellas se encuentra la actriz Evan Rachel Wood, que empezó a salir con Brian Warner cuando tenía 20 años y apareció en el videoclip de ‘Heart-Shaped Glasses’. Al lanzamiento de ‘WE ARE CHAOS‘ no fueron pocas las voces que insinuaron que Warner merecía ser desenmascarado por su comportamiento tóxico hacia las mujeres, sin que nadie diera el paso de nombrarlo explícitamente.
Es lo que han hecho ahora Wood y otras mujeres. La primera ha compartido en Instagram el siguiente comunicado: «El nombre de mi abusador es Brian Warner, más conocido por el mundo por el alias de Marilyn Manson. Él empezó a seducirme cuando era una adolescente y durante años abusó de mí de manera horripilante. Me lavó el cerebro y manipuló para ser sumisa hacia él. Estoy harta de vivir con miedo a recibir represalias, calumnias o chantajes. Estoy aquí para desenmascarar a este peligroso hombre y para poner en su sitio a las industrias que han permitido su comportamiento antes de que arruine más vidas. Expreso mi apoyo a todas las víctimas que ya no van a permanecer calladas».
También en Instagram, Wood ha reproducido a través de los stories varias acusaciones vertidas hacia Manson por mujeres que aseguran haber sido también víctimas de sus abusos, los cuales incluyen graves actos de amenazas, coerción y violencia física y sexual. Una de las mujeres, Gabriella, acusa a Manson de haberla atado y violado en la habitación de un hotel. Otras mujeres explican que Manson les impedía acercarse a otras personas contándoles que estas padecían sida y que eran «asquerosas», subrayan su adicción a las drogas o señalan que el músico es aficionado a utilizar «tácticas de control de la mente y de tortura» para controlar a sus parejas.
Hace unos meses, el locutor de radio Dan Cleary, quien fue asistente personal de Manson entre los años 2014 y 2015, daba credibilidad a todas las acusaciones dirigidas abiertamente a Warner: «Vi de primera mano lo violento y abusivo que era con su novia de entonces, Lindsay. La amenazaba con matarla, rajarla, enterrarla y humillarla delante de todo el mundo. Él disfrutaba haciéndola llorar y hacerle sentir miedo hacia él». Cleary, que ha asegurado no haber dicho nada antes por miedo a perder su trabajo por lo difícil que es encontrar oficio en la industria de la música, agradece a Manson por haberle dado trabajo pero indica que, a pesar de ser un «músico brillante», también es un «drogadicto que abusa psicológicamente de las personas».
La imagen pública de Manson, un artista detestado sobre todo por el sector más conservador y religioso, se ha ido enturbiando en los últimos años de manera irreparable. Ya en 2018, una actriz le acusó de acosar sexualmente a varias mujeres durante un rodaje. Quien tuviera a Manson en un pedestal por sus brillantes letras en las que criticaba la hipocresía de la sociedad americana o por sus esclarecedoras declaraciones sobre los asesinos de Columbine, ahora probablemente ve derrumbarse a un mito que parece haber asumido su papel de «anticristo» también detrás de los focos.
El artista, no obstante, ha negado las acusaciones a través de un comunicado en Instagram que dice así: “Obviamente, mi arte y mi vida han sido siempre imanes para la controversia, pero las recientes acusaciones sobre mí son horribles distorsiones de la realidad. Mis relaciones íntimas han sido siempre consensuadas por completo. Independientemente de cómo y por qué se esté elegiendo malinterpretar el pasado, esa es la verdad”.
Sin embargo, este comunicado no ha sido suficiente para que Loma Vista Recordings, que había editado los últimos trabajos de Marilyn Manson, se mantenga al margen. Desde el sello han decidido dejar de trabajar con él, como han expresado en este texto: “Debido a las acusaciones desagradables realizadas hoy por Evan Rachel Wood y otras mujeres nombrando a Marilyn Manson como abusador, Loma Vista va a dejar de promocionar su último álbum de manera inmediata. Debido a esto, también hemos decidido no trabajar con Marilyn Manson en ningún proyecto en el futuro”.
Megan Thee Stallion ha colocado en el número 34 de la lista de vídeos más vistos en Youtube España el videoclip de su nuevo single, ‘Cry Baby’ con DaBaby. Se trata de uno de los cortes más escuchados de su debut oficial ‘
Sia estrena su nueva película ‘Music’ el 12 de febrero rodeada de una gran polémica por la representación que esta cinta hace del autismo. Los voces críticas hacia ‘Music’ condenan el fichaje de una actriz neurotípica como protagonista de la película -Maddie Ziegler- y la inclusión de una serie de escenas en las que esta es contenida físicamente durante una crisis, algo que 
Hemos venido 
A tenor de los últimos acontecimientos en torno a Marilyn Manson, pues 
Como preveíamos desde hace unos días, cuando decíamos 
Estos días se han anunciado los nombres que podremos ver en el 
Este medio día se 
Este domingo es la Super Bowl, con el esperado intermedio de The Weeknd y, como si no hubiera pandemia y es habitual en estos casos, va a aprovechar para sacar las entradas de su gira a la venta. Eso sí, la gira será en 2022. Quedan casi 2 años para que ocurra esto, pero The Weeknd actuará el 24 de octubre de 2022 en el Wizink Center de Madrid y el 28 de octubre de Palau Sant Jordi de Barcelona. 
serpentwithfeet, el artista de soul, R&B y gospel alternativo que maravillara al mundo en el año 2018 con el escalofriante single ‘
Renovamos nuestra 
Otra canción casualmente llamada ‘Marte’ aparece en la playlist de Sesión de control, en este caso firmada por Kora, que sigue explorando los caminos del bedroom-pop en castellano, mientras Galgo Lento lo hace en catalán. Más animadillos son el indie-pop agridulce de ‘Eso nunca ha pasado’ de Manuel Leunam o el más ufano de ‘La chica del jardín’ de Choley, mientras Zoé se atreven a recordar abiertamente a los primeros The Cure en ‘Velur’. Cierto sabor brit-pop, pero asimilado en su propio estilo, mediante ritmos programados lo-fi, presenta ‘Getting Better’ de 
Cargando ...
The Avalanches son uno de los grupos más queridos por la crítica especializada desde que maravillaran al mundo en el año 2000 con su debut ‘
Hace unos días la hija mayor de Madonna, Lourdes León, la lió en Instagram respondiendo a fans de su madre, de los que debe de estar hasta el higo con muchísimo motivo, mandándolos a la mierda de muy mala manera desde su perfil verificado. «¿Sabe tu madre que no te lavas el culo?», fue una de 
Bomba Estéreo lo petaron hace un lustro con un disco llamado ‘
Auspiciados sobre todo por el éxito de ‘Antes’, Anuel AA y Ozuna firman el nuevo número 1 de álbumes en España con su disco conjunto ‘
El número 1 de singles en España continúa siendo 
Silentó, el joven rapero estadounidense 
Entre las canciones que hemos destacado en la 
Lana del Rey se mantiene en el número 1 de lo más votado de JNSP con ‘Chemtrails Over the Country Club’ mientras la entrada más fuerte es 
Marilyn Manson ha sido acusado de abusos sexuales y psicológicos por varias mujeres que han compartido relaciones románticas con él. Entre ellas se encuentra la actriz Evan Rachel Wood, que empezó a salir con Brian Warner cuando tenía 20 años y apareció en el videoclip de ‘Heart-Shaped Glasses’. Al lanzamiento de ‘