Danny Elfman, compositor conocido por sus bandas sonoras para las películas de Tim Burton, vuelve con su primer tema en solitario en 36 años. El artista ha compuesto incontables obras para cine, televisión, videojuegos, largo etcétera, pero su último álbum de estudio en solitario hay que situarlo en el año 1984, cuando vio la luz el álbum ‘So-Lo’, considerado en realidad el cuarto disco de su grupo de «new-wave» ya extinto Oingo Boingo.
A nadie se le escapa que Danny Elfman vuelve a tiempo para Halloween, y ‘Happy’ no es una canción precisamente feliz, en el estilo de la de Pharrell Williams o la de Marina. Más bien se encuentra en ese punto medio entre cordura y locura que siempre ha caracterizado su trabajo musical para largometrajes. Él directamente la llama «absurda» y «anti-pop» porque alterna una primera parte siniestra en su estilo, con otra más «abrasiva». Por su parte, la letra se limita a enunciar un par de frases que chocan por su significado: «¡qué feliz soy!» y «todo se está derrumbando» aparecen yuxtapuestas para reflejar el componente de delirio plasmado en la canción. Elfman dice que la «naturaleza cínica de la letra refleja cómo me siento viviendo en un mundo semi-distópico que está vuelto del revés». Una canción muy 2020, desde luego.
El compositor también ha compartido unas palabras sobre Halloween: «Siempre he disfrutado Halloween porque es una noche para dejarse llevar, para convertirse en algo o en alguien. Es una noche para celebrar a los muertos, y a los fantasmas y monstruos de todo tipo. Es una noche para que los mutantes, los zombis, los vampiros, los marginados y los herejes se celebren a sí mismos. Y junto al Día de los Muertos de México, es una noche para celebrar a los espíritus del más allá… y para reírte de la muerte en la cara».
Oneohtrix Point Never ha basado su carrera en mirar hacia el pasado. Sus discos están inundados de samples de viejos anuncios de televisión, canciones de pop de radiofórmula ya olvidadas, transmisiones radiofónicas inútiles más allá de su contexto original que él ha sabido reciclar magistralmente… ¡Hasta es uno de los pioneros del “vaporwave”! Muchas de sus composiciones son obras maestras del diseño sonoro del siglo XXI, pero Daniel Lopatin ha topado con una encrucijada: el artista es cada vez más popular, su trabajo en el campo de las bandas sonoras y en discos de artistas como The Weeknd ha elevado su perfil exponencialmente, pero sus discos recientes carecen de la magia de antaño. Cuanto más “accesibles” se vuelven sus discos, cuanto más buscan asemejarse a un “disco pop de Oneohtrix Point Never”, menos impacto producen a largo plazo, al menos para quienes le descubrimos hace ya casi una década.
Como sin ideas de hacia adónde ir en su siguiente paso, Oneohtrix Point Never ha decidido que es momento de homenajearse a sí mismo. ‘Magic Oneohtrix Point Never’ es el nombre con el que Daniel Lopatin publicó su primer disco en 2007, surgido del de una estación de radio de Boston cuyo dial (el 106.7) el músico escuchó mal un día, y su estructura “junta la lógica de transmisión de las franjas horarias de la radio, comenzando por la mañana y terminando por la noche”. Es decir, ‘Magic Oneohtrix Point Never’ busca replicar una experiencia que puede parecer anacrónica en la época del streaming com es la de escuchar la radio, y poner el foco en una experiencia que en nuestra vida diaria suele ser secundaria, estar en segundo plano.
En papel, el concepto de ‘Magic Oneohtrix Point Never’ funciona, pero el álbum falla en dos elementos fundamentales: las transiciones entre canciones no son tan inmersivas como probablemente Daniel Lopatin cree, a pesar de que interludios como el de ‘Cross Talk II’ son intrigantes, y las canciones pop tampoco son las mejores aunque desprendan cierto magnetismo. ‘Long Road Home’ es una buena composición que aúna pop sinfónico con voces procesadas y que está adornada con la inconfundible voz operística de Caroline Polachek, que canta sobre “sueños que se funden en un brillo digital”. Por su parte, ‘I Don’t Love Me Anymore’ es una composición típica de ‘Garden of Delete’ en cuanto a que Lopatin utiliza los códigos del pop-rock para destruirlos in situ mediante disparos de ruido digital. Lo mismo sucede en la empalagosa balada Lost But Never Alone’. Y el mismo Abel Tesfaye aparece en ‘No Nightmares’, una bonita -si bien intrascendente- balada inspirada en el olvidado dueto entre Phil Collins y Marilyn Martin de 1985 ‘Separate Lives’. En todos los casos, Lopatin demuestra ser un estupendo diseñador sonoro, no tanto un hábil compositor pop.
No puede sorprender a nadie entonces que los momentos más estimulantes de ‘Magic Oneohtrix Point Never’ sean también los más abstractos. Las florituras electrónicas y voces fantasmagóricas de ‘Auto & Allo’ remiten a ‘Replica’ para después introducir un segmento de pop sinfónico como de la nada, y en ‘Imago’ esta misma fórmula, que incluye unas cuerdas colosales capaces de dividir los mares, da lugar a la composición más escalofriante de todo el largo. El trabajo de Oneohtrix Point Never en el mundo de las bandas sonoras da lugar a cortes tan intrigantes como el conjunto de melodías sinfónicas, efectos acuáticos y voces espectrales de ‘Answering Machine’, y los ecos a obras previas de Lopatin no acaban aquí. ‘The Weather Channel’, un título más “vaporwave” imposible, presenta la típica composición ansiosa, esquizofrénica, deslizante del Oneohtrix Point Never de ‘R Plus Seven’ pero incluye también un sonido de cuerdas oceánico… y una segunda parte que recupera el sonido de batería mítico de los años 80. Y ‘Shifting’ cuenta con la participación de Arca para otro enriquecedor entramado de ambientaciones y percusiones que sí logra un balance casi perfecto entre el Oneohtrix Point Never del pasado y el actual.
El nuevo disco de Daniel Lopatin se guarda una pequeña joya para el final llamada ‘Nothing’s Special’. El músico se ha especializado en componer un tipo de balada que parece descomponerse a medida que avanza, y decide cerrar el álbum con una de ellas. ‘Nothing’s Special’ es una pieza oscura, introspectiva y emotiva que nos traslada definitivamente a lo más profundo de la noche, como esa transmisión de radio que ha llegado a sus emisiones nocturnas. Es otra composición meticulosa de un artista que ha demostrado su genialidad en numerosas ocasiones, pero que definitivamente parece haber perdido la chispa presentes en sus mejores trabajos, ya absorbido por Hollywood. La paleta de sonidos de Lopatin sigue siendo fascinante, absolutamente única y con razón ha influido a numerosos artistas contemporáneos, simplemente quizá dentro de un contexto pop no tenga demasiado sentido, ni termine de crecerse del todo.
Calificación: 7,1/10 Lo mejor: ‘Long Road Home’, ‘Auto & Allo’, ‘Answering Machine’, ‘Shifting’ Te gustará si te gusta: Tim Hecker, Steve Hauschildt, Laurel Halo, Caroline Polachek, Andy Stott Youtube:vídeo de ‘Long Road Home’
Adele nos acaba de mandar a paseo en Instagram. Al menos a los que nos preguntamos todo el tiempo cuándo saldrá el sucesor de ‘25‘, el último disco que ha vendido 20 millones de copias, hace 5 años. En un post en el que da las gracias por su participación en Saturday Night Live, la autora de ‘Someone Like You’, que ya había dicho que su disco no estaba terminado, afirma que vuelve «a su cueva» y se despide «hasta el año que viene».
En la línea, Drake, que viene retrasando su álbum desde el pasado verano, compartía un teaser el pasado fin de semana que situaba el lanzamiento de su nuevo disco, ‘Certified Lover Boy’, el próximo año ya. El usuario JonPGz se preguntaba en nuestro foro de Drake si el canadiense retrasaba el álbum por Adele, pero lo cierto es que al final ni una ni otro moverán ficha, lo cual deja el calendario libre para otros lanzamientos. Demasiado.
Por supuesto salen discos interesantes en breve, como esta misma noche lo nuevo de Ariana Grande. En Reino Unido están llamados a triunfar los nuevos discos de Little Mix y Kylie Minogue, que además competirán por el número 1 la próxima semana; en diciembre habrá nuevos discos de Niño de Elche, Smashing Pumpkins, Bunbury, Avalanches y Paul McCartney; por Black Friday podremos tener lo nuevo de Miley Cyrus entre las manos… pero falta ese disco capaz de vender millones en Navidad, como en otras ocasiones hemos tenido los álbumes de Taylor Swift, Beyoncé -por sorpresa- o Adele.
En medio de una pandemia, y en concreto de una segunda ola que acaba de volver a confinar un mercado tan grande como Francia, son muchos los lanzamientos que van a aplazarse. El mánager de Adele indicaba que por esta circunstancia su disco no había podido ir grabándose con normalidad. Cabe preguntarse si alguna de las superestrellas que han estado grabando se atreverán a dar el paso, aunque solo sea para llevarse toda la atención mediática por falta de competencia. A estas alturas ya nadie saca siquiera el nombre de Rihanna, y Cardi B está entre las que parecen concentrarse en 2021, ¿pero un Kendrick Lamar aprovechando las elecciones presidenciales? ¿El disco perdido de Kanye West? ¿Justin Bieber tras la buena acogida de ‘Holy’ y ‘Lonely’, ambas en el top 10 global de Spotify? ¿En España entendemos que es seguro lo nuevo de C. Tangana como «El madrileño«, aún sin fechar?
Es comprensible que muchos de estos discos no puedan llegar a tiempo, pero el público va a necesitar algo más que una distracción suelta, probablemente unas 20, para no volverse loco este otoño. La música pop, con lanzamientos como los de Dua Lipa, Lady Gaga o Taylor Swift; a otra escala Jessie Ware y Róisín Murphy; y en el mundo del rock Fontaines DC y Triángulo de Amor Bizarro; ha sido lo que ha salvado nuestro año del aburrimiento más absoluto. Los gallegos aseguran que acaban de mandar nueva música a fábrica, y aunque solo sea un single… así da gusto.
Hace unos meses os hablamos de Maren -no confundir con Marem Ladson– con motivo de su tema ‘Te invito a mi piscina (para matarte)’. La cantante vasca que el gran público tuviera ocasión de conocer en La Voz Kids está a punto de cumplir 18 años -sucederá el próximo 30 de noviembre- y lo celebra con un lanzamiento nuevo y anunciando un concierto con nueva banda que tendrá lugar el domingo 29 de noviembre, es decir, dentro de un mes, en el Teatro Campos Elíseos de Bilbao.
La nueva grabación, que recibe el nombre de ‘La Estación Espacial de Teruel’, ha sido producida por REYS (Sergio de Miss Caffeina), Carlos Dueñas y la propia Maren. Su voz, que tanto puede agradar a los seguidores medio huérfanos de Russian Red, se sumerge aquí en una producción de pop-rock en la que despuntan los sintetizadores, tomados prestados de la primera era de La Casa Azul.
En cuanto a la letra, recurre a la ciencia ficción que tanto ha sido mimada sobre todo por los grupos de punk pop e indie pop (de Los Vegetales a La Monja Enana), pues la artista recibe una llamada de «la estación espacial de Teruel» porque «han perdido una extraterrestre». A partir de ahí «Soy un alien, ¿cómo es que no me lo habías dicho antes?» se convierte en el contagioso estribillo, y la grabación despega del todo con los teclados celestiales del final, cuando se pasa de la negación de ser «un alien» a la aceptación.
Al tiempo, suena de fondo una locución medio ininteligible, en la que entendemos a Maren encantada de poder «volar» y hacer otras cosas que «antes no podía». Una celebración de lo raro y de lo diferente llena de significado que es nuestra «Canción del Día» de este jueves.
Busta Rhymes publica mañana un disco llamado ‘Extinction Level Event 2: The Wrath of God’, que se promociona hoy con un single de lujo. ‘Look Over Your Shoulder’ relega gran parte de su protagonismo en dos pilares fundamentales: por un lado el incansable rap de Kendrick Lamar, de cuyo nuevo disco no sabemos nada, y por otro un sample de ‘I’ll Be There’ de Jackson 5.
De ahí sale el gancho de la canción «don’t you know baby» y «you need me» -de la parte final de la original- y el propio título del tema. Estamos ante la enésima reivindicación de Michael Jackson de este año, tras las realizadas antes por Drake y Kanye West. Bajo estas líneas, os dejamos con la balada original.
Es en el segundo verso de ‘Look Over Your Shoulder’ donde Busta Rhymes toma la palabra sobre el delicado piano que sitúa esta producción en el hip hop de los primeros años de siglo XXI. Busta Rhymes lo vendía todo a finales de los años 90 y principios de los 2000 con álbumes como ‘When Disaster Strikes…’ y ‘Genesis’. El nuevo es su primer disco de estudio desde 2012, aunque a finales de 2015 hizo una mixtape y ha seguido apareciendo en multitud de lanzamientos.
En el disco nuevo de Busta Rhymes encontramos singles ya editados como ‘The Don and the Boss’, ‘Yuuu’ con Anderson Paak y también colaboraciones de Rick Ross y Mariah Carey, entre muchísimos otros.
‘Shoot For The Stars, Aim For The Moon’ es definitivamente uno de los discos más exitosos del año tras haber rebasado el equivalente a 2 millones de unidades vendidas según las estimaciones de Mediatraffic. El álbum debut y a la vez póstumo de Pop Smoke -antes sacó 2 mixtapes- ha sido número 1 en Reino Unido y Estados Unidos y, lo que es más importante, 4 meses después de su edición el pasado mes de julio, continúa en el número 2 tanto en el caso de las islas británicas, como en el norteamericano.
Además de haber recibido certificaciones en estos dos países, más las que le quedan, pues esto no se va a ir ya a ningún sitio durante el próximo año, el álbum ha sido platino en Dinamarca, oro en Francia, Nueva Zelanda y Suecia. El disco fue top 10 en Francia, Italia y Alemania, mientras España es uno de los países en que peor le ha ido. Aquí tan solo ha sido número 26. Eso sí, 4 meses después, se mantiene fuerte en el 34, lo cual es mejor que entrar alto y después desplomarse.
Los temas de éxito son la medio bailable ’What You Know Bout Love’, que esta semana sube al 4 en Reino Unido, tras haberse viralizado en TikTok; la acústica ‘For the Night’ con Lil Baby y DaBaby, que permanece en el top 13 en Estados Unidos tras haber sido número 6; y ‘Mood Swings’, que en su momento fue también top 5 en Reino Unido. La espontaneidad con que esta también ha calado en TikTok ha podido con los que fueron los singles oficiales del álbum, ‘Make It Rain’ y ‘The Woo’.
Esta semana se ha promocionado también un nuevo vídeo para la canción con Quavo, ‘Aim for the Moon’, en el que vemos a un actor haciendo de Pop Smoke de pequeño, rapeando y hundido en pasta. El álbum tiene 34 pistas, lo que contribuye sin duda a su éxito al sumar streamings y más streamings. El artista de Brooklyn fallecía en febrero de este año tras recibir dos disparos en una casa de California a la que entraron unos asaltantes. Cuatro personas entre 15 y 19 años han sido acusadas del delito.
Flops
Lo han retrasado varias veces, pero finalmente The 1975 sí han sacado su álbum ‘Notes on a Conditional Form’ este año. Eso sí, no pueden decir que haya alcanzado el estatus multiplatino en Reino Unido de ‘The 1975’ (que vendió 2 millones de copias como las de Pop Smoke), el platino de ‘I Like It When You Sleep’, ni el oro de ‘A Brief Inquiry Into Online Relationships’.
El álbum ha sido número 1 en las islas exactamente igual que los 3 discos de The 1975 restantes, pero después no ha conseguido ni mantenerse ni resurgir, cayendo en el olvido. He aquí un dato significativo: de la media docena de singles extraídos de ‘Notes on a Conditional Form’, la única que permanece entre sus canciones más escuchadas en Spotify es ‘If You’re Too Shy (Let Me Know’)’ y en una versión “radio edit”.
Pese a lo mediáticos que son, la popularidad de The 1975 extrañamente puede considerarse decadente: su primer disco resistió 168 semanas en lista, el segundo 71, el tercero 44 y este cuarto solo ha estado en las listas británicas 7 semanas, es decir, menos de 2 meses.
Ni que decir tiene que Reino Unido es su principal bastión: el álbum estuvo tan sólo 2 semanas en todo el Billboard 200. Suponemos que lo espantoso de singles como ‘People’, los continuos retrasos, la falta de decisión y anticipación y la pandemia mataron todo el hype de este disco, que escondía canciones tan buenas como ‘Me & You Together Song’, que han pasado desapercibidas. ¿Apostamos a que ya planean un comeback mejor organizado?
Este otoño se estrena, al menos en cines estadounidenses, ‘Stardust’, la película sobre David Bowie en la que Johnny Flynn ejercerá de protagonista, Marc Maron hace de Ron Oberman y Jena Malone de Angie Bowie. La cinta se centra en 1971, cuando el artista estaba desarrollando el personaje de Ziggy Stardust para su obra maestra del año siguiente. El cartel de la película tiene el lema “David antes de Bowie” refiriéndose a esa condición, pese a que ya llevaba un par de años firmando con este nombre.
La película de Gabriel Range no ha entusiasmado a la crítica tras su pase en algunos festivales internacionales de pequeño tamaño, obteniendo de momento un suspenso en Metacritic. The Hollywood Reporter critica la ausencia de música del artista y lo convencional que es el retrato de una estrella de rock para alguien como Bowie, aunque elogia el trabajo de los actores; reseña que comparte más o menos Indiewire al decir algo así como que juega «demasiado sobre seguro».
En el tráiler se habla de experimentalidad, posibilidades comerciales, aspiración al éxito y travestismo, para dejar el mensaje de que América no estaba preparada para el artista británico, al tiempo que se recrea una de sus actuaciones. Previamente se había compartido una escena de la cinta. De momento desconocemos si habrá estreno en España; el estreno en Estados Unidos está previsto para el 25 de noviembre.
Ela Minus es una artista fascinante. No solo ha sido capaz de publicar dos pepinazos de tecno-pop como ‘they told us it was hard, but they were wrong.‘ y ‘megapunk’ que están llamados a arrasar en los festivales venideros (si hay), sino que su propio trabajo también puede considerarse un «acto de rebelión» en sí mismo (así nos lo ha asegurado ella misma en una entrevista que publicaremos próximamente). La colombiana Gabriela Jimeno solo produce música electrónica con máquinas analógicas e incluso construye las suyas propias. Con un pasado hardcore -formó parte de la banda emo Ratón Pérez- la música de Ela Minus aúna «DIY» con potencial masivo. Y su primer disco es una carta de presentación estupenda para adentrarse en su universo.
Formada en un Berklee College of Music por el que ha pasado una lista interminable de artistas, de Quincy Jones a Empress Of, Ela Minus empezó a ir a discotecas en Boston sola para familiarizarse con la noche de ese lugar, y después abandonó el centro lamentando su obsesión por la competición. La artista pasó entonces a recibir clases de Terri Lyne Carrington, antiguo batería de Herbie Hancock, quien le enseñó el poder de la improvisación y la importancia de «encontrar tu propia voz».
La voz de Ela Minus está anclada en su pasión por Kraftwerk, pero también en el punk y en el tecno berlinés. Con estos elementos, la artista ha hecho un disco oscuro, introspectivo, vagamente personal y político, que alterna ritmos sísmicos con otros más atmosféricos, en ambos casos bañados en un reverb que hace sonar sus canciones como si sonaran dentro de templos. ‘they told us it was hard, but they were wrong.’ es uno de esos temas de tecno-pop apoteósicos que capturan el poder mágico, curador, de la música electrónica, y ‘el cielo no es nadie’ nos lleva directamente a las entrañas del Berghain de Berlín para recordarnos la importancia de los pequeños detalles: «es más difícil dar el tiempo, que el cielo entero».
A Kraftwerk recuerdan los ritmos mecánicos de ‘dominique’, uno de los medios tiempos de este ‘acts of rebellion’ dedicados al baile como «acto político’: «no quiero dormir hasta que salga el sol» es la sentencia que deja esta canción inspirada en el aislamiento que ha traído el coronavirus, y en la que Gabriela expresa: » no he visto a nadie en dos días, me temo que he olvidado cómo hablar con alguien que no sea yo». Por su lado, el modesto tecno-pop de ‘tony’ superpone el futuro plasmado por la música electrónica con un pasado sin sobreinformación ni déficits de atención: «no seas tan moderno, bailemos como mis abuelos» es su gran lema.
Entre interludios atmosféricos como el amniótico ‘do whatever you want, all the time.’, el cual, a pesar de su expresivo título, o de hecho debido a ello, no contiene letra alguna, pues todo queda dicho en esa misma frase, hay que destacar el pizpireto tema final con Helado Negro ‘close’, que evoca a ‘Homogenic’, y sobre todo el dance-punk del que es otro de los grandes himnos de Ela Minus. Aparte de venir con titulazo y también con ecos al electroclash de los años 2000, ‘megapunk’ es el tema más abiertamente político del disco, llamando a la acción en frases como «no conseguirás que paremos la carrera» o «no nos queda otra que luchar».
Calificación: 7,7/10 Lo mejor: ‘they told us it was hard, but they were wrong.’, ‘megapunk’, ‘el cielo no es de nadie’ Te gustará si te gusta: Moderat, Four Tet, Thom Yorke Youtube:audio de ‘megapunk’
Adele se libró de las críticas por apropiación cultural cuando acudió a una festividad caribeña de Londres con moños bantú porque se entendió -razonablemente- que se estaba integrando en dicha festividad. Ahora la británica se enfrenta a críticas por uno de los ‘skits’ en los que ha participado en Saturday Night Live, en el que ella y dos actrices interpretan a dos mujeres blancas que viajan a África en busca de sexo con «hombres de las tribus» y de sus «enormes bambús».
Todo en Saturday Night Live es una sátira y una broma, pero la emisión de esta escena ha sentado particularmente mal pues coincide con las protestas en Nigeria por la brutalidad policial que han dejado decenas de muertos. No ha ayudado nada a apaciguar las críticas que precisamente esta sea la escena de Saturday Night Live en la que Adele se sale del personaje porque no puede aguantarse la risa.
En Twitter, una persona ha expresado que «la escena de África es ignorante, ofensiva e inapropiada» ya que «hombres y mujeres en Nigeria, Namibia, África del Sur y la República Democrática del Congo están luchando por sus vidas y reducir el continente a un destino sexual para mujeres blancas es vergonzoso». Otra persona ha apuntado directamente a Adele: «la misma mujer que está saliendo con un hombre negro y lleva moños bantú ha decidido que es buena idea aparecer en un skit sobre mujeres blancas divorciadas que viajan a África para fetichizar a los hombres negros» (se rumorea que Adele sale con el rapero Skepta).
Sin embargo, la escena también ha producido elogios de quien ha entendido que su burla hacia las mujeres blancas retratadas -y no hacia los hombres africanos- no puede ser más clara. Una persona ha escrito: «soy de África del Sur y esta es una representación terriblemente preciso del modo en que las mujeres americanas se comportan cuando están en África». Y otro ha dicho que «el sentido de la escena es (visibilizar) que (todo esto del turismo) sexual es ridículo». Y luego hay quien simplemente no ve en este ‘skit’ nada ni divertido ni ofensivo, sino simplemente aburrido.
Jennifer Aniston ha sido noticia estos días tras publicar un mensaje en el que insta a votar a Joe Biden en las elecciones presidenciales estadounidenses, ya a la vuelta de la esquina. Su escrito dice: «Ahora mismo, unos pocos hombres en el poder están decidiendo lo que las mujeres pueden hacer o no hacer con sus propios cuerpos. Nuestro presidente actual ha decidido que el racismo no es un asunto que tratar en absoluto. Ha ignorado repetidamente y públicamente a la ciencia… demasiada gente ha muerto». La actriz apostilla: «No es divertido votar a Kanye. No sé qué más decir. Por favor, sed responsables».
El rapero aludido, que está interesado en gobernar el país, y de hecho ha podido presentar su candidatura oficialmente en varios estados, ha contestado a la actriz en una serie de tuits que ya han sido borrados, pero que ha conseguido capturar un tabloide británico. En uno de ellos decidía atacar a Aniston afirmando que ‘Friends’ «no era divertida». No sabemos cuánta gente a su alrededor ha emitido un jadeo de «shock» ante esta afirmación, pero Kanye vuelve a demostrar que va a contracorriente. Y en este caso no le falta razón.
‘Friends’ era una serie muy divertida… o al menos así la recordamos muchos, pero también tenía sus detractores: depende de a quién preguntes, los personajes eran unos palurdos, la amistad de todos ellos era completamente inverosímil y una gran cantidad de escenas -especialmente las de Ross- daban vergüenza ajena. En realidad, todo esto sigue siendo cierto a pesar de que la serie provoque alguna que otra risa a día de hoy, y su visionado en 2020 lo confirma, pues la serie ha caído víctima en los últimos años del revisionismo «millennial» y, desde este punto de vista, no ha podido envejecer peor.
Es fácil afirmar que ‘Friends’ es una serie de los 90 y, por tanto, que debe ser vista como tal, sin tener en cuenta lo que ha cambiado el mundo 25 años después; pero más fácil es ampararse en la nostalgia y en el dicho de que todo lo pasado siempre fue mejor. Sin embargo, ya en los 90 había series como ‘Frasier’ o ‘Will & Grace’ que no caían en los chistes más burdos y fáciles imaginables sobre el peso o la vestimenta de las mujeres, la comunidad LGBT o la sensibilidad masculina. Especialmente el concepto de «masculinidad tóxica» es inevitable hoy en día a la hora de hablar de Ross, Chandler y Joey, tres personajes cuya misoginia se daba por sentada en la serie, como respirar, y servía para dar lugar a todo tipo de burlas hacia las mujeres.
Los defensores de ‘Friends’ recuerdan que la serie fue pionera en incluir una pareja de madres lesbianas en su argumento. Al margen de que Ross trataba a estas dos personas con desprecio, la presencia de esta pareja en la serie es de lo poco que ha envejecido bien. Porque ‘Friends’ tuvo sus momentos buenos, pero la serie fallaba en lo fundamental, ya que la diversidad en el reparto era inexistente a pesar de que su precedente inmediato fue una sitcom negra estrenada previamente; y la cantidad de chistes homófobos y tránsfobos presentes en su guion no solo serían inadmisibles hoy en día, sino que además tenían la misma profundidad que los papeles absolutamente estereotipados de sus seis protagonistas: cero. Lo único bueno de ver ‘Friends’ hoy en día es darse cuenta de lo mucho que hemos evolucionado, aunque aún quede mucho por hacer. Te invitamos a opinar sobre ‘Friends’ en nuestros foros.
Sia ha vuelto este año a la actualidad musical con una serie de singles bastante distintos entre sí, dos de los cuales forman parte de la banda sonora de ‘Music’, la película que ha dirigido y que está protagonizada por Maddie Ziegler. Tanto película como banda sonora siguen sin fecha de edición, mientras el próximo álbum de estudio como tal de Sia, ‘Reasonable Woman‘, se espera para el año que viene. Los otros singles son ‘Del Mar’ con Ozuna y Doja Cat y ‘Let’s Love’ con David Guetta. También ha visto la luz este año la balada solidaria ‘Saved My Life’.
Hace un tiempo era fácil adivinar que un tema de Sia iba a ser un éxito porque la artista estaba en todas partes, pero la recepción a ‘Together‘ y ‘Courage to Change‘ no ha sido para tirar cohetes. Puede que sus cifras en streaming estén bien, pero su paso por radios y listas oficiales ha sido muy modesta, y esto se debe a dos posibles factores, 1) el público ha entendido que este proyecto cinematográfico de Sia no merece la misma atención que sus álbumes de estudio, como le ha pasado a Beyoncé o 2) son composiciones mediocres. A todas luces, ‘Together’ y ‘Courage to Change’ son buenas canciones en papel, pero siguen una fórmula ya muy trillada en el repertorio de la Sia post-‘1000 Forms of Fear’ sin ofrecer ningún matiz nuevo o interesante. Son como dos canciones de relleno de un disco de Sia publicado en los últimos 7 años (‘Courage to Change’ ya apareció en un disco de P!nk el año pasado).
Irónicamente, las mejores canciones que ha presentado Sia este año pertenecen en realidad a otros artistas. La cucada veraniega de ‘Del Mar‘ de Ozuna con Doja Cat no ha llegado a tiempo para ser una de las canciones del verano, tampoco está siendo una de las canciones del otoño a tenor de su paso por listas, pero, al menos, musicalmente ofrece un contexto más o menos nuevo en el que escuchar la voz de la australiana, que aquí se infantiliza de manera adorable cantando sobre darse un chapuzón. Es una pena que la propia Sia parezca tan ajena a esta canción que no ha aparecido ni en sus presentaciones en vivo ni en su videoclip oficial. Es como si para ella simplemente no existiera.
Por otro lado, ‘Let’s Love‘ con David Guetta tampoco ha buscado el nuevo ‘Titanium’, sino más bien adaptarse a los tiempos en que ‘Blinding Lights’ es la canción más escuchada en todo el mundo. De nuevo, comercialmente no ha sido un hitazo, aunque sí ha sido número 1 en Israel, pero no se puede decir que el sonido de ‘Let’s Love’ fuera esperado por los fans ni de Guetta ni de Sia. Dentro de lo retro, de lo nostálgico, es un tema estupendo que se pega más de lo que parece en un principio, y aporta un sonido que Sia haría bien en seguir explorando.
Es fácil asumir que Sia no está obteniendo los éxitos de antaño porque su música ya no interesa como antes o porque no ha sabido renovarse, pero si algo ha demostrado la artista en su carrera, es que no hay que dar nada por sentado: ¿alguien vio venir que ‘Cheap Thrills’ o ‘The Greatest’ iban a ser tamaños macrohits? Sin embargo, ‘Music’ parece, en papel, un proyecto llamado a marcar su carrera, ya que lo tiene todo: la estética infantiloide se siempre, canciones bombásticas como ‘Together’, la presencia de Maddie Ziegler… ¡hasta queda una película por estrenarse! Quizás con su visionado terminemos de entender todo este universo que no termina de ver la luz, pero, de momento, la deriva de Sia, entre canciones propias y ajenas, es difícil de discernir.
Novio Caballo fue una de las bandas revelación del año pasado gracias al lanzamiento de su hitazo electro-punk ‘Jesús es negro‘. Su sello, Mushroom Pillow, los describía entonces como una mezcla entre El Columpio Asesino y McNamara, mientras también parecía haber en su sonido restos de Radio Futura o Mendetz.
Ahora el grupo valenciano ha decidido llevar la comparación de su sello con McNamara al siguiente nivel versionando al segundo. La canción escogida es ‘Celebritis’, hoy por hoy la más escuchada de aquel olvidado disco que Fabio McNamara y Glitter Klinik (el grupo de Luis Miguélez) publicaron en el año 2009, y en la que McNamara se dedicaba a mencionar una ristra de celebridades que en aquel momento plagaban las páginas de los tabloides, incluidas las tres Marías (Britney Spears, Paris Hilton y Lindsay Lohan). La delirante composición parecía ofrecer un comentario satírico sobre el estilo de vida excesivo, artificial y «vanidoso» de estas figuras públicas (había mala baba en aquel gancho «a las celebritis, cuando están piripis les hecho confetis, con la pomulosis y la pomulitis»), si bien a su vez parecía celebrar el rol que estas figuras como proveedoras de entretenimiento social, pues la canción no puede ser más festiva.
En cualquier versión, ‘Celebritis’ es un pepinazo de lo más mamarracho, pero 11 años después, el tema ya no suena tan dance-punk y electroclash en manos de Novio Caballo, sino que el grupo formado por Luis M. Chafer, Fede Trillo, Nacho Galí, David Marco y Javi Gascón potencia en su versión las guitarras eléctricas, llevándola a un lugar más rockero pero sin abandonar la pista de baile. Y no es de extrañar, ya que la versión incluye la participación de miembros de Viva Suecia y Axolotes Mexicanos. Por supuesto, el grupo también ha adaptado la canción a los tiempos que vivimos y sumado a la letra una serie de «celebritis» nuevas entre las que aparecen de Kim Kardashian a Terelu Campos, de Miley Cyrus a Chavelita, de Taylor Swift a Belén Esteban. No, Britney no es mencionada a pesar de aparecer en la misma portada del single, en uno de sus momentos más… inolvidables.
Chavales nos conquistaron a principios de este año con un gran hit llamado ‘Las plantas de la terraza‘ y desde entonces han asentado su carrera en Elefant, sello de La Bien Querida y La Casa Azul, con un mini LP tan entretenido como ‘Tu foto en el techo‘. Los Smiths, The Tough Alliance, The Drums y Joe Crepúsculo están entre los grupos que nos vinieron a la mente escuchando su música, por lo que es una sorpresa que uno de sus miembros, Javier Paredes (delante, en la foto), haya querido hablar de Lady Gaga en «Meister of the Week«. Paredes es el nuevo invitado de nuestra sección comisariada por Jägermusic, en la que un artista habla sobre su pasión oculta, y recordemos que PUTOCHINOMARICÓN habló en ella misma sobre Charli XCX, antes de terminar desfilando por un concierto de Charli XCX. Esperemos que Javier corra una suerte similar.
¿Por qué has escogido hablar de Lady Gaga en esta sección? ¿Qué representa para ti y cuándo exactamente se convirtió en ese algo?
No me considero muy fan de nada en concreto o mitómano de algún famoso o artista, pero pensé en Gaga porque es de las pocas artistas que sigo desde que empezaron hasta ahora, con mayor o menor atención según la etapa. Su música me ha acompañado desde los 14 años más o menos y para mí representa disfrutar de un producto y artista sin prejuicios de ningún tipo, desde lo mucho que consigue motivarme o lo bien que me hace sentir. A veces según en qué momento me ha dado “cosa” decir que me gustaba según qué grupo, como Sabina en mi adolescencia, por ejemplo, porque nadie que conocía lo escuchaba, pero con Gaga nunca me ha pasado eso. Tengo recuerdos bastante guays en los que su música ha estado involucrada, como cuando vivía en Chile que salió ‘Perfect Illusion’ y me metí en mi cuarto mientras en mi casa había una fiesta para escuchar la canción tranquilamente y luego volver a la fiesta (me la puse bastantes veces).
¿Qué crees que la ha convertido en una especie de diosa para la gente diferente?
No sé si diosa, pero sí creo que es un referente para muchísima gente, gente que lo ha pasado realmente mal en su adolescencia, que no sentía que encajaba en ningún sitio, por ejemplo, y que ha encontrado en su música un espacio seguro en el que liberarse o sentirse mejor. No sigo mucho a su comunidad de fans, pero vi esto muy claro cuando fue a la 9ª temporada de RuPaul como invitada y una de las drags súper emocionada le dijo que prácticamente le había salvado la vida.
¿Cuál crees que ha sido el momento más punk o salvaje de su carrera?
Pues sus inicios fueron muy punks, creo, pero un momento que recuerdo que pensé en que se le había ido un poco de las manos fue en la etapa ‘ARTPOP‘ concretamente en su actuación en el festival SXSW cuando llevó a esa artista para que le vomitara encima. Creo que en ese momento estaba muy condicionada por el éxito de sus dos trabajos anteriores y quiso rizar el rizo, aunque no creo que fuera negativo, igualmente me pareció guay.
¿Cuál crees que ha sido su ida de olla más brillante? ¿El vestido de carne, el vestido volador de Volantis, anunciar concierto en la Luna en 2015…?
No sé si es ida de olla, pero la etapa con Bennett me pareció brillante, por decirlo así. Creo que le sirvió para hacerse respetar, por así decirlo, sin dejar de lado del todo su parte excéntrica y creo que le salió bien, la verdad. No me parecía que encajara para nada en ese estilo y sinceramente a veces no me la creía, pero le funcionó. Y lo del concierto a la Luna siempre pensé que fue un bulo, porque como que de repente nadie sabía nada de ese proyecto y no volvió a hablar de ello… pero hubiera sido genial.
«En muchas cosas que hace hay bastante postureo, eso es parte de ella también y de su manera de venderse al público»
Ella es muy fan de Iron Maiden, Metallica y cosas así, ¿crees que es real o hay ahí un poco de postureo? ¿Crees que ha logrado traspasar esa pasión a sus seguidores, que sus fans se sumergen a su petición en los discos de estos artistas?
Bueno, creo que en muchas cosas que hace hay bastante postureo, eso es parte de ella también y de su manera de venderse al público y el acercarse a este tipo de grupos no es una excepción, aunque eso no quita que realmente le puedan gustar. Y sí, pienso que cualquier artista de su nivel tiene la suficiente influencia como para hablar sobre un grupo cualquiera, aunque sea uno de folklore extremeño, por ejemplo, y conseguir que miles de personas les presten atención.
¿Qué te parece su versión más adulta, ‘Cheek to Cheek‘, ‘Joanne‘, ‘A Star Is Born‘?
Pues sinceramente creo que le ha venido bastante bien, sobre todo para conectar con un tipo de público que no confiaba en ella por su pasado más excéntrico y que, además, dudaba y juzgaba su capacidad como cantante y artista. Creo que ha demostrado una faceta nueva que la presenta como una artista bastante versátil que puede hacer realmente lo que quiera, como el salto que ha vuelto a pegar en ‘Chromatica‘.
¿Cuál crees que ha sido el momento más bajo de su carrera desde el punto de vista artístico?
La verdad es que no sabría decirte. A mí todas sus etapas me han aportado algo, aunque no por igual… Es cierto que ‘Joanne’ por ejemplo me acabó aburriendo, aunque me escuchase el disco muchísimas veces, en eso sí que me contradigo un poco, pero realmente no me dio para más, sobre todo por el discurso sobre su tía con el que lo acompañaba y que vendía siempre en las entrevistas. Me pareció un poco impostado que de repente la mayor parte del concepto del disco fuera por ese camino, pero bueno, creo que también era necesario de alguna manera para ella hacer algo así.
«ArtPop es de sus mejores discos y tiene mérito cómo lo sacó adelante teniendo en cuenta que estaba pasando por una etapa difícil»
¿Cuál crees que es su momento más infravalorado?
Bueno, creo que puede ser la etapa ‘ArtPop’. Creo que se la juzgó muchísimo en un principio aludiendo a que era un trabajo que quería seguir la línea de los anteriores sin aportar nada diferente, pero a mi parecer es de sus mejores discos y tiene mérito cómo lo sacó adelante teniendo en cuenta que estaba pasando por una etapa difícil después del tema de su cadera y de lo precipitado que fue la promoción del disco. Creo recordar que hubo vídeos como ‘Applause’ que hizo deprisa y corriendo por la presión que sentía en ese momento, pero no sé si es así del todo.
¿Qué te ha parecido ‘Chromatica’? ¿Qué te ha molado más, qué menos…? Tras ‘Rain on Me’, ¿por qué crees que ‘911‘ no ha terminado de ser un hit?
Una pasada, la verdad. Es un disco que no he esperado con tantas ganas como los anteriores, a lo mejor por el contexto en el que ha salido o porque no le he prestado tanta atención, pero me ha gustado mucho. Mucha gente esperaba algo nuevo o diferente a lo anterior y creo que hay que acostumbrarse a que Gaga, parece ser, que no quiere seguir la línea de lo que se hace en el momento, sino lo que le apetece. También que haya parado toda la promo y que aun así le haya funcionado hasta seguir alargando el disco todo este año me parece un acierto, esté hecho a conciencia o no.
Me ha recordado a sus primeros trabajos y eso me encanta. Lo que más me ha molado son las portadas y que haya dividido el disco en tres partes separadas por transiciones, creo que se puede escuchar por momentos independientes y según tu estado de ánimo. Lo que menos diría el estilismo con el que se ha presentado alguna vez, como en ‘Stupid Love’, me parece un poco horrible, pero tampoco le puedo sacar muchas más pegas.
¿Has sido fan hasta el punto de bajarte a los fangos de internet en la guerra de las divas, que si Madonna, que si Katy Perry, que si Dua Lipa?
La verdad es que no, no soy mucho del pique que puede haber o no entre divas del pop, por curiosidad a veces me gusta saber lo que ocurre, pero no lo sigo de cerca.
¿Podemos intuir algo de la música de Lady Gaga en Chavales? Nunca habría adivinado esta pasión oculta, ciertamente.
JAJAJA, pues la verdad es que no la hemos tenido como referente para el proyecto, pero nunca es tarde y puede ser un buen terreno al que acercarse y experimentar, claro.
Mientras Kylie y Gaga se mantienen como lo más votado de JNSP, son variadas las entradas que recibimos esta semana: lo nuevo de Lana del Rey, aunque en una posición mucho más modesta de lo habitual, dada la decepción generalizada en torno a ‘Let Me Love You Like a Woman’; Maria Rodés con uno de los temas del fantástico ‘Lilith’, James Blake con el tema titular de su nuevo EP, y Kelly Rowland con una producción cuyo sample nos costó localizar pero lo conseguimos tras contactar con su productor. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.
Netflix lleva dos años persiguiendo el Oscar a la Mejor Película: ‘Roma’ (2018), ‘El Irlandés’ (2019), ‘Historia de un matrimonio’ (2019)… Pero no hay manera. Este año entra en la carrera con varios caballos ganadores. Además de ‘El juicio de los 7 de Chicago’, estrenará ‘Mank’ (David Fincher), un biopic sobre Herman J. Mankiewicz, guionista de ‘Ciudadano Kane’ (¿para cuándo un Oscar para Fincher?); ‘Hillbilly, una elegía rural’ (Ron Howard), adaptación del superventas de J. D. Vance (¿por qué Ron Howard tiene un Oscar?); ‘Cielo de medianoche’ (George Clooney), una epopeya postapocalíptica muy en sintonía con estos tiempos; y ‘La madre del blues’ (George C. Wolfe), un biopic sobre Ma Rainey protagonizado por Viola Davis y el recientemente fallecido Chadwick Boseman.
‘El juicio de los 7 de Chicago’, la primera en estrenarse, no era de Netflix. Se la compró la plataforma a Paramount por una millonada, como ha hecho en otras ocasiones: ‘Aniquilación’, ‘The Cloverfield Paradox’… La inversión le puede salir bien. La segunda película dirigida por el guionista estrella Aaron Sorkin (‘La red social’, ‘Steve Jobs’, ‘El ala oeste de la Casa Blanca’), tras la estupenda ‘Molly’s Game’ (2018), es cien por cien “oscarizable”. Un drama judicial basado en hechos reales (el encausamiento de varios manifestantes contra la guerra de Vietnam ocurrido en 1969), que enfatiza varios aspectos de la narración y la puesta en escena para que actúen como reclamo para los votantes de los Oscar, para aquellos –la mayoría- que siempre preferirán votar un ‘Green Book’ que un ‘Roma’.
Estas concesiones busca-votos son sin duda lo peor de la película: el exceso de maniqueísmo, las sentencias grandilocuentes, el forzado “subidón” del final, que parece rodado mirando de reojo la estatuilla… Sin embargo, ‘El juicio de los 7 de Chicago’ es también una película cien por cien Sorkin. O, lo que es lo mismo: una exhibición de esgrima verbal, con unos diálogos más afilados que una espada de ‘Forjado a fuego’; un discurso brillante, lleno de segundas lecturas que resuenan con fuerza en el presente (no es casualidad que el filme se haya estrenado en plena campaña electoral estadounidense); y un notable dominio de la narración, hasta el punto de meter al espectador dos horas en un juzgado y que se lo pase como si estuviera en una montaña rusa.
A estas virtudes hay que sumar otra: el espectacular reparto. Todos están fabulosos, pero hay dos duelos que brillan como una bomba de napalm en Vietnam. Por un lado, Sacha Baron Cohen y Eddie Redmayne, que encarnan a los representantes de dos sectores de la izquierda estadounidense sesentera, la hippy y la pija (este último, Tom Hayden, se convertiría en la estrella de la contracultura junto a su mujer Jane Fonda). Y, por otro, Mark Rylance y Frank Langella, el abogado progresista y el juez carcamal, que protagonizan algunos de los mejores momentos de la película.
El resultado de esta suma de arquetipos y tensiones dramáticas es una llamada a la acción, una sutil invitación al espectador para que deje de quejarse en Twitter (la nueva barra de bar desde donde “arreglar” el mundo), y hacerlo donde la protesta ha sido históricamente eficaz: en las calles, de forma organizada y, a ser posible, pacíficamente. 8.
Lily Allen es una de las artistas invitadas en ‘Hey u x’, el primer disco de la cantante neozelandesa BENEE, que este año ha arrasado gracias a ‘Supalonely‘ con Gus Dapperton tras viralizarse la canción en TikTok (otra de esas artistas invitadas es Grimes). La composición que junta a BENEE con la autora de ‘Smile’ es ‘Plain’, ya puede escucharse y cuenta también con la participación de la rapera Flo Milli.
‘Plain’ es una evocadora canción que aúna pop, trap y sonidos típicos del bedroom-pop o el «chillwave». Su verdadera garra se esconde en la letra, pues «plain» se refiere a una chica a la que BENEE encuentra «plana», quien casualmente es la nueva novia de su ex. El estribillo dice: «es una pena que tu chica sea tan plana, no tengo nada que envidiarle, espero que se vaya lejos porque no quiero verla». La dulce voz de Lily Allen aparece al final del primer estribillo y entra en la segunda estrofa, cantando sobre las «características desagradables» de un chico al que ha dejado a tiempo de que la relación se vuelva tóxica: «puede que no estés preparado para esta conversación, por eso yo me quedo fuera de esta ecuación», rima. Por su parte, Flo Milli reinicide en el mensaje de la canción: «veo que te gustan las chicas penosas ahora».
La autora de ‘No Shame‘ ha sido noticia estos días por presentar su propio vibrador, asociándose a una conocida marca que comparte su nombre con el título de un éxito de Britney Spears que la británica versionó allá por 2009. En los últimos tiempos, la artista ha aparecido en temas como ‘Roll the Dice’ de SHY FX o en un remix de ‘What You Waiting For?’ de Popcaan, siempre desde un plano modesto.
Damon Albarn debe de partirse la caja cada vez que oye hablar de evolución, experimentación y fusión de géneros. El artista que un buen día conociéramos como el líder de Blur lo ha hecho todoen estavida, y lo sigue haciendo en la que parece definitivamente su banda principal, Gorillaz.
Corría el mes de enero -¿alguien lo recuerda?- cuando Gorillaz se embarcaban en un extraño proyecto: una serie de canciones a razón de una por mes, en la que Damon, Jamie Hewlett y Remi Kabaka Jr. se acompañarían de una serie de colaboradores. Comenzaban fuerte reuniendo a gente tan dispar como slowthai y Slaves -que ojo, ya habían colaborado previamente en el disco del primero-, rememorando en aquel ‘Momentary Bliss’ que Albarn ya le había pegado a un rock como ‘Song 2’, a un hip hop como ‘Clint Eastwood’ y a algo a medias entre las dos, como ‘Parklife’.
‘Song Machine, Season One: Strange Timez’, el álbum que reúne las canciones que han venido saliendo este año, presenta más saltos mortales, como juntar en la misma canción a Skepta y Tony Allen, muy poco antes de que este falleciera, en un ‘How Far?’ que aquí ejerce de despedida de la edición deluxe como último bonus track; o a Elton John y 6LACK dentro de la misma pista. Esta última, ‘The Pink Phantom’, suena como una torch song perdida de un musical off-Broadway pasada por el Autotune. Estamos ante una canción de amor, pues aunque Gorillaz tienden a sonar políticos y a implicarse especialmente con el cambio climático, como hicieron ya hace 10 años en ‘Plastic Beach‘, y hay algo de eso en ‘Strange Timez’, el inclasificable tema firmado junto a Robert Smith que abre el álbum, en este caso se han dejado llevar el hedonismo y circunstancias más personales.
En ese sentido, el tema que reunía a Peter Hook con Georgia, ‘Aries’, continúa siendo un rompepistas de la escuela New Order que puede mirar cara a cara a ‘Be a Rebel‘ este otoño. La canción que cuenta con la cantante de Mali Fatoumata Diawara es un divertimento -pese a su poso melancólico- llamado ‘Désolé’, excelentemente arreglado por cuerdas, pianos y metales. Y a St Vincent se la ha llamado para hacer coros en un tema titulado ‘Chalk Tablet Towers’ en el que el estribillo no se lo piensa: «quiero emborracharme / quiero colocarme / quiero dejarlo / quiero irme a casa». En un punto intermedio entre lo banal y lo social, encontramos la aportación funky de Beck, ‘The Valley of the Pagans’: hay claramente ironía en ese estribillo «me siento tan bien con mi alma perfecta / me siento tan bien en total control».
El encanto se diluye entre los «bonus tracks», con momentos tan chill como el aportado por Joan As Police Woman (‘Simplicity’), o cuando el oscuro trip hop de ‘With Love to an Ex’, con la sudafricana Moonchild Sanelly cantando sobre sus ex, da paso a un bobo ‘MLS’ que podrían haber compuesto The Gregory Brothers. Pero antes de eso esta «primera temporada» de ‘Song Machine’ -la segunda se espera para el año que viene- es un disco en el que los invitados parecen trabajar en comunión por un disco más sólido en sus colaboraciones de lo que la pandemia hacía sospechar, del funky playero y reconfortante de Leee John del grupo de los 80 Imagination (¡los de ‘Just an Illusion‘!) en la envolvente ‘The Lost Chord’, a ese ‘Pac-Man’ con SchHoolboy Q que no puede sonar más a los Gorillaz clásicos.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Momentary Bliss’, ‘Aries’, ‘Chalk Tablet Towers’, ‘The Lost Chord’ Te gustará si: has asumido ya que Gorillaz es el proyecto principal de Damon Albarn Escúchalo:la canción con St Vincent en Youtube.
Dani Martín firma el nuevo número de álbumes en España con su nuevo disco ‘Lo que me dé la gana’. El ex integrante de El Canto del Loco suma así 4 de 4, pues tanto su debut en solitario de 2010 ‘Pequeño’ como su disco de 2013 ‘Dani Martín‘ y el siguiente publicado en 2016, ‘La montaña rusa‘, también fueron número 1 en su momento. Haciendo efecto cadena, el recopilatorio ‘Aquellos años locos’ de El Canto del Loco vuelve a entrar en lista, en el número 72.
El autor de ’16 añitos’ ha sido uno de los últimos invitados al plató de La Resistencia, donde además de promocionar ‘Lo que me dé la gana’, ha hablado sobre fútbol o sobre su aversión a las redes sociales. En el momento cumbre de la entrevista, Broncano pregunta a Martín sobre las colaboraciones que ha hecho en el pasado, con gente como Robbie Williams o Miguel Bosé. En relación al segundo, Broncano pregunta que «en qué época» y el músico contesta: «en otra». Dani Martín dice que guarda cariño a Bosé porque «cree que ha hecho muchas cosas por la música española» pero que, en cuanto al tema de la salud, cree «más en los científicos y en la medicina, lo otro no me lo creo tanto».
Volviendo a la lista de álbumes, el nuevo álbum de estudio de La Pegatina, ‘Darle la vuelta’, entra en el número 5 y ‘ENOC‘ de Ozuna cae al 3 debido a que ‘La dirección de tu suerte’ de Miriam Rodríguez re-entra en lista directo al número 2 tras la publicación de su edición física. El álbum veía la luz originalmente el pasado mes de abril solo en formato digital debido a que las tiendas estaban cerradas por la crisis sanitaria, y entraba en el número 10. Cepeda, compañero de edición de Miriam en Operación Triunfo 2017, cae del 1 al 6 con ‘Con los pies en el suelo’, y Arcángel firma la última entrada dentro del top 10 con ‘Los favoritos 2’, que entra en el número 9. ‘El regreso de Abba‘ de Sidonie sube del 32 al 8.
Más adelante aparecen las entradas de ‘Wildflowers & All the Rest’ de Tom Petty en el número 11, ‘Funk Experience’ de R de Rumba & Porcel en el 19 y ‘Live at the Forum MMXVIII’ de Eagles en el 23. En el 29, Matt Berninger de The National coloca su álbum en solitario ‘Serpentine Prison‘ en el 29 (aquí, nuestra entrevista con el artista) y BTS colocan su EP de 2014 ‘Skool Luv Affair’ en el 38. Cabe destacar la entrada, en el número 68, de ‘Las montañas’ de Delaporte. Su primer disco ‘Como anoche‘ llegó al número 36 de la vieja lista de streaming el año pasado (desde este año, la lista de álbumes aúna ventas y streaming).
En cuanto al resto de entradas, C. Tangana, nuevo número 1 de singles en España, entra en el 42 con su EP ‘Bien :(‘ (suponemos que tras la puesta a la venta de nuevos «bundles» camiseta + vinilo en su web) y Dire Straits aparecen en el 51 con ‘The Studio Albums 78-91’. Finalmente, The Vamps colocan ‘Cherry Blossom’ en el 63 y ‘Gigantes’ de Playa Cuberris cierra la lista de entradas en la lista de álbumes, apareciendo en el 69.
C. Tangana sube finalmente al número 1 de la lista de singles española con ‘Demasiadas mujeres’, el nuevo adelanto de su disco ‘El madrileño’, que sigue sin fecha de edición. ‘Demasiadas mujeres‘ llevaba semanas instalado en el número 1 de Spotify España (ahora es top 2 por detrás de ‘La nota’ de Manuel Turizo con Rauw Alejandro y Myke Towers) pero no ha sido hasta ahora cuando ha conseguido desbancar del número 1 de la lista oficial al exitosísimo ‘Hawái‘ de Maluma. Antón se apunta así su segundo número 1 de singles en España después de lograr el primero con ‘Nunca estoy’ el pasado mes de mayo. Dentro del top 10, ‘Hawái’ baja al 2 y ‘La nota’ sube del 9 al 3, acechando el lugar de honor.
Hay que bajar hasta el número 60 para encontrar la siguiente entrada en la lista de singles, que firman Justin Bieber y Benny Blanco con ‘Lonely’. La nueva balada de Bieber, en la que también ha participado FINNEAS, entra en el número 60, lejos del dato americano (top 14) y del británico (top 19) pero próximo a la tendencia actual del cantante en nuestro país (‘HOLY‘ era top 62). Por otro lado, Dani Martín, cuyo nuevo disco ‘Lo que me dé la gana’ es número 1 de álbumes, coloca su baladón con Camilo ‘Avioncito de papel’ en el número 64, y Antonio Orozco entra en el 64 con ‘Entre sobras y sobras me faltas’.
En cuanto al resto de entradas, en el 89 aparece Pablo Alborán con ‘Hablemos de amor’, confirmando que no parece haber demasiado interés por su nuevo proyecto en estos momentos, a pesar de que ‘Vértigo’ es su primer trabajo en varios años, y el primero desde que el cantante anunciara su retirada de los escenarios para descansar (‘Si hubieras querido’ ya está fuera del top 100, mientras Alborán aparece en los puestos 53 y 54 de la lista con sus respectivas colaboraciones con Beret y Camilo).
Finalmente, en el número 90, Natti Natasha, Justin Quiles y Miky Woodz saludan con el remix de ‘Que mal te fue’, y Arcángel y Myke Towers cierran la tanda de entradas de esta semana en la lista de singles con ‘Satisfacción’, que entra en el número 94.
Niño de Elche ha anunciado un nuevo álbum de estudio que publicará exclusivamente en formato físico -en doble vinilo- el día 11 de diciembre. ‘La distancia entre el barro y la electrónica. Siete diferencias Valdelomarianas’ es un disco dedicado al trabajo del fotógrafo y cineasta experimental granadino José Val de Omar. Francisco Contreras Molina explica su concepto: “Se trata, en fin —o como el granadino prefería terminar sus películas: sin fin—, de trasladar al presente las mismas actitudes experimentales con las que estuvo comprometido durante toda su vida Val del Omar”.
Según la nota de prensa, «Niño de Elche arrancaba el mes de octubre presentando el disco en performática primicia dentro del festival RAYO (Madrid), con todas las entradas vendidas en escasos minutos. El álbum es el resultado de su reciente residencia en el Centro Residencias Artísticas de Matadero Madrid, en la que contó con el apoyo del Archivo José Val del Omar y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Dicha experiencia permitió a Niño de Elche investigar sobre el ingente y prácticamente ignoto archivo sonoro de Val del Omar, y trabajar a partir de éste». La nota añade: «Su nuevo disco se plantea, por tanto, como una de las vertientes de su nuevo proyecto artístico, fruto de esta exploración del legado sonoro de José Val del Omar (1904-1982), con la producción y dirección artística de Miguel Álvarez-Fernández».
El primer adelanto del proyecto es la video creación de ‘Segunda Diferencia. Oraciones del Siglo XXI’, estrenada el pasado mes de septiembre en exclusiva en el festival Sónar+D CCCB. La pieza podrá verse a partir de este jueves 29 de octubre en los canales oficiales de Sónar+D.
Aparte del disco, como complemento del mismo, puede verse en el Reina Sofía la instalación sonora de Niño de Elche ‘Auto Sacramental Invisible. Una representación sonora a partir de Val del Omar’. La obra estará disponible hasta el 26 de abril, en el Espacio 1 del Edificio Sabatini.
Cuando la pasada primavera reseñábamos el disco de Rina Sawayama ya destacaban entre las mejores canciones del disco pistas como ‘Bad Friend‘ o ‘Comme des garçons‘. Pero también incluíamos entre las mejores composiciones del disco una ‘XS’ que ha sido finalmente la que se ha llevado el gato al agua: es la canción más escuchada de la artista y la acaba de presentar por televisión en lo que ha supuesto su debut en las pantallas estadounidenses, de mano de nada menos que Jimmy Fallon. Es nuestra «Canción del Día».
La producción incorpora una serie de guitarrazos pese a ser una producción pop que podría haber entonado la Britney Spears de ‘Blackout’, en sintonía con los últimos pasos de Grimes, Poppy o Dorian Electra. En ella llama a los excesos del capitalismo de manera incansable, hablando de «lujo» y «opulencia», en contraposición al daño que estamos haciendo al planeta por el camino, centrándose expresamente en el cambio climático, como explicaba a entrevista con Pitchfork: «‘XS’ es una canción que se ríe del capitalismo en un mundo que se hunde. Dado que todos sabemos que el cambio climático se está acelerando y la extinción humana es una posibilidad, me parece hilarante que las marcas saquen paletas de maquillaje cada mes, que grandes estrellas hagan un gigantesco tour por sus propiedades de Calabasas mientras en la misma semana postean lo tristes que están por los incendios de Australia. Yo también hago la vista gorda a veces para no sentirme deprimida. Todos somos hipócritas porque todos somos capitalistas, y es una trampa a la que no veo salida».
Musicalmente, Rina quiso hacer algo metalero para expresar su rabia, junto a algo de R&B de los años 2000 para recordar los tiempos en que todo estaba «bien». En Apple Music puntualizó que quería hacer algo realmente «abrasivo» que te volviera loco, y de ahí el sonido de la producción, o también esa presentación oscura que ha hecho esta misma noche en televisión.
Joe Crepúsculo ha publicado estos días su noveno álbum de estudio. ‘Supercrepus II’, el «Disco de la Semana» en nuestras páginas, es un estupendo trabajo de 17 canciones que nunca se hace largo debido a la gran cantidad de estilos que toca, del post-punk a la rumba, del ska a la balada clásica, del reggae a la música disco. Como su propio nombre indica, ‘Supercrepus II’ es la segunda parte del estupendo álbum de Crepúsculo de 2008, el segundo de su carrera, publicado 11 años atrás. Me reúno con Joël Iriarte en el parque de la Biblioteca Nacional de Catalunya, situada en el mismo barrio del Raval de Barcelona donde Crepus grabó su segundo disco muy cerca de donde está situado este lugar. El álbum será presentado el 24 de noviembre en Madrid y el 28 de noviembre en Barcelona. Ojo: nuestro pack especial de camisetas Crepus + JNSP está a punto de agotarse.
¿De dónde viene la idea de hacer una «segunda parte» de ‘Supercrepus’? El primero lo grabaste con primeras tomas, este se nota que es más elaborado, ¿no?
Cuando estás en el proceso primitivo del disco, cuando llevas 4 o 5 canciones, te preguntas sobre qué va a ir, qué título le vas a poner, pero sin estar muy seguro de nada. Una vez tienes el título este te sirve como palanca para empezar a trazar todo lo que te queda. Yo llegué a esta idea porque algunas canciones que tenía escritas se parecían a otras de ‘Supercrepus’ y empezó a rondarme la idea de una segunda versión. A partir de ahi seguí haciendo canciones ya pensando en eso.
¿Qué canciones se parecían?
Todas tienen una relación a nivel temático, y a nivel pop también porque es la música que yo sé hacer. ‘Te brilla la cara’ es una canción que hice antes de ‘Supercrepus’, ‘Calaveras negras’ habla de un momento tipo ‘Terminator’, ‘Hoy no sale el sol’… ‘Supercrepus II’ es un disco de una hora en el que muestro lo que sé hacer y lo que me gusta.
¿Y en qué se diferencian?
Por supuesto en la grabación, en el usar una banda, y también que ‘Supercrepus’ era un trabajo lleno de colaboraciones y este no lo es. Me hubiera gustado meter más colaboraciones en el disco aparte de la de Tomasito, pero cuando lo escuchaba veía que ya me gustaban todas con mi voz.
Me hace gracia ver entre 17 canciones nada menos, perdido el nombre de Tomasito.
Y más en este momento en que hay tantas colaboraciones, y en que cualquier single que ves en las novedades de viernes o en «Ready for the Weekend«, aparecen tres o cuatro personas. Soy consciente de ello. Pensé en hacer más colaboraciones pero llegué a la conclusión de que estaba a gusto como estaba. Sí le propuse a Jorge Martínez de Los Ilegales cantar en ‘Destruir la sociedad’ pero él no lo vio claro. Y yo encantado: ya habrá tiempo de colaborar.
No te voy a preguntar si este te parece tu mejor disco, porque ya has dicho que todos te gustan, pero me pregunto si no te parece el que más te representa, incluso a nivel global, si lo ves como una cumbre…
Esta es una pregunta a la que debería responder un crítico, más bien. Yo diría que ‘Supercrepus II’ es el disco que más me representa ahora mismo. Imagino que, quien conozca a Joe Crepúsculo por ‘Mi fábrica de baile‘ o por canciones mas electrónicas, dirá que no tiene nada que ver. Pero ‘Supercrepus II’ sí aporta un prisma más a mi lista de discos y una visión diferente que casa muy bien con todas. A quien lleve siguiendo mi música desde hace tiempo, no le parecerá descabellado que yo haya hecho este disco. O que haya baladas, por ejemplo, que yo ya las había hecho en casi todos mis discos, pero en este se hace más patente la presencia de canciones como ‘Luna estúpida’, por ejemplo…
«Nunca he sido fan de ‘Pretty Woman’ pero ‘It Must Have Been Love’ de Roxette siempre me ha encantado»
El disco es muy variado. Dura una hora, pero se hace súper ameno, es como escuchar una playlist. ¿Te apetecía especialmente presentar un trabajo tan ecléctico?
Sí, me apetecía mucho y me hubiera aburrido hacer todo igual y tampoco nunca lo he hecho, todos los discos han tenido un punto así. También las canciones han ido creciendo dependiendo de la metodología que hemos usado, que ha sido la siguiente: yo hacía una maqueta en casa, en Madrid, luego se la mandaba a Sergio Pérez de SVPER, y él en Barcelona grababa las baterías con Marc López de Medalla, entonces esa maqueta se mandaba a Pontevedra donde Alberto Martinez del Río tocaba las guitarras. De esta triangulación ha nacido el disco y el hecho de que sea tan variado a nivel de canciones y estilos. Por ejemplo, fue idea de Sergio que ‘Discoteca en ruinas’ podía tener un toque a los Smiths, y de Alberto meter en ‘Chococristos’ esas guitarras funky que remiten a los primeros discos de Prince. Sergio y yo llevamos mucho tiempo trabajando, y él sabe que si una canción como ‘Destruir la sociedad’ tira hacia armónicas tipo Dr Feelgood más que a las trompetas, a mí me va a encantar.
El disco incluye una adaptación de ‘It Must Have Been Love’ de Roxette al español y en clave de rumba.
Empezar diciendo que ‘It Must Have Been Love’ es una canción que he adaptado con mucho amor y cariño a la original. Esta canción me lleva a los tiempos en que, de pequeño, la escuchaba en el autocar del colegio con mi «walkman» durante una excursión, y flipaba con los sonidos. Yo nunca he sido fan de ‘Pretty Woman’ pero la canción siempre me ha encantado. Una cosa muy curiosa de ‘It Must Have Been Love’ en la que no había reparado hasta que hice la versión es que, hacia la mitad de la canción, hay un cambio de tono que se produce justo después de la salida del primer estribillo. Entonces cuando entra el solo de guitarra, este entra con el tono ya cambiado. Y no te das ni cuenta… Es una composición totalmente magistral.
¿De dónde sale la idea de versionar esta canción?
Un día estaba yo paseando por la Puerta del Sol y vi tocando a unos rumberos. A mí me pareció que estaban tocando ‘It Must Have Been Love’, pero conforme me fui acercando a ellos, me di cuenta de que no era esa canción. Así que decidí hacerla yo, pero para que quedara bien tenia que hacerla con Tomasito y con Victor Iniesta. Ha sido un placer trabajar con ellos y que una idea tan loca que tenía yo en mi cabeza haya quedado tan bien.
En el disco también hay un ska.
Tenía ganas de hacer algo divertido que tuviera un punto rockero. Me salió así sin comerlo ni beberlo. ¿Te gusta o te parece muy rara?
Me gusta. En general el disco es súper entretenido. Otra de mis favoritas es ‘Comiendo shawarmas’, ¿qué me puedes contar de esta canción?
‘Comiendo shawarmas’ es de mis favoritas también. La canción habla de alguien que está en un punto en que simplemente quiere estar bien. El estribillo dice «yo quiero estar toda mi vida en el bar». Y ahora, con Barcelona sin bares, la canción se ha vuelto muy actual (NdE: la entrevista tiene lugar una semana antes de que se declare el nuevo estado de alarma en España). La intro es muy Supertramp, las estrofas son caribeñas, luego tiene un puente raro, y el estribillo podría ser una mezcla entre Aerosmith y Dire Straits.
Tienes las referencias muy claras en tu cabeza.
Las voy cogiendo después, en el momento de crearlas no. A los músicos nos gusta pensar que somos muy originales pero llevamos 100 años de historia de música pop y es complicado que las cosas no suenen a otras.
«A los músicos nos gusta pensar que somos muy originales pero llevamos 100 años de historia de música pop y es complicado que las cosas no suenen a otras»
Cómo has afrontado la secuencia de un disco tan variado en estilos?
He pensado mucho la secuencia. No quería dejar ningún hilo fuera. Quería que funcionara bien en los vinilos -estamos hablando de cuatro caras- pero que también sonaran bien escuchadas todas de golpe, en Spotify o en otro sitio. Para las cuatro caras quería que cada una de ellas empezara con una canción marchosa y que acabara con una balada. Un amigo dice, aunque no sé si es verdad, que en los vinilos se suele dejar las baladas para la última pista de la cara porque, en la distribución del audio, los graves suenan mejor al principio que al final. Yo quería esa cosa antigua. Y lo de poner juntas al principio ‘Calaveras negras’ y ‘Hoy no sale el sol’, que son muy parecidas, lo hice aposta para transmitir que esto es un disco de rock. Si ponía ‘Serenata’ arriba me daba sensación de muermazo… Luego quité tres canciones del disco, tenía 20 en total, pero me funcionaba mejor con esas canciones fuera que dentro.
¿De las tres canciones que has quitado puedes decir algo?
Una de ellas era ‘Todo se corrompe‘, que salió el año pasado. Pero dentro de la secuencia, bajaba mucho la intensidad así que la quité. Las otras dos me las reservo para cuando las saque más adelante, así guardo el misterio.
¿De qué canción del disco estás más orgulloso?
No es por quedar bien pero estoy orgulloso de todas. De ‘Comiendo shawarmas’ me gusta mucho cómo ha quedado el sonido, luego siempre tuve predilección por ‘Luna estúpida’… Ahora estoy escuchando muchas las canciones que no son single, sobre todo las baladas. Estoy muy contento con ‘Luces misteriosas’…
‘Calaveras negras’ es muy Jaime Urrutia. Cuéntame algo sobre esta canción, que abre el álbum.
Gabinete Caligari es uno de mis grupos favoritos, pero la influencia no ha sido consciente. ‘Calaveras negras’ antes se llamaba ‘Terminator II’ porque habla de un momento en el que la humanidad está luchando contra los robots y va perdiendo. En la canción, la humanidad lleva mucho tiempo en guerra y está a punto de desaparecer. Entonces, en un día de luna llena, los humanos deciden hacer una fiesta, y durante esta fiesta aparecen unos drones que empiezan a atacar (a la población). El protagonista solo quiere salir de fiesta y en lo único en que está pensando es en besar a una chica. Podría decirse que la canción habla de amor, pero lo importante en este caso es el escenario.
¿Te interesa especialmente la ciencia ficción?
Me encanta, soy muy fan de Isaac Asimov, Philip K. Dick… Ahora estoy leyendo ‘El problema de los tres cuerpos’ de Liu Cixin, es un libro muy interesante. La gente de ‘Juego de Tronos’ trabaja ahora en una adaptación. Cuando leo estos libros no me interesa lo que pasa en la vida real…
¿Cuándo se da esta afición?
Un día que no podía dormir, me fui a la estantería de mi padre y cogí un libro al azar, y era ‘Nemesis’ de Isaac Asimov. No es el mejor de sus libros, pero en su momento me encantó y me introdujo en ese universo. La ciencia ficción me lleva a universos raros.
También plasma lo que la humanidad puede llega a ser, para bien y para mal…
O cosas más perversas, como lo que escribía George Orwell. En realidad no hemos evolucionado nada…
«El bakalao en tiempos de pandemia habría quedado raro, este disco se puede adaptar bien a teatros»
¿Cuál es tu opinión sobre internet ahora mismo?
En el 1999, en uno de mis primeros trabajos, se me asignó la tarea de crear un diario digital. Entonces conocimos el primer internet, yo me pasaba horas mirando webs de conspiraciones que parecían hechas por Homer Simpson, con todos esos GIFs moviéndose de un lado a otro. Era un mundo apasionante. Luego había los chats… Ahora hemos normalizado todo eso y yo últimamente, cuando he buscado información en internet, no la he encontrado porque las búsquedas están enturbiadas por los anuncios.
En estos 12 años que separan ‘Supercrepus’ de su segunda parte, ¿cuál es la mayor lección que has aprendido?
He aprendido que es importante tener un chip imaginario que te diga que siempre puedes hacer algo un poco mejor. Y también que hay que ver las cosas con humildad y que hay que tener respeto a toda la gente que se dedica a la música y nunca ponerse por encima. Hay que tener los pies en la tierra.
¿Cómo afrontas tus próximos conciertos en plena pandemia?
Los afronto de una manera inédita, inhóspita, especial. Hemos montado una banda de rock ‘n roll con la banda de Aaron Rux and the Crying Cowboys. Llevamos unos cuantos ensayos. La idea es tocar el nuevo disco casi entero y luego otras canciones antiguas. Estamos probando ‘Rosas en el mar‘, ‘Mi fábrica de baile’, ‘Pisciburguer’… y esta quedando todo maravilloso. Por un lado, este disco necesitaba un directo con banda, y por el otro, yo personalmente necesitaba apartar las cajas de ritmo. Han sido muchos años muy divertidos con ellas pero ahora las apartamos para retomarlas más adelante con más ganas. El bakalao en tiempos de pandemia habría quedado raro, con toda la gente sentada en sillas, viendo el concierto… El disco se puede adaptar bien a teatros y a que la gente pueda estar en el concierto sentada con su mascarilla.
Hace poco vi a Putilatex en Cruïlla XS y muy bien, la gente al final bailaba…
Yo vi a Baiuca este verano y fue genial hasta que llegó la policía y lo canceló, ya hacia el final, porque había gente bailando en los laterales, apartada… La policía vino ahí como si fuera un acto terrorista. Fue bonito pero el final fue agridulce…. Es un momento diferente y tenemos que tener paciencia.
Harry Styles sigue triunfando en todo el mundo con ‘Watermelon Sugar’, el cuarto single de ‘Fine Line‘, con el otoño ya instaladísimo en el hemisferio norte, mientras el disco continúa en el top 16 de Estados Unidos, en el top 18 de Reino Unido… y en el top 7 en España (!!!), uno de los lugares donde mejor se está manteniendo.
Todos los singles de ‘Fine Line’ han funcionado bien, uno de ellos, ‘Watermelon Sugar’, es ciertamente un macrohit, y las cifras en streaming de ‘Lights Up’, ‘Adore You’, ‘Falling’ y ‘Watermelon Sugar’ son en todos los casos envidiables. Ahora, el cantante decide apostar por un quinto single de ‘Fine Line’ cual macrolanzamiento pop de los clásicos. Una rara avis en los tiempos del streaming, sobre todo porque todos los sencillos de ‘Fine Line’ han funcionado por su cuenta, sin necesidad de recurrir a remezclas o a artistas invitados, lo cual tiene sentido dado el sonido clásico del álbum.
Para pasar página de ‘Watermelon Sugar’, Harry presenta el videoclip de ‘Golden’, el tema que abre ‘Fine Line’ y que, ya por eso, es uno de los más escuchados. También es uno de los más animados y eufóricos dentro del estilo de pop setentero que impera en el álbum. Su vídeo, rodado en Italia, muestra a Harry corriendo por una carretera o debajo de un túnel y está pensado para el lucimiento del artista y nada más. Merecía más una de las mejores canciones del disco, pero en tiempos de pandemia, a veces es lo que hay…
La Comunidad de Madrid anuncia nuevo ciclo de conciertos que tendrá lugar en 14 municipios madrileños entre el 31 de octubre y el 29 de noviembre, ideado específicamente para adaptarse a la situación actual y apoyar la campaña de #CulturaSegura.
La ‘Sesión Vermú’ se celebrará cada fin de semana del mes de noviembre en horario matinal y tendrá lugar al aire libre, aunando música, turismo y gastronomía. El acceso será gratuito con aforo «controlado» para respetar los protocolos sanitarios establecidos en cada caso. Por otro lado, en la mayoría de fechas se podrá disfrutar de 2 conciertos seguidos en cada municipio «con combinaciones muy atractivas». Son un total de 90 conciertos que podrán disfrutarse en las localidades de Alcalá de Henares, Aranjuez, Buitrago del Lozoya, Chapinería, Chinchón, Manzanares El Real, Miraflores de la Sierra, Navalcarnero, Nuevo Baztán, Rascafría, San Lorenzo de El Escorial, San Martín de Valdeiglesias, Torrelaguna y Villarejo de Salvanés.
Entre los artistas confirmados se encuentran Ginebras, Carmen Boza, Alice Wonder, Confeti de Odio, The New Raemon, Lorena Álvarez, Melenas, Cariño, McEnroe, Elle Belga, El Meister, Marem Ladson o Mourn, además de destacadas figuras del jazz como María Toro, Lucía Rey o Pablo Caminero; o del flamenco fusión como Sandra Carrasco, María Peláe o Mario Palma. Os dejamos con la programación íntegra de Sesión Vermú. Entradas, en este enlace.
PROGRAMACIÓN ‘SESIÓN VERMÚ’
SÁBADO 31 DE OCTUBRE
Nuevo Baztán
Daniel García Trío
San Lorenzo de El Escorial
The New Raemon + McEnroe
San Martín de Valdeiglesias
Caballo Prieto Azabache + Cariño
DOMINGO 1 DE NOVIEMBRE
Alcalá de Henares
Mr. Kilombo + Carmen Boza
Buitrago del Lozoya
McEnroe + The New Raemon
Chinchón
Karavana + Cariño
Navalcarnero
Ariel Brínguez Quintet
Rascafría
Daniel García Trío
SÁBADO 7 DE NOVIEMBRE
Alcalá de Henares
Ainoa Buitrago + Alice Wonder
Chapinería
Caballo Prieto Azabache + Menta
Nuevo Baztán
María Toro Cuarteto
DOMINGO 8 DE NOVIEMBRE
Buitrago del Lozoya
Caminero Quinteto
Chinchón
Alice Wonder + Ainoa Buitrago
Rascafría
La Claridad + Valdivia
San Martín de Valdeiglesias
Niña Polaca + Karavana
Torrelaguna
Marem Ladson + María Yfeu
Villarejo de Salvanés
María Toro Cuarteto
SÁBADO 14 DE NOVIEMBRE
Alcalá de Henares
María La Blanco + Maruja Limón
Miraflores de la Sierra
Elle Belga + Confeti de Odio
San Lorenzo de El Escorial
Menta + Ginebras
Villarejo de Salvanés
Coffe & Wine + El Meister
DOMINGO 15 DE NOVIEMBRE
Aranjuez
Elle Belga + Confeti de Odio
Chinchón
Menta + Ginebras
Navalcarnero
Coffe & Wine + El Meister
Torrelaguna
María La Blanco + Maruja Limón
SÁBADO 21 DE NOVIEMBRE
Alcalá de Henares
Hickeys + Melenas
Aranjuez
La Jose + María Peláe
Manzanares El Real
Lucía Rey Trío
Nuevo Baztán
Niña Polaca + Mourn
San Lorenzo de El Escorial
Mario Palma + Sandra Carrasco
DOMINGO 22 DE NOVIEMBRE
Aranjuez
Lucía Rey Trío
Buitrago del Lozoya
Niña Polaca + Mourn
Chinchón
La Jose + María Peláe
Manzanares El Real
Mr. Kilombo + Carmen Boza
Navalcarnero
Marina Lledó + Zaruk
Rascafría
Mario Palma + Sandra Carrasco
San Martín de Valdeiglesias
Olivia is a Ghost + Leon Coeur
Torrelaguna
Hickeys + Melenas
Villarejo de Salvanés
Marina Lledó + Zaruk
SÁBADO 28 DE NOVIEMBRE
Aranjuez
Vermú + Lorena Álvarez
Manzanares El Real
Karavana + Hickeys
Navalcarnero
María Yfeu + Marem Ladson
Nuevo Baztán
Olivia is a Ghost + Leon Coeur
San Lorenzo de El Escorial
Caminero Quinteto
San Martín de Valdeiglesias
La Claridad + Valdivia
Danny Elfman, compositor conocido por sus bandas sonoras para las películas de Tim Burton, vuelve con su primer tema en solitario en 36 años. El artista ha compuesto incontables obras para cine, televisión, videojuegos, largo etcétera, pero su último álbum de estudio en solitario hay que situarlo en el año 1984, cuando vio la luz el álbum ‘So-Lo’, considerado en realidad el cuarto disco de su grupo de «new-wave» ya extinto Oingo Boingo.
Oneohtrix Point Never ha basado su carrera en mirar hacia el pasado. Sus discos están inundados de samples de viejos anuncios de televisión, canciones de pop de radiofórmula ya olvidadas, transmisiones radiofónicas inútiles más allá de su contexto original que él ha sabido reciclar magistralmente… ¡Hasta es 
Adele nos acaba de mandar a paseo en Instagram. Al menos a los que nos preguntamos todo el tiempo cuándo saldrá el sucesor de ‘
Hace unos meses os hablamos de Maren -no confundir con 
Busta Rhymes publica mañana un disco llamado ‘Extinction Level Event 2: The Wrath of God’, que se promociona hoy con un single de lujo. ‘Look Over Your Shoulder’ relega gran parte de su protagonismo en dos pilares fundamentales: por un lado el incansable rap de Kendrick Lamar, de cuyo nuevo disco no sabemos nada, y por otro un sample de ‘I’ll Be There’ de Jackson 5. 
‘Shoot For The Stars, Aim For The Moon’ es definitivamente uno de los discos más exitosos del año tras haber rebasado el equivalente a 2 millones de unidades vendidas según las estimaciones de Mediatraffic. El álbum debut y a la vez póstumo de Pop Smoke -antes sacó 2 mixtapes- ha sido número 1 en Reino Unido y Estados Unidos y, lo que es más importante, 4 meses después de su edición el pasado mes de julio, continúa en el número 2 tanto en el caso de las islas británicas, como en el norteamericano.
Lo han retrasado varias veces, pero finalmente The 1975 sí han sacado su álbum ‘
Este otoño se estrena, al menos en cines estadounidenses, ‘Stardust’, la película sobre 
Ela Minus es una artista fascinante. No solo ha sido capaz de publicar dos pepinazos de tecno-pop como ‘
Adele se libró de las críticas por apropiación cultural cuando acudió a una festividad caribeña de Londres con moños bantú porque se entendió -razonablemente- que se estaba integrando en dicha festividad. Ahora la británica se enfrenta a críticas por uno de los ‘skits’ en los que 
Jennifer Aniston ha sido noticia estos días tras 
Sia ha vuelto este año a la actualidad musical con una serie de singles bastante distintos entre sí, dos de los cuales forman parte de la banda sonora de ‘Music’, la película que ha dirigido y que está protagonizada por Maddie Ziegler. Tanto película como banda sonora siguen sin fecha de edición, mientras el próximo álbum de estudio como tal de Sia, ‘
Novio Caballo fue una de las bandas revelación del año pasado gracias al lanzamiento de su hitazo electro-punk ‘
Chavales nos conquistaron a principios de este año con un gran hit llamado ‘
Mientras Kylie y Gaga se mantienen como lo más votado de JNSP, son variadas las entradas que recibimos esta semana: lo nuevo de Lana del Rey, aunque en una posición mucho más modesta de lo habitual, dada la decepción generalizada en torno a ‘Let Me Love You Like a Woman’; Maria Rodés con uno de los temas del 
Cargando ...
Netflix lleva dos años persiguiendo el Oscar a la Mejor Película: ‘
Lily Allen es una de las artistas invitadas en ‘Hey u x’, el primer disco de la cantante neozelandesa BENEE, que este año ha arrasado gracias a ‘
Damon Albarn debe de partirse la caja cada vez que oye hablar de evolución, experimentación y fusión de géneros. El artista que un buen día conociéramos como el líder de Blur lo ha hecho 
Dani Martín firma el nuevo número de álbumes en España con su nuevo disco ‘Lo que me dé la gana’. El ex integrante de El Canto del Loco suma así 4 de 4, pues tanto su debut en solitario de 2010 ‘Pequeño’ como su disco de 2013 ‘
Niño de Elche ha anunciado un nuevo álbum de estudio que publicará exclusivamente en formato físico -en doble vinilo- el día 11 de diciembre. ‘La distancia entre el barro y la electrónica. Siete diferencias Valdelomarianas’ es un disco dedicado al trabajo del fotógrafo y cineasta experimental granadino José Val de Omar. Francisco Contreras Molina explica su concepto: “Se trata, en fin —o como el granadino prefería terminar sus películas: sin fin—, de trasladar al presente las mismas actitudes experimentales con las que estuvo comprometido durante toda su vida Val del Omar”.
Cuando la pasada primavera reseñábamos 
Harry Styles sigue triunfando en todo el mundo con ‘Watermelon Sugar’, el cuarto single de ‘
La Comunidad de Madrid anuncia nuevo ciclo de conciertos que tendrá lugar en 14 municipios madrileños entre el 31 de octubre y el 29 de noviembre, ideado específicamente para adaptarse a la situación actual y apoyar la campaña de #CulturaSegura.