Este jueves 21 de mayo nos trae una feliz sorpresa, especialmente para los adoradores del future pop, el bubblegum bass y la música pensada, en general, para poner patas arribas un club: esta tarde se estrena ‘Cyberpet’, una canción escrita y cantada por Rakky Ripper –artista de Granada que comenzó en el entorno del rap/trap para virar después al pop electrónico a lo PC Music en su debut ‘Neptune Diamond’–, Putochinomaricón –Chenta Tsai anticipa así su reaparición con proyectos nuevos como BAOBAE–, y co-producida por el autor de ‘Gente de mierda’ y Eurosanto, artífice del sonido del primer disco de Rakky. Y, horas antes de su llegada a plataformas de streaming, en JENESAISPOP os adelantamos en exclusiva su cuco lyric-video.
‘Cyberpet’ es una canción irresistible de pop futurista que equilibra una producción aventurada, llena de glitches, sonidos de ciencia ficción y giros locos en su base y estructura, que acompañan a una melodía exultante, que bien podrían interpretar una Britney Spears, una Kesha… o una Charli XCX que, haciendo evidente la admiración del trío por ella, parece un referente claro.
«‘Cyberpet’ es una canción de pop electrónico o hyperpop, futurista y energética, sobre amor y perritos robots», explican. «Queremos que la gente levante el ánimo en la recta final del confinamiento con una canción divertida y pegajosa». De hecho, la canción sitúa a Rakky y Chenta (y a nosotros con ellos, gracias a la producción de Eurosanto) un viernes en la discoteca, dispuestos a dejar atrás toda la mierda de la semana («dejemos de llorar / sólo quiero disfrutar»)… que en realidad serán meses cuando ese momento llegue. Quizá su punto culminante es ese pre-coro que dice «DJ, pon mi tema / en la discoteca. / Estoy como una cuba y me da igual estoy contenta. / Quiero que me des tu amor, / dormirás en mi camita, / y cuando te lo pida vas a mover tu colita, baby».
Esa frase conecta con el título de la canción, que el artista gráfico Beneddicto traslada tanto a la portada del single e imágenes promocionales como al lyric-video. En sus palabras, “ha sido muy guay trabajar con tanta libertad sobre esta idea, porque al fin y al cabo imagen y sonido se retro-alimentan”. Así, los tres cyborg-perretes que se identifican con cada uno de los autores, suponen un contrapunto naif al trasfondo hedonista de la canción.
Con dos meses de retraso según lo previsto inicialmente, este viernes 22 de mayo Vetusta Morla publican su quinto álbum de estudio. Se trata de ‘MSDL’, iniciales que no por nada coinciden con el título de su anterior trabajo, ‘Mismo sitio, distinto lugar‘. Se trata de una reinterpretación íntegra de ese disco, pero enfocando los arreglos y el modo de grabación de una manera tan diferente que parecen canciones nuevas. Horas antes del lanzamiento tenemos ocasión de hablar con Guille Galván, multiinstrumentista, co-productor y compositor del grupo de Tres Cantos, sobre esta idea algo marciana de volver a grabar su álbum inmediatamente anterior. También, claro, sobre la pandemia que, entre otras cosas, ha truncado sus planes del lanzamiento del disco y la gira, y las medidas que el Gobierno español ha anunciado para el dañado sector cultural del país. [Foto: Carolina Sánchez.]
Lo primero, ¿cómo estáis pasando esta crisis?
Por suerte, estoy en la acera soleada y no me ha tocado nadie muy enfermo cerca, ni hospitalizado. Así que, privilegiado por eso.
¿Cuál es el germen de ‘MSDL’, cómo surge la idea de rehacer el disco?
Pues mira, hace casi dos años, dos semanas después del concierto que hicimos en La Caja Mágica para tanta gente, tocamos por sorpresa en la programación de los Veranos de la Villa (de Madrid). Tocamos en un patio para unas 500 personas, gente de muy distinto perfil: niños, mayores… No solo el público de Vetusta. Y lo que decidimos fue hacer un concierto de ‘Mismo sitio, distinto lugar’ con una versión reducida del set, donde tocábamos todos haciendo un círculo, explicábamos detalles de las canciones, de los instrumentos que habíamos elegido. Nos pareció una experiencia tan buena, nos sentimos tan a gusto, que nos apetecía convertir aquello que era puntual en algo que pudiera ver y escuchar más gente. Allí empezamos a idear ‘MSDL’ como disco y como gira en espacios diferentes, con otra escenografía. A partir de entonces empezamos a trabajar con los arreglos, poner unas restricciones con las que trabajaríamos esas nuevas versiones. Ha sido un trabajo inverso al de ‘Mismo sitio, distinto lugar’: en aquel, cada canción fue grabada de una manera, con una instrumentación, con un enfoque de producción; y aquí la idea era que volviéramos a estar tocando como antes, alrededor de nosotros mismos y sólo con los instrumentos que teníamos a mano, sin overdubs ni pistas adicionales.
Comentáis en nota de prensa, por ejemplo, que ‘Consejo de sabios’ ha vuelto a ser prácticamente la primera versión que ensayasteis de la canción. ¿Diríais que habéis llegado a sobretrabajar algunas canciones? ¿Hay algún tipo de insatisfacción con cómo quedó ‘Mismo sitio, distinto lugar’?
No. Todo parte de un ejercicio: cuando compones una canción, en el proceso hasta que se graba, sigue una especie de camino laberíntico. Cada decisión, hace que vayas hacia un lado y pierdas el que no ha elegido. Todo ese tipo de decisiones siguen presentes hasta que grabas el disco, pero en las giras las canciones evolucionan más, te das cuentas de cosas de las que no te habías dado cuenta en la grabación… Entre nosotros hacemos la broma de que el mejor momento para grabar un disco es cuando has terminado la gira de ese disco. (Risas) Es cuando mejor conoces las canciones y te permites «faltarles al respeto», de alguna manera. Intentar cosas que no habías intentado. ‘MSDL’ no parte de una insatisfacción, no es «vamos a hacerlas mejor de lo que eran». Sino «vamos a ver qué pasa si en ese laberinto tomamos otras decisiones», si en vez de abrir la puerta de la derecha abres la de la izquierda. Es muy bonito, y es algo que es difícil hacer con una canción que no has publicado, porque estás muy pegado a ella y quieres verle la cara de forma clara. Ha sido un ejercicio muy divertido, muy interesante también como músicos. Y creo que para quien conozca el disco y a la banda, también será bonito por lo que tiene de complicidad. Y, para quien no conozca a la banda, también puede ser una buena manera de introducirse en el sonido de Vetusta.
«‘MSDL’ para nada es un unplugged»
¿Cómo definirías a qué suena ‘MSDL’? Porque no es acústico, ni siquiera electroacústico, es más bien eléctrico, al final…
Es una buena pregunta. ‘MSDL’ para nada es un unplugged. La idea no era hacer el disco con instrumentos acústicos y menos intensidad. Cada canción es un mundo. Hay canciones que están más rebajadas de instrumentación, otras han cambiado el compás y donde había un 3/4 hay un 4/4, donde había un ritmo normal, como en ‘Consejo de sabios’, que era tirando a reggaetonero, ahora hay un 6/8, que tiene más que ver con rítmicas de folclore latinoamericano como la chacarera, cosas que hemos ido interiorizando en estos años… Yo creo que es un disco muy orgánico, tanto en el sonido como en la manera de interpretarlo, tocando en corrillo. Es muy físico, de escuchar y ver a músicos tocando los instrumentos. Por eso queríamos que en los vídeos promocionales hubiera planos muy cortos, que se vea lo que estamos tocando, porque es interesante. Por ejemplo, no hay batería en todo el disco: la base percusiva es casi siempre un «cocktail drum», que es una batería que se toca de pie, con un bombo vertical… Muchos detalles que mola ver. Porque además de un disco muy orgánico y muy físico, es muy de ver.
¿Y qué habéis aprendido de ese proceso de adaptación? ¿Qué os deja como aprendizaje para el próximo disco?
A lo largo de la carrera de Vetusta Morla siempre hemos hecho discos que, a priori, iban en contra de lo anterior. Quiero decir, nuestro primer disco era muy de banda, luego hicimos la BSO del videojuego, luego queríamos romper con eso y hacer ‘La deriva‘, que era más frontal’, para pasar a un disco que no tenía que ver con tocar juntos, era más de canciones, cada una con su desarrollo… Y ahora veníamos de eso y queríamos hacer lo contrario, un disco que podía haber sido grabado con cuatro micrófonos colocados sobre nosotros. En ese sentido, no sé si es un apunte del futuro, pero sí de algo que es una constante en nuestra carrera: transformar las canciones, hacerlas ser algo vivo y cambiante. Hemos decidido grabarlo en este momento porque surgió esa idea de una gira y una escenografía, pero también es algo que hemos hecho con otros discos, en algún teatro, alguna actuación televisiva, aunque no haya quedado registrado en formato disco. Y nunca ha sido cambiar las guitarras eléctricas por acústicas, como en los 90, sino trabajar en la reformulación de las canciones. Nos resulta muy interesante también como productores de nuestros discos.
¿Cuál ha sido la canción más difícil de adaptar?
Quizá hay canciones que tienen cambios sutiles… Me estoy acordando de ‘Punto sin retorno’, que al principio no sabíamos muy bien cómo hacer, porque ya en el disco era bastante desnuda, bastante nuclear. Y nos costó un poco encontrarle el punto. Es de esas que tienen un cambio sutil pero, a la vez, de los más interesantes: le cambiamos el compás y lo hicimos atresillado, en 3/4, y también la explosión de los estribillos, esa dinámica de estrofas abajos y estribillos muy arriba. Es algo que veníamos trabajando hace años, en nuestros inicios, y llevábamos una temporada sin hacerlo.
«Aunque en este disco no haya habido un proceso de composición, todos los demás han sido los mismos que para un álbum de canciones nuevas»
Ya que lo dices, después de haber vuelto a tocar íntegro ‘Un día en el mundo‘ por su décimo aniversario, ¿no os ha picado también un poco la cosa de rehacer esas canciones?
No, no, no… Es curioso, porque justo esas canciones, cuando las ensayamos para el concierto de WiZink Center y el FIB, tampoco fueron tocadas de la manera en que se grabaron. Intentamos huir de la nostalgia y las tocamos como las sentimos a día de hoy. En esos shows, que estaba pensado sobre todo para el directo, con los visuales y demás, también hicimos una revisión de esas canciones. Es algo que se podría hacer con todos. Pero aunque en este disco no haya habido un proceso de composición, todos los demás (procesos) han sido los mismos que para un álbum de canciones nuevas, los pasos y la atención son los mismos. Ya el siguiente, supongo, será partiendo de cero.
Hablas de el siguiente. Por ciclo, tocaría en 2020 nuevo disco de Vetusta Morla…
Sale el viernes… (Risas)
Quería decir con canciones nuevas, claro. Pero ¿os ha cambiado la planificación?
Bueno, ya estaba previsto hacer la gira de este disco e iba a ser un año atípico igualmente. De hecho, la gira arrancó, hicimos cinco conciertos y hubo que parar. Pero no estaba enfocado a ser un año de canciones nuevas. Ahora, como todo el mundo en su profesión, nos enfrentamos a un año distinto, extraño… Tendremos que tener paciencia, no tratar de ser urgentes en la reacción sino aprovechar este tiempo para pensar y ver el futuro con perspectiva.
«Queremos pensar que ‘MSDL’ puede servir para pensar en la vuelta a una cierta normalidad»
Demorasteis un poco la salida del disco. ¿Es particularmente difícil sacar un disco en esta situación? Más que en el sentido comercial, me refiero al emocional…
Estamos en un momento en el que cualquier decisión es extraña. ‘MSDL’ iba a salir a final de marzo y se pospuso el lanzamiento que todos conocemos. Y hemos decidido que salga ahora porque pensábamos que no tenía mucho sentido guardarlo mucho más, había empezado la gira, los singles habían empezado a salir… Es complicado. No estamos sacando disco en unas circunstancias normales. Pero queremos pensar que puede servir no solo para mandar ánimos, sino también para reactivar el mundo de la música y todo lo que hay en torno a él, y pensar en la vuelta a una cierta normalidad.
Diría que se nota que es un disco importante para vosotros por su edición física, que es una pasada.
Ha quedado muy bonita. Y parte de la cuestión de retrasar la publicación también era por eso. Nos parecía una pena sacarlo solo en digital… Con todo el respeto para el digital, que no somos talibanes del formato físico. Pero nos parecía que valía la pena que salieran a la vez.
Habéis publicado ‘Los abrazos prohibidos‘, dedicada y en beneficio del personal sanitario y la investigación científica. Hay muchísimas colaboraciones y de mucho renombre. ¿Fue especialmente difícil o, como todo el mundo está en su casa sin poder hacer mucho más, todo lo contrario?
(Risas) Bueno, llevó muchas horas de trabajo y fue complejo. Pero cuando las cosas se hacen de corazón y de una manera directa, a nivel personal, son más fáciles. Todo el que participó lo hizo con la mejor de las disposiciones, cada uno en su lugar, con mejores o peores medios… La lista es muy grande, y se paró ahí, pero hubo mucha gente que nos hubiera gustado que participara y no se pudo por cuestión de espacio. Ha sido algo una experiencia muy bonita tanto a nivel musical como personal. Ojalá recaude muchos euros y, sobre todo, ponga el foco en la investigación y la defensa de la sanidad pública, que al final es lo que nos va a robustecer como sociedad.
«Si no se entiende que los técnicos son fundamentales para la cultura, es que (en el Ministerio de Cultura) no se han enterado de nada»
Como músico, ¿qué opinión tienes sobre las medida que ha tomado el Gobierno para el sector cultural en esta crisis?
Creo que en las medidas anunciadas por el Ministerio de Cultura estamos todos de acuerdo que dejan atrás a una de las patas claves en cualquier ámbito cultural que es la de los técnicos, que no pueden optar a ellas. Si no se entiende que los técnicos son fundamentales para la cultura, es que no se han enterado de nada.
Te pregunto esto de forma tan directa porque desde tu cuenta de Twitter te mojas mucho en cuestiones políticas y sociales. Eres casi como el portavoz del grupo en esas cuestiones, aunque igual no todos pensáis igual. ¿Te genera eso alguna tensión con tus compañeros?
No, cuando hablo de ciertas cuestiones hablo desde mi punto de vista personal, que a veces coincide con el de ellos y otras no. Yo creo que es sano que en un grupo haya opiniones que no solo sean musicales, porque somos personas que viven en sociedad y que tenemos otros intereses que van más allá de la música. Igual que Pucho o Juanma o David o quien sea puede comentar en un concierto una opinión personal. Yo creo que lo importante es distinguir lo que se dice en primera persona del singular y lo que se dice en primera persona del plural, sin poner en una situación incómoda a nadie. De todas maneras, como Vetusta Morla hemos dicho lo que pensábamos de muchas cosas que no tenían que ver con lo musical desde el minuto cero. Y creo que no nos ha ido mal, en 20 años de carrera. No creo que nos penalice. Parece que a veces hay miedo en que un grupo hable de cosas extramusicales, y es completamente normal.
«Vetusta Morla hemos dicho lo que pensábamos de muchas cosas que no tenían que ver con lo musical desde el minuto cero»
¿Y te molesta que utilicemos alguno de esos tuitspara hablar de algún asunto de actualidad política o social?
Hombre, si consideráis que algo de lo que yo tenga que decir es digno de ser noticia, estáis en vuestro derecho. Mi opinión, me la reservo para según qué momentos. En algún caso
me parecerá pertinente y en otro no, como a cualquiera.
Sia está definitivamente de vuelta al mundo de la música y, después de estrenar el single solidario ‘Saved My Life’, avanza el primer avance oficial de ‘Music’, la película que ha escrito y dirigido y cuya banda sonora, un disco de 10 canciones, también ha compuesto. ‘Music’ cuenta en su reparto con Kate Hudson, Leslie Odom Jr y su colaboradora habitual, la bailarina Maddie Ziegler, entre otros, y narra la historia de una joven autista y su hermana, que la tutela a la vez que se dedica al tráfico de drogas. El estreno del largometraje y de su banda sonora se espera para el próximo mes de septiembre.
El guion de ‘Music’ está firmado por Sia y el autor de cuentos infantiles Dallas Clayton y este componente infantil está muy presente en ‘Together’, su primer single de presentación, así como en su videoclip, lleno de colores y bailes alegres. La canción está producida por Jack Antonoff, que también se encuentra trabajando en el próximo álbum de Lorde.
Por otro lado, Sia ha revelado en una entrevista, pelucón mediante como ya viene siendo habitual en ella, que ha adoptado a dos hijos adolescentes. Ha dicho: «Los dos tenían 18 años cuando los adopté. Ahora tienen 19. Se estaban quedando mayores para el orfanato, y los amo».
Arca anuncia al fin los detalles de su nuevo álbum, ‘KiCk i’, filtrado ya hace tiempo. Sale el 26 de junio «digitalmente» y cuenta con un portadón obra de Carlota Guerrero (Solange, Rosalía), el artista Carlos Sáez y la propia Alejandra Ghersi y con las anunciadas colaboraciones de Rosalía en ‘KLK’ y Björk en ‘Afterwards’, además de las de SOPHIE en ‘La Chiqui’ y Shygirl en ‘Watch’.
En ‘Afterwards’, Björk ha confirmado que recita en español un poema de Antonio Machado. Y en una entrevista con Pitchfork, Arca ha asegurado que esto ha sido idea de Björk y que Rosalía ayudó «un poco» a la cantante islandesa con su pronunciación del español, ya que las tres artistas se comunicaban «a través del mismo hilo de correos». Y ha añadido: «Cuando Björk me pasó su archivo, me dieron escalofríos. No daba crédito. Me hubiera encantado hacer una canción las tres juntas, pero cuadrar calendarios es muy difícil».
La productora venezolana ya había adelantado el sucesor de ‘Arca‘, uno de los mejores discos de 2017, con el espectacular y futurista videoclip de ‘Nonbinary’, la pista que abre el largo, y hoy es turno de escuchar la siguiente, que también llega con su vídeo correspondiente.
Mucho más estructurada como canción pop que ‘Nonbinary’, ‘Time’ vuelve a ser una producción de sonidos abstractos y atmosféricos de Arca, si bien sus pulsos tenues y misteriosos pueden recordar al trabajo de Jenny Hval, y sus distorsiones vocales a los últimos Animal Collective. Una composición 100% marca de la casa, en cualquier caso, cuyo videoclip retrata una noche de decadencia transcurrida en las calles de Nueva York.
Tracklist de ‘KiCk i’:
01 Nonbinary
02 Time
03 Mequetrefe
04 Riquiqui
05 Calor
06 Afterwards [ft. Björk]
07 Watch [ft. Shygirl]
08 KLK [ft. Rosalía]
09 Rip The Slit
10 La Chíqui [ft. SOPHIE]
11 Machote
12 No Queda Nada
Bad Bunny ha colocado el 100% de su nuevo disco publicado por sorpresa y en plena cuarentena, ‘LAS QUE NO IBAN A SALIR‘, dentro del top 100 de la lista de singles, por lo que el largo debuta esta semana lógicamente en el número 1 de la lista de álbumes escuchados en streaming. Ya van 3 de 3. El anterior, «Yo Hago Lo Que Me Da La Gana«, ocupa de hecho el número 2, mientras ‘X 100PRE‘ pega un subidón del número 10 al número 9.
¿Qué otra entradas en la lista de álbumes deja esta enésima semana de confinamiento? Apenas hay que comentar cuatro. ‘Broken’, el nuevo EP de cuatro canciones del rapero murciano KAZE, entra en el número 12, mientras ‘Colegio’, el nuevo disco de Cali Y El Dandee que incluye colaboraciones de Sebastián Yatra, Lalo Ebratt o Rauw Alejandro, lo hace en el número 14.
Finalmente, y ya en la parte baja de la tabla, la cantante de R&B Kehlani coloca su nuevo disco ‘It Was Good Until It Wasn’t‘, que acabamos de reseñar, en el número 91, y el dúo de pop mexicano Jesse & Toy su nuevo largo ‘Aire’ en el 92.
¿Bad Bunny fracasar con un disco de supuestos descartes? ¡Jamás! Las canciones de ‘LAS QUE NO IBAN A SALIR‘ arrasaban tras su salida, que se producía un sábado totalmente por sorpresa, y una de ellas debuta en el número 1 de singles de nuestro país. En concreto, ‘PA’ ROMPERLA’ con Don Omar, desde hace días la canción más escuchada en Spotify España.
Por supuesto, no es la única, ya que absolutamente todas estas canciones que «no iban a salir» aparecen dentro del top 100 español esta semana. La mitad dentro del top 10: ‘MÁS DE UNA CITA’ con Zion & Lennox es número 3, ‘BAD CON NICKY’ número 4, ‘CÓMO SE SIENTE’ con Jhay Cortez (en verdad una canción de este que no obstante ha sido incluida en el disco de Benito) número 6, y ‘BYE ME FUI’ número 9. Además, ‘CANCIÓN CON YANDEL’ es número 12, ‘BENDICIONES’ número 13, ‘SI ELLA SALE’ número 18, ‘RONCA FREESTYLE’ número 23 y ‘EN CASITA’ con Gabriela número 31. 10 de 10 donde el artista antes consiguió 20 de 20 con su anterior trabajo publicado apenas unos meses.
Pero no solo de Bad Bunny se vive y otras entradas en la lista de singles de la semana la firman Vetusta Morla con ‘Abrazos prohibidos’, su canción solidaria compuesta para la lucha contra el COVID-19 e interpretada junto a una veintena de artistas (32); Ariana Grande y Justin Bieber con su single también solidario ‘STUCK WITH U’, actual número 1 en Estados Unidos (32); C. Tangana con ‘Guille Asesino’ (48, ‘Nunca estoy’ se mantiene en el número 2); Cali Y El Dandee y Sebastián Yatra con ‘Locura’ (49) o Ana Mena y Dellafuente con ‘La pared’ (68). Completan las entradas 6ix9ine con ‘GOOBA’ (76), Miki Núñez con ‘Me vale’ (95) y Lewis Capaldi con ‘Before You Go’ (98).
Matt Berninger de The National ha anunciado que su primer disco en solitario, ‘Serpentine Prison’, sale el próximo 2 de octubre. Así, el músico estadounidense sigue sumando proyectos al margen de su banda principal después de publicar un álbum junto a Justin Vernon de Bon Iver como Big Red Machine, otro junto a Brent Knopf bajo el apodo de EL VY, y también después de aparecer en la película ‘Between Two Ferns: The Movie’ y de unirse a Phoebe Bridgers para contribuir a la banda sonora de la película con la canción ‘Walking On a String’.
Producido por Booker T. Jones, ‘Serpentine Prison’ ha contado con las colaboraciones de un buen puñado de artistas notables, entre ellos Matt Barrick de The Walkmen, Andrew Bird, Gail Ann Dorsey (David Bowie, Lenny Kravitz), el mismo Brent Knopf (El VY, Menomena), Ben Lanz (The National, Beirut), Walter Martin (The Walkmen), Sean O’Brien, Mickey Raphael (Willie Nelson, Bob Dylan) o Harrison Whitford (Phoebe Bridgers).
Junto al anuncio del álbum, Berninger ha estrenado el videoclip de la canción que da nombre al disco, una serena composición de raíces americanas nacida justo después de que The National grabara su álbum ‘I Am Easy to Find‘. Así la explic: “Durante mucho tiempo, yo había escrito canciones para películas, musicales y otros proyectos en los que yo necesitaba meterme en la cabeza de otra persona y transmitir sus sentimientos. Me gustaba hacer eso, pero ya estaba preparado para rebuscar en mi propia basura y este tema fue lo primero que salió. Primero, trabajé en la canción con Sean O’Brien y Harrison Whitford, y seis meses después la grabé con Booker T. Jones a los mandos de la producción. El tema sonaba como un epílogo, por ello le puse el mismo título al álbum”.
Nueva edición de nuestra Sesión de Control, sección dedicada a repasar las novedades más destacadas del panorama alternativo de nuestro país y Latinoamérica. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify de esta sección que se renueva quincenalmente. [Foto exterior: Natalia Lafourcade; foto interior: Comando Suzie.]
Poco a poco, se va percibiendo en la actualidad musical hispanohablante que la gravedad de la pandemia está remitiendo, y el goteo de nuevos discos parece intensificarse. Sirva de referencia que este próximo viernes llegan los discos pospuestos por Vetusta Morla y The New Raemon, además del maxi especial de Hidrogenesse inspirado por la exposición ‘Humor absurdo: una constelación del disparate en España’ y el debut de la revelación Hnos Munoz; y el próximo, los nuevos álbumes de Mala Rodríguez, Sr. Chinarro y Mujeres, entre otros.
Además, desde hace unos días hemos comenzado a disfrutar los nuevos discos de Melenas, Buscabulla, Natalia Lafourcade –con un nuevo disco que combina el cancionero tradicional mexicano con composiciones propias–, el segundo trabajo de Karmento, los debuts de St Woods (imperdible para fans del primer Bon Iver), el dúo colombiano (aunque afincado en Nueva York) de pop electrónico Salt Cathedral y Bruma (estimulante proyecto de electrónica de Pedro Portellano), una mixtape del crucial productor de hip hop Cookin Soul y un álbum en directo registrado en Tokio del tándem Sílvia Pérez Cruz y Marco Mezquida. Y a ellos se han sumado numerosos trabajos de formato corto, como los EPs de Màquina Total, Gabriela Richardson & Enry-K, Pshycotic Beats y Oddliquor, más los debuts de Técnicas y Procedimientos, The Death of Robert y Buenatarde, proyecto de Mané López, guitarrista en la última etapa de Hazte Lapón.
Otros artistas han comenzado (o siguen haciéndolo) a mostrar adelantos de trabajos futuros, como es el caso de Zoé (las estrellas del rock mexicano adelantan su séptimo álbum titulado ‘Sonidos de Karmática Resonancia’), Chlöe’s Clue (‘Carmín y rubor’ llega definitivamente el 19 de junio), Comando Suzie (el proyecto del barcelonés Raúl López ha fichado por El Genio Equivocado), nostalgia.en.los.autobuses (David Ruiz de La M.O.D.A. en solitario, con producción de Refree), Els Amics de Les Arts, Gepe (en este caso sorprendiendo con un dueto junto a la artista de pop urban Princesa Alba), Volver (destapando su lado acústico) y Jacobo Serra en una colaboración con Xoel López, también a punto de editar su nuevo disco.
Aparte, Juancho Marqués & InnerCut, Kimberley Tell, Tórtel (profundizando en su faceta de productor de electrónica, más que en su pop audaz), Ginebras, Antifan, Belenciana, Fred Fredburguer, Cora Yako, María Sioke & Pedro LaDroga o Chavales han lanzado singles, mientras que Lila Downs y Los Hermanos Cubero publican canciones evocadoras o inspiradas por el confinamiento. Por último, hemos querido destacar el nuevo tema de la revelación Maren, una ‘Te invito a mi piscina (para matarte)’ que difícilmente deja indiferente.
Entre las canciones descubiertas en el último JNSP Song Contest, una suerte de miniEurovisión de nuestros foros en el que cada usuario apuesta por un tema favorito, y cuyos resultados de la última ronda se están conociendo hoy, está ‘Somebody’ de Dagny. La cantante noruega, conocida sobre todo por su millonario tema con Seeb ‘Drink About’ (‘Love You Like That‘ y ‘Wearing Nothing‘ habrían merecido algo más de crédito), está triunfando considerablemente en su país natal con este nuevo single, que ya ha llevado al top 22 de las listas noruegas (lo más alto que ha llegado en solitario) y en los últimos días está subiendo en Spotify.
Se trata de una producción muy Robyn para aquellos que echen de menos a la Robyn de ‘Body Talk’, esto es, un pepinazo electropop de base ochentera que pretende reflejar «la excitación que se siente cuando todo es aún nuevo». Dagny, que afirma sentir «10 veces más de lo normal» cuando se enamora, ha asegurado en Hot Press que ha querido representar esa sensación con la letra -sencilla pero eficiente como dulce declaración de amor- y también con las vibraciones de la producción, que no puede levantar más el ánimo. Todo un bálsamo también para los eurofans que se han quedado sin certamen: el tema excede por poquísimos segundos los 3 minutos de duración.
El tema ha podido contar con videoclip, lo cual en los tiempos que vivimos, es una suerte; e incluso existe una presentación televisiva, austera y guardando la distancia de seguridad, con todo el foco en la composición.
Este martes ha muerto a consecuencia de una enfermedad que padecía hace tiempo Ernesto González, miembro de The Pribata Idaho, uno de los grupos destacados del primer indie pop nacional en los 90, a la postre fichado por Elefant; y más adelante líder de Grupo Salvaje, con los que se entregaba a las sonoridades de la tradición americana más polvorienta. Su último álbum fue ‘III’ en 2013, antes de anunciar su separación en 2014.
Ha sido su amigo Joan Vich (Ground Control, ex músico de Single), quien ha dado la noticia en su Twitter: «Esta tarde nos ha dejado mi amigo Ernesto González. No sabría ni por dónde empezar a describir su talento, su influencia, su autoridad, su magisterio y su humildad. Estoy muy orgulloso de haber podido compartir parte del camino con él y quizá haber aprendido algo. Gracias, amic».
Desde entonces, las redes se han llenado de cariño tanto de músicos como La Habitación Roja, Jonston o Sr Chinarro, como de varios compañeros de prensa (Elena Cabrera, Pablo Gil…) y otros sellos discográficos (Mushroom Pillow, PIAS…). Ernesto era sin duda una de las personas más queridas de la industria musical independiente tras haber trabajado como jefe de prensa del Festival de Benicàssim en sus años de mayor apogeo, y en los últimos en Intromúsica. En todos los casos fue un placer tratar con él: nunca tenía para ti una mala palabra por mucho que te la estuvieras ganando. Por la parte que nos toca, jamás olvidaremos que fue una de las primeras personas en la industria musical en confiar en nuestro trabajo, en hacernos sentir más un medio de comunicación que un blog, tan pronto como en el año 2009. Os dejamos con el vídeo de Grupo Salvaje que JNSP tuvo ocasión de estrenar, con un concierto de The Pribata Idaho grabado en Radio 3 en el año 2000 y con el vídeo de despedida que esta noche se ha compartido en su muro de Facebook. Todo nuestro cariño para sus amigos y familiares.
Cuatro canciones en menos de nueve minutos, ¿dan para llamarse EP? ¿Mixtape? Se queda corto hasta para transformarlo en un hipotético 7″. Así, todo señala a ‘Bien:(‘ como poco más que una anécdota, pero la verdad es que no lo es en absoluto. Porque, más allá de su duración y el impacto de sus canciones –que, al menos en el caso de ‘Nunca estoy‘, es bastante–, intuimos que supone un volantazo a la dirección artística de C. Tangana que podría marcar no ya sus próximos pasos en el pop, sino incluso su carrera.
Tras un puñado de singles que redundaban una y otra vez (y cada vez con peor suerte y tino) en el personaje de latin lover con aire de mafioso que se había fabricado a lo largo de 2019, ‘Nunca estoy’ supone un cambio de paradigma a varios niveles. Por supuesto el sonoro: Antón sabe leer que, más allá del rap y el reggaeton, hay una mina –no solo comercial– en esa «música triste en español» que ya venían abanderando Sen Senra, Natalia Lacunza, mori o Rusowsky (que no en vano ha sido reclutado para este disco) y pretende ponerse a la vanguardia, arrimando el ascua a su sardina.
Como indica su playlist de inspiraciones, Alizzz ha traducido ese espíritu a códigos más cercanos –con las producciones de ‘Blond’ de Frank Ocean, el último Kanye West y, quizá, incluso el debut largo de Billie Eilish como posibles referentes– y, juntos, han construido (o comenzado a hacerlo) un espacio para la expansión de C. Tangana. ‘Nunca estoy’ es irresistible, tanto por sus ganchos (unos propios –el inicio–; otros prestados –los «de» Rosario y Alejandro Sanz–) como por la eficacísima base con Nineteen85 (Drake). Pero además tiene una lectura lírica diferente, no hablando en primera persona (la que suena de fondo como si fuera un eco en la mente) sino a través de la boca y la mente de una pareja femenina decepcionada con la situación entre ambos. ¿Será una consecuencia de todo lo que, dice, le afectó lo de Bilbao?
En línea con eso, con enmendar su camino, la bonita, casi angelical, obertura del corte titular habla de cambiar de vida, de que «todo va a estar bien» cuando «vuelva a entrenar» y «deje de esnifar», como dice con una mezcla de dulzura y tristeza. En la «cara B», en cambio, la evidente (y confesa) deuda de ‘Guille asesino‘ con ‘Black Skinhead’ no resta poder de seducción a la certeza de que, en realidad, era ese «lado malote» lo que alimenta(ba) esa relación, dejando la puerta abierta al Puchito que era. Ese que viene a estar representado en, esta vez sí, una más anecdótica ‘adelante_ruffdemo2016’ que sintoniza con ‘Avida Dollars‘ y que, dada su escasa duración, sabe a poco. Podría parecer por eso que ‘Bien:(‘ viene a cerrar una etapa, pero lo cierto es que todo apunta a que abre otra en la trayectoria de C. Tangana. Y la pinta es como poco interesante.
Calificación: 7/10 Lo mejor: ‘Nunca estoy’, ‘Bien:(‘ Te gustará si te gusta: Sen Senra, Natalia Lacunza, los últimos Kanye West y Frank Ocean. Youtube:vídeo de ‘Nunca estoy’
Lorde es una de esas artistas que tiene al mundo en ascuas sobre su próximo lanzamiento tras el éxito crítico de ‘Melodrama’, que salió hace ya 3 años. A través de una newsletter enviada a sus fans ha confirmado que continúa trabajando con el productor que fichó para el álbum anterior, el reputado Jack Antonoff que también ha trabajado con Taylor Swift y St Vincent, y la cantante, modesta y autocrítica, parece estar contenta con el resultado.
«El trabajo es jodidamente bueno, amigos (…) Empecé a grabar de nuevo en diciembre, solo por hacer algo, y para mi sorpresa, salieron cosas buenas. Cosas alegres, juguetonas (…) Todo fluyó y algo empezó a tomar forma. Entonces, por supuesto, se cerró el mundo, pero todavía estamos trabajando a distancia y Jack y yo hemos hablado por Facetime durante una hora esta mañana. Pero me va a llevar tiempo».
Sobre la espera, casi que ha puesto los dientes más largos todavía: «Nada me gustaría más que daros las golosinas, que poner pequeños bocados directamente en vuestras boquitas, pero a medida que me hago mayor me doy cuenta de que hay valorar la agradable sensación de esperar por algo de calidad. Puedes hacer algo de poca calidad mucho más rápido, pero si la alta calidad se materializa, una sensación cálida te invade». Tras comparar su álbum con hacer pan, asegura: «en mi opinión lo mejor que puedo ofreceros es un trabajo que perdure 10, 20 o 30 años. Y ese tipo de trabajo requiere de tiempo». Grandes declaraciones en los tiempos en que solo unos pocos afortunados permanecen en las listas de éxitos más que unos días.
Los británicos IDLES, absoluta revelación/revolución para el rock británico especialmente tras la publicación de ‘Joy as an Act of Resistance‘, llevaban días invitándonos a participar en una sesión doméstica de aerobic guiada por su bajista Dev (Adam Devonshire)… Y no, no luce precisamente una figura escultural ni tonificada, por lo que resultaba harto sospechoso. Finalmente, dicho streaming no era sino una rijosa manera de incitarnos a ver el vídeo oficial de su nuevo single, ‘Mr. Motivator’. [Foto interior: Joey Martinez.]
Se trata de un tema marca de la casa que percute como un martillo pilón y corta como una navaja, y que llama a «hacerlo» –sea lo que sea, «puedes hacerlo»– como iconos tan variopintos como Kathleen Hanna, David Attemborough o Conor McGregor, que nunca hubiéramos dicho que podrían caber juntos en una canción. Algo tan freak no podía sino venir acompañado de un clip hecho en confinamiento por humanos reales de toda edad y condición que, en su confinamiento, son los que en realidad desempeñan esa sesión de entrenamiento y baile de lo más pirado, con disfraces y sin complejos.
Dejando en el aire si este tema pertenece o no a un tercer disco que según las últimas noticias ya habrían terminado, el cantante Joe Talbot ha declarado a NME que querían «empezar este viaje no tanto con el propósito de capturar el sentimiento del álbum, sino animar a nuestro público a bailar como si nadie mirara y superar estos tiempos oscuros con un machete de dos toneladas de canción y la más hermosa comunidad de escoria que jamás se unió. Vamos. Todo es amor». De momento, con el single el grupo ha puesto a la venta una de sus fantásticas camisetas, con uno de los mantras de la canción: «I’m Jon Cal-fucking-Zaghe», en referencia a un boxeador británico.
Hace unas horas se cumplían 10 años del lanzamiento de ‘The ArchAndroid‘, álbum de debut (tras el EP ‘Metropolis: The Chase Suite’) de Janelle Monáe con el que sentaría las bases para convertirse en una de las más interesantes artistas de la actualidad. Un disco que, con una visión futurista asentada en el pasado de la música afroamericana, fusionaba pop, soul, funk, hip hop, rock y psicodelia de una manera abrumadora. Apadrinada por Stevie Wonder y Prince, se afianzaría en años posteriores con trabajos tan sólidos como ‘The Electric Lady‘ (2013) y ‘Dirty Computer‘ (2018), a la vez que daría sus primeros pasos como actriz en el stardom de Hollywood interviniendo en películas como ‘Moonlight‘ de Barry Jenkins –ganadora del Oscar a Mejor película en 2017, aquella vez que se nombró por error a ‘La La Land’– y ‘Figuras ocultas‘ (2016), donde interpretaba a la matemática e ingeniera de la NASA Mary Jackson.
De hecho, y pese a que la vimos en Primavera Sound 2019 presentando ‘Dirty Computer’ y abriendo los últimos Oscar con un impactante número de apertura, desde entonces se ha prodigado casi más en el cine que en la música. Tras aparecer el año pasado en filmes como ‘Bienvenidos a Marwen’ (Robert Zemeckis), ‘Ugly Dolls’ (poniendo voz a uno de los personajes de animación) y ‘Harriet’ (biopic de la abolicionista Harriet Tubman), sus grandes planes para 2020 siguen ligados a las pantallas. De hecho, puede que en breve sea casi tan conocida o más por ellos que por su música.
Porque este mismo viernes se estrena la segunda temporada de ‘Homecoming‘, serie de Amazon Prime Video producida por Julia Roberts que, de hecho, también protagonizó su recomendable primera temporada, creada y dirigida por Sam Esmail (‘Mr. Robot’). La nueva tanda de capítulos no tiene a Esmail y Roberts, pero sí a Monáe como protagonista principal de una trama que la sitúa en otro plano de la misma distopía, de nuevo con elementos de terror u ciencia ficción y un trasfondo político-social, a tenor de sus tráilers. Además de esta serie, en verano llegará ‘Antebellum’, filme de terror de los mismos productores de ‘Déjame salir‘ y ‘Nosotros‘ de Jordan Peele y con Monáe como protagonista, que se antoja como uno de los estrenos del verano para el género. Si es que los cines recuperan su actividad, claro.
Karmento continúa siendo lo más votado de JENESAISPOP con ‘Cri cri’, mientras Róisín Murphy, Rina Sawayama y The Killers están entre los artistas que alcanzan nuevos máximos. Esta semana nos despedimos de ‘Never Come Back’ de Caribou, ya con 10 semanas y en la mitad baja de la tabla; y damos la bienvenida a nuevas entradas. Jessie Ware llega directa al top 5 y Kim Petras, Austra y Tulsa aparecen también. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.
En una entrevista que manteníamos el pasado mes de octubre con María Rodríguez, la jerezana nos aseguraba que la continuación de ‘Bruja’ estaba terminada. Y sin embargo, no habíamos vuelto a saber más de él… hasta hoy. Por fin, siete años después de aquel álbum, verá la luz el sexto álbum de estudio de Mala Rodríguez, tal y como ha revelado en un mensaje en sus redes sociales, con algunos emoticonos orientativos: «Soy mala desde que empecé… A través de los años he defendido y presumido de nombre. Este trabajo tiene todo lo que soy… un poco más de mí. Para quienes siempre estuvieron ahí, para los que acaban de llegar y los que están por venir. Con mucho amor, el próximo 29 de mayo. MALA», dice el mensaje.
Será por tanto el viernes de la próxima semana cuando descubramos este trabajo tan esperado y del que no sabemos prácticamente nada. Cuestionada en la citada entrevista sobre cuáles de los diversos singles ha venido publicando en el último par de años podrían tener cabida en él, no soltaba prenda: «De eso no sé. Hay un montón de canciones y en breve publicaremos el álbum. (…) Si quieres sacar sencillos, los vas sacando. Y si te encaprichas de sacar una colección de canciones, también lo puedes hacer. Es todo hablarlo», aseguraba como si, en lugar de haberse criado en Jerez de la Frontera y Sevilla, lo hubiera hecho en Lugo.
Lo cierto es que, así, es difícil intuir qué dirección podrá seguir La Mala en este nuevo disco. En el último par de años, tras el golpe de timón (y el exitazo) que supuso grabar ‘Usted’ con Juan Magán, ha lanzado singles como ‘Gitanas‘, coherente con su carrera como rapera hasta entonces. Pero sobre todo se ha inclinado hacia un estilo urban bailable, próximo al dembow y el reggaetón, con singles como ‘Contigo’, ‘Mujer bruja’ con Lola Indigo, ‘Aguante‘, ‘Tenamoras‘ con Dellafuente o ‘Dame bien‘. Precisamente en la semana en que estallaba en España la crisis de la Covid-19, publicaba una sorprendente y emotiva balada al piano titulada ‘Mami‘, que había presentado en televisión meses atrás con Emilio Aragón. Recordemos también que el año pasado Rodríguez era galardonada con el Premio Nacional de Músicas Actuales como “pionera de las músicas urbanas”, el más prestigioso (y dotado económicamente) de nuestro país.
Parte de la redacción evalúa ‘Daisies‘, el primer single del quinto álbum de estudio de Katy Perry, que se publica el 14 de agosto.
«Después de singles tan dignos como ‘Never Really Over‘ o ‘Harleys in Hawaii’, esperaba de ‘Daisies’ una producción a la altura del estatus de Katy Perry, pero la decepción con el adelanto de #KP5 es mayúscula. No solo suenan su voz y las guitarras acústicas presentes en la canción como mal grabadas, sino que el estribillo en modo histérico no puede ser menos apetecible. Al menos las metáforas florales de la letra son bonitas, y es mucho decir, pues Katy siempre ha flaqueado en sus textos. En cualquier caso, si Katy buscaba con ‘Daisies’ un nuevo ‘Malibu’ (el de Miley, no el de Kim Petras), se ha quedado muy lejos de conseguirlo.» Jordi Bardají
«Asumamos que Katy Perry ha sido destronada, quizá definitivamente, de la cima del pop a sus 35 años (¿podemos hablar de ageism a esa edad? Sí se puede); que no va a recibir por parte del público (que no sea su fandom más leal) nada más que improperios, convertida en una suerte de pimpampum solo por las risillas; y que, también, debe ser consciente de sus carencias técnicas, cualitativas y de carisma. Llegados a ese punto, parece que lo mejor que puede hacer con su carrera es dedicarse a co-escribir y cantar las mejores canciones que sea capaz, sin martirizarse con las cifras y las listas. Y por ahí, creo yo, va bien con ‘Daisies’. Ya que ella empezó siendo una chica-con-guitarra-acústica y que, de hecho, esa parte de sus directos es la más cercana y cálida, parece una buena baza rehusar a estar a la vanguardia del pop y buscar un sonido más orgánico y con melodías bonitas. Que es, ni más ni menos, lo que ofrece esta ‘Daisies’. Si hace cuatro años me hubieran dicho que vería a Katy intentar levantarse con una taylorswiftificación de su estilo, me pinchan y no sangro.» Raúl Guillén
«Ni después de todos los problemas mentales sufridos por artistas de primera línea como Katy Perry y Lady Gaga, agravados por la dependencia del éxito comercial, parecemos esperar de cada uno de sus pasos menos que el pelotazo definitivo. ‘Daisies’ no es tal puñetazo en la mesa ni tampoco una producción que merezca mucha mejor suerte de la que corra, como sí lo eran ‘Chained to the Rhythm’ y ‘Swish Swish’. Por otro lado, tampoco hay nada malo que decir de ella: la guitarra acústica casa perfectamente con ese fondo cinético como sacado de la banda sonora de ‘Drive’ o de la factoría Johnny Jewel, y su voz chillando más y más el nombre de unas florecillas en respuesta a quienes le dicen que «está loca», está bastante bien traído. La palabra «crazy» parece representar ‘Witness‘. Las «margaritas», claramente ‘Teenage Dream'». Sebas E. Alonso.
Tomavistas anuncia el aplazamiento de su edición de 2020 al año que viene debido a la crisis sanitaria. Recientemente, el festival madrileño , uno de los primeros en posponer su edición de este año por la mencionada crisis, declaraba en una entrevista a JENESAISPOP que veía poco probable la celebración del festival en septiembre.
En un comunicado, Tomavistas confirma nuevas fechas para el año que viene, 27, 28 y 29 de mayo de 2021: «No ha podido ser. A causa de la situación de emergencia sanitaria provocada por el COVID-19, Tomavistas se ve obligado a posponer su sexta edición hasta 2021.
«Pese a que el festival madrileño había logrado trasladar su celebración de mayo a septiembre manteniendo el 90% de su cartel intacto, ante la actual incertidumbre sobre las distintas fases de la desescalada que aún están por definirse en Madrid y la imposibilidad de desarrollar el evento en su concepción original, la organización ha tomado la decisión de trasladar por fuerza mayor su sexta edición a los días 27, 28 y 29 de mayo de 2021.
El día 2 de junio anunciaremos algunas de las bandas, ya confirmadas este año, que nos acompañarán en este cambio y pondremos en marcha el proceso de devolución del importe de las entradas para quien lo solicite. En esta misma fecha os daremos varias opciones: conservar la entrada que por supuesto será válida para la edición de 2021; cambiarla por un vale consistente en el importe de la entrada que hayáis adquirido y poder canjearlo por conciertos programados por Tomavistas; o devolver la entrada y recuperar el importe de la misma».
Cruïlla había anunciado el aplazamiento de su edición de este año a 2021 sin aclarar su intención respecto a la organización de su nuevo cartel. Hoy, el festival barcelonés confirma los primeros artistas que actuarán en su edición del año que viene, y ya puede decirse que también ha optado por replicar el de este año en la medida de lo posible.
Al menos de momento, Cruïlla no contará ni con Gwen Stefani, el gran reclamo de este año, ni con Editors, pero sí confirma a Two Door Cinema Club, Kase.O, Residente, Morcheeba, Of Monsters and Men, Sopa de Cabra, León Benavente, Novedades Carminha, Perotá Chingó, Lágrimas de Sangre, Fuel Fandango, Rayden, Djaikovski, Gertrudis, Ebri Knight, Siloé y Meritxell Nedderman. La mayoría de estos artistas, si no todos, ya formaban parte del cartel de 2020.
En un comunicado, Cruïlla recuerda que las «entradas de Cruïlla 2020 serán válidas para Cruïlla 2021» y que «el festival se pondrá en contacto por email con todos los compradores a finales de mayo y ofrecerá todas las opciones disponibles para aquellos que no puedan asistir».
Por otro lado, la sala Razzmatazz ha confirmado que todos los eventos y conciertos programados hasta finales de junio quedan cancelados, «a espera de nuevas medidas y directrices al respecto».
Este lunes 18 de mayo se han cumplido 40 años desde la muerte de Ian Curtis, cantante de Joy Division. El grupo tan solo publicó dos álbumes de estudio en su corta carrera, ‘Unknown Pleasures’ (1979) y ‘Closer’ (1980), el segundo de los cuales vio la luz póstumamente después que Curtis decidiera colgarse en su casa de Manchester, afectado por una depresión y por la epilepsia que sufría, así como por el fracaso de su matrimonio. El cantante apenas contaba 23 años. Como es sabido, varios miembros de Joy Division formarían después New Order y cambiarían el curso de la música synth-pop.
Este aniversario tan significativo no ha pasado desapercibido en el mundo de la música: el próximo 17 de julio sale una edición limitada y remasterizada de ‘Closer’, y además han sido varios los artistas que han querido rendir homenaje a Curtis versionando la música de Joy Division. Especialmente pertinente en estos tiempos parece el cover de ‘Isolation’ perpetrado por Mark Lanegan y Cold Cave. Una canción que habla sobe aislarse del mundo desde una perspectiva deprimente.
También Third Blind Eye han publicado su versión de ‘Disorder’, improvisada durante la grabación de un nuevo EP, en homenaje al músico. Por otro lado, Bernard Sumner y Stephen Morris de New Order han participado en un «livestream» en homenaje a Curtis, por el que también se ha pasado Brandon Flowers de The Killers. Y artistas como Peter Hook o Moby han recordado a Curtis en unas declaraciones exclusivas para SPIN.
En cuanto a las redes, los fans de Joy Division han celebrado la vida de Curtis compartiendo recuerdos de sus conciertos, imágenes no tan conocidas del músico o vídeos de sus directos. Peter Hook incluso ha publicado un vídeo de su visita a la lápida del artista.
Apparently, yesterday was the 40th anniversary of Ian Curtis's death. As a result, the photo below (of him at work drinks) resurfaced. I love this photo because it gives lie to the widely-held view of the mythologised Ian Curtis – pic.twitter.com/EKPMrdy0ud
In honor of Ian Curtis’ 40th death anniversary here are some pictures from a Joy Division show where only about 30 people showed up pic.twitter.com/f9ODTVvKP3
La industria musical se está viendo afectada por la crisis sanitaria de distintas maneras: los planes de grabación de discos han sido aplazados, la promoción ya no permite reuniones entre personas, por supuesto decenas de festivales han cancelado o pospuesto sus ediciones al año que viene… Otro de los sectores afectados es el de los videoclips: ahora mismo están saliendo obras estupendas que fueron rodadas hace tiempo, pero en los próximas semanas o meses los vídeos hechos en cuarentena, desde el confinamiento del hogar, serán la norma. Habrá sequía de vídeos rodados profesionalmente en un estudio, al menos hasta que la desescalada vaya permitiendo una vuelta a algo parecido a la normalidad. Foto: fotograma del videoclip de ‘Quiero’ de La Habitación Roja por Juanma Carrillo.
Con el objetivo de comprobar cómo está afectando la pandemia al mundo del videoclip en nuestro país, JENESAISPOP ha hablado con varios de sus directores más solicitados, estos son Guillermo Guerrero (Zahara, Miss Caffeina) , Juanma Carrillo (La Bien Querida, La Casa Azul), Miguel Angulo (Bad Gyal, Rels B) y Xoxé Tétano de Los Ganglios (Rosalía, Hidrogenesse). La productora CANADA ha declinado participar en este reportaje.
El coronavirus ha pillado a todos por sorpresa y muchos rodajes han tenido que suspenderse por la cuarentena. Guerrero confiesa que iba a rodar con un grupo «top secret» en abril, pero que él y su equipo fueron «aplazándolo hasta que nos dimos cuenta que sería inviable rodar a corto plazo». Sin embargo, su perspectiva ante el cambio es positiva: «Al final se ha optado por hacer algo parecido a lo que teníamos previsto rodar pero en 3D y la verdad es que lo que en un principio se presentó como una solución para salir del paso nos ha abierto un sinfín de posibilidades. Me da pena no poder rodar la idea original pero creo que el resultado va a estar lejos de parecer un parche». Por su parte, Juanma Carrillo se ha visto obligado a cancelar varios rodajes, entre ellos dos para La Habitación Roja, los cuales implicaban viajes a La Rioja y a Escandinavia (en el segundo caso para ‘Las canciones’), y otro para un grupo «más mainstream». Similarmente, Miguel Angulo preparaba un nuevo vídeo para Rels B que ha sido pospuesto hasta nuevo aviso. Y Xoxé Tétano explica que no ha tenido que cancelar ningún rodaje, pero que «ha peligrado» el de su último vídeo para Hidrogenesse: «Me lo encargaron a mediados de marzo, para su canción ‘El pasodoble de los esqueletos’. Esos días ya todo el mundo hablaba del virus pero no nos imaginábamos que las cosas se fuesen a paralizar así, aunque moverse por Barcelona se estaba volviendo cada vez más desagradable, en plan recelos higiénicos y miradas asesinas si tosías en el metro, así que nos quitamos la filmación de encima cuanto antes, en un par de mañanas. Al día siguiente de haber acabado de grabar se declaró el estado de alarma. Por suerte, como ya les tenía a ellos filmados, he podido montar el video en mi casa durante el confinamiento y ya está publicado».
Miguel Angulo: «Se ruedan muchos videoclips sin dar de alta a la gente en la seguridad social, en el sector hay gente muy quemada y hay que remar a favor de que se empiecen a hacer las cosas como es debido»
La crisis sanitaria ha tumbado por completo el proceso normal de rodaje de videoclips, que desde su gestación en la cabeza de un artista o de un director, hasta su estreno en las plataformas, pasa por diversas fases. En el caso de Guerrero, el margen de planificación de un rodaje no suele pasar de las «3 o 4 semanas» y su labor creativa es solitaria, aunque sin negarse a la colaboración. «A la hora de encontrar esa idea me gusta trabajar solo, al menos hasta tener el germen. He currado con artistas que han querido participar activamente del proceso y hemos ido mano a mano construyendo la idea y otros que me han aprobado a la primera la locura de turno». El director no subestima el poder de la sorpresa, sobre todo en cuanto al rodaje en espacios abiertos: «cuando ruedas en exteriores te la juegas con el clima y la verdad es que las veces que lo hemos hecho hemos tenido mucha suerte porque no teníamos una alternativa. Hasta rodando ‘El fango’ de Zahara, que nos hizo de todo, pudimos jugarlo a favor y utilizar la lluvia y los días grises a favor de la estética y el concepto del vídeo». Muy dado a rodar en exteriores también es Juanma Carrillo, quien se considera «muy previsor» por su experiencia en estos espacios, hasta el punto que reconoce que «la gente que trabaja conmigo sabe que pido ver el tiempo en 10 días», y quien asegura ser dado a improvisar planes alternativos para sus vídeos pues durante los rodajes pueden darse problemas, «desde localizaciones acordadas que, al llegar, te dicen que no puedes rodar, a actores que te abandonan en el último momento… pero jamás he tenido un plan para una catástrofe de este tipo».
En cuanto a la planificación de su trabajo, Miguel Angulo subraya la parte económica: «es complicado tener un presupuesto súper afinado con lo que vas a hacer. Cuando empiezas a cotejar presupuestos con equipos de construcciones o de arte empiezas a ver los números reales de lo que cuestan las cosas. De lo que se supone que vas a hacer hasta lo que se cierra, hasta lo que el vídeo termina siendo, hay muchos cambios». Angulo asegura que, de cara a imprevistos, suele cubrirse las espaldas «con más sets o propuestas de las que luego voy a necesitar», y que «siempre es mejor tener de más que de menos porque en el rodaje luego pasan muchas cosas». A su vez, el director indica que existen «seguros de rodajes por si pasa algo, aunque estos no te van a cubrir un rodaje que estuviera en pre-producción».
El asunto de los seguros preocupa especialmente a Angulo, quien espera que la crisis del coronavirus ponga fin a ciertas prácticas de dudosa ética que suelen darse en los rodajes, algunos de los cuales buscan priorizar el gasto creativo al humano: «Con los límites de distancia social va a haber problemas de tiempos, todo se va a ralentizar mucho porque va a haber procesos de seguridad mucho más altos, pero también los presupuestos se van a incrementar si tienes que mantener al equipo seguro de una forma que se te obligue por ley», señala el director. «En mis videoclips todo el mundo está dado de alta, la gente cobra, son como un rodaje normal y corriente de publicidad. No son rodajes de equipos precarios en los que no cobra nadie». El director explica: «Hay productoras que dicen «si tengo que dar de alta a todo el mundo no tengo dinero para ponerte una cámara, así que tú eliges si quieres tener cosas delante de cámara o que se hagan las cosas legales». Creo que no tendría que ser decisión del director hacer las cosas bien o mal… Se tiene que valorar el trabajo de todos los técnicos y de toda la gente que participa en este sector. Al final los videoclips son una publicidad que hace un artista de sí mismo, y eso se tiene que pagar». Y añade: «Yo sé que se ruedan muchos videoclips sin dar de alta a la gente en la seguridad social, y la industria de los videoclips siempre se ha caracterizado por ser bastante amateur y precaria a la hora de rodar, aunque últimamente no tanto. Espero que esta crisis regularice algunas cosas. En el sector hay gente muy quemada y hay que remar a favor de que se empiecen a hacer las cosas como es debido».
En contraste, Xoxé Tétano remarca el componente lo-fi y casero de su obra, la cual puede incluso verse favorecida por la cuarentena: «Los videoclips que yo hago suelen ser lowcost a muerte. En algunos casos en que Los Ganglios hemos hecho videoclips para otros hemos contado con más infraestructura de la habitual, como en el caso de Rosalía o cuando dirigimos el videoclip de ‘Opinión de mierda’ para Los Punsetes. Pero en general, yo hago las cosas sin mucho dinero y tirando de imaginación y artesana paciencia. Para este método casero de hacer las cosas, el confinamiento no me afecta demasiado, porque me basto yo mismo. Además me gusta trabajar individualmente y desarrollar libremente mis ocurrencias sin tener que consensuarlas con un equipo. Pero trabajar con mucha gente suele enriquecer el resultado y también facilita las cosas, y desgraciadamente para ese tipo de proyectos colaborativos el virus es un serio problema. Supongo que durante una temporada habrá que renunciar a cierto tipo de producciones».
Guillermo Guerrero: «Si dejamos fuera de la ecuación la posibilidad de rodar fuera, muchos videoclips se quedarán en un limbo. Yo confío en que no sea así. Veo mucho más seguro rodar a campo abierto en la Mancha que en una localización de interior»
De hecho, Tétano viene de rodar el popular videoclip de ‘Milionària’ de Rosalía, estrenado hace ya un año. Un vídeo que obviamente no sería posible ni siquiera plantear en las circunstancias actuales. El artista recuerda su creación: «Rosalía nos dijo que era fan de Los Ganglios, y nos preguntó si queríamos encargarnos del desarrollo concepto-visual de un videoclip nuevo, trabajando junto a ella y su hermana Pili. Querían algo con estética concurso TV de los 2000, y a nosotros ese mundo nos gusta mucho. Nos mandaron una maqueta de la canción y mi hermano y yo dedicamos unos días a maquinar y a montar una demo en vídeo con dibujos y fragmentos de concursos del 2000 descargados de Youtube (‘El juego del euromillón’, ‘Grand Prix’, ‘El precio justo’ de Carlos Lozano, etc.) intentando reflejar muy fielmente nuestra idea y la estética deseada. Cuando estuvo listo y se lo enviamos a ellas les encantó, fue todo muy agradecido porque son muy buena gente. Luego nos reunimos con la productora que iba a materializar la idea, y después de perfilar algunos temas de guión y estéticos con el equipo se rodó el vídeo un día que Rosalía tuvo libre en medio de su gira. Ahora mismo supongo que rodar este vídeo no hubiese sido posible, porque lo hicimos grabando en directo como si fuese un concurso real de TV; éramos mucha gente en el plató entre personal técnico y público en las gradas, y ahora esas aglomeraciones están prohibidas».
Fuera de cualquier ecuación queda también el asunto de los alquileres de espacios, al menos hasta que la desescalada lo permita. Guerrero explica: «Hay agencias que tienen catálogos con todo tipo de espacios que o bien se usan exclusivamente para rodajes o se les da un segundo uso cuando no se trabaja en ellos. La nave donde grabamos ‘Con las ganas’ de Zahara es un almacén de aluminio los días de diario pero los fines de semana es un plató. Si te fijas un poco verás un montón de anuncios, series y videoclips rodados en los mismos espacios. ‘Cola de pez’ de Miss Caffeina se grabó en un plató que ya tiene un piso construido y totalmente «atrezzado» que no paro de ver cada vez que enciendo la tele. Me hace gracia haber visto después hasta un videoclip de Maria Isabel rodado en nuestro pisito».
Por supuesto, la pandemia también suponiendo un bloqueo creativo a los artistas, que se están viendo en la imposibilidad de llevar a cabo sus ideas tales y como los habían gestado en sus cabezas (tanto Guerrero como Angulo destacan el reciente videoclip de Diana Kunst para ‘Guille Asesino’ de C. Tangana como vídeo hecho en confinamiento al que aspirar por su originalidad, pese a utilizar una fórmula de vídeos domésticos que lleva tiempo usándose en publicidad). No obstante, Guerrero confía en que, al menos, los rodajes en espacios exteriores puedan seguir siendo posibles: «De sobra es conocido que los videoclips se ruedan casi siempre con presupuestos más que justitos y muchas veces la única manera de poder sacar algo digno de factura es tirar de exteriores (te ahorras plató o alquiler de espacio, construcción de decorados, arte…). Si dejamos fuera de la ecuación la posibilidad de rodar fuera, muchos videoclips se quedarán en un limbo. Yo confío en que no sea así. Veo mucho más seguro rodar a campo abierto en la Mancha que en una localización de interior». Por otro lado, el director apunta que «la limitación de 50 personas por rodaje que se está dando en otros países no afectaría a la mayoría de videoclips que se sacan adelante con muchas menos personas», e indica que, en su caso, el número máximo de personas que ha trabajado con él apenas roza la treintena.
En lugar de pensar nuevas ideas adaptadas a la cuarentena, pues reconoce que «a nivel videoclips he estado totalmente bloqueado», Juanma Carrillo ha estrenado un podcast de 40 programas de radio musical «porque necesitaba comunicarme con el mundo». De hecho, el director asegura que «nunca me ha gustado que me coarten la creatividad» aunque es totalmente consciente de la excepcionalidad de la situación actual, e insiste en que prefiere «no sacar nada a sacar algo que no se corresponda ni con una décima parte de lo que yo iba a mostrar». Angulo también ha optado por descansar: «es complicado ser creativo en un momento en que todos son malas noticias. A mí me ha apetecido relajar la cabeza y no darle muchas vueltas a la (posibilidad de aprovechar creativamente esta situación)». No me salen cosas dignas de una etapa como la que estamos viviendo».
Así pues, ¿qué planes a corto/largo plazo tienen los directores entre manos? Guerrero comenta que «ahora mismo estoy con unos «vídeo concept» que acompañarán los temas de un disco en Youtube. Teníamos pensado rodarlos y al final los vamos a solucionar con postproducción, grafismo… la verdad es que nos ha obligado a discurrir y creo que van a quedar piezas muy chulas a la par que loquitas. Y pensando también un vídeo para después de verano. Esta vez, y casi como excepción, con mucho tiempo por delante». Mientras Carrillo continúa con su podcast y Angulo prefiere esperar a que las cosas vuelvan a su cauce normal, Tétano se encuentra «escribiendo poemas y dibujando»: «Sigo haciendo música y videos, que es mi vicio y mi pasión, para mí mismo o para cualquier persona o proyecto interesante que se me cruza en el camino».
Ariana Grande y Justin Bieber firman el nuevo número de singles en Estados Unidos con su tema solidario conjunto, ‘Stuck With U’. A lo largo de la última semana, la canción ha competido por esta posición con ‘GOOBA’ de 6ix9ine, y el rapero, que acaba de salir de la cárcel, ha acusado a Ariana y Justin de haber trampeado las ventas de la canción para alcanzar el número 1 de la clasificación, al considerar que la suya ha obtenido la mayor cantidad de reproducciones en streaming. En concreto, el artista afirma que el equipo de Ariana y Justin, que comparten mánager, Scooter Braun, ha comprado decenas de miles de copias digitales de la canción usando «seis tarjetas de crédito» diferentes, y sus dos intérpretes han querido contestar a las acusaciones a través de sus redes sociales.
En un extenso post de Instagram, Ariana explica que las normas de Billboard solo permiten a las personas individuales comprar cuatro copias de una sola canción, y que «por mucho que te esfuerces, no puedes negar que las ventas digitales valen más que los streamings». La artista añade: «a quien esté insatisfecho con su posición de esta semana en la lista o se esté comiendo la cabeza para pensar diferentes formas con las que desacreditar a las mujeres currantes, os pido que os deis un baño de humildad y estéis agradecidos por el simple hecho de estar donde estáis». La cantante recuerda que no obtuvo un solo single número 1 durante los primeros cinco años de su carrera, que esto nunca le importó porque «en el fondo de mi corazón, la música lo es todo para mí», y felicita a todos sus «colegas talentosos» por ocupar el top 10 de Billboard esta semana, «también al número 3» (una pullita a 6ix9ine, que debuta en esta posición con su single).
Por su parte, Bieber reproduce en sus stories las palabras de su manager Scooter Braun en las que niega haber comprado copias ingentes de la canción, las cuales serían, indica en su texto, en cualquier caso invalidadas por las normas de Billboard, y señala que el cálculo de los streamings de ‘GOOBA’ de 6ix9ine -en concreto los de Youtube- es global y no doméstico, cuando Billboard es un chart exclusivamente estadounidense. Billboard ha confirmado que ‘Stuck With U’ ha sido el single más exitoso de la semana en su clasificación.
Perfume Genius llega a su quinto disco convertido en la voz de una generación que sigue luchando por derribar barreras sociales a la vez que conquistando nuevos logros, por ejemplo en cuanto a los discursos sobre identidad y/o expresión de género. En este sentido, los contrastes entre masculinidad y feminidad, agresividad y ternura o luz y oscuridad plagan su música desde hace rato, y ‘Set My Heart On Fire Immediately’ no solo no es una excepción, sino que es una nueva cumbre en su exploración de estos temas, a la vez que presenta suculentas novedades en su sonido.
Como el gran ‘No Shape‘, ‘Set My Heart On Fire Immediately’ vuelve a ser un trabajo de extremos. Influido por su nueva afición a la danza interpretativa, derivada de su trabajo en la obra de teatro ‘The Sun Still Burns Here’, Mike Hadreas ha buscado hacer un disco corporal y presente que «derribara la separación entre su trabajo y el mundo» y contara experiencias reales en lugar de inventadas. La ficción o, mejor dicho, la ornamentación de historias, sigue formando parte de universo de Perfume Genius, pero ‘Set My Heart On Fire Immediately’ es un trabajo visceral hasta el punto que ciertos instrumentos, como la guitarras de ‘One More Try’, suenan producidas (o al menos lo parece) para que suenen como fluidos corporales. Gracias a la experta producción del reputado Blake Mills, otra vez a los mandos de un trabajo de Perfume Genius tras su nominación al Grammy por ‘No Shape’, las canciones de ‘Set My Heart On Fire Immediately’ suenan a medio camino entre el mundo terrenal y el mundo de los sueños, en este caso de manera casi literal: ‘Leave’, una composición sobrecogedora que recuerda a los Goldfrapp de ‘Felt Mountain’, suena onírica y pantanosa a la vez, un contraste que parece imposible pero Perfume Genius convierte en un estilo propio.
En su nuevo disco, Perfume Genius cruza esta visión sonora con su pasión por la música country de manera más decidida que nunca, por lo que es fácil comprender por qué el robusto country-rock de ‘Describe’, en el que Hadreas interpreta a un personaje que ha olvidado cómo sentir, y pide a su pareja que le describa lo que siente, ha ejercido de single de presentación: no puede ser más representativa de su nuevo sonido. Este tema que vuelve a alternar la ternura de la voz de Hadreas con la pesadez y distorsión de una música que embiste al oyente cual apisonadora, es un «grower» como ya lo era ‘Slip Away’ sin necesidad de estallar en ningún momento. Más clara aún es ‘Without You’, una trotona canción country que además es una canción de amor… solo en apariencia (trata la dismorfia que sufre el músico). La meditativa canción que abre el disco, ‘Whole Life’, está abiertamente inspirada en el trabajo de Roy Orbison, incorpora a un músico que de hecho trabajó con el autor de ‘Mystery Girl‘, Jim Keltner; y narra un episodio de metamorfosis en el que Hadreas abraza un cambio importante en su vida como si fuera la llegada de un Dios: «ya llevo la mitad de mi vida vivida, la dejo marchar», canta; «las sombras se diluyen en una luz tierna, y a cámara lenta, las dejo atrás».
A partir de su primera pista, ‘Set My Heart On Fire Immediately’ descubre un universo lleno de detalles y recovecos que solo Perfume Genius podría haber creado. El elemento barroco de su sonido sigue estando presente en canciones como ‘Jason’, que incorpora un clavecín; o la abstracta ‘Moonbend’, que pasa de sonar como un «conjuro» a admitir influencias de la balada española. Pero también sus letras son representativas de este universo tan personal, en tanto navegan ese contraste entre lo masculino y lo femenino que siempre ha preocupado al artista. ‘Jason’ narra la vieja historia de un encuentro sexual entre Hadreas y un muchacho heterosexual al que el primero acogió con un afecto «cálido» y «maternal» sin que el músico apreciara estas cualidades propias en aquel momento; y la vez, la bélica ‘Your Body Changes Everything’ explora la fluida dinámica que puede darse en cualquier relación sexual liberada de las cadenas del género, y de la que no suele hablarse tanto debido a los estereotipos: «Me siento a la vez masculino y femenino en mis relaciones», cuenta Hadreas; «y cuando actuó de manera más masculina no me siento menos femenino». En algún caso, Perfume Genius sí recurre a la ficción para recordarnos la importancia de valorar el pasado: la preciosa ‘Just a Touch’ narra una «historia de amor en tiempos de guerra» entre dos hombres que una vez hubieron de esconder su amor. Un episodio de subversión directamente conectado con esa portada en la que Hadreas encarna la imagen hípermasculina de un minero de los años 50 que no lo habría tenido fácil para ser él mismo en su época.
Y en medio -literalmente- de este torrente de intensidad destaca cual fuente en el oasis ‘On the Floor‘, la canción más pop de toda la carrera de Perfume Genius. Tan «poppy» que hasta Initial Talk la ha remezclado, la canción remite al pop vintage de ‘True Blue’… y se inspira abiertamente en Cyndi Lauper para plasmar la dolorosa historia de un «crush» que atormenta la vida de su autor. Un soplo de aire fresco dentro de un trabajo que puede pecar de demasiado denso en su tramo final, donde las melodías se diluyen algo más; pero que vuelve a mostrar a un compositor absolutamente necesario en nuestros tiempos, en su mezcla de fortaleza y vulnerabilidad, tan bien representada aquí en todos los sentidos.
Calificación: 8,5/10 Lo mejor: ‘Describe’, ‘On the Floor’, ‘Without You’, ‘Just a Touch’ Te gustará si te gusta: Angel Olsen, Rufus Wainwright, Sharon van Etten, Aldous Harding Youtube:vídeo de ‘On the Floor’
Harry Styles ha esperado a la llegada del calor para estrenar el videoclip de su veraniego nuevo single, ‘Watermelon Sugar’. Ni en un millón de años el cantante británico habría imaginado que su nuevo vídeo situado en una playa -y obviamente rodado hace tiempo- sería visto por el mundo por primera vez desde el confinamiento del hogar por culpa de una pandemia global, pero así están las cosas. De hecho, el bueno de Harry ha tenido el sentido del humor de dedicar el vídeo de ‘Watermelon Sugar’ al hecho de tocarse, lo cual adquiere un significado incluso más potente en las actuales circunstancias de aislamiento y distancia física que vivimos.
Así, lo que en otro momento hubiera sido algo tan cotidiano (si todos fuéramos modelos guapísimos y delgadísimos a los que el bañador y el bikini les sienta divinamente) como un día en la playa con amig@s, es prácticamente un ensueño. Algo de eso tiene el clip de estética hippie que acompaña a la mejor y más sensual canción de ‘Fine Line’, pero entre tanto sobeteo, las escenas adquieren tintes orgiásticos. Sobre todo, al ser combinadas con la metáfora de sexo oral que ofrece devorar una raja de sandía. Si bien, cuando Zane Lowe le preguntaba sobre esa teoría tras la letra de la canción, Harry dejaba la respuesta en el aire, los primeros planos en los que Styles juguetea con una rodaja antes de darle un bocado no dejan lugar a tantas dudas.
Si se consulta en Urban Dictionary, las afecciones de ese «jugo de sandía» como metáfora de cocaína o heroína tendrían cierto sentido al declararse ebrio («high») de ello. También, relacionado con la sexualidad, se alude a ello como líquido seminal. Sutil ¿eh? Pero hace tiempo que Styles aclaró que en realidad ese «pedo de jugo de sandía» trataba de capturar esa «euforia inicial cuando empiezas a verte con alguien», a esa sensación de plenitud del enamoramiento primero, cuando el contacto físico con la otra persona genera algo parecido a la adicción y se anhela cuando no se tiene cerca. Versos como «fresas en verano», «una canción» o «un maravilloso y cálido atardecer de verano» suponen un sentido más poético para definir esa sensación.
No es la única ni la primera «fruta» que emplea Styles para bautizar una de sus canciones. En su debut homónimo teníamos la rockera ‘Kiwi’, que el propio ex-One Direction señalaba como un preámbulo, en cuanto a energía, de la canción que hoy centra este artículo–. Y en el mismo ‘Fine Line‘ se encuentra ‘Cherry’, si bien parece más bien un guiño a la forma en que se dirigiría a él (por «cheri», del francés) su ex-novia, Camille Rowe, protagonista de la canción. En todo caso, ya desde que la presentara en Saturday Night Live el pasado noviembre, ‘Watermelon Sugar’ sobresale como una de los mejores singles de Harry, como epítome de la estupenda producción que Tyler Johnson y Kid Harpoon disponían para este álbum, con ecos de los años 60 y 70 perfectamente equilibrados con un toque contemporáneo. Funk, psicodelia y soul se ponen a disposición de una canción pop redonda, que cobra incluso más sentido ahora que los días se alargan y el sol nos baña que en el frío otoño en que se publicó.
El vídeo de ‘Watermelon Sugar’ llega después del drama acuático de ‘Falling’, de la preciosa historia de ‘Adore You’ introducida por Rosalía y del de ‘Lights Up’, en el que también había toqueteo a tope. Sigue, por tanto, la promoción de ‘Fine Line’, disco que se mantiene dentro del top 5 de los más vendidos en Reino Unido actualmente tras su lanzamiento el pasado mes octubre.