Este 13 de julio Mallrat será la primera invitada del ciclo Lovesick que celebramos en la Sala Pop Bar de Razzmatazz (Barcelona). La australiana de 20 años ha publicado 2 EP’s que debes conocer si te gustan artistas como Carly Rae Jepsen, Troye Sivan, Lorde, Robyn o incluso Billie Eilish, a la que suele versionar. JENESAISPOP invita a este concierto, que será dentro de RazzClubs, a partir de las 2.30 de la madrugada de este sábado, a los primeros en escribir a jenesaispop@gmail.com indicando nombre y apellidos y cuál es su canción favorita de Mallrat. En este artículo repasamos 5 de sus canciones más importantes por el momento.
Uninvited
Una de las canciones fundamentales de su primer EP, precisamente la que le daba título en 2016, es una de sus producciones más electro. La letra “quítame de la lista de la fiesta” no puede sonar por tanto más a Miss Kittin, pero en realidad lo que Mallrat nos está contando es que no quiere ir a la susodicha fiesta porque solo le interesa una persona de las que hay en ella. Puro sentir “teenager” complementado con un delirante vídeo que, entre sus imágenes de supermercado, y las rodadas en medio de un desierto, son puro meme.
Groceries
El mayor éxito de Mallrat de momento es esta canción incluida en su segundo EP ‘In the Sky’ (2018). Se trata de una dulce composición llena de vida y optimismo, como transmite su playero videoclip amateur. En la letra, la cantante habla sobre estar colada por alguien pero no querer estarlo a su vez y así poder disfrutar de su libertad. No obstante, no se cierra a nada en su estribillo: “I just wanna get groceries / I’ll pray you wanna get close to me / I’ll give it some, give it some, give it some time”.
UFO
Otro de sus principales éxitos en Australia es ‘UFO’. ‘Mallrat’ dice estar influida por Grimes, Skrillex, Sophie y Courtney Barnett, pero en su lista también está el joven rapero australiano Allday, que justo ahora publica su tercer disco. La artista cumplía el sueño de trabajar con él y a él corresponde el rap en la segunda parte de este envolvente tema en el que Mallrat habla de alienación, colocarse y traumas infantiles. El ovni del título no ha querido perderse el vídeo para esta letra que repite “los ovnis podrían llevarme a casa, echo de menos mi vieja habitación”.
Nobody’s Home
El último single editado por Mallrat hasta el momento es este ’Nobody’s Home’ que salía en enero y presentaba ya muchísimo más presupuesto en la grabación de su videoclip coreografiado. Una agridulce canción que ha producido Basenji sobre la soledad, en cuyo vídeo incluso los amigos parecen fantasmas, mientras ella nos canta desde la tristeza de su cuarto post-adolescente cuánto anhela estar con la persona que le gusta.
Tokyo Drift
Aunque Mallrat tiene canciones tan monas como ‘Better’, que recuerdan a aquella Lily Allen que compartía sus primeras composiciones en MySpace, quizá sea más indicativo cerrar este repaso con ‘Tokyo Drift’. Es un tema sobre una amistad que se acaba (“no hablamos mucho pero espero que estés bien (…) llevo 7 u 8 días queriendo enviarte un mensaje”) que ha usado en ocasiones para abrir sus conciertos y presenta un sonido ligeramente más sucio, embadurnado de una base trap. Es de los que más justifican esas comparaciones con Billie Eilish o Lorde.
Tras el éxito de su primera novela, ‘Trabajo, piso, pareja‘, Zahara publicará un nuevo libro llamado ‘Teoría de los cuerpos’ el próximo 10 de octubre. Será de manos de la editorial Aguilar, que pertenece a Penguin Random House Grupo Editorial. Estará incluido en la colección Verso&Cuento, como el libro de Gata Cattana del que os hablamos recientemente.
Oficialmente, «‘Teoría de los cuerpos’ supone el primer poemario de la artista, un análisis poético de las maneras de relacionarse que tienen los seres humanos. Cuerpos que se mueven, se repelen y se imantan con sus iguales por razones a veces difíciles de comprender». El libro cuenta con prólogo del poeta Ben Clark y estará compuesto por «poemas, textos de corte más narrativo, así como de los denominados semaforismos, definidos por la propia autora como “conclusiones a las que se llega mientras se espera en un semáforo en rojo”. A través de estos textos Zahara crea su propia interpretación de la teoría matemática de los cuerpos, aquella que estudia sus propiedades».
El libro constará de tres partes: «Clausuras de un cuerpo», «Correspondencias de los cuerpos» y «Extensión de un cuerpo». Dice la nota de prensa que estamos ante «un libro que destaca por su originalidad narrativa al tiempo que contiene todos los ingredientes a los que la autora tiene acostumbrados a sus seguidores y que son parte de su marca personal: su personalísimo humor, un toque de surrealismo, el exceso, el amor, el dolor, el deseo e incluso la náusea, mezclado todo ello en su justa medida. El resultado son textos como balas que remiten a las preocupaciones y maneras de entender la vida y las relaciones de las generaciones actuales». Más información sobre el libro, aquí. La cantante continúa con las presentaciones en vivo de ‘Astronauta’, que precisamente esta semana recuperaba posiciones en la lista de ventas española, pasando del puesto 91 al 79 en su 21ª semana en el top 100.
Tupac Shakur y Madonna fueron pareja en secreto a mediados de los 90 y la cantante ha llegado a contar alguna vez en Instagram que algún día publicará el tema que llegaron a grabar juntos.
Por el momento va a salir a subasta, valorada en 100.000 dólares, la carta que Tupac Shakur mandó a Madonna desde la cárcel en 1995, un año antes de morir asesinado, y que suena decepcionada y a despedida. La misiva intentó subastarse en 2017, pero Madonna lo impidió mediante una orden judicial en la que indicaba que su estatus de celebridad «no obviaba [su] derecho a mantener la privacidad, incluso con respecto a artículos altamente personales». Un juez de Nueva York no le ha dado la razón y la carta, que está en manos de Darlene Lutz, ex amiga de Madonna, saldrá a subasta la próxima semana de nuevo valorada en un mínimo de 100.000 dólares.
La carta puede leerse online y ahora al completo, a diferencia de lo que sucedía en 2017, en la web de Gotta Have Rock And Roll y no tiene desperdicio: Tupac Shakur se reconoce intimidado por el libertinaje sexual que rezuma Madonna («por favor comprende mi posición previa como hombre joven con una experiencia muy limitada con una sex symbol extremadamente famosa que conoce cada hombre, cada mujer, cada niño del mundo») y «profundamente dolido» por una declaración de Madonna en la que afirmaba «rehabilitar a raperos y jugadores de baloncesto». «No sabía que habías estado con otros raperos aparte de mí», indica herido.
Tupac Shakur se despide pidiendo a Madonna que le visite en la cárcel y agradeciéndole lo bien que le ha tratado en un mundo en el que todos somos juzgados por «nuestro color de piel o fama», y cuánto le ha apoyado incluso en sus «momentos de locura». El rapero le ofrece su amistad por los momentos que vivieron y se ofrece a hablarlo en persona «por si le pasara algo». «Por favor, ten cuidado, Madonna», escribe en letras gigantes, antes de recordar que ya ha recibido varios balazos. La carta al completo puede leerse aquí.
Taylor Swift, Dua Lipa, SZA y Becky G se unieron para ofrecer un concierto en Nueva York que desde hoy pueden verse en streaming bajo demanda y por tiempo limitado a través de Prime Video, si eres cliente de Amazon, a través de este link o en la APP correspondiente de tu Apple TV o similar. Cada artista interpretó 5 temas, excepto Taylor Swift que interpretó 9. Foto: Concierto de Prime Day presentado por Amazon Music.
La nota de prensa incluye «spoilers» e indica que Taylor Swift no prescindió de «I Knew You Were Trouble», «Love Story», «Shake it Off» o «Style», ni tampoco de sus nuevos singles «You Need to Calm Down», y «ME!». Por su parte, se revela que Dua Lipa comenzó con «Blow Your Mind (Mwah)», e interpretó temas colaborativos como «One Kiss» y «Electricity», terminando con «New Rules».
La nota de prensa indica también cuáles fueron los grandes éxitos interpretados por SZA y Becky G. La primera «abrió su actuación con «Supermodel» y luego interpretó éxitos como «Broken Clocks», «Normal Girl», «Love Galore» y tocó «Kiss Me» del grupo Sixpence None The Richer. Por su parte, Becky G interpretó «La Respuesta» y «Cuando Te Besé» antes de tocar en primicia mundial su nuevo y ardiente tema «Dollar«. Becky G cerró su actuación con sus canciones número 1 en España, «Mayores» y «Sin Pijama»». La duración total del show es de 2 horas y 39 minutos.
‘Porvenir’, el tercer disco de Le Parody, comienza contándonos que «manchas de guerra dejó la tarde en un cielo rubí». El tema llamado ‘Flores’ se inicia con unas voces dobladas que nos sitúan en algún punto intermedio entre Andalucía y el Norte de África, lo cual no es casual. De manera significativa, en un tema llamado ‘Alepo’, después escucharemos una referencia a una «valla» de Melilla.
Además de referencias a «guerras» y «vallas», lo que escuchamos en ‘Porvenir’ es el resultado de los más de 5 años de trabajo desarrollados desde que conocimos a Sole Parody. Los samples de voces que marcaron su debut ‘Cásala‘ están aquí presentes a través de esa niña que le pregunta a su padre qué es la llamada a la oración, y también vuelven a ser tan cinéticos como en su debut cuando provienen de un documental sobre las milicias kurdas formadas por mujeres. A su vez, las influencias orientales que aparecieron en ‘Hondo‘ encuentran mayor desarrollo, como sucede con las bases electrónicas, que la artista andaluza ha llevado más allá tras «haber bailado durante 20 horas seguidas» en alguna fiesta techno, como ha relatado en una amplia entrevista con Mondosonoro. Hasta a esos niños a los que dio clase en un taller recientemente les ha sacado partido poniéndoles a hacer coros en la pista llamada ‘La fuente’.
Todas estas influencias, que van en lo lírico desde Agustina González López a Lole y Manuel, pasando muy especialmente por Juan Hidalgo Montoya; a las raves de los 90 en lo musical; conforman un disco muy bien hilvanado en el que cada aportación misteriosamente tiene sentido. A nadie sorprenderá que ‘El junco’, un tema sobre resistencia en el que toda la letra se reduce a “si el tiempo es el agua brava de un río, yo soy el junco que aguanta, tú el que se da por vencío”, tenga como fondo una base que podría ser de Underworld. ¿No es la música electrónica lo que nos ha ayudado a mantenernos «en pie» en muchísimas ocasiones?
Lo que sí es curioso es que en ‘Plata fina’ la cumbre del tema no sea su «estribillo» «¿qué es lo que quiere decir que has perdío la ilusión? / qué hay de iluso en un querer tan atao al corazón?», sino esa segunda mitad que es una pequeña locura de beats y ritmos que se sitúan cerca en belleza e impacto de un Jon Hopkins. Y algo similar puede decirse de ‘La Puerta’, un corte en el que la misma frase repitiéndose como una oración se las apaña para producir cierta claustrofobia.
Son canciones normalmente de desencanto, que tratan temas como las «penillas del querer», pero con el fondo político en primer plano. Los refugiados o la decadencia de una Europa tomada por la ultraderecha («Ay, vieja Europa, sorda y seca, ¿quién te llorará?», se pregunta el tema final) son los temas principales, sin esconder su decepción del capitalismo. «Los poderosos del mundo son marionetas del miedo / gastan la vida en comprar dinero pa’ hacer dinero», se indica en la mencionada ‘La fuente’, el tema desasosegante en el que emergen las citadas voces infantiles. ¿Quizá a modo de esperanza o será todo lo contrario? Le Parody actúa en el fórum de Fnac Callao el jueves 11 de julio a las 19h.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘El junco’, ‘Plata fina’, ‘La puerta’ Te gustará si te gusta: Niño de Elche, Rosalía, Lole y Manuel, Panda Bear, Jon Hopkins Escúchalo:Spotify
Uno de los grandes reclamos de la edición 2019 de Mad Cool –que comenzaba anoche con los conciertos de Rosalía y Lykke Li, entre otros– es la presencia de Bon Iver, que actúa precisamente hoy, jueves 11 de julio. Y precisamente hoy es cuando el norteamericano Justin Vernon anuncia por fin los detalles de su nuevo álbum, continuación del celebrado ‘22, A Million‘ (2016). Se titula ‘i, i’ y se publica tan pronto como el 30 de agosto, dentro de 7 semanas.
Con el anuncio se revelan también portada y tracklist del álbum, además de dos nuevas canciones incluidas en el mismo, ‘Faith’ y ‘Jelmore’. Semanas atrás ya avanzaba otros dos temas, ‘Hey, Ma’ y ‘U (Man Like)’. En estas canciones, a diferencia de sus últimos trabajos, su voz aparece en muchos momentos limpia de efectos que, revela hoy, era producto de un «periodo de miedo y pánico». ‘i, i’ habla sobre «el balance entre individuo y comunidad, entre inspiración y creación». Vernon añade, “el título del disco puede significar lo que sea que significa para ti o para mí. Puede significar descifrar y reafirmar la identidad de uno. Puede ser cuán importante es uno mismo y a la vez qué poco importante, dado el cómo todos estamos conectados”. “Siento que es el disco más adulto, el más completo”, afirma Justin Vernon. “Es como cuando vas pasando a través de esta vida, cuando el sol comienza a ponerse, y lo que ocurre es que empiezas a ganar perspectiva. Y entonces puedes aplicar esa perspectiva hacia un trabajo más honesto y generoso”, concluye sobre este nuevo trabajo.
En él se han unido a su banda habitual (con Sean Carey, Rob Moose, etc.) colaboradores de excepción como James Blake, Aaron y Bryce Dessner (de The National), Bruce Hornsby, Brad y Phil Cook (de Megafaun), Francis Starlite, Moses Sumney y muchos otros. El disco comenzó a grabarse en su conocido estudio-cabaña en Eaux Claire, Wisconsin, para después trasladarse ya con su productor de confianza BJ Burton (al que recientemente hemos encontrado en trabajos de Miley Cyrus o BANKS) a Sonic Ranch, Texas. Allí grabaron durante 6 intensas semanas en las que Vernon prácticamente no salió del estudio. “En muchos aspectos la historia del álbum es más la historia de aquellas seis semanas que la de los casi seis años que tienen algunas de las canciones”, cuenta.
Tracklist de ‘i,i’:
Yi
iMi
We
Holyfields,
Hey, Ma
U (Man Like)
Naeem
Jelmore
Faith
Marion
Salem
Sh’Diah
RABi
Hace cosa de dos años los periodistas Víctor F. Clares (‘La Hora Musa‘, aunque nos revela que él no estará en la 2ª temporada) y Tania Lozano, en una noche en la que abusaron del agua con misterio, tuvieron la idea formar un grupo. Así nació Ladilla Rusa, uno de los dúos más divertidos y desvergonzados del panorama nacional. Incluso, meses antes de lanzar su álbum de debut, ‘Estado del malestar’, ya se los rifaban las salas y los festivales de nuestra geografía. Y su agenda, desde entonces, apenas tiene un hueco libre. Quedamos con ellos en el barcelonés barrio de Gràcia en la tienda de su sello, El Genio Equivocado. Nada más entrar, casualidades de la vida, un hombre trajeado de la cabeza a los pies está comprando una camiseta suya. Sí, aunque no lo quisieran, se han convertido en todo un fenómeno. Este viernes, 12 de julio, Ladilla Rusa actúan en Palma de Mallorca (Bar Flexas); y el sábado, día 13, en la Festa Orgull de Sta. Coloma de Gramanet. El 1 de agosto estarán en Arenal Sound.
¿Qué está pasando? Hasta vienen hombres en traje a comprar vuestro merchandising.
Tania: Ya, estamos alucinadas.
Víctor: Eso es lo que nos preguntamos porque están pasando cosas inexplicables. Por ejemplo, hace nada Isabel Coixet nos ha escrito diciendo que el último videoclip le parece una masterpiece. Nunca nos hubiéramos esperado que gente tan diferente nos apoyase.
¿Qué es lo que más os ha sorprendido hasta ahora?
T: Que Jon Kortajarena nos escuche. Me lo dijeron el otro día. Es muy fuerte.
V: Más que gente conocida, lo que me llama la atención es que haya hasta grupos de padres que vienen a vernos cuando dejan a sus hijos en casa.
¿Qué tiene Ladilla Rusa para encandilar a un público tan heterogéneo?
V: Creo que hay varias cosas. Una de ellas es que la manera que tenemos de escribir las canciones responde a cosas muy internas, a un humor muy de amigos.
T: Hablamos de cosas muy cotidianas. Hay mucho costumbrismo. Y en la música, aunque hacemos electropop, tocamos muchos palos diferentes. El otro día nos dijeron que hacemos música muy eurovisiva.
[Sobre la idea de ir a Eurovisión] «Yo por la aventura iría. Aunque (…) me daría mucha vergüenza verme cantar ahí»
¿Iríais a Eurovisión?
T: Sí, por supuesto.
V: Yo por la aventura iría, sin duda. Aunque también te digo que hace unas semanas mientras estaba viendo la gala final me di cuenta de que me daría mucha vergüenza verme cantar ahí.
Sois amigos de toda la vida, ¿cierto?
T: Nos conocemos desde los 12 años cuando íbamos al instituto.
¿Estudiasteis también juntos Periodismo?
V: Coincidimos un año porque después me cambié de universidad.
T: Empezamos a hacer radio en Ràdio Santa Perpètua. Hemos estado toda la vida juntos.
¿Nunca ha habido un rifirrafe entre vosotros?
T: Hemos vivido tantas situaciones unidos que nos conocemos de sobra. No nos hemos enfadado de verdad ni una sola vez.
V: Cuando te entiendes con una persona, es lo que hay.
¿Desde un principio estaba claro que esto tenía que ser una cosa entre Tania y Víctor?
V: Sí.
T: No, recuerda que con Xavi íbamos a hacer un trío… Al final él se quedó ahí y decidimos tirar adelante el proyecto los dos. De hecho, tenemos un grupo con él llamado Señoras Mal, que es como nos queríamos llamar entonces.
V: Y no viene de Las Bistecs, porque estaba pensado de mucho antes. Estas casualidades con otros grupos nos han pasado muchas veces.
«¡Nos llamaban para bolos apenas teniendo dos temas! No teníamos ni idea de cómo iba la industria musical»
¿En qué momento dais el paso de ser periodistas a formar el grupo? No sé muy bien qué pretensiones había al inicio.
V: Siempre hemos sido muy creativos. Allá donde íbamos de fiesta nos montábamos nuestras coreografías en calzoncillos y bragas creyéndonos bailarines de danza contemporánea. También nos inventábamos canciones para nuestros amigos. No obstante, un día de borrachera, tal cual, decidimos anunciar que íbamos a montar un grupo y tras ello nos pusimos con el tema. No podíamos echarnos atrás.
T: Ese fue el momento en el que buscamos a un productor y dimos con Ignacio Miranda, de Ultraplayback.
V: Empezamos a trabajar en ‘Bebo (de bar en peor)’ y ‘Macaulay Culkin’. Al principio pensábamos que íbamos a tocar en algún bar a las 4 de la mañana, pero enseguida empezaron a llamarnos y ahí es cuando nos pusimos a trabajar en otras canciones.
T: ¡Nos llamaban para bolos apenas teniendo dos temas! No teníamos ni idea de cómo iba la industria musical.
¿Qué es lo que precisamente os ha sorprendido más de esta industria? Para bien y para mal, obvio.
V: No podemos tener una visión muy crítica porque nos ha ido muy bien desde el principio. Aunque sí es cierto que te das cuenta de cosas como esos intermediarios que aparecen y no entiendes porque se tienen que llevar una comisión si el concierto lo estamos haciendo nosotros. Hay estas cosas rarunas. El artista es el más puteado cuando en realidad es el que más se lo curra. Esos aprovechados son los que más me llaman la atención.
T: Lo que yo he descubierto es que la vida de artista es mucho más dura de lo que pensaba. Viajas mucho, comes poco y mal, aunque tengas un mal día tienes que salir al escenario como si no te pasara nada y, aparte, ese cansancio acumulado no puede notarse porque siempre tienes que estar arriba. Ha habido lunes en los que hasta me he puesto mala por toda la energía gastada el fin de semana. Aunque también te digo que estoy encantada de la vida con todo lo que nos está pasando.
V: Nos reventamos la vida.
T: Sí, después de un bolo nos gusta quedarnos para tomar algo y nos envalentonamos rápido.
V: De todos modos, en estos meses hemos aprendido a ser más responsables y profesionales.
«Esto no es un grupo de broma porque todo está muy bien pensado»
¿Os molestó que al arrancar el proyecto muchos lo categorizaran de broma?
V: En absoluto. Eso sí, aunque nos valgamos del humor, esto no es un grupo de broma porque todo está muy bien pensado. Desde el principio, sobre todo, queríamos que las canciones sonaran muy bien. En el último tema, ‘KITT y los coches del pasado’, eso se puede apreciar más claramente aún.
¿En realidad qué expectativas teníais con Ladilla Rusa?
T: Yo me veía en Barcelona actuando en plan underground total. Lo que ha pasado ha sido de locos: nos hemos recorrido las salas más míticas de España y hemos podido actuar en un montón de festivales.
V: Lo que más me llamó la atención fue que desde el principio nos llamaran para actuar en sitios como el Apolo o Razzmatazz, lugares que siempre hemos frecuentado. No tenemos pretensiones. Somos más del «que venga lo que tenga que venir», por lo que todo nos sorprende porque viene de nuevas. Cuando nos llamó el primer festival fue un punto de inflexión para nosotros porque nos dimos cuenta de que teníamos que empezar a pensar más a lo grande.
¿Cómo veis el grupo en cinco o diez años?
T: Me gustaría seguir teniéndolo. Tampoco quiero dejar el periodismo, pero no me veo encerrada en una oficina ocho horas al día como cuando estaba en una agencia de comunicación. Aunque nunca se sabe…
V: Seguiremos, pero imagino que con un ritmo diferente. Me gustaría dedicarle más tiempo a cada canción.
«Vivimos de la música porque no estamos trabajando en otra cosa»
¿Vivir de la música es viable?
T: Lo estamos haciendo ahora.
V: En estos momentos sí porque no estamos trabajando en otra cosa.
¿Qué ha ocurrido? En tu caso, Víctor, pensaba que ibas a participar en la segunda temporada de ‘La Hora Musa’.
V: He tenido un lío de productoras y ni yo ni otra gente estaremos en la próxima temporada. El programa seguirá, pero no puedo darte muchos más detalles porque por el cambio de productora, y sin saber muy bien qué ha pasado, no estaré esta vez.
Teniendo en cuenta cómo está el mundo del periodismo, al menos, tener Ladilla Rusa de plan B para vosotros es un alivio.
V: Con el paso de los años me he desencantado de la profesión. Las rutinas de trabajo muchas veces son putas y precarias. Te acabas quemando.
¿Qué os gustaría hacer a nivel periodístico?
T: El otro día estuvimos en el programa ‘Toni Rovira y Tú’ y es tan bizarro que me gustaría presentar algo así de punki. Me encantaría hacerlo con Víctor porque sería muy guay.
V: En mi caso volver a la radio, porque siempre me ha gustado mucho más como medio. También dirigir un programa, tomar decisiones, algo que a lo grande nunca he podido hacer.
¿Os ha tratado bien la prensa musical?
T: Bastante bien. Pensaba que íbamos a ser mucho más criticados.
¿Habéis tenido que superar muchos miedos?
T: Principalmente tenía miedo a subirme al escenario porque nunca lo había hecho. Además, él sabe cantar mejor que yo. Me ahogaba y nadie me había enseñado a cómo hacer las cosas. No dar la talla en los conciertos es lo que más me preocupaba, pero al final acabas aprendiendo.
V: Yo más que miedo tenía vergüenza de todo. Como conocemos a tantos músicos me daba vergüenza que ellos me vieran haciendo esto. No obstante, con el tiempo nos la hemos ido quitando porque, a pesar de no tener grandes conocimientos musicales, las canciones las componemos los dos y tomamos todas las decisiones. Muchas veces hacemos la coña de que somos cantautoras.
Musicalmente, ¿qué ambición tenéis?
V: Me gustaría aprender a tocar algún instrumento para llevar un show diferente.
T: Una de mis metas es aprender a tocar la guitarra porque sé cuatro acordes y poco más. En algún tema concreto sí me gustaría tocarla.
V: Incluso, más allá de lo musical, podríamos hacer algo diferente juntos.
T: Yo siempre le digo que deberíamos escribir un guión y grabar un corto. El vídeo de ‘KITT y los coches del pasado’ no deja de ser una historia.
[Sobre las comparaciones con Las Bistecs] «Somos más callejeras, más de barrio»
¿Creéis que os ha beneficiado de alguna manera que Las Bistecs ya no estén en activo?
T: Yo creo que sí.
V: Es como cuando un festival busca a un grupo de un estilo determinado y ahora, al no estar ellas, nos llaman a nosotros. Podría decirse que tenemos más posibilidades.
T: Flipé cuando al principio de todo nos mencionaban junto a Las Bistecs u Ojete Calor porque era algo impensable para nosotros.
V: Ellas nos encantaban, pero sí es verdad que nuestro estilo es un poco diferente porque somos un poco más… no sé.
T: Somos más callejeras, más de barrio. Ellas nunca hicieron una tecno-rumba.
¿Falta más sentido del humor en la música?
T: En la música y en todas partes.
V: Humor como sinónimo de picardía y algo de mala leche. No suelo escuchar artistas que siempre te cuentan la misma historia y recurren a paisajes comunes.
¿Qué estáis escuchando ahora?
V: Precisamente, hablando de humor, te diría La Estrella de David, ya que juega con ello y encima compone canciones preciosas. Fernando Alfaro o Lorena Álvarez también, aunque en realidad lo que más escucho es flamenco.
T: Escucho también de todo, aunque llevo dos semanas enganchada al nuevo disco de Aaron Rux.
[Sobre su primer festival] «Cuando me vi en el cartel junto a Liam Gallagher me acojoné»
¿En qué momento os disteis cuenta de que esto iba en serio?
T: Cuando nos llamaron los del Sonorama para actuar cuando ni siquiera teníamos un disco. Cuando me vi en el cartel junto a Liam Gallagher me acojoné.
V: Creo que al inicio hicimos las cosas muy rápidas. Hay temas del disco que los hubiéramos grabado de otra forma. En dos años hemos cambiado bastante.
¿Qué consejo os hubiera gustado que os dieran cuando arrancasteis Ladilla Rusa hace dos años?
V: Ir más lento y no regirnos por el ritmo de la industria. Tienes que hacer lo que te dé la gana.
¿De algún modo os veis obligados a sacar un segundo LP?
T: Vamos a decantarnos por sacar singles porque queremos dedicarle más tiempo a cada tema. Lo mismo que ahora hemos hecho con ‘KITT y los coches del pasado’.
V: No decimos no a un segundo disco, pero ahora mismo no está en nuestros planes.
T: Vamos a sacar temas sueltos y cuando tengamos unos cuantos a lo mejor nos animamos con el disco.
V: Siempre digo que podríamos seguir el modelo de ‘Macaulay Culkin’ y hacer canciones sobre Anthony Hopkins o Sigourney Weaver.
Intuyo que de lo que más orgullosos estáis es de ‘KITT y los coches del pasado’.
T: Sin duda.
V: De ‘Macaulay Culkin’ también porque nació muy natural, pero ‘KITT y los coches del pasado’ está mucho más trabajada y es algo que creo que se puede apreciar.
Con la tontería el videoclip lleva casi un millón de reproducciones…
T: En apenas dos meses ha conseguido las visitas que ‘Macaulay Culkin’ tuvo en cosa de año y medio. Estamos muy contentos de la buena acogida que ha tenido.
¿El vídeo lo habéis autofinanciado?
V: Lo hemos grabado con la subvención que nos dieron por participar en el Girando por Salas. Con ese dinero hemos grabado la canción y el vídeo.
¿Cómo ha ido el GPS?
T: En principio teníamos que hacer seis conciertos, pero nos dijeron que fuimos uno de los grupos más demandados y al final hicimos siete.
V: El balance ha sido muy positivo. Nos ha permitido actuar y tantear otras ciudades a las que de otra manera quizás no hubiéramos ido.
«Somos muy normales y muy poco mitómanos. Nos la pela el postureo»
¿Qué va a ser lo próximo?
V: Queremos hacer una canción completamente diferente, una cosa más discotequera. Será ya de cara a otoño porque estamos a tope.
¿Qué esperáis de este año?
T: Que se me vaya el mal de ojo. Musicalmente nos va muy bien, pero a nivel personal nos están pasando muchas desgracias; traiciones que parecen de ‘Juegos de Tronos’. Te das cuenta de que en el mundo de la noche mucha gente se te acerca por el interés.
V: Es que somos muy normales y muy poco mitómanos. Nos la pela el postureo.
T: Hay gente que únicamente quiere la foto en el camerino. Borracha no quiero que me tomen fotos.
V: En el futuro me gustaría compaginar el periodismo con el grupo sin morir en el intento.
‘Boy from School’, ‘Ready for the Floor’, ‘I Feel Better’, ‘Need You Now’… la carrera de Hot Chip está llena de «segundos singles» que son igual de buenos que los primeros. De hecho algunos de ellos -especialmente ‘Ready for the Floor’ y ‘I Feel Better’- eran claramente mejor que los primeros. Y la historia se repite con su último álbum, el notable ‘A Bath Full of Ecstasy’ que presentan hoy jueves este sábado en Bilbao BBK Live y en otoño en Madrid y Barcelona. ‘Melody of Love’ es una canción capaz de llevarte mucho más lejos incluso que ‘Hungry Child’.
El grupo nos contaba durante una entrevista que con este álbum habían querido acercarse al pop -quizá tras el más árido disco anterior- y ponían ‘Melody of Love’ como ejemplo. «Intentamos concentrarnos en algo como ‘Melody of Love’, que tiene mucho poder, es todo lo directos que podemos ser, sin ser tan descarado como ‘Ready for the Floor’», indicaba en concreto Joe Goddard.
Se trata de una celestial producción en la que la voz de Alexis Taylor, la melodía y los arreglos se concentran en tratar de hacerte levantar los pies del suelo, haciendo un claro paralelismo entre éxtasis, espiritualidad y esos momentos en que sientes que estás enamorado: “cuando estaba a tu lado, no escuchaba cosas malas” porque lo único que “resonaba” era la “melodía del amor” a la que alude el estribillo. Interludio y crescendo contribuyen a esa sensación generalizada, así como ese góspel sampleado de The Mighty Clouds of Joy que recuerda a los samples de Moby para ‘Play’.
Hot Chip, acompañados de Alaskalaska, actuarán el jueves 28 de noviembre en La Riviera de Madrid y el viernes 29 de noviembre en Razzmatazz, Barcelona. Las entradas salen a la venta mañana viernes 12 de julio.
Mad Cool ha celebrado su jornada de bienvenida sin los incidentes organizativos de ediciones anteriores (la mayor queja pareció la negativa de cambiar o lavar los vasos de plástico por parte de los camareros), convocando a 39.721 personas gracias en gran parte al incentivo de contar en el cartel con Rosalía. Ninguna tontería, pues se trataba del primer show de la cantante en Madrid desde que publicara ‘El mal querer’. Lo presentó en Colón en un concierto gratuito un par de días antes de que se editara el disco, sí, pero después no había vuelto a actuar en la ciudad. Fotos: Andrés Iglesias.
Las cosas han cambiado mucho desde entonces, pues ahora Rosalía cuenta con más números 1 en las listas y más colaboraciones internacionales: ahora la voz de James Blake va enlatada en su set cuando interpreta ‘Barefoot in the Park’, y ‘Malamente’ ya no es su mayor hit, pero el show no ha tenido ocasión ni necesidad ninguna de cambiar tanto. Lo que vemos es un set en el que todo el peso musical cae en los pregrabados y las percusiones de El Guincho, sin más instrumentos en vivo, pero con coristas y palmeros, y sobre todo con un cuerpo de baile muy inspirado en las coreografías de la admirada Beyoncé. Quizá demasiado.
Todo esto provoca algún momento puntual de decepción. Cuando en la inicial ‘Pienso en tu mirá’ una base se atasca y suena corrupta, predomina el caos durante esa estrofa. Las bailarinas, aunque disciplinadas y entregadas, tampoco añaden tanta personalidad. En realidad, cuando mejor es el directo de Rosalía es cuando depende de ella misma: cuando se merienda el (más o menos) a capella de ‘Catalina’ o ‘Milionària’; cuando se tira al público en la celebradísima ‘Aute cuture’, un hit mayor de lo que muestran las listas de éxitos (“madre mía, Rosalía, bájale”) o cuando se fusiona con fondos rojos y rosas en ‘De aquí no sales’ o ‘Maldición’. Mención especial para la actuación de todo el conjunto en ‘Que no salga la luna’. Que se quite ‘Con altura’ o la breve versión de ‘Brillo’ y Las Grecas, la canción de «boda» fue uno de los grandes trabajos de equipo, sobre todo en cuanto a palmeros y coristas.
A continuación y por contraste en un escenario perpendicular, Lykke Li se benefició de contar con una banda real que diera cuerpo a las canciones de su repertorio. Se notó tan pronto como en la segunda canción, en la fuerza de la batería al final de ‘No Rest for the Wicked’. Curiosamente, la cantante sueca optó también por un repertorio in crescendo que fue pasando de temas más sinuosos e intrigantes a la traca final. ‘Little Bit’, ‘deep end’, su favorito ‘bad woman’, ‘sex money feelings die’ y ‘I Follow Rivers’ (en una versión distinta, pero no la de la remezcla, ¡gracias!) sonaron todas en la segunda mitad. La noticia, quizá, lo bien que quedan en directo sus temas con ligeras bases trap, en principio no demasiado santo de mi devoción en su caso particular.
Cuando todavía era de día y pegaba el sol de lo lindo a las siete en punto de la tarde, Metronomy presentaban bastantes canciones del disco que publican en septiembre. Varios miembros de la banda tuvieron la simpatía de presentarse durante el instrumental de la primera canción, aunque fueron por supuesto clásicos como ‘The Bay’ y ‘Everything Goes My Way’ en el primer cuarto de hora de show; y ‘The Look’ en el último los que levantaron por completo al público. Hay que destacar no obstante la buenísima aceptación de su reciente single ‘Lately’, que se va creciendo desde que suena amparado casi solo en la guitarra eléctrica hasta que la baterista se vuelve loca aporreando su instrumento; la calidad y buen ritmo de ‘Salted Caramel Ice Cream‘ o el gracejo del guiño grunge de ‘Insecurity’. Así entendí por qué Joseph Mount en una entrevista que nos había concedido horas antes se había puesto a hablar de Nirvana.
La versatilidad definitiva en el cartel la habían puesto por la tarde The Cat Empire y la remataron por la noche Bring Me the Horizon. Los primeros alternaron dos cantantes, el uno un galán salido como de los Premios César, el otro como de la carroza de osos del Orgullo en la que se quería meter Antonio Ferreras; pero ambos contribuyendo a una amalgama deliberadamente pachanguera de ritmos eurovisivos, reggae, son, scratches, trompetas híperaceleradas y mil cosas más, mientras las primeras filas lo daban todo en un pogo perpetuo no matter what. Todo valía también para Bring Me the Horizon, a medio camino entre Muse, Rage Against the Machine, Marilyn Manson, My Chemical Romance y Alfred García. Porque aquí cupieron proyecciones de terror, coloridas, guitarras metaleras, cañonazos y chorros de fuego desde fuentes diferentes, baladas, algún ritmo urbano y hasta una mención a Rosalía. Su cantante, tatuado hasta las cejas casi literalmente, Oliver Sykes, se mostró agradecido de que la gente se hubiera quedado a verlos después de «Rosalía». «This is fucking incredible», indicó antes de presentar ‘Drown’ y terminar con la épica ‘Throne’.
Mientras todo esto ocurría en el lejano Valdebebas, un millar de personas, totalmente ajeno a la música en vivo, lo daba todo en la carpa Vibra Mahou, un espacio de coches de choque pero con los coches de choque cubiertos e inhabilitados, donde sonaban hits de música dance de gente como C+C Music Factory o la banda sonora de ‘Los Cazafantasmas’. Todo un divertimento de refugio, a lo South Beach en el FIB, que se echa de menos en muchos festivales sesudos de más, tan mirado por encima del hombro como con envidia cochina. Tremendo fiestón había ahí liado…
Aunque ‘La respuesta‘, su tema con Maluma, ha funcionado bien, parece que esta vez se le está resistiendo a Becky G la carrera por la canción del verano que ganó en años anteriores con ‘Señores’ y ‘Sin pijama’. Las cifras de streaming de ese reciente single quedan muy lejos de aquellas dos otras canciones, pero no pasa nada, ella tiene más bazas con las que probar. Hoy mismo ha estrenado ‘Dollar’, un nuevo single al más puro estilo disfrutón en el que se acompaña de uno de los MCs más de moda del panorama latinoamericano, Myke Towers.
‘Dollar’ arranca lanzando su gancho, bien guasón: «Si tuviera un dólar cada vez que tú me dices que me amas / ‘taría tomando té con la Reina Isabel / No pago mis rentas con palabras, no valen nada», dice socarrónamente antes de comenzar una reposada y sensual base más hip hop que reggaetón producida por Mambo Kings y DJ Luian, entre otros (hasta 12 autores figuran registrados en sus créditos, nada menos). Towers, por su parte, se pone del lado de Becky a la hora de enfrentarse al «picaflor» al que va dedicada la letra. Horas después de estrenar su audio, Rebbeca Marie Gomez subía el vídeo oficial pare el tema, colorido, lleno de billetes de dolar (obvio) y un cameraman con serios problemas para mantener un plano fijo.
Sin noticias de un hipotético álbum debut –a la vista está que no lo necesita para mantenerse en boca de todos–, Becky G está precisamente estos días de gira por España, que comenzó días atrás en Share Festival 2019, junto a C. Tangana, con el que subió al escenario para interpretar ‘Booty’. Sus próximas fechas en nuestro país son el 13 de julio en Reggaeton Beach Festival, Benidorm; el 18 y 19 de julio en Canarias Baila Festival; y el 20 de julio de nuevo en Reggaeton Beach Festival, esta vez en Mallorca.
Lo que parecía la típica noticia de un rapero famoso que se mete en un follón «just because», está adquiriendo tintes mucho más serios. La detención de A$AP Rocky en Estocolmo la pasada semana ha dejado de ser una anécdota para convertirse en un problema muy serio. El artista neoyorquino fue detenido el pasado día 3 por una supuesta agresión en la calle a varias personas. Él adujo que les seguían con intenciones poco limpias, y que el ataque –en el que participaron otros miembros de su séquito– era en defensa propia. Rocky aportó varios vídeos para apoyar su teoría pero, tras presentarse en comisaría voluntariamente, fue detenido y permanece confinado allí desde entonces. Fuentes locales explicaron al New York Times que podía ser retenido hasta dos semanas más –eso sería, con el calendario en la mano, hasta el 19 de julio–, en tanto se desarrollaba la investigación sobre la denuncia que los supuestos agredidos pusieron.
Pitchfork está siguiendo de cerca el caso y pudo hablar con el abogado que el rapero ha buscado en Suecia. Este les explicó que solicitó la libertad provisional para Rakim Mayers apelando al Tribunal Supremo sueco, pero le fue denegada, obligando a suspender varias actuaciones de A$AP Rocky previstas en Polonia y Reino Unido. Ante la aparente irreversibilidad de la situación, hoy su management ha emitido un comunicado explicando que definitivamente se cancelan todas las fechas previstas para este mes de julio en Europa, lo que incluye su esperada presencia en Sónar Festival de Barcelona, prevista para el viernes 19 de julio. El festival de música electrónica y tecnología ha emitido a su vez un comunicado informando de los hechos y asegurando que están buscando «un artista de reemplazo, que será anunciado lo antes posible».
Por otra parte, el equipo de A$AP Rocky ha informado a medios estadounidenses que la policía sueca impidió que representantes de la Embajada de EEUU vieran al reo, lo cual consideran que incumple los procedimientos habituales y supone un mensocabo de los derechos humanos de Mayers. Además, su amigo A$AP Ferg ha afirmado en Instagram que Rakim está confinado en condiciones totalmente atípicas, «encerrado en soledad y sin que se le permita tener visitas ni llamadas».
A estas alturas, ya no es una sorpresa que el cartel del Bilbao BBK Live 2019 esté no ya entre los más impresionantes y atractivos de la temporada en España sino también en toda Europa. La clave, de nuevo, es una muy equilibrada medida entre clásicos del pop, el rock y la electrónica de las últimas 3 décadas –apuesta segura y motor del festival–, nuevos héroes –esos nombres que en el último par de años han impuesto su valía, atrayendo a un público más joven– y promesas –esas que garantizan que la experiencia festivalera incluya también el factor sorpresa y la visión de futuro–. Eso, además, sumándolo a una sólida propuesta de nombres como Thom Yorke Tomorrow’s Modern Boxes, Hot Chip, Nathy Peluso, Modeselektor, Omar Souleyman, John Grant, Delaporte, Kero Kero Bonito, Perro…– que se devanean entre esas categorías y enriquecen la oferta. A continuación destacamos las bandas de cada una de esas categorías que muestran el gran atractivo de este festival que tendrá lugar en el recinto de Kobetamendi desde este jueves, 11 de julio, y hasta el sábado, día 13.
Clásicos
Damon Albarn
Damon Albarn es un clásico infalible en festivales de todo el mundo –y por supuesto españoles– ya sea con Blur, Gorillaz, en solitario o, de manera algo inesperada, con The Good, The Bad and The Queen. El supergrupo que completan Simon Tong, Tony Allen y Paul Simonon regresaba el pasado año, 11 después de un debut que fue forjando en torno a sí una pequeña leyenda. Y no volvían porque sí: el polémico Brexit instigaba las canciones de ‘Merrie Land‘, un disco notable y de mucha enjundia lírica, que presentarán por primera vez en nuestro país este sábado, 13 de julio, en el escenario Bestean.
Liam Gallagher
Y si queda algún nostálgico de la vieja guerra Blur/Oasis en la sala, que no se preocupe, que hay gasolina: Liam Gallagher en solitario es el nombre en letras grandes que ocupa la jornada del jueves 11 de julio (Escenario Nagusia). Será la primera ocasión en la que le veamos presentar, muy probablemente, los singles ‘Shockwave‘ y ‘The River‘, con los que está dando a conocer su segundo álbum en solitario. Pero no nos engañemos, porque aunque su debut solo tenía temas muy decentes, todos sabemos (él incluido) que lo que se celebrará de verdad serán los hits de Oasis en su propia voz.
Laurent Garnier
¿Es capaz el francés de pinchar «siete horas la misma pista», como decían Las Bistecs en ‘Problemas’? La ironía del desaparecido dúo cómico-pop tuvo mucha gracia, pero lo cierto es que Garnier es una leyenda de la electrónica por méritos contrastados. Y su nombre es garantía de calidad y baile en cualquier escenario que se precie de ofrecer una selección de dance, electrónica y experimentación que se precie. Como Basoa, la propuesta en este sentido de Bilbao BBK Live, desarrollada en un singular escenario en medio del bosque. Pese a contar con artistas como Todd Terje, Honey Dijon o John Talabot, sin duda el productor galo es la gran estrella de un escenario que le recibirá como agua de mayo a las 4:00h AM del viernes (o sábado, según se mire).
The Strokes
Los autores del que para JENESAISPOP fue el disco más importante de la pasada década son, no cabe duda, un fantástico reclamo en cualquier macroevento musical. Y da igual que ‘Comedown Machine’ y ‘Angles’ no estuvieran del todo a la altura de sus tres primeros discos. O que ‘Future Present Past’ fuera abiertamente decepcionante. Los neoyorquinos tienen repertorio de sobra para poner patas arriba cualquier multitud, especialmente si Julian Casablancas está por la labor y sus compañeros no entran en modo «piloto automático» cuando se presenten el viernes en el escenario Nagusia, ya entrada la madrugada. Además, vienen en el pack The Voidz, proyecto de Julian que, tras el notable ‘Virtue‘, apetece ver.
Suede
Aunque ‘The Blue Hour‘ no ha logrado poner de acuerdo a todo el mundo, es innegable que el grupo liderado por Brett Anderson tampoco es de esos que solo viven del pasado. En los trabajos publicados tras su resurrección de esta década reúnen muchas buenas canciones que engrosan un cancionero ya de por sí descomunal. Y, por supuesto, lo que nunca se les ha negado y de hecho propicia que su actuación sea una de las más esperadas del viernes 12 en Bestean es el derroche de clase, potencia y carisma que despliegan los británicos en directo.
Weezer
Los primeros confirmados de esta edición del Bilbao BBK son también de esos clásicos festivaleros que arrastran masas por sí solos, gracias, de nuevo, a su extensa colección de pelotazos. Pero es que además los de Rivers Cuomo aún son capaces de marcarse discos tan sandungueros como ‘Black Album‘, que pese a su pátina «modernuqui» contenía verdaderos temazos. No nos extrañará nada escuchar ‘Living in L.A.’, ‘I’m Just Being Honest’ o ‘Zombie Bastards’ en su setlist de este sábado en Nagusia.
Nuevos héroes
The Blaze
El dúo francés de primos nació como un proyecto para poner banda sonora a las filmaciones de uno de ellos. Por eso sus clips son auténticas maravillas en las que música e imágenes consiguen una comunión sublime son unos de sus fuertes. Pero también lo es el directo, donde el potencial de himnos house como ‘Heaven’, ‘She’ y ‘Queens’ –contenidos en su debut ‘Dancehall‘– crecen al interactuar con el público. Las 3:00h AM del viernes en Bestean se antoja como el instante perfecto para que regalen uno de los momentos culminantes de esta edición.
Idles
Baste ver el emotivo momento en el que Joe Talbot rompía a llorar hace unos días mientras Idles interpretaban en Glastonbury su hit ‘Danny Nedelko’, abrumado al ver la reacción de tan descomunal masa de gente cantando su canción, para entender en lo que se ha convertido este grupo de Bristol. Tras un buen álbum debut, el año pasado saltaban la banca con el gran ‘Joy as an Act of Resistance‘, que ha multiplicado el nivel de su punk rock combativo con letras antipatriarcado y antiBrexit.
Princess Nokia
A Destiny Frasqueri le bastó con una fantástica terna de singles como ‘Tomboy’, ‘Brujas’ y ‘Kitana’ para revelarse como una de las raperas alternativas más interesantes y poderosas del panorama. Pero, pese al notable ‘1992‘, ella no se conformaba con un solo papel: así, la mixtape ‘A Girl Cried Red‘ revelaba su lado más emo, y la reciente reedición de su hasta hace poco inencontrable debut ‘Metallic Butterfly’ revelaba un lado más inclasificable y experimental. Lo mejor es que esa amalgama tiene perfecto en sus directos, en los que derrocha energía y conexión con el público.
Rosalía
No vamos a esconder que la idea de esta subcategoría del cartel prácticamente ha venido dada por la artista barcelonesa. Aunque no sea uno de los cabeza de cartel como tal, es innegable que uno de los grandes reclamos de esta edición del festival bilbaíno es Rosalía Vila, que se subió a lo más alto del pop internacional con ‘Malamente’ y ‘El mal querer’ y este año ha decidido quedarse a vivir ahí con singles como ‘Con altura‘, ‘Aute Cuture‘ y el candente ‘Millonària’. No le digas «bájale», porque parece que no tiene la más mínima intención.
Vetusta Morla
Algo parecido a lo de Rosalía es lo de Vetusta Morla: ¿de verdad puede un festival permitirse contratar a un grupo capaz de meter por sí solo a 40.000 personas en un recinto y que no sea cabeza de cartel? Pues así es, pero es evidente que, como en el caso de la catalana, no cabe duda que muchos de los que acudan a Kobetamendi este jueves tendrán toda la intención de ver el siempre espectacular directo a los autores de ‘Mismo sitio, distinto lugar‘.
Vince Staples
Hace tiempo que el el hip hop cumple en el mercado americano el papel que en décadas pretéritas cubría el pop, y como estrellas del ídem son idolatrados muchos de sus intérpretes. Por supuesto, Bilbao BBK Live lo sabe y en esta ocasión ha optado por traer dos de los nombres más interesantes de este estilo (aunque en realidad ellos mismos han contribuido a difuminar sus límites) en la actualidad. Por un lado Vince Staples, un rapero de Long Beach que ha demostrado de sobra su imaginación y eclecticismo en discos capitales del rap de esta década como ‘Summertime ’06‘ o ‘Big Fish Theory‘. Por otro, la boyband (así les gusta a ellos mismos denominarse) Brockhampton, un joven, nutrido y prolífico colectivo que pide paso a los tótems del género.
Promesas
Biig Piig
Resulta llamativo pero también importante que uno de los mayores valores del hip hop británico, la irlandesa Jess Smith, cante es sus canciones en español con llamativa soltura. Su bilingüismo es uno de los factores que dan una especial dimensión a las canciones de Biig Piig –alias de esta joven que pasó toda su adolescencia en nuestro país– y que explican que temas como ‘Perdida’, ‘Vete’, ‘Crush’n’ o ‘Flirt’ sean capaces de atraer tanto a británicos y franceses como a hispanohablantes. Eso, claro, y la elegancia de las bases rap-soul-jazz que sirven Marc Wetha o Kxrn.
Boy Azooga
Aunque este cuarteto de Cardiff es ya bastante conocido entre el público británico más joven tras la publicación de su debut ‘1, 2, Kung Fu!‘ y gracias a pelotazos de pop rock con toques de funk como ‘Face Behind Her Cigarette’ y preciosidades como ‘Waitin´’, Boy Azooga aún tienen que sacar la cabeza de las islas. Su presencia en Bilbao BBK Live se antoja como una ocasión inmejorable para que seguidores de Franz Ferdinand, Two Door Cinema Club o Django Django den con su nuevo grupo favorito.
IDER
Sin duda debes tener algo muy especial si consigues que una artista como Shura se fije en tus canciones y te proponga producir tu primer EP. Eso es exactamente lo que les sucedió a Megan Markwick y Lily Somerville, dos compañeras de piso en el Norte de Londres que se unieron en IDER para hacer canciones de pop electrónico en las que la premisa era unir sus dos voces en armonía, con un punto folk. Pero esas cuatro canciones de su EP debut ‘Gut Me Like An Animal‘ eran solo el principio. Poco después fichaban por el sello Glassnote (sello independiente pero con distribución multinacional, hogar de Phoenix, Chvrches o Mumford & Sons), donde han publicado un buen puñado de interesantes singles como ‘Mirror’, ‘You’ve Got Your Whole Life Ahead of You Baby’ o los recientes ‘Brown Sugar’ y ‘Wu Baby’.
Las Ligas Menores
Este combo argentino, muy popular en su país, ya está fraguando una considerable parroquia en nuestro país gracias a las giras que han desarrollado en los últimos meses. Y es el público joven del entorno indie, ese que ha acudido a sus conciertos con bandas como Apartamentos Acapulco o Carolina Durante, el que está recibiendo con entusiasmo las canciones del reciente ‘Fuego artificial‘ (editado en España por Sonido Muchacho). Aunque ahora que Los Planetas, un referente evidente, ha versionado su ‘Renault Fuego’ (que, pese a sonar un poco a los primeros La Buena Vida, cita al grupo de Granada), parece probable que también los fans más talluditos del noise rock alcen las orejas ante ellos.
Mr. K!
Marc Peña comenzó a emplear su alias Mr. K! como creador de mash-ups y remixer para Javiera Mena, Ellos, We Are Standard o Algora. Pero su gran espaldarazo como productor llegó cuando Paco León y su equipo le escogieron para crear ‘Kiki‘, el tema principal de la BSO de ‘Kiki. El amor se hace’. El tema, cantado por Nita de Fuel Fandango y el propio León, fue un razonable éxito que le puso en el mapa. Desde entonces su producción había sido escasa –apenas había publicado ‘Cherry Darling’, un elegante corte de synthpop con voz de Bearoid–, pero este año parece decidido a tomar más relevancia con canciones como ‘The Disco Beat’ –clara herencia del funk francés de la factoría Ed Banger– y sobre todo con ‘No Shame‘, el himno house por la libertad sexual que ha perpetrado con Demmy Sober y que destacábamos días atrás. Está claro que esta vez Mr. K! no quiere que le olvidemos fácilmente.
Viagra Boys
El punk rock es otra (una más) de las lides musicales que también dominan los suecos. En este caso, se trata de un sexteto de Estocolmo que, tras varios EPs con los que se han ganado un nombre junto a bandas británicas en sintonía como Shame o los citados Idles, debutaban el pasado año con ‘Street Worms’ –reeditado hace unas semanas con 6 temas inéditos–. Un disco que muestra que su rock afilado no solo puede ir directo a la yugular (‘Slow Learner’) sino que también saber madurarnos como víctimas, como en ‘Sports’ o ‘Just Like You’. Como elemento diferenciador, ese saxo desquiciado que por momentos remite a James Chance and The Contortions… y el carisma que desprende su ultratatuado cantante, Sebastian Murphy.
Según informaba esta tarde el programa de corazón ‘Sálvame’, Millán Salcedo fue ingresado de urgencia el pasado lunes en un hospital de Sevilla tras haber sufrido, según el reportero José Antonio León, un ictus. Según sus informaciones, el actor manchego fue ingresado el pasado lunes 8 de julio con pronóstico grave en el Hospital Sagrado Corazón de la capital hispalense, sin que el hospital o la familia hubieran dado información al respecto. A última hora del día, la Agencia EFE recogía un comunicado de la agencia de representación del actor contradiciendo la primera versión y confirmando que lo que sufrió fue un ataque epiléptico. Este incidente, además, se ha visto agravado por la hipertensión que padece el actor y porque se mordió la lengua, según Huffington Post. Las mismas fuentes aseguran que Salcedo ha sido intervenido quirúrgicamente en dos ocasiones desde su ingreso, lo cual no ha sido aún confirmado.
Millán Salcedo, de 64 años, es uno de los cómicos más queridos de nuestro país por su trabajo como parte del en principio trío y luego dúo Martes y Trece. Junto a Josema Yuste, ambos se convirtieron en grandes estrellas televisivas y teatrales gracias a sus irreverentes parodias de personajes populares y un humor en ocasiones absurdo que supo ganarse a todas las esferas sociales. Sus especiales de Nochevieja eran seguidos por millones de espectadores, y sus chascarrillos y ocurrencias, imitadas por muchos.
La pareja artística se rompió para no volver en el año 1997, momento a partir del cual cada uno de los dos actores tomó su propio camino. Yuste en principio logró algo más de presencia en series y películas, pero ha sido el teatro el medio en el que ambos han desarrollado sobre todo sus carreras desde entonces. En el momento del suceso, Salcedo estaba desarrollando el espectáculo teatral-musical-biográfico ‘En mis trece 2.0’. Permaneceremos atentos a más novedades sobre el estado de Salcedo.
Tras el excelente sencillo de presentación ‘Una persona sospechosa’ y el llamado de manera impactante ‘Idiota’, Los Punsetes dan los detalles -ya sabéis, nombre, portada, fecha de edición, títulos de las canciones- de su próximo álbum.
Se llamará ‘Aniquilación’, saldrá el 4 de octubre y según su sello «aglutina todas las facetas mostradas hasta ahora por el grupo: el punch de sus hits, el noise, la instrumentación y desarrollos más elaborados, los momentos más ambient y los más hardcore… Es, en definitiva, su disco más rico». El disco ha sido producido por Los Punsetes, grabado por Paco Loco y mezclado por Sergio Pérez (Svper). El arte es obra de John Pham, que la nota recuerda que es «protagonista de uno de los números de la antología de cómic más importante de las dos últimas décadas, Kramers Ergot; ha realizado la serie Sublife (publicado en EEUU por Fantagraphics Books), y ha sido nominado a los premios Ignatz al mejor artista, serie y mejor cómic. Actualmente trabaja en series de animación para Cartoon Network y ha publicado en España el libro J+K en la editorial Fulgencio Pimentel».
Os dejamos con los nombres de las canciones, incluyendo ‘Ella nunca me aceptó en Facebook’ y las primeras fechas de la gira «Aniquilación»
Seres humanos
Vas hablando mal de mi
Oro
Idiota
Miguel de Molinos
Dinero 2
Atraco perfecto
Una persona sospechosa
Lo dejo
Ella nunca me aceptó en Facebook
La gran bestia
Estela Plateada
18.10 Las Armas, ZARAGOZA
19.10 Apolo 2, BARCELONA
25.10 Wah Wah, VALENCIA
26.10 Stereo (Low Fest Vibra Mahou), ALICANTE
02.11 REM (Warm Up Estrella Levante), MURCIA
15.11 Antzokia, BILBAO
16.11 Dabadaba, DONOSTI
13.12 Gran Café, LEÓN
14.12 Black Pearl (Valladolindie), VALLADOLID
10.01 La Riviera, Inverfest, MADRID
14.02 Garufa (SonEG), A CORUÑA
15.02 La Iguana (SonEG), VIGO
La barcelonesa Sala Apolo informa de que desde su inauguración anoche de la nueva fiesta Maraca, de los creadores del Churros con Chocolate, abrirá sus puertas cada día durante este verano.
La fiesta Maraca aparece pensada para aquellos que después del Orgullo se han quedado con ganas de más: el mismo domingo pasado hubo una fiesta masiva del Choco Churros en Madrid en la que en una sala sonaban Abba y David Civera mientras en la otra lo hacían Bad Gyal y Rosalía. Ahora la promotora Pumalu2 continúa la fiesta dejando reposar los Churros con Chocolate hasta septiembre, pero ofreciendo a cambio esta alternativa. La fiesta Maraca se presenta como «una sesión divertida, desprejuiciada, canalla y petarda en la que sonarán los mejores hits de todos los tiempos». Según la nota de prensa, la música correrá a cargo de los djs habituales de Churros con Chocolate, que irán rotando cada semana. Tiene lugar desde las 23h hasta el amanecer. La imagen es de Rafael Elena, diseñador gráfico y fotógrafo, que cada semana «nos sorprenderá con una nueva adaptación de alguna marca, película o serie reconocida con mensajes divertidos». Más información y entradas, aquí.
Además de la fiesta Maraca cada martes, continuarán celebrándose el Nasty Mondays los lunes; el Club Caníbal los miércoles con reggae, música negra o dubstep, entre otros; Cupcake, la sesión ochentera y revival de cada jueves con Milkshake, su cara b, aportando un toque urbano; y por supuesto el Nitsa los fines de semana. Más información, aquí.
Tras haberse confirmado hace unas pocas semanas a Jamiroquai como gran cabeza de cartel junto a Kraftwerk (3D) y ampliado la oferta inicial que incluía a Amaia, Mark Lanegan y Carolina Durante con nombres como Michael Kiwanuka, The Divine Comedy o Morgan, hoy BIME da un empujón casi definitivo a la propuesta artística de su edición 2019. La secuela otoñal de Bilbao BBK Live anuncia hoy un buen puñado de artistas con los que redondea una propuesta diversa y de empaque.
En esta tanda de confirmaciones destacan sobre todo dos solistas irlandeses tan distintos como Róisín Murphy y Glen Hansard. La ex-vocalista de Moloko trae su dinámico show de pop experimental bailable, remozado con los 4 maxis que lanzó el pasado año y novedades como ‘Incapable‘. Por su parte, el que fuera líder de The Frames y archiconocido por su trabajo en la película musical ‘Once’ (que se nutría de sus canciones con Markéta Irglová, el dúo conocido como The Swell Season) presentará las canciones de ‘Between Two Shores‘ y ‘This Wild Willing‘, los dos discos que ha publicado con menos de un año de distancia.
Además, también incorpora al dúo de pop electrónico Phantogram, grandes en Estados Unidos pero que no se han prodigado mucho en nuestro país. Acaban de presentar single, por lo que está al caer la continuación de ‘Three‘. Otro nombre ilustre del panorama alternativo yanqui que se suma a BIME es Brittany Howard. La espectacular líder y vocalista de Alabama Shakes prepara su debut en solitario, del que ya ha mostrado un par de temas. Los Estanques, autores de uno de los discos nacionales del año, son otro de los nombres destacados de este anuncio, que se completa con la programación de GAUA, el escenario electrónico del festival que estará encabezado en los dos días principales por Helena Hauff y Daphni (alias housero de Dan Snaith, el hombre tras Caribou).
BIME se celebra del 30 de octubre al 2 de noviembre en el Bilbao Exhibition Centre, y completa su oferta con BIME PRO, una serie de charlas y ponencias relacionadas con el mundo del arte y la música, y que este año incluyen entre otros a un ilustre como Mathew Knowles, que además de haber sido mánager de Destiny’s Child, Solange y Beyoncé, es el señor padre de las dos últimas. En la web del festival están a la venta ya tanto los abonos (85€ + gastos) como las entradas de día (50€ + gastos).
⭐️Brittany Howard of Alabama Shakes, Glen Hansard, Róisín Murphy, la programación de GAUA y muchos más se incorporan al cartel de #BIME.
Es una curiosa coincidencia que, del mismo modo que hace 11 años coincidieron en publicarse ‘Attack & Release’ de The Black Keys y ‘Consolers of the Lonely’ de The Raconteurs, ahora suceda lo mismo con ‘«Let’s Rock»‘ de Auerbach & Carney y ‘Help Us Stranger’, el primer disco que, desde entonces, lanza el supergrupo formado por Jack White y Brendan Benson, con el soporte como base rítmica de los secundarios The Green Hornes, Jack Lawrence y Patrick Keeler. Y, aunque hoy en día cierto pudor me impediría despachar dos discos de una tacada tan a la ligera (o eso creo), ambos trabajos están ligados no sólo en similares patrones estéticos, sino también en lo bueno y -peor- lo malo de sus resultados artísticos.
En la década larga transcurrida desde entonces, Benson ha pasado casi a ser anónimo -su último álbum en solitario, ‘You Were Right’, data de 2013 y a nadie parece traumatizarle en exceso su ausencia- mientras que White, entonces un semi-dios como la mitad de The White Stripes, ha consolidado su carrera como guitar-hero alternativo con delirios de grandeza -los desplegados en buena parte de ‘Boarding House Reach‘-. Lawrence y Keeler, por su parte, se han mantenido ligados a Jack, ya sea en sus discos en solitario o con The Dead Weather. ¿Qué puede entonces ofrecernos esta dispar amalgama de artistas? Pues lo esperable: los mismos tics rockeros con contados amagos de sorpresa y Jack White sacando la patita, guitarra en ristre, como líder de una falsa democracia hecha grupo (al que se unen para dar más empaque ilustres como Dean Fertita –QOTSA– o la violinista Lilli Mae, entre otros).
Suponemos que los más fans del blues con tendencia al hard-rock y algún retoque alternativo que ya gozaron con los dos primeros discos de The Raconteurs no tendrán la más mínima pega en que ‘Help Us Stranger’ trate de hacer valer esa misma propuesta 10 años después –así lo indican sus notables ventas en EE UU, logrando ser uno de los pocos discos de rock que alcanzarán el número 1 allí este año–. Para el resto, aunque por momentos muestren que los que tuvieron, retuvieron, posiblemente acabarán algo saturados de una propuesta que, no siendo del todo clásica, suena tan acartonada como un casi cincuentón que intenta hacer ver que lo que era moderno y transgresor cuando tenía 30 y pico sigue siéndolo. Oh, wait!
Y esto sucede porque el arrojo y la inspiración es más intermitente que otra cosa. Y eso que la cosa no empieza nada mal, con el ímpetu a lo Foo Fighters que se gastan en ‘Bored and Razed‘ -en la que critican el postureo hollywoodiense en favor de la autenticidad de sus raíces de la, digamos, América media-, el blues-rock acústico de ‘Help Me Stranger‘ –con un deje melódico en el estribillo un tanto Red Hot Chili Peppers– y el bonito medio tiempo electroacústico ‘Only Child’, una composición bonita en la que los característicos delirios de White en las seis cuerdas están muy bien medidos, tanto como en la pianística ‘Shine A Light On Me’. Justo lo contrario de lo que ocurre en temas que suenan directamente a Queen –como ‘Don’t Bother Me’ o ‘What’s Yours Is Mine’– que, sorpresa, llevan a pensar que este disco tendría bastante sentido como cuarto largo en solitario del artista de Detroit, con Benson alzando la voz solo ocasionalmente.
Y, aunque tanto la energía (‘Sunday Driver‘, con coros beatlescos, ‘Live A Lie’) como el sosiego (‘Now That You’re Gone‘ también es un blues lento muy bien sazonado) regresen, lo cierto es que ‘Help Us Stranger’ no logra superar la irregularidad (mención especial, en lo negativo, a la innecesaria versión-¿broma? de ‘Hey Gyp (Dig The Slowness)’ de Donovan) que lo va haciendo cada vez más y más pesado a medida que avanza, con las salvedades citadas. De nuevo como The Black Keys, en su particular idiosincrasia The Raconteurs no pueden vencer la sensación de que se están convirtiendo en los nuevos dinosaurios del rock. Y eso puede sonar muy mítico, pero en realidad es poco atractivo.
Calificación: 6,5/10 Lo mejor: ‘Help Me Stranger’, ‘Bored and Razed’, ‘Sunday Driver’, ‘Only Child’, ‘Live A Lie’ Te gustará si te gustan: The Black Keys, Red Hot Chili Peppers, Foo Fighters… y, claro, Jack White. Escúchalo:Spotify
María Villar había destacado como una de las concursantes con más personalidad de la última (hasta el momento) edición de Operación Triunfo, la del año 2018. Más allá de las polémicas a cuenta del término «mariconez» en ‘Quédate en Madrid’ de Mecano (que se negaba a cantar por considerarlo homófobo) o de la visita de su novio, el realizador de clips indies Pablo Amores, María se atrevió en su paso por el concurso a interpretar cosas tan osadas (para un talent-shows de estas características) como ‘Amorfoda’ de Bad Bunny o una ‘Voy en un coche’ de Christina Rosenvinge transformada casi en punk.
Por eso se aguardaba con cierta expectación cómo podría orientar su carrera musical (recordemos que formó parte de un grupo de noise rock, y que su círculo de amistades incluye a las miembros del grupo Hinds), sin que lo tuviera aún claro cuando salió de la academia de OT y la entrevistamos. La pasada semana ya tuvimos una pista cuando supimos que, bajo el alias de María Escarmiento, colaboraba en la nueva mixtape de la reggaetonera Ms Nina como anticipo de su primer single en solitario. Un ‘Amargo amor’ que, como se anunció, se ha lanzado hoy en co-edición por parte de Universal –que en principio se reserva el derecho de guiar las carreras de los triunfitos– y HermanX, el sello de sonidos más contemporáneos del conglomerado El Segell del Primavera (que ha editado por ejemplo a Cupido).
‘Amargo amor’ es una producción de Merca Bae, productor español de electrónica, hip hop y demás sonidos urbanos que ofreció unos beats expresamente a María. «Escuché este beat e immediatamente me transportó a un ambiente de noche, oscuridad… Me puse en mood sexual-romántico-triste y no tardé nada en componerla» cuenta según la nota de prensa. Efectivamente, se trata de una base de reggaetón oscuro y con algunos rasgos arábigos en sus teclados sobre la que María canta con cierta frialdad una letra que alterna rimas tan poco ingeniosas como «noche» y «coche» y «fuerte» con… ¡Ejem! «Fuerte», con líneas tan explícitas como «borrando mis recuerdos al final pues me he corrido» o «te lo pienso hacer lento, es normal que te enchoches». Y aunque el tono sea de misterio y ocuridad, lo cierto es que el gancho «bebé, esto es mala suerte / yo no quiero perderte, pero no pue’o quererte» termina siendo ultrapegadizo.
Como soporte visual, no podría ser otro más que Pablo Amores el que firmara el clip para ‘Amargo amor’. «Lo grabamos en Mazarrón, Murcia», explica María. «Teníamos claro que queríamos una localización potente y esta nos parecía ideal. Lo teníamos todo bastante controlado menos lo de la luna, que de repente apareció allí loquísima, enorme, en medio de un montón de nubes, y representaba la idea que teníamos». Efectivamente, el vídeo emplea el fuerte contraste entre este paisaje costero-montañoso levantino, la luz del anochecer, la imagen desafiante de Escarmiento y un Citröen Xsara antiquísimo. Un mix impactante que, obviamente, nos obliga a plantear nuestra pregunta favorita: ¿Revelación o Timo?
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Mad Cool celebra desde hoy una nueva edición en la que podemos encontrar a artistas tan interesantes como Jon Hopkins, Vince Staples, Kaytranada, Disclosure o Gossip; tan variados como Bring Me the Horizon, Prophets of Rage y Marina; y también noveles como Jorja Smith, Alma o Cariño. Pero si algo caracteriza al festival madrileño que el año pasado reunió a 80.000 personas POR DÍA (este han reducido aforo) es que le gustan las cosas grandes, y en esta edición no faltarán artistas que han hecho historia a lo largo de los últimos 40 años de música pop.
Precisamente en Mad Cool suele poderse ver una suerte de exposición/galería de portadas gigantes de discos de música pop que se han convertido en clásicos, y en este artículo repasamos algunos de esos álbumes fundamentales que, casi con toda seguridad, podrán volver a ser escuchados en parte en esta edición.
The Miseducation of Lauryn Hill
Tendré que frotarme los ojos para comprobar que Lauryn Hill esté de hecho en Madrid, pero lo cierto es que el milagro va a suceder y la gira de 20º aniversario de su único disco de estudio en solitario ‘The Miseducation of Lauryn Hill’ pasará por Madrid concretamente este jueves. Este álbum que tan importante fue para el desarrollo de artistas como Amy Winehouse, Frank Ocean o Adele contenía temas tan bailables como ‘Everything Is Everything’ y tan demoledores como ‘Ex-Factor’. Esperemos que todos ellos queden igual de bien en directo como los recordamos.
The Cure / Disintegration
The Cure visitan España con un show lleno de «grandes éxitos», como es habitual, muy amplio, pues está programado entre 23.10 y 1.25 el próximo sábado. Ahí habrá lugar para recorrer repertorio de todas sus épocas, y por supuesto, a tenor de lo visto en sus últimos conciertos en otros lugares del mundo, no se van a dejar en el tintero el álbum de su discografía que este año está de 30º aniversario. ‘Disintegration’ contenía singles tan seminales como ‘Lullaby’, ‘Fascination Street’, ‘Lovesong’ y ‘Pictures of You’, formando el esqueleto del que fue uno de los mejores álbumes de los 80, y parece difícil que la banda de Robert Smith pueda renunciar a ellos.
The Stooges / The Stooges
Otra de las grandes leyendas que se va a dejar caer por Mad Cool es Iggy Pop. Como es habitual en él, con toda probabilidad repasará hits propios tan absolutamente históricos como ‘The Passenger’ o ‘Lust for Life’, pero siempre sin dejar de lado algunos de los mejores temas de los Stooges. Sonarán, si -de nuevo- sigue el guión habitual, cortes de ‘Funhouse’ y también del debut de la banda. Allí estaban su clásico ‘I Wanna Be Your Dog’, ‘No Fun’, ‘Real Cool Time’ o ‘1969’ como recuerdo de lo que significó el proto-punk.
The Smashing Pumpkins / Mellon Collie & The Infinite Sadness
En plena resaca post-grunge, cuando Kurt Cobain ya había muerto, la banda de Billy Corgan publicó una ida de olla de disco doble que se abría con un instrumental y contenía un considerable protagonismo de teclados y orquestas. Los Smashing Pumpkins han vuelto a sacar álbumes y de hecho vienen a presentar uno muy pensado para el directo, pero nunca podrán dejar atrás temas como ‘Bullet With Butterfly Wings’, ‘Zero’, ‘Tonight, Tonight’ o su gran obra maestra, ‘1979’.
Robyn / Body Talk
Robyn viene a presentar las canciones de su álbum del año pasado ‘Honey’, pero su setlist suele ser casi igual de generoso con la que fue su gran obra pop. Dividida en principio en 3 EP’s, ‘Body Talk’ fue revelándose como un cuidado trabajo de pop electrónico en el que despuntaban pistas como ‘Indestructible’, ‘Call Your Girlfriend’ o ‘Dancing On My Own’, la que hemos nombrado su mejor composición con motivo de su 40º cumpleaños.
Bon Iver / 22, A Million
Bon Iver tiene nueva música lista para este año, pero solo conocemos un par de temas, por lo que aún es pronto para que su setlist se quite de encima las canciones de su álbum más impactante. Incluso aquellos que desconfiábamos de las maravillas que contenía su debut «de cabaña», quedamos pasmados ante la combinación de moduladores vocales y elementos orgánicos presentes en canciones como ’22 (OVER SOON)’ o ’33 «GOD»‘.
Vampire Weekend / Vampire Weekend
Es realmente complicado elegir entre los cuatro discos publicados hasta ahora por Vampire Weekend. Seguramente la calidad de todos ellos es lo que les ha puesto casi en la primera línea del cartel de un festival como Mad Cool. A sabiendas de que el público difícilmente habrá asimilado aún lo contenido en ‘Fathers of the Bride‘ y comprobando cuál es su repertorio habitual, sin duda el favorito del público al menos en un contexto como el festivalero es el primero. Con su álbum homónimo fue con el que trajeron al presente el afro-pop con el que había jugado gente como Paul Simon y el que les identificará para siempre más que sus últimos pasos y devaneos con diversos géneros.
The 1975 / A Brief Inquiry Into Online Relationships
Cuando el NME definió este disco como «el OK Computer millennial» hizo un flaco favor a The 1975. De acuerdo. Pero también es cierto que es un álbum estupendo lleno de hits que amenizarán el que ha de ser uno de los conciertos más divertidos del sábado. Si su directo ya era sólido con el álbum anterior, ¿cómo no va a serlo ahora que cuentan con ‘It’s Not Living (If It’s Not With You)’, ‘Love It If We Made It’, ‘Give Yourself a Try’ o ‘I Always Wanna Die (Sometimes)’?
Rosalía / El Mal Querer
Rosalía no para de sacar singles este verano, algunos de los cuales se han ido incorporando a su directo, pero lo cierto es que el centro de su setlist continúa siendo ‘El mal querer‘. Sigue quedando algún resto de ‘Los ángeles’ y aparece algún tema colaborativo, pero el que se puede seguir escuchando al completo o casi es el álbum que ha cambiado el curso del pop español, llevando a la cantante a escenarios como Coachella o Glastonbury con su mezcla de flamenco y ritmos urbanos. Rosalía actúa en la fiesta de bienvenida de hoy miércoles.
The Chemical Brothers / No Geography
2019 también forma de la historia y, junto al álbum de Sharon Van Etten, que también actúa en Mad Cool, uno de los que encontraremos en nuestra lista de mejores álbumes de 2019 es el último de Chemical Brothers. 25 años después de su debut, el dúo mantiene intacta su capacidad para crear singles tan frescos e inmediatos como ‘MAH’ o ‘Got to Keep On’, y además les sobran tracks «de relleno» tan apabullantes para su álbum como el estupendo corte titular ‘No Geography’. Podrían tocar su nuevo álbum entero y nadie se aburriría. Ya tiene mérito después de tanto tiempo.
Mark Ronson estrena nuevo single de su disco en gran parte inspirado en su divorcio ‘Late Night Feelings’ y que ya nos había dejado otros sencillos como el exitoso junto a Miley Cyrus o el realizado junto a Lykke Li.
No había que ser un lince para darse cuenta de que ‘Find U Again’ con Camila Cabello y créditos de Kevin Parker (gran amigo de Mark Ronson y habitual en sus álbumes) sería otro de los temas destacados. Ahora mismo, es la canción más escuchada del disco. Hoy se estrena su vídeo, del cual se han encargado Bradley y Pablo, llevándonos a una historia de cazarecompensas en la que la cazada ha de ser Camila Cabello… al menos hasta que Mark Ronson se enamora de ella.
‘Find U Again’ era ya un pequeño éxito en las listas de singles desde antes de que se estrenara este vídeo, y el tema asciende esta semana al puesto 31 de las listas británicas. Seguramente no sea su máximo y el corte pueda arañar alguna posición tras estrenarse el clip, pues Youtube cuenta en las listas británicas.
Por otro lado, Camila Cabello continúa arrasando con su tema con Shawn Mendes: ‘Señorita’ lleva nada menos que 18 días en el top 1 del global de Spotify.
Metronomy tienen un nuevo disco preparado para septiembre que se llamará ‘Metronomy Forever’. De él hemos conocido un par de singles, ‘Lately’ y el más reciente ‘Salted Caramel Ice Cream’, cuyo vídeo os presentábamos hace unas semanas ideado «contra la gentrificación de las heladerías». El videoclip mostraba a miembros del grupo compitiendo por llevarse el helado más guay del barrio, recordándonos a aquel titular que Cariño nos dejaban, en su caso, sobre la ciudad de Madrid: «Malasaña no necesita ni tantos tipos de helados ni más quinoa».
Dejando de lado el protagonismo de ese personaje que recuerda a Tricky, el monstruo de las galletas de Barrio Sésamo, la canción en sí se recuesta sobre un ritmo totalmente hipnótico, como pocos han grabado los autores de ‘The Bay’, situándose cerca de los territorios bailables de Hot Chip, pero fieles a su gusto por el minimalismo y los sonidos lo-fi. Como resultado, ‘Salted Caramel Ice Cream’ es una de las canciones más contagiosas de Metronomy, hablando en este caso de una chica que es «como un sueño» hasta el punto de frustrarnos y dejarnos casi tartamudeando («Oh, good, she’s coming / Don’t look up / I’ve got to do this / I’ve got to do it / I, I’ve got to do it, I / I, I’ve got to do it, I / I, I’ve got to do it, I»).
Joseph Mount, como siempre, único autor y productor del tema, ha escrito un «canción por canción» para la prensa sobre casi todas las canciones de este disco y de esta ha dicho que se puso el reto de «escribir una pista que tuviera un arreglo de blues de 12 compases y se pudiera tocar en bodas. Lo llevé hasta su conclusión lógica, lo que resultó, líricamente, en una de las mejores cosas que he hecho». Esperamos oír esta gran canción en el show que Metronomy ofrecen hoy miércoles en el madrileño Mad Cool a las 19.00.
Niño de Elche ha publicado este año ‘Colombiana‘, un disco grabado en Bogotá y producido por Eblis Álvarez de Meridian Brothers en el que Francisco Contreras, solo un año después de publicar su obra magna ‘Antología del cante flamenco heterodoxo‘, explora las conexiones que existen entre el flamenco y la música latinoamericana mediante los cantes de ida y vuelta que, durante el periodo colonialista, España y Latinoamérica se intercambiaron junto con productos como el café, el cacao o ciertas drogas. Un disco que intenta entender el presente haciendo una lectura nueva del pasado. Hablamos con Contreras en un céntrico hotel de Barcelona, entre otras cosas, sobre los temas que trata el disco, las influencias menos obvias que este contiene, el concepto de «lo latino» o sobre lo absurdo de las «músicas del mundo».
¿Cuál es el punto de partida de ‘Colombiana’? ¿De dónde surge la idea?
En el flamenco hay una obsesión por englobar diferentes estilos en diferentes categorías. Existen los cantes básicos, festeros, de Levante… o los que se engloban según la situación geográfica o en el imaginario romántico de la cosa: cantes de Cádiz, Huelva, Granada… Dentro de esta vorágine de grupos se encuentran los cantes de ida y vuelta, que son estilos que han sido influenciados por Latinoamérica, se supone. Una de las líneas de ‘Colombiana’ era desmitificar eso, defender que los cantes de ida y vuelta pueden ser estos estilos pero también otros muchos mas. Y a partir de ahí aprovechar el concepto para contar otras temáticas que cruzan como las drogas, el mercado, la esclavitud, el colonialismo, las identidades culturales, o hablar también de lo latino.
¿Cómo es tu proceso de investigación? ¿Lo consideras arqueología musical? Dices que has trabajado con canciones de los años 20, 30 y 40…
He hecho trabajos que son más productos de arqueología, como el anterior, pero en este no ha habido tanta. Ha sido más bien un proceso de rebuscar y trabajar referencias.
¿Pero lees libros, buscas por internet, escuchas música…?
Eso es lo que hago a todas horas. No hago otra cosa en mi vida. Me voy encontrando cosas, entablo conexiones, y a partir de ahi tramo lo que intuyo que puedo contar desde esa plataforma. Yo leer, escuchar música… es lo que hago. Hoy ya me he escuchado dos discos y solo son las 10 de la mañana.
«Lo bueno de llegar a un concepto es que la libertad la obtienes mediante la limitación. Si tú no conoces los límites, te puedes perder»
¿Qué referencias hay en el disco exactamente? Por ejemplo, la melodía de ‘Flor canto’ es muy distintiva…
Hay unos cantes que se llaman los cantes de Vaquería, que los aprendí de un trío colombiano, los Gaiteros de San Jacinto. Ellos tienen esta cosa del cantar popular pero con experimentación, no es tan tradicionalista, burda y aburrida. El canto popular siempre ha sido una cosa mucho mas violenta, por decirlo así. De ellos vienen esas melodías.
Lo bueno de llegar a un concepto, la paradoja de la cosa, es que la libertad la obtienes mediante la limitación. Si tú no conoces los límites, te puedes perder. En mis trabajos discográficos, yo delimito de lo que quiero hablar para tener el centro de la cosa, y luego eso me lo salto o no me lo salto. Pero a nivel musical, en el disco ha habido más influencias que el flamenco y la música latinoamericana, sobre todo a nivel de producción, porque entendíamos que eran importantes. Por ejemplo, hemos escuchado un disco de Moondog, que fue crucial para el disco.
¿En qué elementos?
Sobre todo en percusiones cubanas, como las congas. Y para ‘Oración militar’ estuvimos escuchando bastante dos discos de Björk, ‘Vulnicura’ y ‘Homogenic’. También escuchamos a Flying Lotus, un disco cuyo título no recuerdo, pero en el que aparecían unas palmas que nos interesaban. Hemos escuchado discos que a priori no tienen nada que ver con el sonido del disco. Pero las referencias no tienen que ser copias, sino intuiciones, inspiraciones que surgen.
«Estas etiquetas, la música urbana, la música fusión, son como decir que la gente respira: una obviedad»
En ‘Colombiana’, ¿te has permitido hacer un disco más espontáneo?
Sí, para lo que quería contar en ‘Colombiana’ era lo que me pedía, un disco corto, de canciones, de letrillas. Claro, no hay una comparativa, una contraposición con lo anterior. Ningún disco que he hecho se parece el uno al otro, pero tampoco ha habido una acción frontal de cara a otros discos.
Eblis Álvarez, productor de ‘Colombiana’, y tú decís que en el disco no habéis buscado la fusión, sino la contraposición. ¿Por qué esto era importante para vosotros?
A nosotros nos dan grima los proyectos de world music y de fusión. Estas etiquetas, la música urbana, la música fusión, son como decir que la gente respira: una obviedad. Hoy en día todo es música del mundo y todo es música urbana y todo es fusión y siempre lo ha sido. Las etiquetas para entendernos están bien, pero cuando crees que la etiqueta pertenece a cómo funciona ese género, estás perdido. Y como esas etiquetas mercantiles nos daban bastante grima, no tanto por mercantiles sino por lo perversas que son, entendíamos que el flamenco y la música latinomericana están unidas de por sí, no hace falta que yo venga a hacer este disco para demostrarlo. Yo hago una guajira o una soleá polá y eso ya es una fusion de música latinoamericana, no tengo que irme a Colombia y grabar con una banda. Pero este es el giro estético que le doy. La violencia de la contraposición hace que las dos partes se queden mucho mas íntegras y paradójicamente más integradas entre sí. Muchas veces se utilizan estas etiquetas, o las fórmulas de electronica o de rock universales se utilizan como punto de unión, pero al final esa unión quita todo lo particular de cada gente, y lo estandariza. Nosotros no queríamos eso.
Buscabais más bien resaltar similitudes…
Nosotros contraponemos y luego nuestro gusto auditivo nos lleva a un sitio u a otro. Pero no hemos tenido muchos referentes, ese ha sido uno de los problemas que hemos tenido que superar. No hemos tenido donde amarrarnos. Teníamos que llamar a amigos de Colombia para saber cómo sonaba aquello y por suerte les gustaba bastante.
Eso es algo bueno, ¿no? Significa que estáis haciendo algo diferente.
Sí, pero da mucho vértigo. Tú haces un disco para la gente y siempre hay un interés en que la gente lo pueda entender. Aunque yo tampoco soy de dárselo todo mascado a la gente porque confío en ella y en su forma de pensar. Pero esa falta de referentes muchas veces ha sido un problema, aunque ha sido un problema fructífero.
Hablas no de hacer discos, sino de enfrentarte a ellos. Para ti no tiene sentido hacer discos que no supongan un reto?
Para mí los discos son un reto. Todo lo que vas a exponer en una audiencia tiene parte de reto porque hay un análisis y una valoración del publico. Pero como reto personal, hay que relajarse… Para mí los discos son parte de un desarrollo artístico, yo no soy un artista que trabaje artísticamente de forma lineal, hago muchas cosas y este disco se puede explicar con otras cosas que he hecho anteriormente, cosas que escucho, gente que conozco… Estas cosas se van entremezclando.
«Yo no me apropio, yo robo. Apropiarse es muy socialdemócrata, a mí me gusta mas robar, que es lo que se ha hecho siempre»
Dices que todos los cantes flamencos son de ida y vuelta, y que hicieron el mismo viaje que el cacao, el café o que drogas como la coca o el LSD… ¿Entiendo que ha sido una preocupación para ti, en este disco, abordar el purismo, aunque digas que el debate de la apropiación ya esta superado?
Espero que el debate esté superado porque, si no, tenéis un problema la gente de los medios. [ríe] No ha sido una preocupación en este caso, más bien una ocupación. Aunque la apropiación no la he abordado, abordar eso sería dar categoría a quien propone esas idioteces. Hablo más bien sobre cuestiones de esclavitud y colonialismo pero eso ya lo he abordado de forma más secundaria en las entrevistas.
El concepto de lo colonial tiene mucha parte de pensamiento europeo. Muchos amigos del movimiento progresista en el que me puedo mover me decían «te van a acusar de colonialista y de apropiacionista», y yo les decía que si me acusaban de ello llevaban razón: soy un colonialista y un apropiacionista. Yo ya dije en El Mundo que yo no me apropio, yo robo. Apropiarse es muy socialdemócrata, a mí me gusta mas robar, que es lo que se ha hecho siempre. Si soy tradicionalista, lo soy en robar. Todo el mundo se roba. En el arte, hablar de propiedad privada es complicado. Entonces mis amigos tenían cierto reparo en cómo iba a abordar yo todo este tema de colonialismo. Eblis y yo bromeábamos, cuando salió alguna crítica de ‘El muermo’ y decía que tenía un sonido selvático, tropical, pensábamos «estos se piensan que estamos grabando en una selva, los europeos siempre pensando que los colombianos estamos en una selva, y estamos rodeados de asfalto en mitad de una ciudad llena de humo como Madrid».
«¿Música exótica? Lo exótico es el capitalismo y lo marginal. Con este disco ponemos sobre la mesa la desinformación que tenemos en la era de la globalización»
Pero en Late Motiv actuaste rodeado de plantas, y el sonido del disco tiene ciertas reminiscencias…
Son licencias políticas. Pero eso es nuestro imaginario, es una abstracción. ¿Qué es sonar tropical, yo que soy aficionado a la música landscape, por mi bagaje de músico experimental? Que medios musicales hablen de música tropical o selvática porque en una canción suena una maraca, cuando una maraca no puede ser un instrumento más urbano…
¿No te parece importante que los medios transmitan cómo suena un disco aunque sea de manera básica?
Pero la manera no suele ser básica, sino errónea, ya que deja establecidas palabras y conceptos que no ayudan. Esta cosa de la música exotica, ¿qué es la exótica? Yo que soy aficionado a Yma Sumac, ¿qué es música exótica? Lo exótico es el capitalismo y lo marginal, pero la música exótica no sé qué es exactamente. Que aparezcan pajaritos, unos ritmos afro… Todo esto son imaginarios que nos construimos que después no nos hablan realmente de cómo funciona la creación. Música tropical, afrocaribe… estos términos son una abstracción porque ambos abarcan muchísimas otras cosas. Con este disco ponemos sobre la mesa la desinformación que tenemos en la era de la globalización. Escuchamos hasta un tope y hasta unas referencias. El flamenco lo sufre. En algunas críticas no dan ni una con las referencias, dicen que en el disco hay salsa cuando no hay ninguna, o que el disco es de cumbia cuando solo hay una.
¿Qué te ha faltado leer en las críticas de ‘Colombiana’ que según tú no han dado en el clavo?
No es tanto echar en cara a los críticos su trabajo, sino poner un espejo en que, en la era de la globalización, no tenemos tanta información como pensamos y que a veces nos falta excavar y salir de los topicazos. Cuando me sumerjo en un proyecto yo mismo intento superar prejuicios e ideas, y poner en relieve esa falta de conocimiento, esta cosa de llamar a las cosas por la tendencia. Pensamos que lo latino es una cosa y escuchas un disco como ‘Colombiana’ y no piensas en «lo latino».
El concepto de «lo latino» empieza a escamar un poco…
Este es un disco más hispanoamericano.
Dices que superaste prejuicios con lo latino por la visión que se tiene de estas músicas en Europa, más occidentalizada. ¿Con qué se relacionan tus prejuicios, a qué vision te refieres?
A mí me llegaba de la música latina lo mas tendencioso, no me gustaban esos sonidos, me parecían ritmos muy básicos. Aunque me gusta mucho el reggaetón, me parecía todo muy burdo, me faltaba la parte más áspera, que es lo que ha pasado con el flamenco clásico, que por la influencia del jazz ha perdido muchas asperezas. Cuando descubrí a Meridian Brothers descubrí una cosa fresca, incómoda… Cuando hablamos de lo latino entendemos que es algo festivo, pero las músicas populares no son músicas luminosas. Por eso el artwork de ‘Colombiana’ tiene esa violencia. Pensamos en la selva y nos imaginamos la mayor belleza, el cocotero y las palmeras, pero tú vive una semana en la selva y a ver cómo terminas. Eso no se analiza. De ahí la portada de Inés Doujak. Ella trabaja la belleza de lo monstruoso, no esos otros cuerpos latinos que existen, y que nos encantan, pero que quizá no dejan ver una parte más dura.
‘El muermo’ como primer single es bastante incómodo…¿Era importante para ti que este fuera el primer single del disco?
Claro, es incómodo porque habla del síndrome de abstinencia. Ha sido un single para abrir boca. ‘Pregón de los caramelos’ está más en el código y en el prejuicio de la peña. ‘El muermo’ es un tema de trance.
«Mira que he dicho burradas en Twitter y me suspenden la cuenta por hacer una metáfora absurda»
La gente que toma ayahuasca quizá sí conoce un poco mas la parte peligrosa de la selva. ¿Has tomado ayahuasca alguna vez?
He intentado ir a dos encuentros pero por mi agenda no he podido. Para hacerlo se necesita al menos semana y media, y en los últimos tres años, el máximo de tiempo que he estado en un único sitio ha sido un mes en Bogotá grabando el disco y otro en Suiza con [la escritora] Angélica Liddell. Tengo amigos que tienen la pócima hecha, así que si no pasa nada en junio o julio, haré un par de viajes de drogas que quiero hacer.
¿Ayahuasca y…?
Ácido.
De hecho estuviste en Bolivia rodando una película. ¿Cuál es tu papel en ella?
Soy una persona que va guiando por todo el país. Es un personaje que vive experiencias limite, algunas de las cuales se van de madre… Todo relacionado con la música.
«Para cambiar el imaginario de los festivales flamencos no tienes que traer a modernos sino a gente que esté moviendo cosas en el flamenco, que en el mundo clásico las hay. La gran tragedia es que los mismos flamencos no escuchan flamenco»
Te quería preguntar por cierta polémica que ha habido con el cartel del festival de flamenco que has comisariado…
¿Qué polémica? Solo en Vozpópuli la habido, y por tres amigos de Lenore… Es la única, de Victor Lenore, porque me odia.
En el artículo salen recogidas las palabras de Pedro Lópeh, un músico e investigador…
Que no es músico ni investigador…
Dice «traer tantos modernos es alimentar la maquinaria del mercado».
Traer modernos… Si José de la Tomasa es moderno, La Fabi es moderna, Tomás de Perrate es moderno, Antonio Ortega es moderno, Manolo Franco es moderno… Ellos hablan para intentar hacer daño a una cosa pero yo no soy tonto. A ti te dicen hace seis meses que Niño de Elche va a a hacer una programación de flamenco y te dicen que va a traer a modernas. Eso son prejuicios y quienes tienen prejuicios son personas tontas, idiotas, no formadas. Entonces cuando llega el cartel y ves que tu prejuicio no se ha cumplido, aunque sigas con la consigna… Que no es ningún insulto ser moderno, por otro lado. Y luego está lo del mercado, que Lópeh, como Lenore, va de pseudocomunista pero publica en Vozpópuli. Ambos van de comunistoides y hablan del mercado desde una perspectiva abstracta, como si ellos no estuviesen en el mercado y este hombre como músico, si es que lo fuese, no estuviese en el mercado. Ser artista es estar en el mercado, no sé puede ser artista y no estarlo. Es una cosa muy básica. No le podemos dar espacio a esto.
Para ti es importante dar luz a propuestas nuevas en el flamenco…
Para cambiar el imaginario de los festivales flamencos no tienes que traer a modernos, ni hacer grandes ejercicios, sino traer gente que esté moviendo cosas en el flamenco, que en el mundo clásico las hay. Pero como esta gente no conoce qué hay no se preocupa, no escucha. La gran tragedia es que los mismos flamencos no escuchan flamenco. No saben de lo qué hablan. Ojalá me encontrara gente que criticase la propuesta desde un sitio que me hiciera aprender, pero esta gente es pobre de espíritu y de alma.
¿Qué ha pasado con tu cuenta de Twitter?
Está suspendida por una ironía que solté hace dos meses, no por una bronca ni nada de eso. Mira que he dicho burradas en Twitter y me suspenden la cuenta por hacer una metáfora absurda. Esto es como cuando te capan una foto por pornográfica pero en la que solo enseñas un pezón.
Parte de la redacción evalúa el single de regreso de Mónica Naranjo.
«La verdad es que, aunque en realidad no tiene tanto que ver con ‘Europa’ y sea un tema eurodisco, es siempre bienvenida esta Mónica Naranjo loca del coño que no puede compararse con absolutamente nadie, ni absolutamente nadie con ella. Porque, por kitsch que pueda resultar la épica ópera pop que propone y nos regale en ella desconcierto (la voz extremadamente «pitcheada» al inicio de los versos), exceso (las piruetas electrónicas del segundo puente suenan gastadas), confusión (pero el estribillo… ¿cuál es exactamente?) y hasta alguna risa involuntaria (ese «guerre»), ‘Doble corazón’ es un completo delirio de pop que se hace inolvidable desde un primer instante, regalando en su montaña rusa melódica no uno sino varios ganchos memorables que culminan en su pirotécnico final con coros al más puro estilo Arcade Fire. Y encima, y a diferencia del ya mencionado ‘Europa’, esto se puede bailar sin problema (y sin remixes) en una discoteca. Es, en fin, la Mónica que justifica la mitomanía». Raúl Guillén.
«Confieso que la primera vez que escuché/vi ‘Doble Corazón’ no sabía si me había encantado o me había horrorizado. Lo mismo me pasó con ‘Jamás’ y, por supuesto, con ‘Europa’ (bueno, no, ‘Europa’ me entró a la primera). Mónica Naranjo pasa de «buscar nuevo público»: sus fans le van a comprar el disco sea ultracomercial o sea una ópera de rock, así que prefiere cantar lo que verdaderamente le apetece, y en ese «lo que le apetece» se incluye conseguir que «exceso» parezca un diminutivo. A quienes ‘Europa’ les pareció una ida de olla y una mierda, este nuevo single les va a parecer una ida de olla y una mierda, y esa coherencia es comprensible. Pero ‘Doble Corazón’ no va para ellos, sino para quienes gustan -gustamos- de los excesos de Mónica, para aquellos a los que ‘Europa’ nos pareció una ida de olla, sí, pero una genial ida de olla. Estaba claro que el primer adelanto de un proyecto llamado ‘Mes Excentricitès, Vol. 1’ (cuya primera entrega se llama pa colmo ‘Le Psychiatrique’) no iba a apostar por el minimalismo. Ni en la canción ni en su (fantástico) videoclip. ‘Doble Corazón’, cuya letra es además de las mejores que ha compuesto en los últimos años La Naranjo, tiene un poco de todos sus excesos: los gritos de ‘Jamás’, los coros de ‘Desátame’, la estética y épica de ‘Europa’, el toque rock-dubstep de ‘4.0’, el empoderamiento de ‘Sobreviviré’ o ‘Pantera en libertad’, los momentos operísticos de ‘Lubna’… hasta la voz de niña de ‘Usted’, ahora en versión techno. Pasados unos días de reflexión, yo digo sí. Qué coño, supersí». Pablo N. Tocino.
«Que Mónica Naranjo, esa Mónica Naranjo amable que vemos habitualmente en el prime-time nocturno, se atreva, cuando graba, a continuar entregando absolutas idas de olla como esta, es un subidón. Pero para mí ahí se acaban las virtudes de este ‘Doble corazón’ que no es más que reunir todos los peores tics de Queen y Muse elevados al cubo en una producción de 5 minutos. La idea da miedo, ¿verdad? Pues ese es exactamente el resultado de esta composición que la pregonera del Orgullo 2019 en Madrid dedica a su bisabuela Robledo, que habla de la Guerra Civil, y que por tanto debería poner los pelos de punta, pero en realidad da risa. El humor involuntario es lo peor que te puede pasar cuando estás contando una historia que tiene menos gracia que la performance de Ciudadanos en el citado Orgullo, pero es lo que aparece de manera reiterada en esta canción, especialmente en las partes de la voz apitufada o aniñada. Si esto es un drama desgarrado, ¿por qué da constantemente la risa?». Sebas E. Alonso.
‘Oasis’ de J Balvin y Bad Bunny es el álbum número 1 en streaming en España y además lo ha de ser muy holgadamente, pues el disco de 8 canciones aparece al completo en la lista de singles española. En ella la entrada más fuerte es ‘Qué pretendes’ (número 5), seguida de ‘La canción’ (número 11) y ’Mojaíta’ (número 20). Más abajo en la tabla encontramos las otras cinco pistas del álbum colaborativo: ‘Yo le llego’ (top 45), ‘Un peso’ (top 50), ‘Como un bebé’ (top 55), ‘Cuidao por ahí’ (top 61) y ‘Odio’ (top 65). Como muestra de la obsesión que generan ambos entre la juventud actual, las pistas no han caído en la lista de singles en el orden de la secuencia del álbum, ni nada que se le parezca.
A pesar de no contar con una semana completa de streamings, las dos canciones nuevas de Rosalía aparecen en el top 100. Mientras ‘Con altura’ continúa en el puesto 8, la más reciente ‘Aute cuture’ baja al puesto 33 y ‘Malamente’ es puesto 77 en su 58ª semana de permanencia; ‘Millònaria’ aparece en el 51 y ‘Dios nos libre del dinero’ en el 86.
Otra curiosidad entre pachangueo y reggaetón vario es ‘Otra forma de vivir’ de Joan Dausá, Maria Rodés y Santi Balmes, un tema que gracias a un anuncio de cerveza se cuela en el puesto 89 de la lista española.
El top 1 sigue siendo ‘Callaíta’, otro tema de Bad Bunny pero con Tainy, y el resto de entradas son ‘Cambio’ de Ozuna (número 25), ‘Si supieras’ de Daddy Yankee y Wisin & Yandel (número 49),’Beautiful People’ de Ed Sheeran y Khalid (número 53), ‘Diavla’ de Chris Viz y Young Vene (número 54), ‘Celébrate’ de Miki Núñez (número 62), ‘Inocente’ de Myke Towers (top 78) y ‘Soldadito de hierro’ de Nil Moliner (top 87).
Este 13 de julio Mallrat será la primera invitada del ciclo Lovesick que celebramos en la Sala Pop Bar de Razzmatazz (Barcelona). La australiana de 20 años ha publicado 2 EP’s que debes conocer si te gustan artistas como Carly Rae Jepsen, Troye Sivan, Lorde, Robyn o incluso Billie Eilish, a la que suele versionar. JENESAISPOP invita a este concierto, que será dentro de RazzClubs, a partir de las 2.30 de la madrugada de este sábado, a los primeros en escribir a jenesaispop@gmail.com indicando nombre y apellidos y cuál es su canción favorita de Mallrat. En este artículo repasamos 5 de sus canciones más importantes por el momento.
Tras el éxito de su primera novela, ‘
Tupac Shakur y Madonna fueron pareja en secreto a mediados de los 90 y la cantante ha llegado a contar alguna vez en Instagram que algún día publicará el tema que llegaron a grabar juntos. 
‘Porvenir’, el tercer disco de Le Parody, comienza contándonos que «manchas de guerra dejó la tarde en un cielo rubí». El tema llamado ‘Flores’ se inicia con unas voces dobladas que nos sitúan en algún punto intermedio entre Andalucía y el Norte de África, lo cual no es casual. De manera significativa, en un tema llamado ‘Alepo’, después escucharemos una referencia a una «valla» de Melilla. 
Uno de los grandes reclamos de la edición 2019 de Mad Cool –que 
‘Boy from School’, ‘Ready for the Floor’, ‘I Feel Better’, ‘Need You Now’… la carrera de Hot Chip está llena de «segundos singles» que son igual de buenos que los primeros. De hecho algunos de ellos -especialmente ‘Ready for the Floor’ y ‘I Feel Better’- eran claramente mejor que los primeros. Y la historia se repite con su último álbum, 
A continuación y por contraste en un escenario perpendicular, Lykke Li se benefició de contar con una banda real que diera cuerpo a las canciones de su repertorio. Se notó tan pronto como en la segunda canción, en la fuerza de la batería al final de ‘No Rest for the Wicked’. Curiosamente, la cantante sueca optó también por un repertorio in crescendo que fue pasando de temas más sinuosos e intrigantes a la traca final. ‘Little Bit’, ‘deep end’, su favorito ‘bad woman’, ‘sex money feelings die’ y ‘I Follow Rivers’ (en una versión distinta, pero no la de la remezcla, ¡gracias!) sonaron todas en la segunda mitad. La noticia, quizá, lo bien que quedan en directo sus temas con ligeras bases trap, en principio no demasiado santo de mi devoción en su caso particular.
La versatilidad definitiva en el cartel la habían puesto por la tarde The Cat Empire y la remataron por la noche Bring Me the Horizon. Los primeros alternaron dos cantantes, el uno un galán salido como de los Premios César, el otro como de la carroza de osos del Orgullo en la que se quería 
Aunque ‘
Lo que parecía la típica noticia de un rapero famoso que se mete en un follón «just because», está adquiriendo tintes mucho más serios. La 
A estas alturas, ya no es una sorpresa que el cartel del 
Según informaba esta tarde el programa de corazón ‘Sálvame’, 
Tras el excelente sencillo de presentación ‘Una persona sospechosa’ y el llamado de manera impactante ‘Idiota’, Los Punsetes dan los detalles -ya sabéis, nombre, portada, fecha de edición, títulos de las canciones- de su próximo álbum.
La barcelonesa Sala Apolo informa de que desde su inauguración anoche de la nueva fiesta Maraca, de los creadores del Churros con Chocolate, abrirá sus puertas cada día durante este verano. 
Tras haberse confirmado hace unas pocas semanas a Jamiroquai como gran cabeza de cartel junto a Kraftwerk (3D) y ampliado la oferta inicial que incluía a Amaia, Mark Lanegan y Carolina Durante con nombres como Michael Kiwanuka, The Divine Comedy o Morgan, hoy 
Es una curiosa coincidencia que, del mismo modo que hace 11 años coincidieron en publicarse ‘Attack & Release’ de The Black Keys y ‘Consolers of the Lonely’ de The Raconteurs, ahora suceda lo mismo con ‘
Mad Cool celebra desde hoy una nueva edición en la que podemos encontrar a artistas tan interesantes como Jon Hopkins, Vince Staples, Kaytranada, Disclosure o Gossip; tan variados como Bring Me the Horizon, Prophets of Rage y Marina; y también noveles como Jorja Smith, Alma o Cariño. Pero si algo caracteriza al festival madrileño que el año pasado reunió a 80.000 personas POR DÍA (este han reducido aforo) es que le gustan las cosas grandes, y en esta edición no faltarán artistas que han hecho historia a lo largo de los últimos 40 años de música pop.
Mark Ronson estrena nuevo single de su disco en gran parte inspirado en su divorcio ‘
Metronomy tienen un nuevo disco preparado para septiembre que se llamará ‘Metronomy Forever’. De él hemos conocido un par de singles, ‘Lately’ y el más reciente ‘Salted Caramel Ice Cream’, cuyo vídeo os presentábamos hace unas semanas ideado «contra la gentrificación de las heladerías». El videoclip mostraba a miembros del grupo compitiendo por llevarse el helado más guay del barrio, recordándonos a 
Niño de Elche ha publicado este año ‘
Parte de la redacción evalúa el single de regreso de Mónica Naranjo.
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