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Rat Boy / GOVERNMENT VACATION

Por
Sebas E. Alonso
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No tanta gente explora los caminos en común entre indie y rap, hasta el punto de que extrañaba un poco ver emerger una propuesta como recientemente en España la de los post-punk ANTIFAN presentando canción con C. Tangana. El británico Rat Boy, proyecto del joven Jordan Cardy, lleva 2 discos apostando por esta opción, arrimándose tan pronto a los Strokes (‘Sign On’) como a The Go! Team (‘Laidback’), y siempre sin abandonar su rapeado.

2020 lo ha comenzado publicando un EP de 6 canciones que, en general, expresan su decepción por el sistema que nos ha tocado vivir, como proclama el single principal ‘Victim of a System’, desde ya una de sus producciones fundamentales gracias a sus vientos revitalizantes y a su letra sobre cambio climático y lucha social. A continuación, ‘Time On My Mind’, sobre un «desastre nuclear» y un «futuro» apocalíptico, puede ser un tema próximo al hip-hop pero sin prescindir de las guitarras tarantinescas, la psicodelia de Primal Scream y cierta querencia jamaicana que surge de vez en cuando en otras pistas de este ‘GOVERNMENT VACATION’. Como por ejemplo en su última pista y titular, cercana a los territorios de M.I.A., que concluye muy lejos de lo políticamente correcto: «He dicho lo que tenía que decir / ¿no escucháis? / voy a matar a ese político / me aseguraré de que desaparezca su cuerpo / sí, tengo un problema mental».

Pese a semejante jardín, estamos ante un EP de marcado carácter festivo, en sintonía con el espíritu del famoso himno de los Beastie Boys, con la excepción de la balada ‘Rewind’, una canción de amor construida como con una acústica de Dolores O’Riordan, el espíritu de Eminem y una melodía de Linkin Park. Un tema algo más desafortunado que abre una segunda mitad ya más plana, tras una primera que se completaba con la estupenda ‘Truth of the Youth’. Otra composición reivindicativa sobre la censura en los medios de comunicación, que cuenta con otro estribillo machacado pero para enmarcar, bastante simpático. «Somos los chicos sobre los que te advirtieron tus padres». Chicos que crecerán en la era Boris Johnson, pero que ahora habrán de hacerse oír más que nunca, como en los 80 se hicieron oír los Smiths y Public Enemy.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Victim of a System’, ‘Time On My Mind’, ‘Truth of the Youth’
Te gustará si te gusta: Beastie Boys, The Go! Team, Kasabian, Gorillaz
Escúchalo: el single en Youtube

Ni FKA twigs, ni Charli XCX, ni ninguna otra mujer opta al Álbum del año en los premios BRIT 2020

Por
Raúl Guillén
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Esta tarde de sábado la industria discográfica británica ha anunciado las nominaciones a sus premios, los BRIT. Y llama la atención sobremanera que, en un año como 2019 en el que el pop mundial ha estado dominado por mujeres, no haya ni una sola que pueda optar al siempre especial Álbum del año, que el año pasado fue para The 1975.

Ni FKA twigs con ‘MAGDALENE‘, álbum que ha sido destacado como uno de los mejores de la pasada temporada por numerosos medios -incluido, modestamente, el nuestro-, ni Charli XCX, con el tan valiente como divertido ‘Charli‘, han sido merecedores de tal honor para la Industria Fonográfica Británica. No hablemos ya de propuestas mucho más minoritarias como Kate Tempest, Marika Hackman o Nilüfer Yanya. Michael Kiwanuka con ‘KIWANUKA‘, Stormzy con ‘Heavy Is the Head‘, los debuts de Dave y de Lewis Capaldi y ‘Fine Line‘ de Harry Styles son los discos nominados.

Pero no sólo llama la atención la escasa presencia de féminas en esa categoría, sino de una manera general, como si la existencia de un premio a la mejor artista femenina británica fuera suficiente. Allí sí encontramos a Charli y Tahliah Barnett, junto a Freya Ridings, Mahalia y Mabel. De hecho, la hija de Neneh Cherry es una de las artistas que más nominaciones acumula, con tres: opta también a artista revelación y a mejor canción por ‘Don’t Call Me Up‘. Y en ese área compite con nueve temas, todos interpretados por hombres (apenas se cuelan Normani y Sam Smith, además de Miley Cyrus como colaboradora de Mark Ronson). Lana del Rey, Billie Eilish, Post Malone, Bruce Springsteen o Tyler, the Creator se cuentan entre los nominados en apartados internacionales. Los BRITs se fallarán en la gala que se celebra el día 18 de febrero.

Los baterías de Metallica y Nirvana rinden tributo a su maestro Neil Peart de Rush

Por
Raúl Guillén
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Tal y como confirmaron a última hora de ayer sus dos ex-compañeros de banda, Geddy Lee y Alex Lifeson, el que fuera batería de Rush durante décadas, Neil Peart, fallecía el día 7 de enero. Tenía 67 años y ha sido víctima de un cáncer cerebral contra el que llevaba batallando desde hace tres años y medio, según revela el texto de sus colegas. «Descansa en paz, hermano», termina su escueto texto en el que piden respeto a la privacidad de su familia. [Foto de la web de Neil Peart.]

Peart no solo está considerado como uno de los mejores y más influyentes baterías de rock de todos los tiempos, sino que además, y de manera bastante atípica, fue letrista de la mayor parte de las canciones de Rush. Así fue desde su segundo álbum, el icónico ‘Flight by Night’ de 1975 –Peart sustituía un año antes a John Rutney, baterista en el debut homónimo de los canadienses–, hasta el último gran tour del grupo de rock progresivo, en 2016. De hecho, en su vida publicó numerosos libros de ficción (incluido ‘Clockwork Angels’, que inspiró el último disco de estudio de Rush, en 2012) y sobre todo de no-ficción, volúmenes en los que narraba sus viajes por carretera tanto con el grupo como en motocicleta.

Peart está considerado un modelo de técnica y precisión para muchos baterías de rock, y su descomunal set de platos, aéreos y percusiones varias es una imagen absolutamente impresionante. Por tanto, no es de extrañar que, además de personalidades como el actor Adam Sandler y músicos coetáneos como Geezer Butler de Black Sabbath, Paul Stanley de Kiss o Judas Priest, algunos de los bateristas más reconocidos de la actualidad le hayan rendido tributo. Lo ha hecho Lars Ulrich, reconocido batería de Metallica, que le ha agradecido su «inspiración y sus consejos durante el camino, especialmente en los primeros días en que te tomaste la molestia de hablar con un joven y verde batería danés sobre grabación, equipamiento y las posibilidades que había por delante».

Y, aun más emotivamente, Dave Grohl, batería más recordado de Nirvana y luego líder de Foo Fighters. Grohl fue el artista que en 2013 presentó a Rush cuando fueron inscritos en el Rock and Roll Hall of Fame, y ha publicado una bonita nota: “Una inspiración para millones con un inconfundible sonido que instigó a generaciones de músicos (como yo mismo) a coger dos baquetas y perseguir un sueño. Un amable, reflexivo y brillante hombre que dominó nuestras radios y reproductores de discos no solo con su batería, sino también con sus bellas palabras». Su compañero a la baquetas en Foo Fighters, Taylor Hawkins, lo resumía de una manera más contundente: «Neil Peart tenía las manos de Dios. Fin de la historia».

No te pierdas… J Balvin sigue «viendo la vida en colores» con Takashi Murakami en ‘Morado’

Por
Raúl Guillén
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Si te preguntaste por qué narices esa canción que J Balvin publicaba el pasado noviembre se llamaba ‘Blanco’, la respuesta –más o menos– llegaba ayer con el lanzamiento de un nuevo single. Se titula ‘Morado’, sin que el color tenga, en principio, relación alguna con su letra, desvelándose que a lo largo de los próximos meses publicará una serie de singles llamada ‘Seeing Life in Colours’, quien sabe si con destino un nuevo álbum que suceda al gran ‘Vibras‘.

El tema, producido por su colaborador habitual Sky, es esta vez un tema de reggaeton pop menos afilado, más amable, con un gancho inapelable: ese que dice «yo pedí un trago y ella la botella / abusa siempre que estoy con ella», dedicada a una mujer que supera las mejores expectativas del colombiano. No nos extrañaría que, mientras sigue funcionando su alianza con Black Eyed Peas en ‘Ritmo‘, esto se convierta en un nuevo hit del «niño ‘e Medellín».

El proyecto ‘Seeing Life In Colours’ no es solo musical sino también visual y, como Blanco, cuenta con un vídeo bastante espectacular dirigido por el reputado Colin Tilley (Kendrick Lamar, Iggy Azalea, Britney Spears), lleno de estilismos coloridos –con predominio del morado, obvio–, animales virtuales –incluidos un tigre albino y hasta un dragón– y mujeres perriando. Pero quizá es más llamativo que toda la dirección artística viene de la mano del artista nipón Takashi Murakami, que ya se había relacionado con el mundo del pop en vídeos de Billie Eilish, Kanye West o Pharrell. De hecho, es el diseñador de esa margarita sonriente que figura en las portadas de esta serie de singles y que parece íntimamente relacionada con el espectacular y surrealista diseño escénico que Balvin exhibió en su Arcoiris Tour de 2019.

J Balvin opta este año a un premio Grammy que, contra todo pronóstico, no es por ‘Con altura’, su monster-hit junto a Rosalía de 2019. Sino que, cruelmente, compite contra ‘El mal querer’ de la catalana en el premio a «Mejor álbum latino de rock, urban o alternativo». Lo hace con su estupendo disco colaborativo con Bad Bunny, ‘Oasis‘. En un par de semanas, cuando se celebre una gala en la que actúan Billie Eilish, Lizzo y Lil Nas X, conoceremos si alguno de los dos se alza con este premio o no.

Delaporte dan una vuelta de tuerca emocional y visual a su pop futurista con ‘Clap Clap’

Por
Raúl Guillén
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Delaporte, formado por Sandra Delaporte y Sergio Salvi, se ha consagrado a lo grande en el pasado 2019. Tras despuntar en 2018 con su segundo EP ‘Uno’ y el single ‘Un jardín’, el dúo ítalo-español afincado en Madrid daba un puñetazo en la mesa con su primer largo, ‘Como anoche‘, un disco de pop electrónico tan ambicioso como hedonista repleto de canciones con madera de hit más allá del ámbito alternativo como ‘Ni un beso’, ‘Superman’ y ‘No te vas a olvidar’. Por supuesto, se han colado en nuestra selección de mejores canciones y discos de 2019.

Y ahora, tras un breve descanso de sus directos –en los que también han dado una idea de su capacidad para dar espectáculo y (con)mover al público–, no van a dejar de dar batalla en 2020. Con un segundo disco ya en el horizonte –han anunciado YA su fecha de presentación el 27 de noviembre en La Riviera de Madrid–, por lo pronto han presentado un nuevo single que, de nuevo, da en la diana de esa transversalidad pop que han venido demostrando. Se trata de ‘Clap Clap’, una canción que de nuevo da muestra de su gran capacidad para equilibrar audacia en la producción con el magnetismo en sus melodías, yendo de cierto minimalismo (con Sandra casi susurrando su gancho) hasta una explosión bailable (con Sandra brillando como nunca con su voz, en claro crecimiento).

En eso cambian poco estos Delaporte de los que conocíamos. Pero sí que se aprecia cierto giro en el plano emocional de la canción, entonando una letra que, incluso con frases tan WTF como «yo mato el aire con pan», se revuelve contra la opresión de los que pretenden maniatarnos («quieres hacerme callar, yo te quiero cantar») y coartar nuestra libertad (incluso se diría que ofrece cierta lectura político-social). Pero ofrece un mensaje positivo, de orgullo ante la reacción: «construyo con lo que me dais / y bailo en tu cara». En ese sentido, la estupenda cara B del single funciona también así en el aspecto lírico, puesto que ‘No’ muestra la fragilidad de alguien que está hundido y reclama su derecho a no estar bien, que tantas veces se nos niega.

El single viene acompañado de un estupendo videoclip con hechuras de cortometraje. Dirigido por Ines de León y Larry Balboa, en él Sandra se inspira en un personaje como el de Uma Thurman en ‘Kill Bill’, que pasa de estar destruida a coger fuerzas para luchar por la vida y la luz, superando obstáculos hasta que consigues matar –literalmente, aunque dando su propio toque al rollo gore– todo aquello que te ha hecho ser una miserable. Como la película de Tarantino, no está exenta de un punto de humor en su final, en el que ‘No’ suena de fondo, precisamente. Es, en suma, otra admirable vuelta de tuerca de Delaporte.

Además de formar parte del cartel de los festivales SanSan y Cooltural Fest, Delaporte realizará su primera presentación en directo de 2020 el próximo 7 de febrero en Valencia, en la sala El Club.

Lo mejor del mes:

¿Por qué ha tenido tanto éxito el ‘Drácula’ de Netflix si todos estamos ya un poco hartos del personaje?

Por
Joric
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Mark Gatiss y Steven Moffat han construido gran parte de su obra televisiva sobre los cimientos del pastiche posmoderno, recreando con ironía, espíritu lúdico y expresividad manierista clásicos de la literatura popular británica. Tras ‘Jekyll’ (Moffat, 2007), ‘Agatha Christie: Poirot’ (Gatiss, 2008) y la exitosa ‘Sherlock’ (2010), la primera que escribieron juntos, la pareja regresa con ‘Drácula’, la enésima adaptación –hace unos años hubo otro pequeño revival con la mediocre serie ‘Drácula’ (2013) y la olvidable película ‘Drácula, la leyenda jamás contada’ (2014), sin olvidar la estupenda ‘Penny Dreadful’ (2014)– de la inmortal creación de Bram Stoker.

¿Qué tiene de especial esta nueva versión para que haya tenido este éxito? En realidad, no demasiado. Tras las más de trescientas adaptaciones, entre cortos, largos y series, que contabiliza IMDB, poco nuevo se puede decir del personaje. El conde (re)creado por Gatiss y Moffat es un compendio de los anteriores: la elegancia de Bela Lugosi (la serie incluye un guiño explícito con la célebre frase “Nunca bebo… vino”), la animalidad de Christopher Lee (al que más se parece, con esos ojos inyectados en sangre), la capacidad de seducción de Frank Langella en la olvidada versión de 1979, el romanticismo de Gary Oldman e, incluso, ya fuera de Drácula, el homoerotismo de ‘El retrato de Dorian Gray’ (atención a cómo se refleja el vampiro en los espejos) o de ‘Entrevista con el vampiro’.

Las libertades que se toman con la trama y los demás personajes tampoco son ninguna novedad. Películas como ‘Dracula: Pages From a Virgin’s Diary’ (2002), ‘Van Helsing’ (2004) o la mencionada ‘Drácula, la leyenda jamás contada’, han mordido y chupado la sangre al original de Stoker hasta casi dejarlo irreconocible. La serie es más o menos fiel a la estructura de la novela, aunque juega con bastante gracia con su temporalidad. Como ejemplo –y sin destripar nada–, hay un pasaje que en el libro apenas dura unas páginas, y que aquí está estirado como si fuera un whodunit de Agatha Christie. Los personajes –aparecen todos: Jonathan Harker, Mina, Lucy, Renfield, el doctor Seward…– también están reinterpretados con ingenio. Sobre todo uno: Van Helsing.

Transformar al célebre cazavampiros en una monja más irreverente, sarcástica y atea que las de ‘Entre tinieblas’ (1983) es uno de los grandes aciertos de esta serie (monja basada en la muy secundaria Ágata de la novela). Y articular la historia a través del enfrentamiento, físico y sobre todo dialéctico, entre el vampiro y la religiosa, es el otro. ‘Drácula’ no sería más que otro divertimento-homenaje, otro juego posmoderno de códigos, referencias y piruetas visuales (aquí se utiliza una estética a medio camino entre el goticismo clásico y pop barroco), si no fuera por la partida de ajedrez que juegan estos dos personajes. La ironía del conde transilvano (interpretado con cierto encanto retro por el danés Claes Bang) es más afilada que sus colmillos. Y las réplicas de la hermana Agatha Van Helsing (estupenda Dolly Wells) más certeras que una estaca en el corazón.

Este duelo sostiene los dos primeros capítulos de los tres que componen la serie. De hecho, cuando ninguno de los personajes está en escena, ‘Drácula’ pierde sangre como un cuerpo decapitado. Hay subtramas, como la de Lucy y Seward o las de algunos tripulantes del Deméter, que tienen muy poco interés. En cambio, cuando los dos protagonistas aparecen, inyectan vida a la trama como una transfusión de sangre. Pero, ¿qué pasa con el tercer capítulo? Que no hay sangre en el mundo que lo reviva. Su salto narrativo y visual –que no voy a desvelar– es tan atrevido como invitar a Drácula a tu casa; pero su desarrollo y, sobre todo, su resolución, es tan fallida como intentar matarle con una pistola. Un final con reflujo a ajo que, sin embargo, no debería hacernos olvidar que empezó con un banquete regado con… vino. 7.

Robbie Williams vende otro medio millón de copias; ‘Jesus Is Born’ pasa desapercibido

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Sebas E. Alonso
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Hits

Terminada la Navidad es inevitable preguntarse qué discos de temporada han ido bien y cuáles han ido mal. Además de los álbumes recurrentes de Mariah Carey y Michael Bublé, hay que destacar en positivo el caso de Robbie Williams. Robbie quería hacer un disco navideño para competir precisamente con Bublé y aunque sin sus cifras millonarias y globales (¡¡¡’Christmas’ ha vendido 13 millones de copias!!!), lo cierto es que lo ha conseguido.

‘The Christmas Present’ ha sido nº1 en Australia, Austria, Alemania, Suiza y Reino Unido, además de número 2 en Italia y Nueva Zelanda. Si no te has enterado es porque España ha sido uno de los países grandes más fríos con este proyecto (top 30), junto con Francia (top 53), pero lo importante es que su acogida ha sido tan sólida en lugares como Reino Unido o Alemania que de nuevo el disco superaba el medio millón de copias según Mediatraffic, y en tan solo 5 semanas. En los tiempos que corren y recordando que Williams nunca triunfó en América, ni tan mal.

A estas alturas nadie es tan siniestro como para ponerse algo llamado ‘Merry Xmas Everybody’, pero es que a Robbie Williams le fue tan bien durante las últimas semanas del año que ‘The Christmas Present’ ha llegado a ser el 12º álbum más vendido de todo 2019 en Reino Unido, el 5º de Austria o el 28º de Alemania. Es platino en Austria, oro en Reino Unido y además puede ser un disco recurrente en Navidades próximas. Da la impresión de que el artista no ha exprimido temas como ‘Idlewild’ o ‘Darkest Night’ todo lo que pudiera, por lo que quizá le veamos en la tele dentro de 11 meses defendiendo alguno de ellos.

Flops

Kanye West sacaba disco por Navidad, como prometía, el 25 de diciembre, quizá demasiado tarde para que algo llamado ‘Jesus Is Born‘ tuviera algún tipo de impacto comercial. Los discos de Navidad se suelen trabajar desde noviembre, y en días sucesivos a Nochebuena, la gente pasa a otras cosas. Curiosamente, las críticas de ‘Jesus Is Born’ no han sido malas, pero sí escasas: la prensa musical prepara las reseñas de este tipo de álbumes antes de Nochebuena, no después; encontrar una reseña de un disco así titulado en los mensuales de enero o febrero va a ser de lo más peregrino, y a todas luces el álbum ha pasado desapercibido. En su mercado principal, Estados Unidos, ha sido tan sólo número 73 en el Billboard 200, pasando sin pena ni gloria por todos los demás países, Canadá incluido.

El álbum está firmado por el Sunday Service Choir, lo cual es un suicidio comercial mayor que el de firmar algo como The Carters, y al fin y al cabo, no está cantado por Kanye West. Sin embargo, es inevitable pensar en el irregular funcionamiento de su álbum gemelo, ‘Jesus Is King‘, y preguntarse por las metas de Kanye: si quería que su mensaje fuera escuchado, no ha optado por el mejor camino. Uno se imagina a los ejecutivos de Universal desesperados e impotentes ante la imposibilidad de trabajar apropiadamente al artista. ‘Jesus Is Born’ está editado por «INC», pero ‘Jesus Is King’ no deja de ser una edición de Def Jam. ¿Quedará aún alguien implicado en esta era de Kanye?

En diagonal: ‘Rare’ de Selena Gomez no es tan «raro»

Por
Jordi Bardají
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Estrenamos sección donde recopilamos algunas primeras impresiones disponibles en internet sobre un lanzamiento destacado, en este caso ‘Rare‘ de Selena Gomez.

En nuestros foros, el nuevo disco de Selena Gomez está gustando más o menos. El usuario el_maguan opina que es un «discazo», mientras RicBreaker entra a valorar el «sonido íntimo en todo el disco» y sus «instrumentos», que «van bien a la voz de Selena». Sin embargo, cree que «llega un punto en que todas las canciones son un rollo y suenan igual». En concreto, jaycc destaca la canción titular, que le da «Bad Liar vibes». El vídeo para esta composición, muy onírico y surrealista, se ha estrenado este viernes.

‘Rare’ también está generando opiniones tibias o directamente negativas en nuestro foro tras unas pocas horas de lanzamiento. AitorRS opina que «no está mal», pero que le ha terminado pareciendo «un poco repetitivo» y que, en ese sentido, le ha recordado a ‘Glory‘ de Britney Spears (varios usuarios salen en defensa de este álbum). Por su parte, homesicklucas destaca la producción del disco, pero argumenta que «fuera de eso es la nada misma», y añade que es «una lástima que Selena no se haya apropiado del minimalismo onda Hands to Myself/Good For You», pues era lo único que encajaba bien con su voz». Cofi incluso comparte una reseña «canción por canción» del disco, pero aguanta hasta la pista 7. Y JonPGz dice que «tiene cosas chulas» pero que le parece «muy blandito».

Para encontrar valoraciones ultra positivas sobre ‘Rare’ no hay que ir más allá que a Twitter, donde Selena y su nuevo disco son uno de los temas más comentados del día. Ni cabe decir que a sus fans les está encantando. Entre las pistas mejor valoradas de momento se encuentran ‘Dance Again’ y ‘Vulnerable’. Sin embargo, en foros anglosajones como el de Popjustice está gustando menos y la opinión generalizada parece ser que al «inofensivo» disco le falta algún hit, mientras el trabajo vocal de Gomez tampoco sale muy bien parado. Pronto, nuestra valoración.

Bilbao BBK Live confirma a Placebo y anuncia cambio de precio a partir del 15 de enero

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Jordi Bardají
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Bilbao BBK Live ha confirmado a Placebo. Han pasado ya seis años desde que la banda de Brian Molko publicara ‘Loud Like Love‘, su último trabajo hasta la fecha, pero el grupo no ha parado de tocar en todo este tiempo para presentar su recopilatorio ‘A Place For Us to Dream – 20 Years of Placebo’ y además se encuentra preparando su nuevo disco.

Las entradas para esta jornada y para las del viernes y el sábado, así como los bonos para todo el festival, están disponibles y pueden adquirirse a precio promocional hasta el próximo miércoles 15 de enero a las 23:59h. El bono estándar tiene un precio de 140 euros + gastos y el bono + camping, de 158 euros + gastos, mientas las entradas de día están disponibles a un precio de 60 euros + gastos. El pago de los bonos puede efectuarse a plazos. El festival tendrá lugar en Kobetamendi, Bilbao, los días 9, 10 y 11 de julio de 2020.

Placebo se suma a los ya anunciados Kendrick Lamar, Pet Shop Boys, FKA twigs, Bad Bunny, Perfume Genius, Caribou, Supergrass y The Rapture, algunos de los nombres más esperados de cartel a nivel internacional. En el apartado estatal cabe destacar la presencia de nombres consagrados como León Benavente, La Bien Querida, El Columpio Asesino o Triángulo de Amor Bizarro, y de tan prometedores como los de Califato ¾, María José Llergo, Omago o Erik Urano.

No te pierdas el homenaje de Halsey a Xtina, Gaga, Shania… en el vídeo de ‘You should be sad’

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Jordi Bardají
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Halsey era una de las primeras artistas que publicaban disco en 2020, y su nuevo trabajo, ‘Manic’, llega el próximo 17 de enero, es decir, la semana que viene. Y aunque el «hype» entorno a él tras el monstruoso éxito de ‘Without Me’ se ha disipado un poco, pues ninguno de los sencillos posteriores a este se ha acercado a igualar su impacto -‘Graveyard’ a lo sumo’-, el sucesor de ‘hopeless fountain kingdom‘ es uno de los discos de pop más esperados del año.

Las últimas pistas de ‘Manic’ estrenadas en las plataformas habían sido ‘Finally // beautiful stranger’ y ‘SUGA interlude’, y a ellas se suma ahora una canción que puede ser la más interesante de las tres a nivel musical. En el estilo country de la primera, ‘You should be sad’ es en realidad bailable, casi «honky tonk», pero su fusión de guitarras acústicas con guitarras eléctricas sucias y sirenas en la entrada del estribillo no es exactamente habitual en el género.

Para esta curiosa canción, Halsey ha querido hacer un vídeo de inspiración country que además homenajeara a algunas de sus artistas femeninas favoritas. En concreto, las artistas y estéticas referenciadas son Christina Aguilera en ‘Dirrty’, Carrie Underwood en ‘Before He Cheats’, Lady Gaga en ‘American Horror Story’ y Shania Twain en ‘That Don’t Impress Me Much’. Halsey ha confirmado las inspiraciones en su cuenta de Twitter.


‘La Isla de las Tentaciones’ de Mónica Naranjo: sin tetas y con inocencia, no hay paraíso

Por
Raúl Guillén
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Presume Mónica Naranjo de que, aunque ‘La Isla de las Tentaciones‘ recuerde al legendario ‘Confianza ciega‘ (obvio: básicamente, es el mismo formato con su nombre original), este nuevo reality que presenta para Mediaset se diferencia de aquel de Antena 3 en que «todo es verdad». Y lo dice como si esto fuera bueno. Personalmente tengo mis dudas, si esa verdad implica ser consciente de que el objetivo primordial de todos los participantes –no solo las parejas que se ponen a prueba, sino también los y las que aspiran a romper aquellas– es labrarse un camino en la caja tonta sin más mérito que su palmito o su capacidad para extender el caos. Al fin y al cabo, la aspiración de estos es prácticamente la misma que la de aquellos modelos y actores de aquel delirante show. Me atrevo a decir, sin miedo a equivocarme mucho, que por entonces incluso se les pagaría más y mejor.

Porque ‘La Isla de las Tentaciones’ parece, de entrada, una especie de ‘Mujeres Hombres y Viceversa’ en versión paradisíaca y deluxe (se desarrolla en un resort de la República Dominicana). Más aún con la granhermanización que hará Telecinco de él ante la justísima caída en desgracia del formato por el escándalo de Carlota Prado: habrá dos emisiones por semana repartidas entre Cuatro y Telecinco, y hasta un debate presentado por Sandra Barneda. Al margen, asumimos, de la previsible retroalimentación de contenidos para otros programas que se sucederá a su término. Esta por ver si no acabarán atufando un concepto de telerrealidad, ya conocido, tan atractivo como perverso: cinco parejas consolidadas (todo lo consolidada que pueda estar una pareja de 5 meses, como sucede en algún caso) se separan por género en dos casas totalmente aisladas la una de la otra, y en ellas convivirán con diez mujeres y diez hombres respectivamente, que en teoría buscan el amor.

Lo cierto es que, pese a todo, la idea funciona incluso después de tantos años. Con una Mónica Naranjo bastante más comedida de lo que ‘Mónica y el sexo‘ nos hizo esperar –aunque, poco a poco, se va asentando en su papel de echar leña al fuego–, el magnetismo de vislumbrar las dudas, los celos y las broncas del futuro resulta apasionante. Tanto como contemplar el rostro de cemento armado que exhiben chicos y chicas al hacer en solitario exactamente lo contrario de lo que predican ante sus parejas. Mohines y congoja lastimera por un lado, y seducción descarada por otro. Fascinante. La cantidad de escenarios existentes se presta, además, a un ritmo de realización que no da respiro. Desde luego, no hay duda que ‘La Isla de las Tentaciones’ engancha.

Sin embargo, si hay que buscar una auténtica diferencia con ‘Confianza ciega’, esa es la pérdida total de inocencia televisiva en nuestra sociedad. Y es abismal comparada con la candidez que, pese a que estuviera más o menos orquestado o guionizado, exhibía aquel programa. Aquí no solo es palpable que hay varios participantes cuya aspiración vital es salir en televisión por su cara bonita y vivir de ello sea como sea. Sino que, además, hay un par de parejas que han pasado más horas en platós de la cadena que muchos focos, cables y puertas: Susana Molina, ganadora de GH14, acude con su pareja, el gemelo sevillano Gonzalo Montoya –de la misma edición del reality–, mientras que Álex y Fiama se conocieron en ‘MYHYV’, y Andrea e Ismael en ‘First Dates‘. Esto, claramente, le resta encanto y credibilidad, en tanto que resultará difícil saber qué actuación será genuina y cual pura pose de cara a la cámara.

Pero, a la inversa, el espectador de 2020 también puede presumir de esa pérdida de inocencia es la misma que también llega por parte del espectador. Un espectador que, aparte de no terminar de creerse a ninguno de los proto-tronistas que por allí pululan, se pregunta por qué a nadie en la productora o la cadena se le ha ocurrido incluir entre los treinta participantes a ni una sola persona de orientación sexual no heteronormativa, o a mujeres, hombres (y viceversa) que no se dediquen a esconder sus inseguridades con retoques estéticos y/o horas y horas de gimnasio. Es decir, que tengan una apariencia normal. O más (y peor) aún, que se pregunte si un programa que romantiza los celos y las relaciones posesivas sigue teniendo sitio en el prime-time de una sociedad asfixiada por la violencia machista. La respuesta está clara: una emisión sobre relaciones tolerantes, abiertas y sanas, triste y difícilmente se emitiría en esa franja horaria y alcanzaría un 23% de share en cuota de pantalla. Es cierto que es un entretenimiento, sí, pero programas como ‘¿Quién quiere casarse con mi hijo?‘ o ‘Granjero busca esposa’ también lo eran y conseguían evitar ambas cuestiones con naturalidad y humor. Algo que se echa tanto en falta como la inocencia en esa isla, un supuesto paraíso. 5.

Mad Cool confirma a Kali Uchis, Placebo, Clairo, Parcels, Glass Animals, Sam Fender, Cala Vento…

Por
Jordi Bardají
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Mad Cool ha desvelado una nueva tanda de nombres que se suman al cartel de su próxima edición, muy esperada por la presencia en él de cabezas de cartel confirmados como Taylor Swift, Billie Eilish, The Killers, Twenty One Pilots, Kings of Leon o Faith No More.

La nueva tanda de confirmaciones de Mad Cool consiste en una treintena de nombres nada menos, entre los que destaca Placebo, que además acaban de ser confirmados en otros dos festivales españoles, Bilbao BBK Live y Cruïlla. La banda de Brian Molko sigue trabajando en su octavo álbum de estudio, que en palabras de Molko será, por sonido, «próximo a un suicidio comercial». El bajista Stefan Olsdal ha dicho que el disco será «experimental» mientras trabaja en él «con prisa pero sin pausa».

También se suman a la programación de Mad Cool Kali Uchis, que acaba de editar el single ‘Solita’, y Clairo, autora de uno de los mejores discos de 2019. La revelación del pop británico Sam Fender también se encuentra entre los confirmados, así como Glass Animals, que han vuelto tras un parón de tres años con el single ‘Tokyo Drifting’; The Struts, Parcels, Cala Vento, Black Pumas, The Comet is Coming o Presumido.

Completan la tanda de nombres LIL GZ, Frank Carter, SCARYPOOLPARTY, Stephan Bodzin, City and Colour, Two Feet, DJ Anna, Hayden James, Goodbye June, Paula Temple, Sleep Token, Angel McMahon, Dinosaur Pile-Up, Elure, Gong Li, The Levitants, Meridian, Zaidbreak y SweetEme. El festival se celebra los días 8, 9, 10 y 11 de julio en el recinto de Ifema-Valdebebas.

Morrissey estrena la sorprendente (y larga) ‘Bobby, Don’t You Think They Know?’

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Raúl Guillén
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Apenas unos meses después de publicar el álbum de versiones ‘California Son‘ Morrissey aseguraba que tenía a punto un disco “demasiado bueno para ser verdad, demasiado verdadero para ser considerado bueno”. Y no mentía –en lo de que lo tenía a punto, al menos–, puesto que hoy mismo anuncia la publicación de ese trabajo.

Se trata de ‘I Am Not a Dog On a Chain’, un álbum producido de nuevo por Joe Cicharelli, y verá la luz el 20 de marzo. Según NME, el veterano productor asegura que se trata de su disco «más valiente y aventurado hasta la fecha». Lo cierto es que podría ser un cliché, si no fuera porque sin duda su primer adelanto parece ir por derroteros poco cómodos. ‘Bobby, Don’t You Think They Know?’ es una pieza que se aproxima a los seis minutos de duración y que muestra un marcado carácter electrónico, repleto de sonidos sintéticos incluso en su marcado bajo, que tiene una querencia soul y blues. Aunque sin duda el aspecto más sorprendente son los contrapuntos soul que le da una leyenda de la Motown como Thelma Houston, acentuados por unos saxos muy Bowie en la parte final. ¿Seguirá esos derroteros todo el disco?

Tracklist de ‘I Am Not a Dog On a Chain’:
‘Jim Jim Falls’
‘Love Is On Its Way Out’
‘Bobby, Don’t You Think They Know?’
‘I Am Not A Dog On A Chain’
‘What Kind of People Live in These Houses?’
‘Knockabout World’
‘Darling, I Hug A Pillow’
‘Once I Saw the River Clean’
‘The Truth About Ruth’
‘The Secret of Music’
‘My Hurling Days Are Done’

Salvador Tóxico y La Bien Querida, «todo el día follando, bebiendo y fumando sin control» en ‘El gran volcán’

Por
Raúl Guillén
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Después de adelantos tan potentes como ‘CsOH + H2‘ y ‘Serpiente terciopelo‘, había ganas de escuchar cómo sería ‘Canciones de laboratorio’, el nuevo álbum de Salvador Tóxico. El trío madrileño de indie pop con tanta guitarra como electrónica formado por Javier Castellanos, Chema Ruiz y Javier León buscaba ir un paso más allá de ‘Catálogo de planetas’, mostrando una mayor ambición y claridad de ideas. Y el pasado lunes, 6 de enero, lo lanzaban por sorpresa revelando que contenía colaboraciones con el dúo Nos Miran y La Bien Querida.

Sin duda la canción con Ana Fernández Villaverde, en pleno triunfo de ‘Brujería‘, es de lo más destacado del disco, y no solo porque lo abra: la canción es un potente comienzo para el disco por la mezcla de tensión y melancolía que exhibe su crescendo, que se libera cuando Javi y Labienque cantan a dúo eso de «una maratón, todo el día follando, bebiendo y fumando sin control», que es una directa alusión a esa intimidad urgente que se genera en los primeros encuentros sexuales de una pareja. «‘El gran volcán’ habla de las relaciones basadas en la atracción física», nos explica Castellanos, «y de sus inevitables encuentros para saciar la tensión sexual y crear juntos, más allá de la fusión entre dos cuerpos, un universo único y privado».

Hoy en JENESAISPOP estrenamos el clip que ha creado para la canción el tándem Rau Foto –Toni Pasarius y Pere García–, responsables del apartado visual de ‘Canciones de laboratorio‘ y que, nada sorpresivamente, muestra esa pasión entre una pareja que –lamentamos la decepción– no está formada exactamente por el Salvador Tóxico y La Bien Querida. «Es una metáfora del universo especial, privado y único que se crea cuando dos personas se encuentran para saciar los instintos más primitivos del ser humano. Todo ello expresado a través de líquido, color y elementos naturales como la fruta que nos sugieren y sumergen en un mundo visual lleno de connotaciones sexuales».

Salvador Tóxico estarán presentando ‘Canciones de laboratorio’ el próximo día 18 de enero en la sala Costello Club de Madrid, junto a Fominder, que también actúan con nuevo álbum entre manos, ‘Magia bajo cero’.

Lindstrøm / On a Clear Day I Can See You Forever

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Jordi Bardají
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Tras un tiempo dedicado a la música de baile, Lindstrøm ha centrado su último disco en la improvisación. El material de ‘On a Clear Day I Can See You Forever’ está adaptado de una performance que el productor noruego realizó por encargo, en el otoño de 2018, para un importante centro cultural de Oslo, en concreto para una exposición de sintetizadores y cajas de ritmos antiguos y difíciles de encontrar. Esto inspiró a Lindstrøm a trabajar exclusivamente con equipo analógico por primera vez en su carrera.

Si algunos de los sintetizadores usados en ‘On a Clear Day I Can See You Forever’ -título inspirado en una película de 1970 protagonizada por Barbra Streisand- son el malogrado Memorymoog o el Wurlitzer, Lindstrøm basa algunas de sus canciones en referencias incluso más remotas como un salmo que solía escuchar de pequeño en la iglesia (‘Really Deep Snow’) o en ‘El cisne de Tuonela’ del compositor finés Jean Sibelius, basado a su vez en ‘Kalevala’, la epopeya nacional de la mitología finlandesa (‘As If No One is Here’). Sin embargo, ‘On a Clear Day I Can See You Forever’ musicalmente es un disco sin grandes ambiciones, humilde, tranquilo y agradable en su pretensión por ofrecer un trabajo de música ambient cuidado a pesar de su elemento improvisado, y que poder tanto escuchar atentamente como dejar de fondo, tal y como la entendía Brian Eno. Aunque, en su caso, con el elemento cósmico que siempre le ha caracterizado y que está muy presente en estas cuatro composiciones que servirán de pretexto al noruego para ofrecer una actuación este sábado 11 de enero en la sala Razzmatazz de Barcelona, ya sin ritmos bailables que valgan.

La canción titular de ‘On a Clear Day I Can See You Forever’ abre el disco con una serie de melodías cósmicas y mutantes que parecen buscar todo el espacio posible dentro del sintetizador usado (precisamente el Memorymoog). Es una composición minimalista, en la que una serie de destellos de luz y sombras aportan novedades sutiles hasta que el tema llega a los 10 minutos y medio de duración. Menos amorfa es ‘Really Deep Snow’, una intrigante travesía hecha canción donde los beats mantienen su equilibrio mientras por el paisaje imaginado aparecen diferentes visiones, así como melodías tan reconocibles como la de una flauta. La cumbre del tema, con ese rayo de luz que parece asomar hacia el final, vuelve a ser sutil, pero el desarrollo de la pieza es exquisito. Y si bien la luminosa y feliz ‘Swing Lo Swing LFO’, de nuevo sin ritmos, recuerda a la reinterpretción de Debussy por Isao Tomita, lo hace de manera intrascendente, mientras el final del álbum mejora con la reaparición de un ritmillo tranquilo en ‘As If No One is Here’, a través del que el noruego va tejiendo un pequeño cúmulo de agradables pulsos y nubes ovaladas de sintetizador, que finalmente parecen flotar, contentos, en la inmensidad del espacio.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Really Deep Snow’
Te gustará si te gusta: Caterina Barbieri, Steve Hauschildt, los primeros EPs de Oneohtrix Point Never
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Rebe / Recuerdos de cuando me aplastó una piedra y me morí

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Raúl Guillén
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Sin duda uno de los personajes más fascinantes del panorama independiente nacional surgidos en 2019 es Rebe. Tras ese nombre que bien podría aludir a una joven poligonera, se esconde un ser singular que es (o simula ser) una especie de «ninfa de pop doméstico». Rebeca Díaz, una chica de veintipocos años que vive en la sierra madrileña, comenzó a juguetear con un par de amigos en el grupo Luli Rebe & Sus Xocolatinas, para después abrir su propio Soundcloud y Youtube, donde subía sus miniaturas musicales totalmente amateurs –»todo comenzó con un Casio PT-30″, dice su nota de prensa–. Miniaturas que se nutrían de la tradición de la canción melódica de los años 70 y 80 –Jeanette, Cecilia y Vainica Doble emergen como claros referentes– para crear una realidad paralela en la que la afinación, el sentido del tempo, la vocalización –para eso, también está Genius– y la pulcritud estética pasan a un segundo o tercer plano en favor de la libertad y el encanto de su singular compositora e intérprete.

‘Recuerdos de cuando me aplastó una piedra y me morí’, editado en formato físico al alimón por los artesanos sellos Snap! Clap! Club y Jeanne D’Arc (primero en una limitadísima tirada de cassettes y más recientemente en otra limitadísima tirada de vinilos, ambas ya agotadas), resume una etapa en la que el desamor que esconde su metafórico título instigó una batería de composiciones propias. Canciones que, cuando cabe discernir sus letras en las marañas de teclados random a lo John Maus, resultan ser menos (al menos un poco) naif de lo que esconden títulos como ‘Sabes a piruleta de fresa’ o ‘Sola en mi habitacion comiendo 1 melocoton’ (todo sic). La rabia surge incontenible en ‘Dimelo ya‘ y ‘No me molestes’ (que, tras la intro con la sintonía orquestal de ‘La abeja Maya’, dedica a un padre invasivo), tanto como lo hace la melancolía en ‘Me siento sola‘ (donde no tiene reparo en cantar «me la diste con queso» o rimar «escoba» con «boba») o ‘Nunca mas nunca mas’) y la desesperanza en ‘Tq cerca de mi’. Solo un gatito es capaz de sacarla de la tristeza, en la magnífica ‘Cuki q me has exo‘.

«Recuerdos»… es, además de un disco de canciones primorosas, una experiencia inmersiva de arreglos que parecen sampleados de discos perdidos de hace 50 años, de cajas de ritmo de baratillo, delays en la voz que llegan con un destiempo desconcertante, sintes obsesivos y extraños que divagan a su bola… Casi se diría que Tirzah, Ariel Pink o la primera Clairo son una influencia clara en este primer volumen «serio» de Rebe… si no fuera porque parece imposible: ella asegura que solo escucha «música española» (esto es, cantada en español) y que cuando se obsesiona con una canción, las ganas de versionarla son irrefrenables. Eso explica la presencia en el disco de una selección tan absolutamente libre de ellas como ‘Ni una sola palabra’ de Paulina Rubio, ‘El futuro’ de Kikí D’Akí, el popular bolero ‘Algo contigo’ o la célebre ‘Ramito de violetas’ de Cecilia. Claro que el concepto «versión» no encaja demasiado en Rebe. Podemos hablar más bien de transformaciones perversas y cándidas, todo a un tiempo, adaptadas a su propio sentimiento, haciéndolas suyas, sometiéndolas a su indisciplina. Sorprendentemente, estas señalan la gran virtud de ‘Recuerdos de cuando me aplastó una piedra y me morí’: por magníficas que sean esas canciones, no destacan por encima de la media, sino que se ponen al servicio del estrafalario e imaginativo universo –también visual: su Instagram es una fuente inagotable de perplejidad y belleza sui generis– que ella crea en su habitación. Si «bedroom pop cañí» es una etiqueta marciana, ella la convierte en realidad.

En un arrebato de tanta autoconfianza como candidez, Rebe se sabe una princesa de su propio mundo (y de los que nos adentramos en él) y asegura que quiere necesita hacerse rica con esto, mientras sigue lanzando apropiaciones memorables de hits de Alejandro Sanz y Marcelo Criminal –qué fantasía escribir algún día esta frase y que tenga sentido–, entre otras. Por supuesto, entendemos que no maneja otra opción que hacerlo dentro de ese peculiar universo que hace de la imperfección virtud, tan desconcertante como adorable. A lo peor, dentro de meses, quizá algún año, se aburra de esto, no soporte el odio o la incomprensión y dejemos de saber de ella para siempre, como un día sucedió con Ana D. Sería una pena enorme, claro. Pero ella ya ha publicado su propio ‘Satélite 99‘ y algunos –espero que no pocos– lo admiraremos por igual para siempre. Rebe actúa este viernes 10 de enero en la sala Dabadaba de Donosti, abriendo la noche para Cariño.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Cuki q me has exo’, ‘Me siento sola’, ‘Dimelo ya’, ‘Tq cerca de mi’
Te gustará si te gustan: Jeanette, Ariel Pink, Cecilia, Tirzah, Vainica Doble, la primera Clairo
Escúchalo: Spotify

C. Tangana busca sacudirse el frío con ‘Yelo’, más cercana a ‘Ídolo’ que a su lado latino

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Raúl Guillén
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Aunque 2019 ha sido un buen año para C. Tangana, consolidando su presencia en el mercado latinoamericano como una estrella, lo cierto es que la recepción hacia sus últimos singles desde la irrefutable ‘Pa’ llamar tu atención’ –una de las mejores canciones del año– ha sido algo fría. Si exceptuamos la estupenda respuesta a ‘No te debí besar‘, dueto con Paloma Mami, las cifras de streaming de ‘Para repartir’, ‘Pronto llegará‘ y ‘5 Stars‘ son bastante discretas comparadas con sus mayores hits. Y ‘Picaflor‘ es, en realidad, un single de Lao Ra. Ahora busca sacudirse esa frialdad… con más frío, dando la vuelta a eso de combatir el fuego con más fuego.

Porque su nuevo single, que ha venido insinuando en redes sociales con varios teasers, se titula ‘Yelo!’. Aunque la metáfora del agua congelada y la nieve (ha compartido imágenes en una estación de esquí), alude en realidad a los diamantes, como se les suele llamar en el slang yanqui –de hecho, puso a una dependienta de una famosa tienda neoyorquina de joyería a chapurrear algunos versos del tema– alude a su «corazón helado». Incapaz de amar, está centrado en el negocio y en pagar a sus colaboradores (a los que cita explícitamente), entre recurrentes dosis de ego-trip –»he cambiao la industria de un país entero»–.

Más interesante resulta en cuanto a producción que, una vez más, recae en su más fiel aliado en esas lides, Alizzz. Porque en muchos sentidos recuerda al tono de electrónica experimental –con un divertido y libre solo de sintetizador hacia el final– que mostró en el gran ‘Ídolo‘, en detrimento de la deriva latina de sus últimos movimientos. Queda ver si la respuesta del público mejora o no. A ello puede contribuir el vídeo oficial dirigido por Nicotine, que alterna planos de bailarinas con poca ropa con otros más insólitos, como un supermercado completamente congelado, una reunión de gangsters –presidida por Puchito– en medio de una pista de hockey o una teleportación a esa estación alpina que antes citábamos.

Escucha lo nuevo de Selena Gomez, Morrissey, Delaporte, Tame Impala, El Columpio Asesino, J Balvin, Halsey…

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Raúl Guillén
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Este 10 de enero comienza la «acción» en el planeta musical, y ya nos encontramos con un buen puñado de discos destacables que llevarnos a los oídos: Selena Gomez, Georgia –’Seeking Thrills‘, nuevo Disco Recomendado–, The Big Moon, Field Music, Alexandra Savior –aquella chica cuyo debut contó con Alex Turner de Arctic Monkeys– y Poppy, destacan en el plano internacional. En nuestro país, Salvador Tóxico inauguraban la temporada publicando su nuevo disco el día de reyes, y ya este viernes se les suman Cruz Cafuné, Fantasmamidi y Chloral, con su EP debut cuyo vídeo estrella estrenábamos hace unas horas.

Pero no son las únicas novedades de la semana, e incluso podemos disfrutar de varias de ellas desde hace un par de días, además del esperado (por sus fans, al menos) reencuentro de Daddy Yankee y Nicky Jam. Tame Impala, con un nuevo adelanto de ‘The Slow Rush’, Alicia Keys, con una ‘Underdog’ en cuyos créditos encontramos a Ed Sheeran, o Fuel Fandango, ya a punto de editar su nuevo álbum ‘Origen’, destacan entre estas, pero han habido más: Black Lips, Destroyer, Susanne Sundfør –aportación a una banda sonora–, La Zowi –avance de una nueva mixtape que lanza la semana que viene–, Cecilio G., Jonathan Wilson, Caroline Rose –que regresa tras el estupendo ‘LONER‘–, Squarepusher, The Men, Algiers, y Sangría –nuevo grupo de tres Chillers con una Ginebra– se cuentan entre los que han presentado singles antes del viernes.

Y ya en este día, se les unen Morrissey, Halsey, Delaporte, El Columpio Asesino, Drake & Future, The Blaze & Octavian, 070 Shake, Khalid, Vetusta Morla, Mac Miller, Leo Mateos (ex-Nudozurdo), Kiesza, of Montreal, GOMZ, Tórtel, Ozzy Osbourne & Elton John, Mura Masa & Wolf Alice, Astrogirl & Nacho Vegas, Peter Bjorn and John y un largo etcétera. También caben la aportación de Megan Thee Stallion & Normani a la nueva película del universo DC, ‘Birds of Prey’, y un tema de Sia para la BSO de ‘Dolittle’. Y, además, asistimos a la resurrección virtual de Gil Scot-Heron –en un proyecto del artista experimental de Macaya McCraven– y David Bowie, con una versión inédita de ‘The Man Who Sold The World’.

Escucha la playlist «Ready for the Weekend»

El retiro de BTS era un timo: escucha el single que adelanta su nuevo disco, ‘Shadow’

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Jordi Bardají
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La banda surcoreana BTS, una de las más populares del momento a nivel global, pues incluso ha sido número 1 en Estados Unidos con varios de sus álbumes, anunció el pasado mes de agosto su retiro temporal de los escenarios, después de un lustro trabajando a ritmo vertiginoso. Según su agencia Big Hit, este merecido descanso daría a los siete miembros de BTS las «primeras vacaciones oficiales a largo plazo» de su carrera para ocuparse de sus vidas personales «como chicos jóvenes ordinarios» y para después «regresar renovados como músicos y como creadores».

Quizá para sorpresa de nadie -de todos es sabido que la industria musical surcoreana es duramente exigente para todos sus artistas-producto-, el descanso de BTS no ha durado ni medio año y el nuevo álbum del grupo, ‘Map of the Soul: 7’, ha sido anunciado esta semana, junto a pistas de una posible gira que arrancaría la próxima primavera. En definitiva, el anunciado descanso de BTS ha sido un timo o, al menos, más corto de lo esperado.

Mientras llega el sucesor de ‘Map of the Soul: Persona‘ el próximo 21 de febrero, BTS ha estrenado el primer adelanto del disco, un ‘Shadow’ interpretado exclusivamente por uno de sus integrantes, Suga. Es otro tema de rap emotivo con un sonido muy americano, y de hecho termina con un cambio de tempo a lo ‘Nice for What’. Por otro lado, el videoclip vuelve a ser otro alarde de presupuesto y efectos especiales por parte de esta banda que este año aparecerá también en el disco de Halsey, ‘Manic’, tras colaborar con ella en el single y ‘Boy with Luv’, y tras colaborar Charli XCX, Zara Larsson o el fallecido Juice Wrld en las canciones que conformaban la banda sonora de su reciente videojuego para móviles.

Jack Bisonte se reinventan y transforman en divas que rinden tributo a «Lana, Dua, Tracy, Gall»

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Sebas E. Alonso
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Desde la primera vez que vimos al dúo madrileño Jack Bisonte, formado por Miky Lagoona y Carlos Amelivia, actuando en la final de Bdcoder, se intuía una curiosa amalgama de influencias que iba desde Pearl Jam a Justin Timberlake. Algo que se reflejaba en el que ha terminado siendo su mayor éxito, ‘Love You Good’, con 250.000 reproducciones en Spotify.

Su gusto certero por el R&B pese a partir de una aparente canción de autor se mantiene en ‘France Gall’, una canción acústica, como de autor americano, que pese a todo contiene un ritmo que se puede bailar y que además pretende ser un homenaje explícito a Lana del Rey, Dua Lipa, Tracy Chapman y France Gall. Es una voz robótica la que precisamente presenta a las cuatro divas en el pre-estribillo. Un tema que ha sido grabado por Brais Ruibal en Estudios Reno y masterizado por Chris Athens en Austin (Rosalía, The Weekend, Drake).

Antes de que la canción llegue a las plataformas este 10 de enero, JENESAISPOP estrena el videoclip de este tema que adelantará su disco ‘Hounds of Glory’, compuesto de 9 temas. El grupo suspendió su proyecto durante 6 meses y recurrió a la estrategia de desaparecer de las redes sociales para presentar desde cero su nuevos «estrategia y sonido». En este vídeo ambos se convierten en divas -casi en «Single Ladies»- para presentar su admiración hacia las artistas mencionadas.

Esto es lo que comentan: «Lana del Rey. Dua Lipa. Tracy Chapman. France Gall. Las cuatro tienen una forma muy personal de subirse a un escenario, y cada una a su modo, es como si ninguna quisiera estar ahí arriba. Tienen un halo de melancolía y tristeza al cantar al moverse; como si alguien les hubiese inyectado todo ese talento en contra de su voluntad, y cada vez que cantasen pidiesen que alguien las rescatase de su genialidad». Algo que retrata la frase del tema “She’s like a dead queen of a summer night on a highschool prom”, muy Lana, como también lo es la «adicción a la tristeza» de la que habla otra parte de la letra. A ello se unen el pop de Dua, el fondo acústico de Chapman (una influencia ya en ‘Love You Good’) y la frescura de Gall.

El dúo, que actúa el 17 de enero en Moby Dick, añade: «Para Jack Bisonte FRANCE GALL busca abanderar un cambio sin retorno. En lo histriónico de su atmósfera reside el firme propósito de sacudirse los complejos, vitales y musicales, y da la bienvenida a unos de los muchos personajes que vamos a encarnar en cada tema de disco y que como los temas, son totalmente dispares entre ellos. La canción lleva por nombre a la cantante francesa, pero no es sino el símbolo de esa melancolía al cantar, esa belleza triste de quien es presa de su genialidad. Es una canción muy divertida pero muy solemne y el vídeo que la acompaña es un gran reflejo de ambas intenciones aparentemente irreconciliables. En el directo será esa nota descarada, esos andares chulescos, la maravillosa soberbia de las divas».

Lo mejor del mes:

Justin Bieber revela que padece la enfermedad de Lyme

Por
Jordi Bardají
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Tras publicar la noticia en exclusiva el tabloide TMZ, Justin Bieber ha confirmado en su cuenta de Instagram que padece la enfermedad de Lyme, explicando que esta y no su reconocido abuso de las drogas es la razón por la que en los últimos años ha lucido un aspecto demacrado.

Ha dicho: «Mientras mucha gente decía que Justin Bieber tenía un aspecto de mierda o que estaba puesto de metadona, nadie sabía que recientemente he sido diagnosticado con la enfermedad de Lyme, y no solo eso sino que también se me ha diagnosticado un caso severo de mononucleosis infecciosa la cual ha afectado a mi piel, a mi función cerebral, a mi energía y en general a mi salud. Explicaré todas estas cosas en detalle en la serie que estoy a punto de estrenar en Youtube, a través de la cual conoceréis todo aquello contra lo que he estado luchando y que estoy SUPERANDO. Han sido un par de años duros pero estoy realizando el tratamiento adecuado para ayudar a mitigar esta enfermedad hoy día incurable, y así volver mejor que nunca».

La enfermedad de Lyme está causada por la picadura de ciertas especies de garrapata infectadas, no es contagiosa y se trata con antibióticos. Esta afecta al sistema neurológico y al corazón y puede producir fatiga, fiebres, erupciones en la piel o pérdida de memoria. Sin embargo, y al contrario de lo que da a entender Bieber, la enfermedad sí es curable si es detectada a tiempo. En cualquier caso, el autor de ‘Purpose‘ no es la única celebridad que sufre esta dolencia: las cantantes Shania Twain, Avril Lavigne y Amanda Palmer están afectadas por ella, así como la modelo Bella Hadid. ‘Yummy‘, el nuevo single de Bieber, está siendo un éxito, pero no tanto como se esperaba.

New Order, The Bats y Serrat, canciones de la vida del sello El Genio Equivocado, que celebra su X aniversario

Por
Raúl Guillén
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Esta semana el sello barcelonés especializado en indie pop El Genio Equivocado conmemora sus primeros 10 años de vida. Una década que comenzaron auspiciando los primeros trabajos en solitario de Joaquín Pascual (Surfin Bichos, Mercromina) y que continuaron acogiendo proyectos de la última ola de Myspace, como Cosmen Adelaida o Hazte Lapón. En los últimos tiempos, esa oferta se ha ido ampliando con proyectos tan variopintos como Algora, Burrito Panza, Las Ruinas, Birkins, Flamaradas, Perapertú o Ladilla Rusa. [Ilustración: Lolo G. Molinier de Hazte Lapón para El Genio Equivocado.]

Antes de iniciar una nueva temporada repleta de novedades –entre otros, editarán discos de algunos de los antes citados más nuevas incorporaciones como Raúl Querido, Terry vs Tori, Roldán, Beladrone o Centauros–, el sello celebrará estos 10 años con una serie de conciertos conmemorativos que reunirán a varios de los artistas antes citados, comenzando por este mismo fin de semana: el viernes 10 de enero, Ladilla Rusa, Algora y Perapertú estarán en El Sol de Madrid y, al día siguiente, el mismo recinto acogerá a Joaquín Pascual, Roldán y Hazte Lapón, en el que será el último concierto de su carrera. También hay nuevas fiestas confirmadas en Zaragoza y Barcelona, también por partida doble.

Por este motivo, hemos hablado con Joan Casulleras, alma mater del sello junto a Rafa Piera (con el que también compone el dúo Pin&Pon DJs), para someterle a nuestro Tipo Test, un cuestionario destinado a conocer más sobre las canciones que han marcado su vida para bien, muy bien o incluso mal. Y he aquí el resultado, que se resume al final del artículo en una coqueta playlist. De manera elegante, le honra haber evitado del todo el autobombo.

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos? En caso negativo, ¿una canción que te haya obsesionado últimamente?
Favoritas hay tantas… ‘Apology For An Accident’ de American Music Club, ‘Lost Weekend’ de The Bats, ‘It’s Rough’ de Smog, ‘Special’ de New Order…

¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
Cualquiera de Serrat de las viejas, que es lo que sonaba en casa.

¿Qué canción desearías haber escrito?
Alguna de New Order.

¿Qué canción odias con toda tu alma?
En particular ninguna, en general el reggaeton.

¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál fue el último y en qué formato?
Tenemos una tienda de discos, una discográfica… pero es principalmente Rafa el que se deja los cuartos en discos.

¿Cuál es tu plataforma favorita para escuchar música ahora mismo? Por ejemplo, al margen de los Spotify/Apple Music, ¿escuchas discos enteros en Youtube?
Spotify principalmente, y mi cuenta de Google Play Music, donde me permite subir mis mp3. Muy de vez en cuando puedo escuchar discos en Youtube, pero es residual.

¿Qué opinas del supuesto revival del vinilo o peor aún, del cassette? ¿Es puro postureo o te interesa especialmente?
Hay parte de postureo, burbuja diría yo, pero es cierto que en la tienda vendemos muchos más vinilos que CDs. Lo del cassette es más fetichismo que postureo, me gustan los cassettes (aunque no se venden prácticamente).

Actuación vocal que adores.
Tanya Donelly de Belly interpretando ‘Low red moon’, piel de gallina.

¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
El ‘Aserejé’ cuando salió, pero ahora puedo decir sin problema que me parece una gran canción.

¿Mejor secuencia de canciones en un disco que hayas oído?
Escuchar entero el ‘Couchmaster’ de The Bats, temazo tras temazo.

¿Algún disco que te encante pero cuya secuencia te parezca un desastre y lo escuches siempre en modo «shuffle»?
No recuerdo ninguno así, si me pareciera un desastre directamente no me encantaría.

¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
La capacidad de emocionar es indicativa de la perfección de una canción, a más emoción, más perfecta.

Un remix que te haya vuelto loco
El The Twelves Remix para ‘Seven’ de Fever Ray.

Un disco que haya marcado tu vida.
Sin dudarlo, ‘Substance’ de New Order.

Escucha la playlist con las canciones favoritas de El Genio Equivocado:

‘El faro’: una hipnótica e inquietante pesadilla marina

Por
Fernando García
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El segundo trabajo de Robert Eggers tras la atmosférica y enigmática belleza de ‘La bruja’ fue presentado en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes 2019, causando verdadero entusiasmo entre la prensa (finalmente se alzó con el premio FIPRESCI de la sección). La expectación que genera una segunda película después de haber realizado una opera prima exitosa es un arma de doble filo para muchos cineastas: la cinta seguramente tendrá más visibilidad lo que derivará en una mayor exposición tanto si está a la altura como si no. Dicho de otro modo, puede alzarte o hundirte. ‘El faro’ supone un ligero cambio de registro para su autor, pero continúa explorando leyendas y mitos siniestros de la antigüedad. Eggers se confirma como un cineasta capaz de crear atmósferas malsanas e inquietantes sin someter al espectador a sobresaltos convencionales. Al igual que en ‘La bruja’, aísla a sus personajes en un entorno natural salvaje e incontrolable. En aquella era un bosque oscuro y maldito, en esta es un mar embravecido.

Willem Dafoe y Robert Pattinson interpretan respectivamente a un farero y a su aprendiz, encargados de vigilar un faro de una isla de Nueva Inglaterra a finales del siglo XVIII y mantenerlo en buenas condiciones durante un mes. De esta manera y a través de estos personajes, Eggers establece una lucha psicológica sobre el ego, el poder y, en definitiva, la condición humana. El director no está interesado en sutilezas, ‘El faro’ muestra lo que es desde el principio: un desquiciado descenso a la locura que siempre va a más. Lo cual no quiere decir que esté exenta de subtexto y significados. De hecho, la película está repleta de simbología a través de objetos, animales y mitos marinos. Eso es lo que la hace tan fascinante y una obra a la que volver. También su arriesgado apartado visual –rodada en 4:3 en blanco y negro y con una llamativa fotografía a medio camino entre el preciosismo y lo sucio– desvela que Eggers es un director con una interesante y muy oscura visión cinematográfica.

Con un dominio del tempo narrativo ejemplar, construye una experiencia angustiosa, casi claustrofóbica, que se ve desde el más absoluto desasosiego. Es una invitación a un universo turbio, tortuoso y feo que no solo hipnotiza por su espectacular técnica visual, sino por un excelente uso del lenguaje, usando un inglés ya obsoleto, que da, aún más si cabe, la impresión de que estamos ante un mundo cerrado, lejano al nuestro y en el que se tiene una sensación constante de alarma. Robert Pattinson –que no cesa de forjarse una de las filmografías más interesantes entre los actores de su generación- y Willem Dafoe ofrecen uno de esos recitales interpretativos que se recordarán por mucho tiempo y en el que se encuentra, probablemente, los mejores trabajos de sus respectivas carreras.

Pese a lo que pueda sugerir que dos actores tan famosos sean quienes la protagonicen, ‘El faro’ está muy lejos de buscar satisfacer al público medio. Es una película-pesadilla tan radical como histérica en su narrativa. No solo resulta ser la confirmación del talento de Robert Eggers, sino que directamente lo sitúa entre los grandes cineastas americanos en activo. 8.

Grimes parece confirmar su embarazo con una nueva imagen en Instagram

Por
Raúl Guillén
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Se acerca la fecha de publicación de ‘Miss Anthropocene‘, el nuevo álbum de Grimes… que se filtró hace varias semanas –queda por saber si en su versión definitiva–. Poco parece importar eso a la canadiense y su sello –con el que precisamente ha tenido sus tiras y aflojas por la lentitud en darle salida–, que han seguido con su planificación promocional según lo previsto: con toda la calma, han presentado singles como ‘Violence‘, ‘So Heavy I Fell Through the Earth’, ‘My Name Is Dark’ –con guiños a Smashing Pumpkins y Garbage, que ya fue Canción del Día– y ‘4ÆM’. Pero, quizá esa calma, podría tener que ver también con factores personales.

En una llamativa imagen subida anoche a Instagram, Grimes mostraba sin censura sus pechos desnudos. Parecía cuestión de tiempo que la red social propiedad de Facebook le aplicara su estricta (casi siempre) normativa anti-desnudos y anti-pezones, y así fue. Grimes re-subía hace unas horas la imagen, esta vez convenientemente photoshopeada para eludir la censura –si tienes curiosidad, sana o no, la original sí está en Twitter–. Pero la ausencia de pezones no es lo único que llama esta vez la atención en la foto.

Y es que en ambas se puede observar en su vientre, como si su piel fuera translúcida y hubiera una luz interior, la silueta de un feto bien formado. Y no solo eso, sino que su propio abdomen también muestra cierta forma propia de una mujer embarazada. Y, considerando la menudez de Claire Boucher, no precisamente de unas poquitas semanas, no. La duda a resolver era si se trata de un embarazo real o si, como sus pechos o la imagen del hipotético bebé, se trataba de una manipulación fotográfica. Cabía pensar, si tenemos en cuenta la cínica visión del futuro que exhibe Boucher, que podría ser un truco relacionado con el hilo argumental de ‘Miss Anthropocene’, una diosa que amenaza el medio ambiente en la Tierra. Y de hecho en su última aparición sobre un escenario, hace apenas tres semanas –una performance de ‘4ÆM’ en una convención de videojuegos, que podéis ver más abajo–, no había señal aparente de su posible embarazo en su aspecto físico.

Pero horas después de la/s primera/s imágenes Grimes parece confirmar los rumores con una nueva foto de Instagram, en la que su estado de buena esperanza es ya prominente… si es que no nos engaña esa prenda que lleva superpuesta. Lo cierto es que tampoco es sorprendente, si tenemos en cuenta que su multimillonaria pareja Elon Musk tiene ya cinco hijos de relaciones anteriores –tan avanzado para su trabajo en Tesla, y tan de otro siglo para la planificación familiar–. Ahora queda por ver cómo puede esto afectar a la promoción del sucesor de ‘Art Angels’, que verá la luz el 21 de febrero, si no hay cambios.


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