Este fin de semana se tendría que haber celebrado Bilbao BBK Live, pero como todo el mundo sabe a estas alturas, no podrá ser debido a la pandemia de covid. Eso sí, «la magia de Kobetamendi» podrá seguirse desde casa en un ciclo que se ha bautizado como Bilbao BBK Live UDA. De jueves a sábado y a partir de las 21.00 podrán verse las actuaciones de gente como El Columpio Asesino, Dora, Amorante y Yawners, así como los DJ sets de John Talabot y Katza. Todo ello se podrá seguir a través de www.bilbaobbklive.com o YouTube Live.
Los chicos de Pantomima Full han realizado además un divertido vídeo en el que comentan el aplazamiento de esta edición, asegurando que quien más pena les da perderse es Bad Bunny. Quizá irónicamente, quizá no, ya sabéis que los límites del humor moderno son inescrutables. Pese a que Pantomima Full están en verdad colaborando con el festi, lo cierto es que el gag tipo «branded content» les ha quedado brillante y se está viralizando (150.000 reproducciones en 7 horas), entre ese momento de beberse el cubata en casa viendo el festi online, y el ligoteo. «¿Me pongo en una pestaña el BBK y en la otra, el Tinder?”, se pregunta antes de concluir: “Mira, por lo menos no hay que subir la puta cuesta”.
El festival ha puesto a la venta las entradas para la edición 2021 de Bilbao BBK Live, que contará con The Killers, Pet Shop Boys, Bad Bunny, Bicep Live, Bomba Estéreo, Caribou, FKA twigs, Fontains D.C., Meute, Supergrass, El Columpio Asesino y León Benavente, entre otros artistas que se anunciarán próximamente.
Haim han publicado este año el que es posiblemente su mejor disco, un ‘Women in Music Pt. III‘ que se desmarca de los anteriores por su carácter experimental y enturbiado, sin abandonar la sensibilidad melódica que siempre ha caracterizado a las hermanas. Un disco que aborda diversos sonidos desde su personal prisma y que, irónicamente, se cierra con tres «bonus tracks» que son tres de las mejores canciones de su carrera.
Aunque ‘Women in Music Pt. III’ es un álbum que gana escuchado entero, pues su secuencia no puede ser mejor a pesar de quienes dicen que lo ideal es escucharlo al revés, sí vale la pena detenerse en uno de sus cortes más inspirados. ‘3am’ es, gracias a su posición en dicha secuencia, para mí la cumbre del álbum, pero también por otros motivos. Su sonido de R&B-pop y funk típico de los años 2000 remite a artistas como Janet Jackson, Monica o Brandy y su «groove» guarda parecido con el de ‘Redbone’ de Childish Gambino, pero su estribillo cantado a coro pero a lo lejos, lo cual le otorga cierta sensación de soledad entre la muchedumbre, a lo que me recuerda es al ‘As’ de George Michael y Mary J. Blige, si bien la producción de ‘3am’ por parte de Ariel Rechtshaid, Rostam y Danielle Haim es mucho más extraña.
Aunque el R&B de los años 2000 estaba plagado de mujeres despechadas por culpa de un hombre infiel, y un par de brillantes ejemplos son ‘Knock Knock’ de Monica y ‘Heard it All Before’ de Sunshine Anderson, ‘3am’ cuenta una historia diferente, la de una chica enamorada y pegada a su teléfono a espera de que su chico la llame. Llegadas las 3 de la mañana, las cosas se calientan rápido: «tú y yo no tenemos que quedar, pero está bien pensar que podríamos / frente a la pantalla y con mis tejanos puestos, hazme sentir bien», canta Danielle. Con su cabeza «dándole vueltas» y preguntándose si habrá «perdido la cordura», la cantante intenta mantener eso mismo mientras se deja llevar por una atracción fatal.
No se puede decir que ‘Patience‘ haya sido una sorpresa, pues ‘Please‘ y ‘Pleasure’, sus dos discos previos, ya eran unos trabajos musicales de mucha enjundia. Pero sí que con este nuevo álbum Sondre Lerche ha alcanzado un nivel de madurez en su propuesta que, a decir verdad, no esperábamos. Es una colección de canciones fascinantes, que despliega un misterioso embrujo en el oyente, que atrapa y que se instala en nosotros de una manera muy especial. Por eso es nuestro Disco de la Semana, y por eso teníamos muchísimas ganas de poder hablar con el noruego sobre este disco y sobre el momento que atraviesa su carrera. Sucedía un par de semanas atrás, cuando España ponía fin al estado de alarma por la Covid-19, por lo que la pandemia seguía siendo un tema candente. Máxime cuando él mismo, pese a residir en Estados Unidos desde hace muchos años, decidió escapar a su Noruega natal poco antes de estallar allí la crisis sanitaria, obligándole a replantearse la vida de nuevo. Especialmente ahora, dada la deriva política que está alcanzando aquel país. Foto: Jen Steele.
Hola, Sondre, es un placer. ¿Estás en Noruega, verdad?
Sí, en estos momentos estoy en Bergen, en mi ciudad natal.
Leí que estabas ahí. ¿Por qué te fuiste? ¿Te sientes más seguro allí?
Sí. Vivo en Los Ángeles y cuando toda la pandemia se empezó a mover pensé que estaría más seguro en Noruega y que la situación sería manejada mejor aquí que en América. Y tenía razón. ¿Cómo estáis vosotros? Leí que la situación fue muy dura en marzo y abril, ¿verdad?
Sí, fue horrible. Afortunadamente ahora la cosa ha mejorado mucho y el país está comenzando a reabrirse poco a poco.
Bien. Me alegro de oír eso.
En Noruega ha estado muy controlado la mayor parte del tiempo, ¿no?
Sí, Noruega cerró muy al principio. Somos un país pequeño, de cinco millones de personas, y el gobierno creo que tomó decisiones muy radicales pero inteligentes. Impidió los viajes antes de que llegara a estar fuera de control. Y luego se ha ido abriendo gradualmente en los últimos dos meses, pero incluso ahora… Voy a hacer un pequeño tour en solitario, y los recintos solo podrán tener un máximo de 200 personas de aforo en algunos locales. Hay que seguir unas reglas, pero aún así podré hacer conciertos, y eso me hace feliz, y sería imposible en América ahora mismo.
«Donald Trump va a crear un caos con las elecciones de noviembre, las gane o las pierda. Es lo que suele hacer»
¿Y qué vas a hacer después? ¿Piensas volver en un tiempo a Los Ángeles?
No estoy seguro. He vivido en América durante 15 años, así que es mi hogar. Tengo un bungalow en Los Ángeles, que me lo están cuidando unos vecinos, regándome las plantas y tal. Espero volver, por supuesto. Pero hay una situación muy turbulenta allí, las elecciones son en noviembre y… Espero regresar en otoño, pero la verdad es que estoy re-evaluando todo, creo. Ha sido muy agradable volver a Noruega, reconectar con la gente, el álbum está funcionando muy bien… Está siendo alentador. Así que creo que voy a ir decidiendo qué hacer de mes en mes. De momento voy a estar yendo y viniendo entre Bergen y Oslo, mantener la paciencia y seguir trabajando, porque aquí puedo hacer muchas cosas que no podría hacer en ningún otro tiempo. Es un momento emocionante en medio de todo lo que está pasando.
Supongo que, aparte de la pandemia, el dolor de los afroamericanos y latinos por las situaciones racistas te estará afectando también. Debe ser duro, ya que al fin y al cabo has estado formando parte de esa comunidad desde hace tantos años…
Es terrible, y a la vez esperanzador, que quizá, solo quizá, podamos ver un cambio real en el sistema americano. Es trágico que tengan que ocurrir cosas tan horribles para que pueda haber un cambio, pero es que (Estados Unidos) es un país muy problemático en muchos sentidos, y obviamente más con su actual presidente. Me temo que la segunda parte de este año va a ser incluso peor, con las elecciones de noviembre, porque, las gane o las pierda, (Donald Trump) va a crear un caos, es lo que suele hacer. Está intentando suprimir votantes, muchas cosas para hacer a la gente dudar de si sus voces deben siquiera ser escuchadas. Son tiempos duros en Estados Unidos y, como noruego viviendo allí, me siento afortunado de poder escapar aquí. Me siento mal porque mis amigos afroamericanos en Nueva York y Los Ángeles no tengan una vía de escape como yo, y es duro verlo desde lejos. Sientes que en realidad deberías estar allí y ayudar con lo que está pasando… Son tiempos extraños.
Bueno, mejor hablemos de ‘Patience’, tu nuevo disco. Es un disco precioso, y cuando tuve que escribir sobre él me resultó difícil expresar la cantidad de emociones que transmite.
Oh, pues muchas gracias.
«De alguna manera, este tiempo tan incierto ha sido el momento adecuado para publicar ‘Patience'»
¿Qué es lo que te hace sentir más orgulloso de este disco?
Es una buena pregunta. Me llevó mucho tiempo terminarlo, y viví una especie de transición cuando, en mitad del proceso, no tenía ni idea de cómo se conectaría todo aquello, cómo funcionaría. Y luego, hacia el final, empecé a ver la fotografía completa, y empecé a sentir que es mi mejor disco, el más gratificante. En parte es porque es un disco en el que quería ser muy explícito y directo emocionalmente. Es algo que describo como «sinceridad radical», quería que las canciones tuvieran una sinceridad casi agresiva, combinada por supuesto con el tipo de arreglos musicales y el tono que yo empleo. Nunca sabes cómo va a responder la gente ante eso, y creo que de lo que estoy más orgulloso es cómo está conectando con el público. Está mostrando una respuesta muy emocional al disco. Intenté que cada canción contuviera una emoción lo más pura posible, y es muy agradable ver que eso se abre paso. Es de lo que estoy más orgulloso, de que es mi disco más completo y meticuloso sobre lo que siento, hago y me encanta en la música y la vida. Ha sido un disco muy especial de compartir, especialmente en estos momentos. De alguna manera, este tiempo tan incierto ha sido el momento adecuado para hacerlo.
En cuanto a las letras, tal y como has comentado… Hay gente que puede entender esa «sinceridad radical» como algo demasiado inocente o naif. No sé si dar ese paso, ser más explícito, ha sido muy difícil para ti.
Obviamente siempre ha habido un cierto nivel de sinceridad en mi trabajo, hay muy pocos momentos en que no lo haya sido. Pero esto es un nivel diferente. Por supuesto, es fácil decir que es muy naif, pero si miras el álbum habla de amor profundo, de dudas profundas, de muerte… Habla incluso de política, que es algo que típicamente no había afrontado. Y no creo que sean sujetos muy inocentes. Creo que he intentado enfocar las cosas desde perspectivas distintas, y que en cada canción del disco, hacia el final, intento separarme del tema principal y darle otra dimensión. Que no fuera simplemente MI duda, MI corazón roto o MI amor. Quería con todas mis fuerzas que el horizonte fuera lo más grande posible, es algo sobre lo que he pensado mucho. Y no lo veo en absoluto naif, decidir ver las cosas desde otras perspectiva, o incluso observarte a ti mismo desde fuera o reírte de ti mismo, de tus propios problemas. Vivimos en un mundo en el que ya no puedes ser ignorante, sabemos lo que sucede en cada parte del mundo y por supuesto en nuestra comunidad. En el pasado esa información parecía lejana, pero ahora los sabemos. Yo sé que soy un hombre con privilegios en muchos sentidos, y he tratado de tomar eso en consideración en el disco. Creo que es algo con lo que la gente se puede identificar, quería que el disco fuera un espacio seguro para sentimientos muy agradables y otros muy incómodos.
«Cada título de canción es una declaración emocional. Eso es precisamente lo que me parece radical en estos tiempos»
Coincido en eso. Lo que quería decir es que puede que para algunos oyentes pueda ser demasiado honesto, porque las cosas que son muy auténticas pueden dar algo de miedo, especialmente en estos tiempos de apariencias. No sé si lo ves así también.
Estoy totalmente de acuerdo y, en ese sentido, cada título de canción es una declaración emocional en sí misma, o un cuestionamiento. Y eso es precisamente lo que me parece radical en estos tiempos, llamar a una canción «te quiero porque es verdad» o «¿por qué te dejaría marchar?» Son como titulares, en cierto modo, y que en este contexto que vivimos me parece que tienen un sentimiento amablemente radical.
Hay un palpable gran esfuerzo en cuanto a los arreglos. ¿Buscabas dar un paso adelante en esa parcela también?
Sí, quería… Es difícil de explicar, porque quería hacer algo que sonara muy grande pero que a la vez fuera minimalista. Constantemente busqué un equilibrio para que tuvieran un impacto emocional y, a la vez, que contuviera la pureza que encuentro en mucha música minimalista y ambient: (en ellas) el horizonte es muy grande. Estaba muy interesado en dar con un sentido espacial de la música, no llenarla de ideas, sino que fueran pocas, muy claras, y que siguiera siendo… poderosa, en cierto sentido.
«Pasaba mucho tiempo corriendo a la vez que escuchaba música ambient (…). Fue liberador escuchar música que no estaba basada en el típico estrofa-estribillo-estrofa»
A pesar de las diferencias palpables entre todos ellos, ‘Patience’ es consecuencia en muchos sentidos de tus dos anteriores álbumes, ‘Please’ y ‘Pleasure’. ¿Cuándo comenzaste a darte cuenta de que tenías entre manos una trilogía?
Creo que fue cuando estaba grabando las últimas canciones de ‘Pleasure’, en 2016. Me quedaban dos canciones por grabar de ese disco y al mismo tiempo escribí ‘Why Would I Let You Go?’ Fue una experiencia muy intensa, quizá la más intensa de mi vida en términos de composición. Fue muy urgente y muy especial, pero claramente no era para ese disco, ni siquiera consideré incluirla en ‘Pleasure’ porque no me sentía preparado para grabarla. Y ahí empecé a pensar que las cosas apuntaban hacia un tercer disco y que además (esa canción) encajaría con otras canciones que ya había grabado entre las sesiones de ‘Please’ y ‘Pleasure’. Surgió además en un nuevo contexto para mí, en el que yo pasaba mucho tiempo corriendo a la vez que escuchaba música ambient, explorando música más abstracta que no se basa en canciones. Fue liberador escuchar música que no estaba basada en el típico estrofa-estribillo-estrofa. Lo encontré muy calmante y empecé a llamarlo «música paciente», de ahí salió el título del disco.
En términos creativos, ¿cuál ha sido el desafío más grande al que te has enfrentado con este disco?
Bueno, al haberme llevado tanto tiempo hacerlo, me he centrado en cada canción de forma individual. No consideraba el contexto, porque en realidad cuando estás grabando no piensas en el concepto del álbum, simplemente sigues tu instinto. Así que si vas canción a canción durante siete años, dedicando mucho tiempo a cada una de ellas, el auténtico desafío fue unirlas, mezclarlo y secuenciarlo, creo que pasé tres o cuatro meses intentando encontrar el orden adecuado de las canciones. Y por un momento creí que me volvería loco. Normalmente tengo buen instinto para saber cuándo dejarlo, cuándo está acabado, y esta ha sido la primera vez en la que he tenido muchas dudas. Incluso ahora mismo no sabría decirte si el disco está terminado o no. (Risas) Le di muchas vueltas a la cabeza. Me preocupaba cómo fluirían las transiciones entre las canciones, e incluso en un momento planteé que fuera un disco doble, con un interludio instrumental tras cada canción, llegué a hacerlos. Pero no funcionaba, parecía desenfocado, y empecé a recortarlo hasta 15, luego 14, luego 13… y al final las 12 que han quedado. Fue muy intenso ensamblar esa partes, incluso hubo algunas canciones que estaban siendo mezcladas a la vez que otras masterizadas, y a la vez decidiendo la secuencia… así que hubo un momento en que tuve que decir «¡vale, basta ya! ¡Déjalo así!» (Risas) Estaba perdiendo la cabeza y tuve que dar un paso atrás y dejarlo, porque estaba terminado.
«Pasé tres o cuatro meses intentando encontrar el orden adecuado de las canciones. Y por un momento creí que me volvería loco»
De hecho, la secuencia es algo extraña, pero lo cierto es que, mágicamente, funciona.
¡Sí, así es!
Como decía antes, el disco tiene algo extraño, un magnetismo extraño para el oyente. No sé si tú mismo sentiste eso, quizá en esa parte de la mezcla, que era un disco muy especial.
Sí, sentí algo así, sentí que todo en torno a él era muy intenso respecto a otros discos. Siempre soy muy apasionado con lo que hago, y soy la única persona que está implicada en el proceso creativo de cada uno de mis discos desde el principio hasta el final, así que nadie puede sentirse más próximo a ellos que yo. Pero todo se veía amplificado de una manera diferente con este disco, y me preguntaba «¿seré el único que lo perciba?» Siempre hay una posibilidad de que, aunque tú lo sientas así y sea especial para ti, no sea igual para los demás. A cada disco te preguntas si estarás fuera de sintonía con el mundo, con las necesidades de la gente, si un tema estará por delante o por detrás de su tiempo… Son preguntas que nunca jamás me hago cuando estoy haciendo el disco, ahí solo pienso en mis propias necesidades, pero cuando lo terminas, empiezas a pensar en esas cosas, cosas que no puedes controlar y que no puedes hacer nada respecto a ellas. Cuando escribía canciones como ‘Why Would I Let You Go?’ o ‘I Love You Because It’s True’ el sentimiento era tan intenso que me preguntaba «¿cómo puedo transmitir la intensidad de este sentimiento al público cuando lo escuchen? ¿Cómo puedo proteger ese sentimiento y compartirlo? ¿Es siquiera posible?» Por supuesto es imposible, pero estoy encantado de ver cómo mucha gente está invirtiendo en el disco y que sienten algunos de esos mismos sentimientos que yo llevaba conmigo cuando hacía el disco.
«No siento que el mundo me deba nada, estoy feliz de que la gente aún descubra mi trabajo»
En mi opinión, diría que con estos tres discos has alcanzado un nuevo nivel de calidad en tu carrera. Por desgracia, o esa es la impresión que yo tengo desde España, eso no se corresponde con que tengas un lugar destacado en la prensa musical, ocupar portadas o que haya un mínimo de hype en torno a ti. ¿Es frustrante que eso ocurra?
Mmmm… La verdad es que no. Yo siempre quiero hacer mejor mi trabajo, y también que mi trabajo funcione mejor. Quiero que todo el mundo escuche este disco, y especialmente con estos tres discos siento que es claramente lo mejor que haya hecho nunca. Y sí, creo que estoy en un nivel diferente en lo artístico. Se convierte en algo automáticamente peripatético cuando empiezas a pensar «¿y si estuviera en un sello más grande? ¿Y si tuviera más recursos para promoción? ¿Y si fuera un artista debutante?» (Risas) Por supuesto, todo sería diferente, pero quizá eso haría que el disco no fuera como es. Y no podría haber hecho estos discos en otro punto de mi carrera. Yo creo en esto como un camino de largo recorrido, creo que el trabajo se va revelando a sí mismo con el tiempo y que lo que estoy haciendo es muy significativo para mí. Ojalá lo fuera también para mucha gente en todo el mundo, que tocara en escenarios más grandes, y claro, que ganara más dinero… (Risas) Ojalá. Pero llevo haciendo esto desde hace 20 años y me siento muy privilegiado y feliz de poder hacerlo. Si tuviera que hacerlo de otra manera… A lo mejor llegaría a más gente, a lo mejor estaría en las portadas, pero el trabajo sería diferente. Ni idea, es difícil juzgar estas cosas. Pero creo que el tiempo aclarará todo, soy un optimista. (Ríe) No siento que el mundo me deba nada, estoy feliz de que la gente aún descubra mi trabajo, y por supuesto más aún de que me hayan seguido durante toda mi carrera y crezca conmigo. Es muy excitante para mí que la gente me escuche por primera vez y crean que ‘Patience’ es mi primer disco. Me gustaría saber qué sienten. No puedo quejarme, la verdad, porque es un enorme placer poder publicar estos discos. Estaría encantado de aparecer en portadas, o en listas de éxitos, pero no hago esto por eso. Por encima de todo estoy feliz de poder hacerlo.
Quizá esa deriva comercial tenga que ver con el riesgo que tomaste al abandonar tu éxito en Europa y empezar prácticamente de 0 en Estados Unidos. Pero, en todo caso, ¿qué ha aportado vivir en Estados Unidos al desarrollo de tu carrera?
No lo sé, es una buena pregunta. Siempre es difícil decir cómo estas decisiones vitales influyen en tu trabajo. Nunca me planteé vivir mucho tiempo en América, simplemente pasó. Me lo pasaba muy bien en las giras, tenía proyectos divertidos allí, hacer música para películas al margen de mis próximos discos, cosas así. Me gusta la aventura. Soy de una ciudad pequeña en Noruega, así que mudarme a Nueva York a los veintipocos años parecía aventura divertida. Y al final acabas quedándote, luego me mudé a Los Ángeles, que fue otra aventura fantástica, hice muchos amigos… Ojalá pudiera estar en muchos sitios al mismo tiempo, pasar tiempo en España, o Francia, o Japón… Por supuesto en algún momento volveré a hacer giras y sucederá, pero es un poco duro hacerlo como me gustaría en según qué sitios, porque siempre tendrás la duda de si irá la gente a verte o no, si llevas banda, con lo que eso supone económicamente. Es un desafío. Y al final he acabado haciendo más giras en América que en Europa, e incluso que en Noruega. Por eso ha sido tan bonito reconectar con Noruega, donde aún soy un poco mainstream e incluso a veces soy ese chico de portada que decías. (Risas) Disfruto teniendo un diferente perfil profesional en distintas partes del mundo: soy el mismo y es la misma música, pero lo vives de formas muy diferentes, es como si tuviera distintas vidas, de algún modo.
«Disfruto teniendo un diferente perfil profesional en distintas partes del mundo: (…) es como si tuviera distintas vidas»
Has mencionado que harás un tour en solitario en Noruega, pero trasladar al directo un sonido como el de este disco debe ser difícil, ¿no? Sé que es un momento difícil para proyectar nada, pero ¿has pensado cómo podrías presentarlo en directo?
Inicialmente íbamos a tocar en algunos festivales, que obviamente ya no van a ser este año, pero pudimos filmar una especie de «‘Patience’ en directo» hace un par de semanas, en una especie de castillo del siglo XIV cerca de aquí. Hicimos un concierto completo con muchas canciones del disco y algunas antiguas. Es algo más desnudo que en el álbum, con vibráfono, piano, saxofón, un coro… Pero creo que pudimos capturar el sentimiento del álbum a unos nuevos arreglos y ha sido divertido compartirlo para que lo pueda ver gente de todo el mundo que sabe que no podrá vernos interpretarlo durante un tiempo. Y es bastante parecido a cómo imaginábamos que sería el directo. No hubo cuerdas y para la batería usamos pregrabados del baterista habitual, que está en América. Tuvimos que improvisar algunas soluciones, pero surgió muy… Estoy muy contento de cómo ha quedado y hemos conseguido un gran sonido, precioso y muy relacionado con el disco. Os animo a darle un vistazo.
¿Y ahora qué? Ahora que has estado varios meses en Bergen, imagino que has tenido tiempo para pensar. ¿Cuáles serán tus próximos pasos?
Creo que como tanta actividad se ha trasladado al año que viene, voy a intentar mantener vivo ‘Patience’ hasta 2021, hasta que podamos hacer más conciertos. No quiero que desaparezca sin más, estamos preparando unos cuantos vídeos y un par de cosas más que estoy planeando. He grabado un montón de música para un potencial próximo disco, pero no sé qué va a ser, quizá incluso dos discos distintos. No he podido terminar muchas canciones, pero sí tengo un montón de miniaturas, canciones pequeñas. (Ríe) Estoy intentando asegurarme de saber qué quiero hacer. También hay otros proyectos: publiqué una colección de ensayos el pasado enero en Noruega (‘Alle sanger handler om deg‘, traducido al inglés como ‘Every Song Is About You’, «Cada canción es sobre ti») que espero que sea traducido y publicado muy pronto, al menos en inglés, además de un par de proyectos de música para películas en los que he estado trabajando. Intento mantenerme ocupado, mientras vemos si podremos hacer conciertos para este disco. Y puede que el año que viene haya sorpresas, incluso que podamos hacer algunos shows en España. Sería muy excitante para mí.
Visualízate a ti mism@ probando a ponerte sin atisbo de ironía, por auténtico gusto, una playlist –asumo que no tienes a mano las cassettes, un reproductor de cintas magnéticas o ambas– con las «mejores» canciones de La Trinca, Pepe Da Rosa o Fernando Esteso (con permiso de la excelsa ‘Soy un vividor‘, ojo). Al margen de que las encontrarás (divertida o terroríficamente, según te venga) incorrectas políticamente, probablemente no las verás la supuesta gracia al escucharlas fuera de tiempo y contexto. Pues algo así, exagerando mucho (mucho mucho), es lo que sucede al enfrentarse al EP debut oficial, publicado por la multinacional Sony Music, de Stay Homas, el trío creado por tres músicos barceloneses que compartían piso durante el duro confinamiento por la pandemia de Covid-19 (que, por si no lo habíais notado, no se ha ido, sigue ahí) y que mostraron un enorme ingenio, tanto musical como lírico, para darle la vuelta a la situación y poner un poco de comedia al asunto en sus composiciones. Hasta ahí, bien, pero lo cierto es que, semanas después, ha perdido su punto.
Klaus, Guillem y Rai pasaron así de ganarse el pan tocando con Búhos, Doctor Prats o Nil Moliner, grupos especialmente populares en Cataluña, a ser casi minicelebridades por sí mismos sin salir de la azotea de su casa en Barcelona, primero atrayendo a colaborar con ellos a lo más granado del panorama estatal –desde desconocidos como Ahyvin Bruno hasta el popularísimo Pablo Alborán, pasando por Manu Chao, Sílvia Pérez Cruz o El Kanka, ganándose elogios del mismísimo Rubén Blades, colgando diversos carteles de «no hay entradas» y viendo cómo Michael Bublé hacía una versión de su tema ‘Gotta Be Patient‘. El original, junto a Judit Neddermann, no falta en la selección de cinco que sus fans han hecho con sus votos entre la casi treintena de temas escritos y presentados en los últimos cuatro meses. Su ukelele pop colisionando con doo wop es uno de los momentos más amables y conseguidos de ‘Disconfination’.
No sucede así tanto con la funky ‘Estamos mal‘, junto a El Kanka, porque, si alguna vez tuvo gracejo aludir a la adicción digital, al auge (y posterior caída) del yoga o una extraña querencia por la falta de higiene (en serio: no) durante el Estado de Alarma, dejó de tenerla en cuanto pudimos salir por la puerta de casa. En el caso de la tropical-pop ‘The Bright Side‘ con Oques Grasses, lo que suena algo pasado es el estilo, si bien los trucos de producción de Arnau destacan en ella como una de las grandes bazas de Stay Homas. Así se hace palpable en la –esta vez sí– muy divertida ‘In the End’, un insólito encuentro de The Mamas and The Papas y el ska-pop, con guiños bien divertidos como ese giro trap que incluye una guasona referencia a Gwen Stefani o las frases en español cantadas con acento guiri (dejemos pasar lo del inglés, que los hemos escuchado mejores… pero también mucho peores). Pero cuando todo termina siendo tan manso y convencional como ‘Volveré a empezar‘ –al menos en este caso la letra tiene una lectura más atemporal, cantada con su colega Nil Moliner–, la cosa se torna aburrida. Aparte tampoco se entiende que ‘Stay Homas’, el single, tampoco haya encajado aquí. Ojalá que sepan encauzar su innegable talento por su propia cuenta y más allá de la parafernalia del coronavirus, porque estas canciones no creo que aguanten el tipo mucho más allá. Ni siquiera en el hipotético nuevo confinamiento masivo que se augura para el otoño. Crucemos los dedos.
Calificación: 5,8/10 Lo mejor: ‘In the End’, ‘Gotta Be Patient’ Te gustará si te gustan: Nil Moliner, Oques Grasses, Doctor Prats. Youtube:vídeo de ‘In the End’
Lady A, la banda anteriormente conocida como Lady Antebellum, ha demandado a Lady A, la cantante de blues cuyo nombre real es Anitta White, por el uso de su nombre compartido. La banda había llegado a un acuerdo con la cantante para compartir el nombre amigablemente, pero tras recibir una primera demanda de la intérprete de ‘That Man’ que solicitaba a la banda 10 millones de dólares por el uso de este nombre, ha decidido contraatacar con una segunda demanda para defender que dicho apelativo también le pertenece al haberlo registrado como marca hace más de 10 años. Como informa Billboard, Lady A no quiere que Lady A deje de usar su nombre, sino compartirlo.
Lady A y Lady A habían hecho las paces después de que la primera anunciara cambio de nombre para aliarse con el movimiento Black Lives Matter, reconociendo sus connotaciones racistas. Grupo y cantante compartían recientemente la captura de una videollamada conjunta en la que aparecían felices y sonrientes, desvelando que ambas partes habían mantenido «conversaciones transparentes, honestas y auténticas» con el propósito de «hallar soluciones positivas y puntos en común» para resolver su disputa. Según la demanda, los autores de ‘Need You Now’ habían negociado promocionar la carrera de White como posible solución, y también escribir y grabar un tema conjunto, pero finalmente estas charlas no han llegado a buen puerto.
Algunos dirán que la banda Lady A tiene las de ganar: es más poderosa que la cantante, legalmente parece que se curó en salud cuando debía, y además White ha ofrecido una cifra a todas luces desorbitada para compartir este apelativo que ni siquiera es tan original. Otros, sin embargo, argumentarán que la banda está quedando un poco mal públicamente con su actitud ante esta modesta cantante afroamericana y que nada de esto habría pasado si hubiera comprobado que el nombre ya estaba en uso o sobre todo tenido el buen gusto de cambiar el suyo radicalmente, porque el de «Lady A» es horroroso. Además, como ha señalado la propia Lady original en una entrevista con Vulture, la supuesta vocación antiracista de su gesto genera, como poco, dudas: “Si queríais ser defensores o aliados, estáis ayudando a los opresores. Eso podría requerir que renunciéis a algunas cosas porque yo no voy a ser borrada».
Katy Perry ha revelado la portada de su nuevo disco mediante un juego de internet que consiste en tuitear y petar globos (o algo parecido). Una Katy disfrazada de payaso triste posada sobre el título de este nuevo trabajo, ‘Smile’, es la imagen que conforma esta portada que está dejando comentarios de todo tipo en los foros, tanto para bien como para mal.
Las informaciones sobre ‘Smile’ están llegando a cuentagotas, y si bien se sabe que el disco sale el 14 de agosto, de momento la revelación de título y portada no ha llegado con el pre-pedido de rigor ni la secuencia de canciones oficial. Lo que sí ha llegado a la red estos días es el fragmento de una supuesta canción nueva llamada ‘Resilient’ que formaría parte de este nuevo álbum. Se desconoce si los singles ‘Never Really Over’, ‘Small Talk’, ‘Harleys in Hawaii’ y ‘Never Worn White’ aparecerán en él, aunque no extrañaría que lo hicieran al menos a modo de «bonus tracks».
‘Daisies’, el primer single oficial de ‘Smile’, ha funcionado modestamente en listas, pero Katy no ha dejado de defenderla cuanto ha podido con llamativas actuaciones en directo, versiones acústicas o recientemente el lanzamiento de un remix para el Orgullo cuyo vídeo era mejor que el original. Por otro lado, la cantante ha sido noticia recientemente por mandar un saludito a Rosalía y por rumorearse que Aitana estaría en su disco, información que esta ha desmentido.
!!!, el grupo de nombre impronunciable que en realidad se pronuncia «Chk Chk Chk» (nunca esta de más recordarlo), vuelve con nuevo EP solo un año después del lanzamiento de su último disco de horrorosa portada (otra vez), ‘Wallop‘. Este nuevo trabajo corto recibe el nombre de ‘Certified Heavy Katz’ y verá la luz el próximo 31 de julio.
La idea tras ‘Certified Heavy Katz’ ha sido volver a explorar los sonidos de la música de club que ya aparecían en ‘Wallop’, y en este nuevo EP concurren estilos como el Chicago house, el garage británico o la música disco neoyorquina dentro de un trabajo de «alta tensión sutilmente producido», según la nota de prensa oficial. “En este nuevo trabajo exploramos los límites exteriores de la música que hacemos”, ha explicado el líder de la banda, el carismático Nic Offer. “Intentamos muchas cosas diferentes con la esperanza de encontrar algo nuevo al hacerlo mal o distinto”.
Algunos de los estilos mencionados en el párrafo anterior están presentes en el primer single oficial de este nuevo EP, un pepinazo bailable llamado ‘Do the Dial Tone’ por el que asoman ecos de garage-house y del dance-pop de los años 90. Su videoclip animado es obra de Cheng-Hsu Chung y es totalmente «trippy». El animador ya se había encargado del clip de ‘Couldn’t Have Known’.
Future Islands vuelven con su primera canción en varios años, periodo que sus integrantes han aprovechado para emprender sus propios proyectos en solitario, como ha sido el caso del cantante Samuel Herring y su álbum de rap. La última vez que escuchamos algo nuevo de Future Islands fue en 2018, cuando publicaron el single suelto ‘Calliope’.
Antes, en 2017, vio la luz el último álbum de Future Islands hasta la fecha, un ‘The Far Field‘ que satisfacía dentro de su componente continuista gracias a temas fantásticos como ‘Ran’, ‘Ancient Water’ o ‘Time on Her Side’. Este trabajo llegaba después del exitazo de Future Islands con ‘Seasons (Leaning on You)‘, una de las mejores canciones de 2014, que se hacía viral gracias a una actuación en directo histórica.
¿Se acerca nuevo álbum? No se sabe, pero de momento sí es posible escuchar el que tiene toda la pinta de ser su primer adelanto oficial, un tema llamado ‘For Sure’ que reincide en la fórmula de la banda, una fusión de pop-rock y synth-pop que, en este caso, la hace sonar a medio camino entre la fuerza de The Killers y la urgencia de The War on Drugs (dos bandas que este año han terminado juntas y revueltas); y que llega con videoclip «de carretera». La letra de ‘For Sure’ describe un episodio idílico entre dos enamorados que disfrutan de su compañía mutua «sentados en la piedras» o «mirando los peces fluir bajo nuestros pies», mientras su videoclip recurre a una misteriosa mezcla de coches y naturaleza.
¿Va en serio Kanye West con la idea de presentarse a las elecciones presidenciales de Estados Unidos? El plazo para hacerlo ha pasado en varios estados, con lo cual difícilmente va a resultar electo; pero además TMZ informa que la decisión del rapero, que padece un trastorno bipolar, puede haber estado provocada por un episodio de manía extremo que está preocupando a su familia.
Para poner un poco de luz en su decisión, el artista ha concedido una entrevista de 4 horas, en la que Forbes rescata varios titulares, entre los que están su rechazo a Donald Trump, al que deja de apoyar en el momento de dicha entrevista; el reconocimiento de no haber votado nunca; o el de haber pasado la covid-19 el pasado mes de febrero. Su partido se llama Birthday Party y sobre su candidatura indica que «como todo lo que ha hecho en la vida, lo ha hecho para ganar».
Sus creencias religiosas manifestadas últimamente en discos como ‘Jesus Is King’ le llevan a decir que la solución para la pandemia es «rezar». «Rezamos por la libertad, todo tiene que ver con Dios. Tenemos que dejar de hacer cosas que cabrean a Dios», indica, antes de manifestarse contra las vacunas: «Muchos de nuestros hijos son vacunados y sufren parálisis. Así que cuando dicen que vamos a arreglar la covid con una vacuna, hay que ser extremadamente cauteloso. Es la marca de la bestia. Nos quieren poner chips, quieren que hagamos ciertas cosas, hacerlo para que no podamos cruzar las puertas del cielo. Siento referirme a «ellos», a los humanos que tienen al diablo dentro. Y lo triste es que no todos iremos al cielo, algunos de nosotros no lo lograremos. Siguiente pregunta».
Cuestionado sobre el aborto, se manifiesta «pro-vida como indica la Biblia», mientras que respecto a los impuestos, indica: «Todavía no me he informado mucho sobre eso. Buscaré a los mejores expertos al servicio de Dios y volveré con la mejor solución. Y esa será mi respuesta para todo sobre lo que no me haya informado aún». Cuando le preguntan por China, indica que su política exterior supondrá abrir la NBA al resto del mundo, que le encanta China porque hay «muy buena gente» y recuerda que su madre enseñó inglés en China cuando él estaba en quinto.
A cada párrafo, un WTF de no dar crédito, uno no puede sino tirarse de los pelos pensando en el jefe o jefa de prensa de Kanye West en caso de que tal cosa exista. De un lado, parece imposible que su candidatura sea en serio; de otro, no hay más que recordar la bufonesca estrategia de comunicación de quien gobierna Estados Unidos en este momento. Parafraseando a Basia Bulat cuando hablaba de Trump, «el listón internacional en política está ahora mismo así de bajo».
Jess Glynne pide disculpas por el incidente relatado ayer en redes sociales, según el cual la expulsaron de un restaurante por ir vestida con ropa deportiva. En un nuevo vídeo subido a Instagram indica que «discriminación» no era la «palabra adecuada», por lo que «la retira». Sin embargo, insiste en su visión. «Respeto las etiquetas, los dresscodes y me han echado de muchos sitios a lo largo de mi vida. Pero eso no es lo que quería decir. Simplemente estaba reclamando educación. Hay maneras y maneras de dirigirse a los demás. Simplemente quería subrayar eso».
La solista femenina británica con más números uno de la historia de Reino Unido era en efecto noticia después de haber acusado a un restaurante londinense de haberla «discriminado» cuando ella y una amiga intentaron acceder al local para cenar. La artista acudía a este restaurante de lujo vistiendo ropa deportiva y, en sus redes, se ha quejado de que el local no la dejó entrar por este motivo a pesar de que en ese momento se encontraba «vacío». «Nos hicieron esperar y dos empleados tomaron una decisión basándose en nuestro aspecto», señalaba. «Creo que la actitud de vuestro personal debería cambiar porque esto ha sido pura discriminación».
El restaurante en cuestión, Sexy Fish, no respondía a Jess Glynne, pero los seguidores de la cantante sí le han informado de que el restaurante cuenta con código de vestimenta, como puede comprobarse a golpe de clic, y que este impide a la clientela expresamente acceder al establecimiento con dicha ropa deportiva como la que llevaba Glynne en el momento del incidente. Algunos se preguntan si Glynne no conocería ya esta información e intentaría entrar en el restaurante simplemente gracias a su condición de celebridad… a pesar de que parecía ir vestida para pasar desapercibida. Otros iban más allá al cuestionar el hecho de que una mujer blanca y adinerada como Jess Glynne, quien se diera a conocer hace unos años como intérprete de la premiada ‘Rather Be’ de Clean Bandit, para después editar un par de exitosos álbumes, se presente a sí misma públicamente como víctima de una «discriminación» en pleno resurgimiento del movimiento Black Lives Matter, y cuando la mayor parte del mundo sigue sufriendo las consecuencias de una pandemia global que está afectando a la población con menos recursos de manera desproporcionada, pero también a negocios que dependen de asistencia física para subsistir como los restaurantes. De ahí, por supuesto, su aclaración, tan solo 24 horas más tarde.
Dear @sexyfishlondon I turned up to your restaurant looking like this and you looked me and my friend up and down and said no you can’t come in and your restaurant was EMPTY. I then went to amazonicolondon who… https://t.co/QHJhDgRciy
Red Hot Chili Peppers, The Killers, Mumford & Sons, Twenty One Pilots, Faith No More, Deftones, Pixies, Placebo, Alt-J, Royal Blood y Major Lazer están entre las primeras confirmaciones de Mad Cool 2021. La organización nos informa de que aún no se han revelado todos los grandes cabezas de cartel. Este volverá a contar con artistas enfocados en la música pop sin prejuicios, como es el caso de Carly Rae Jepsen, pero no repiten los dos grandes reclamos previstos para 2020: Taylor Swift y Billie Eilish. Taylor está oficialmente descartada según la nota de prensa: «Nos habéis preguntado mucho por Taylor Swift, pero lamentamos deciros que finalmente no estará en nuestra próxima edición. Hemos trabajado con su agencia y management para conseguir que estuviesen con nosotros en el 5º aniversario, pero no ha sido posible. Esperamos que en posteriores ediciones pueda estar en el festival». Para los interesados, se ha ampliado el plazo de devolución desde hoy, miércoles día 8 de julio, a las 20.00 h., hasta una semana después del anuncio del cartel completo.
Para Billie Eilish hay cierta esperanza, la que da el hecho de que no sea mencionada como Taylor Swift, y que la organización haya informado en horas recientes de que hoy se anuncia solo «el 70% de artistas». Después habrá un segundo anuncio, donde se incluirá «el resto de nuevos nombres». De los 94 que se conocen ya, se pasará entonces a 132. El cartel se completará en 2021 añadiendo ya tan sólo los 4 ganadores del concurso Mad Cool Talent by Vibra Mahou. Dice la nota de prensa: «Actualmente tenemos confirmados un gran número que ya formaban parte del cartel en la edición de 2020 y que se mantendrán en Mad Cool 2021. Muchos de ellos se anunciarán hoy, pero otros aún no se pueden revelar. Os daremos estos nombres en nuestro siguiente comunicado, lo antes posible. Estamos trabajando para que sea antes de finalizar agosto».
Además, la organización revela el cartel por días: Twenty One Pilots, Placebo, Angel Olsen y Wolf Alice estarán actuando el miércoles 7 de julio. El jueves 8 será el día de The Killers, Deftones, Foals, Floating Points y Four Tet. El viernes 9 de julio actuarán Mumford & Sons, alt-J, London Grammar o Jamie Cullum, y el día 10 de julio los Red Hot, Pixies, The Rapture, Major Lazer o Marika Hackman, entre muchos otros que podéis consultar en este cartel.
🌶🔥✨ Red Hot Chili Peppers, The Killers, Mumford & Sons, Twenty One Pilots, Faith No More, Deftones, Pixies, Placebo, Alt-J, Royal Blood y Major Lazer encabezan las primeras confirmaciones de #MadCool2021 ✨🎡🌴
Explicando lo difícil que le ha sido encontrar un mezclador que entendiera lo que quería (un proceso que ha sido frustrante, dice, pese a haber probado con técnicos franceses e internacionales), Benjamin Biolay define ‘Grand Prix’ como «un disco de chavales que ya hacían música, aunque fuera como amateurs, a finales de los 80». Y, más que dar una idea de su sonido (que también, aunque no suena exactamente a lo que sonaba en el año 1989), lo que delata esa frase es el eje fundamental del noveno disco de canciones propias en la carrera del francés: el paso del tiempo, la vida como una carrera de velocidad en una carretera cíclica en la que la muerte es inevitable y reaparece de cuando en cuando, trágicamente, como en la vieja Fórmula 1 que sirve de leit motif estético y lírico en este trabajo.
Su mezclador, por cierto, ha sido finalmente Pierrick Devin, discípulo de Philippe Zdar. De hecho, los acordes de piano que suenan en el puente single principal ‘Comment est ta peine?‘ son un guiño voluntario a ‘How Deep Is Your Love‘ de The Rapture, tema(zo) producido por el fallecido músico francés y que sonaba en la escena final de ‘Habitación 212’, la más reciente película estrenada por Biolay en su faceta como actor. Curiosamente, su llamativo y seductor sonido discofunk, que como decíamos no es exactamente característico de finales de los 80, cobra bastante protagonismo en este álbum, pero tampoco se puede decir que ‘Grand Prix’ sea un disco de música bailable en general, sino una amalgama de distintas facetas accesorias al autor de ‘Rose Kennedy‘ y ‘La Superbe‘.
No estamos exactamente ante un disco de fusión tan atrevido y apasionado como fue ‘Palermo Hollywood‘, sino ante un disco de pop rock de códigos principalmente anglófilos –con su indispensable deje de chanson clásica, eso sí– que vadea varios palos. Resulta muy estimulante la especial dosis de energía bailable que dispensan los temas más cercanos al single principal: ‘Papillon Noir’, una evidente caricia a los New Order de los 90, se sitúa al frente de las canciones más directas que haya compuesto Biolay en toda su carrera, observando muy de cerca en el retrovisor a otros temas tan redondos y magnéticos como ‘Comme une voiture volée’ y ‘Où est passée la tendresse?’ Se atreve, incluso, con inesperados arrebatos rockeros como el de ‘Idéogrammes’, interludios propios de Phoenix o Daft Punk como ‘Virtual Safety Car’ –que incluye, en un guiño a su cercanía a la lengua española, una voz virtual entonando un cómico «qué poco me gusta la virtual safety car«– o ciertos estándares de disco sedoso con autotune, en la fresca y ligera ‘Souviens-toi l’été dernier’.
En contraposición a estos, no falta la melancolía que tan bien sabe manejar Biolay, destacando la preciosa desnudez de la guitarra eléctrica (con maravillosos contrapuntos de violines) en ‘Vendredi 12’ –su vídeo, compuesto por escenas de sendas películas de los primeros 70 protagonizadas por Monica Vitti, le sienta como un guante– y ‘La roue tourne’, un baladón noir en el que BB desata su lado más crooner para desmitificar la madurez como una etapa de sabiduría y templanza: «de tanto en tanto pienso que ya no sé nada. / Cuantos más años pasan, / menos certezas. / Cada vez lloro menos / porque no sirve de nada. / Cada vez rezo más / pero solo en mi rincón», comienza. «Y la rueda gira y gira, (…) y a veces nos aleja de lo bueno, (…) y gira y gira, cada vez más rápido», canta, grosso modo, en su estribillo.
Ese punto de desencanto sereno persiste en gran parte del disco, con una especial preocupación (aparente, al menos) por la edad. Frases como «el amor tiene un precio que yo ya no puedo pagar» (‘Visage pâle’) o «si te hubiera conocido antes, cuando era joven y encantador» (canta en ‘Voiture volée’, donde se autodefine como «un viejo motor») dan esa dimensión de un galán en horas bajas que se expone en ‘Papillon Noir’, una mariposa negra que no es otra cosa que una metáfora de la muerte, «el símbolo de nuestra historia». Es obvio que la idea de la parca comienza a acechar a Benjamin y, de hecho, cuenta que escribió ‘Grand Prix’, la canción, a raíz de la muerte de Jules Bianchi en el circuito de Suzuka en 2014. La muerte de otros como reflejo e hitos de nuestras propias vidas: de nuevo la Fórmula 1 emerge en ‘Interlagos (Saudade)’, la preciosa y queda melodía con ecos de bossanova en la que alude a una victoria mítica del también fallecido Ayrton Senna, que él conserva como un recuerdo infantil. Nada casualmente, la canta en forma de dueto con una tal Bambi, que no es otra que Anna, la hija adolescente que comparte con Chiara Mastroianni, su ex-esposa.
Curiosamente ella canta en el disco, en ‘Visage pâle’ y ‘La route tourne’, al igual que otra ex célebre como Keren Ann (‘Souviens-toi l’été dernier’). Y también lo hace la que se dice es su actual pareja, la también actriz Anaïs Demoustier (y 15 años más joven que él), que hace coros en ‘Comment est ta peine?’ y ‘Papillon Noir’. Evidentemente, hay algo de cinismo en ese aura de fucker en declive cuya imagen usa en algún fragmento del disco («este es mi cuerpo, pero no poseerás mi corazón», canta en ‘Idéogramme’), y resulta igualmente creíble cuando se pone romántico en ‘Vendredi 12’ evocando «un poco de mi piel sobre tu cuerpo», o preguntándose «¿dónde quedó la ternura?» (‘Où est passée la tendresse?’). «Pasé por la vida como una ambulancia» canta definitoriamente en ‘Ma route’, una canción que, como en el caso del corte titular del álbum, es quizá algo básica y recurrente en lo musical, pero es realzada por su tino poético y su reconocible manera de cantar. En ‘Grand Prix’ Benjamin Biolay apuesta por poner frescura a la decadencia y la jugada vuelve a salirle muy bien.
Calificación: 7,7/10 Lo mejor: ‘Comment est ta peine?’, ‘Papillon Noir’, ‘Vendredi 12’, ‘Comme une voiture volée’, ‘Interlagos (Saudade)’ Te gustará si te gustan: Vincent Delerm, Keren Ann, los Phoenix más reposados. Youtube:vídeo de ‘Vendredi 12’
El recomendado nuevo disco de Haim, ‘Women In Music Pt. III‘, actual número 1 oficial en Reino Unido, presenta una estructura particular, pues todos los singles que vinieron presentando el año pasado son meros «bonus tracks». Es cierto que en aquel momento aseguraban que dichos temas sueltos no estaban introduciendo ningún disco, pero aun así se trata de una decisión extraña dada su buena aceptación, su calidad y sobre todo lo bien que habrían encajado en otros momentos de dicho disco, al haber sido co-producidos por las mismas personas: ellas, Ariel Rechtshaid y Rostam.
El mensaje parece ser que iban tan sobradas de buenas canciones que no necesitaban ‘Summer Girl’, ‘Hallelujah’ o ‘Now I’m In It’. El resultado es que el disco está muy bien, pero hay gente que insiste en que está desordenado. «Escuchar el tracklist al revés mejora más aún este superdiscazo», nos indicaba en un comentario mardebering.
Nunca he sido muy amigo de los bonus tracks, pues entiendo el álbum como un todo, como una historia con un principio concreto y un final concreto en el que los bonus son un elemento distorsionador de la experiencia. En los últimos tiempos, el concepto se ha pervertido cada vez más, pues un «bonus track» ha pasado de ser un descarte solo apto para fans, que no encajaba por estilo o por la razón que fuera, a una estrategia para sumar puntos de streaming en listas de álbumes que los consienten, como el Billboard 200. El caso más sonado es el de Lizzo, que ha disfrazado ‘Cuz I Love You’ (2019) como un disco en el que estaba ‘Truth Hurts’, un tema de 2017 que se viralizaba con 2 años de retraso gracias a TikTok y a una peli de Netflix.
Un caso también estratégico pero diferente, algo más limpio, fue el de Selena Gomez y su disco ‘Rare’ publicado este año: ahí eran «bonus tracks» singles pasados como ‘Bad Liar’ o ‘It Ain’t Me’ que desde el primer momento no le encajaban. Y no le ha ido nada mal, pues ‘Rare’ sigue en el Billboard 200 seis meses después pese a que ahora mismo ningún single del álbum está en listas.
Otro caso sonado este año ha sido el de Lil Uzi Vert, que dejaba la mejor canción de ‘Eternal Atake‘, ‘Futsal Shuffle 2020’, como bonus track, quizá porque estéticamente no pegaba demasiado. Le ha dado igual porque él sí ha arrasado con otros temas del largo. Por otro lado, con el paso del tiempo, ha dado totalmente igual a Dua Lipa dejar ‘New Love’ como bonus track de su debut pese a que fue uno de los temas con que la conocimos en 2015. Pocos recordarán que este tema fue un single, después de lo que han ido representando para ella los pelotazos de ‘New Rules’ o ‘IDGAF’, o los incluidos en su segundo álbum, ‘Future Nostalgia‘.
El caso más común durante los últimos años, y también el más aceptable, ha sido el de una Ellie Goulding que deja fuera del tracklist oficial de su disco ‘Delirium’ un hit con Calvin Harris como ‘Outside’, pero lo incluye como «bonus track». Este o el de Selena parecen bastante más lícitos y honestos que esa Nicki Minaj que calzó ‘FEFE’ con 6ix9ine en ‘Queen‘ a la desesperada cuando el disco ya estaba en la calle. El caso más raro de todos es el actual de Haim, pues no han terminado de explicar qué hace particularmente un temazo como ‘Now I’m In It’, para el que se molestaron en hacer un vídeo tan relevante el año pasado antes de la covid-19, al final de toda la secuencia. Apuesto a que habrá quien no llegue a descubrirlo, y es una verdadera pena.
Incluso en este 2020 tan terrible y extraño no hemos olvidado que el verano pide ánimo disfrutón, aunque sea sin clubs, ni festivales ni conciertos tal y como los conocíamos, y manteniendo una distancia prudencial en playas, piscinas, barras de bar, chiringuitos… y hasta en la bañera. Por eso aquí está, fresca como siempre, nuestra selección de canciones veraniegas Lo + Sabrosón, que con esta cumple diez ediciones consecutivas. Como siempre, planteamos una banda sonora alternativa a las típicas canciones que nos invaden en la época estival, en la que caben funk, house, tecnopop, bossa nova, rock y, por supuesto, pop. Incluso aunque el reggaeton sea el nuevo mainstream y uno pueda llegar a estar algo saturado de ello, el perreo alternativo también tiene su espacio aquí. ¡A disfrutarla!
Planteamos la playlist como un crescendo con ciertos respiros. La francesa Clea Vincent es perfecta para abrir boca con la deliciosa ‘Bahia’ (encantador ese «Bahía, yo no te conozco, tú no me conoce… y quizá sea mejor así»), incluido en su segundo EP de inspiración brasileña ‘Tropi-cléa 2‘, a la que el chileno Gepe ofrece una perfecta alternativa con uno de los sabrosos temas de su próximo disco. Los nuevos singles de la parisina Claire Laffut (una de las pocas que repite respecto a la selección del año pasado) y un Dominic Fike que muestra ser ya mucho más que una mera promesa allanan el camino hasta ‘want u back’, otro pelotazo del dúo joan que persiste en su audaz y divertido crossover entre Lo-Fi Fnk y Backstreet Boys.
El siempre interesante Camilo Lara, Instituto Mexicano del Sonido, trae un atinado cambio de tercio en ‘Yemayá’, en la que conviven como siempre tradición y modernidad, esta vez con la ayuda de la respetada cantante guatemalteca Gaby Moreno. Abre un bloque en el que conviven el ecléctico pop contemporáneo del dúo The Pirouettes con la imaginativa psicodelia-funk-pop de los británicos The Orielles (con uno de los temas de su segundo álbum, ‘Disco Volador‘) en contraste con la rumbita alternativa que propone El Grajo, proyecto de Marcos Rojas, ex-Los Claveles (‘Intermitente’, primer single de su próximo disco) y el surf rock cañí de ‘La fuente’, tema del dúo revelación granadino Adiós Amores. Y un nuevo viraje nos sirve cierta melancolía (de la buena): la que nos brinda ‘Carretera secundaria’, una de las joyas más elegantes y deslumbrantes del segundo trabajo de Summer Spree (es decir, Álvaro Muñoz, ex-Tarik y la Fábrica de Colores). Sus ecos italo se llevan mejor que bien con el electropop con ecos a Fleetwood Mac de ‘And It Breaks My Heart’, el nuevo single de la sueca LÉON que comienza con una intro que dice a gritos «¡Lana Del Reeeeey!».
Aunque sin dejar de ser bailable, esa era la calma previa a la agitación y la efervescencia que ya no nos abandonará en el resto de playlist. El germano Roosevelt da el banderazo de salida con su tan elegante como irresistiblemente bailable nuevo tema, ‘Sign’, haciendo subir la temperatura ambiente de forma decidida con el disco-funk de ‘Voodoo?’, el más reciente single de los franceses L’Impératrice, que enlaza a la perfección con la frescura de nuestra DEVA y su ‘F.U.C.K.’ y el french touch de Polo & Pan, que no faltan a la cita estival. Aunque para calorazo, el que se traen el argentino Maximiliano Calvo en su tema con ARON (Piper, el actor de ‘Élite’ profundizando en su carrera musical) y Soleá Morente, que comparten cama en la portada de la ecléctica ‘Prendiendo fuego’, de sexual y sordidillo vídeo. ¡Ofú, qué calor!
Y aquí es cuando Lo + Sabrosón 2020 entra en la fase «sudor intenso» con la visita de cuatro artistas brasileñas, Anitta, Lexa, Luísa Souza y MC Rebecca, y el ultrapegadizo tema de funk carioca que ha pegado fuerte en el verano austral de su país, ‘Combatchy’. Prestas para el perreo continúan a dúo Albany y la chilena Tomasa Del Real en ‘Cyberluv’, una producción de King Doudou, conocido por sus hits con Bad Gyal, Ms Nina o MC Buzzz. Y maneras de hit veraniego tiene también ‘Pena’, el popero dueto de Mala Rodríguez y Cecilio G. incluido en ‘MALA‘. Y ese es el momento perfecto para presentar a un nombre nacional nuevo, Blackpanda, un dúo formado por Marta Marlo y AHLOG que no debe perderse ningún enamorado del house pop. Una lid en la que brillan Victoria Monét –la BFF de Ariana Grande–, Khalid y SG Lewis, juntos y revueltos en ‘Experience’, conformando un trío perfecto con el funk pop del combo británico Franc Moody. ‘Skin On Skin’ es uno de los singles destacados de su álbum debut ‘Dream In Colour‘, publicado el pasado febrero pero que refulge como nunca ahora.
Inmersos en la pista de baile, ‘Like This’ –extraído de su EP debut ‘How Can I’– de la joven productora surcoreana Park Hye-jin sirve un intenso número house tan perfecto para el club como ‘How to Be Successful’, temazo de la desconcertante drag británica Lynks Afrikka con bien de sarcasmo sobre lo que se entiende por «éxito» en nuestros tiempos, o la unión de Mr. K! y Mueveloreina en ‘Folcotrónika’, cuyo guiño a ‘Pump Up the Jam’ resulta tan infalible como el flow de Karma. Y la traca final nos la sirve el flamenco pop de La Cebolla, cuyo pelotazo ‘Habibi’ acumula decenas de millones de streamings (poca broma para una artista independiente debutante). Placer culpable sin culpa.
Y tras ese subidón, toca ir bajando revoluciones –sin dejar de menearse– con el insólito movimiento de Astrid S que aparca su electropop «á-là sueca» cantándose en spanglish un tema con efluvios caribeños, merced a un artista independiente noruego-chileno, Gabifuego. Su ‘Contigo tengo feeling’ es perfecto para dejarse llevar del todo. CYN, artista amadrinada por Katy Perry, despliega con sensualidad su ‘Drinks’, un tan minimalista como cautivador himno a matar un desengaño amoroso (o una simple bronca) yéndose de chupitos con su mejor amiga. Y sin dejar de lado la «ola de calor», ‘Heat Waves’ de Glass Animals –cuarto single de su esperado próximo disco– sigue invitando a mover el cucu, pero su tono melancólico tiene a la vez cadencia de despedida.
Ladilla Rusa se han hecho un hueco en el mundo del pop gracias al descaro y desenfado con el que han afrontado temas como ‘KITT y los coches del pasado’ (2019) y ‘Macaulay Culkin’, ambos por encima de los 2 millones de reproducciones en Spotify y de los 4 y los 3 millones en Youtube, respectivamente. Pese a nuestras reticencias iniciales hacia ‘Estado del malestar‘ (2018), la trágica separación de Las Bistecs les ha beneficiado: si Promusicae siguiera el sistema del Billboard, ambas canciones serían «disco de oro» en España.
El nuevo intento de hacernos reír de los cómicos es ‘Macarrones pop’, que os presentábamos en «Sesión de Control» hace unos días y que desde El Genio Equivocado definen como «una canción de techno pop de lo más bizarra, llena de fantasía y de imaginación». Según ellos mismos, «el punto de partida es la historia que explicaba Tony Genil, que aseguraba que cuando Michael Jackson visitó España estuvo en su casa comiendo macarrones». Continúan Ladilla Rusa: «Esta historia nos hizo pensar en una fotografía: Michael Jackson y Paul McCartney fregando los platos. Atamos cabos y he aquí nuestro descubrimiento: todo pasó el mismo día. Michael, Paul y Tony compartieron una velada maravillosa y luego fregaron y lo dejaron todo limpio».
Esta fantasía da lugar a una de las canciones más descacharrantes y directas de Ladilla Rusa. Una producción que va adoptando varios tempos y pasa por varias fases con y sin acordeón, desde el synth-pop sinvergüenza de Alma-X y L-kan hasta los coros infantiles que, en el vídeo animado, representan un conjunto de macarrones. La letra es más o menos su nota de prensa, solo que, medio entonado, «Michael y Paul fregaban los platos, mientras Tony barría, mientras Tony barría» resulta un estribillo de lo más divertido. Desde su sello definen este nuevo tema como la «antesala de las próximas producciones del grupo» y ojalá sea el caso.
Aunque el origen de la foto de Michael Jackson y Paul McCartney sin lavavajillas a mano no está tan claro, es una de las fotos de ambos que más continúan circulando, sobreviviendo a redes sociales emergentes y pasadas de moda. Más documentado está cómo ambos fueron amigos hasta el punto de colaborar en varias grabaciones como ‘The Girl Is Mine’ de ‘Thriller’ (1982) y ‘Say Say Say’ de ‘Pipes of Peace’ (1983) hasta que partieron peras cuando Michael Jackson se hizo con los derechos de 251 grabaciones de los Beatles tras haber tomado el pelo a Paul con que lo haría.
‘¡Hoy no!’, la apoteósica canción que presenta el nuevo EP de Mónica Naranjo, es lo más votado de JNSP, desplazando a ‘Rain on Me’ de Lady Gaga y Ariana Grande. Directa al top 3 encontramos ‘Blame It On Me’ de Melanie C, artista a la que recientemente entrevistábamos. El resto de entradas son los últimos sencillos de Javiera Mena, Arca, Monterrosa, Carlos Sadness, Jónsi y Kelly Lee Owens. A su vez, es momento de despedirnos de Troye Sivan, ‘Forever’ de Charli XCX, ‘Je t’aime encore’ de Yelle y ‘Nunca estoy’ de C. Tangana. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.
Al fin alguien que no es Anuel AA logra el número 1 en la lista de singles en España: se trata del igualmente exitoso Ozuna, que escala hasta el primer puesto en su tercera semana con ‘Caramelo’, un single en solitario, toda una rara avis en estos días. Ozuna también aparece en otros temas de la lista como ‘Mamacita’ con Black Eyed Peas, que es disco de oro; y ‘China’ de Anuel AA, entre muchos otros, ya certificada como 6 veces platino.
Anuel AA queda en el puesto 2 con ‘El manual’, también en solitario, mientras la subida más fuerte de la semana la produce ‘Porfa’ de Feid y Justin Quiles, que pasa del número 19 al número 5.
Para la entrada más fuerte tenemos que irnos hasta el número 46, donde encontramos ‘Dime cuántas veces’ de Micro TDH y Rels B. Le sigue una producción de Raül Refree -y no hemos visto muchas en la lista de singles-, ‘Ya mi mamá me decía’ de Guitarricadelafuente, que llega al puesto 60.
El resto de entradas son El Alfa y Chael Produciendo con ‘Singapur’ en el puesto 68, Rauw Alejandro con ‘Algo mágico’ en el puesto 70, Blackpink con ‘How You Like That’ en el 78 y ‘Breaking Me’ de Topic/A7S en el número 88.
Elton John informa hoy, como era de prever, de que sus conciertos en el Palau Sant Jordi previstos para este año, pasarán a celebrarse el año que viene junto al resto de su gira europea. En concreto las nuevas fechas son el viernes 22 de octubre de 2021 y el sábado 23 de octubre de 2021. El cantante dice en un comunicado que la seguridad de sus seguidores es lo primero.
Por otro lado, Elton John ha sido noticia estos días porque es el segundo músico británico que tendrá su moneda oficial, después de Queen. Es por tanto el segundo protagonista de la serie «Leyendas Musicales». La responsable de Royal Mint Clare Maclennan ha declarado: «Elton John es sin duda una leyenda británica de la música y ha sido reconocido como uno de los cantantes y autores más exitosos de su generación. Estamos encantados de honrar la significativa contribución de Elton John a la música británica con una moneda».
Por su parte, el artista ha declarado en una nota de prensa: «Es un honor ser reconocido de esta manera. Los últimos años han contenido algunos de los momentos más memorables de mi carrera, y esto es otro humilde peldaño a lo largo de mi viaje». Su moneda ha sido diseñada por Bradley Morgan Johnson, quien no ha prescindido de su icónico sombrero ni de la Union Jack. Según informa la BBC, las monedas más baratas de la tirada tienen un valor nominal de 5 libras, vendiéndose en verdad por 13 libras. Luego hay una moneda de oro con un valor nominal de 1.000 libras, que tiene un precio de casi 69.000 libras.
Elton John está viviendo unos años de despedida gloriosos tras el éxito de su película biográfica ‘Rocketman’ que pese a tener sus fans y sus menos, exactamente igual que ‘Bohemian Rhapsody‘, ha sido un pelotazo comercial. ‘Rocketman‘ recaudaba 195 millones de dólares a partir de un presupuesto de 40 millones, realzando la popularidad del artista en las plataformas de streaming. Elton John cuenta con 26 millones de oyentes mensuales en Spotify, lo que le sitúa muy por encima por ejemplo de Michael Jackson y a la altura de muchos artistas jóvenes de hoy, en el puesto 69 de los artistas más oídos en esta plataforma.
En la otra cara de la moneda encontramos este aplazamiento de su gira de despedida, que como la de todo hijo de vecino, ha tenido que verse suspendida en medio de la pandemia de covid-19. El que se planteó como su último tour había de tener lugar entre los años 2018 y 2021. De las 6 partes de la gira, 4 tuvieron lugar hasta los conciertos de marzo en Australia. La parte de esta primavera en Estados Unidos era pospuesta «sine die» y nadie sabía muy bien hasta hoy qué ocurriría con la parte prevista para este otoño (el «Farewell Yellow Brick Road» sí llegó a pasar por Madrid el año pasado, reuniendo a 11.500 personas).
En el lado positivo de la balanza, por supuesto, Elton John forma parte del éxito de Lady Gaga de este año, el álbum ‘Chromatica’, apareciendo en uno de sus temas. Aunque ‘Sine from Above’ se ha quedado «bubbling under» en el Billboard Hot 100 a falta de comprobar si es escogida como single, sí es una de las favoritas de sus seguidores. ‘Sine from Above’ aparece entre las canciones más escuchadas del momento de Lady Gaga… y también entre las de Elton John.
Ha tenido que llegar una pandemia y rozarse los límites del absurdo, pero al fin Promusicae presenta esta semana la primera lista conjunta de ventas y streaming, sumándose a la tendencia impuesta por otros países como Reino Unido, Estados Unidos o Francia. En la tabla se muestra que la organización lleva ensayando esta lista algunos meses, pues se muestran cimas y certificaciones para algunos discos desconocidos en la tabla oficial hasta ahora, por ejemplo el top 2 de ‘Chromatica’ de Lady Gaga o el oro de ‘X100 PRE’ de Bad Bunny. JENESAISPOP realizó un ensayo exclusivo de esta lista hace unos meses gracias a una filtración.
Anuel AA tiene el honor de ser el primer número 1 de esta tabla mixta, subiendo desde el puesto 2 con ‘Emmanuel’: tantísimo se escucha su disco en las plataformas que ni con el peso de las ventas de las tiendas abiertas se ha podido contenerle. Por detrás quedan los puntos de David Rees, que entra al puesto 2 con ‘Amarillo’, y de Depeche Mode, que llegan al puesto 3 con ‘Spirits in the Forest’: los de Dave Gahan y Martin L Gore habrían aparecido mucho más abajo de contar solo el streaming, seguramente fuera del top 100 con este directo.
Jarabe de Palo protagoniza la subida más fuerte, del puesto 19 al 5, si bien ‘Tragas o escupes’ ya era un álbum que estaba funcionando en streaming sobre todo desde la trágica pérdida de Pau Donés. No se apean del top 10 conjunto ni J Balvin ni Bad Bunny con sus dos últimos discos. Como en el caso de Anuel AA, su streaming es tan fuerte que no tener ventas apenas les afecta.
Rosalía y The Weeknd están entre los artistas equilibrados que aparecen más o menos en las mismas posiciones con ventas que sin ventas, en torno al top 35, pero después hay bastantes desequilibrios. Los 50 primeros puestos de la semana pasada en streaming llegan al top 100 de la tabla mixta, pero de la lista de esta semana han desaparecido varios discos que estaban por debajo del puesto 55 de la lista de streaming la semana pasada: Fernando Costa, Jonas Blue, Lewis Capaldi, Nicky Jam, Maluma… podemos considerarlos totems del streaming que caen ahora que cuentan las ventas. En este lado, por extraño que parezca, podemos incluir a La Casa Azul con ‘La gran esfera’, que está siendo un éxito mayor en las plataformas de streaming que en las tiendas. Y más extraño aún, Natalia Lacunza es una sorprendente beneficiada de la incorporación de las ventas: ahora en vez de en el nº76 de streaming, vemos ‘EP2‘ en el nº34 de la tabla mixta. Ojo porque esto puede hablar de la fidelidad de su público a largo plazo, pues es del que se gasta el dinero en las tiendas.
También entre los artistas beneficiados por esta tabla mixta hay que destacar el caso de los Strokes. Estaban a punto de desaparecer de la tabla de streaming, pero si contamos ventas resultan estar en el puesto 75 en la 11ª semana de vida de ‘The New Abnormal’: es uno de sus mejores datos internacionales. Igualmente destacamos el caso de Andrés Suárez y Bob Dylan. El primero habría sido número 1 en España la semana pasada si se hubiera dado a conocer la tabla mixta, en lugar de número 18, posición que se refería solo al streaming. Por otro lado, nos quejábamos de que ‘Rough and Rowdy Ways’ había sido solo top 75 en streaming, pero sumando sus ventas habría sido número 5 en España, pues Promusicae muestra que en su segunda semana, está bajando del puesto 5 al puesto 19.
Otras entradas en esta tabla mixta son Mónica Naranjo en el puesto 6 con ‘Mes Excentricités Vol. 2’, Belén Aguilera con ‘Como ves, no siempre he sido mía’ en el puesto 9, Pol Granch con ‘Tengo que calmarme’ en el puesto 13, Paco Candela con ‘Alma de pura raza’ en el puesto 22, Sticky M.A. con ‘Konbanwa’ en el puesto 32, Luar Na Lubre en el puesto 50 con ‘Vieras e vieros’, Diego El Cigala en el 51 con ‘Cigala canta a México’, Eladio Carrion’ con ‘Sauce Boyz Care Package’ en el puesto 56, Haim con ‘Women in Music Pt III’ en el puesto 59 y Natalia Lafourcade con ‘Un canto por México, vol. 1′ en el puesto 85. Adivinamos que de ellos Mónica Naranjo logra una buena entrada por sus ventas, Sticky M.A. por su streaming, y Haim, ¿una mezcla tibia de ambas?
«Ojalá no seas feliz porque no te lo mereces» es una de las primeras frases que escuchamos en ‘Sintiéndolo mucho’, el EP de debut de María Escarmiento. La mala baba de esta persona que puso a media España a debatir la inclusión de la palabra «mariconez» en el contexto de una canción de Mecano durante su paso por Operación Triunfo -también a los políticos– no es cosa de una sola canción en este trabajo que también tiene las cosas claras en lo musical, al contrario de lo que parecía que iba a suceder cuando entrevistamos a la artista y esta nos dejaba titulares como «no tengo ni idea de lo que escribo ni de lo que van mis canciones».
Que cierta dejadez y actitud «punk» iban a formar parte del discurso de María Villar se veía venir desde que descubrimos que la cantante había formado parte de una banda de garage punk antes de entrar en la Academia y que es amiga de Hinds (tiene tatuada a una de sus integrantes), y también tras su paso por el programa, donde exhibió una personalidad irreverente y eso mismo, «punk», hasta el punto que básicamente la vimos aflorar como artista cantando ‘Voy en un coche’ de Christina Rosenvinge en aquel escenario. Quizá por eso no sorprenda tanto que María Escarmiento haya buscado su propio hueco en la industria del pop española adentrándose en el mercado del reggaetón «indie» en el que hoy prosperan artistas bastante punk en espíritu como Yung Beef, Ms. Nina (con quien ha colaborado), Kaydy Cain, Bea Pelea o Pedro LaDroga, quien aparece como artista invitado en uno de los temas de este trabajo para escozor de los puristas. Y además, con ‘Sintiéndolo mucho’ logra desmarcarse de ellos gracias a unas canciones que alternan letras malvadas con ritmos de reggaetón oscuros e industriales, en los que a menudo asoman ecos y retazos de música electro-industrial o incluso «witch house», cuando no sonidos arábigos como en aquel fallido primer single llamado ‘Amargo amor‘ presente en este EP a modo de clausura.
La estética industrial, nuclear, en definitiva poligonera de las canciones de María Escarmiento y de todos sus visuales mandan en este ‘Sintiéndolo mucho’ que entretiene en sus 20 minutos de duración. ‘Baladón’ con Pedro LaDroga es la que más destaca gracias a un sonido martilleante y a una letra que describe «el piquete del año» sin andarse con rodeos: «entramos mal y salimos peor, si te descuidas esto es Nueva York / empezamos bien y acabamos mejor, me pongo fina, esto va por los dos». Y si el estribillo del oscuro single ‘Chulo‘ se compone de la frase «chulo, que tú te crees muy chulo, te vas a tomar por culo», el EP se abre con un tema algo más luminoso que sin embargo no puede contener más veneno en frases como la mencionada al inicio de este artículo, «ya no me gusta ni tu cara» o «no te mereces mi atención».
A falta de comprobar cómo suenan estas canciones en una discoteca, ‘La Bomba’ parece el hit del disco que más triunfaría en dicho lugar gracias a su contundente base y a su letra con menciones al autotune, a Sailor Moon y a un «traperillo», y a pesar de que a su declaración «aquí solo mando yo» le falta una buena dosis de actitud y bagaje para resultar creíble. Por su parte, ‘Castigo‘ es la mejor de las canciones melódicas sin que la turbia ‘Otra noche‘ con El Mini (la del «tengo marido pero no ejerce») se quede muy atrás. Solo ‘Amargo amor’ sobra a pesar de que su inclusión en este EP sirva para subrayar lo superiores que son los cortes previos. Y desde luego ‘Sintiéndolo mucho’ también consigue sepultar el protagonismo que ‘Muérdeme’ ha podido tener en la carrera de María Escarmiento muy a su pesar. Es un tema divertido pero sin el carisma que demuestra en este trabajo esta cantante de apellido artificial igual de carismático.
Calificación: 6,7/10 Lo mejor: ‘Baladón’, ‘Chulo’, ‘La bomba’ Te gustará si te gusta: el reggaetón «indie» nacional Youtube:vídeo de ‘Chulo’
Tom Meighan de Kasabian (segundo por la derecha en esta imagen promocional) se ha declarado culpable de asaltar a su ex-prometida, Vikky Ager, solo un día después de anunciar su marcha de la banda por problemas personales. Un mensaje subido a Twitter por Kasabian indicaba simplemente: «Tom Meighan renuncia a Kasabian de mutuo acuerdo. Tom está lidiando con problemas personales que están afectando a su comportamiento de un tiempo a esta parte y ahora quiere concentrar todas sus energías en volver a encarrilar su vida. No vamos a comentar nada más».
El comunicado original de Kasabian era bastante claro en no consentir más especulaciones en torno a la vida personal de Meighan, si bien hoy se conocen detalles concretos en torno a este incidente de «violencia doméstica» que tenía lugar el pasado 9 de abril. La policía recibía entonces la llamada de un niño que le avisaba sobre esta agresión, y se encontraba con una Ager «visiblemente perturbada» y con un Meighan que «desprendía un fuerte olor a alcohol» y se mostraba «agresivo y sin ánimos de cooperar». A consecuencia de la agresión, Ager sufría hematomas en «rodillas, tobillo, codo izquierdo y un dedo gordo» así como «enrojecimiento alrededor del cuello». Meighan ha pedido disculpas por el incidente a «toda la gente a la que he decepcionado» y pretende «atajar su hiriente comportamiento». El músico ha sido condenado a realizar 200 horas de trabajo no remunerado.
Durante la última década y media, Kasabian ha sido una de las bandas más exitosas del Reino Unido. Todos sus álbumes han sido número 1 en las islas desde el segundo. El primero y homónimo, que llegaba al top 4, era un sleeper que terminaba convertido en triple platino, superando el millón de copias, contando sólo lo que despachaba en Reino Unido. Era en sus inicios cuando el grupo triunfaba con sencillos como ‘Club Foot’ o ‘L.S.F.’ de 2004, ‘Empire’ de 2006 y ‘Fire’ de 2007, aunque es más significativo que lo hayan logrado más avanzada su carrera: ‘You’re in Love with a Psycho’, uno de los singles de ‘For Crying Out Loud’ (2017), ha logrado la certificación de «disco de oro» en las islas, pese a las críticas que tuvo por parte de las instituciones de salud mental. Pese a ello, ha sido otro de los grandes hitos de su carrera.
De momento se desconoce si Kasabian saldrán adelante con otro vocalista, entrarán en un hiato indefinido o tomará las riendas otro miembro de la banda, en concreto «Serge» Pizzorno (segundo por la izquierda), que también canta, es el letrista principal y el año pasado emprendía carrera en solitario.
Tom Meighan is stepping down from Kasabian by mutual consent. Tom has struggled with personal issues that have affected his behaviour for quite some time and now wants to concentrate all his energies on getting his life back on track. We will not be commenting further.
Charlie Puth se ha sumado estos días a la larga lista de intérpretes de música pop que han publicado singles llamados ‘Boyfriend’ o ‘Girlfriend’. Selena Gomez y Justin Bieber cuentan ambos con su propio ‘Boyfriend‘, también Ariana Grande tiene el suyo; y uno de los mayores éxitos de Avril Lavigne se llama ‘Girlfriend’, como tantos otros temas de Michael Jackson, Alicia Keys, Phoenix o Christine and the Queens.
El nuevo single de Charlie Puth se llama ‘Girlfriend’ y vuelve a ser un caramelito de synth-pop de los que es experto en componer el autor de ‘Attention‘. Esta vez estamos ante una producción que no desentonaría en absoluto en el repertorio de Carly Rae Jepsen, MUNA o de las Tegan and Sara de, ejem, ‘Boyfriend’; pero en este caso la mano para la melodía de Charlie Puth destaca especialmente en un tema hecho para crear adicción desde el mínimo fraseo («all night long») hasta el subidón del estribillo final. El propio Puth ha declarado haber invertido «mucho tiempo» en «perfeccionar» esta canción y se nota: cada cosa está en su debido sitio en esta composición que corre el riesgo de quemarse demasiado rápido, al ser tan adictiva; a pesar de que el artista grabó partes de la misma durante su gira anterior. La toma vocal del puente la registró «10 minutos antes de subirse al escenario una vez».
«¿No somos perfectos?», «si fuera tu novio, te daría todo mi tiempo» o «no quiero juegos, esto es más que una fase» son tres de los lugares comunes en los que incurre la letra de esta canción de composición clásica en todos los sentidos. Realmente la lírica de ‘Girlfriend’ podría haber tenido lugar en los mismos años 50 que Puth referenciaba en su denostado debut tanto como en los años 80 que exploraba en su segundo trabajo. Parece que se avecina disco continuista si ‘Girlfriend’ es el adelanto de ese tercer álbum que Puth lleva un tiempo creando después del fallido paso de ‘I Warned Myself‘, ‘Mother’ y ‘Cheating on You’ por las listas de éxitos. ¿La mejor noticia posible en este caso?
El tabloide británico The Sun ha publicado una «exclusiva» según la cual Rihanna habría aparcado «indefinidamente» las labores de producción de nuevo disco para dedicarse plenamente a su empresa de cosméticos y de ropa interior. Según está información, Rihanna considera que el COVID-19 «ha destruido» la industria de la música y prefiere dedicar sus esfuerzos a convertirse en la próxima gran magnate de la industria de la belleza, por lo que no tendría tiempo de trabajar en su próximo proyecto musical. La cantante, que buscaría alcanzar el estatus de billonaria en este campo como han logrado sus colegas Kylie Jenner y Kim Kardashian, ya habría registrado una nueva marca de cosmética llamada «Buff Ryder» que pensaría lanzar próximamente.
La noticia, de ser cierta, sería la peor posible para los seguidores de Rihanna, que no saca disco desde que en 2016 editara el exitoso ‘ANTI‘, hace ya cuatro años. Sin embargo, parece a todas luces una invención pues Rihanna podría perfectamente compaginar ambas profesiones incluso en el contexto de una pandemia, pues es una de las músicos más ricas del mundo; y se sabe de hecho que tiene bastante avanzada la producción de hasta dos nuevos discos, uno de reggae y otro de pop, sobre los que ella misma y sus colaboradores han hablado en alguna que otra entrevista.
Pero sobre todo es conocido el desprecio de Rihanna a The Sun. En 2012, la barbadense atacó al tabloide por su afición a publicar noticias falsas, después de que este diera luz a una noticia según la cual la cantante había usado a una doble en uno de sus anuncios para Armani. Rihanna desmintió esta información en Twitter, donde escribió que «el periódico The Sun es como un pelo del culo, está lleno de mierda». ¿Se molestará la artista en confirmar o desmentir esta supuesta exclusiva mientras su reciente single con PARTYNEXTDOOR, que ha sido todo un «sleeper» en las listas de éxito, desciende poco a poco en el Billboard?
Masterchef 8 terminaba anoche con una audiencia espectacular, por encima del 30% del share. Fue la segunda final más vista de la historia de la franquicia en España, lo que da una idea de la incombustibilidad del formato. Por más años que pasen, por más que se diversifique en ediciones Junior (cada vez más insufribles) y Celebrity (un saludo a Willy Bárcenas de Taburete), superadísima la ausencia de Eva González –no hay duda que el haber potenciado el papel de los jueces ha sido beneficioso–, el talent show de cocina por antonomasia se crece edición a edición, incluso aunque sus castings se aproximen cada vez más a los de Gran Hermano (R.I.P.).
En ese caso, la presencia de Saray (autora del ya mítico –para mal– plato «Ave muerta encima de un plato») y Fidel (el cantante del grupo garajero Los Wilds pasa a la historia del programa por sus gestos… y ya) fue accesoria y bufonesca, y por un momento pareció estar a punto de dar al traste con la gastronomía en el programa, mientras que el bonachón con mala leche Michael y la abuelita sibilina Juana aguantaron muchos más de lo que parecía.
Pero esta edición pasará a la memoria como la de los gallos y los cuchillos afilados. Gallos como el abogado (léase al estilo De Niro en ‘El cabo del miedo’) Andy e Iván (el macho alfa gallego), que tras meses de pique ante las cámaras (seguramente no fuera tan así detrás), dejaron atrás a Jose Mari, el otro chistoso y pérfido que quedó en el camino preso de su propia soberbia. Y se metieron en la final: el primero, tras ser el mejor en la primera prueba de la final siguiendo en cocina una elaboración de Martín Berasategui, callando muchas bocas ya de forma incontestable; el segundo, destacando en las cocinas de El Bohío de Pepe Rodríguez (que lamentó la situación de la hostelería con la pandemia, que está llevando a cerrar incluso a los «estrellas Michelín») ante la pareja carpetera oficial de la edición: el discreto pero trabajador Alberto y la histriónica Luna, que llegó hasta ahí con un evidente toque de chiripa.
Y ambos se plantaron con su al menos aparente exceso de confianza y testosterona junto a Ana, una joven y discreta joyera de Madrid que si había destacado a lo largo del programa había sido por su modestia, gentileza y afabilidad en el nido de aves carroñeras que se había ido convirtiendo el programa, sobre todo en unas pruebas de exteriores cainitas en las que algunos no dudaban en tirarse a un precipicio si con ello hacían que sus rivales cayeran con ellos.
Ana volvió renovada tras el parón del rodaje del programa por el coronavirus. Si ya en los programas anteriores a ese trance comenzó a destacar cuando cocinaba en solitario, algo debió hacer clic en ella en las semanas de confinamiento que la dio ser consciente de sus capacidades, si bien no se vanaglorió de ello en ningún momento. Y finalmente fue ella, con sencillez, trabajo e inteligencia, la que supo conquistar al jurado, incluido el eminente Joan Roca. Masterchef 8 ha sido, a su manera, una lección vital de esas que se propugnan en las películas Disney: en un entorno agresivo, visceral y machirulo, triunfó el buenismo. ¿Cuánto decís que falta para Masterchef 9?
Este fin de semana se tendría que haber celebrado Bilbao BBK Live, pero como todo el mundo sabe a estas alturas, no podrá ser debido a la pandemia de covid. Eso sí, «la magia de Kobetamendi» podrá seguirse desde casa en un ciclo que se ha bautizado como Bilbao BBK Live UDA. De jueves a sábado y a partir de las 21.00 podrán verse las actuaciones de gente como El Columpio Asesino, Dora, Amorante y Yawners, así como los DJ sets de John Talabot y Katza. Todo ello se podrá seguir a través de www.bilbaobbklive.com o YouTube Live.
Haim han publicado este año el que es posiblemente su mejor disco, un ‘
Visualízate a ti mism@ probando a ponerte sin atisbo de ironía, por auténtico gusto, una playlist –asumo que no tienes a mano las cassettes, un reproductor de cintas magnéticas o ambas– con las «mejores» canciones de La Trinca, Pepe Da Rosa o Fernando Esteso (con permiso de la excelsa ‘
Lady A, la banda anteriormente conocida como Lady Antebellum, ha demandado a Lady A, la cantante de blues cuyo nombre real es Anitta White, por el uso de su nombre compartido. La banda había llegado a un acuerdo con la cantante para compartir el nombre amigablemente, pero tras recibir una primera demanda de la intérprete de ‘That Man’ que solicitaba a la banda 10 millones de dólares por el uso de este nombre, ha decidido contraatacar con una segunda demanda para defender que dicho apelativo también le pertenece al haberlo registrado como marca hace más de 10 años. Como 
Katy Perry ha revelado la portada de su nuevo disco mediante un juego de internet que consiste en tuitear y petar globos (o algo parecido). Una Katy disfrazada de payaso triste posada sobre el título de este nuevo trabajo, ‘Smile’, es la imagen que conforma esta portada que está dejando comentarios de todo tipo en los foros, tanto para bien como para mal. 
!!!, el grupo de nombre impronunciable que en realidad se pronuncia «Chk Chk Chk» (nunca esta de más recordarlo), vuelve con nuevo EP solo un año después del lanzamiento de su último disco de horrorosa portada (
Future Islands vuelven con su primera canción en varios años, periodo que sus integrantes han aprovechado para emprender sus propios proyectos en solitario, como ha sido el caso del cantante Samuel Herring y 
¿Va en serio Kanye West con 
Jess Glynne pide disculpas por el incidente relatado ayer en redes sociales, según el cual la expulsaron de un restaurante por ir vestida con ropa deportiva. En un nuevo vídeo 
Red Hot Chili Peppers, The Killers, Mumford & Sons, Twenty One Pilots, Faith No More, Deftones, Pixies, Placebo, Alt-J, Royal Blood y Major Lazer están entre las primeras confirmaciones de Mad Cool 2021. La organización nos informa de que aún no se han revelado todos los grandes cabezas de cartel. Este volverá a contar con artistas enfocados en la música pop sin prejuicios, como es el caso de Carly Rae Jepsen, pero no repiten los dos grandes reclamos previstos para 2020: Taylor Swift y Billie Eilish. Taylor está oficialmente descartada según la nota de prensa: «Nos habéis preguntado mucho por Taylor Swift, pero lamentamos deciros que finalmente no estará en nuestra próxima edición. Hemos trabajado con su agencia y management para conseguir que estuviesen con nosotros en el 5º aniversario, pero no ha sido posible. Esperamos que en posteriores ediciones pueda estar en el festival». Para los interesados, se ha ampliado el plazo de devolución desde hoy, miércoles día 8 de julio, a las 20.00 h., hasta una semana después del anuncio del cartel completo.
Explicando lo difícil que le ha sido encontrar un mezclador que entendiera lo que quería (un proceso que ha sido frustrante, dice, pese a haber probado con técnicos franceses e internacionales), Benjamin Biolay 
El recomendado nuevo disco de Haim, ‘
Incluso en este 2020 tan terrible y extraño no hemos olvidado que el verano pide ánimo disfrutón, aunque sea sin clubs, ni festivales ni conciertos tal y como los conocíamos, y manteniendo una distancia prudencial en playas, piscinas, barras de bar, chiringuitos… y hasta en la bañera. Por eso aquí está, fresca como siempre, nuestra selección de canciones veraniegas 
Ladilla Rusa se han hecho un hueco en el mundo del pop gracias al descaro y desenfado con el que han afrontado 
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Al fin alguien que no es 
Elton John informa hoy, como era de prever, de que sus conciertos en el Palau Sant Jordi previstos para este año, pasarán a celebrarse el año que viene junto al resto de su gira europea. En concreto las nuevas fechas son el viernes 22 de octubre de 2021 y el sábado 23 de octubre de 2021. El cantante dice en un comunicado que la seguridad de sus seguidores es lo primero.
Ha tenido que llegar una pandemia y 
«Ojalá no seas feliz porque no te lo mereces» es una de las primeras frases que escuchamos en ‘Sintiéndolo mucho’, el EP de debut de María Escarmiento. La mala baba de esta persona que puso a media España a debatir la inclusión de la palabra «mariconez» en el contexto de una canción de Mecano durante su paso por Operación Triunfo -también 
Tom Meighan de Kasabian (segundo por la derecha en esta imagen promocional) 
Charlie Puth se ha sumado estos días a la larga lista de intérpretes de música pop que han publicado singles llamados ‘Boyfriend’ o ‘Girlfriend’. Selena Gomez y Justin Bieber cuentan ambos con su propio ‘
El tabloide británico The Sun 
Masterchef 8 terminaba anoche con