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5 discos clásicos que escuchar si te ha gustado el ganador del Mercury, ‘KIWANUKA’ de Michael Kiwanuka

Por
Jordi Bardají
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Michael Kiwanuka se ha proclamado esta semana ganador del preciado Mercury Prize por el magnífico ‘KIWANUKA‘. Es un trabajo conmovedor que, producido por Inflo y Danger Mouse, despliega las influencias del músico de una manera muy personal. Presentamos cinco discos clásicos que te gustarán si ‘KIWANUKA’ también ha sido uno de sus elepés favoritos de los últimos meses.

Marvin Gaye / What’s Going On

‘KIWANUKA’ no es un disco político exactamente, pues sus textos son más bien autobiográficos, pero el mejor disco de la historia para Rolling Stone sí ha podido ser un precedente para él en su preocupación por temas como el racismo (‘You Ain’t the Problem’) o la necesidad de recurrir a la espiritualidad para enfrentarse a los problemas de la vida (el góspel de ‘I’ve Been Dazed’). Pero sobre todo musicalmente es posible encontrar paralelismos: ‘What’s Going On’ ya era un álbum ligeramente psicodélico, pero sobre todo son sus conmovedoras melodías, arreglos de cuerda y coros los que parecen haber influido al británico.

Sly & the Family Stone / Dance to the Music

La psicodelia es un elemento central en la música de ‘KIWANUKA’, sobre todo en el sonido de guitarras y sintetizadores analógicos, pero también en la distorsión de algunas tomas vocales, y él menciona entre sus principales influencias a Jimi Hendrix (‘Are You Experienced’ es uno de sus discos de cabecera) y también a Sly & the Family Stone. No, ‘KIWANUKA’ no es un disco bailable en absoluto, pero ‘Dance to the Music’, el álbum de Sly & the Family Stone de 1968, es considerado fundamental en el surgimiento del soul psicodélico y más tarde en la formación de la música funk. El tema titular recuerda mucho a ‘You Ain’t the Problem’, mientras todo el sonido del disco suena a lo que Danger Mouse lleva toda su carrera replicando.

Minnie Riperton / Come to My Garden

Se usa mucho la palabra «precioso» para describir música, pero se queda corta para explicar lo que sucede en ‘Les Fleurs’ de Minnie Riperton. Kiwanuka ha intentado explicarlo a su manera: «No sé de qué habla la letra, pero la canción es increíble. Suena como el cielo. Y creo que eso puede cambiar el mundo. Cada vez que escucho esa canción me suena como un planeta perfecto e impoluto en el que el cambio climático nunca ha ocurrido, no hay agujero en la capa de ozono y los coches no existen y vamos volando a todas partes». ‘Come to My Garden’, el disco que incluye ‘Les Fleurs’, es como una versión luminosa, limpia y celestial de lo que puede escucharse en ‘KIWANUKA’: sobre todo coros y cuerdas buscan una belleza inexplicable (‘Piano Joint’), como la de este disco, y por mucho que Michael diga que canta sus canciones porque nadie lo quiere hacer, a él escucharle también encoge el corazón.

Donny Hathaway / Extension of a Man

Como ‘KIWANUKA’, ‘Extension of a Man’ es un álbum personal ante todo, también espiritual como confirman pistas como ‘Lord Help Me’, si bien más conservador en lo musical, algo no tan obvio al principio, pues la primera pista, ‘I Love My Lord, He Heard My Cry (Pt. I & II)’, es una fantasía absoluta. La canción más importante es ‘Someday We’ll All Be Free’, que el compositor escribió con la intención de plasmar la realidad psicológica de Donny Hathaway, que padecía esquizofrenia paranoide; sin embargo, la ambigüedad de la letra, que habla sobre mantener el orgullo y no renunciar a los sueños, hizo que más adelante, sobre todo a partir de que la versión de Aretha Franklin apareciera en la película ‘Malcolm X’, se convirtiera en un himno contra el racismo.

Fela Kuti / Expensive Shit

La aceptación de uno mismo es el tema central de ‘KIWANUKA’: el álbum se titula con el apellido del músico y en su portada aparece él transformado en monarca. Kiwanuka, que es de ascendencia ugandesa, ha sufrido las consecuencias psicológicas de ser un «hombre negro en un mundo de blancos», y ‘KIWANUKA’ narra su viaje hacia la «luz». Por tanto, la música africana es un componente de ‘KIWANUKA’, si bien apenas perceptible en las percusiones de un par de temas; pero que Kiwanuka mencione a Fela Kuti, el rey del afrobeat, entre sus principales influencias no es de extrañar, dado su gusto por los clásicos. ‘Expensive Shit’, el disco que Kuti compuso para reírse de la policía nigeriana (la historia incluye drogas y un excremento), es uno de los mejores para entrar en su fascinante -e inabarcable- universo.

La Oreja de Van Gogh / Un susurro en la tormenta

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Sebas E. Alonso
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Si «haces la cama con jirones de tu amor mientras vas recogiendo tu dolor», si «siempre ves el gris del arco iris», si «la rutina te enseña los mechones de lo que fue querer a alguien», si «llevas sentada sobre tu hombro la melancolía de saber que alguien se irá», quítate tu «sombrero de pensar» porque La Oreja de Van Gogh están de vuelta para ayudarte a «despeinar tu soledad» y el «alma» también. Amaia Montero y los chicos partieron peras hace eones, pero aprovechando que todos han celebrado hace poco el 20º aniversario de ‘El viaje de Copperpot‘ hay que apuntar que sus carreras han seguido desarrollándose sin ninguna diferenciación. Lo mínimo que pueden decir Ana, Jose y Nacho es que al final parecían irreconciliables en lo artístico, que todo el mundo puede comprender por qué no siguieron juntos cuando las canciones escritas por cada hermano Cano se iban entregando a estilos cada vez más distintos. Pero no es el caso del grupo donostiarra: sus carreras van desarrollándose de manera paralela, coincidiendo incluso en ritmo, en lo poco que se prodigan.

Y no es que esperáramos un ‘Metal Machine Music’ por su parte, pero es que en lugar de desarrollar su faceta pop-rock, todos se han ido acercando cada vez más al mundo adulto, al territorio de Cadena 100. Como traumatizados por que la gente escucha demasiado ‘Rosas’ y ‘Jueves’, y demasiado poco ‘El último vals’ y aquel campanazo de «tu carita es un capullo sin abrir» de ‘La niña que llora en tus fiestas’, que Amaia Montero habría matado por escribir, los chicos y Leire también han perdido un poco de interés en la música pop. No hay más que atender al modo en que han desplegado la secuencia de ‘Un susurro en la tormenta’: el disco empieza con canciones lentas, un poco a lo Coldplay, pero lentas, y canciones tan uptempo como ‘Sirenas’ y el rock adolescente de ‘Me voy de fiesta’ permanecen ocultas hacia el final.

‘Un susurro en la tormenta’ sería mucho mejor si se preguntara un poco menos por «quién nos hace el boca a boca» (sic) y un poco más por quién querríamos que nos lo hiciera de verdad. La mejor canción, de hecho, es un dúo en el que Leire y Xabi San Martín desafían las leyes del amor convencional, ‘Durante una mirada’. La Oreja de Van Gogh, que tienden a buscar el amor de toda la vida hasta lo enfermizo, como se aprecia en ‘¿Lo ves?’, cambian aquí ligeramente el discurso. ‘Durante una mirada’ también es una idealización de un amor pasado, pero con él se quedan a las puertas de la rebelión, críticos: «Seguiremos con la vida que a los dos nos recetaron / Cada uno por su lado, muriendo por girarnos».

En defensa de su deriva artística, hay que decir que el sentido de madurez está bastante conseguido y que las referencias parecen las adecuadas: no son la cantidad descomunal de discos que ha seguido vendiendo en el siglo XXI Sergio Dalma. Mari Trini, Cecilia, Serrat pueden venir remotamente a la memoria en la narrativa ‘Galerna’, toda una canción de autor; y Joaquín Sabina -no Alejandro Sanz- viene y mucho melódicamente en la final ‘¿Lo ves?’, que empieza en plan Ben E. King, y termina con ritmo latino. Mejor aún, hay aquí otra canción sobre terrorismo, esta vez centrada en San Sebastián, y ‘Sirenas’ huye del dramatismo de ‘Jueves’ para ofrecer con dignidad esperanza sobre casi, casi, un ritmo electro.

‘Un susurro en la tormenta’ discurre, grato, entre la buena interpretación vocal de Leire en ‘Doblar y comprender’, el country con banjo y todo de ‘Como un par de girasoles’, el puntazo a Dandy Warhols de ‘Te pareces tanto a mí‘ y el plot twist de ‘Menos tú’. Para lo poco que había motivado el baladón metalero ‘Abrázame’, que es a esta etapa lo que ‘Muñeca de trapo’ a la anterior, ni tan mal. Ya no es tan divertido escucharlos, pero tampoco es que hubiera sido su objetivo en absoluto.

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘Durante una mirada’, ‘Te pareces tanto a mí’, ‘Sirenas’, ‘Me voy de fiesta’
Te gustará si: crees que los primeros de Coldplay y Vetusta Morla son los mejores
Youtube: ‘Durante una mirada’

El «sueño lúcido» de Fontaines D.C. transcurre en la Irlanda de 1916… pero recurre al drum ‘n bass y al country

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Jordi Bardají
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Fontaines D.C. han publicado este año uno de los discos destacados de la temporada, un ‘A Hero’s Death‘ que ha pasado por nuestra sección «Discos Recomendados» y que se ha quedado a las puertas de alcanzar el número 1 de ventas en Reino Unido… por culpa de Taylor Swift.

Sobre ‘A Hero’s Death’, Taylor y más temas hemos hablado recientemente con Fontaines D.C. una entrevista que publicaremos próximamente, pero hoy nos detenemos en una de las pistas destacadas del álbum, una de las que más atención ha obtenido tras su lanzamiento. ‘A Lucid Dream’ es de hecho el último sencillo extraído del disco y es uno de los más contundentes y agresivos jamás publicados por la banda irlandesa, lo cual tiene una interesante explicación. El guitarrista Carlos O’Connell cuenta a JENESAISPOP que la canción está inspirada en la música drum ‘n bass, lo cual es perceptible en la base rítmica, mientras que la aportación de Carlos bebe del trabajo de Lee Hazlewood, pues ha buscado tocar las cuerdas graves de su guitarra de manera que suenen en un estilo «cowboy». Curiosamente, una primera versión de la canción apenas presentaba voz y guitarra acústica, pero la melodía vocal era tan potente que, según Carlos, esa guitarra «no pintaba nada».

Con ‘A Lucid Dream’, Carlos señala que Fontaines D.C. han ganado confianza para para ser más agresivos en el estudio. De hecho, el músico explica que las primeras sesiones de grabación del disco no fueron tan infructuosas como pueda parecer, ya que aunque el grupo terminó re-grabándolo entero en Londres con Dan Carey, su trabajo con Nick Launay en la ciudad californiana fue fundamental para la creación de ‘A Lucid Dream’. «En la canción hay secciones súper drásticas donde la batería se vuelve más jazz, más rollo The Doors, y después sube un ruido enorme en las guitarras», explica el artista. «Nick nos dio la confianza de ser agresivos, de probar cosas nuevas y de dar esos saltos tan grandes; él nos ayudó a experimentar».

¿Y de qué habla esta canción de post-punk influida por el drum ‘n bass y la música country? Dado que Fontaines D.C. es una banda irlandesa, que ‘Dogrel‘ de hecho estaba dedicado a Dublín y que la portada de ‘A Hero’s Death’ muestra una estatua de Cú Chulainn, un famoso héroe mitológico irlandés, no sorprenderá a nadie descubrir que la temática irlandesa vuelve a inspirar ‘A Lucid Dream’. El «sueño lúcido» del que habla la canción ocurrió de verdad en la cabeza de Grian Chatten, que según ha contado, en cierta ocasión «despertó» en sueños en el mismísimo Alzamiento de Pascua (el título original de ‘A Lucid Dream’ fue ‘A Lucid Dream of 1916’). Este escenario sirve a Chatten para reflexionar sobre la búsqueda de la identidad propia.

Leiva y Joaquín Sabina le dedican un blues al Atleti: escucha ‘Partido a partido’

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Jordi Bardají
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Leiva y Joaquín Sabina han estrenado un tema conjunto dedicado al Atlético de Madrid, equipo del que ambos son hinchas. ‘Partido a partido’ es «un regalo a su club, a la afición, y a todo el que tenga otra forma de entender la vida».

En ‘Partido a partido’, José Miguel Conejo Torres «Leiva» y Joaquín Ramón Martínez Sabina se reparten los deberes vocales, pero además en el tema Leiva toca la «batería, percusión, bajo (y) guitarra acústica», como aparece acreditado en la descripción de Youtube. Se trata de una dramática balada con sonido de blues americano en la que destaca la presencia de unas percusiones arrastradas, pero que cuenta a su vez con el sonido de un piano, un par de saxófonos, una trompeta, un trombón, un filiscorno, un par de sintetizadores y coros. En resumidas cuentas, si os ha gustado, probad lo nuevo de Bob Dylan (sorry, Sabina). O la discografía de Iron & Wine. O la de Christina Rosenvinge.

La letra arranca con una referencia al Atleti marca de la casa: «Aunque apenas queda un socavón junto al Manzanares / Y atascos en los bulevares de mi corazón / Los profetas de anteayer, son gaviotas de alas rotas muertas de sed / Gatos sin botas». Más adelante el estribillo proclama «No me habléis de resistir / Es mi Atleti de Madrid / No me vengan con lamentos / Hablo de sobrevivir» para después elevarse el drama en el verso siguiente: «Y seguir coronando montañas y seguir conquistando escaleras / En el tiempo de descuento, regateando al porvenir / Y ganar y ganar y ganar / Y ganar y volver a ganar / partido a partido / partido a partido».

Por supuesto, esta no es la primera vez que Leiva y Sabina colaboran: el ex integrante de Pereza ya apareció en el tema que cerraba el disco de Sabina de 2017, ‘Lo niego todo‘, y Leiva ha sido uno de los artistas que han participado en el álbum tributo a Sabina publicado el año pasado, «Ni tan joven ni tan viejo». Este mismo año, ambos han aparecido junto a otros artistas en ‘Los abrazos prohibidos’, la canción solidaria de Vetusta Morla que homenajea al personal sanitario. De hecho, el videoclip de ‘Partido a partido’ incluye imágenes inspiradas en la pandemia, y el tema en cuestión es benéfico: todas las recaudaciones que genere irán destinadas al proyecto solidario de la Fundación Atlético de Madrid.

‘Las niñas’, un ‘Yo fui a EGB’ feminista, histórico, emocionante

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Sebas E. Alonso
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En los últimos años han triunfado una serie de libros, fiestas, merchandising y demás anclados en la nostalgia ochentera bajo el nombre ‘Yo fuí a EGB’ (sic). Un recordatorio de la cultura pop para la gente que no sabe cuántos cursos tiene la E.S.O. que logra arrancar una sonrisa a un público que admira polos de Drácula y Calipos como si hubieran cambiado el mundo cual ‘Ciudadano Kane’. ‘Las niñas’ es una película que, situada un poco después, en 1992, utiliza parte de esa imaginería: un póster de ‘Sensación de Vivir’ por aquí y un cassette de doble pletina por allá enamoran a la gente en torno a los 40 como aquel inocuo «revival». Pero aquí hay mucho más. La cinta de la debutante Pilar Palomero, que obviamente nació en 1980, no tiene nada de «inocuo» y sí mucho de universal: emocionante como ‘Verano 1993‘, con la que comparte productores, y a la vez divertida cuando toca, suena ya fuerte para las candidaturas a los Goya del año que viene.

El excelente guión de ‘Las niñas’ nos habla sobre cómo fue crecer en una España que ya habíamos olvidado lo devota que pudo llegar a ser. Sobre cuántas cosas nos hemos perdido por la influencia del «qué dirán» o lo traumático que puede ser desnudarte delante de alguien por primera vez cuando no te han explicado un par de cosas. Y en particular sobre cómo fue todo esto siendo mujer. No oculta la cinta su vocación feminista desde su mismo título, y sus primeras líneas hoy en día nos hacen rasgarnos las vestiduras: una niña que es censurada por moverse de manera demasiado «marimacho»; decenas que cantan en el patio de colegio una canción con una letra tan tóxica como aquella del «capitán de un barco inglés, que en cada puerto tiene una mujer». Y cómo se pegaba la cabrona.

Si el cine social español tiene el sambenito de ser demasiado relamido y explícito, ‘Las niñas’ corre en dirección contraria. Son muchos los momentos hilarantes vividos por unas protagonistas de diferentes cursos que devanean entre la niñez, la pubertad y la adolescencia, como el recuerdo del primer cigarro, la primera vez que alguien te pide rollo o el primer contacto con un preservativo.

Además de una excelente dirección de actrices, a destacar la pequeña y embriagadora Andrea Fandós y también su madre Natalia de Molina; Palomero ha hecho una labor documental realmente minuciosa respecto a aquella época, hasta el punto de que ha captado el modo en que se esquivaba, como con vergüenza, la «x» de la palabra «sexualidad». Hasta el sonido de las moscas en un viaje al pueblo cabe en su querido diario.

En esa labor no puede faltar la música, y Héroes del Silencio sonando detrás de un portazo y la recuperación de un par de temas sobresalientes de los olvidados Niños del Brasil elevan una película que esquiva más de un tópico sobre el «coming of age» y deja una primera y una última escena que, desde su sencillez, están tan cargadas de simbología y significado como el show más complejo y empoderador de Beyoncé. Maravillosa. 9.

Melanie Martínez aúna repostería, sensualidad y «sangre» en el vídeo de ‘The Bakery’

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Jordi Bardají
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Melanie Martínez ha conseguido este año el mayor éxito de su carrera en las plataformas de streaming… con una canción desconocida de su álbum debut que se ha viralizado cinco años después gracias a TikTok. Sí, este tipo de milagros comerciales son ya el pan de cada día en la era de Spotify y servicios similares. La canción afortunada ha sido ‘Play Date’, que suma a día de hoy más de 271 millones de reproducciones en la plataforma sueca, superando por mucho las escuchas de la que hasta entonces era el éxito más popular de la artista en el mencionado servicio, ‘Pity Party’. Melanie ya había visto su primer disco resurgir en listas gracias a su espectacular edición física, pero seguro no estaba preparada para lo que le aguardaba gracias a la popular red social china.

Ante semejante hit venido de la más absoluta nada, Melanie Martínez por supuesto no se ha quedado con los brazos cruzados y ha movido ficha sacando nueva música. La artista ha publicado la edición de lujo de su último disco, ‘K-12‘, al que ha añadido un EP con seis canciones nuevas que ha llamado ‘After School’, continuando con la temática conceptual de todo su trabajo, ligada de momento a las primeras etapas de la vida humana, la infancia y la adolescencia, y donde ha mandado una imaginería tan infantil y llena de colores pastel como siniestra. Antes había llegado a las plataformas un single suelto, ‘Fire Drill’, ausente de la reedición, y al que convenientemente se ha añadido ‘Play Date’ como «cara b» para arañar reproducciones.

El nuevo EP de Melanie Martínez se cierra con un tema llamado ‘The Bakery’ que ha sido el seleccionado como single oficial. Y si su sonido de pop con influencias del R&B y el hip-hop no sorprenderá a cualquiera que esté más o menos familiarizado con el trabajo de la cantante, al menos sí lo hace su videoclip, ya número 11 de los más vistos en Youtube España, y en el que Melanie se transforma en una galleta que es horneada por un grupo de humanoides con forma de conejo.. para después ser comida por una versión de ella misma pero envejecida. Alternando a su vez planos «sexys» de Melanie bailando en unas plataformas que ni FKA twigs, con otros en los que aparece con la boca «ensangrentada», otro vídeo de Melanie Martínez que aúna dulzura y terror.

En Instagram, Melanie ha explicado el significado de todas las canciones de ‘After School’, trabajo que lleva componiendo desde 2017 y en el que ha plasmado varias lecciones que ha aprendido en los últimos años relacionadas con sus emociones. Sobre ‘The Bakery’ ha dicho que habla ni más ni menos sobre la vez en que trabajó «sin ninguna ilusión» en una «pastelería» porque «necesitaba ganar dinero para invertirlo en mi arte y en mi música».

Hace justo un año, junto al lanzamiento de ‘K-12’, se estrenaba en los cines de todo el mundo la película de acompañamiento al álbum, que puntuamos con un 7,5. Elogiábamos la estética de la cinta, no así su guion, que pecaba de demasiado obvio: «No hay nada de malo en una película adolescente, pero la obsesión de Martinez con lo infantil probablemente no le ha permitido hacer una cinta más transversal», decíamos entonces. «Y es que todos los temas están presentados con una brocha tan gorda que por momentos parecen sacados de un guion de Dora La Exploradora. Son temas importantes y Martinez no se deja nada en el tintero … Sin embargo, la sutileza se pierde por el camino en todas las escenas de la cinta y lo que queda en ella es un «greatest hits» de lecciones sobre la vida impartidas por Melanie que a veces resultan tan juveniles y blandas como la propia estética de la película».

«10 fotos»: la boda de Thom Yorke, los hijos de Pablo Rivero y Zayn, el regalo de Taylor Swift a Katy Perry…

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Jordi Bardají
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Kanye West, hospitalizado por teclear mucho

No es una noticia de El Mundo Today aunque lo parezca, pues el mismo Kanye West ha informado estos días de que ha sido hospitalizado por «teclear mucho». En las últimas semanas, el rapero se ha dedicado a echar pestes de la industria musical y a filtrar sus contratos discográficos en Twitter con la intención de «liberar» a los artistas del yugo de estos contratos supuestamente esclavos, llegando a pedir ayuda hasta a Taylor Swift. El autor de ‘Jesus is King‘ ha mostrado una imagen de la radiografía de su mano, indicando que ha recibido «cortisona mezclada con una pizca de lidocaína» para mejorar su condición.

Thom Yorke se casa

Una de las noticias sociales de la semana ha sido la boda de Thom Yorke con la actriz italiana Dajana Roncione. Ambos han contraído matrimonio en Sicilia, Italia, en una ceremonia que ha contado con los controles sanitarios pertinentes, como ha informado la prensa italiana. El líder de Radiohead rehace así su vida después del fallecimiento de la que fuera su pareja durante más de dos décadas, la profesora Rachel Owen, en los últimos años ya su ex pareja, pero quien es madre de sus dos hijos.

Zayn y Gigi dan la bienvenida a su hija

Zayn acaba de estrenar single, ‘Better’, casi a la vez que ha informado al mundo sobre su paternidad (qué casualidad). Él y su pareja, la modelo Gigi Hadid, han dado la bienvenida a una niña. «Nuestra niña ha llegado, sana y hermosa», ha escrito en sus redes. «Intentar expresar con palabras todo lo que estoy sintiendo ahora mismo sería una tarea imposible. El amor que siento por este diminuto ser humano supera mi propio entendimiento. Me siento agradecido de conocerla, orgulloso de poder decir que es mía, y nuevamente agradecido por la vida que juntos vamos a vivir». ¿El nombre de la criatura? Se desconoce por el momento, pero seguiremos informando. ¡Enhorabuena a ambos!

Pablo Rivero, también papá

También ha revelado su paternidad recientemente el actor Pablo Rivero, conocido por su papel en la serie de TVE ‘Cuéntame’. En su caso, Pablo ha presentado en las redes a su novio y al hijo que tienen en común, con una preciosa instantánea de los tres cogidos de la mano frente al mar. «Sabéis que no soy muy dado a publicar fotos de mi vida privada, sobre todo por mantener a mis seres queridos al margen del rollo que es la exposición mediática», ha escrito en Instagram. «Esto no implica que haya mantenido en secreto mi vida familiar. Ni mucho menos, no puedo estar más orgulloso de ella. En casa somos tres chicos y no podemos ser más afortunados por la familia que formamos y por la gente maravillosa que tenemos a nuestro lado».

Otra vez Diplo enseña el culo

Sin ganarle en maneras exhibicionistas a Paco León, Diplo ha instado a sus seguidores a votar enseñando el culo. No, no nos referimos a que haya animado a la gente a votar con los pantalones bajados, sino que ha utilizado una imagen de su trasero para movilizar a la gente a las urnas el próximo mes de noviembre. El sexo vende, pero Diplo… ¿quizá no tanto? En los comentarios de Instagram, el productor de electrónica reconvertido al country ha respondido a la reacción generada por la foto de la siguiente manera: «Esta publicación literalmente demuestra que Instagram es un cementerio de culos y de contenido inútil. El algoritmo es una enfermedad. Gracias, Mark Zuckerberg». Entre los admiradores de la instantánea de Diplo, Niall Horan.

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Patti Smith recuerda a Amy Winehouse

El pasado 14 de septiembre, Amy Winehouse habría cumplido 37 años, y entre quienes han recordado a la autora de ‘Back to Black‘ en redes se encuentra la gran Patti Smith, pues se da la casualidad que Amy nació el mismo día que su marido, del que ella quedó viuda antes que Amy se hiciera famosa. «Es una pena que él muriera antes de que la voz de Amy impregnara al mundo, a buen seguro habría apreciado su trabajo», ha expresado en Instagram la autora de ‘Horses’. Y ha añadido: «Esta mañana estoy escuchando a Amy y pensando en mi hija, que está lejos pero siempre cerca, y está pensando en su padre. Los recuerdos son como la música, melancólicos pero a la vez profundamente edificantes».

El regalo de Taylor a Katy

En ‘invisible string’, uno de los temas de ‘folklore‘, Taylor Swift canta que, a los chicos que le rompieron el corazón, ya no les guarda rencor sino que de hecho les manda «regalos para sus bebés». La misma máxima parece haber aplicado Taylor a su renovada amistad con Katy Perry, que acaba de ser mamá de una niña, y a la que Taylor ha regalado una bonita manta bordada. Katy dice que su hija, Daisy Bloom, la «adora», y que espera que «la use durante años hasta que se convierta en un trapo irreconocible, para después guardarla en su bolsillo de adolescente». Ojo a la «ubicación» seleccionada por Katy para esta publicación: «stream Folklore». Katy, ¡es tu disco el que necesita streamings, no el de Taylor!

Doja Cat mejora un vídeo viral

Estos días se ha hecho viral en TikTok el vídeo de una chica que imita a la típica persona que «escucha» lo que le dicen como la que más. El vídeo ya era gracioso, pero Doja Cat, que a cachonda no le gana nadie, ha conseguido mejorar el vídeo convirtiéndolo en una «reunión de trabajo» telemática en la que ella básicamente se dedica a bailar de manera absurda mientras la otra «escucha» sus movimientos, asintiendo sin parar. Un sinsentido pero que me aspen si Doja no es una de las personas más «guays» del momento.

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At a label meeting:

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El «look» de Lil Nas X que pone los pelos de punta

La campaña de primavera del fotógrafo Christian Cowan para VOGUE tiene entre sus protagonistas al rapero Lil Nas X, quien acaba de anunciar un libro infantil a la vez que sigue preparando su álbum debut, el que ha de confirmar que está aquí para quedarse y no es flor de un día. EL «look» de pelo en punta es francamente terrorífico y no el buen sentido, lo cual no es una sorpresa porque ‘Old Town Road’ y todo ‘7‘ no es que fueran el súmum de la sofisticación sonora. Al menos las ganancias de este proyecto irán destinadas a una organización LGBTQ+.

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Mariah Carey hace «unboxing» de su libro

‘The Meaning of Mariah Carey’, la autobiografía de Mariah Carey, sale el 29 de septiembre. El libro está recibiendo excelentes críticas, como apuntan varios usuarios de nuestros foros, y pinta que será uno de los «must read» de la temporada para cualquier persona interesada en la vida de las celebridades. La cantante ya está concediendo entrevistas para hablar de su nueva obra, pero antes subió este vídeo de ella tocando la copia física del libro por primera vez. Un «momento muy emotivo», como señala la autora de uno de los mejores discos del año pasado.

Pop Smoke deja a Ava Max sin número 1 en UK con su debut póstumo publicado hace 4 meses

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Jordi Bardají
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Pop Smoke protagoniza este viernes el nuevo número 1 de ventas en Reino Unido gracias a su álbum debut póstumo, ‘Shoot for the Stars Aim for the Moon’. Publicado el día 3 de julio, hace casi cuatro meses, el éxito sostenido del álbum en las plataformas de streaming ha dejado sin número 1 en las islas a Ava Max, quien de hecho lideraba las «midweeks» con su recién publicado debut, ‘Heaven & Hell‘, que entra en el número 2. El rapero moría el pasado mes de febrero a los 21 años víctima de varios disparos, propinados por dos personas que irrumpieron en su casa con intención de cometer un robo.

El número 1 de Pop Smoke con ‘Shoot for the Stars Aim for the Moon’ da lugar a algunos de esos extraños «logros» que a veces se dan en las listas de éxitos. El sorprendente número 1 de ‘Shoot for the Stars Aim for the Moon’ en Reino Unido significa que 1) Pop Smoke es el primer artista que consigue colocar un álbum debut en el número 1 de manera póstuma en las islas, siendo Viola Beach trágicamente la única banda que lo consiguió antes, y 2) el de Pop Smoke es el primer álbum debut que alcanza el número 1 en Reino Unido este año. Además, es el que más ha tardado en alcanzar dicha posición desde que George Ezra tardara 14 semanas en lograrlo con su disco de 2014, ‘Wanted on Voyage’.

Hay que mencionar que casi todas las «ventas» del disco de Pop Smoke generadas esta semana en Reino Unido proceden del streaming, exactamente un 97%. De hecho, en el top 50 global de Spotify aparecen hasta tres canciones del álbum a tiempo de redacción de esta noticia: ‘For the Night’ en el número 12, ‘Mood Swings’ en el 20 y ‘What You Know Bout Love’ en el 42. El disco ya había sido número 1 en Estados Unidos, Australia, Canadá, Dinamarca, Finlandia, Irlanda, Países Bajos, Nueva Zelanda y Suiza, además de número 26 en España, y sus «ventas» totales se estiman en torno a las 1.800.000 unidades equivalentes según los cálculos de Mediatraffic.

Gus Dapperton / Orca

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Sebas E. Alonso
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Gus Dapperton llegó y venció: cuando algunos apenas sabíamos o recordábamos quién era agotaba localidades no en el local de moda de su barrio, Brooklyn, sino a este lado del Atlántico, por ejemplo en Madrid. La buena acogida de un debut, en su caso aquel ‘Where Ponny People Go to Read’, es algo relativamente fácil de conseguir, pues no parece haber nada más divertido que descubrir nueva música en lugar de antigua; lo duro viene verdaderamente a partir de tu segundo trabajo, es decir, este ‘Orca’ que nos ocupa.

Este 2020 la sal no se le ha derramado a Dapperton y se ha apuntado un viral mayúsculo junto a BENEE llamado ‘Supalonely‘, un éxito multimillonario gracias a TikTok en el que ni siquiera ha querido etiquetarse, pues él prefiere seguir a lo suyo, decisión que le honra. Spike Stent, que ha trabajado lo mismo con Frank Ocean que con Lady Gaga, se ha encargado de mezclar este álbum, pero por lo demás, todo esto va sobre Gus (productor), Gus (letrista) y Gus (compositor).

Es verdad que la cantante mitad filipina mitad australiana Chela colabora en ‘My Say So’, pero su co-autoría en esta letra no es que sea fundamental para el desarrollo de ‘Orca’. Más bien parece un complemento o un capricho de Dapperton, el de dárnosla a conocer. Este segundo álbum del artista gira en torno a sus altibajos emocionales, su preocupación a los 23 años por hacerse mayor o sobre sus adicciones. ‘Medicine’ es para él la canción más importante en el plano lírico con su frase «cada vez que intentan curarme / me vuelvo adicto a la medicina», que según él mismo define todo el disco «explícitamente»: «Es sobre alguien que es autodestructivo para poder drogarse en el proceso de curación. La fase de dolor no le preocupa».

Este sentimiento puede estar retratado en el sonido afligido de ‘Antidote’, pero hay que subrayar que ‘Medicine’ es una canción que logra rebelarse contra su bestia interior. En general, no es que ‘Orca’ sea mucho mejor cuanto más dolor contiene o celebra, pues su principal mérito es el modo en que alterna diversos estilos musicales. Incluso aunque su desarrollo no sea el que esperabas y desemboque en un coro de pitufos, hay un momento en ‘Palms’ en que no sabes si vas a escuchar una bossa nova o una canción de synth-pop. Y ‘Grim’ es la canción de rock que necesita ‘Orca’ en su segunda mitad para no convertirse en un álbum demasiado lánguido.

Sus mejores canciones las has venido conociendo durante los últimos días o semanas: ‘Post Humorous‘, ese relato cercano a la muerte cuyo puente nos hace recordar el concepto de buena canción de New Radicals; esa ‘First Aid’ a la que solo falta que la voz femenina sea la de Halsey para llegar a las listas de éxitos; o esa ‘Bluebird’ que conocíamos el viernes pasado y en la que lo mismo despunta el bajo que el piano, como en un clásico de su admirado Morrissey. A ellas se puede sumar la breve ‘Bottle Opener’, un canto coral a la supervivencia en el que Gus Dapperton no sabe si conseguirá dejar atrás su propio pesimismo («No sé si llegaré a mañana», indica), pero de momento lo hace.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Post Humorous’, ‘First Aid’, ‘Bluebird’, ‘Bottle Opener’
Te gustará si te gusta: Empire of the Sun, Boy Pablo, Dominic Fike, Sean Nicholas Savage
Youtube: vídeo de ‘Post Humorous’ con Miguel

SuperM se llevan todo por delante con la épica pop de ‘One (Monster & Infinity)’

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Jordi Bardají
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No todo el k-pop son BTS y BLACKPINK aunque se lo parezca a todo aquel que no siga de cerca este fenómeno musical que también cuenta en su haber con interesantes proyectos como el de LOONA. SuperM, un supergrupo compuesto por siete integrantes procedentes de otras formaciones, estos son, Taemin de SHINee, Baekhyun y Kai de EXO, Taeyong y Mark de NTC 127 y Lucas y Ten de WayV, ha llegado a ser número uno en el Billboard 200 con su mini álbum homónimo de 2019, y hoy publica el largo ‘Super One’.

Si el mundo del k-pop puede ser un laberinto de lanzamientos imposible de seguir por el oyente medio, por no hablar de los rebuscados conceptos que suelen acompañar muchos de sus proyectos, SuperM riza un poco más el rizo con el primer single de ‘Super One’. Como explica la nota de prensa facilitada por Universal, ‘One (Monster & Infinity)’ «anima a los oyentes a superar cualquier dificultad a la que se enfrenten y seguir moviéndose sin mirar atrás y hacía lo más alto, al infinito», lo cual coincide con el mensaje de superación y valentía que el grupo pretende transmitir desde su concepción: «Todos tenemos el poder de cada uno (One) como una existencia (Super) especial, así que superémosla con el poder de uno (One)”.

Sin embargo, lo curioso de ‘One (Monster & Infinity)’ es su misma composición, pues, volviendo al mensaje anterior, el tema ha sido creado combinando otros dos de la banda, ‘Infinity’ y ‘Monster’, los cuales, dentro de la secuencia del álbum, siendo el mencionado single la pista 1, suenan inmediatamente después. Por extraño que parezca, la fusión de ambos cortes funciona, resultando en un tema «intensamente catártico» que recuerda a aquellos singles épicos que solían publicar Backstreet Boys en su mejor época, pero que en cuanto a producción admite sonoridades bastante electro o incluso dubstep -o lo que en 2012 se conocía como dubstep- que remiten a ciertos singles de Skrillex o de Justin Bieber.

El videoclip de ‘One (Monster & Infinity)’, ya entre los más vistos de Youtube España, vuelve a ser una de esas superproducciones futuristas propias del k-pop, sin embargo, en esta ocasión manda cierta estética nuclear presente hasta en el color de pelo de algunos integrantes del grupo. El álbum ya está disponible e incluye los singles ‘Tiger Inside’ y ‘100’, mucho más interesantes de lo que han solido firmar los autores de ‘Dynamite‘.

Sia no abandona el piloto automático en ‘Courage to Change’

Por
Jordi Bardají
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Sia deja a un lado las colaboraciones y firma sola (más o menos) una de las novedades del viernes con ‘Courage to Change’. Se trata del segundo adelanto de su nuevo disco, ‘Music’, que, como hemos ido contando a lo largo de los últimos meses, reúne las canciones que sonarán en la película del mismo nombre que la artista ha dirigido, y que vuelve a tener como protagonista a la joven bailarina Maddie Ziegler.

El primer adelanto de ‘Music’ fue un alegre ‘Together’ publicado el pasado mes de mayo, con el que poca cosa ha pasado. Por su parte, lo que tiene que ofrecer Sia con ‘Courage to Change’ es otra de sus baladas bombásticas… sin ser exactamente nueva: una primera versión interpretada por P!nk ya apareció en su disco ‘How 2B Human’. Aunque escuchándola en boca de Sia, da la sensación de que su único propósito con ella siempre fue escribir una revisión de ‘Dusk ‘Till Dawn’, su exitoso single con Zayn de 2017, que acercándose a los 900 millones de streamings en la plataforma sueca, desde luego no necesitaba una segunda vuelta.

La letra de superación de ‘Courage to Change’ —con diferencias notables respecto a la de P!nk- arranca con una misiva suicida en la que Sia se dirige al mundo para expresar que quiere «abandonarlo en mejores condiciones», añadiendo: «quiero que mi vida valga para algo, pero temo que ya no tengo ningún objetivo aquí». La razón de este sentimiento de desolación es por supuesto la continua sucesión de dramas con los que la población despierta día tras día: «veo las noticias en la televisión, me abandono diariamente, tengo miedo de mostrarte quien soy de verdad», canta la artista. Más adelante, Sia deja que la lluvia «caiga sobe ella» para renovar su espíritu, tras lo cual vuelve a dirigirse al mundo pero esta vez desde la esperanza: «mundo, no estás solo en esto, lo prometo, si nos mantenemos unidos podremos hacer cualquier cosa».

‘Courage to Change’ llega apenas unas semanas después del estreno de ‘Del Mar’, el veraniego single de Ozuna que ha reunido a Doja Cat y a Sia, con esta última cantando en español cosas como «pa’l agua que hace calor». Poco después aterrizaba en las plataformas ‘Let’s Love’ de David Guetta con la participación de la australiana, sorprendiendo con su sonido ochentero, más en la onda de ‘Blinding Lights’ que en la de su exitoso single conjunto ‘Titanium’.

‘El Drogas’: un documental… que deja ganas de serie

Por
Sebas E. Alonso
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En cierta ocasión, justo después del éxito de ‘Balas blancas’ en 1992, Barricada marcharon a Londres para grabar un nuevo disco que resultó ser ‘La araña’. Pillaron costo, la policía les detuvo y, en comisaría, les bajaron a una salita y les pusieron a hacer «flexiones en pelotas» para hallar alguna otra china. A El Drogas, siempre tan campechano, no se le ocurrió otra cosa que defenderse así: «¡I’m The Drugs, Slash, Guns N’Roses, The Clash!». Le advirtieron que otra como aquella y jamás volvería a UK, y él contaba en Jotdown en 2016 que de todas formas le daba igual, porque Reino Unido no es que «le entusiasme». Eso después de haber iniciado una carrera inspirado por dos cosas: Motörhead y Sex Pistols.

Se echan de menos anécdotas como esta en el documental sobre El Drogas que se estrena hoy, dirigido por el debutante navarro Natxo Leuza, y conformado a partir de entrevistas, imágenes de archivo de televisión, de la banda y también de la historia de España y del mundo. Entre las pocas licencias artísticas que ‘El Drogas’ consiente, junto a un par de escenas más poéticas y psicodélicas, ese arranque de película en el que se nos recuerda qué pasaba en 1959, año de nacimiento de Enrique Villarreal, nuestro personaje. Una persona que lo ha sabido todo sobre el rock duro de nuestro país, sobre lucha obrera, sobre la deriva política española desde la Transición, sobre memoria histórica (se reivindica especialmente su álbum de 2009 ‘La tierra está sorda’), sobre comandos autónomos y bares abertzales, y sobre gente que se acercaba a estos más por «petas, amor libre y esas cosas» que por independentismo. Una persona, en definitiva, que requiere no de un documental de 80 escasos minutos, sino más bien de una serie como la de Los Chunguitos. Aunque solo sea porque «en las cárceles lo que más se oía eran Los Chunguitos, Los Chichos y Barricada».

Dice Kutxi Romero de Marea en un momento del documental que El Drogas llegó a «la meta demasiado pronto», que «se le hizo corto» el camino, en referencia a lo rápido que llegaron Barricada al éxito y al modo inusual con el que se mantuvieron en la cima durante décadas hasta lo que aquí se denomina como «un final asqueroso«. Al documental le pasa un poco lo mismo. Que se conforma con su destino, el beneplácito y la colaboración del artista, «demasiado pronto». Tanto pudor parece haber aquí a ofenderle o a resultar sensacionalista, que algunos episodios, como el de la adicción a las drogas o la propia fractura con Boni en Barricada, son meras pinceladas. Sorprende porque El Drogas es una persona que cuando hace declaraciones no tiene ningún temor a convertirse en «trending topic». Hace poco dijo a la prensa: «ahora precisamente es cuando soy menos políticamente correcto»; también «lo mío era un rollo más de monja, intentaba reflexionar. No como ahora, que soy partidario de la guillotina»; también «Íñigo Errejón es de extrema derecha«. Y también en No me pierdo ni una: «El rock and roll es transgresión en muchos sentidos y los tiempos que corren son muy buenos para socialmente ir soltando tortazos con la mano abierta a diestro y siniestro». En el documental está demasiado comedido, y ni la ultraderecha, contra la que tantas veces se ha pronunciado, recibe.

Por lo demás, ‘El Drogas’ sí es un entretenido y necesario relato que explica al espectador las condiciones sociopolíticas que permitieron el desarrollo del rock urbano, la conexión entre la Txantrea en Pamplona y Vallecas en Madrid y lo necesitado que estaba el público en estos barrios tan humildes de una voz que cantara sobre sus inquietudes. En ese sentido, es vital que las letras de Barricada se hayan subtitulado. No por dicción en absoluto, sino a modo de subrayado. Tampoco se esquivan las propias contradicciones y complejos de El Drogas. Uno de los momentos más significativos es el análisis de su «sensibilidad femenina» a raíz del feminismo contenido en temas tan tempranos como ‘Mañana será igual’, aunque se reconoce que ha sido su «socia» Mamen Irujo quien crió a sus hijos. Por otra parte, se dedica un tiempo inesperado a alabar la figura de Josetxo Ezponda, «el verdadero glam» para El Drogas. De manera insólita, parece visiblemente traumatizado por no haber parecido una estrella lo suficiente, sobre el escenario, en comparación.

Rosendo, Fito y otros colegas, periodistas e hijos -los dos muy divertidos- ayudan a construir este retrato, por el que también ha aceptado pasar extrañamente Christina Rosenvinge, suponemos que para cumplir algún tipo de cuota femenina en lo que fueron unos años absolutamente sonrojantes para la misma en el rock «de izquierdas» (su aportación es que los grupos vascos le daban «miedo», ahí lo dejo). Un documental ameno, en todo caso, con algún momento glorioso como ese relato del nacer de un amor, que decide alternar imágenes de manifestaciones y mobiliario urbano destrozado con un inocente piano de fondo. Sensibilidad y barricadas, eso es ‘El Drogas’. 7.

Royal Blood vuelven influidos por Daft Punk y Justice

Por
Sebas E. Alonso
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El dúo Royal Blood fue una de las revelaciones más importantes del rock hace unos años, cuando sacaban su debut homónimo en 2014 y la gente los consideró los nuevos White Stripes, a falta de White Stripes separados hacía tiempo. Lo vendieron todo con su primer álbum, fueron doble platino en Reino Unido y en 2017 repitieron en el número 1 de este país, aunque ya sin igual impacto, con ‘How Did We Get So Dark?‘. Foto: Dean Martindale.

Otros 3 años después están de vuelta con una nueva canción que presenta el disco que se encontraban grabando cuando les sorprendió la pandemia y tuvieron que parar el trabajo dado el gran número de ingenieros involucrados en el proceso de grabación, como han explicado al NME. El caso es que han podido avanzar hacia algún lado y esta semana nos han entregado el primer single de ese nuevo trabajo, ‘Trouble’s Coming’.

El tema suena machacón y familiar, tan deudor de los acordes como del ritmo de batería, pero la canción no rechaza incluir 1) un simpatiquísimo riff electrónico recurrente 2) palmas y 3) unos coros que ni los Arctic Monkeys más abiertos. El resultado es una de sus canciones más bailables, pese al coitus interruptus hacia la mitad, que han explicado en una nota de prensa que podéis leer aquí: «Algo empezó a hacer «clic» cuando empezamos a tocar sobre beats de baile mucho más rígidos. El punto de inflexión fue darnos cuenta de que había un punto en común entre eso y lo que habíamos hecho antes. Es el componente AC/DC, donde la calidad que construye los riffs es tan cortante en verdad gracias al beat».

Añaden: «aunque en la superficie estábamos saliéndonos de lo que habíamos hecho antes, no era algo anti-natural, era como volver a la música que nos encantaba al principio del todo, Daft Punk, Justice y estas cosas orientadas realmente hacia el groove. Todo era el beat. Era algo familiar para nosotros, pero algo que habíamos censurado nosotros mismos».

En la entrevista con el NME, el líder Mike Kerr no puede revelar aún si esta canción es indicativa de lo que encontraremos en el álbum o no, pero sí han dado una pista sobre la temática de esta composición y del disco: «Los temas de esta canción y todo el álbum no se sitúan en ningún sitio físico o localización. Está todo pasando en mi cabeza, es mi propia batalla con mi propio análisis. Toda la canción ‘Trouble’s Coming’ es una sensación, una sensación que conozco bien. Es sobre las pesadillas mentales recurrentes que he tenido. Me siento más cómodo siendo honesto, hablando abiertamente y mostrándome vulnerable, gracias al elevado ritmo de la canción».

Lo mejor:

M.I.A. vuelve a la primera plana con Travis Scott y Young Thug

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Sebas E. Alonso
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Entre las novedades de este viernes, Travis Scott lanza nuevo tema. Situado en la cima de fama mundial sobre todo desde ‘ASTROWORLD’ y últimamente por su acuerdo para un menú McDonald’s, se ha decidido a compartir su nuevo tema junto a Young Thug y M.I.A. La producción contiene una de esas bases monótonas pero martilleantes típicas de Travis Scott.

¿Cómo estamos tan seguros de que este ‘Franchise’ va a ser un nuevo hit mundial? Muy sencillo: a Spotify le ha gustado y lo ha situado en la primera posición de su playlist más seguida, Today’s Top Hits, con 27 millones de «followers». Probablemente, ni la propia M.I.A. esperara ya que un tema pudiera darle la visibilidad de ‘Paper Planes’, pero aquí está. Y también en la primera posición de “RapCaviar” (13 millones de followers), “Get Turnt” (6 millones), «New Music Friday» (4 millones), etcétera, etcétera.

El artista ha explicado que fue M.I.A. quien en principio le contactó para hacer algo de cara al próximo álbum de ella, por lo que se organización en Londres, y terminaron haciendo este tema. ‘Franchise’ es una clara referencia a la citada campaña del restaurante de comida rápida, esa conocida «franquicia», también en el videoclip que acaba de estrenarse y en el que M.I.A. aparece con un aparatoso vestido de flores, más cerca de Björk que de Lana. En cuanto a la portada del single, la ha realizado George Condo, responsable del arte de ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’ de Kanye West.

Travis se deshace en elogios hacia M.I.A., indicando que solo podía haber terminado esta pista con ella, que le encanta “su energía, la música, los beats, el rap, todo”, concluyendo que “ella es la más enferma de todos los tiempos”. Para bien.

Es bastante curioso porque el protagonismo de Maya es muy secundario y, en sus referencias a los «bangers in the system», hasta se la ve poco deslenguada en comparación a su último tema, un ‘CTRL’ que ni siquiera ha subido a plataformas, quizá para que la gente no se confunda: no es un corte de los que baraja para su disco de regreso, el sucesor del irregular ‘AIM’, sino solo un tema suelto «para el presente», para «el día» en que se editó a principios de este mes.

Llega el «pati-pati»: el sexy-thriller de Maluma y Jennifer Lopez da bastante de sí

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Sebas E. Alonso
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Maluma y Jennifer Lopez han dado la sorpresa esta noche con un doble single conjunto. Para ella, es su regreso, su gran apuesta, después de haber arrasado junto a Shakira en la Super Bowl, logrando por mucho -muchísimo- el récord de visualizaciones en Youtube de toda la historia de este evento. Para él, una nueva gran apuesta también, solo que apenas un mes después de haber presentado su álbum ‘Papi Juancho’, del que ‘Hawái’ se ha convertido en un monstruoso hit mundial capaz de sumar 5 millones de streamings diarios… todos los días.

Lo que nos ofrecen Maluma y Jennifer Lopez está más cerca de ‘Felices los cuatro’ y ‘ADMV’ que de ‘Medellín’, una fantasía ya olvidada en el pasado pero que continúa sonando a futuro al lado de estas dos nuevas canciones, de un corte tan conservador que ni el matrimonio Espinosa de los Monteros-Monasterio. La primera es una canción de reggaetón viejuno que hace de su estribillo forzado su mayor gancho (los «patí – páti» del nombre), y la segunda una balada romántica entre el R&B de los 90 y el trap de 2014, en la que J.Lo le dice a él “yo siempre seré tu negrita del Bronx”. Pero ay, el vídeo para ambas, todo un corto… cómo se lo han currado y cómo puede levantar esto.

Jessy Terrero dirige esta grandilocuente soap-opera en la que J.Lo mueve «miles de millones de dólares», pero tantos «autos y diamantes» solo «tienen precio» si los comparte con Maluma. Vemos a Jennifer Lopez, por momentos como peinada en una peluquería de perros, bailando con unos muchachos en una oficina, deslizándose por una sala a cámara lenta con un escote supercasual, contemplando rascacielos desde una maravillosa azotea… cuando todo se tuerce.

Tras un plot-twist que sorprende a la pareja retozando en la cama a las 5 de la mañana -sobre todo a ella-, el asunto se torna dramático para desarrollar la mencionada balada pimpinelesca en la que ambos dialogan. SPOILER ALERT: A Jennifer Lopez la reclama la justicia, como a Shakira, solo que a ella se la llevan presa, pero tampoco pasa nada porque ahora, en vez de bailar con chicos, baila con chicas, y en definitiva, el vídeo nos esconde una sorpresa final -otra más- que ni aquella temporada de ‘La casa de papel‘. ¿Alguien da más? Pues sí, atentos al discretísimo product placement al principio y al desenlace de esta superproducción, y también durante su desarrollo.

¿Quién está detrás de esta maravilla? Si las canciones están producidas simplemente por el habitual de Maluma Édgar Barrera y Jon Leone en el caso de la reggaetonera ‘Pa ti’ y los también habituales The Rude Boyz en el caso de ‘Lonely’; a Jessy Terrero hay que acreditar por decenas y decenas y decenas y decenas de videoclips de la historia del reggaetón y la llamada música urbana. El mismo ‘Felices los 4’, una referencia clara en este caso, es suyo: no se puede decir que todos juntos no hayan ido a lo seguro. Esta gente sabe lo que se hace…

El rock desafía a la música de moda entre las novedades del día

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Sebas E. Alonso
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Puede que las novedades más mediáticas del día sean los dos temas de Maluma con Jennifer Lopez, o el de Travis Scott con M.I.A. y Young Thug, pero no todos los días encontramos algo nuevo que decir de artistas de rock como Bob Mould, IDLES, Thurston Moore, Royal Blood, Deftones, Pixies o Will Butler de Arcade Fire. Como si la guitarra pudiera estar creciéndose como reacción a la monotonía de lo que nos ofrece «Today’s Top Hits», el rock planta cara a la llegada del otoño… aunque no gracias a Smashing Pumpkins, que continúan su senda electropop en dos nuevas canciones. Todo ello podéis encontrarlo en nuestra playlist de novedades semanal «Ready for the Weekend».

Esta noche se han publicado nuevos álbumes de Sufjan Stevens, un ‘The Ascension‘ que ya hemos reseñado y que es nuestro «Disco de la Semana»; Ginebras, Action Bronson, Bob Mould, Cayucas, Deftones, IDLES, Sylvan Esso, Thurston Moore, The Yearning, Joji y Will Butler. Hay EP nuevo o edición deluxe de su último álbum, como prefiráis, de Melanie Martinez. Finalmente, lo nuevo de Róisín Murphy sale la semana que viene. Ha salido con motivo de la llegada del otoño, y directamente, el nuevo disco de Fleet Foxes; se han anunciado los nuevos lanzamientos de Oneohtrix Point Never y Herman Düne, y continúan presentando sus nuevos discos Swae Lee, Kevin Morby y Bruce Springsteen. Mientras Machine Gun Kelly y Halsey, juntos, juegan a ser Blink 182, Sia avanza al fin su proyecto ‘Music’ con una balada orquestada que se transforma en medio tiempo, ‘Courage to Change’.

En días pasados hemos destacado lo nuevo de Kylie pero hay más grandes nombres. Pixies publican un single llamado ‘Hear Me Out’, salido de las sesiones de ‘Beneath the Eyrie’, junto a un vídeo arty de estética Western. El 12” tendrá una versión de T-Rex. También hay nuevo vídeo de The Shins, dos canciones muy jugosas de boy pablo y avance del tercer álbum de Royal Blood. Presentamos nuevas canciones de Zayn, OneRepublic, Tim Burgess, Bastille, Alice Glass, Toro y Moi adentrado en el trap, Starrah con James Blake y Tune-Yards. Orville Peck junto a Paul Cauthen sacan -como The Unrighteous Brothers- unas versiones de Righteous Brothers, incluida ‘Unchained Melody’.

Entre las novedades nacionales o en castellano están Yung Beef con Pochi, María José Llergo, Ruiseñora, Anne Lukin, Chloral, Carla Morrison o Elle Belga, destacando el potencial del tema de Goa con LocoAlien. Pablo Alborán ha sacado una canción electrónica y Ana Guerra su tema para la peli de Raffaella Carrá que sale la semana que viene. ¿Te falta alguna novedad? ¿Tienes alguna favorita? ¿Qué canción te gustaría que fuera «Canción del Día» o pasara por Veredicto? ¡Cuéntanoslo en los comentarios!

Michael Kiwanuka, ganador del Mercury Prize 2020

Por
Sebas E. Alonso
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Michael Kiwanuka se ha proclamado ganador del Mercury Prize 2020 gracias a su último álbum, el excelente ‘Kiwanuka’, a todas luces uno de los mejores discos de 2019. Así se ha anunciado en la televisión británica, tras revelarse durante la tarde de ayer una serie de actuaciones de algunos de los artistas nominados. Desde el principio Michael Kiwanuka encabezó las apuestas, seguido de Laura Marling y Moses Boyd, por lo que este año no ha habido sorpresa tamaño Speech Debelle.

Se abre por tanto una nueva vida para el disco que contenía el tema ‘You Ain’t the Problem’, así como maravillas que degustar en el largo plazo como ‘Piano Joint’. Nuestro compañero Jordi Bardají elogiaba en su crítica el sonido del álbum, su inspiración clásica y que el disco fluyera «sin que en ningún momento parezca que su autor esté intentando emitir declaración alguna más que las que presentan sus textos preocupados por la identidad (‘You Ain’t the Problem‘), el racismo (‘Hero’), la ecología (‘Final Days’) o el hallazgo de un amor capaz de salvarte la vida (‘Hard to Say Goodbye’)».

Michael Kiwanuka interpretaba anoche para la BBC 4 ‘You Ain’t the Problem’, pero tal vídeo al menos de momento no ha aparecido en Youtube a diferencia de otros de dicha ceremonia que, con este pequeño paso, se abría a lo universal. Durante años, para los espectadores fuera de Reino Unido, era simplemente imposible seguir la ceremonia con actuaciones. Es como si este premio, que tiene uno de los palmarés más chulos de la historia, de Portishead a Arctic Monkeys pasando por Primal Scream, The xx, Antony & The Johnsons y un largo etcétera, evitara su universalidad. Y en plena pandemia, han decidido redimirse. Y algunos vídeos eran muy reseñables.

En los vídeos, podemos ver a Charli XCX comenzando ‘Visions’ a piano desde su casa de Los Ángeles, pero luego tirándose a la piscina y quitándose la camiseta, en un gran celebración de su disco de confinamiento ‘how i’m feeling now’; a Georgia a la batería y voces de la genial ‘About Work the Dancefloor’; a Porridge Radio hacer una interpretación agitada de ‘Sweet’; a Laura Marling interpretar ‘Song for Our Daughter’; y a Anna Meredith ofrecer una trepidante actuación experimental por la que ya solo toda esta idea mereció la pena, entre otros. Aunque algunos como Stormzy, Dua Lipa y Kano no participaron y se programaron vídeos suyos en su lugar durante el especial, una manera de que el hype por el premio dure 2 días en lugar de 1.




Oneohtrix Point Never presenta su disco sobre la radio con una «suite» y Caroline Polachek

Por
Sebas E. Alonso
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Oneohtrix Point Never anuncia hoy que el 30 de octubre será el día de lanzamiento de su nuevo álbum, llamado ‘Magic Oneohtrix Point Never’, sucediendo a obras como ‘Replica‘ (2011), ‘R Plus Seven‘ (2013), ‘Garden Of Delete‘ (2015) y ‘Age Of‘ (2018). Desafiando las leyes de la promoción clásica, el disco se presenta con una «suite» con los tres primeros temas del disco. Se llama la «Drive Time Suite» e incluye las canciones llamadas ‘Cross Talk I’, ‘Auto & Allo’ y ‘Long Road Home’, la última de las cuales incluye en la segunda mitad la voz invitada e inconfundible de Caroline Polachek, muy querida en el mundo del pop por sus trabajos con Chairlift y después por su álbum del año pasado, ‘Pang‘.

El sello de Daniel Lopatin nos da las claves sobre este álbum, cuyo título es una referencia a un juego de palabras mal escuchado en una radio de Boston llamada «Magic», pues la estructura del álbum seguirá la emisión lógica de los programas de radio, desde la mañana a la noche. Esto lo comprenderéis enseguida en cuanto escuchéis bajo estas líneas la «suite» que se ha compartido con el público.

Su estudio de la radio incluirá cambios de dial, modo aleatorio, los tiempos de la easy listening y la new age, etcétera. También habrá guiños publicitarios, definiendo entre todo «la cultura americana». Eso sí, también estamos ante un disco «nostálgico y autorreferencial de los que definen una carrera, compartiendo a modo de collage pop barroco maximalista y brillo atmosférico». Se va más allá llamando este disco «autobiográfico». Este será el tracklist:

01. Cross Talk I
02. Auto & Allo
03. Long Road Home
04. Cross Talk II
05. I Don’t Love Me Anymore
06. Bow Ecco
07. The Whether Channel
08. No Nightmares
09. Cross Talk III
10. Tales From The Trash Stratum
11. Answering Machine
12. Imago
13. Cross Talk IV / Radio Lonelys
14. Lost But Never Alone
15. Shifting
16. Wave Idea
17. Nothing’s Special


Sufjan Stevens / The Ascension

Por
Mireia Pería
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Hay mucha gente que no es fan de Sufjan Stevens y sí lo es de ‘Carrie & Lowell’; gente que probablemente torcerá el gesto ante ‘The Ascension’: no hay folk, no hay delicadeza acústica ni confesiones. Aquí la electrónica domina todo. El disco con el que se más puede relacionar es ‘The Age of ADZ’, aun con matices. ‘The Ascension’ es menos barroco, más contenido y, como conjunto, resulta mucho más regular… aunque en el cómputo de canciones absolutamente-memorables está por debajo de ‘The Age of ADZ’ (no busquen equivalentes a ‘Vesuvius’ o ‘Impossible Soul’). Sufjan también ha recuperado, de manera bastante modesta, su inclinación hacia los quiebros en las canciones; ese punto en que rompe la estructura inicial del tema para convertirlo en otra cosa, característica que en ‘Carrie & Lowell’, entregado a estructuras cerradas, se había perdido. En el apartado lírico, las letras también suponen un regreso a las metáforas, a las referencias religiosas, históricas y populares. En ellas Sufjan trata de reflejar su visión sobre la deriva del mundo actual, con mucha crítica política y social camuflada entre versos crípticos.

‘The Ascension’ tampoco es un disco de dance pop, como nos hizo creer ‘Video Game’. Su escucha no es ligera; puede llegar a ser agotadora, de hecho. Se trata de 15 cortes en 80 minutos, fabricados prácticamente por Sufjan en su totalidad con sintetizadores y cajas de ritmo (aunque hay un par de colaboradores añadiendo guitarras. Incluso Bryce Dessner asoma en el primer tema). Las canciones de ‘The Ascension’ oscilan entre el deseo de ser piezas de techno-pop o R&B más livianas y la inclinación natural de Stevens por el ambient y el abigarramiento. La influencia de Janet Jackson es mucho menos evidente de lo que el propio Sufjan proclama en las entrevistas: algo hay de New Jack Swing y pop-de-diva noventero, pero es una influencia más dentro de la multitud que parece convocar aquí: prog, kraut, industrial, acid house, Kraftwerk, synthpop, Prince… Y, como siempre, tampoco puedes adscribirlo a nada en concreto. Si a todo esto le sumas, por encima de todo, el infalible instinto melódico de Stevens, se convierte en otra cosa: en «sufjanismo» en estado puro.

El inicio no puede ser más arrollador: ‘Make Me an Offer I Cannot Refuse’ es esa canción que siempre esperas en los discos de Sufjan Stevens, esa que te agarra bien y que no te suelta. Una fuerza de pop casi industrial, con Sufjan entonando el título de la canción enajenado, con los coros duplicados cayendo en cascada y un final marcial que machaca neuronas. No puedo evitar compararlo con Björk, porque funciona como presentación tan bien como lo hacía ‘Jóga’ en ‘Homogenic’. Esta saturación, por eso, no es la tónica general de todo el álbum. Las siguientes 4 canciones son dulces. En ellas Sufjan susurra en su registro más tierno. ‘Run Away with Me’ recuerda a baladas sedosas ochenteras como ‘Take My Breath Away’. ‘Video Game’ es lo más cerca a un número dance pop que ha estado nunca Sufjan: pegadiza a la vez que melancólica, su letra celebra el valor de uno mismo frente a una sociedad que exige exhibicionismo para ser apreciado. ‘Lamentations’ parece venir de los primeros 90, con esos insertos de voces a lo Coldcut, pero con una emocionante melodía. ‘Tell Me You Love Me’ es otra muestra de súplica amorosa suave, sedosa y triste, con versos que rompen el corazón (“My love, I wish I was a photograph / Perfect and lovely in a frame”) hasta su crescendo de power-ballad ochentera.

La tendencia de esta primera parte parece romperse partir de ‘I Wanna Die Happy’ (tremendo título), oscura e industrial. Pero entonces aparecen las piezas más R&B del disco como respiro: ‘Ursa Major’, neosoul de dormitorio tremendamente sexy que sí puedes imaginar cantada por Janet Jackson o Prince. Y ‘Landslide’, la mejor canción del disco, aunque de entrada no lo pueda parecer. Como si fuera la pieza más sutil del ‘Post’ de Björk, su delicadeza, su suavidad es un bálsamo entre tanta electrónica sofocante. Una preciosa melodía, un estribillo alegre, un delicioso solo de guitarra… todo aquí rebosa alegría, a pesar de que Sufjan afirme estarse derrumbando.

Tras un pequeño tramo que sí que resulta denso, antipático incluso, las tornas se trocan de nuevo en ‘Goodbye to All That’, que despliega una alegría comunal similar a la del tramo jubiloso de ‘Impossible Soul’ (¡juraría que hasta asoma alguna de sus líneas de bajo!) y donde Sufjan nos devuelve la fe en la humanidad. El arrebato ‘Kid A’ de ‘Sugar’ pide a gritos una remezcla que potencie su vocación himno para la pista de baile. ‘The Ascension’ es mística, abre con unos versos tremebundos: “When I am dead and the light leaves my breast», pero va subiendo, iluminándose, emocionando, mientras Sufjan entona una letra que resume el sentido de la ascensión que propugna: el cesar de preocuparse por todo, el buscar la luz en nuestro interior, el arreglar lo que está en nuestra mano arreglar. Y sería un estupendísimo broche final para el álbum… si no fuera porque este acaba con ‘America’. Funciona muy bien en inicio, con esos hechizantes “Don’t do to me what you did to America”, pero finaliza con una coda ambiental que aporta poco y la alarga innecesariamente. Sin embargo, sirve como resumen de las contradicciones de Stevens: un artista excesivo, generalmente para lo bueno, pero a veces (escasas) también para lo malo.

Los discos de Sufjan Stevens tienen la capacidad de obsesionarme, generarme la necesidad de hacer una escucha compulsiva. ‘The Ascension’, aunque a priori parecía que se me iba a resistir, a pesar de que sea el menos “bueno” desde ‘Michigan’, no es una excepción. Siempre hay algo inefable e inasible en la música del artista; un misterio que no acabamos nunca de descifrar y que nos atrae irresistiblemente.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Make me an Offer I Cannot Refuse’, ‘Video Game’, ‘Lamentations’, ‘Landslide’, ‘Goodbye to All That’, ‘The Ascension’
Te gustará si te gusta: Björk, Coldcut, ‘The Age of ADZ’

‘Nunca, casi nunca, a veces, siempre’, un emocionante retrato del aborto adolescente

Por
Fernando García
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Tras labrarse un nombre en el cine independiente americano con películas como ‘It Felt Like Love’ o ‘Beach Rats’, Eliza Hittman se consolida como una directora prometedora con su tercera película ‘Nunca, casi nunca, a veces, siempre’, ganadora del Gran Premio del Jurado en Berlín y el Premio especial del Jurado en Sundance) . La cinta nos presenta a Autumn, una introvertida adolescente de 17 años que, además de ir al instituto, trabaja como cajera en un supermercado en una ciudad pequeña de Pensilvania. Ella tiene la sospecha de que está embarazada y al acudir a la clínica se lo confirman. A partir de ese momento comienza una auténtica odisea que le hará ir de su estado –donde el aborto para las menores de 18 solo se puede realizar con el permiso de sus padres o un tutor legal- a la ciudad de Nueva York con el objetivo de abortar. Todo esto acompañada por su prima y amiga Skylar, y por supuesto, sin que nadie más se entere.

Uno de los grandes retos que Hittman tenía era no caer en los tópicos de un tema tan manido en el cine como es el embarazo no deseado. Hay cientos de películas que retratan este proceso, algunas de manera más frívola que otras, y desde diferentes perspectivas. Aquí la directora se decide por un tono profundamente dramático, realizando así un retrato psicológico de su protagonista en el que se nos deja ver el desamparo y rechazo social al que se tiene que enfrentar una adolescente en una situación así. Sin embargo, también indaga en la sororidad que se crea entre las mujeres cuando esto pasa, y Hittman posee una sensibilidad especial para retratar estos momentos, especialmente entre Autumn y Skylar, pero también con las trabajadoras de la clínica a la que la protagonista acude en la gran ciudad. ‘Nunca, casi nunca, a veces, siempre’ es una película hecha por mujeres y sobre mujeres, que además aborda un tema que necesitaba ser tratado desde una voz femenina. Puede que no siempre sea todo lo sutil que pretende ser, pero hay momentos genuinamente conmovedores. Y, sobre todo, cuenta con una de las grandes escenas del cine de 2020, que da título a la película y resuelve con una enorme potencia y elegancia en un plano fijo, sin apenas diálogos y gracias a una espectacular interpretación de Sidney Flanigan, todo el núcleo dramático.

Otro de los aspectos que la directora esquiva con inteligencia es el uso de la música. En lugar de utilizarla para subrayar clímax dramáticos, las atmosféricas y hermosas melodías de Julia Holter suenan reforzando las sensaciones que percibimos, pero siempre de manera orgánica y nada invasiva.

Hittman crea un ambiente tan triste y gris como profundamente realista. La película es deudora del neorrealismo, en esa concepción del tempo dramático, y sobre todo, en la representación cuasi documental con la que abarca un tema conflictivo en nuestra sociedad. Trabajar con actores poco conocidos también ayuda a aportar ese realismo buscado, esa sensación de que estamos viendo un fragmento de la vida de alguien y no una película adornada con escenas improbables y caras bonitas. Además, Sharon Van Etten, en un papel muy breve, debuta de manera convincente en la pantalla grande (en TV la vimos en ‘The OA’), como una madre cariñosa pero ajena al universo adolescente de su hija, sin saber bien cómo acercarse a ella. La cantautora también reserva una bonita canción escrita para la película que aparece en los créditos llamada ‘Staring at a Mountain‘.

‘Nunca, casi nunca, a veces, siempre’ es una de esas películas pequeñas y discretas, que de repente, se sienten como una especie de revolución. Hittman, atenta siempre a los pequeños detalles, a gestos, a una mano estrechando otra, construye un relato duro, pausado y finalmente emocionante. 7,7.

‘Magic’ es el prometido «disco maduro» de Kylie, retro y clásico

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Sebas E. Alonso
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Kylie ha estrenado el segundo single de su nuevo álbum llamado ‘DISCO’, y horas después su vídeo. Los que esperaran un rompepistas para este jueves por parte de Kylie pueden volver a casa quedarse en casa decepcionados. ‘Magic’ contiene más bien una melodía melancólica, como recordando el día en que de hecho las pistas de baile estaban abiertas, mientras la letra nos ofrece la fantasía de que los amantes de la música disco puedan volver a desmadrarse «esta noche»: «Bailar juntos / no hay nada que pueda ser mejor / El mañana no importa / haremos que la noche dure para siempre».

La gran baza de la canción está en su melodía y en sus arreglos clásicos. En cuanto a lo primero, el tipo de acordes de piano, más que a Chic, nos lleva al Nueva York de unos años atrás, al Brill Building, a Carpenters o a Carole King y Gerry Goffin; en cuanto a lo segundo, el desarrollo del tema, al que se van incorporando vientos y cuerdas de soul-disco, apunta más bien al sonido Philadelphia.

Hay quien puede hablar de Daft Punk, Modjo e incluso de ‘Chained to the Rhythm’ de Katy Perry, pero la inspiración de Kylie Minogue aquí es ultra clásica. Co-producen el finés Teemu Brunila (algunos temas de Guetta y Mika, pero no sus mayores hits) y PhD, mientras en la co-autoría encontramos a su hombre de confianza Daniel Heløy Davidsen (‘Get Outta My Way’). El vídeo muestra a la mayor de las hermanas Minogue como reina de la pista, con todo el cuerpo de baile que permite la pandemia.

La expectación en cuanto al tema era máxima pues ha sido habitual en el siglo XXI que el segundo single de Kylie sea mejor o más comercial que el primero: de ‘WOW’ a ‘Stop Me From Falling’ (aunque no pasara nada con lo de Gente de Zona, el potencial estaba ahí), pasando por la sobresaliente ‘Get Outta My Way’, su mejor canción de los últimos tiempos. ‘Magic’ no es esa canción tan contundente que esperábamos, pero ofrece algo que la cantante no había hecho antes: exactamente el «disco maduro» que hace unos meses prometió.

‘DISCO’ era antes presentado por un single llamado ‘Say Something’ que ha gustado mucho entre nuestros lectores pero solo ha sido puesto 82 en Reino Unido, contenido por su bajo streaming. En las listas de ventas británicas en sí y también en las de radio le ha ido bastante mejor dada su recurrente promoción mediante Radio 2, directos y remixes, tan apañados como estos con los que os dejamos, el «Syn Cole Remix» y la presentación en Jimmy Fallon.

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Lo mejor del mes:

Las mejores canciones del momento: septiembre 2020

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Sebas E. Alonso
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Renovamos nuestra playlist mensual con lo mejor de las últimas semanas, que viene a ser una recopilación de las últimas «canciones del día», «discos recomendados» y «veredictos» interesantes, además de un par de los artistas que han pasado por «Revelación o Timo«. Entre los «Discos Recomendados» del final de este verano, hemos hablado del EP de Troye Sivan, la joya perdida que supone el álbum de Dan Croll, lo nuevo de The Killers, Belako o Disclosure. No han sido «DR», pero casi, los últimos largos de Kelly Lee Owens y Yelle. También recuperamos cortes de «discos recomendados» pasados de Taylor Swift, tras una gran presentación televisiva (sí, se pueden hacer), y Bob Dylan, cuya carrera ha sido repasada en el site recientemente por Jaime Cristóbal.

Entre las revelaciones más excitantes, Rigoberta Bandini, que ha emocionado con sus vítores hacia Mónica Naranjo… a la propia Mónica Naranjo; a Syd Silvair, también salida del JNSP Song Contest de nuestros foros; Joesef, para amantes de Amy Winehouse; y Blackpanda con esa composición sobre el fin del verano que se nos acaba de ir.

En el plano nacional también hemos hablado de DORA (que acaba de ser incluida en una playlist de Pitchfork), Monterrosa con Miqui Brightside, Delaporte y lo de Cariño con Natalia Lacunza. Carlos Sadness ha sacado un gran vídeo con Lyona, hemos estrenado el vídeo de un buen tema de Colectivo da Silva, también el corte de Chef Creador con Malamute, y hemos recomendado un tema que no ha sido single pero debería, de Varry Brava.

Entre las leyendas que no decepcionan, Indochine, The Smashing Pumpkins… ¿y podemos ir incluyendo en este último grupo a Avalanches? Completamos la playlist con el proyecto colaborativo de Kamasi Washington en ‘Dinner Party’, BLACKPINK con Selena Gomez, Nathy Peluso, Shy Girl y Aluna.

Troye Sivan / IN A DREAM
Roosevelt / Echoes
Rigoberta Bandini / In Spain We Call It Soledad
DORA / Oxena
Yelle / J’veux un chien
Monterrosa, Miqui Brightside / Calor
Syd Silvair / Maraschino
Kelly Lee Owens / Arpeggi
Shygirl / FREAK
Delaporte / Las montañas

The Killers / Dying Breed
Indochine / Nos célébrations
The Smashing Pumpkins / Cyr
The Avalanches / Music Makes Me High
Terrace Martin, Robert Glasper, 9th Wonder, Kamasi Washington / Freeze Tag
Joesef, Loyle Carner / I Wonder Why
Disclosure, Kehlani, Syd / Birthday
Blackpanda, Mabbi / Antes de que acabe el verano
Cariño, Natalia Lacunza / Modo avión
BLACKPINK, Selena Gomez / Ice Cream

Shygirl / FREAK
Nathy Peluso / SANA SANA
Dan Croll / Coldblooded
beabadoobee / Worth It
Belako / All Nerve
Chef Creador, Malamute / Tan felices
Taylor Swift / betty
Bob Dylan / My Own Version of You
Aluna, Princess Nokia, Jada Kingdom, AlunaGeorge / Get Paid
Carlos Sadness / Me desamaste
Colectivo Da Silva / Bolitas
Varry Brava / Ritos exóticos
Troye Sivan / STUD

Sufjan Stevens / Seven Swans

Por
Sebas E. Alonso
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Ensombrecidos por su obra maestra ‘Sufjan Stevens Invites You To: Come On Feel the ILLINOISE‘ (2005), los cuatro álbumes anteriores de Sufjan Stevens a veces dan la sensación de no existir. Sin embargo, y teniendo en cuenta la longitud de «Illinoise», y el detalle de la historia del estado de Illinois que oculta, todavía ‘Seven Swans’ (2004) es una buena manera de acercarte a este artista. Quizá incluso la mejor. Sobre todo si nunca has reparado en su discografía o si te da igual cuáles sean sus mejores discos, y lo que necesites saber es cuál es el más accesible. Sin ser un álbum de pop, ‘Seven Swans’ puede ser una respuesta por su concisión, por la resplandeciente belleza de un par de sus canciones, y a su vez por el antecedente clarísimo que es de ‘Illinoise’ en más de un sentido. Mucho se habla de que existió un disco de Sufjan Stevens dedicado a un estado, el de ‘Michigan’ (2003), antes de ‘Illinoise’, pero poco de cómo ‘Seven Swans’ también estaba relacionado en su grado de documentación o incluso musicalmente.

Antes de que llegaran ‘Carrie & Lowell‘, el complejo ‘The Age of Adz’, la banda sonora de ‘Call Me By Your Name‘ y otros hitos como el cabreo de Tonya Harding (poca broma), ‘Seven Swans’ contenía las que podían ser las dos canciones de Sufjan Stevens más importantes hasta aquella fecha: ‘To Be Alone With You’ y la propia ‘Seven Swans’.

La primera es una de sus pistas más populares, una de esas canciones de este disco en las que, como apuntaba nuestra compañera Mireia Pería hace unos años, no sabes si Stevens está hablando de su amor por Jesucristo o por otra persona. De sacrificio o placer. «Nunca he conocido a un hombre que me quiera», era la última frase de este tema que deja muy claro qué vio Luca Guadagnino en Sufjan. Son 3 minutos de sobria canción de hoguera en la escuela de Nick Drake, lo que nos lleva a la canción titular del álbum y a este ensayo de «teología y cultura» en el que el autor Andy Barnes vinculaba ‘Pink Moon’ de Nick Drake y ‘Seven Swans’, pese a estar separados por más de 30 años, por su relación con el apocalipsis.

El número 7 es por excelencia el número bíblico y religioso, y esta persona notaba que Sufjan se dispone a repetir la frase «Cause He is the Lord» 7 veces, «pero cuando llega la 5ª, nota que no puede más y empieza a incorporar el coro «seven swans, seven swans, seven swans», presentando «al juez y al destructor a un lado y a los 7 cisnes y al creador en el otro, complementándose, pues el terror se complica con la belleza y la belleza se complica con el terror».

La composición está sostenida por un banjo rasgueado, al que se van incorporando un piano y los coros de Megan Smith acariciando muy en segundo plano, hasta que se despliega el clímax del minuto y medio final, con el citado contraste en tono de los dos coros: el angelical y el turbio. Si los 6 minutos de ‘Seven Swans’ se hacen cortos, lo mismo podemos decir de los 6 minutos de ‘Sister’, que no son precisamente una travesía por el desierto. La canción está dividida en dos mitades, y es la primera e instrumental la más excitante, un viaje en el que la brisa probablemente remita a algún recuerdo infantil, pues esta es una composición efectivamente dedicada a una de sus hermanas. Una cometa, un sombrero, una referencia a una cicatriz están entre los recuerdos citados que cualquiera podemos entender.

‘The Transfiguration’ juega con el pop de cámara, el folk anglosajón británico de los últimos años 60 y el punto teatral de Anthony Newley que tan importante fue para el primer y desconocido David Bowie. La canción ni más ni menos que avanza la melodía de ‘Chicago’, la gran obra maestra de Sufjan Stevens, que saldría un año después. En sintonía con el final de los citados 60 en ocasiones emergen unos teclados psicodélicos, como en ‘We Won’t Need Legs to Stand’, en ‘A Good Man Is Hard to Find’, que se pone en la boca de un asesino inspirada por ‘Un hombre bueno no es fácil de encontrar’ de la escritora Flannery O’Connor, o la menos interesante ‘He Woke Me Up Again’.

Las referencias bíblicas son en cambio las más habituales, de manera tan evidente como en el sobrio corte llamado tan sólo ‘Abraham’ o en la primera pista, ‘All the Trees of the Field Clap Their Hands’, en cita a un pasaje del libro de Isaías en el que se nos habla de música. «Porque con alegría saldréis, y con paz seréis vueltos; los montes y los collados levantarán canción delante de vosotros, y todos los árboles del campo darán palmadas de aplauso» decía el texto bíblico, logrando esta composición absolutamente celestial servirle de muy digno homenaje: hasta el ateo sucumbe ante su enorme belleza formal. ¿Todo un bosque al ritmo de una canción de Sufjan Stevens? Sí, por favor.

Belleza que aparece expuesta de manera sencilla en canciones como ‘The Dress Looks Nice on You’ o la susurrada ‘Size too Small’, esta última sobre una vieja amiga, una boda y alguien que no cabe en un esmoquin demasiado pequeño; y de manera más rica en ‘In the Devil’s Territory’, otra de las canciones clave de la era pre-‘Illinoise’. Sobre una secuencia de dos inquietos acordes que parecen huir en zigzag, Sufjan nos habla de «dragones» y «brujas», mientras el estribillo representa la liberación, la señal de que podemos derrotar a todas esas «bestias». «No tengo miedo a morir con tal de verte, encontrarte, verte al fin», canta triunfal mientras algo parecido a un theremin y el crescendo nos elevan. A él, su fe. A nosotros, su música.

Clasificación: 8,5/10
Lo mejor: ‘Seven Swans’, ‘To Be Alone With You’, ‘In the Devil’s Territory’, ‘Sister’, ‘All the Trees of the Field Will Clap Their Hands’
Te gustará si te gusta: Nick Drake, Elliott Smith, Arthur Russell
Youtube: ‘To Be Alone with You’

Anne Lukin busca otra carrera cocinada a fuego «Lento»

Por
Sebas E. Alonso
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Dos tipos de artistas hemos visto salir adelante -dejemos a un lado los que no han dado pie con bola- en las últimas ediciones de Operación Triunfo. Sin necesidad de enfrentar a unos a otros, porque es posible que te gusten todos por igual, están los que buscan ser número 1 de Los 40 Principales, entrar en las playlists de moda y ser estrellas del pop de manera inmediata; y los que han abierto sus brazos al underground, han trabajado con nombres que desconocían sus padres y están haciéndose un nombre en festivales de verano habidos o por haber. En el primer grupo, claramente la reina del regreso de OT presenciado en los últimos tres años sería Aitana. En el segundo, están Amaia o Natalia Lacunza, la cual ha podido actuar esta semana al fin en Tomavistas Extra para 600 personas sentadas y organizadas, recordando que la «Cultura es Segura«.

Anne Lukin, del último OT, pertenecería claramente al segundo grupo. Este verano publicaba un single llamado ‘Volver a mí’, algo más folkie, silbido y cuerdas incluidos, tras su debut con ‘Salté’ producido por Manu Guix de la Academia; y ahora vuelve con un tema nuevo, más decidido. Ya no es que tenga «ganas de sacar lo que tiene dentro de sí», como decía una letra que desde hoy suena antigua, sino que lo empieza a sacar de verdad. En ‘Lento’, título y vídeo -este último grabado en plano secuencia en el acantilado de Mora en Tarragona- alardean de no tener ninguna prisa por llegar al estrellato. Se presenta como «el primer tema debut de su proyecto discográfico» (sic), es decir, suponemos que es el primer tema de una nueva era, que deja el pasado atrás.

La propia cantante presenta esta canción de la siguiente manera: «es un viaje: imaginaba un cielo lleno de nubes, la brisa rozándome la cara, el silencio… Quería hablar sobre la necesidad que tenía de madurar, sobre lo rápido que va todo, las prisas que nos envuelven. Lento es un comienzo, habla sobre escuchar mi voz y aprender a no dejarme llevar, sobre lo mucho que esta decisión me está cambiando”.

El tema ha sido grabado este verano en los míticos estudios de La Casa Murada de Tarragona, conocidos por acoger a decenas de artistas de nuestro país, del tamaño de Christina Rosenvinge, y últimamente por ser objeto de una canción preciosa de _juno, el proyecto colaborativo entre Zahara y Martí Perarnau IV. No en vano, este último junto a Ricky Falkner aparecen en los créditos de esta modesta pero bonita canción, que brilla en los agudos de la interpretación vocal y también en el uso de elementos fantasmagóricos. Según cuenta la leyenda, La Casa Murada era una «casa encantada», si bien últimamente han exterminado a los fantasmas. Perarnau nos contaba sobre estos estudios cuando entrevistábamos a _juno que «la CasaMurada tiene dos pozos para hacer reverbs, como la sala de eco de Abbey Road, pero en plan natural», por lo que seguramente se han buscado allí también efectos parecidos en este caso.

Anne Lukin no ha fichado por ninguna multi, y según la nota de prensa, autoeditará su disco a principios de 2021 de forma independiente con el apoyo de su management, Sweet Bird. El álbum al completo, escrito en confinamiento cuando la accidentada edición de Operación Triunfo no había acabado, ha sido producido por Ricky Falkner (Love of Lesbian, Quique, Gonzalez, The New Raemon…) y Martí Perarnau (Mucho). Contará con colaboraciones como Zahara y otros grandes nombres por revelar.

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