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Fallece Jaime Triay, figura histórica del hardcore-punk español al frente de Cerebros Exprimidos

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Según reporta Diario Mallorquín, durante la pasada madrugada fallecía en Palma de Mallorca el músico Jaime Triay, figura histórica del punk español. Triay, que tenía 56 años, padecía esclerosis lateral amiotrófica, ELA, desde el año 2016, y en los últimos meses la enfermedad se había recrudecido. El mundo de la cultura balear y nacional, incluidos grupos como La Granja, Carlos Galán de Subterfuge Records, Munster Records (que editaron casi toda su doscografía) o el responsable del sello y management Ground Control, Joan Vich, han lamentado su pérdida.

Jaime Triay, tras iniciarse a principios de los años 80 en un grupo de hard rock llamado Virus, quedaba fascinado por el punk gracias a los Sex Pistols, según narraba hace un año al mismo Diario Mallorquín. En 1985 formaba con unos amigos Cerebros Exprimidos y, tras años tocando y grabando demos, en 1989 se publicaba su mini-LP debut y homónimo, antesala de la escena hardcore de los 90 que se alumbró principalmente en Barcelona. El histórico sello Munster Records publicaría en esa década sus cuatro álbumes de estudio, ‘Más suicidios’, ‘Bonzomanía’, ‘Demencia’ y ‘Cerebrator’, disolviéndose después de la publicación de este en 1998.

Triay iniciaría después algunos otros proyectos como Danones Yonkis, Sistema Llongueras o Chirri Kebab, ninguno de los cuales llegaría a tener la repercusión de Cerebros Exprimidos, que llegarían a ver cómo se publicaban sus canciones en Estados Unidos con el recopilatorio ‘Squeezed Brains’.


Van Morrison califica la distancia social en los conciertos de «pseudociencia»

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Después de haber previsto una inyección económica de varios millones de libras para evitar el cierre de salas de conciertos de especial arraigo en Reino Unido –los llamados «grassroots venues»–, esta semana el gobierno británico ha anunciado una serie de medidas y recomendaciones para reanudar las actuaciones en vivo en el país ya ex-miembro de la Unión Europea. Medidas que han causado cierta polémica, puesto que, de manera llamativa, prohíben cantar o gritar durante las actuaciones. Y que, por supuesto, incluyen lo que todos los expertos sanitarios califican como imprescindible para evitar contagios de coronavirus: mascarillas –aunque hasta hace pocas semanas no era obligatoria en el país– y distancia social.

Aunque les permite reabrir las salas y acoger conciertos, las medidas planteadas no satisfacen del todo a los propietarios de los locales y promotores, que entienden que un concierto «silencioso» va en contra del espíritu de la música en directo (salvo que se trate de la ópera o música de cámara, claro), y que la distancia social instaurada puede afectar gravemente a que los eventos sean rentables. Pero ninguno de ellos llega al extremo del venerado Van Morrison, que ha llegado a calificar la manera en que se plantea la nueva normalidad musical en su país de «pseudociencia».

Lo ha hecho en una carta abierta publicada en su página web, donde, anunciando que realizará tres conciertos en salas de Newcastle y Londres, lamenta tener que hacerlo adaptándose a estas medidas. Asegura que lo hace porque necesita mantener en marcha a su banda y para sacar a estos y toda su crew del atolladero, pero considera que «esta no es la manera de que las cosas sigan adelante. Necesitamos conciertos a plena capacidad para que las cosas sigan adelante». Por eso invita a «cantantes, músicos, compositores, productores, promotores y otros (individuos) en la industria a luchar» con él en esto. «Dad un paso al frente, levantaos, combatid la pseudociencia y manifestaos», dice. Por el momento ningún otro artista (salvo, dice el autor de ‘Moondance’, Andrew Lloyd Webber) se ha manifestado al respecto, pero sí varios usuarios de Twitter que le han afeado su postura. Una mujer en concreto ha dado en la diana: «Teniendo en cuenta la edad media de tu base de fans, podrías matar a dos terceras partes de nosotros con un concierto sin distancia social».

Curiosamente, Van Morrison, que el año pasado publicaba un nuevo álbum de estudio titulado ‘Three Chords and the Truth’, era uno de los artistas anunciados en la edición 2020 de Fes Pedralbes, en Barcelona. Sin embargo, en el último momento, sus dos conciertos previstos para los pasados días 22 y 23 de julio eran cancelados en plena eclosión de nuevos brotes de coronavirus en la capital catalana.

Bon Iver aplaza sus conciertos de Madrid y Barcelona y cancela en A Coruña por la pandemia

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La promotora Live Nation acaba de anunciar un nuevo aplazamiento de los conciertos que Bon Iver tenía programados en Madrid y Barcelona el próximo mes de enero de 2021. Además, el concierto anunciado en A Coruña queda finalmente cancelado. Todo, según se desprende del comunicado, ante la previsión de que la evolución de la pandemia de coronavirus empeore con la llegada del invierno.

«Debido a la situación actual y a las restricciones derivadas de ella, los conciertos de Bon Iver previstos para el 23/01/21 en Barcelona en el Palau Sant Jordi y 26/01/21 en Madrid en el WiZink Center, quedan reprogramados para el 14/11/21 en Barcelona y 16/11/21 en Madrid», dice el mismo. En mensajes posteriores, Live Nation facilita un enlace para facilitar la devolución, en caso de no poder o querer asistir a las nuevas fechas. Recordemos que estos conciertos, inicialmente previstos para el pasado mes de abril, habían sido ya aplazados a enero debido también al coronavirus.

Estos conciertos habían de servir para presentar ‘i,i‘, el último disco de Justin Vernon, publicado en 2019. Más de un año después de su lanzamiento, el artista de Wisconsin ha vuelto a estar de actualidad: primero, por ser uno de los sorprendentes invitados a ‘folklore‘, el nuevo disco de Taylor Swift, donde interpretaba a dúo con ella la preciosa ‘exile‘; y segundo, por publicar un tema benéfico titulado ‘AUATC‘, cuyos beneficios estarían destinados precisamente a paliar los daños por la Covid-19 y que cuenta con la participación de ilustres como Bruce Springsteen o Jenny Lewis.

Dan Croll, el amor contra la «sangre fría»

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Dan Croll es un cantautor británico que a los 18 años se mudó a Liverpool para acudir a la Escuela de la LIPA, la co-fundada por Paul McCartney que visitamos personalmente en cierta ocasión, y que hasta ahora había publicado dos álbumes. El más exitoso fue el primero, ‘Sweet Disarray’ (2014), donde dio con un tema llamado ‘From Nowhere’ que, remezclado, fue una de las canciones más virales de aquel verano. También le hemos visto actuar por nuestro país en alguna que otra ocasión.

El disco que ha publicado esta misma semana, ‘Grand Plan’, es un proyecto completamente diferente, pues relata su mudanza a la costa oeste de Estados Unidos, donde se ha dejado embadurnar del sonido clásico de la canción americana de los años 70. Producido por Matthew E. White, conocido tanto por su trabajo en solitario como por sus colaboraciones en el estudio con gente tan obsesionada con otras décadas como Natalie Prass, el álbum ha sido precedido por casi una decenas de singles presentados de dos en dos.

Entre ellos hay que destacar ‘Yesterday’, un homenaje expreso a su breve encuentro con Paul McCartney, la transversal ‘So Dark’ o la popera ‘Hit Your Limit’. Pero es que el disco además incluye verdaderas joyas perdidas, como es el caso de la bonita balada ‘Work’, en la que invita a pasar de ir al trabajo para compartir un día en cama; o ‘Coldblooded’, que hoy seleccionamos como «Canción del Día».

Hay una calidez y una integridad patentes en las 12 canciones que componen este ‘Grand Plan’ y este es uno de los mayores exponentes. El amor y la vida, a menudo con cierto sentido del humor, son la temática preferida del álbum: los títulos son cosas como «Luna de miel» y «Juntos». Esta canción en particular plantea un breve paréntesis de decepción, o de discusión más bien, en un estribillo en el que él reprocha «no sabía que podías tener tanta sangre fría». No obstante, como prueba de amor incluso en los malos momentos, Croll asegura que sigue estando ahí si es necesario: «¿necesitas abrigo? porque podría ofrecerte el mío», comienza diciendo el texto, antes de seguir: «si necesitas azúcar / o alguien que te oiga llorar / espero que sepas que seré el primero aguardando». Una canción, pues, llena de buenos propósitos, muy bien armada gracias a la fuerza que tiene también su pre-estribillo, a algunos sintetizadores y a una seca caja de ritmos.

Pese a las imperfecciones de la interpretación, ‘Coldblooded’ se crece también en uno de los muchos directos que Dan Croll ha ofrecido del tipo confinamiento, pareciendo uno de esos autores de «torch songs» de la referenciada década, o uno de los que los han imitado en tiempos recientes. De Karen Carpenter a Tobias Jesso Jr, cuya música tanto enamoró a Adele. La producción minimalista de la versión original se desnuda ya del todo en esta nueva interpretación, como decimos una de las muchas que el artista ha venido compartiendo a través de su canal de Youtube.

Lo mejor del mes:

Beyoncé lanza por fin vídeo para ‘Brown Skin Girl’, el gran hallazgo musical de ‘The Gift’

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Este verano Beyoncé está en plena promoción de ‘Black Is King’, su nuevo álbum-visual –o una película que traslada a imágenes la historia y las canciones de ‘The Gift‘, el disco de canciones inéditas que acompañó al lanzamiento de la nueva versión de ‘El Rey León’ el pasado verano’– para Disney+. Y, tras el vídeo de ‘Already‘, ahora llega el turno de la que es, claramente, el gran hallazgo comercial de esta era, ‘Brown Skin Girl’. Una canción muy especial, que no en vano ya pasó por nuestra sección Canción del Día un año atrás.

Basada en una especie de tonada infantil, de esas que se cantan chocando coordinadamente las palmas de las manos con amigxs, su gancho es impepinable y está desarrollado con una producción minimalista muy hábil. De hecho, ya es la canción más escuchada de todo el disco junto a ‘Spirit‘, el single principal –y para muchos, la peor canción del conjunto– que aparecía en el propio remake de ‘The Lion King’. Pero todo apunta a que eso podría cambiar muy pronto, si tenemos en cuenta que, como decíamos, hoy se estrena un clip oficial para la canción que potenciará su popularidad.

Con imágenes sacadas de la película o filmadas paralelamente en el set de ‘Black Is King’, el vídeo incide en el orgullo de ser mujer y negra inculcado a una niña –representada por Blue Ivy, la hija mayor de Bey y Jay-Z–, buscando su empoderamiento. Aunque por supuesto aparece también el co-intérprete masculino del tema WizKid, el protagonismo total es para las féminas: se alternan rostros anónimos y diversos, con los de su familia –la citada Blue Ivy o Tina Knowles, la matriarca– y algunas de las artistas que han hecho cameos en el film, como Lupita Nyong’o, Naomi Campbell o Kelly Rowland. Bey muestra, al menos ante las cámaras, una gran complicidad con su excompañera de Destiny’s Child… mientras que Michelle Williams, tercera en discordia en el girl-group de los 90, ha sido completamente obviada de todo esto.

Pese a que no ha gustado a todo el mundo –en nuestra propia web fue objeto de una demoledora crítica de mi compañero Jordi Bardají–, el film sí parece estar contando con el respaldo crítico de medios y público internacional, teniendo medias sobresalientes tanto en Metacritic como Rotten Tomatoes, por citar dos referentes. Si sumamos eso a que, casi sin comerlo ni beberlo, Knowles ha conseguido el séptimo número 1 de su carrera en Estados Unidos gracias al remix de ‘Savage’, Beyoncé no podrá decir que 2020 ha sido un mal año para ella en lo profesional.

JoJo elimina el tema con Tory Lanez de su disco por el incidente con Megan Thee Stallion

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¿Recordáis a JoJo? Era aquella chica que, con apenas trece años, se convirtió en la solista más joven en conseguir un número 1 del Billboard (en la lista de pop, no en el Hot 100, donde alcanzó el puesto 12) en 2003 con su single ‘Leave (Get Out)‘, y al que superó un par de años después ‘Too Little Too Late‘… para luego perderse en un marasmo contractual que la obligó a partir de cero. Primero, regrabando sus dos primeros álbumes ‘Jojo’ (2004) y ‘The High Road’ (2006) –lo cual sugeríamos como posibilidad para Taylor Swift tras perder los derechos de sus discos pre-‘Reputation’–. Y, luego, ya con cierta madurez (tengamos en cuenta que ahora mismo tiene apenas 29 años), recuperando el rumbo de su carrera con ‘Mad Love‘ (2016) y, hace pocos meses, con ‘Good to Know’.

Anticipado por singles como ‘Man‘ o ‘Lonely Hearts‘, este nuevo trabajo de Joanna Levesque está marcado por estar menos orientado al pop y más abierto a sonoridades R&B y hip hop… que es en realidad el canon actual del pop mainstream, como sabemos. No sorprendía lo más mínimo por ello que uno de sus cortes sea una colaboración con el productor 30 Roc (Cardi B, Roddy Ricch) y el rapero Tory Lanez. Un ‘Comeback’ producido por 30 Roc y subido de tono, con menciones sexuales y un chirrido de somier de muelles como gancho, que de hecho es el más escuchado en Spotify de este disco de JoJo hasta el momento. La cuestión es que podría dejar de serlo.

Porque la artista de Vermont ha anunciado en sus redes sociales que los versos de Tory Lanez serán eliminados de la canción en la versión que aparecerá en la edición deluxe de ‘Good to Know’ que se publica este próximo viernes, 28 de agosto. «Definitivamente, le he largado», venía a responder a una fan que había escuchado el rumor. La razón es el incidente que narró la rapera Megan Thee Stallion días atrás, explicando que el disparo que recibió en el pie tuvo lugar por parte de Lanez en una fiesta, poco menos que por echarse unas risas. La intérprete de ‘WAP‘ ha tenido que ser intervenida quirúrgicamente por ello y está furiosa con Tory por haber estado difundiendo mentiras sobre el incidente.

Ante la positiva respuesta de sus seguidores por la decisión, JoJo decía que, sencillamente, era «lo correcto», y dice que le encantaría que Megan quisiera participar en lugar del supuesto agresor –que está siendo investigado por la fiscalía de Los Ángeles por este incidente– en una nueva versión de esa canción. «Lo clavaría», asegura. No sería descabellado, si tenemos en cuenta que en la citada edición deluxe del álbum figuran estrellas como Demi Lovato –en una versión alternativa de ‘Lonely Hearts’– o Tinashe –en ‘Love Reggae’, uno de los siete inéditos que se incluyen–. Os dejamos con las dos versiones de ‘Comeback’, la conocida hasta ahora (con Tory Lanez) y la que se ha incluido en una versión acústica del disco que llegaba a plataformas de streaming hace pocas semanas. ¿sale perdiendo?

Tres cómics de los que no se escapa vivo

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Sunny Sunny Ann!, de Miki Yamamoto

Ann es una mujer luchadora a ojos de su entorno, solitaria a ojos del lector y honesta consigo misma de puertas para dentro. Nada de lo que hace, aunque viva en su coche y se prostituya en ocasiones, nos resulta ajeno, y no por la concienciación feminista de los últimos años, ni tampoco por ciertas escenas grabadas en nuestra cabeza de ‘Thelma & Louise’, sino por el tono visceral que supuran las ilustraciones toscas de la mangaka Yamamoto. Esa aspereza en blanco y negro junto con las faldas voladoras de la protagonista como elemento narrativo, potencian la vitalidad y el atrevimiento de ‘Sunny Sunny Ann!’.

Haciendo alarde de más nervio y hostilidad, Yamamoto pone el foco en asuntos cruciales como la maternidad o la culpa. Los cambios de destino de Ann, como el episodio de ultraviolencia que fulmina, abren debates sobre conciencia y proporcionalidad. Pero este es un espíritu libre que su autora no puede acabar de mejor manera: con un final abierto. 7,5. Disponible en Amazon y en tu librería favorita.

‘Squeak the Mouse’, de Mattioli

Una de las cualidades más admirables de Mattioli es su capacidad para manejar las emociones. En unas pocas páginas puedes pasar del terror más sangriento al sexo explícito, sin que te provoque un rechazo tajante. Al contrario: las viñetas se tornan adictivas mostrando una serie de pesadillas, en formato corto y sin apenas textos, con la salvedad de las clásicas onomatopeyas, aquí dibujadas con precisión, con la energía del combate. Cada acción está medida para buscar una nueva fórmula de belleza. Sangrientas decapitaciones o electrocuciones de alto voltaje no parecen tener repercusión física alguna en los personajes, en un mundo en el que la resurrección llega antes de la autopsia, jugando con lo irreverente y con la animación para niños, en clara alusión a Hanna-Barbera en un subidón de adrenalina brutal.

Publicado originalmente en 1982 con bastante repercusión en Francia e Italia, este cómic llegó a nuestro país de la mano de la revista El Víbora. En esta ocasión Fulgencio Pimentel incluye el tercer volumen inédito de la serie. Aunque ‘Squeak the Mouse’ pueda parecer una parodia de ‘Tom y Jerry’, la mayor victoria de Mattioli la encontramos en el guiño de Matt Groening con la creación de ‘Rasca y Pica’. 8,5. Disponible en Amazon y en tu librería favorita.

‘La Cólera’, de Javier Olivares y Santiago García

Serios aspirantes a estar entre lo mejor del año, el tándem formado por Olivares-García se hizo con el Premio Nacional de Cómic en 2015 por ‘Las Meninas’, conquistando a un público poco dado a leer tebeos. Ahora vuelven a la carga con un relato cimentado en la historia, dejando a un lado la corte de Felipe IV para escenificar las batallas de Aquiles a las puertas de Troya, un hecho histórico previo al nacimiento de Europa narrado en La Ilíada de Homero.

Si en ‘Las Meninas’ el trabajo de ilustración de Javier Olivares se regía por la deconstrucción del vestuario del siglo XVII, en ‘La Cólera’, a la contra, abundan los cuerpos desnudos. En ese aspecto, mostrando la anatomía masculina o femenina indistintamente con una enorme paleta cromática, el resultado es seductor y exquisito. Y dado el concepto, transmiten fuerza en las escenas de guerra o lujuria en las carnales, sin perder la sobriedad habitual identitaria de su autor. Mientras, el trabajo de Santiago García cumple con las funciones narrativas, no solo por las reflexiones con mensaje que encierra, sino también por dar rienda suelta al rigor documental con la agilidad actual. 8,5. Disponible en Amazon y en tu librería favorita.

Cut Copy / Freeze, Melt

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Siempre asociamos a Cut Copy a unas vacaciones soñadas en Australia. O a un crucero por el Mediterráneo, con parada en Ibiza, donde se gestó el histórico ‘Technique’ de New Order. Pero estamos en 2020: Miami Horror han cancelado su gira por covid-19, Delorean se han separado y Washed Out ya no es lo que era. En este contexto, el proyecto de Dan Whitford hace muy bien en pegar un buen volantazo, huyendo a toda velocidad de intentar recrear las glorias pasadas de ‘In Ghost Colours‘ (2008) o ‘Zonoscope‘ (2011).

‘Freeze, Melt’ es un disco desarrollado durante un invierno pasado en Copenhague, por lo que los sonidos son más gélidos y atmosféricos. Whitford ha estado escuchando ambient desde que se mudara a la capital danesa, y el disco ha sido mezclado por Christoffer Berg, quien ha trabajado con The Knife y Fever Ray. Igualmente, Dan se ha enganchado a utilizar el mismo equipo que Brian Eno y Bowie en su etapa europea, en concreto en ‘Lodger‘. Quizá por eso en algunos momentos todo esto nos suene a los albores del synth-pop, más a los primerísimos Depeche Mode, los de ‘Photographic‘, que a los hacedores de hits, como sucede con la pista ‘Running in the Grass’.

La escucha de ‘Freeze, Melt’ va a ser muy frustrante por tanto para aquellos eternamente esperando el nuevo ‘Hearts on Fire’, el nuevo ‘Lights & Music’, el nuevo ‘Need You Now’. Ante la imposibilidad de mejorarlas, Cut Copy optan ahora por mirar hacia dentro en un álbum espiritual que nos habla sobre «sentir algo en los dedos de las manos y los dedos de los pies» (‘Love Is All We Share’), «observar las hojas de los árboles caer» (‘Stop, Horizon’), «correr por el césped, sentirlo 20 veces al día» (‘Running in the Grass’) y notar cómo «la lluvia purga nuestras heridas» (‘Rain’).

La linealidad aparente de estas 8 canciones -a veces excesiva- va revelando poco a poco pequeñas cumbres dentro de cada composición, especialmente en los últimos minutos de cada una. ‘Love Is All We Share’, un tema que según Dan ha adquirido un nuevo sentido en los tiempos que nos ha tocado vivir, pero que en principio fue creado a partir de la «ansiedad de imaginar el futuro, dominado por una tecnología que nos consume», se entrega al «amor» titular en los últimos 2 minutos y medio, cuando emerge un viajero teclado. Claro que si hablamos de temas que están adquiriendo un nuevo significado estos días, atención a la letra de la chill ‘Stop, Horizon’: «la fiebre me atraviesa / cambiando mi perspectiva para siempre».

Es habitual en estas canciones que parecen austeras que ofrezcan algo más a su término: también sucede en el single ‘Cold Water’. Y ese es uno de los pros de un álbum en principio esquivo, los recovecos que hallamos en él a medida que nos sumergimos en su experiencia. Los viejos fans de Cut Copy quizá puedan encontrar consuelo de alguna manera en ‘Like Breaking Glass’, pero el cierre de cada cara en la edición vinilo con canciones que son contemplativas, instrumentales o casi (‘In Transit’ parece influida por los números más minimalistas de Kraftwerk), evidencian que esta vez Cut Copy han mirado hacia el interior, en un álbum al que quizá volvamos en otoño, en estos tiempos de imperativo recogimiento.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Love Is All We Share’, ‘Cold Water’, ‘Like Breaking Glass’
Te gustará si te gustan: los Depeche Mode, Kraftwerk y OMD más instrumentales
Escucha:Love Is All We Share

Cancelada la segunda edición de Natural Live, que se celebraba este fin de semana

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La dirección de Natural Live Talamansi comunica esta mañana que no se va a poder celebrar la segunda edición de Natural Live XTRAFRESH prevista para los días 28 a 30 de agosto de 2020, en la Finca Las Ramblas de Talamansi de Férez (Albacete). Tenían que actuar en el festival Rayden, Ladilla Rusa, Monterrosa y Novedades Carminha, entre otros. JENESAISPOP había organizado un concurso para acudir el festival, tras la celebración con éxito de una primera edición este mes de julio, respetando las medidas de seguridad de la nueva normalidad, y hace unos días la organización informaba de que ya solo quedaban 100 plazas para el festi, pero finalmente el evento no podrá tener lugar.

La nota de prensa indica que «en el cumplimiento de las últimas instrucciones de carácter excepcional ofrecidas por las autoridades sanitarias, y más concretamente de las medidas publicadas el pasado día 21 de agosto de 2020 en el DOCM de la Junta de Comunidades de CLM, nos vemos obligados a cancelar esta segunda edición. Hemos trabajado muchísimo para poder realizar esta edición, con el único pensamiento de ofreceros lo mejor y en las mejores condiciones sanitarias posibles para público, artistas y para todo el amplio equipo que trabaja en la organización de Natural Live y lo seguimos haciendo desde ya para buscar nuevas fechas en 2021 para disfrutar de una experiencia saludable y única como la que pudimos disfrutar en nuestra primera edición, del pasado mes de julio de 2020. Estamos seguros, de que más adelante, podremos disfrutar de la reserva natural de Talamansi de la forma plena que se merece, y la música en directo volverá a sonar en Natural Live. Para entonces, sabremos agradecer a todos los que apostasteis por nosotros en este verano tan atípico».

Finalmente, la nota revela que la devolución de las entradas se hará a partir del miércoles, 26 de agosto de 2020. Se enviará un link al correo de los compradores, desde la plataforma de compra, para solicitar la devolución de las entradas indicando las instrucciones para ello.

Miley Cyrus, Sufjan Stevens, Kiesza y Future Islands, entre lo más votado de JNSP; Drake, no

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Kylie Minogue continúa siendo lo más votado de JENESAISPOP con ‘Say Something’, aunque ’Midnight Sky’ de Miley Cyrus es una seria amenaza al ser entrada directa al número 2. La segunda entrada más fuerte es la de Sufjan Stevens con ‘Video Game’, al tiempo que ‘America’ vuelve a ascender. También tenemos entradas nuevas de Kiesza y Future Islands, y es hora de despedirse de ‘Stupid Love’ de Gaga, ya en la mitad baja de la tabla y con más de 10 semanas en lista, casi medio año, concretamente. Quien no logra llegar a nuestro humilde top 40 es Drake, cuyo nuevo single ‘Laugh Now Cry Later’ solo ha recibido 2 votos entre nuestros lectores. DOS. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 4 Say Something Kylie Minogue Vota
2 2 1 Midnight Sky Miley Cyrus Vota
3 3 3 3 exile Taylor Swift, Bon Iver Vota
4 5 1 29 Physical Dua Lipa Vota
5 7 1 13 Rain On Me Lady Gaga, Ariana Grande Vota
6 4 1 7 What’s Your Pleasure? Jessie Ware Vota
7 7 2 39 Blinding Lights The Weeknd Vota
8 2 2 4 cardigan Taylor Swift Vota
9 6 2 15 Save A Kiss Jessie Ware Vota
10 9 9 14 Watermelon Sugar Harry Styles Vota
11 13 1 22 Break My Heart Dua Lipa Vota
12 12 1 Video Game Sufjan Stevens Vota
13 17 13 7 America Sufjan Stevens Vota
14 22 3 6 Love Me Land Zara Larsson Vota
15 14 1 All of the Feelings Kiesza Vota
16 8 5 22 In Your Eyes The Weeknd Vota
17 14 1 42 Don’t Start Now Dua Lipa Vota
18 15 6 12 TKN Rosalía, Travis Scott Vota
19 16 1 53 The Greatest Lana del Rey Vota
20 37 19 2 WAP Cardi B, Megan Thee Stallion Vota
21 20 1 25 Stupid Love Lady Gaga Vota
22 29 8 5 Easy Troye Sivan Vota
23 18 18 2 Nuevo verano Amaia Vota
24 30 15 9 Do It Chloe x Halle Vota
25 11 11 3 My Future Billie Eilish Vota
26 21 3 9 Blame It On Me Melanie C Vota
27 23 19 4 Un día (One Day) J Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny, Tainy Vota
28 28 28 2 Impact SG Lewis, Robyn, Channel Tres Vota
29 34 26 7 Chicos transparentes Algora Vota
30 12 12 3 Something More Róisín Murphy Vota
31 19 19 7 Don’t Wanna HAIM Vota
32 26 1 9 ¡Hoy no! Mónica Naranjo Vota
33 33 1 Thrill Future Islands Vota
34 33 32 3 Who’s Laughing Now Ava Max Vota
35 24 16 5 Un gatito La Bien Querida Vota
36 27 14 8 Mequetrefe Arca Vota
37 31 31 2 AUATC Bon Iver Vota
38 32 28 7 Bad Friend Rina Sawayama Vota
39 35 22 8 My Own Soul’s Warning The Killers Vota
40 36 19 6 Natalie Don’t RAYE Vota
Candidatos Canción Artista
Echoes Roosevelt Vota
Pecados capitales Chlöe’s Clue Vota
Identical Phoenix Vota
Baby El Bicho Vota
My Game Zella Day Vota
That’s That Rumer Vota
Hail Taxi METZ Vota
Legends Never Die Orville Peck, Shania Twain Vota
Baby It’s You London Grammar Vota
To S. Father John Misty Vota
Oh Yeah A.G. Cook Vota
Dying Breed The Killers Vota
The One The Lemon Twigs Vota
Dancing Like Nobody’s Watching Iggy Azalea, Tinashe Vota
The Glow DMA’s Vota
The Plan Travis Scott Vota

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Sólo The Killers apostarían por el «amor eterno» tradicional con ayuda de Can y Neu!

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The Killers son los protagonistas de nuestro «Disco de la Semana»: aprovecharemos el lanzamiento de ‘Imploding the Mirage‘ para revisitar algunos puntos de su carrera, además de obviamente reseñar este nuevo álbum que ha venido presentado por sencillos como ‘Caution‘, ‘My Own Soul’s Warning‘ o este ‘Dying Breed’ que seleccionamos hoy como «Canción del Día».

‘Dying Breed’ es una canción que se va armando a medida que avanza, en sintonía con la historia que Brandon Flowers nos va narrando: la de una pareja superando una crisis. Si el tema presenta momentos titubeantes, como musicalmente el inicio o en lo lírico ese puente en el que se duda de la existencia de un futuro («no sé qué quieres de mí / a veces no sé qué hacer (…) ¿y si no estamos preparados para esto? / ¿y si no podemos hallar el camino?»), la producción es optimista. Muchas de las canciones de los Killers han estado dominadas por la euforia ochentera de un hit de Bruce Springsteen, algo tipo ‘Dancing in the Dark’, pues por algo se han convertido en una de las bandas llenaestadios más importantes del planeta, y ‘Dying Breed’ se encamina hacia ese mismo lugar, poco a poco, con paciencia.

Brandon Flowers parece estar dedicando de nuevo este tema a su esposa, Tana Mundkowsky, con la que contrajo matrimonio a los 24 años y con la que tiene varios hijos, probablemente tildando de «estirpe moribunda» a la institución del matrimonio, pero hablando de su pertenencia a ella con orgullo: «tenemos todo lo que necesitamos», se jacta, entre «na-na-nas». De manera significativa, en la nota de prensa que presentaba este single su sello Universal, definía todo el álbum de la siguiente manera: «‘Imploding The Mirage’ es la luz tras la oscuridad; la superación de la tristeza y el paso a la celebración. Es un disco sobre el amor eterno, la perseverancia en los momentos complicados y la fuerza adquirida de los amigos y los lazos familiares mientras capean el temporal». El tema también incluye lo que parece una referencia a los votos de una boda: «recuerdo la promesa que hice / y el modo en el que me sentí».

Este mensaje de amor de estructura particular tiene su base en dos de las grabaciones más populares de las dos bandas de kraut más importantes, NEU! y Can, de los que se han tomado sin pensar mucho ‘Hallogallo’ (1972) y ‘Moonshake’ (1973). Y ha sido por obra y gracia de los co-productores del disco, en este caso más bien Shawn Everett (The War on Drugs, Alabama Shakes, Kacey Musgraves) que nuestro querido Jonathan Rado de Foxygen.

Así ha defendido la grabación Brandon Flowers en Apple Music: «Shawn es un mago en el estudio, una especie de científico loco. Esta canción ya era buena cuando Shawn desapareció para irse a otra habitación durante una hora y volvió emocionado. Nos puso ese loop (de Can y Neu!) sobre la canción y yo dije: «¡SÍ!». Fue frustrante al principio que no fuera nuestro loop, pero enseguida lo aceptamos y obtuvimos los permisos. Y cuando Ronnie y el resto de la banda se incorporaron, la llevamos a otro nivel. Ahora me encanta la canción».


Lo mejor del mes:

Muere a los 38 años Justin Townes Earle; Colin Meloy, Stephen King… presentan sus condolencias

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Esta noche se ha confirmado la muerte de Justin Townes Earle, a los 38 años de edad. Su página de Facebook ha sido la vía para anunciar el deceso, al tiempo que se compartía una instantánea suya tocando la guitarra: «Con enorme tristeza os informamos de la muerte de nuestro hijo, marido, padre y amigo Justin. Muchos de vosotros habéis confiado en su música y letras a lo largo de los años, y esperamos que su música continúe guiándoos en vuestros viajes. Te echaremos de menos, Justin». El artista había publicado el año pasado su último álbum de casi una decena de lanzamientos largos, llamado ‘The Saint of Lost Causes’, y encabezado por el tema titular.

Hijo de Steve Earle y recibiendo su segundo nombre en honor al mentor de este, Townes Van Zandt, Justin fue abandonado por su padre a los 2 años, reconciliándose tan sólo cuando era un adolescente y Steve Earle fue capaz de dejar las drogas hacia mediados de los 90. Justin Townes Earle vivió su mejor momento de popularidad en torno al año 2010 cuando después de un par de álbumes, ‘The Good Life’ (2008) y ‘Midnight at the Movies’ (2009), publicaba ‘Harlem River Blues’. Allí se encontraba la espectacular canción titular, que se ha convertido en el gran clásico de su carrera, y también su tema ‘One More Night In Brooklyn’. Eran los tiempos en que participaba en un espectacular tributo a Buddy Holly, en el que lo mismo encontrábamos a Paul McCartney y Patti Smith que a Fiona Apple y Florence + the Machine.

Por desgracia, su historia también estuvo vinculada al consumo de drogas, llegando a ser expulsado de la banda de su padre, donde había estado tocando, por este motivo. En cierta ocasión declaró que había sobrevivido a 5 sobredosis de heroína antes de los 21 años. Como informa Pitchfork, en múltiples entrevistas había dicho que llevaba un tiempo sobrio.

Entre los artistas que han lamentado su muerte están compañeros de profesión como Samantha Crain, que ha dejado un mensaje muy sentido en Twitter: «Mi amigo Justin Townes Earle ha muerto. Era un cantautor tremendo. Me llevó en dos giras y siempre me trató tan bien… Sabía lo que era luchar, sabía lo que era divertirse. Le he visto en lo más alto y lo más bajo a lo largo de los 13 años en que le he conocido. Te echaremos de menos». Colin Meloy de los Decemberists ha elogiado «su gran alma» y también personas de otras disciplinas, como Stephen King, le recuerdan: “parece que Justin Townes Earle ha muerto. Espero que sea mentira, pero me temo que no. Qué gran pérdida”.

BTS baten récords en Youtube… pero pueden durar poco gracias a BLACKPINK, Selena Gomez… ¡y Ariana Grande!

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La dominación mundial del K-pop es una realidad de un tiempo a esta parte. Al menos, en lo que a cifras de Youtube se refiere. En 2018 BTS se interponían en la particular pugna entre divas del pop como Taylor Swift y Ariana Grande por ostentar la marca del vídeo musical más visto en sus primeras 24 horas de estreno, y desde entonces la boyband coreana se había mantenido en lo más alto de ese particular récord con ‘Boy With Luv‘, su single con Halsey. Hasta que, hace unas semanas, otro grupo compatriota suyo, en este caso el compuesto por féminas BLACKPINK, se lo arrebataba con ‘How You Like That‘. Y esta semana, BTS daban de nuevo la vuelta a la tortilla al lanzar ‘Dynamite‘, su primer single cantado íntegramente en inglés.

Las cifras del clip, tal y como indicaban ya sus primeras horas de vida pública, han sido realmente espectaculares gracias a la extrema organización de su «Army» (así se hace llamar su fandom). Pese a no alcanzar dentro de esas primeras 24 horas los 100 millones –lo haría 27 minutos después de ese plazo, siendo el clip en lograrlo más rápido– de visualizaciones que tenían como objetivo, alcanzaban los 98,2 M en ese plazo, superando al mentado single de BLACKPINK en más de 12 millones. Sin embargo, este exitazo de cifras podría durar poco, porque sus más feroces «competidoras» reaparecen apenas una semana después con una bomba.

Se trata de ‘Ice Cream’, un nuevo single del cuarteto femenino surcoreano que, además, se hace acompañar de una colaboración del más alto nivel comercial: la de Selena Gomez. Tanto BLACKPINK como la propia Gomez han confirmado en sus redes sociales que el vídeo de esta nueva canción se lanza a las 00:00h del próximo viernes 28 de agosto, anticipándose notablemente para que la expectación se máxima entre los fans de unas y otra. Además, las asiáticas han dejado ver que entre los co-autores de ‘Ice Cream’ hay nombres ilustres que pueden contribuir a que su salida acapare aún más atención: en una imagen promocional del single, su sello etiqueta a Ariana Grande y su mejoramiga Victoria Monét –cuyo álbum debut ‘JAGUAR‘ veía la luz días atrás–.

Se da la curiosa circunstancia de que Ariana Grande y BTS coincidirán el próximo domingo 30 de agosto como actuantes en la gala de los MTV VMAs 2020 –de la que, por cierto, se han caído a última hora Roddy Ricch y J Balvin, que acaba de pasar la Covid-19–. La primera interpretará ‘Rain On Me’ con Lady Gaga, y los segundos promocionarán este ‘Dynamite’. Aunque es previsible que no se crucen, habida cuenta de que será una ceremonia muy particular por las restricciones sanitarias de la pandemia (se dice que las actuaciones se llevarán a cabo en distintos puntos de la ciudad de Nueva York, no en un único escenario).

En cuanto a BLACKPINK, poco importa que su primer álbum esté aún por llegar –hasta ahora han publicado solo singles y EPs– para que en el último año y medio hayan seguido los pasos de BTS como grandes estrellas del K-pop en todo el mundo. Tras dar un auténtico pelotazo con el single ‘Kill This Love‘, llevaban a cabo con gran éxito su primera gira mundial, que recalaba en Barcelona. Y, hace un par de meses, daban otra sonora campanada participando en el estupendo ‘Chromatica‘ de Lady Gaga, concretamente en el tema ‘Sour Candy‘. Bata o no bata récords –al final son solo anecdóticos–, este nuevo tema no hará sino reforzar ese estatus, gracias a una de las artistas más populares de la última década, Selena Gomez.

La última vive un 2020 de lo más extraño, en cambio: tras publicar en los primeros días del año el esperado ‘Rare‘, su promoción se veía truncada por el coronavirus y sus consecuencias en la industria. Como explicaba en un vídeo hace pocas semanas, Gomez ha mantenido un perfil bajo en redes sociales durante toda la pandemia, porque entendía que era «insensible» presentar contenidos «alegres» o «celebratorios». Al parecer, ese tiempo de sobriedad ha pasado: «SELPINK IN YOUR AREA». En tanto, os dejamos con la agraciada ‘Dynamite’, que con la friolera de más de 153 millones de visualizaciones es hoy número 1 mundial (también en España) en Tendencias de Youtube.

The Lemon Twigs / Songs for the General Public

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The Lemon Twigs son uno de los grupos más interesantes de la actualidad. El dúo formado por los hermanos D’Addario, que tiene en su círculo de amigos a bandas tan peculiares como Foxygen, debutaba con ‘Do Hollywood’ y se confirmaba con un disco tan peculiar como ‘Go to School’. Por eso da más rabia aún que ‘Songs for the General Public’ no termine de ser ese álbum que les termine de acercar a todos aquellos que no les conozcan.

No es tan descabellado que sus melodías llegaran a las masas, ese «público generalista» al que apelan abiertamente en el título de su nuevo largo: de hecho los films musicales de Queen y Elton John han arrasado, acercando las composiciones de estos artistas a gente de diferentes generaciones, lo que evidencia que hay personas a las que en 2020 les apetece ahondar en el sonido de parte de los 70: el glam, el soft-rock, la torch-song… Pero The Lemon Twigs siempre tienen que dar un giro que les hace permanecer en el underground, empujando el nombre de su nuevo álbum a sonar medio irónico. Siguen siendo del «team MGMT», para entendernos, aunque han avanzado muchísimo en accesibilidad: su último disco era un musical sobre un mono.

El single ‘Hell on Wheels’ nos introduce en el mundo ‘Songs for the General Public’ sonando a Bowie y Reed, con una frase tan glam en su estribillo como «dirty screaming while hot jeans» y refiriéndose explícitamente a los ídolos que nos han dejado: «los chicos del ayer se han ido / pero nos han dejado su blues». Es el principio de un festín de sencillos versátiles y variados, en los que cabe el saltarín ‘Live in Favor of Tomorrow’, más pop, de la escuela de Love, algo que podrían por tanto haber cantado Belle & Sebastian; una ‘Moon’ que habría sentado como un guante al primer Brett Anderson; o ese cruce entre Abba y The Beatles al que apunta ser ‘The One‘.

Después, están sus rarezas, impidiendo que este sea el álbum universal que podría, de lo que hay que culpar sobre todo al torpe desenlace del álbum con una ‘Ashamed’ que luce totalmente desaprovechada. Comienza con una melodía de villancico, la tradicional ‘Auld Lang Syne’ o similar, pero después se pierde entre su existencialismo, un caso de incesto y dos minutos de más. Michael y Brian son mucho más divertidos cuando son más certeros y concretos. ‘No One Holds You’ nos habla con sencillez y humor sobre querer aquello que no tenemos: «nadie te abraza más fuerte que aquel al que no conoces / nada se puede comparar con aquel que te has inventado en tu cabeza». En la línea, ‘The One’ reclama: «siempre cambias de persona / nadie te da lo que quieres / amas a alguien cuando sabe hacer daño / pero nunca podrá ser el definitivo».

Es en ese retrato de los trapos sucios del corazón cuando The Lemon Twigs resultan tan inmediatos y necesarios. Sobre todo cuando llegamos a algo tan «sucio» como la balada ‘Hog’, que suena desesperada, pero está llena de rabia. «Hog» significa «puerco» o «puerca» y toda la letra está tan llena de despecho como así sigue: «oh, este puerco/a… / un día fuiste un ángel lleno de brillo / y ahora de mierda (…) Mi odio no conoce fronteras / Y todo aquello en lo que pienso es en maneras de poder matarte / si estuvieras cerca de mí». Suena a amor tóxico hasta el punto de rozar lo denunciable, pero es su melodía almibarada la que le da un toque autoparódico y cómico, especialmente cuando vuelve a su melodía inicial tras un puente un tanto Marilyn Manson. Inmediatamente a continuación, por si alguien lo necesitaba, The Lemon Twigs critican el amor posesivo en una pista llamada ‘Why Do Lovers Own Each Other’, aunque hay quien habrá entendido otra cosa. Este es del álbum más pop de The Lemon Twigs, pero lo seguro llegados a ese punto es que el título del disco sí que era irónico.

Calificación: 7,9/10
Lo mejor: ‘Hog’, ‘The One’, ‘Live in Favor of Tomorrow’, ‘Moon’
Te gustará si te gustan: David Bowie, Lou Reed, Elton John, Foxygen, MGMT
Escucha: Hog

‘Baby’ pone sobre la mesa la accesibilidad (y las contradicciones) de El Bicho

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Con la muerte de Josetxo Ezponda en 2013, el underground perdió a uno de sus talentos más singulares. El líder de Los Bichos dejó plasmado su carisma en una obra no muy voluminosa pero sí variada y valiente que lo mismo se dejaba empapar de glam y el rock más underground como se anticipaba a la moda latina en ‘Mescalito’ y la ranchera ‘Me gustaría llorar’, mucho antes de que la versatilidad fuera la seña de identidad definitiva de la modernidad. Su segundo álbum, el doble ‘In Bitter Pink’, publicado en 1991, fue reconocido como uno de los mejores discos del siglo XX por la prestigiosa y extinta Rockdelux.

¿Qué pasó después de publicar un par de discos en solitario, ‘My Deaf Pink… Love’ (1991) y ‘A Glitter Cobweb’ (1995), este último como El Bicho? A lo largo de tres años y con varias formaciones, Ezponda intentó darles continuidad con un álbum incluso secuenciado llamado ‘Doberman Yoghourt’. Incluso llegó a tener lista, medio improvisada, una portada, la que veis sobre estas líneas, pero que jamás vio la luz. Hasta que este verano el sello Hanky Panky se las ha arreglado para recuperarlo. Eso sí, sólo en formato físico: no se ha subido a las plataformas de streaming más que el tema que Josetxo quería que fuera el sencillo principal, ‘A Brighter Pearl‘, y ‘Baby’, a petición de nuestro site.

La generosa edición en vinilo es una reliquia para fans, con fotos y un encarte de 4 grandes páginas (12″) en el que Jaime Cristóbal y Fernando Gegúndez repasan exhaustivamente la historia de este álbum, recordando cómo el ex-Bichos Alfonso Asio grabó su parte en el año 2000 tan sólo unos meses antes de morir; la desesperación de Ezponda tras mudarse a Madrid –en frente del conocido bar musical Tupperware– para intentar vender el álbum a algún sello, tras el «supuesto interés» de Subterfuge; o la grabación en tan sólo en un par de días, sin los accidentes ni las turbulencias de otras ocasiones. Allí lo único que se consumió fue Coca-Cola.

Se califica la obra como «claramente un disco de Los Bichos, porque está Asio y porque es un disco eléctrico en su totalidad», y se recalcan las influencias habituales de Nick Cave & The Bad Seeds, Television, T.Rex o Mink DeVille. Hay canciones rugientes, ariscas y complejas, pero hay una que destaca particularmente por su accesibilidad. Se trata de la mencionada ‘Baby’ (¿o deberíamos llamarla «Hunger»?), la cual tras una intro aparentemente apaciguada, desata la locura («go nuts») en base a un riff que se repite sin descanso durante las estrofas, antes del cambio melódico del estribillo… si es que casi toda la canción no es un estribillo en sí misma.

Con un puente dub que sirve para realzar la vuelta al redil, supone un recuerdo del potencial que escondía el autor cuando le apetecía. «Ya es sabido que genialidad y comportamiento embarazoso van siempre de la mano» es una de las frases que le definen en este libreto, aunque el debate está en verdad no en su comportamiento en el ámbito privado sino en la contradicción de muchas estrellas en su búsqueda de la fama y el reconocimiento… pero siempre sin venderse y huyendo del menor atisbo de «comercialidad». ¿Cómo no iba a ser este el single en lugar de ‘A Brighter Pearl’?

Las mejores canciones del momento: agosto 2020

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Ya compartimos nuestra playlist de verano, con gran parte de música fresquita asociada a esta época, por lo que la de agosto hemos decidido encabezarla con el regreso de las guitarras eléctricas a la primera plana a través de estilos tan diversos como los de IDLES y Bernard Butler, ahora en un proyecto colaborativo con Catherine Anne Davies. También aparecen entre lo mejor del mes METZ y Fontaines D.C., que han sido recientemente uno de nuestros «Discos de la Semana».

Igualmente, a clásico como ‘Sabotage’, suenan lo último de Doja Cat (inspirada por Paul Anka), Taylor Swift o Whitney. En el sector R&B presentamos enormes canciones de amor y sexo de Victoria Monét, que ha hecho un disco muy apañado, o Lianne La Havas; mientras el pop se puede jactar de habernos dado aportaciones tan atinadas y diversas como las de Miley Cyrus, Phoenix, London Grammar, Billie Eilish, Zella Day y Kylie Minogue. Más en la pista de baile se sitúan Ela Minus y el polémico remix de Dua Lipa con Madonna y Missy. Dua aparece por duplicado, pues también merece la pena recuperar ‘Un día’ con J Balvin y Bad Bunny, que continúa arrasando en el global de Spotify aunque hay un poco de negacionismo de este hit entre nuestros lectores.

Extraídas de algunos de los últimos Discos Recomendados, recomendamos el extraño -para bien- número de música jamaicana de HAIM, la incursión house de JARV IS, la inclasificable Chlöe’s Clue o una favorita en redacción de _juno. Siguiendo en español hemos gozado las recientes canciones de Sen Senra, Novedades Carminha, la de Mala Rodríguez con Cecilio G que ha de ser single sí o sí o la revelación Bonitx. Completamos la playlist con el hitazo de Cardi B y Megan Thee Stallion, lo nuevo de Dominic Fike, Gus Dapperton, Ashnikko con Grimes, Phoebe Bridgers, el hitazo en UK de Joel Corry con MNEK y una extraña canción colaborativa de Avalanches.

Catherine Anne Davies, Bernard Butler / Sabotage (Looks So Easy)
IDLES / Model Village
Doja Cat / Freak
Taylor Swift / cardigan
Victoria Monét / Dive
Lianne La Havas / Bittersweet
_juno / _Casamurada
Billie Eilish / my future
Zella Day / Only a Dream
Fontaines D.C. / I Don’t Belong

Sufjan Stevens / Video Game
HAIM / Another Try
Novedades Carminha / Mucho nivel
J Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny, Tainy / Un día (One Day)
Mala Rodríguez, Cecilio G / Pena
JARV IS… Jarvis Cocker / House Music All Night Long
Kylie Minogue / Say Something
Dua Lipa, Madonna, Missy Elliott, The Blessed Madonna / Levitating
Ela Minus / megapunk
Miley Cyrus / Midnight Sky

Phoenix / Identical
Bonitx / Algo que cambie
London Grammar / Baby It’s You
Cardi B, Megan Thee Stallion / WAP
Dominic Fike / Chicken Tenders
Whitney / Hammond Song
Chlöe’s Clue / Pecados delicados
Gus Dapperton / Post Humorous
Sen Senra / Perfecto
Metz / Hail Taxi
Ashnikko, Grimes / Cry
Phoebe Bridgers / I Know the End
Joel Corry, MNEK / Head & Heart
The Avalanches, Jamie xx, Neneh Cherry, CLYPSO / Wherever You Go
Roosevelt / Echoes

Travis Scott nos sumerge en el mundo de ‘Tenet’ de Christopher Nolan con ‘The Plan’

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Una de las películas más esperadas del año es ‘Tenet’, nuevo filme de Christopher Nolan que, tras demorarse por la pandemia, se estrena por fin la próxima semana –el día 26 en España. Se trata de un filme de acción que alterna cine de espías, conspiraciones internacionales, viajes en el tiempo y evolución humana –está siendo comparada con ‘The Matriz’ y ‘Minority Report’, por ejemplo–. Ya está cosechando tantas críticas entusiastas (las de The New York Times, The Telegraph…) como demoledoras (las de The Guardian, Indiewire…), y se espera que congregue en los cines a tantos curiosos como devotos del autor de ‘Memento’, ‘Interestellar’, ‘Origen’ o su particular trilogía de Batman.

Pero la película también es noticia hoy por su música. En el score compuesto y dirigido por Ludwig Göransson, que ganó el año pasado el Grammy y el Oscar a la mejor banda sonora por su trabajo en ‘Black Panther‘, incluye al menos una grata sorpresa para los seguidores del hip hop contemporáneo. Se trata de ‘The Plan’, una canción completamente inédita de Travis Scott. En ella, el rapero de Houston se sumerge en la misteriosa música del sueco, con tintes de psicodelia y electrónica oscura. Cabe destacar que ya la citada BSO de ‘Black Panther’ contaba con temas interpretados y seleccionados por Kendrick Lamar, consolidando un álbum aparte. Y que Göransson está acreditado como co-autor de ‘This Is America’ de Childish Gambino, habiendo sido también ganador del Grammy a la Canción del año en 2019, por tanto.

Por su parte, Scott es uno de los MCs más poderosos comercialmente en este momento: aunque han pasado dos años desde la publicación del notable ‘Astroworld‘, este año se ha mantenido de plena actualidad publicando un single conjunto con Kid Cudi, ‘The Scotts‘, el avance del disco que prometió Kanye West para inicios del verano y del que seguimos sin saber más, ‘Wash Us in the Blood‘, y el último (e inesperado) éxito en Europa de Rosalía, ‘TKN‘.

Roosevelt confirma con ‘Echoes’ que su magia electropop está lejos de agotarse

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Ya hemos recalcado en otras ocasiones, hablando precisamente del proyecto del teutón Marcus Lauber, lo difícil que es afianzarse comercialmente más allá de sus fronteras para un artista alemán. Sea del género que sea, claro, pero especialmente en un mundillo tan competido como el del pop electrónico. Él lo ha logrado bajo su alias Roosevelt con dos álbumes notables de synth-pop inspirado en la edad de oro del género –finales de los 70 y toda la década de los 80– como ‘Roosevelt‘ y ‘Young Romance‘, que ha paseado con éxito por todo el mundo, especialmente en Europa continental y Reino Unido. Y si alguien dudaba de la posibilidad de que su estrella languideciera de cara a un nuevo disco, parece descartarse, si atendemos a los dos primeros adelantos del mismo.

A principios del verano lanzaba ‘Sign‘, un tan elegante como adictivo tema que incluíamos en nuestra playlist estival Lo + Sabrosón 2020 y que se ha convertido ya en otro nuevo hito de Lauber: en pocas semanas, acumula ya más de dos millones de escuchas en Spotify, por ejemplo, acercándose a algunas de las canciones más escuchadas de su último trabajo, como ‘Everywhere’ o ‘Yr Love’. Y, desde hace tan solo unas horas, el segundo avance de ese tercer álbum –City Slang anuncia que dará todos los detalles del mismo el próximo 7 de octubre– viene a confirmar que su magia electropop está lejos de agotarse.

Se trata de ‘Echoes’, otro perfecto artefacto que en este caso enfatiza su perfil bailable con una base casi house que lo acerca al space disco. De hecho, casi parece un remix de lo que entenderíamos como una canción de Roosevelt, coronada por su estupendo estribillo, en el que la voz de Marcus se ve realzada por capas de coros celestiales. También destaca en ella la llamativa presencia de guitarras eléctricas, especialmente en el giro que da el tema con su fantástico puente, con lo que parecen unos coros femeninos (aunque los créditos recalcan que Lauber es el único músico y productor involucrado).

Con ‘Echoes’, Roosevelt también anuncia las fechas de una gira por Europa y UK que desarrollará el próximo mes de marzo, entendemos que cuando el disco esté ya en la calle. Un tour que, además, tendrá parada en España, donde siempre es muy bienvenido: será el 23 de marzo en la Sala 2 de Razzmatazz, Barcelona; y, al día siguiente, en la Sala But de Madrid como parte de la programación de OchoyMedio. Será la oportunidad de sacarse la espinita de su última visita, donde hubo de cancelar en Barcelona tras dañarse la voz en Madrid.

Lo mejor del mes:

El remix de ‘Levitating’: ¿un acontecimiento pop o la decepción del verano?

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Parte de la redacción evalúa el remix que ha unido a Dua Lipa, Missy Elliott, Madonna y The Blessed Madonna.

«La unión no siempre hace la fuerza. Cuando hace unas semanas se hizo público que iba a aparecer este remix muchos babeamos con la posibilidad de que se convirtiera por méritos propios en la canción de este verano tan olvidable. Sin embargo, la expectativa generada ha terminado siendo su mayor lacra. Por mucho que la repetitiva base oscura de The Bleesed Madonna se te meta en la cabeza desde el primer segundo, finalmente parece que es la propia Dua Lipa la invitada aquí porque apenas la podemos escuchar desde el primer estribillo. Madonna (sin duda, es ella quien se ha apoderado de la canción) y Missy Elliott cumplen perfectamente su cometido, pero eso no quita que este nuevo ‘Levitating’ suene a colaboración forzada y sin chispa. La original, ya de por sí, funciona a las mil maravillas por su pegajoso deje disco-funky, así que esta última ni suma ni resta, se queda en un terreno de nadie que es de todo menos memorable. Hablando en plata: en los últimos días Madonna ha dedicado más tiempo en sus redes sociales a mostrarnos cómo se lo está pasando con su familia de vacaciones en Jamaica que a promocionar este tema, por lo que podemos intuir perfectamente qué opina del resultado final. Sí, indiferencia máxima». Sergio del Amo.

“El ‘Levitating’ original era un festín de pre-estribillos, post-estribillos y puentes, a cual más pegajoso, que por estilo no tenía el impacto de un primer single, pero como cuarto o quinto no tenía precio. The Blessed Madonna lo ha convertido en una grabación lineal, sin “highlights” ni aire entre parte y parte, pero ahí se acaban los defectos de este banger de electro-technazo, que parece decir: “cuando no hay nada que mejorar, la única opción es cambiar radicalmente de tercio”. Si la original era el amor naíf con globos y corazoncitos sobre las íes, esta es el cerdeo de cuarto oscuro, igual de válido y atractivo: «Puedo ser tu chica si lo mantienes en secreto» dice Missy Elliott, divertidísima como siempre, entre lo de «cómeme las tetas a lo Betty Boop» y la referencia a DJ Khaled. La voz de Madonna suena más a Madonna que en toda la era Interscope (paradójicamente hay quien no la ha reconocido), y Dua Lipa les deja todo el protagonismo pasado el primer verso, como regodeándose en que sus ídolos estén dándolo todo con SU canción (a menos que sea ella el robot tipo Daft Punk, claro). No sé en qué momento una remezcla se ha convertido en un añadido de voces como el de Justin Bieber en ‘Despacito’ o Beyoncé en ‘Mi gente’, pero Dua Lipa, dos pasos por delante, recupera su viejo sentido. Future Nostalgia”. Sebas E. Alonso.

«Tenía muchas ganas de que ‘Levitating’ me gustase… pero no. La canción podemos verla de dos maneras: como un “remix” que consiste simplemente en añadir versos de la artista invitada (las artistas, en este caso), o como un remix de verdad, que transforme totalmente el tema. Pero es que de ninguna de las dos maneras funciona, y quizás Dua ha pecado de querer hacerlo TODO. Igual si llamabas a Madonna y a Missy Elliot para una canción tan buena como ‘Levitating’, era suficiente con añadir esos versos (incluso igual era suficiente con elegir a una de las dos, y dejar a la otra para otra canción). Pero es que esta decisión está llena de “igual”: igual si lo que querías era transformar completamente la canción, podías hacerlo guardándote la carta de Madonna y Missy, igual Madonna pegaba más en ‘Hallucinate’ que aquí (aunque su parte acaba siendo la mejor), igual ‘Levitating’ no se iba a beneficiar de una reconstrucción que parece sacada de un antro a las cuatro de la mañana, y no para bien. The Blessed Madonna no es que haya estado muy inspirada aquí, y lo que podía ser un acontecimiento pop acaba siendo bastante fallido. A este remix de ‘Levitating’ hay que reconocerle, eso sí, la valentía de plantear algo distinto, aunque no haya salido bien. De no ir a lo fácil. Pero es que a la vez: ay, Dua, lo tenías tan fácil…» Pablo Tocino.

¿Qué te ha parecido el remix de Levitating?

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Ni Netflix ni HBO, la mejor serie del verano está en Starzplay: ‘Normal People’

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Resulta sorprendente que las dos series más destacadas de este verano en España, las dos donde mejor ha funcionado el boca-oreja, ‘El colapso’ (Filmin) y ‘Normal People’, no se hayan estrenado en ninguna gran plataforma. El caso de la segunda es significativo ya que en Estados Unidos la distribuye Hulu, cuyos contenidos –‘El cuento de la criada’, ‘Mrs. América’, ‘Devs’- suelen llegar a España a través de HBO. Como ha ocurrido también con la reciente ‘The Great’, Starzplay se les ha adelantado (o HBO las ha dejado pasar torpemente).

‘Normal People’, producida por la BBC, ha sido el ‘Fleabag’ de este año. Al igual que ocurrió con la serie de Phoebe Waller-Bridge, ha sido un éxito sorpresa en Estados Unidos que se ha visto reflejado en los Emmy. Ha recibido cuatro nominaciones: mejor actor (el debutante Paul Mescal, que acaba de protagonizar ‘Scarlet’, el nuevo videoclip de los Rolling Stones), dirección (Lenny Abrahamson, que estuvo nominado al Oscar por ‘La habitación’), casting (gran parte del éxito de la serie se debe a la fabulosa química entre la pareja protagonista) y guión.

Este último es uno de los aspectos más destacados de la serie. ‘Normal People’ es una adaptación de ‘Gente normal’, la segunda novela de la joven irlandesa Sally Rooney, quien se dio a conocer hace unos años con ‘Conversaciones entre amigos’ (las dos están publicadas por Literatura Random House). La propia Rooney ha escrito el guión de la serie junto a Mark O’Rowe (‘Boy A’, ‘Broken’) y a una de las guionistas más prometedoras de la actualidad: Alice Birch, autora del libreto de la excelente ‘Lady Macbeth’ (2016) y de la segunda temporada de ‘Succession’.

La serie está escrita de maravilla. Lo que podría haber sido una historia romántica del montón –chica rica, rara y solitaria conoce en el instituto a chico pobre y popular-, se convierte, gracias al fabuloso guión, en un intenso y complejo drama sobre el paso a la vida adulta, las relaciones de pareja y la importancia del entorno -familiar, social- en la construcción de nuestra personalidad y en nuestra salud mental. A lo largo de doce episodios seguimos los encuentros y desencuentros de dos jóvenes de un pueblo de Irlanda. Un viaje desde la burbuja de la adolescencia a la realidad de la madurez, narrado con una puesta en escena naturalista, y con un nivel de intimidad y riqueza psicológica pocas veces vista en una serie juvenil.

Una muestra de esto son las extensas y muy comentadas secuencias de sexo. Más allá de su grado de explicitud, cada una de ellas es un ejemplo de cómo utilizar las escenas de cama para algo más que enseñar carne y trasmitir lo mucho que se desean los protagonistas. Cada encuentro, desde el primero, tierno, torpe y delicado, hasta último, intenso, apasionado pero con un giro perturbador, tiene una gran relevancia dramática: nos cuentan mucho sobre los personajes, sobre cómo son y cómo se sienten, y contribuyen a hacer avanzar la acción.

Dada la repercusión de la serie, que ha convertido en estrellas a los dos actores principales (tanto Daisy Edgar-Jones como Paul Mescal darán mucho que hablar), BBC y Hulu ya están preparando una nueva: la adaptación de ‘Conversaciones entre amigos’, escrita de nuevo por Alice Birch y la propia autora, y dirigida también por Lenny Abrahamson. Sin duda, una de las series más esperadas de 2021. 8,5.

Megan Thee Stallion muestra una foto de los disparos recibidos y acusa a Tory Lanez

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Megan Thee Stallion es una de las responsables del mayor hit mundial en este momento junto a Cardi B, el tema ‘WAP’. Sin embargo, y a pesar de las celebraciones de su éxito que ha dejado ver en redes, no puede ser el mejor momento de la vida para la autora de ‘Savage’ y el disco ‘Suga’.

Recientemente se supo que Megan Thee Stallion había recibido un par de disparos, en concreto el día 12 de julio, en Hollywood. Ante la acusación de que se lo había inventado, esta semana compartía una foto de su pie tras recibir los dos impactos, instantánea que después decidía borrar de las redes, tras haber narrado que había sido «la peor experiencia de su vida», que pasó «mucho miedo» y que no era «algo sobre lo que bromear». La instantánea en la que se ve cómo le dejaron el pie aún está subida en medios como Variety.

En todo caso, ha vuelto a la red para acusar al rapero Tory Lanez de ser el autor de los disparos. Lanez fue detenido aquella misma noche acusado de posesión de armas, pero Megan Thee Stallion no le había acusado hasta ahora, un mes y medio después. Ha sido en una sesión de Instagram donde, como informa Pitchfork, indicó: «sí, este «nigga», Tory, me disparó. Me disparaste e hiciste que tu representante y tu equipo fueran a blogs a mentir y toda esa mierda. Deja de mentir, ¿por qué mientes?». Según su relato, había cuatro personas reunidas aquella noche en un coche cuando estalló una discusión, ella decidió salir del coche para distanciarse de la discusión, y entonces Tory Lanez decidió dispararle desde dentro del vehículo.

Además, Megan relata que temió la llegada de la policía, porque «la policía dispara a los cabrones por nada. La policía ha estado matando a gente negra sin ninguna jodida razón. En cuanto la policía nos dijo que saliéramos del puto coche, la policía es realmente muy agresiva. ¿Creéis que voy a decir a la policía que unos negros tenemos una pistola en el coche? ¿Queréis que le diga a la ley que tenemos una pistola en el coche para que puedan dispararnos a todos?», se ha preguntado, de manera retórica, en relación con las protestas recientes tras la muerte de varias personas negras a manos de la policía. Pitchfork ha contactado con el equipo de Tory Lanez para conocer su versión de los hechos, si bien es poco probable que se la dé a la prensa, cuando ha sido recientemente detenido por posesión de armas.

Tory Lanez es un rapero de 28 años de Toronto, por muchos conocido por haber tenido una serie de beefs con Drake. Tiene 4 discos en el mercado, todos los cuales han llegado al top 5 en Estados Unidos y Canadá, y ha sido nominado a los premios BET, Juno y Grammy, en este último caso en la subcategoría R&B por su tema ‘Luv’. Esta última ha sido su único top 20 en Estados Unidos, si bien sus canciones más escuchadas a día de hoy son colaboraciones exitosas con gente como DaBaby o Chris Brown.

Chlöe’s Clue / Carmín y rubor

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Aunque la impresión es que no tanta gente como debería se enteró de ello, ‘Panorama’ ya mostraba a una autora personal dentro del ámbito del cantautor independiente patrio. En el caso de Chlöe’s Clue y de ese segundo disco, buscando un hueco propio en el pop de guitarras de ascendencia 50s, cercana a She & Him o a la Angel Olsen más ligera, y demostrando una gran capacidad compositiva y con toques únicos como la querencia latina de ‘Cafe-Bar 2000’. Ese tema, precisamente, era un aperitivo de lo que nos traía este ‘Carmín y rubor’, pero ni así podíamos sospechar hasta qué punto sería osada Raquel Adalid, la joven valenciana tras este proyecto.

De manera casi inadvertida, en la primavera de 2019 daba una pista de lo que se venía, mostrando una versión eléctrica pero minimalista de ‘Quémame’, una canción magnífica que, más allá del giro definitivo a la lengua castellana, plasmaba una querencia melodramática y apasionada. Ese era el camino a seguir, y la primera versión, acústica, de ‘Carmín y rubor’ y la maravillosa balada pianística y cupletera ‘Pecados delicados’ lo confirmaban con creces. Pero la gran sorpresa llegaba con la imaginativa ‘Tango techno’ que, con imaginación desbordante –articulada por Adalid con la asistencia de los músicos y productores Edu Figueroa y Víctor Mejías– y de forma algo equívoca, aderezaba pasos de tango pero no con techno, sino con pop acústico de guitarras. Y esta vez, con una letra de chispeante comicidad, cuyo culmen es “porque rota estoy por dentro, pero buenas ganas tengo de bailar tango con él”.

Si hay un hilo conductor en ‘Carmín y rubor’, ese es el baile agarrao, ya sea ligero (un pasodoble como el que, con guiños a la tuna, nos regala en la juguetona ‘A ganas ganaré) o más lento (el tan sensual como triste chachachá ‘Sangre y mantel’). Por eso tampoco chocaba
la transformación en tórrido bolero que ejercía de single principal, el mentado ‘Quémame’, aquí junto a los mexicanos Daniel, Me Estás Matando, ni la sandunguera bossanova de ‘Sombrita’. Y por eso ‘Carmín y rubor’ es una especie de traducción a códigos contemporáneos –por mucho que digamos, detrás de cada uno de estos temas no hay sino canciones pop redondas e incontestables– de la música popular –en línea con sus admiradas Natalia Lafourcade o Mon Laferte, pero en códigos cañís–.

Y así nos retrotrae a cuándo éramos ávidos púberes –que no niños, porque los picores que uno siente escuchando su voz aquí carecen de inocencia– y quedábamos embelesado por el fulgor de las fiestas del pueblo, con sus guirnaldas, sus ferias de bombillas desnudas, sus pistas de baile polvorientas, apenas regadas con los restos etílicos cuyo olor se entremezcla mezclan con el de la fritanga, el encurtido y los perfumes a granel. Eso sí: en lo alto del escenario, junto a los sudorosos músicos, brilla una cantante con maneras de diva, engalanada con un vestido espectacular que impide apartar la vista de sus ademanes, desgranando cada una de sus canciones con desgarro y pasión contagiosa, haciendo ver que canta lo que siente. O viceversa.

Pero el repertorio de la diva en cuestión, más que a la pachanga o al latineo impostado de Tam Tam Go o Manolo Tena, transporta a la visión del folclore de la que hace gala Santiago Auserón como Juan Perro –de hecho, musicalmente no sorprenderían en su repertorio temas como ‘Ay, Cuba’, que bien parece una adaptación de un clásico sin serlo en realidad, o el mambo de ‘Dados’–. Como el veterano trovador, y aunque no pueda negarse cierta bisoñez (al fin y al cabo, Raquel tiene 24 años y estas son sus primeras letras en español), Chlöe’s Clue mima las palabras y las escoge con cuidado. Porque, incluso aunque a veces sean un tanto indescifrables o sus juegos cómplices lleguen a despertar cierta vergüenza ajena (esos “me muerde la carne, me arde el corazón”, “crudas dudas”, “con mi souvenir de Benidorm, ¿vas a venir o mejor me voy?” de ‘Cobardes alardes’), prima la sonoridad. Ella las moldea, acaricia o araña a placer, apretando los dientes o ronroneando, siempre con la intención de provocar emoción, sensaciones.

La interpretación vocal de Adalid es, sin duda, uno de los puntos fuertes de esta nueva Chlöe’s Clue, pero no cabe despreciar un fondo musical riquísimo que, aunque sea eminentemente minimalista, lo llena todo con inteligentes arreglos que aluden a una orquesta completa. Una sutileza verdaderamente encomiable, que equilibran a base de elegancia la desacomplejada sencillez de estribillos fácilmente coreables y divertidos como “bi-ma-mum-bi-ma-mam-bimain” (‘Dados’) o esos desopilantes “no lo sé, no lo sé”, con forzada y casi cómica voz varonil (‘A ganas ganaré’). ‘Carmín y rubor’ es una rareza en nuestro panorama y no nos extrañaría que, como señala Raquel, pueda incluso tener más aceptación entre un público de América Latina mucho menos remilgado que el indie medio español. Precisamente por eso, por su valentía y honestidad, solo cabe rendirse sin paliativos ante una reinvención a la que pocos se habría atrevido. Y al que le pique, que se rasque.

Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘Quémame’, ‘Pecados delicados’, ‘Carmín y rubor’, ‘Tango techno’, ‘Sombrita’, ‘Ay, Cuba’
Te gustará si te gustan: Natalia Lafourcade, Mon Laferte, Daniel, Me Estás Matando, Devendra Banhart, Juan Perro.
Escucha: Criminals

The Killers, en la encrucijada: ¿es ‘Imploding the Mirage’ su obra cumbre o signo de su decadencia?

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Es obviamente el lanzamiento destacado de este viernes 21 de agosto, pero también uno de los más importantes del año en la música pop: por fin, tras su ya sempiterna demora por la Covid-19, el nuevo álbum de The Killers ha visto la luz. Un ‘Imploding the Mirage’ que, sin renunciar a su grandiosidad habitual, podríamos calificar como el disco indie (un secretito: en realidad, por más que se les haya calificado así, nunca lo han sido) del ahora trío de Las Vegas. Para empezar, y en contraste con el tono más electrónico de ‘Wonderful Wonderful‘ (que contaba con Erol Alkan o Stuart Price en el equipo), cuenta con la crudeza que ofrece el reputado Shawn Everett –ganador de cinco Grammys por sus trabajos con grupos y artistas como Alabama Shakes, Kacey Musgraves o The War On Drugs, a los que volveremos más tarde–, aderezada con la imaginación y capacidad para sorprender de Jonathan Rado, integrante del dúo Foxygen (valedor de los sin par The Lemon Twigs, que curiosamente lanzan hoy también su nuevo disco).

Ambos han trabajado al alimón con Brandon Flowers, Mark Stoermer y Ronnie Vannucci Jr. –aunque no ha participado en el álbum ni lo hará en la gira del año que viene, Dave Keuning continúa siendo miembro de la banda y volverá a ella, aseguran– en este ‘Imploding the Mirage’, pero no son los únicos nombres del panorama alternativo que intervienen en el álbum. No solo el australiano Alex Cameron –curiosamente, hoy mismo lanza también un EP de demos de su último disco ‘Miami Memory’– aporta de nuevo (ya lo hizo en el anterior álbum) hasta cinco colaboraciones compositivas, sino que en la grabación del álbum se han implicado músicos como Adam Granduciel –de los mentados The War On Drugs, con los que el disco tiene una evidente deuda sonora, y sirva como ejemplo la magnífica apertura ‘My Own Soul’s Warning‘, del acaba de estrenarse un segundo vídeo–, el dúo femenino Lucius –suyos son los coros de la key-track ‘Blowback’–, el prestigioso Blake Mills –Fiona Apple, entre otros– o Weyes Blood. La autora del fantástico ‘Titanic Rising‘ cobra un insospechado protagonismo en el dueto ‘My God’, que co-escribe.

Hay que aclarar, eso sí, que tampoco estamos precisamente ante una reinvención sonora, como la de Taylor Swift con The National en ‘folklore’. La épica rock con guiños a Fleetwood Mac –su miembro ahora desahuciado, Lindsey Buckingham, ha sustituido a Keuning en las guitarras en varios temas– y sobre todo al Bruce Springsteen de finales de los 70 y primeros 80 (ineludible en ‘Dying Breed’) se erige como la gran enseña de The Killers en este disco, resultando perfectamente coherente con todos sus discos. De hecho, la bailable ‘Fire In Bone‘ se intuye como un descarte de su anterior disco, aunque en general el sonido de ‘Imploding the Mirage’ conecta más con el sonido de ‘Hot Fuss’ y ‘Sam’s Town’. Sin perder, eso sí, la perspectiva de banda de estadio que se han ganado en el último lustro, como muestra el single principal ‘Caution‘… pese a no haber calado tanto como cualquiera de los primeros singles de su carrera. Pero resulta muy significativo que hayan escogido a una outsider como k.d. lang, icono musical y pionera de la visibilidad lésbica en la industria del entretenimiento, para compartir tareas vocales con Flowers en ‘Lightning Fields’. No es una opción casual ni fácil.

En cuanto a la respuesta de crítica y fans tras las primeras horas desde la publicación del álbum, en general parece que ‘Imploding the Mirage’ está gozando de una inusitada aceptación. Un fandom entregado como el suyo no les está fallando tampoco esta vez, y desde primeras horas del día el nombre del grupo es trending topic por la cantidad de público que está tuiteando sobre el lanzamiento. Pero, buscando opiniones no tan segadas, si acudimos a la página de opinión pública Rateyourmusic, topamos con que este disco es ya el disco mejor valorado en toda la historia del grupo, con un 3,39 sobre 5. Y, acudiendo a un foro más popero, sorprende un poco más la buena aceptación generalizada en el foro de Popjustice, dejando la impresión de que el grupo recobra con estas canciones la atención perdida de una parte del público.

Y, en cuanto a la crítica especializada, la aceptación es también muy grande: Metacritic promedia, con 13 reseñas (aproximadamente un 50% de las que tiene ‘Wonderful Wonderful’, cuya nota media es un 71 sobre 100), un 78 sobre 100. Si atendemos a las matemáticas, eso significa que sería el mejor disco de su carrera, su obra cumbre. Desde luego, así se extrae de las entusiastas reseñas de NME –5 estrellas de 5–, AllMusic –90/100– o The Line Of Best Fit –85/100–. También nuestros compañeros de Muzikalia que, sin cuantificarlo, lo califican de «discazo», uno de los mejores de su carrera. Pero quizá sea más significo destacar que la recién publicada crítica de Pitchfork le otorga un 7,4, la puntuación más alta dispensada por el exigente portal musical (de su discografía, sólo ‘Wonderful Wonderful’ había conseguido superar el 6; el resto, solo aprobados).

Sin embargo, tampoco hay unanimidad ni se puede hablar de un disco «aclamado universalmente»: en línea con las críticas tibias de diarios británicos como The Observer o The Independent, los compañeros de Mondo Sonoro le dan un 6 sobre 10 a ‘Imploding the Mirage’, indicando la reseña de Raúl Julián que «la banda comienza a repetirse peligrosamente», advirtiendo que «el hartazgo definitivo podría estar en camino y cada vez más cerca». Nuestra opinión, por cierto, estará a vuestra disposición en breve.

Björk será una «bruja eslava» en ‘The Northman’, su regreso a las pantallas de cine

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En estos días Björk, cuyo mítico segundo disco ‘Post’ cumplía recientemente 25 años, es noticia por dos motivos. La primera es que celebra una serie de actuaciones especiales en Reykjavík, su ciudad natal, con coartada benéfica (un 20% de los fondos recaudados van destinados a una asociación para la protección de la mujer en Islandia). Shows que, tras anunciarse para principios de agosto, se celebrarán a partir del próximo sábado 29 de agosto y hasta el 29 de septiembre, a razón de dos por fin de semana. Se trata de conciertos acústicos, sin ningún tipo de base electrónica o instrumento eléctrico, en los que la acompañarán, según la semana que sea, una orquesta de cámara de quince miembros, un septeto de vientos y harpa, un coro y un órgano o una gran sección de cuerdas. Los fans que no gocen del privilegio de vivir en Islandia para acudir, pueden ver estos shows en streaming de pago en todo el mundo (a través de Dice).

Pero Guðmundsdóttir ocupa también titulares hoy por otro motivo más inesperado: su regreso al cine. Según Deadline, Björk planea su participación en la nueva película del realizador estadounidense Robert Eggers, destacado en los últimos años por películas de terror diferentes como ‘La bruja‘ o la más reciente ‘El faro‘. Se trata de ‘The Northman’, y la clave está en el que el guión de la película, ambientada en la Islandia del siglo X, es una obra conjunta de Eggers con Sjón, escritor con el que la autora de ‘Utopia‘ mantiene una relación de amistad desde hace décadas, habiendo llegado a colaborar en letras de canciones suyas tan conocidas como ‘Isobel’, ‘Jóga’, ‘Bachelorette’, ‘Wanderlust’ o ‘Cosmogony’. En el reparto de la película, en la que Björk interpreta según IMDB a una «bruja eslava», se han confirmado nombres tan conocidos como Nicole Kidman, Alexander Skarsgård o Willem Dafoe, entre otros.

‘The Northman’ supondrá su regreso a las pantallas tras su tan celebrada como polémica participación en ‘Bailar en la oscuridad’ de Lars Von Trier, al que acusaba abiertamente en 2017 de haberla acosado sexual y psicológicamente durante el rodaje de la película, que ganó la Palma de Oro en Cannes entre otros numerosos galardones. Aquella no era, en todo caso, su primera incursión en el cine: cuando aún formaba parte del grupo Sugarcubes, protagonizó una adaptación del cuento de los Hermanos Grimm ‘The Juniper Tree’, titulada en España ‘Cuando fuimos brujas’. Se ve que estaba predestinada para este nuevo papel.