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El mundo recuerda a Ian Curtis de Joy Division en el 40 aniversario de su muerte

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Este lunes 18 de mayo se han cumplido 40 años desde la muerte de Ian Curtis, cantante de Joy Division. El grupo tan solo publicó dos álbumes de estudio en su corta carrera, ‘Unknown Pleasures’ (1979) y ‘Closer’ (1980), el segundo de los cuales vio la luz póstumamente después que Curtis decidiera colgarse en su casa de Manchester, afectado por una depresión y por la epilepsia que sufría, así como por el fracaso de su matrimonio. El cantante apenas contaba 23 años. Como es sabido, varios miembros de Joy Division formarían después New Order y cambiarían el curso de la música synth-pop.

Este aniversario tan significativo no ha pasado desapercibido en el mundo de la música: el próximo 17 de julio sale una edición limitada y remasterizada de ‘Closer’, y además han sido varios los artistas que han querido rendir homenaje a Curtis versionando la música de Joy Division. Especialmente pertinente en estos tiempos parece el cover de ‘Isolation’ perpetrado por Mark Lanegan y Cold Cave. Una canción que habla sobe aislarse del mundo desde una perspectiva deprimente.

También Third Blind Eye han publicado su versión de ‘Disorder’, improvisada durante la grabación de un nuevo EP, en homenaje al músico. Por otro lado, Bernard Sumner y Stephen Morris de New Order han participado en un «livestream» en homenaje a Curtis, por el que también se ha pasado Brandon Flowers de The Killers. Y artistas como Peter Hook o Moby han recordado a Curtis en unas declaraciones exclusivas para SPIN.

En cuanto a las redes, los fans de Joy Division han celebrado la vida de Curtis compartiendo recuerdos de sus conciertos, imágenes no tan conocidas del músico o vídeos de sus directos. Peter Hook incluso ha publicado un vídeo de su visita a la lápida del artista.



«Durante una temporada habrá que renunciar a cierto tipo de videoclips»

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La industria musical se está viendo afectada por la crisis sanitaria de distintas maneras: los planes de grabación de discos han sido aplazados, la promoción ya no permite reuniones entre personas, por supuesto decenas de festivales han cancelado o pospuesto sus ediciones al año que viene… Otro de los sectores afectados es el de los videoclips: ahora mismo están saliendo obras estupendas que fueron rodadas hace tiempo, pero en los próximas semanas o meses los vídeos hechos en cuarentena, desde el confinamiento del hogar, serán la norma. Habrá sequía de vídeos rodados profesionalmente en un estudio, al menos hasta que la desescalada vaya permitiendo una vuelta a algo parecido a la normalidad. Foto: fotograma del videoclip de ‘Quiero’ de La Habitación Roja por Juanma Carrillo.

Con el objetivo de comprobar cómo está afectando la pandemia al mundo del videoclip en nuestro país, JENESAISPOP ha hablado con varios de sus directores más solicitados, estos son Guillermo Guerrero (Zahara, Miss Caffeina) , Juanma Carrillo (La Bien Querida, La Casa Azul), Miguel Angulo (Bad Gyal, Rels B) y Xoxé Tétano de Los Ganglios (Rosalía, Hidrogenesse). La productora CANADA ha declinado participar en este reportaje.

El coronavirus ha pillado a todos por sorpresa y muchos rodajes han tenido que suspenderse por la cuarentena. Guerrero confiesa que iba a rodar con un grupo «top secret» en abril, pero que él y su equipo fueron «aplazándolo hasta que nos dimos cuenta que sería inviable rodar a corto plazo». Sin embargo, su perspectiva ante el cambio es positiva: «Al final se ha optado por hacer algo parecido a lo que teníamos previsto rodar pero en 3D y la verdad es que lo que en un principio se presentó como una solución para salir del paso nos ha abierto un sinfín de posibilidades. Me da pena no poder rodar la idea original pero creo que el resultado va a estar lejos de parecer un parche». Por su parte, Juanma Carrillo se ha visto obligado a cancelar varios rodajes, entre ellos dos para La Habitación Roja, los cuales implicaban viajes a La Rioja y a Escandinavia (en el segundo caso para ‘Las canciones’), y otro para un grupo «más mainstream». Similarmente, Miguel Angulo preparaba un nuevo vídeo para Rels B que ha sido pospuesto hasta nuevo aviso. Y Xoxé Tétano explica que no ha tenido que cancelar ningún rodaje, pero que «ha peligrado» el de su último vídeo para Hidrogenesse: «Me lo encargaron a mediados de marzo, para su canción ‘El pasodoble de los esqueletos’. Esos días ya todo el mundo hablaba del virus pero no nos imaginábamos que las cosas se fuesen a paralizar así, aunque moverse por Barcelona se estaba volviendo cada vez más desagradable, en plan recelos higiénicos y miradas asesinas si tosías en el metro, así que nos quitamos la filmación de encima cuanto antes, en un par de mañanas. Al día siguiente de haber acabado de grabar se declaró el estado de alarma. Por suerte, como ya les tenía a ellos filmados, he podido montar el video en mi casa durante el confinamiento y ya está publicado».

Miguel Angulo: «Se ruedan muchos videoclips sin dar de alta a la gente en la seguridad social, en el sector hay gente muy quemada y hay que remar a favor de que se empiecen a hacer las cosas como es debido»

La crisis sanitaria ha tumbado por completo el proceso normal de rodaje de videoclips, que desde su gestación en la cabeza de un artista o de un director, hasta su estreno en las plataformas, pasa por diversas fases. En el caso de Guerrero, el margen de planificación de un rodaje no suele pasar de las «3 o 4 semanas» y su labor creativa es solitaria, aunque sin negarse a la colaboración. «A la hora de encontrar esa idea me gusta trabajar solo, al menos hasta tener el germen. He currado con artistas que han querido participar activamente del proceso y hemos ido mano a mano construyendo la idea y otros que me han aprobado a la primera la locura de turno». El director no subestima el poder de la sorpresa, sobre todo en cuanto al rodaje en espacios abiertos: «cuando ruedas en exteriores te la juegas con el clima y la verdad es que las veces que lo hemos hecho hemos tenido mucha suerte porque no teníamos una alternativa. Hasta rodando ‘El fango’ de Zahara, que nos hizo de todo, pudimos jugarlo a favor y utilizar la lluvia y los días grises a favor de la estética y el concepto del vídeo». Muy dado a rodar en exteriores también es Juanma Carrillo, quien se considera «muy previsor» por su experiencia en estos espacios, hasta el punto que reconoce que «la gente que trabaja conmigo sabe que pido ver el tiempo en 10 días», y quien asegura ser dado a improvisar planes alternativos para sus vídeos pues durante los rodajes pueden darse problemas, «desde localizaciones acordadas que, al llegar, te dicen que no puedes rodar, a actores que te abandonan en el último momento… pero jamás he tenido un plan para una catástrofe de este tipo».

En cuanto a la planificación de su trabajo, Miguel Angulo subraya la parte económica: «es complicado tener un presupuesto súper afinado con lo que vas a hacer. Cuando empiezas a cotejar presupuestos con equipos de construcciones o de arte empiezas a ver los números reales de lo que cuestan las cosas. De lo que se supone que vas a hacer hasta lo que se cierra, hasta lo que el vídeo termina siendo, hay muchos cambios». Angulo asegura que, de cara a imprevistos, suele cubrirse las espaldas «con más sets o propuestas de las que luego voy a necesitar», y que «siempre es mejor tener de más que de menos porque en el rodaje luego pasan muchas cosas». A su vez, el director indica que existen «seguros de rodajes por si pasa algo, aunque estos no te van a cubrir un rodaje que estuviera en pre-producción».

El asunto de los seguros preocupa especialmente a Angulo, quien espera que la crisis del coronavirus ponga fin a ciertas prácticas de dudosa ética que suelen darse en los rodajes, algunos de los cuales buscan priorizar el gasto creativo al humano: «Con los límites de distancia social va a haber problemas de tiempos, todo se va a ralentizar mucho porque va a haber procesos de seguridad mucho más altos, pero también los presupuestos se van a incrementar si tienes que mantener al equipo seguro de una forma que se te obligue por ley», señala el director. «En mis videoclips todo el mundo está dado de alta, la gente cobra, son como un rodaje normal y corriente de publicidad. No son rodajes de equipos precarios en los que no cobra nadie». El director explica: «Hay productoras que dicen «si tengo que dar de alta a todo el mundo no tengo dinero para ponerte una cámara, así que tú eliges si quieres tener cosas delante de cámara o que se hagan las cosas legales». Creo que no tendría que ser decisión del director hacer las cosas bien o mal… Se tiene que valorar el trabajo de todos los técnicos y de toda la gente que participa en este sector. Al final los videoclips son una publicidad que hace un artista de sí mismo, y eso se tiene que pagar». Y añade: «Yo sé que se ruedan muchos videoclips sin dar de alta a la gente en la seguridad social, y la industria de los videoclips siempre se ha caracterizado por ser bastante amateur y precaria a la hora de rodar, aunque últimamente no tanto. Espero que esta crisis regularice algunas cosas. En el sector hay gente muy quemada y hay que remar a favor de que se empiecen a hacer las cosas como es debido».

En contraste, Xoxé Tétano remarca el componente lo-fi y casero de su obra, la cual puede incluso verse favorecida por la cuarentena: «Los videoclips que yo hago suelen ser lowcost a muerte. En algunos casos en que Los Ganglios hemos hecho videoclips para otros hemos contado con más infraestructura de la habitual, como en el caso de Rosalía o cuando dirigimos el videoclip de ‘Opinión de mierda’ para Los Punsetes. Pero en general, yo hago las cosas sin mucho dinero y tirando de imaginación y artesana paciencia. Para este método casero de hacer las cosas, el confinamiento no me afecta demasiado, porque me basto yo mismo. Además me gusta trabajar individualmente y desarrollar libremente mis ocurrencias sin tener que consensuarlas con un equipo. Pero trabajar con mucha gente suele enriquecer el resultado y también facilita las cosas, y desgraciadamente para ese tipo de proyectos colaborativos el virus es un serio problema. Supongo que durante una temporada habrá que renunciar a cierto tipo de producciones».

Guillermo Guerrero: «Si dejamos fuera de la ecuación la posibilidad de rodar fuera, muchos videoclips se quedarán en un limbo. Yo confío en que no sea así. Veo mucho más seguro rodar a campo abierto en la Mancha que en una localización de interior»

De hecho, Tétano viene de rodar el popular videoclip de ‘Milionària’ de Rosalía, estrenado hace ya un año. Un vídeo que obviamente no sería posible ni siquiera plantear en las circunstancias actuales. El artista recuerda su creación: «Rosalía nos dijo que era fan de Los Ganglios, y nos preguntó si queríamos encargarnos del desarrollo concepto-visual de un videoclip nuevo, trabajando junto a ella y su hermana Pili. Querían algo con estética concurso TV de los 2000, y a nosotros ese mundo nos gusta mucho. Nos mandaron una maqueta de la canción y mi hermano y yo dedicamos unos días a maquinar y a montar una demo en vídeo con dibujos y fragmentos de concursos del 2000 descargados de Youtube (‘El juego del euromillón’, ‘Grand Prix’, ‘El precio justo’ de Carlos Lozano, etc.) intentando reflejar muy fielmente nuestra idea y la estética deseada. Cuando estuvo listo y se lo enviamos a ellas les encantó, fue todo muy agradecido porque son muy buena gente. Luego nos reunimos con la productora que iba a materializar la idea, y después de perfilar algunos temas de guión y estéticos con el equipo se rodó el vídeo un día que Rosalía tuvo libre en medio de su gira. Ahora mismo supongo que rodar este vídeo no hubiese sido posible, porque lo hicimos grabando en directo como si fuese un concurso real de TV; éramos mucha gente en el plató entre personal técnico y público en las gradas, y ahora esas aglomeraciones están prohibidas».

Fuera de cualquier ecuación queda también el asunto de los alquileres de espacios, al menos hasta que la desescalada lo permita. Guerrero explica: «Hay agencias que tienen catálogos con todo tipo de espacios que o bien se usan exclusivamente para rodajes o se les da un segundo uso cuando no se trabaja en ellos. La nave donde grabamos ‘Con las ganas’ de Zahara es un almacén de aluminio los días de diario pero los fines de semana es un plató. Si te fijas un poco verás un montón de anuncios, series y videoclips rodados en los mismos espacios. ‘Cola de pez’ de Miss Caffeina se grabó en un plató que ya tiene un piso construido y totalmente «atrezzado» que no paro de ver cada vez que enciendo la tele. Me hace gracia haber visto después hasta un videoclip de Maria Isabel rodado en nuestro pisito».

Por supuesto, la pandemia también suponiendo un bloqueo creativo a los artistas, que se están viendo en la imposibilidad de llevar a cabo sus ideas tales y como los habían gestado en sus cabezas (tanto Guerrero como Angulo destacan el reciente videoclip de Diana Kunst para ‘Guille Asesino’ de C. Tangana como vídeo hecho en confinamiento al que aspirar por su originalidad, pese a utilizar una fórmula de vídeos domésticos que lleva tiempo usándose en publicidad). No obstante, Guerrero confía en que, al menos, los rodajes en espacios exteriores puedan seguir siendo posibles: «De sobra es conocido que los videoclips se ruedan casi siempre con presupuestos más que justitos y muchas veces la única manera de poder sacar algo digno de factura es tirar de exteriores (te ahorras plató o alquiler de espacio, construcción de decorados, arte…). Si dejamos fuera de la ecuación la posibilidad de rodar fuera, muchos videoclips se quedarán en un limbo. Yo confío en que no sea así. Veo mucho más seguro rodar a campo abierto en la Mancha que en una localización de interior». Por otro lado, el director apunta que «la limitación de 50 personas por rodaje que se está dando en otros países no afectaría a la mayoría de videoclips que se sacan adelante con muchas menos personas», e indica que, en su caso, el número máximo de personas que ha trabajado con él apenas roza la treintena.

En lugar de pensar nuevas ideas adaptadas a la cuarentena, pues reconoce que «a nivel videoclips he estado totalmente bloqueado», Juanma Carrillo ha estrenado un podcast de 40 programas de radio musical «porque necesitaba comunicarme con el mundo». De hecho, el director asegura que «nunca me ha gustado que me coarten la creatividad» aunque es totalmente consciente de la excepcionalidad de la situación actual, e insiste en que prefiere «no sacar nada a sacar algo que no se corresponda ni con una décima parte de lo que yo iba a mostrar». Angulo también ha optado por descansar: «es complicado ser creativo en un momento en que todos son malas noticias. A mí me ha apetecido relajar la cabeza y no darle muchas vueltas a la (posibilidad de aprovechar creativamente esta situación)». No me salen cosas dignas de una etapa como la que estamos viviendo».

Así pues, ¿qué planes a corto/largo plazo tienen los directores entre manos? Guerrero comenta que «ahora mismo estoy con unos «vídeo concept» que acompañarán los temas de un disco en Youtube. Teníamos pensado rodarlos y al final los vamos a solucionar con postproducción, grafismo… la verdad es que nos ha obligado a discurrir y creo que van a quedar piezas muy chulas a la par que loquitas. Y pensando también un vídeo para después de verano. Esta vez, y casi como excepción, con mucho tiempo por delante». Mientras Carrillo continúa con su podcast y Angulo prefiere esperar a que las cosas vuelvan a su cauce normal, Tétano se encuentra «escribiendo poemas y dibujando»: «Sigo haciendo música y videos, que es mi vicio y mi pasión, para mí mismo o para cualquier persona o proyecto interesante que se me cruza en el camino».

Ariana Grande y Justin Bieber contestan a las acusaciones de tongo por 6ix9ine tras alcanzar el número 1 con ‘Stuck With U’

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Ariana Grande y Justin Bieber firman el nuevo número de singles en Estados Unidos con su tema solidario conjunto, ‘Stuck With U’. A lo largo de la última semana, la canción ha competido por esta posición con ‘GOOBA’ de 6ix9ine, y el rapero, que acaba de salir de la cárcel, ha acusado a Ariana y Justin de haber trampeado las ventas de la canción para alcanzar el número 1 de la clasificación, al considerar que la suya ha obtenido la mayor cantidad de reproducciones en streaming. En concreto, el artista afirma que el equipo de Ariana y Justin, que comparten mánager, Scooter Braun, ha comprado decenas de miles de copias digitales de la canción usando «seis tarjetas de crédito» diferentes, y sus dos intérpretes han querido contestar a las acusaciones a través de sus redes sociales.

En un extenso post de Instagram, Ariana explica que las normas de Billboard solo permiten a las personas individuales comprar cuatro copias de una sola canción, y que «por mucho que te esfuerces, no puedes negar que las ventas digitales valen más que los streamings». La artista añade: «a quien esté insatisfecho con su posición de esta semana en la lista o se esté comiendo la cabeza para pensar diferentes formas con las que desacreditar a las mujeres currantes, os pido que os deis un baño de humildad y estéis agradecidos por el simple hecho de estar donde estáis». La cantante recuerda que no obtuvo un solo single número 1 durante los primeros cinco años de su carrera, que esto nunca le importó porque «en el fondo de mi corazón, la música lo es todo para mí», y felicita a todos sus «colegas talentosos» por ocupar el top 10 de Billboard esta semana, «también al número 3» (una pullita a 6ix9ine, que debuta en esta posición con su single).

Por su parte, Bieber reproduce en sus stories las palabras de su manager Scooter Braun en las que niega haber comprado copias ingentes de la canción, las cuales serían, indica en su texto, en cualquier caso invalidadas por las normas de Billboard, y señala que el cálculo de los streamings de ‘GOOBA’ de 6ix9ine -en concreto los de Youtube- es global y no doméstico, cuando Billboard es un chart exclusivamente estadounidense. Billboard ha confirmado que ‘Stuck With U’ ha sido el single más exitoso de la semana en su clasificación.

Perfume Genius / Set My Heart On Fire Immediately

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Perfume Genius llega a su quinto disco convertido en la voz de una generación que sigue luchando por derribar barreras sociales a la vez que conquistando nuevos logros, por ejemplo en cuanto a los discursos sobre identidad y/o expresión de género. En este sentido, los contrastes entre masculinidad y feminidad, agresividad y ternura o luz y oscuridad plagan su música desde hace rato, y ‘Set My Heart On Fire Immediately’ no solo no es una excepción, sino que es una nueva cumbre en su exploración de estos temas, a la vez que presenta suculentas novedades en su sonido.

Como el gran ‘No Shape‘, ‘Set My Heart On Fire Immediately’ vuelve a ser un trabajo de extremos. Influido por su nueva afición a la danza interpretativa, derivada de su trabajo en la obra de teatro ‘The Sun Still Burns Here’, Mike Hadreas ha buscado hacer un disco corporal y presente que «derribara la separación entre su trabajo y el mundo» y contara experiencias reales en lugar de inventadas. La ficción o, mejor dicho, la ornamentación de historias, sigue formando parte de universo de Perfume Genius, pero ‘Set My Heart On Fire Immediately’ es un trabajo visceral hasta el punto que ciertos instrumentos, como la guitarras de ‘One More Try’, suenan producidas (o al menos lo parece) para que suenen como fluidos corporales. Gracias a la experta producción del reputado Blake Mills, otra vez a los mandos de un trabajo de Perfume Genius tras su nominación al Grammy por ‘No Shape’, las canciones de ‘Set My Heart On Fire Immediately’ suenan a medio camino entre el mundo terrenal y el mundo de los sueños, en este caso de manera casi literal: ‘Leave’, una composición sobrecogedora que recuerda a los Goldfrapp de ‘Felt Mountain’, suena onírica y pantanosa a la vez, un contraste que parece imposible pero Perfume Genius convierte en un estilo propio.

En su nuevo disco, Perfume Genius cruza esta visión sonora con su pasión por la música country de manera más decidida que nunca, por lo que es fácil comprender por qué el robusto country-rock de ‘Describe’, en el que Hadreas interpreta a un personaje que ha olvidado cómo sentir, y pide a su pareja que le describa lo que siente, ha ejercido de single de presentación: no puede ser más representativa de su nuevo sonido. Este tema que vuelve a alternar la ternura de la voz de Hadreas con la pesadez y distorsión de una música que embiste al oyente cual apisonadora, es un «grower» como ya lo era ‘Slip Away’ sin necesidad de estallar en ningún momento. Más clara aún es ‘Without You’, una trotona canción country que además es una canción de amor… solo en apariencia (trata la dismorfia que sufre el músico). La meditativa canción que abre el disco, ‘Whole Life’, está abiertamente inspirada en el trabajo de Roy Orbison, incorpora a un músico que de hecho trabajó con el autor de ‘Mystery Girl‘, Jim Keltner; y narra un episodio de metamorfosis en el que Hadreas abraza un cambio importante en su vida como si fuera la llegada de un Dios: «ya llevo la mitad de mi vida vivida, la dejo marchar», canta; «las sombras se diluyen en una luz tierna, y a cámara lenta, las dejo atrás».

A partir de su primera pista, ‘Set My Heart On Fire Immediately’ descubre un universo lleno de detalles y recovecos que solo Perfume Genius podría haber creado. El elemento barroco de su sonido sigue estando presente en canciones como ‘Jason’, que incorpora un clavecín; o la abstracta ‘Moonbend’, que pasa de sonar como un «conjuro» a admitir influencias de la balada española. Pero también sus letras son representativas de este universo tan personal, en tanto navegan ese contraste entre lo masculino y lo femenino que siempre ha preocupado al artista. ‘Jason’ narra la vieja historia de un encuentro sexual entre Hadreas y un muchacho heterosexual al que el primero acogió con un afecto «cálido» y «maternal» sin que el músico apreciara estas cualidades propias en aquel momento; y la vez, la bélica ‘Your Body Changes Everything’ explora la fluida dinámica que puede darse en cualquier relación sexual liberada de las cadenas del género, y de la que no suele hablarse tanto debido a los estereotipos: «Me siento a la vez masculino y femenino en mis relaciones», cuenta Hadreas; «y cuando actuó de manera más masculina no me siento menos femenino». En algún caso, Perfume Genius sí recurre a la ficción para recordarnos la importancia de valorar el pasado: la preciosa ‘Just a Touch’ narra una «historia de amor en tiempos de guerra» entre dos hombres que una vez hubieron de esconder su amor. Un episodio de subversión directamente conectado con esa portada en la que Hadreas encarna la imagen hípermasculina de un minero de los años 50 que no lo habría tenido fácil para ser él mismo en su época.

Y en medio -literalmente- de este torrente de intensidad destaca cual fuente en el oasis ‘On the Floor‘, la canción más pop de toda la carrera de Perfume Genius. Tan «poppy» que hasta Initial Talk la ha remezclado, la canción remite al pop vintage de ‘True Blue’… y se inspira abiertamente en Cyndi Lauper para plasmar la dolorosa historia de un «crush» que atormenta la vida de su autor. Un soplo de aire fresco dentro de un trabajo que puede pecar de demasiado denso en su tramo final, donde las melodías se diluyen algo más; pero que vuelve a mostrar a un compositor absolutamente necesario en nuestros tiempos, en su mezcla de fortaleza y vulnerabilidad, tan bien representada aquí en todos los sentidos.

Calificación: 8,5/10
Lo mejor: ‘Describe’, ‘On the Floor’, ‘Without You’, ‘Just a Touch’
Te gustará si te gusta: Angel Olsen, Rufus Wainwright, Sharon van Etten, Aldous Harding
Youtube: vídeo de ‘On the Floor’

‘Watermelon Sugar’ de Harry Styles, ¿una oda al sobeteo… o una metáfora del sexo oral?

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Harry Styles ha esperado a la llegada del calor para estrenar el videoclip de su veraniego nuevo single, ‘Watermelon Sugar’. Ni en un millón de años el cantante británico habría imaginado que su nuevo vídeo situado en una playa -y obviamente rodado hace tiempo- sería visto por el mundo por primera vez desde el confinamiento del hogar por culpa de una pandemia global, pero así están las cosas. De hecho, el bueno de Harry ha tenido el sentido del humor de dedicar el vídeo de ‘Watermelon Sugar’ al hecho de tocarse, lo cual adquiere un significado incluso más potente en las actuales circunstancias de aislamiento y distancia física que vivimos.

Así, lo que en otro momento hubiera sido algo tan cotidiano (si todos fuéramos modelos guapísimos y delgadísimos a los que el bañador y el bikini les sienta divinamente) como un día en la playa con amig@s, es prácticamente un ensueño. Algo de eso tiene el clip de estética hippie que acompaña a la mejor y más sensual canción de ‘Fine Line’, pero entre tanto sobeteo, las escenas adquieren tintes orgiásticos. Sobre todo, al ser combinadas con la metáfora de sexo oral que ofrece devorar una raja de sandía. Si bien, cuando Zane Lowe le preguntaba sobre esa teoría tras la letra de la canción, Harry dejaba la respuesta en el aire, los primeros planos en los que Styles juguetea con una rodaja antes de darle un bocado no dejan lugar a tantas dudas.

Si se consulta en Urban Dictionary, las afecciones de ese «jugo de sandía» como metáfora de cocaína o heroína tendrían cierto sentido al declararse ebrio («high») de ello. También, relacionado con la sexualidad, se alude a ello como líquido seminal. Sutil ¿eh? Pero hace tiempo que Styles aclaró que en realidad ese «pedo de jugo de sandía» trataba de capturar esa «euforia inicial cuando empiezas a verte con alguien», a esa sensación de plenitud del enamoramiento primero, cuando el contacto físico con la otra persona genera algo parecido a la adicción y se anhela cuando no se tiene cerca. Versos como «fresas en verano», «una canción» o «un maravilloso y cálido atardecer de verano» suponen un sentido más poético para definir esa sensación.

No es la única ni la primera «fruta» que emplea Styles para bautizar una de sus canciones. En su debut homónimo teníamos la rockera ‘Kiwi’, que el propio ex-One Direction señalaba como un preámbulo, en cuanto a energía, de la canción que hoy centra este artículo–. Y en el mismo ‘Fine Line‘ se encuentra ‘Cherry’, si bien parece más bien un guiño a la forma en que se dirigiría a él (por «cheri», del francés) su ex-novia, Camille Rowe, protagonista de la canción. En todo caso, ya desde que la presentara en Saturday Night Live el pasado noviembre, ‘Watermelon Sugar’ sobresale como una de los mejores singles de Harry, como epítome de la estupenda producción que Tyler Johnson y Kid Harpoon disponían para este álbum, con ecos de los años 60 y 70 perfectamente equilibrados con un toque contemporáneo. Funk, psicodelia y soul se ponen a disposición de una canción pop redonda, que cobra incluso más sentido ahora que los días se alargan y el sol nos baña que en el frío otoño en que se publicó.

El vídeo de ‘Watermelon Sugar’ llega después del drama acuático de ‘Falling’, de la preciosa historia de ‘Adore You’ introducida por Rosalía y del de ‘Lights Up’, en el que también había toqueteo a tope. Sigue, por tanto, la promoción de ‘Fine Line’, disco que se mantiene dentro del top 5 de los más vendidos en Reino Unido actualmente tras su lanzamiento el pasado mes octubre.

Lo mejor del mes:

FIB 2020, cancelado

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FIB comunica la cancelación de su próxima edición, sin que esta vaya a ser aplazada a 2021. Al menos esto es lo que se desprende del comunicado oficial del festival, que celebra un line-up que incluía a artistas como Liam Gallagher, Khalid, Vampire Weekend, Foals, The Libertines, Two Door Cinema Club, Martin Garrix, Armin Van Buuren, The Kooks, Rita Ora y The Lumineers, sin ni siquiera insinuar que este vaya a ser replicado el año que viene, como otros festivales han confirmado que van a hacer.

En el mismo comunicado, FIB explica que su decisión se basa en varios motivos. En primer lugar, busca proteger la «salud de artistas, trabajadores y asistentes». También recalca la «imposibilidad de iniciar las labores de montaje en los próximos días tal y como estaba previsto» y el hecho que «un alto porcentaje del público es internacional, proveniente de multitud de países como Reino Unido, Estados Unidos, Francia, Italia, Alemania, Holanda, Bélgica o Irlanda». Por otro lado, alude a la reciente medida gubernamental por la cual «cada persona que acceda a nuestro país desde el extranjero debe pasar 14 días de cuarentena antes de llevar a cabo cualquier tipo de actividad». Y finalmente recuerda que «el line-up de FIB está compuesto por numerosos artistas internacionales, cuyas giras en la mayoría de los casos han sido canceladas».

Asimismo, FIB, que para su edición de este año había anunciado el recorte del precio de sus abonos en un 50% y la reinvención de su línea editorial informa sobre la devolución de entradas: «Los asistentes podrán solicitar la devolución del precio de los abonos y de todos los productos complementarios a través de un formulario en la web oficial www.fiberfib.com, donde se encuentra toda la información necesaria. Los vecinos de Benicàssim que compraron su abono de manera física podrán solicitar el reembolso de manera presencial el próximo martes 2 de junio de 10:00h a 19:00h en el Polideportivo Municipal. Deberán llevar la entrada original, una fotocopia del DNI y un documento firmado que pueden encontrar en la web oficial www.fiberfib.com».

Khruangbin y la importancia de no olvidar

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Khruangbin, el trío de rock psicodélico de Texas que se ha dado a conocer con los discos ‘The Universe Smiles Upon You’ y ‘Con Todo El Mundo’, en los que han tenido cabida influencias de la música tailandesa, española o iraní, publica su próximo trabajo el 26 de junio, un ‘Mordechai’ que basa su título en el nombre de uno de los personajes principales del Libro de Ester del Tanaj, la Biblia hebrea; y que llega después de la fructífera colaboración del grupo con Leon Bridges, uno de los soulman del momento.

El primer avance de ‘Mordechai’ había sido ‘Time (You and I)’, un simpático tema con ecos a la música disco norteafricana de los años 70 que ocupará la pista 2 del álbum, y el segundo presenta un sonido parecido. El veraniego ritmillo disco de ‘So We Won’t Forget’ remite a trabajos recientes de Tame Impala y U.S. Girls, mientras la letra d la canción expresa la importancia de no olvidar: «La memoria es algo poderoso», escribe la banda, «y ahora más que nunca es importante comunicar a tus seres queridos que los quieres, para que no lo olviden».

El vídeo de Scott Dungate para ‘So We Won’t Forget’ utiliza esta premisa para construir una conmovedora historia de amor paternal truncada por la tragedia. Un padre visita el lugar en el que el destino se llevó la vida de su hija cargado con un gigante peluche, uno de muchos, con intención de mantener vivo su recuerdo. Porque dicen que solo muere quien es olvidado…

Katy Perry presenta ‘Daisies’ en directo… ¿sin vistas de salvar el descalabro?

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Las circunstancias han querido que Katy Perry inicie la nueva etapa de su carrera, la que dirige hacia el lanzamiento de su quinto álbum de estudio el próximo 14 de agosto, en plenísima pandemia global, por lo que los planes de promoción del primer avance de este trabajo, ‘Daisies’, tampoco están siendo los habituales en su carrera.

En los últimos días, Katy ha presentado ‘Daisies’ en dos espacios distintos a la vez que mantenido la obligada distancia social en tiempos de coronavirus. La primera presentación ha tenido lugar en un «livestream» de Amazon Prime en el que ha podido escucharse una versión acústica de ‘Daisies’ interpretada mediante videollamada junto a varios músicos. Una versión que favorece completamente a la canción, de la que publicaremos un «veredicto» próximamente.

La segunda ha sido en el plató de American Idol aprovechando que Katy ha sido jueza de la última edición. En este caso, la artista ha interpretado en directo la versión de estudio de la canción, más electrónica, y en su actuación ha hecho uso de los fondos animados esperados… fieles a su vez la imaginería popera que tanto ha interesado siempre a la cantante. ‘Daisies’ está actualmente ausente del top 50 global de Spotify y las «midweeks» auguran un debut regular en las listas del mercado anglosajón.

Halsey, Carly Rae Jepsen, Snoop Dogg, Doja Cat, Devo… en 10 fotos que no debiste perderte

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Vuelve nuestra sección 10 fotos que no debiste perderte, dedicada a mostrar fotos y vídeos de nuestros artistas favoritos en las redes sociales que te gustará ver (o recordar, si ya las has visto). Esta semana, recordamos cómo Carly Rae Jepsen predijo la pandemia, Devo contribuyen a proteger contra el contagio, Halsey mata el tiempo con aficiones insospechadas, The Streets tiene una cita virtual en una tienda de pollo frito…

Carly Rae Jepsen predijo la pandemia

¿Los Simpson? ¿’El Ministerio del Tiempo’? ¿Imanol Arias dando las campanadas? Hay diversas teorías absurdas sobre quién pudo predecir la pandemia de Covid-19, pero pocas vislumbraron la situación de las personas solteras en confinamiento como la canadiense Carly Rae Jepsen con su single de 2018 ‘Party for One‘, como ella misma señala. A punto de que todo dios se tire a las calles y esto solo sea un recuerdo (ojalá), brindemos por ese «making love to myself / back on my beat».

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“Party for One” is getting way too real.

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Devo te protegen de la Covid-19

Y cuando nos echemos a las calles… ¿cómo protegerse dejando claro que eres un buen freakazo de la música? La respuesta la tienen Devo, que han comercializado su célebre casco rojo añadiéndole una pantalla protectora transparente, al estilo de la que se utilizan muchos sanitarios. Y no, no es ninguna broma: en su tienda venden incluso pantallas de repuesto y, también, toda una línea de mascarillas convencionales con diferentes diseños inspirados por la imaginería de los autores de ‘Whip It’.

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DEVO make the COVID-19 merch you want. #devo

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Jessie Ware y la promo en tiempos de confinamiento

Si alguna@s artistas están decidiendo demorar el lanzamiento de sus discos en plena pandemia puede tener que ver con lo complicado que se puede hacer la promoción. Que se lo digan a Jessie Ware, que se ha encontrado con 1000 copias de su nuevo disco ‘What’s Your Pleasure?’ firmadas en el salón de su casa y ahora no sabe qué hacer con él. Así que, os ruega, compradlas para que pueda librarse de ellas.

Halsey, otaku y gamer

El confinamiento está haciéndonos descubrir facetas poco o menos conocidas de las estrellas del pop. Por ejemplo,, a falta de poder hacer su gira de presentación de ‘Manic‘, estos días estamos descubriendo que a Halsey le pirra el cosplay –es decir, disfrazarse como sus personajes favoritos de cine, animé, videojuegos–, y la hemos visto ataviada como personajes de ‘Sailor Moon‘ además de uno de los personajes más admirados del juego ‘Overwatch’, D.Va. No lo vimos venir.

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another day another play 💗💗💗💗

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«The Weeknd como nutrias, el hilo»

Cambiando de tercio, The Weeknd puede ser el actual rey del pop en el mundo (‘After Hours’ sigue funcionando bien, y ‘Bliding Lights’ batiendo récords), pero eso no le ha hecho perder el sentido del humor. Antes de ridiculizarse a sí mismo como personaje de la serie ‘American Dad’, había compartido un hilo de Twitter que comparaba imágenes suyas con las de nutrias en las posturas y actitudes más increíbles. El parecido es REAL.

The Streets y su cita fallida en la tienda de pollo

Chicken Shop Date‘ es uno de los shows más divertidos que se pueden ver ahora en Youtube. En él, la actriz cómica británica Amelia Dimoldenberg se cita (en plan ligar) en una tienda de pollo frito/kebab/similar con artistas –principalmente MCs de grime, pero también se han dejado caer por ahí Mahalia o la rapera Ms Banks–, dando lugar a situaciones muy surrealistas. Uno de los últimos (obviamente, con ayuda de la conexión remota y decorados) en probar suerte en la «Chicken Shop» de Amelia ha sido Mike Skinner, The Streets, que se ha llevado algún que otro zasca a cuenta de su edad y su alopecia.

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Is age just a number?

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Diplo se moja por Megan Thee Stallion

Megan Thee Stallion puja por el número 1 de singles en Estados Unidos gracias al remix de su single ‘Savage’ junto a Beyoncé. No cabe duda de que la autora de ‘Suga‘ es una estrella en ciernes, y Diplo, avezado como es, lo sabe. Así que está dispuesto a hacer lo que ella le pida por una colaboración. ¿Que le dice que se tire a un río? Sujétale el cubata…

La jugarreta de Doja Cat para llegar al #1

En disputa directa con Megan, Doja Cat, su ‘Say So‘ y su remix con Nicki Minaj son las grandes oponentes. La intérprete del viral ‘MOOO!’ ha jugado sus cartas para llegar al número 1: al parecer, Amala Zandile Dlamini (menos mal que ha escogido otro nombre de guerra, porque vaya trabalenguas) había prometido en Twitter enseñar sus pechos si la canción llegaba a lo más alto en el Hot 100. Fuera cual fuera la incidencia de esa promesa en su éxito, alguien se lo recordó en una conversación con los fans en su Stories y… que si quieres arroz, Catalina.

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🔁: @goofy.juice a story of hope and betrayal…

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Katy Perry, Mamá Dumbo

Aparte de publicar ‘Daisies‘, primer single de su nuevo disco, y comparecer en la final de ‘American Idol‘, Katy Perry se prestó a cantar en un especial de Disney Channel dedicado a las canciones de sus películas, para que las cantara toda la familia. Tan amiga como es de los disfraces, a nadie se le ocurrió mejor idea que vestirla de Mamá Dumbo –¿una metáfora sobre su estado de buena esperanza? Nah…– para que cantara ‘Baby Mine’ de la película de animación del elefantito volador. No adivinaríais quién hace de Dumbo…

Snoop Dogg, «congelado»

Y ya que estamos en el universo Disney… Sí, sí, habéis leído bien: Snoop Dogg y Disney. De manera milagrosa, alguien ha recogido (imaginamos que de algún Stories) este momento sublime de la historia del pop en el que el rapero californiano se graba a sí mismo sentado en su coche escuchando ‘Let It Go’, de la banda sonora de ‘Frozen’. Así, porque sí. Ma-ra-vi-lla.

Carolina Durante y Antonio Luque (Sr. Chinarro), a la gresca por el uso de la música en la #CayeBorroka

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Desde hace un par de días, están dando muchísimo que hablar las ¿manifestaciones? ¿espontáneas? de vecinos del Barrio de Salamanca de Madrid (uno de los de mayor renta per cápita y rancio abolengo de la capital) en contra del estado de alarma y el confinamiento. Algo que en Twitter se ha dado en llamar #CayeBorroka, en clara alusión al término «cayetanos» con el que muchos identifican a los pijos del país, especialmente desde que Carolina Durante popularizaran el concepto con su hit ‘Cayetano‘. Entre los numerosos y delirantes memes que se han podido ver estos días de lo acontecido en la calle Núñez de Balboa, hemos visto a esa chavalada enarbolando palos de golf coreando «¡llibertat, presos polìtics!», ‘Bella Ciao’ y «Gora ETA«, además de ‘Don’t Look Back In Anger’ de Oasis o el tema de los Carolina Durante. [Foto de Antonio Luque: Ana Becerra.]

Eso incitó a Antonio Luque a conectar a ambos grupos en un tuit tan breve como polémico, declarando sin más «Ni Oasis ni Carolina durante» (sic). Ni cortos ni perezosos, como recoge la web Dod Magazine, el cuarteto madrileño le devolvía la pelota al veterano artista sevillano llamándole «Señor Chinado». «Entiendo que entre el covid y el cierre de rdl lo esté pasando regu, pero tampoco hay que faltar solo porque nosotros sigamos interesándole a la gente», remachaban. «Sin faltar, niños. Cada cual tiene sus gustos, yo tengo los míos», respondía primero Luque, diciéndoles que deberían «estar contentos de haber entrado con Oasis en el pack. Pero os habéis «chinado», por algo será», y rematando luego que él sigue «interesando a la gente lo mismo desde hace más de 26 años. Nunca fue mucho, nunca fue poco. Para mí es suficiente. A ver para cuánto tiempo os da vuestro talento bragado y con tablas».

Tras aclarar luego que alguna de sus canciones «le gusta» –parece ser que ‘El himno titular’– hurgaba luego en la herida respondiendo a los comentarios que tildaban al cuarteto de «Los Nikis en soso», aunque aclarando que no les gustan «el 90% de los grupos españoles», y recordaba su vieja polémica con Los Javis a cuenta de Operación Triunfo. Aunque no parece que esto forme parte precisamente de ella, Luque está en plena promoción de su nuevo disco ‘El bando bueno’, del que ya ha avanzado ‘Sábanas santas‘ y ‘Una famiglia reale‘. Por su parte, Carolina Durante estarían ultimando un EP entre su primer y su segundo disco, del que han mostrado ya ‘La canción que creo que no te mereces‘, colaboración con J de Los Planetas… que ha colaborado también en varias ocasiones con Luque, por cierto.

C. Tangana opina sobre el confinamiento, Rosalía, su veto en Bilbao por sus letras, la «tasa Covid» que propone Podemos…

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El pasado viernes C. Tangana sorprendía publicando ‘Bien:(‘, su primer trabajo/mixtape/disco desde que publicara en 2018 ‘Avida Dollars’. Cuatro canciones que no alcanzan los nueve minutos de duración pero tienen un concepto sonoro más o menos cerrado en cuanto a influencias e intenciones, con el lema «música triste en español», entre las que se cuenta ‘Nunca estoy‘. Este tema con guiños a ‘Cómo quieres que te quiera’ y ‘Corazón partío’ –con co-autoría, por tanto, de Rosario y Alejandro Sanz– se ha convertido, impulsado por la singular tesitura de la industria musical, en su primer número 1 de singles en España, algo que no consiguió ni ‘Booty’ ni ‘Mala mujer’, por citar sus dos singles más conocidos hasta la fecha.

Ante esta «hazaña», la periodista de El País Luz Sánchez-Mellado en su sección «Gente con Luz» –dedicada a entrevistar a personajes populares de diversa índole– hace uno de sus retratos a Antón Álvarez, al que entrevista de forma telemática en su actual casa –Sánchez-Mellado recalca la notoria diferencia entre esta y la «humildísima» que habitaba cinco años atrás, en su primera entrevista con él–. Pucho convive allí con cuatro de sus colegas, después de que su novia, una fotógrafa chilena, no pudiera acompañarle en su regreso a España al estallar la pandemia por problemas de visado. En la conversación, la periodista destaca la madurez («Me parece una forma muy aburrida de decirlo», replica el cantante) que demuestra Álvarez en algunas de sus sentencias actuales, que «le han hecho caerse del Lamborghini».

«Si solo fuera ese tipo del Lamborghini no me daría la cabeza para esa reflexión. Hay que asumir la impresión que se tiene de ti. Uno es lo que cree que es, lo que es verdaderamente y lo que los otros piensan. Y si no tienes en cuenta todo no vas a poder explicar lo que eres de verdad», dice Pucho, asegurando que es parte de su evolución y que ahora está mostrando esa «capa». No reniega de la vida de ostentación y el bling bling, pero no cree que sea para tanto: «Si me comparas con cualquier otro artista de mi nivel y superiores en el resto del mundo, no creo que nadie pensase que soy excesivamente derrochador ni exhibicionista». En todo caso, es consciente de formar parte de un sistema que, en una declaración política, asegura que también está siendo protegido por la actual cuarentena: «la cuarentena sigue teniendo el espíritu del dominio capitalista. La mayoría de la gente no puede confinarse del todo y dedicarse a la alta cultura, a cuidar de la familia y a hacer yoga. (…) Este confinamiento es una idea para que no se colapsen los sistemas de los ricos».

En ese sentido, dice que le molestaría pagar la «tasa Covid» que ha puesto sobre la mesa Unidas Podemos porque «la gente que está gestionando ese dinero son unos ineptos y egoístas que solo quieren mantenerse en el poder. Su intención no es el bien público. Son ególatras, que es lo que es todo político. Entonces, no pago nada con gusto al Estado. Ahora, me parece una buena opción dada esta situación». De hecho, cabe destacar que, casi a la vez que se publicaba esta entrevista, acudía a Twitter para aludir directamente al Ministro de Cultura, José Manuel Rodríguez Uribes, reclamando protección para los técnicos y otros autónomos implicados en la industria cultural. Respecto a las escenas de gente del Barrio de Salamanca saliendo a las calles en grupo a protestar por el confinamiento, dice que le parece «un capítulo de ‘Black Mirror'»: «Me cabrea y me da miedo por lo que puede venir. A mis amigos no les dejan juntarse en un parque y a estos les han dejado sin más. Es injusto y es peligroso porque a nadie le gusta que le traten distinto y ahí ha habido diferencia».

Asegura, además, que le afectó el veto del Ayuntamiento de Bilbao por sus letras el pasado verano («Trato de hacer pensar, hurgo en mis heridas, hago cosas controvertidas. Acepto el escarnio público a cambio de no tener que decir más que lo que digo en mis temas. Soy un artista, no tengo la misma responsabilidad que un político»). Pero no se muestra molesto porque le pregunten por su ex-pareja Rosalía: «Me encanta. Estoy muy orgulloso de la cultura española, y de Rosalía muy especialmente».

Charli XCX / how i’m feeling now

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Lo de Charli XCX empieza a ser casi un insulto. Mientras otros artistas no saben qué hacer con su maravilloso CD perpetrado durante varios años, ella aprovecha la crisis del coronavirus y el confinamiento para sacarse de la manga otro disco, cuando apenas han pasado 9 meses desde el que parecía su largo definitivo, el que por algo decidió llamar ‘Charli‘ a secas.

O debería decir discazo. ‘how i’m feeling now’ no ofrece grandes novedades respecto a sus últimos pasos. Estaría bueno, en unas pocas semanas. Lo que escuchamos aquí sigue siendo fiel al sonido PC Music, y de hecho A. G. Cook es el productor de más o menos la mitad del álbum, sumando las clásicas melodías de Charli XCX, más propias del synth-pop, el R&B o las girl-bands. Los estribillos son dulces y color chicle, pues además gran parte de las letras están dedicadas a su novio Huck Kwong, con el que está conviviendo como se ha visto en el vídeo de ‘claws’, pero los graves siguen siendo deliberadamente molestos, haciendo ruido.

Charli XCX ha detallado estas 11 canciones en un «track by track» realizado para Apple Music, convenientemente recopilado en Genius. Gracias a eso sabemos que ‘how I’m feeling now’ se nutre de alguna canción vieja que incluso había sido estrenada en vivo, como es el caso de ‘party 4 u’; que ‘c2.0’ es la segunda parte de ‘Click’ y que la relación con su novio no estaba en el mejor momento posible justo antes de la cuarentena, de lo que habla en ‘i finally understand’. Ahora sí se ha visto reforzada y por eso le dedica el infeccioso estribillo de ‘claws’ («me gusta todo sobre ti») y, entre otras cosas, la promesa de amor de ‘forever’. Hay que poner en valor que una declaración de este tipo no resulte cursi con una producción como esta: el momento luminoso surge tan sólo con ese final medio trance, emergiendo entre un montón de barullo, probablemente como metáfora de los baches experimentados en lo que antes era una relación a distancia.

Deliberadamente ha querido abrir el álbum con una canción de sonido «agresivo» y «demoníaco» que dividiera a sus seguidores como es ‘pink diamond’, inspirada por un chat con Jennifer Lopez que ha podido tener lugar gracias a Dua Lipa durante el confinamiento; y lo termina con la «rave» de ‘visions’. No solo esta canción es un triunfo por su deriva techno final; también el último minuto de ‘detonate’ es el resultado de los deberes bien hechos. O bien Charli XCX ha trabajado la composición en la dirección adecuada o bien mantiene tantos años después un gran olfato para improvisar ideas chulas que funcionan.

BJ Burton, que ha colaborado en los últimos álbumes de Bon Iver, con Banks o incluso con Low, es otro de los co-productores de ‘how i’m feeling now’, destacando en el animado R&B de ‘enemy’, otra canción de amor en contra de lo que parece, con un contagioso riff de teclado; mientras Palmistry es quien se encarga de la base de uno de los temas más diferentes, ‘i finally understand’, más cercano al drum&bass. Un álbum breve y adictivo como lo fue ‘Pop 2.0’ en el que a los 4 singles adelantados podrían sumarse ‘detonate’ o ‘anthems’. Este es, ni más ni menos, que el himno costumbrista definitivo sobre la cuarentena: un grito «quiero salir» para todos aquellos que echan de menos el clubbing. Solo ella podía hacer sonar frases como «estoy tan aburrida», «me he levantado tarde, como cereales», «intento lo mejor que puedo estar en forma», «me pierdo en un programa de la tele» y «mis amigos son invisibles, los echo de menos todo el rato» como una verdadera fiesta.

Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘claws’, ‘forever’, ‘detonate’, ‘visions’, ‘anthems’
Te gustará si te gusta: el anterior, PC Music
Youtube: vídeo de ‘claws’

Perfume Genius construye su propio ‘True Blue’ en torno a la idea tóxica y egoísta de un enamoramiento

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Perfume Genius publicaba el pasado viernes ‘Set My Heart On Fire Immediately’, el quinto álbum de una carrera en permanente ascensión y transformación –desde su tímido pero emotivo debut ‘Learning‘ (2010) hasta el melodramático ‘No Shape‘ (2017)– y que hemos escogido como Disco de la Semana. En los próximos días publicaremos su correspondiente reseña y una entrevista que mantuvimos con el propio Mike Hadreas días atrás, pero abrimos boca destacando como Canción del Día uno de los singles más incontestables de su trayectoria, ‘On the Floor’. [Foto: Camille Vivier.]

Se trata de una canción abiertamente pop en lo musical, quizá una de las más luminosas de toda su carrera. La manera de interpretar los toques de guitarras y rítmica jamaicanas y coros doo-wop la emparentan claramente con los 80, concretamente con hits de la época como ‘Girls Just Wanna Have Fun’ de Cyndi Lauper o ‘True Blue’ de Madonna. Quizá la clave esté en el uso de la guitarra-sintetizador tan recurrente en aquella época, y que aquí interpreta un virtuoso de la música contemporánea como Blake Mills –el guitarrista, que ha trabajado desde con Ed Sheeran hasta con The Killers pasando por Fiona Apple, Andrew Bird o Weyes Blood, acaba de editar precisamente su alabado tercer disco en solitario ‘Mutable Set’–. Y no es el único música de prestigio que se suma a esta suerte de homenaje al pop de los 80: el bajo de Pino Palladino (D’Angelo, Adele, St. Vincent, Ed Sheeran), la batería de Matt Chamberlain (Elton John, Pearl Jam, Frank Ocean) y los coros de Phoebe Bridgers y su colaborador Ethan Gruska enriquecen esta ligera composición de Hadreas y su colaborador habitual Alan Wyffels. Acentuando ese perfil pop, hace unos días se lanzaba un oportuno remix de la canción a cargo del remixer especializado en dar una pátina ochentera a sus creaciones, Initial Talk.

Pero, fiel a la idiosincrasia artística de Perfume Genius, esa atractiva luz de la parte musical sirve de fondo para una turbia narrativa. En este caso, Hadreas se cuestiona qué emociones humanas menos amables que el amor se manifiestan en un crush, un enamoramiento desaforado e instantáneo. «(‘On the Floor’) es esencialmente sobre un crush que se convierte en una obsesión realmente impersonal», explicaba Hadreas a Pitchfork hace un par de días. «Un enamoramiento es algo que tú creas que parece muy egoísta en muchos sentidos, porque tú no piensas en el otr@ como una persona. Es más la idea de lo que él/la puede hacer por ti, lo que tú puedes hacer por él/la. No ha ocurrido aún, no es correspondido, así que es como una cosa palpitante. Pero sigue siendo amor, sigue siendo atención. Puede ser muy confuso», asevera.

Pero también tiene una proyección especial –como tantas de sus canciones– hacia la homosexualidad: «Cuando la escribía, pensaba en cuando eres joven y no has salido del armario, y te enamoras de alguien que parece realmente cercano y excitante, combinado con que se supone que no debes amar a esa persona. Cuando eres queer, te enseñan que lo más vergonzoso de ti es con quién deseas tener sexo, y eso sin ni siquiera haberlo hecho aún. Es una combinación extraña: esto parece amor, parece lo que quiero y lo que siento como natural, pero con una mezcla de vergüenza y miedo. No creo que me haya liberado del todo (aún) de ese combo», concluye. «La lucha me rasga por dentro», canta en el primer verso, antes de entonar en su estribillo «¿Cuánto pasará hasta que eso se borre? / ¿Cuánto, hasta que mi cuerpo esté a salvo? / ¿Cuánto, hasta que camine hacia la luz? / ¿Cuánto, hasta que este corazón no sea mío?» para concluir al final con un lamento que se clava «Sólo quiero tenerle entre mis brazos».

Para perfeccionar la poética de ‘On the Floor’, se lanzaba con un precioso vídeo en el que Mike escenifica esa lucha danzando en un ambiente rudo y rural, entre clichés de masculinidad, puros y ropas sucias, retorciéndose por el suelo… hasta que otro bailarín ataviado exactamente como él –recalcando ese egoísmo que citaba– ejerce de espejo.

Lo mejor del mes:

Carlos Sadness detalla su nuevo álbum, ‘Tropical Jesus’

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«¿Quién es Tropical Jesus?», se preguntaban artistas tan dispares como Li Saumet de Bomba Estéreo, Sebastian Pringle de Crystal Fighters, Caloncho o Samantha de la última edición de OT, entre otros, en un vídeo que subía hace unos días Carlos Sadness a su perfil de Instagram. Ese concepto apuntaba a ser, como luego se ha confirmado, el ya-no-tan-misterioso título del nuevo álbum del músico barcelonés tras el exitoso ‘Diferentes tipos de luz‘, y que juguetea con su imagen, su estilo musical y… ¿’Personal Jesus’ de Depeche Mode?

“Siempre he pensado que Jesús fue el revolucionario del perdón, y era un asunto sobre el que hablaba en las primeras líneas que escribí del disco”, aclaraba luego en nota de prensa, que asegura que «será también un disco rodeado de cierto misticismo, de cierta conexión con lo mágico y la superstición, con lo trascendental y el perdón», precisamente. Esta revelación (je) viene acompañada de «la canción con la que empieza la historia del nuevo disco», ‘Ciclo lunar’, estrenada hace unas horas. Se trata de un medio tiempo marca de la casa (produce él mismo con Jordi Bastida, Dan Hammond y Steffano Maccarrone –Mendetz–) que establece «un diálogo con las estrellas sobre respuestas y supersticiones», que en realidad alberga una historia sentimental con una chica que vive a distancia.

‘Ciclo lunar’ es el tema que abre el disco, pero no es el primero que conocemos del mismo, en tanto que incluye también ‘Aloha‘, single con Bomba Estéreo y ‘Ahorita‘, editada el pasado verano. La publicación del tracklist confirma la participación del miembro de Crystal Fighters –bajo el alias Dr. Witchdoctor– en el tema ‘El simpático’ y la del artista pop colombiano Manuel Medrano en ‘Todo estaba bien’. ‘Tropical Jesus’ se publica el día 19 de junio en cuidadas ediciones física –ya en pre-venta– que entre el artwork creado por el propio Sadness incluyen 13 cartas de un «tarot tropical».

‘Diferentes tipos de luz’ supuso un hito comercial de Carlos Sadness al entrar directamente al número 2 en la lista de ventas española, solo por detrás del disco oficial de OT 2017, la edición de Amaia, Aitana y Alfred, nada menos. Su popularidad también se trasladó a Latinoamérica, donde es una estrella casi mayor que aquí, aunque ya ha alcanzado el estatus que le permite acometer sin miedo aforos como los del Wizink Center de Madrid y el Palau Sant Jordi de Barcelona. En los últimos meses, además, se ha estrenado como productor para otros: se ha encargado de ‘Ventura’, segundo disco de la cantautora pop Suu, y también del single debut de la citada Samantha de Operación Triunfo, ‘Sin más‘.

Tracklist de ‘Tropical Jesus’:
1. Ciclo Lunar
2. Me Desamaste
3. Chocolate y Nata
4. Todo Estaba Bien
5. Muerte Súbita de un Caimán
6. Clorofila
7. Isla Morenita
8. Ahorita
9. El Simpático
10. El Gringo
11. Adiós a los Dinosaurios
12. Aloha
13. Número Oculto

Las mejores canciones del momento: mayo de 2020

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Hoy renovamos nuestra playlist mensual de las mejores canciones del momento, que cuenta con cerca de 4.000 suscriptores. La nueva playlist comienza con ‘Save a Kiss’, el tema que definitivamente nos ha puesto los dientes largos sobre el nuevo álbum de Jessie Ware. En representación de nuestros recientes Discos Recomendados incluimos ‘I Want You To Love Me’ de Fiona Apple, ‘NTE’ de Buscabulla, ‘Someone’s Gonna Break Your Heart’ de A Girl Called Eddy, ‘The Day the Politicians Died’ de Magnetic Fields, ‘Pretty Please’ de Dua Lipa y ‘Still Learning’ de Halsey. Por «Revelación o Timo» ha pasado gente como Westerman (seleccionamos ‘Confirmation’) y Ela Minus (‘they told us it was hard, but they were wrong’).

Entre los grandes éxitos de las listas en las últimas semanas hay que hablar de ‘THE SCOTTS‘, lo nuevo de Travis Scott con Kid Cudi, y de C. Tangana, número 1 directo en España -es la primera vez que lo logra- con la fantástica ‘Nunca estoy’. También ha tenido una entrada tímida en el top 100 oficial de nuestro país ‘Goteo’ de Paloma Mami, que tiene créditos de Rosalía.

Si el espíritu indie pop continúa vivo a través de canciones como ‘Discoteca en ruinas’ de Joe Crepúsculo y ‘Second Best’ de J’aime, viejos conocidos como Sondre Lerche, Benjamin Biolay y Cass McCombs nos han vuelto a deslumbrar con sus nuevas entregas, ‘You Are Not Who I Thought I Was’, ‘Comment est ta peine?’ y ‘The Wine of Lebanon’. Por su parte, la electrónica nos ha dejado temas tan variados como ‘Night’ de Kelly Lee Owens, ‘ONLY’ de ZHU y Tinashe, ‘Aries’ de Gorillaz con Peter Hook y Georgia, ‘Every Color’ Louis the Child con Foster the People y ‘Murphy’s Law’ de Róisín Murphy, sobre la que hablamos con su co-productor.

Entre las canciones que han pasado por nuestra sección «Veredicto», escogemos ‘Saved My Life’ de Sia y ‘Good Bad Times’ de Hinds. Completamos la playlist de las mejores canciones del momento con ‘Tu foto’ de Cupido, sobre la que hablábamos con ellos; ‘Nada y nadie’ de Sen Senra, ‘Cri Cri’ de Karmento, ‘Yo no nací así’ de Tulsa, ‘Connemara’ de Núria Graham, ‘Patience’ de Porches, ‘Una famiglia reale’ de Sr Chinarro y dos temas de diverso R&B: Kelly Rowland ha sacado la dignísima ‘COFFEE’ y Tkay Maidza ‘Shook’, que parece un viejo hit de Kelis circa ‘Milkshake’.

Dellafuente anuncia nuevo álbum de lúgubre título, ‘D.E.P.’, adelantado por la oscura ‘La recomellía’

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Dellafuente es, con todo merecimiento, uno de los grandes nombres de la escena urban española, aquella englobada erróneamente como «trap». Trabajando incansablemente, ya haya sido en la nómina de Sony Music o desde la independencia, Pablo Enoc se ha convertido en un referente gracias tanto a sus singles con C. Tangana, Mala Rodríguez, Novedades Carminha, Rels B, Morad o Ana Mena, como en proyectos tan audaces como ‘Salomon Sessions‘ o Taifa Yallah. Todo eso sin necesidad de dar continuidad al estupendo ‘Ansia viva’, del que nos separan ya cuatro años. Por eso es toda una sorpresa que El Chino anuncie hoy la inminente publicación de un nuevo álbum.

Se titula ‘Descanso en poder’, cuyo acrónimo, como se encarga de destacar el teaser del álbum –en el que vemos una estatuilla de unas ratas que gira al son de un martillo, al estilo de los martinetes flamencos–, coincide con el lúgubre «Descanse en paz» originario del latín y tan recurrente en los sepelios. El disco, que cuenta con su propia página web, se publica de forma inminente, el día 5 de junio. Y, si atendemos a las distintas cuentas atrás que figuran en ese site, entendemos que los viernes precedentes, 22 de mayo y 29 de mayo, habrá nuevos adelantos del disco.

Este mismo viernes hemos conocido el primero: se trata de la oscura ‘La recomellía’, canción co-escrita y co-producida con Choclock (autor de la base de ‘Contando lunares‘, entre otros trabajos, y que este viernes también ha estrenado ‘Moisés‘) en la que recupera su faceta más reconocible como MC, entre ecos acústicos y andalusíes, tan propios de él. En su letra alude a su carácter reservado, esquivo con la vida pública y la prensa (según él, aunque con nosotros ha sido siempre amabilísimo), a la vez que, como la araña que protagoniza su portada y su vídeo animado, trabaja incansablemente y en silencio. ‘Descanse en poder’ es su tercer disco oficial de estudio, tras el citado ‘Ansia viva‘ y ‘Azulejos de corales’ (2015), y el primero para Sony Music.


Residente busca otro golpe de efecto sumando más de 100 besos confinados, con Messi, Ana de Armas, Ricky Martin…

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René Pérez, Residente, está tratando de sacar partido al pelotazo que dio días antes de que se declarara la pandemia de Covid-19 con sus fantásticos tema y vídeo ‘René‘. Aquel single se convirtió en un éxito viral por la emotividad de su letra y su ingenioso clip en plano secuencia, convirtiéndose en una de las canciones más populares del ex-Calle 13 en solitario, acumulando más de 105 millones de visualizaciones en Youtube. También daba un perfil sensible y personal que se distanciaba un tanto del hip hop más bien combativo y con trasfondo político-social habitual en él. El confinamiento quizá ha frustrado sus planes, pero no ha dejado de entregar novedades desde entonces: además de versiones en directo confinado de la misma ‘René’ y el hit de Calle 13 ‘Latinoamérica‘, ahora presenta otra nueva canción creada encerrada en su caso.

Se trata de ‘Antes que el mundo se acabe’, una balada construida sobre piano y arreglos de cuerda cuya letra está igualmente cargada de emotividad. En este caso, proyecta el miedo y la incertidumbre generadas por la actual crisis sanitaria y económica mundial, pero superponiendo la esperanza y la fe en la Humanidad, su solidaridad y su amor, tras el lema «No volvamos a la normalidad, comencemos de nuevo». Para lanzarla, ha buscado con su vídeo dar un golpe de efecto similar al de ‘René’, dentro de las limitaciones que la cuarentena implica. Y su idea ha sido la de proponer a más de 100 parejas alrededor de todo el mundo que se besen apasionadamente ante una cámara.

Comenzando por él mismo, el clip (que cuenta con una versión extendida de la canción con arreglos de distintos folclores del mundo) reúne a personas de variadas orientaciones sexuales, orígenes y razas, aunque obviamente son varias personalidades del cine, la música y el deporte las que más llaman la atención: el futbolista Leo Messi con su mujer Antonella Roccuzzo; la actriz hispano-cubana Ana de Armas con su nueva pareja, el también actor Ben Affleck; Ricky Martin con su marido Jwan Yosef; o Leonor Watling y Jorge Drexler son algunos de los nombres más populares a los que vemos morrearse apasionadamente (bueno, hay de todo) ante la cámara. El vídeo, con casi 9 millones de visualizaciones en unas horas, en uno de los clips musicales más vistos del mundo en este momento. Por el momento se desconoce si estas nuevas canciones formarán parte de la continuación de ‘Residente’, su primer y único álbum en solitario, publicado en 2017.

The Magnetic Fields convierten una banda de moteros en una fantasía cómica y homoerótica

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Culminando la semana dedicada a The Magnetic Fields por la publicación de su notable nuevo álbum ‘Quickies‘, en la que además de publicar una entrevista con Stephin Merritt, hemos repasado todos sus discos –incluidos los de su primera etapa y su obra maestra ‘69 Love Songs‘–, volvemos a poner el foco en otra de las estupendas canciones de este trabajo compuesto por 28 canciones de no más de dos minutos y medio. Y es el turno de ‘(I Want to Join A) Biker Gang’, otro de los adelantos que, como ‘The Day the Politicians Died‘, han servido de single al disco.

«Biker Gang» es quizá la canción más maximalista y convencional, en cuanto a instrumentación y duración, de ‘Quickies’. En un disco que no es un disco de grupo en absoluto, como nos reconocía Merritt en nuestra charla, en «Biker Gang» se percibe la participación de los habituales Sam Davol, John Woo, Claudia Gonson y Shirley Simms, más Chris Ewen (mellotron) y Benny Grotto (percusiones), con arreglos –muchos de ellos interpretados con instrumentos construidos por ellos mismos con cajas de puros y vino– que llenan el tema, en contraste con el minimalismo de buena parte del quíntuple disco. Es además una canción redonda en su economía, con versos y pre-coros que hacen las veces de ganchos, irresistibles.

En ella, Merritt fantasea sobre unirse a una de esas bandas de moteros tan carpetovetónicas como peligrosas (a menudo relacionadas con la delincuencia) que ruedan por Estados Unidos, y que películas de los 70 como ‘Easy Rider’ y ‘El precio del fracaso’ glamurizaban. De hecho, el vídeo que ha creado Robert Edridge-Waks se basa en filmaciones de serie B (aunque por ahí asoma Michael Caine, nada menos) o incluso de aficionados de esa época. Lo mejor, como siempre, está en su irónica letra, que marca la diferencia.

«Quiero unirme a una banda de moteros / quiero participar en un gang bang / Me gusta mi vida vacía pero… «tachán» / Quiero unirme a una banda de moteros», dice el primer verso/coro de la canción, que luego ahonda en su fantasía homoerótica con besos a su compañero de moto «sordo y tonto» y con todo ese vello facial, dejando colgados a su mujer e hijos y re-bautizándose como «Colmillo» (fang). «Creo que cuando pase la pandemia va a haber muchos que se unan a una banda de moteros», le decía servidor a Stephin al hilo de esta canción en nuestra conversación. «¡Sí! Cuando escribí la canción no quería unirme a una, pero después de ver el vídeo, definitivamente quiero estar en una banda de moteros. Parece muy divertido», respondía. Pues sea.

Lo mejor del mes:

Jamás te lo perdonaré, Eurovisión 2020

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Anoche se emitía el especial que sustituía a Eurovisión 2020, pues ayer era cuando había de emitirse la gran final del certamen, para desconocimiento del mundo. Sólo por escuchar la sintonía oficial a las nueve en punto había que darle una oportunidad. El programa se dio en llamar ‘Europe Shine a Light’ y la cosa mejoró solo un poquito desde lo visto en las semifinales, un popurrí de videoclips y bailes caseros tipo TikTok que nadie con Netflix o Filmin aguantó más de un par de minutos.

El especial alternaba saludos de los países participantes con alguna que otra actuación. Vimos a los rusos «lamentando esta situación de la pandemia» pero asegurando que «nos unirá», al representante de Georgia pidiendo unos segundos de silencio por las víctimas del coronavirus que solo pudo ser un segundo de silencio porque no había tiempo, etcétera. Por parte de España vimos momentáneamente a Blas Cantó, sin noticia que comentar, y lo más reseñable sobre nuestro país es que RTVE envió una imagen del madrileño Teatro Real mal iluminada muy cuestionada en redes: en realidad fue el recinto donde se celebró Eurovisión en 1969 tras la victoria de Massiel. Ha sido la única vez en la historia que el certamen se ha celebrado en España, y tampoco es que se le espere de vuelta, lo cual es una justificación después de todo.

El culmen del show era la grabación conjunta de ‘Love Shine a Light’, el tema con que ganó Katrina and the Waves para Reino Unido en 1997, en la que Bélgica, que no gana Eurovisión desde 1986 y este año competía con la balada de Hooverphonic, fue el único país que no quiso participar. Nadie los echó de menos, principalmente porque fue duro aguardar a que llegara tal momento, a sabiendas de que no iba a haber votaciones. El festival parecía condenado desde que Madonna llenara el año pasado su escenario de bailarines muertos con máscaras en lo que ahora mismo parece una puesta en escena de la covid-19, y lo único interesante entre tanto saludo y lugares comunes fueron una serie de actuaciones pregrabadas: ‘Heroes’ con Måns Zelmerlöw dedicada a los sanitarios, la ganadora reciente por parte de Israel Netta jugando al «bedroom pop» con una caja de música entre las piernas, un número de la ganadora serbia de 2007 en el que la gente se quitaba las mascarillas simbolizando la lucha o el fin de la pandemia…

La sensación que dejaban dichas grabaciones es que se había perdido la oportunidad de hacer un festival alternativo con cada país enviando una sencilla grabación similar con su canción de 2020. El festival no quería organizar una competición, entre otras cosas, porque no podía garantizar la igualdad de condiciones en este tipo de grabaciones, pero igual el público, que ya ha lidiado en el pasado con la compra de televoto por parte de Azerbaiyán, hubiera preferido soportar las malas artes puntuales de algún país que el show visto anoche, bastante triste. Se supone que Eurovisión es una celebración de la música y la vida, que ha de evadirte de los males en el mundo, y reconciliarte con este mismo, y anoche no se cumplió este objetivo.

Nos quedamos, pues, sin saber si Islandia podía ganar y en qué puesto habría quedado la canción de Lituania. Hasta un mes después de que se celebrara One World Together at Home, un concierto online con decenas de artistas de primera fila interpretando sus temas como buenamente podían, la imaginación de los creativos de la UER quedaba en evidencia. En nuestro foro de Eurovisión marcecar10 sugería que cada país enviara un vídeo como el impresionante rodado por Italia con Diodato solo frente a un gigantesco anfiteatro de Verona vacío. ¿Era tan complicado montar algo así? En este piso de estudiantes merecen más ciertos sueldos…



The Magnetic Fields / 69 Love Songs

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Cuando una canción, un disco o un artista genera opiniones apasionadas, a veces se dice que «el mundo se divide entre gente a la que le gusta ese algo» y «gente a la que no». La devoción que ha generado ’69 Love Songs’ de Magnetic Fields durante los últimos 20 años -sin grandes voces en contra- es tal que más bien el mundo se ha dividido entre gente que tenía canción favorita de ’69 Love Songs’ y gente que no. Y el álbum es tan variado que es curioso cómo cada elección definía el gusto y hasta la personalidad, la manera de ser, de una persona. No recuerdo si fue Marina Gómez Carruthers de Klaus&Kinski quien en cierta ocasión planteó un debate en su muro de Facebook sobre cuál era la mejor canción de este mastodóntico álbum triple -séxtuple en la edición vinilo-, y aquello fue un torrente de diversidad que cualquier artista habría envidiado. Es pésimo tener demasiado claro cuál es la mejor composición de un artista o de un grupo.

El álbum nació despreocupadamente en un «piano bar» gay de Manhattan –lo cual ahora sabemos que es mucho menos glamouroso de lo que nos sonaba en un principio–, cuando Stephin Merritt se dio cuenta de sus cualidades para el musical. Había hecho ya buenos álbumes y composiciones al frente de Magnetic Fields pero quería hacer algo más teatral inspirado por el formato de «revista», y sobre todo que «le definiera», como nos contaba en una entrevista reciente. «Nunca creí que me definiría una declaración tan positiva, y realmente no estaba pensando en que lo hiciera cuando salió», indica antes de describir el álbum con palabras que ciertamente no tienen nada que ver con su fama de cascarrabias, como «dulce, repipi, mono». Se planteó hacer 100 canciones pero le parecieron demasiadas, por lo que el proyecto quedó en 69. Si a los neófitos les suena a boutade, lo mismo pasó cuando muchos en nuestra adolescencia o post-adolescencia descubríamos el disco, en España encumbrado como mejor álbum del año –un año tarde, debido a su edición europea de 2000– por la recientemente desaparecida revista Rockdelux. ¿Acaso un artista podía mantener el nivel durante 69 composiciones en el mismo álbum? ¿Pero cuántos artistas sobre la faz de la tierra tienen realmente 69 canciones buenas?

Que en ’69 Love Songs’ hay canciones mejores y peores no lo duda ni siquiera Stephin Merritt, que incluyó en el álbum gracietas de unos pocos segundos como ‘Punk Love’ y ‘How Fucking Romantic’. Y sin embargo, el álbum no sería el mismo sin estas. Excelentemente armado, sobre todo en el CD 1, es significativo cómo la canción que hace un sándwich entre estas dos, ‘The One You Really Love’, se ve realzada por su posición en el álbum (y por sus maravillosos coros). Por cada canción de la que puedas tener dudas emerge otra que más que un 10 sobre un 10, es un 20. Incluso tantos años después de su publicación, el reencuentro con los primeros acordes de ‘All My Little Words’ o ‘Come Back from San Francisco’ te noquea. Ni por todo el té de China cambiarías lo que sientes cuando en el CD 2 aparece el punteo inicial de ‘Papa Was a Rodeo’, con la melodía más triste de la historia, después del alud de emociones que ya es el tarareo de ‘Kiss Me Like You Mean It’.

Merritt se siente cercano a grupos del underground de finales de siglo como Felt, pero se inspira en el jazz (‘My Only Friend’ está dedicada a Billie Holiday), en el cancionero americano de George Gershwin, Cole Porter o Irving Berlin. Y, explícitamente en este álbum, en las ‘114 Songs’ que Charles Ives recopilaba en 1922, compuestas entre 1887 y 1921. Así, encontramos en ’69 Love Songs’ canciones de pop de estructura más o menos tradicional como la sublime ‘I Don’t Believe in the Sun’, pero el álbum se caracteriza por una cautivadora libertad que convierte la secuencia en una aventura impredecible en la que nunca sabes si aguarda un divertimento o una tragedia. Quizá el álbum gusta tanto por lo que se parece a la vida misma.

Está la destartalada improvisación de ‘Love Is Like Jazz’, el musical de Broadway que es ‘Very Funny’, el tropicalismo de ‘World Love’, la canción cheerleader ‘Washington, D.C.’, la experimentación de ‘I Shatter’, el homenaje a Gainsbourg que parece ‘Underwear’ (también por su irreverente estribillo en francés), el homenaje a Jamaica de ‘It’s a Crime’, el rock distorsionado de ‘I’m Sorry I Love You’, el western de ‘Blue You’, el country de ‘I Think I Need a New Heart’, la electrónica de ‘You’re My Only Home’, el ambient de ‘Love in the Shadows’, el folclore de ‘Wi’ Nae Wee Bairn Ye’ll Me Beget’, la canción de palacio que es ‘For We Are the King of the Boudoir’, el amor con adversativas de ‘(Crazy for You But) Not That Crazy’, al que solo le faltan las palmas para ser una canción girl-group, y así hasta 69 peripecias. ¿No es ‘I Can’t Touch You Anymore’ como poner a Leonard Cohen a cantar encima de una canción de Kraftwerk? ¿No habrá ejercido ‘No One Will Ever Love You’ una influencia incluso para alguien tan remoto como Chromatics, como mínimo melódicamente?

Misteriosamente el álbum suena cohesivo en su variedad, incluso a pesar del uso de varios vocalistas. En un mar de instrumentos que incluye una larguísima lista de sintetizadores en el libreto, cuerdas, vientos y todo tipo de accesorios impensados, predomina un gusto por el sonido casero -que no amateur- y cercano, un hilo que a veces logra que ni te des cuenta de que una canción la está cantando Stephin, Claudia Gonson, Shirley Simms o LD Beghtol, quien por cierto a la postre escribiría un libro sobre este álbum. Nadie se entera de que es Dudley Klute quien se queda el momento vocal más agradecido del álbum, esa nota extendida hasta el ahogamiento en ‘The Luckiest Guy on the Lower East Side’, una canción sobre un perdedor, feo, en el que nadie se fija, pero con la esperanza de mejorar su suerte gracias a que tiene coche. La música es tan tonta, tan peregrina y tan edificante a la vez como su propia ocurrencia.

Las historias son variadas: no son personales de amor, pues el disco personal de Stephin será ‘50 Song Memoir‘ (2017). Aun así, Merritt, que puede ser tan mordaz como Morrissey, muchísimas veces apela a un sufrimiento muy puro, como en pistas de cometido tan directo como ‘Kiss Me Like You Mean It’. Muchas se amparan en tristezas como «Tú y yo no creemos en finales felices» (‘My Only Friend’) o «estoy alcanzando mi tope de lágrimas del año» (‘Reno Dakota’). A veces las palabras duelen hasta provocar la lágrima, pero Merritt no se deja llevar por la vehemencia frente al micrófono. En el libro de Kiko Amat en el que se traducen al castellano canciones de Magnetic Fields, el autor recuerda una entrevista con el artista en la que hace un símil con los directores que les piden a los actores que se limiten a decir su frase: «yo también quise decir la frase, sin emoción. Quise que mi voz no fuera dramática, pero sí la frase que pronunciaba».

Lo que importa son las palabras e igualmente hay que poner el foco en el humor del álbum, que aparece a través de referencias cinematográficas (‘Promises of Eternity’ alterna ‘8 y medio’ con ’10, la mujer perfecta’), musicales (la cita a Steve Earl y a la banda de heavy metal GWAR de ‘Acoustic Guitar’ es tronchante) y la vida cotidiana. En ‘Long-Forgotten Fairytale’ eres «la princesa» de verdad «decorada como un árbol de Navidad» en un «viejo castillo encantado», mientras que ‘Love Is Like a Bottle of Gin’ realiza un paralelismo entre el amor y la ginebra tal que así: «Te pone ciego, te deja arruinado / te hace creer que eres un tipo duro / te hace propenso al delito y al pecado / te hace decir cosas sin pensarlas mucho».

Antes de tener internet o posibles para viajar, una generación aprende el inglés que no te enseñan en las escuelas gracias a ’69 Love Songs’. Con el karaoke etílico que implica gran parte del álbum, en algún momento próximo al cambio de siglo aprendimos lo que significaba «one night stand», que «I don’t wanna get over you» no era «no quiero «superarte»» sino más bien «no quiero olvidarme de ti»; que no querer dar a alguien una «second glance» era muchísimo más humillante que no querer dar a alguien una «second chance»; e incorporamos «cucú» como sinónimo de «loco» a nuestro vocabulario en castellano solo porque ‘Absolutely Cuckoo’ tenía la melodía más «cutie» («dulce, repipi, mona») del álbum. En casi todos sus discos después de este, Stephin Merritt se ha apoyado demasiado en los textos, cuando ’69 Love Songs’ presenta un equilibrio perfecto entre música y letras, pero no por ello despreciéis lo que vino más tarde. Dedicarle su tiempo, indagar, sentarte con él, en su caso tiene siempre recompensa.

Calificación: 9,5/10
Lo mejor: ‘The Luckiest Guy on the Lower East Side’, ‘Papa Was a Rodeo’, ‘The Book of Love’, ‘All My Little Words’, ‘Absolutely Cuckoo’
Te gustará si te gustan: The Smiths, Felt, Carole King.
Escúchalo, por favor.

Kehlani / It Was Good Until It Wasn’t

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Kehlani ha estado muy presente en el radar de los amantes de la música pop y del hip-hop gracias a sus diversas colaboraciones con artistas como Justin Bieber, Cardi B, Zayn, Post Malone, Charlie Puth, Zedd o Megan Thee Stallion. Sin embargo, la cantante de Oakland a quien ha crecido escuchando es a Lauryn Hill, Mariah Carey, Jill Scott o Erykah Badu y su carrera, que ya cuenta con varias nominaciones a los premios Grammy, ha estado siempre orientada hacia el R&B, aunque su anterior trabajo, explica la artista, contuviera «un montón de canciones pop».

En respuesta a aquel ‘SweetSexySavage’ –con la playlist ‘While We Wait‘ de por medio– que en 2018 obtenía la certificación de Disco de Oro en Estados Unidos, en ‘It Was Good Until It Wasn’t’, el nuevo trabajo de Kehlani, la cantante ha buscado hacer un álbum que estuviera exento de canciones «uptempo» y existiera en «un único mundo». Y el mundo de ‘It Was Good Until It Wasn’t’ navega a través de un tipo de R&B ralentizado y melancólico que sirve a la artista para regodearse vocalmente en sus historias autobiográficas sobre el desamor, la fama o el deseo… y también en su afición por las armonías marca Brandy, quien a menudo parece la mayor influencia de Kehlani en el plano vocal: ambas son también dadas al melisma sin frenos, a veces demasiado.

La gran curiosidad de ‘It Was Good Until It Wasn’t’ es la colaboración de James Blake en ‘Grieving’. La producción es en realidad de Boi-1da, entre otros, pero el fondo de piano y las texturas electrónicas de la canción recuerdan al trabajo del cantante y productor británico, hasta el punto que esta no desentonaría tantísimo en ‘Assume Form‘. Sin embargo, esta no es una de las mejores canciones del nuevo álbum de Kehlani.

El espíritu de ‘It Was Good Until It Wasn’t’ es de introspección, pero también de exoneración. ‘Toxic’ habla de una relación tóxica, de una «polla que siempre ha sido problemática», pero su nebulosa base no inspira tensión sino alivio. En ‘Hate the Club’ con Mesego, que incorpora unos preciosos pianos de tonos jazzy, Kehlani cuenta la historia (real) de una noche que se presentó a una discoteca aunque las odia, solo para encontrarse con una chica que sabía que iba a estar allí. Y ‘Everybody Business’, una co-autoría de Pharrell Williams, se sirve de las bonitas melodías de una guitarra acústica para ahuyentar los comentarios de los «haters».

En estos temas, Kehlani está tan en su salsa como en los más sensuales, entre los que hay que destacar su re-interpretación de una canción no tan conocida de Aaliyah en ‘Can I’ con Tory Lanez, una «slow jam» de las buenas. La «seducción astrológica» de la burbujeante ‘Water’ y las armonías de la final ‘Open (Passionate)’ también brillan dentro de un conjunto que, si bien no tiene pinta que vaya a salir de su propio círculo como sí lograba el debut de SZA hace unos años, equilibra elegancia y honestidad con una buena dosis de personalidad.

Calificación: 7,1/10
Lo mejor: ‘Toxic’, ‘Can I’, ‘Everybody Business’, ‘Hate the Club’
Te gustará si te gusta: SZA, Brandy, Sabrina Claudio
Youtube: vídeo de ‘Everybody Business’

‘Volcano Man’, el hilarante adelanto de la película sobre Eurovisión de Will Ferrell y Rachel McAdams

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Netflix anunciaba hace un par de años la producción de una película centrada en Eurovisión, con Will Ferrell como co-guionista y protagonista. Poco a poco se iría conociendo la jugosa implicación en el proyecto de Rachel McAdams, Pierce Brosnan y Demi Lovato, entre otros, con el objetivo de estrenarse esta primavera de 2020, justo al mismo tiempo en que había de celebrarse la edición número 65 del certamen. Pero, como sabemos, ni el festival se ha celebrado esta semana en Rotterdam, ni la película ha podido ser terminada a tiempo, todo a causa de la pandemia de Covid-19.

Así, esta noche a las 21:00h en TVE, justo cuando se habría celebrado la final de Eurovisión 2020, ejercerá de sucedáneo el especial ‘Europe Shine a Light’, en el que actuarán sin público ni votaciones varios de los países participantes, entre ellos España con Blas Cantó y su ‘Universo’. Así mismo, Netflix ha querido hacer un guiño a este no-evento liberando una de las canciones que se interpretan en ‘Festival de la Canción de Eurovisión: La historia de Fire Saga‘. Y es una pena que no estreno y festival no hayan sucedido, porque la cosa pinta realmente bien.

Se trata de ‘Volcano Man’, canción interpretada por Ferrell y McAdams, que son los dos integrantes de Fire Saga. Ese es el nombre del dúo protagonista de la película-parodia, y que representa a Islandia. Escrita y producida por el tándem escandinavo Gustaf Holter y Christian Persson, reproduce bastante bien los clichés de una canción eurovisiva, con la insólita pareja cantando en broken-english sobre «el hombre de los volcanes», protector de su país. Aunque si la canción es graciosa, el clip que se ha filtrado/liberado hace unas horas es totalmente tronchante, con Will ataviado como un vikingo y Rachel como una gélida ninfa, cantando en parajes inhóspitos que, si no son de la propia Islandia, lo parecen. Habrá que esperar a Eurovisión 2021, quizá, para ver completa esta historia de Fire Saga.


Aitana es una diosa que salva la música en ‘Enemigos’, posible nuevo hit con Reik

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Aitana se ha convertido en la intérprete pop española del momento, como ya prometía en su paso por Operación Triunfo. Si bien podría haberse atribuido al empuje del talent-show el enorme éxito de su debut ‘Spoiler‘, singles como ‘Presiento‘ –con Morat– y ‘+‘ –con Cali y El Dandee– han vuelto a ser hits de forma meritoria –’Si tú la quieres’, con Bisbal, ya tal–, demostrando que es muy consciente de qué dirección tomar para afianzarse. Ahora vuelve a dar muestras de ese buen tino para lo comercial con ‘Enemigos’. [Ilustración: Laia López.]

Se trata de un single en el que comparte protagonismo con Reik, el trío mexicano que, como ella, acumula discos de oro y platino con temas de reggaeton romántico como ‘Me niego’ o ‘Amigos con derechos’. El tema que les une a la catalana es una atractiva pieza de pop mainstream contemporáneo con bastante pegada –producen los recurrentes Mango y Nabález–, con ese estribillo que alude a una relación de amor que acaba terriblemente mal. Su vídeo oficial supera los 2,2 millones de visualizaciones en las últimas 24 horas, siendo así el clip musical más visto del momento en España… aunque parte del mérito puede recaer en la propia pieza audiovisual.

Dirigido por el equipo de Antiestático y con la creación de personajes a cargo de la conocida autora de literatura juvenil Laia López, ‘Enemigos’ plantea una historia que poco nada tiene que ver con el rollo sentimental de la letra: en un mundo en el que los instrumentos y equipos de producción han sido embrujados por el malvado Silencio, Aitana es una suerte de diosa que, invocada por Reik, llega a la Tierra para devolvernos la música. Es un poco ñoño, claro que sí, pero también es una fórmula bastante ingeniosa de dar un buen soporte promocional al single en tiempos de aislamiento, en línea a lo que han hecho últimamente C. Tangana o Carolina Durante, por citar un par de ejemplos.

Canción del Día: ZHU y Tinashe se proyectan en las relaciones post-Covid-19 con la fascinante ‘Only’

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Desde que su primer single oficial ‘Faded’ fuera nominado a un Grammy en 2014, Steven Zhu –conocido como ZHU– se convirtió en uno de los productores más interesantes de su generación, logrando en discos como ‘GENERATIONWHY’ y ‘RINGOS DESERT’ mantener el equilibrio entre éxito comercial y un riesgo que le hace mantener lazos con el circuito underground de la electrónica. En sus discos y singles, además, puede presumir de haber logrado congregar a una pléyade de artistas de renombre que han colaborado con él: Tame Impala, AlunaGeorge, Skrillex, TOKiMONSTA o Majid Jordan, se han contado entre ellos. Y, desde hace unas horas, se les ha sumado Tinashe.

La autora de ‘2 On‘ co-protagoniza el nuevo single del productor californiano, ‘Only’, en el que vuelve a demostrar su gran capacidad para fascinar con elementos a priori no demasiado novedosos. En este caso, además, juega a enlazar y superponer distintos elementos que convierten la canción en una montaña rusa de emociones. Cantando él mismo, ‘Only’ comienza evocando el R&B oscuro de The Weeknd… hasta que irrumpe una suave base bailable, que poco a poco va retorciéndose y haciéndose más intensa a medida que ZHU emplea su falsete. Después de que Tinashe intervenga con un gancho en el que declara estar «buscando a alguien a quien amar», se incorpora un bajo ácido próximo al trance y, sin abandonar la delicadeza, ‘Only’ se convierte en un banger.

Ese diálogo de cierta ansiedad por amar y ser amados es trasladado a imágenes por el realizador Jack Murgatroyd, que hace una oportuna interpretación de la letra en tiempos de Covid-19: «El vídeo señala el momento actual, ese ubicuo sentimiento de incertidumbre y desasosiego», ha declarado a The Fader. «Esta es nuestra aproximación creativa a esas emociones, nuestra manera abstracta de abrir nuestros sentimientos de aislamiento y redundancia». Se refiere al intercambio entre ZHU y Tinashe que, enfundados en sus pertinentes máscaras protectoras, se observan de edificio a edificio anhelando unirse, mientras unos desconocidos bailan con trajes de aislamiento.

No está claro si ‘Only’ forma parte de un hipotético tercer álbum de ZHU, ni si se unirían a él los temas que ha venido lanzando el año pasado con artistas como Sofi Tukker, NGHTMRE o The Bloody Beetroots. En cuanto a Tinashe, se trata del primer material que publica la artista de R&B tras el recomendable ‘Songs for You‘. Prolífica y activa como pocas compañeras de su ámbito (además de liberada de un contrato que la limite), podría sorprender con nueva música en cualquier momento.

Lo mejor del mes: