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Haim nos hacen bailar al caótico ritmo de una depresión en ‘Now I’m In It’

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Ya es definitivo: Haim están de vuelta y, tras ese ‘Summer Girl‘ en el que hacían un guiño o dos a ‘Walk on the Wild Side’ de Lou Reed’, presentan el que parece el segundo single de una todavía hipotética continuación de ‘Something to Tell You‘. Se titula ‘Now I’m In It’ y, como su antecesora, se trata de una canción de cariz profundamente personal en lo que se refiere a su letra.

Si en aquel caso Danielle Haim buscaba plasmar el espíritu que trató de insuflar a su pareja –y, a la sazón, productor no solo de este grupo sino también de Madonna, Adele, Charli XCX o Vampire Weekend– Ariel Rechtshaid cuando hubo de combatir un cáncer, ahora se enfoca en hablar de sí misma y sus hermanas Este y Alana, compañeras de banda.

Concretamente de una depresión que hubo de superar y por la que, cuenta, también han pasado aquellas en distintas etapas de sus vidas. «Son momentos difíciles de olvidar y aún más difíciles de superar. Después de estar constantemente en marcha durante el último par de años, no quería parar y asumir ciertas movidas. Además, cada día mis hermanas y yo nos sentimos tan afortunadas de que este sea nuestro modo de vida… Parecía que parar y manejar estas emociones sería decepcionar a todo el mundo. Cada vez que he estado deprimida me lleva tiempo aceptar que necesito ayuda, empezar a salir de ello», dice en un extenso texto que recoge Stereogum.

Por eso aclara que ese «no podemos ser amigos / no podemos fingir que tiene sentido» que repite Danielle en el pre-coro, aunque se preste a pensar que se trata de una canción de ruptura, se refiere a ella misma y su propia mente. Y su vídeo oficial, de nuevo dirigido por el reputado cineasta Paul Thomas Anderson con más bien poca metáfora, muestra su «rescate» por parte de sus dos hermanas, que la llevan literalmente en volandas hasta un lavado automático de coches (?) del que sale fresca y renovada, lista para ir a un bar e hincharse a chupitos junto al hombre de su vida (sí, aunque aparece de soslayo, el hombre junto al que se sienta en la barra es Ariel).

Pero quizá lo más inspirado y vibrante de este retrato de la depresión es cómo su ritmo acelerado y a veces caótico –plasmado con unos fraseos pronunciados a toda pastilla (recordando un poco a los de Katy Perry en ‘Never Really Over’)– nos hace bailar. La canción –compuesta, por cierto, junto a Rostam y un talento injustamente olvidado de su misma generación, Ramesh Srivastava de Voxtrot– se construye con una suma de elementos discretos, apenas esbozados –con excepción de las exuberantes percusiones–, que al sonar superpuestos transforman en sonido el río de pensamientos que Danielle padece cuando está en esos momentos bajos, siendo ese puente al piano que detiene todo el momento de liberación, la ansiada bocanada de aire que permite recuperar el aliento. Dada la cada vez mayor visibilidad de las enfermedades mentales, parecía cuestión de tiempo que un día bailáramos al son de una depresión.

Kim Petras / TURN OFF THE LIGHT

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En la era de las «mixtapes» que realmente no lo son, Kim Petras ha sacado una de verdad y además con concepto: ‘TURN OFF THE LIGHT’, su colección de canciones inspirada en Halloween y completada con una segunda parte el pasado 1 de octubre (la primera salió en 2018), se compone de varios temas e interludios la mayoría de los cuales nadie contará jamás entre lo mejor que ha firmado la alemana, pero el conjunto es mucho más satisfactorio de lo que cabría esperar.

El motivo principal de esto es que ‘TURN OFF THE LIGHT’, en el que, como buena «mixtape», todas las pistas suenan seguidas y sin cortes, jamás se toma a sí misma demasiado en serio. Y no solo porque haya en ella títulos como ‘Death By Sex’ o ‘Boo! Bitch!’ o una colaboración con la mismísima Elvira haciendo la vez de Vincent Prince en el tema titular, sino porque algunas letras no dejan de tener una segunda lectura sexual que las convierte en cómicas. En ‘There Will Be Blood’, el hitazo del segundo volumen (aunque este es presentado en primer lugar en la secuencia completa), Kim canta: «soy una psicópata, esta noche será un infierno, y sé que lo quieres», y con su amante arrodillado ante ella, le incita en el estribillo a «correr por su vida» y a «decir su último adiós». Y luego está la mencionada ‘Death By Sex’, de ritmillo trap y titulada así porque Petras busca que su amante se «quede dormido» después de haber compartido con él una noche de «sexo, sexo, sexo».

De obvia inspiración synth-pop (ojo a la escalofriante ‘Wrong Turn’) y con ecos a los primeros Daft Punk en muchos puntos (‘TRANSylvania’), ‘TURN OFF THE LIGHT’ está producido principalmente por MADE IN CHINA, alias de Lukasz Gottwald, y su trabajo es especialmente elogiable en los interludios. Aunque en ‘Knives’ se echa en falta un mayor protagonismo de los «cuchillos», los ritmos industriales y gélidos de ‘demons’ y ‘Boo! Bitch!’ se acercan a lo exquisito, y lo mejor de todo es que casi todos los interludios mejoran la secuencia del álbum contra todo pronóstico. Quizá ‘Purgatory’ no sea tan buena intro como lo era ‘o m e n’ en el primer volumen, pero la macarra ‘Bloody Valentine’ tiene todo el sentido del mundo sonando después de ‘There Will Be Blood’ por alguna razón y en general toda la secuencia de la segunda parte de ‘TURN OFF THE LIGHT’ (que repito, suena en primer lugar) crea una atmósfera muy conseguida que invita a escucharla de principio a fin.

Y aunque las canciones de ‘TURN OFF THE LIGHT’ no sea tan buenas como un ‘Heart to Break’ o un ‘Broken‘, no hay que pasar por alto que ‘Close Your Eyes’ ha sido una de las más escuchadas de Petras durante todo el año pese a su temática. La canción cuenta con una melodía demasiado espectacular (es puro Dr. Luke) como para esperar 365 días a escucharla, pero se termina echando en falta en el disco un mayor número de canciones igual de buenas, porque al margen de esta, ‘There Will Be Blood’ y ‘Wrong Turn’, el resto es claramente inferior. Al menos sorprende el uso de la melodía de ‘Carol of the Bells’ de Mykola Leontovych -un villancico de 1914- en ‘Massacre’ y ‘Tell Me It’s a Nightmare’ es toda una chuchería.

En cualquier caso, y siendo ‘Thriller’ una de las canciones y videoclips más famosos de la historia, pues incluso titula el disco más vendido de todos los tiempos, ¿por qué no salen más discos inspirados en Halloween y menos de Navidad cuando Halloween es una fiesta muchísimo más divertida y popera? ¿Creará Petras tendencia? Lo que está claro es que, de haber salido en los 80, ‘TURN OFF THE LIGHT’ habría merecido, como mínimo, un especial terrorífico en la MTV…

Calificación: 7,2/10
Lo mejor: ‘There Will Be Blood’, ‘Close Your Eyes’, ‘Wrong Turn’, el aporte de los interludios y el buen «flow» de la secuencia.
Te gustará si: echábamos de menos que hubiera más discos inspirados en Halloween.
Escúchalo: Spotify

5 joyas perdidas en MIRA Festival ¤ SON Estrella Galicia

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Después de hacer un repaso a los 5 artistas más importantes del festival MIRA Festival ¤ SON Estrella Galicia de Barcelona, que volverá a desplegar sus alas los días 5, 6, 7, 8 y 9 de noviembre en el recinto de Fabra i Coats, nos detenemos en cinco de sus joyas perdidas. La garantía de calidad, como de costumbre, es exactamente del 100%.

Vessel

En palabras de MIRA, la música de Vessel «encarna una declaración que se libera de todas las limitaciones y habla de la verdadera naturaleza de la libertad espiritual, física, artística y personal». Muchos conocieron al inglés Sebastian Gainsborough por su lúgubre segundo disco publicado en 2014, ‘Punish, Honey’, pero fue en 2018 cuando terminó de despuntar gracias a su fusión de tecno y música de cámara en ‘Queen of the Dogs’. Un trabajo inspirado en las obras de la pintora catalana exiliada en México Remedios Varo (la portada es obra de ella), que Vessel presentará en MIRA acompañado por los visuales analógicos de Pedro Maia. La cita es el sábado 9 de noviembre.

CURL

CURL no es un artista sino un colectivo y sello londinense que engloba la obra de varios artistas y productores experimentales afincados en la ciudad. Los principales son Mica Levi, Coby Sey y Brother May, pero también destaca por ejemplo el trabajo de Suitman Jungle. La primera casi no necesita ningún tipo de presentación pues es autora de las bandas sonoras de ‘Jackie’ y ‘Under the Skin’, la primera de las cuales recibió una nominación al Oscar, además de líder del proyecto Micachu and the Shapes y productora del debut de Tirzah. Las cuidadas producciones de hip-hop experimental de Coby Sey y Brother May también desprenden una sensibilidad única, que prometen uno de los directos más interesantes de todo el festival. Será el sábado 9 de noviembre.

Smerz

Fichadas por XL Recordings nada menos, las noruegas -aunque afincadas en Copenhague- Catharina Stoltenberg y Henriette Motzfeldt forman Smerz, un proyecto con el cual mezclan ritmos oscuros de electrónica con melodías propias del R&B, todo atado con sus desganadas voces. Escuchándolas lo mismo piensas en Yaeji que en Nite Jewel, Tirzah o Jessy Lanza, pero lo seguro es que tienen algo especial. La distorsiones de ‘No harm’ son un ejemplo, pero que ‘Because’ se acerque a los 3 millones de streamings en Spotify no es una sorpresa. Las chicas actuarán el viernes 8 de noviembre en MIRA junto al video-diseñador Weirdcore. Atentos los fans de los sonidos nocturnos más decadentes y confusos.

Colin Self

Dentro de las actividades paralelas de MIRA 2019 cabe destacar el concierto de Colin Self, que tendrá lugar en el Teatre Lliure de Gràcia. El artista, vocalista, coreógrafo, compositor y activista estadounidense afincado en Berlín Colin Self (foto) presentará junto a un trío de cuerdas y un grupo de intérpretes ‘Siblings’, su ópera de seis partes «trans-feminista» en el que explora temas como la «alienación», la «empatía», el «colapso social y ambiental» o el «papel de la familia no biológica». Un trabajo épico e importante que podrá degustarse en vivo el miércoles 6 de noviembre.

Blanck Mass

Otrora miembro de Fuck Buttons, Benjamin John Power se está labrando una brillante carrera en solitario gracias a sus arrolladoras y abrasivas producciones de noise electrónico, resultando este año en el Disco Recomendado ‘Animated Violence Mild‘, que contiene pepinazos como ‘Love is a Parasite’. El artista que se hace llamar Blanck Mass estrenará espectáculo en España en la próxima edición de MIRA, el sábado 9 de noviembre, con este álbum como pretexto, y acompañado por el trabajo visual de Don Tombs, que ha trabajado con Jon Hopkins, entre otros.

3000 fotogramas hechos a mano componen el desorientado y triste nuevo vídeo de Thom Yorke

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Thom Yorke continúa con la promoción de ‘ANIMA‘, su último disco. Y si junto a la salida del álbum, veía la luz en Netflix un emocionante corto de 15 minutos compuesto por tres visuales distintos para tres de las canciones incluidas en el largo, y dirigido por Paul Thomas Anderson nada menos, el nuevo vídeo de Yorke es completamente independiente.

La canción escogida esta vez para la promo de ‘ANIMA’ es ‘Last I Heard (…He Was Circling The Drain)’, una de las más interesantes en cuanto a su producción. La idea esta vez ha sido colaborar con Saad Moosajee y el estudio y colectivo experimental Art Camp para trasladar a imágenes esas atmósferas grises, tristes y apesadumbradas que sobrevuelan todo el disco. Pero ojo, porque el vídeo tampoco es cualquier cosa. Quizá porque, según explica el colectivo, es resultado de haber trabajado en múltiples vídeos que al final fueron desechados. El actual se compone de más de 3000 fotogramas hechos a mano.

Protagonizado por un solitario astronauta perdido en medio de una inquietante urbe, el vídeo de ‘Last I Heard (…He Was Circling The Drain)’ es una pequeña maravilla inspirada en los sueños de Thom Yorke y que busca reflexionar sobre la desconexión entre los seres humanos en el contexto de una ciudad demasiado ocupada. «Nuestro primer y último objetivo ha sido evocar los sentimientos de la canción y del disco», explica el colectivo. «Thom compartió con nosotros una lista de visiones que había tenido, imágenes desconectadas de sus sueños, y nosotros trabajamos en ellas con nuestras propias visiones. Nuestra intención ha sido comunicar el hecho de sentirte completamente solo en medio de un montón de gente con la que te identificas, pero a la que no entiendes; gente demasiado absorta en la ciudad como para ver que necesitas su ayuda».

The Twilight Sad cancelan su concierto en Madrid a un par de horas de actuar

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The Twilight Sad iban a actuar esta noche en Madrid, pero el concierto ha sido cancelado a escasas horas de que empiece por problemas con el recinto de Cool Stage. Así lo ha explicado en un comunicado la promotora Doctor Music: «Lamentamos tener que comunicar que The Twilight Sad se ven obligados a cancelar el concierto previsto para esta noche en Cool Stage en Madrid. La sala no está en condiciones para la celebración del concierto debido a la realización de unas obras que no permiten la apertura de la sala al público con plenas garantías de seguridad. Lamentamos las molestias que esta cancelación pueda causar a sus seguidores, pero la seguridad en un concierto es siempre prioritaria».

En el mismo texto se indica que «el importe de las entradas será reembolsado de forma automática a partir de mañana» jueves 31 de octubre y que el concierto de The Twilight Sad de mañana en la sala La Nau de Barcelona se mantiene en pie.

Artífices de uno de los directos destacados en la pasada edición de Mad Cool y admirados por Robert Smith, con el que los escoceses han colaborado, The Twilight Sad han publicado este año un recomendable álbum de post-punk con ecos a Depeche Mode y a Joy Division llamado ‘It Won’t Be Like This All the Time‘, el que presentaban esta noche.

Halsey va de Manson, Avril de Madonna, Justin de micro, Demi de dama de Versalles… en Halloween 2019

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Que Halloween se celebre oficialmente el día 31 de octubre no significa que los famosos y la gente de a pie no empiecen a disfrazarse mucho antes, incluso con semanas de antelación. Así, en los últimos días hemos visto a varias celebridades paseando sus atuendos por fiestas o a través de Instagram, y esta vez Heidi Klum no ha sido la reina de Halloween, aunque tampoco ha habido realmente un disfraz espectacular… al menos de momento.

Sí cabe destacar la entrega de Halsey, que se ha disfrazado de hasta dos iconos del pop. Por un lado, de Marilyn Manson en la etapa de ‘Mechanical Animals‘, y por el otro, de Cher en los 70. Además, la autora del inminente ‘Manic’ salía recientemente al escenario con Avril Lavigne para cantar con ella ‘Girlfriend’, mientras la canadiense iba de la Madonna más zarrapastrosa, época ‘Holiday’. Otra cantante que se ha disfrazado por partida doble en Halloween es Demi Lovato, que ha ido de reina de Versalles y también de Pennywise.

Quizá el peor disfraz de todos haya sido el de Justin Timberlake y Jessica Biel, marido y mujer. Ella iba de él en *N SYNC y él de micrófono (?), lo cual suena a la peor idea del mundo, pero es incluso más horrorosa vista en imagen. Arriesgándose menos, las mejores amigas Cardi B y Nicki Minaj iban mejor de enfermera sexy y de Harley Quinn, respectivamente. Pero el mejor disfraz en pareja ha sido el de Ciara y su marido Russell Wilson, que han encarnado a Beyoncé y Jay-Z en el vídeo de ‘APESHIT’. Muy actual, tanto como el atuendo de «Silly Eilish» de Jameela Jamil. Por su parte, la familia Jenner/Kardashian también ha tirado por lo musical: Kourtney ha ido de Ariana Grande y Kylie ha recreado con una colega el beso de Madonna y Britney.

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resident goths. @marilynmanson

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I’m here to assist your shhhttaaaankin ass❤️

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I honestly can’t wait to trick or treat.

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Fischerspooner anuncia su fin: «larga vida a Fischerspooner»

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Fischerspooner han publicado un post en sus redes sociales que solo puede interpretarse como el anuncio de su separación. La imagen incluye el escrito en mayúsculas «FISCHERSPOONER HA MUERTO, LARGA VIDA A FISCHERSPOONER» y, en el texto de acompañamiento, el grupo simplemente escribe «gracias por todo».

El inesperado fin de Fischerspooner llega dos años después de que el dúo formado por Warren Fischer y Casey Spooner (originalmente, pues en la actualidad contaba con otros miembros) publicara su álbum ‘SIR‘, un disco producido por Michael Stipe de R.E.M. que veía la luz 9 años después del anterior, ‘Entertainment‘, incluyendo una colaboración con Caroline Polachek. No ha sido una discografía prolífica la de Fischerspooner por tanto (4 álbumes en 20 años), pero tampoco puede decirse que el grupo no haya dejado su huella en la música.

Formado en Nueva York en 1998, Fischerspooner fue uno de los proyectos surgidos del electroclash de principios de la década pasada que más popularidad adquirió junto a otros como Miss Kittin, Ladytron o Peaches. En su caso, el dúo lo logró con una serie de hitazos incontestables como ‘Emerge’, ‘Sweetness’ o su versión de ‘The 15th’ de The Wire, y otros como ‘All We Are’ o ‘Never Win’, con los que consolidó su estilo de electropop bailable y puramente neoyorquino, cristalizado sobre todo en sus dos primeros álbumes, ‘#1’ y ‘Odyssey’. Junto a sus letras políticas (algunas inspiradas en la escritora Susan Sontag, que tiene un crédito en ‘We Need a War’) y buenos directos, el grupo nunca ha dejado de tener su público, el mismo que ahora lamentará su marcha.

CocoRosie anuncian disco y siguen fieles a su estilo en ‘Smash My Head’

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CocoRosie, el dúo formado por las hermanas Bianca y Sierra Casady, que despuntara a principios de la década pasada con sus discos ‘La Maison de Mon Rève’ (2004) y ‘Noah’s Ark’ (2005), creando con ellos un sonido propio de voces aniñadas y operísticas, folk extraño y preciosista, hip-hop «de habitación» mucho antes de que conociéramos el término «bedroom pop» y música hecha con juguetes y cachivaches, ha anunciado un nuevo disco que verá la luz el 6 de marzo de 2020.

‘Put the Shine On’, con esa portada exquisita marca de la casa, será el séptimo trabajo de estudio de CocoRosie, que acaban de colaborar con Chance the Rapper en su debut oficial, ‘The Big Day‘, en concreto en un tema llamado ‘Roo’, marcándose una incursión en el mainstream completamente inaudita.

El primer adelanto de ‘Put the Shine On’ es ‘Smash My Head’, que no suena tan diferente a lo que ya hiciera el grupo en su anterior álbum, ‘Heartache City‘, el cual fue, a su vez, un regreso al sonido de su debut. Aunque sí hay algún cambio. El tema presenta un ritmo downtempo y la melodía de una caja de música, pero destaca por su atmósfera gris, realzada por unos sintetizadores bastante industriales. En su videoclip, dirigido por la propia Bianca, vemos al dúo vestido con sus habituales ropajes victorianos.

‘Put the Shine On’:
01 High Road
02 Mercy
03 Restless
04 Smash My Head
05 Where Did All the Soldiers Go
06 Hell’s Gate
07 Did Me Wrong
08 Lamb and the Wolf
09 Slow Down Sun Down
10 Burning Down the House
11 Ruby Red Bass
12 Aloha Friday

Residente, Kase.O y Lágrimas de Sangre, primeros confirmados de Cruïlla 2020

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El festival Cruïlla de Barcelona, que actualmente se encuentra en plena celebración de su edición de otoño, con conciertos anunciados de Manel, Catarres, León Benavente, Iseo & Dodsound, SFDK o Planet Hemp, entre otros, desvela hoy miércoles los primeros nombres de su próxima edición de verano, que tendrá lugar en julio de 2020.

Se trata de Residente, Kase.O y Lágrimas de Sangre. El primero es conocido por su trabajo en solitario tras su paso por Calle 13 y actualmente triunfa con su hit ‘Bellacoso’ con Bad Bunny, mientras el segundo es considerado una «leyenda viva» del rap español gracias a álbumes como el que publicaba en 2016, ‘El círculo‘. Por su parte, Lágrimas de Sangre parece un nombre muy esperado por los asistentes de Cruïlla según explica el festival en nota de prensa, y su sonido se caracteriza por una fusión de hip-hop, reggae y rock además de por unas letras «con un fuerte componente combativo y social». Los tres actuarán el jueves 2 de julio.

La pasada edición de Cruïlla dejó cabezas de cartel estelares tales como Kylie Minogue, Garbage, Vetusta Morla y Black Eyed Peas además de los conciertos destacados de Years & Years, Bastille, Michael Kiwanuka o Love of Lesbian. Sin embargo, aquella edición volvió a hacer especial hincapié en el rap hispano, como demuestran ahora estas nuevas confirmaciones, y en aquel caso con la presencia en su cartel de un grupo tan popular -y capaz de ser cabeza de cartel- como Natos y Waor.

Girando por Salas revela a sus 26 artistas, con Marem Ladson, Bambikina, Mourn, El lado oscuro de la broca…

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Girando por Salas ha revelado los 26 artistas y grupos seleccionados en su última convocatoria, entre un total de 699. Estos 26 artistas recibirán ayudas para la celebración de conciertos dentro del circuito de salas en todo el territorio español como fomento de la expresión más viva de la música popular. Dichos conciertos (para cuyo desarrollo se han inscrito 210 salas de todo el país) se realizarán fuera de la Comunidad Autónoma de residencia de cada artista o a un mínimo de 300 km dentro de la misma. Con esto se quiere potenciar a los talentos musicales emergentes y su difusión más allá de su ámbito de influencia natural, así como incentivar la profesionalización de los mismos. Así mismo, los artistas recibirán una ayuda para la producción y promoción discográfica de sus trabajos, potenciando con ello tanto la producción discográfica como la estabilidad del circuito de salas de música en directo.

Los 26 artistas seleccionados, en orden alfabético, son Aaron Rux and the Crying Cowboys, Artistas del Gremio, Ayoho, Balkan Paradise Orchestra, Bambikina, Carlos Cros, El lado oscuro de la broca, Embusteros, Iván Sanjuán Cuarteto, J Dose, Kitai, La Sra. Tomasa, Las Sexpeares, Los Fesser, Los Saxos del Averno, Machete en Boca, Marem Ladson (que este año ha despuntado gracias a su colaboración con Natalia Lacunza); Mourn, Sweet Barrio, The Levitants, The Prussians, Tu Otra Bonita, Uniforms, Veintiuno, Wily Naves y Wom’s Collective.

Además de los votos emitidos por todos los representantes del jurado, el público, a través de la web de Girando Por Salas, pudo votar a sus bandas y solistas preferidos y los 20 más votados contaron con un voto extra. De los 26 seleccionados, 6 lo han sido con apoyo del voto popular.

‘Rings a Bell’ de Allie X es la definición de «grower» sonando entre la última Katy y la primera Róisín

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Allie X es una de esas artistas capaces de moverse como pez en el agua entre el ámbito alternativo y el mainstream, y sin haber alcanzado jamás la popularidad de una Katy Perry o incluso una Charli XCX, la canadiense está construyendo una discografía llena de temas pop bastante incontestables, entre los que brillan las geniales ‘Casanova‘ y ‘Girl of the Year‘.

Nadie sabe por qué estas canciones no lo han petado como merecían, pero Allie X pasa ya página de su etapa más «Hollywoodiense» y sus nuevas canciones se sumergen en una oscuridad muy propia del mes en el que estamos, con Halloween a la vuelta de la esquina. Además, son probablemente las más sofisticadas que ha publicado la cantante hasta la fecha: solo así puede explicarse que tanto la balada ‘Fresh Laundry’ -compuesta antes de ‘Super Sunset‘- como la bailable ‘Rings a Bell’ sean tan sumamente adictivas cuando en principio no lo parecían en absoluto. Pero parece que es en estas canciones donde Allie X se ha encontrado a sí misma, y la misma artista reconoce que son las mejores que ha escrito.

En especial ‘Rings a Bell’, producida por el sueco Oscar Görres, engancha sin que realmente lo esperes: es la absoluta definición de «grower». A veces escuchas una canción que, sin conmoverte de primeras, sabes que ha plantado una semilla en tu cerebro, y es el caso de esta gran canción pop que, gracias a sus campanillas eclesiásticas, suena a medio camino entre Halloween y Navidad, pero cuya producción es puramente contemporánea. La base tiene un punto deep house que habría encajado en algún lugar de ‘Witness‘ de Katy Perry, pero a la vez un punto jazzy que remite a la primera Róisín Murphy. Y por encima de todo se impone un estribillo sutil pero a la vez ultra melódico, tan elegante y a la vez extraño como el propio estilo de Allie X en las imágenes promocionales.

Y no puede pasarse por alto que ‘Rings a Bell’ respira un elemento esotérico, casi fantasmal, que conecta con su propia temática. «El sentimiento de haber estado ya en un lugar es algo que he explorado en este último año», ha explicado la artista en Twitter. «Esta canción va sobre caer en la madriguera del conejo, sobre vivir algo surrealista, como procedente de un sueño, o quizá de tu subconsciente».

Mala Rodríguez: «Hasta 2013 España era muy de nichos, de pequeños sectores, un lugar raro»

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En medio de la lluvia de singles que Mala Rodríguez nos ha regalado durante los últimos tiempos, lo que ha incluido temas como ‘Gitanas’ o ‘Aguante’, colaboraciones con Juan Magan, Lola Indigo o Dellafuente, entre muchos otros; la cantante ha recibido el Premio Nacional de las Músicas Actuales. Está valorado en 30.000 euros y supone un reconocimiento a toda su carrera por su carácter pionero en cuanto «a músicas urbanas». Han pasado 6 años de ‘Bruja’, pero tenemos temas nuevos como esta misma semana ‘Dame bien’. Hablamos con la artista en un hotel junto a Universal sobre el galardón, este single reciente o ese nuevo álbum que, ahora sí que sí, está ya terminado. Ni que decir tiene que La Mala es una de mis entrevistadas favoritas, dejando una sentencia interesante, exactamente, cada dos párrafos.

¿Te esperabas el Premio?
Fue una sorpresa absoluta.
¿Lo conocías?
No (sonríe).

¿Qué te ha parecido la lista de ganadores previa?
Bastante rara, muy diversa. Pero no había ningún artista del género mío, así que ha sido un sorpresón en mil sentidos. No esperaba esa llamada. No suelo coger los teléfonos que no conozco, y Alba Molina, que me estaba hablando por teléfono, me dice: «cógelo, que igual es importante». Al cogerlo, era un montón de gente, parecía una broma telefónica. Toda esa gente hablando a mí me emocionó mucho. Me imagino que a ti también te pasará, que cuando la gente de tu profesión te muestra un respeto, es muy bonito. Y yo lo he sentido de otros músicos, de otros artistas.
¿Quién te llama para algo así? ¿No es tu mánager más bien?
Me llamó Amaya (de Miguel), creo que es la Presidenta. Alguien del Ministerio. Que era como: «¿quién eres? ¿por qué me llamas? ¿he hecho algo malo? (risas)

Se te ha dado este premio por ser pionera en tu género, siempre has mezclado la música española con lo que se hace fuera. No sé si lo ves como un reconocimiento. En realidad, tú siempre has estado reconocida por la crítica, ¿no?
Sí, supongo, no sé. Por un lado sí es cierto que he tenido mucho cariño por parte de la crítica, y en particular de otros artistas. He sentido respeto no solo en España, también en muchos otros países. Pero en este último año he tenido una mayor aceptación por parte del público. Antes sencillamente no era el momento. Ahora sí suena esa música que yo hago, la gente sí la consume de otra manera.

«No hago las cosas para que agraden, sino porque las necesito»

¿Cuándo no te has sentido reconocida?
En ‘Dirty Bailarina’. Yo después de hacer ‘Malamarismo’, que por supuesto también tuvo críticas de «¿qué haces?», porque tenía muchas cosas de funk, bases de Griffi…, seguía buscando cosas raras. Después de eso quería mostrar momentos de mi vida, porque la música que hago representa mi vida y ‘Dirty Bailarina’ es un poco oscuro. Y aquí en España era como «¿qué es esto?». No había esa comunión entre público y artista que sí vi en México. Pero no hago las cosas para que agraden, sino porque las necesito. Tampoco quiero darle muchas más vueltas.

Has trabajado con Steve Lean, supongo que sí te has sentido una referencia para artistas nuevos.
Me acuerdo de que Steve me decía que solo respetaba a Tego Calderón y a mí. Era muy pequeño cuando le conocí y le pedí bases. Le decía: «Quiero escuchar tú música». Y me pasó unos beats. Esa es la esencia de lo que hago. Alguien que está en la calle. El sonido urbano es eso, no tanto como guitarra, bajo, un montón de instrumentos. Tiene que ver con otras circunstancias. Cuando yo empecé a rapear, lo que la gente hacía era coger cintas y grabar un beat cogiendo pedacitos de breaks de canciones. Y la gente mayor que yo, ahí hacían los ritmos sobre los que rapeaban. Era la hostia. Esa es la historia. Cuando yo veo a chicos que empiezan, siempre me motiva. La esencia sigue estando ahí.

Puedo hacer un montón de música, las personas no somos planas, somos poliédricas. Yo al menos tengo dentro un montón de cosas distintas. ¿Que algunas canciones son más comerciales que otras? Pues no te lo niego

Ya nos hablaste en la entrevista anterior de tu tema con Juan Magan, ¿pero te esperabas esos streamings? 100 millones. Es flipante.
Ha sido una pasada. Yo no, pero la gente alrededor mía, sí. Me decían: «tiene mucha energía». Cuando grabé el primer verso, dije: «tengo que darle más duro porque él tiene mucha energía». (Juan Magan) pega unos gritos que te despeina, no por volumen, es por la energía que tiene el pavo. Quería hacer algo a la altura de su verso. Hice una letra, cambió un poco hacia dónde iba la canción y él entonces también modificó cosas. Yo no me limité a hacer de víctima o de mala, sino que quise dar un giro con la letra a lo que él estaba planteando. Ha quedado una canción diferente, con muchísima fuerza y sin complejos. Estaba clarísimo que me iban a criticar. Eso lo tenía muy claro. Me decía: «ahora otra vez a darle explicaciones a la gente». Porque nunca llueve a gusto de todos (risas) Yo no puedo hacer lo que me dé la gana. La gente espera de uno que haga lo que le gusta. «A mí me gusta esta canción, pues haz esta». «A mí me gusta esta canción, pues haz esta». Yo puedo hacer un montón de música, las personas no somos planas, somos poliédricas. Yo al menos tengo dentro un montón de cosas distintas. Puedo pasar por mil estados, como dice Kase.O. Me gusta compartir y explorar. ¿Que algunas canciones son más comerciales que otras? Pues no te lo niego. Pero tampoco he sido de «como esta tecla me funciona, voy a hacer 45 canciones iguales que ‘Por la noche'». O que otra. No hago eso. No me acomodo, me gusta probar. Es guay.

¿Esperabas mejores números de alguna de las canciones que has sacado este año y medio? ¿De ‘Aguante’, el tema con Dellafuente, incluso ‘Gitanas’?
No. No sé qué decirte. En realidad no me obsesionan los números, está claro que hoy día los números son definitivos para cualquier persona, pero no hay que obsesionarse, señores. Hay que entender que la vida es un misterio que no podremos resolver hasta que hayamos muerto. Todo lo demás son circunstancias de la vida. Hay canciones hermosas que no tienen ni un millón (de reproducciones) y otras que no sabes qué tienen y la gente las adora. No se sabe.

Nos hablabas el año pasado de un disco a medio hacer. ¿Qué ha pasado?
Pues que ya está acabado.

De las canciones que has sacado, ¿cuáles irán dentro? ‘Gitanas’, al menos, supongo.
De eso no sé. Hay un montón de canciones y en breve publicaremos el álbum. Ha sido así porque se ha dado así. Hoy los contratos no son por álbum, son por sencillos. Si quieres sacar sencillos, los vas sacando. Y si te encaprichas de sacar una colección de canciones, también lo puedes hacer. Es todo hablarlo.

«En este último año he tenido una mayor aceptación por parte del público. Antes sencillamente no era el momento»

Fíjate que pensaba que no te motivaba ya mucho el concepto «álbum». Parecía que se había ido perdiendo, pero Rosalía, J Balvin, Bad Bunny con J Balvin, Bad Bunny solo, han sacado discos que les han puesto en primera fila en festivales. También Becky G ha sacado disco. ¿De verdad las discográficas firman por 15 singles?
Esta industria está completamente en constante cambio, como se ha demostrado. Se están barajando todo tipo de opciones. Si algo funciona y encaja en cierto momento, se tira para allá, pero también me parece muy positivo que esté todo abierto, que no sea tan cuadriculado como antes. Antes por huevos tenías que sacar un álbum, del que se promovían 2 sencillos, y el resto era morralla. Ahora la gente puede ir colocando sencillos, puede ir creando expectativa. El álbum siempre va a funcionar, porque es como que el artista se da a conocer en una larga duración. Sacar un sencillo puede ser suerte. Que te guste el álbum es más complicado.

Estoy entendiendo que tu disco es más una colección canciones que un concepto.
Yo no soy muy de concepto. Me gusta improvisar, ir al estudio y dejarme llevar por lo que sale. Luego te das cuenta de lo que es. Es como un pintor que saca y saca. No lo paso tanto por mi cabeza, como por el corazón y es lo que sale. Luego lo miro y lo entiendo, no te digo que no. Me doy cuenta de que «esto significa esto». «Esto está hablando de esta movida». Y me pongo a llorar. Pero eso lo veo luego.

Háblame de ‘Dame bien’. ¿Cómo has llegado a esta canción, a estos colaboradores?
Soy muy fan de ‘Rebota’, de Guaynáa, le tengo un montón de cariño, le mando 200 millones de besitos gitanos. Creo que ha hecho un cambio en el reggaetón, como cuando apareció René de Calle 13. Era algo que no te esperabas. El Guaynáa ha hecho algo así. Viene y se viste diferente, saca eso que tenemos anclao del reggaetonero y me encanta. Es una persona bellísima y superinteligente. Y Big Freedia es como tener una leyenda. El boom del twerk viene del bounce y ella es una de las inventoras, junto con otra. Esta peña empezó todo esto que es un boom. Se lo explico a mis vecinas, toda esta moda viene de esta persona, que se la ha vetado, por haber iniciado una movida que ha sido mundial. Y hacer una canción con ella y con el humor que tiene El Guaynáa es como un canto a la tolerancia. Liberarnos de esos prejuicios. Tiene mucho poder porque es un grito a la tolerancia, al sentido del humor. Va por ahí.

«Como mujer soy dueña de mi cuerpo y no tengo ningún tipo de complejo (…) Nunca ha sido un problema para mí la edad. En ‘Egoísta’ había comentarios de «por qué lleva coletas si tiene 40 años». Aunque los tuviera, yo no estoy haciendo nada para tus ojos, lo estoy haciendo por mí. El hombre cree que tú eres un producto para su consumo»

¿A Big Freedia la has podido conocer?
A través de mail, llamadas: no nos hemos visto ella y yo todavía. Intentamos poderlo hacer posible, pero no fue posible.

Esta canción está muy sexualizada. Sé que tienes más o menos mi edad porque cantabas «tengo 33» cuando yo tenía 33, y me identifico un poco con esta revolución sexual a los 30 y muchos, a los 40. No sé si tú lo asocias a tu edad.
Lo asocio a que como mujer soy dueña de mi cuerpo y no tengo ningún tipo de complejo. He criado a mi familia en ese concepto de ser libre, de sentirte en paz contigo mismo. No ver como algo problemático tu cuerpo. Me disfruto y me gusto. A la mujer se la invisibiliza a partir de los treinta y pocos años, y me da igual, no me afecta. Ya en ‘Egoísta’ me criticaron porque salía con coletas, que siempre me ha encantado salir con coletas. ¿Te acuerdas de AC/DC? ¿Lo que les gusta salir de colegiales? Pues a mí también. No como en el momento hipersexualizado del porno, sino como estudiante rabiosa con todas las ganas de discutir. En millones de conciertos he llevado coletas y falda. Pero como ahora tengo 40 años… Nunca ha sido un problema para mí la edad. En ‘Egoísta’ había comentarios de «por qué lleva coletas si tiene 40 años». Aunque los tuviera, yo no estoy haciendo nada para tus ojos, lo estoy haciendo por mí. El hombre cree que tú eres un producto para su consumo. Me parece arcaico el asunto. Muchas mujeres defienden que se nos hace invisibles a partir de cierta edad, y siempre tenemos que estar justificando nuestras acciones, cuando la mujer adquiere un poderío a partir de los 30 que no tiene nada que ver.

«A las mujeres se nos hace invisibles a partir de cierta edad, y siempre tenemos que estar justificando nuestras acciones, cuando la mujer adquiere un poderío a partir de los 30 que no tiene nada que ver»

¿Entonces estos temas para ti son deliberadamente reivindicativos o simplemente lo que has hecho siempre?
Estoy haciendo lo que me apetece como siempre. Faltaría más que yo tuviera que responder al público. Yo soy así, tengo momentos de puta loca, luego soy la más comprometida, soy superpesimista y quiero suicidarme y en otros momentos me suda la polla todo.

Por lo bailables que te están saliendo estos singles, pensé que estabas saliendo más que nunca.
Todo lo contrario, no es que esté saliendo más, sino que tengo mucha alegría en mi corazón. Estoy feliz. Ha sido difícil, he sido madre soltera, he vivido momentos bastante complicados, pero ahora estoy en el mejor momento de mi vida. Tengo un equipazo, en mi vida todo está genial. Yo estoy feliz, me encuentro bien y en mi música está toda esta energía.

Esto (tu vida privada) lo has llevado con discreción.
No me apetecía hablar de eso.

«Cuando veo que la gente hace una peli al año, un disco al año, me pregunto quién está escribiendo estas canciones, porque las mías las escribo yo. Me gusta compartir algo de peso y cosas que sean verdad. Se necesita un poso para sentir y vivir»

Aunque en algunos momentos has estado desaparecida.
Me he tomado tiempo para vivir y he ido publicando cada 3 o 4 años, porque se necesita vivir para poder escribir. Cuando veo que la gente hace una peli al año, un disco al año, me pregunto quién está escribiendo estas canciones, porque las mías las escribo yo. Me gusta compartir algo de peso y cosas que sean verdad. Se necesita un poso para sentir y vivir.

El tema de los campamentos de composición supongo que no te tienta. O incluso escribir para otros.
No. Hay muchos, me interesa porque tengo muchas canciones que nunca las he cantado y seguramente le puedan interesar a otros artistas. Pero no me he planeado esa parte. Hay un par de chicas que me gustan y quiero producirles música. No es una idea descabellada, pero lo trato como algo mío.

¿Se puede saber quiénes son esas chicas?
No.

¿Cómo ha sido tu colaboración en ‘Vis a vis’? Es guay, pero también rara.
Sí, además salgo ahí como la novia de Saray (risas) Fue todo una puta sorpresa. Najwa me llamó y me dijo «vamos a hacer una cosa». Me fui un día al rodaje y allí mismo me dijeron cuál era la escena. ¿Sabes lo que es eso? Fue muy emocionante porque me gusta mucho la serie. Alba (Flores) es una tremendísima actriz. Najwa igual, es amiga. Ya le tocaba a España hacer una serie así. Ha roto un montón.

¿Ves muchas series?
No. A veces. No tengo tiempo. Cuando estoy en casa, estoy centrada en cuidar y disfrutar de mi familia. No veo series, hago otras cosas. Pero cuando me voy y estoy días sola, veo mazo de cosas. La última que he visto es la de ‘Merlí’. Está muy chula porque hablan de filósofos todo el rato, me gusta, me parece divertido.

¿Qué ha pasado con la colaboración con Alba Molina, ya que la mencionabas antes?
Eso está ahí hecho. Está la canción, pero no sé si te voy a hablar del disco porque está todavía sin fecha.

Entendí de la entrevista anterior que eso estaba a punto de salir hace ya.
He hecho una colaboración con ella aparte.

Lola Indigo nos dijo que eras una de las personas más generosas del mundo, ¿a qué se refiere? ¿Y qué te ha parecido su disco?
A mí ella me parece supertrabajadora, con muchísima energía, tiene luz. Todo lo que le está pasando es lógico porque es una luchadora, quiere que las cosas sucedan, es muy humilde también. Que se dice mucho pero es que es verdad. Si no eres humilde no aprendes. Si eres muy soberbio, luego te vas a pegar un batacazo.

«Yo me he reencontrado con España en 2013 con ‘Bruja’. Hasta entonces era muy de nichos, pequeños sectores, lo recuerdo como un lugar raro»

Tú vienes de los 2000, como Operación Triunfo. ¿Tú te esperabas que de un OT salieran cosas como ella?
El país era diferente, nuestro país ha cambiado mucho. Yo me he reencontrado con España en 2013 con ‘Bruja’. Hasta entonces era muy de nichos, pequeños sectores, lo recuerdo como un lugar raro. Fue un reencuentro bastante guapo. Las generaciones estaban cambiando, todo el público que consume los programas de tele… Nos hemos ido pareciendo a EE UU. Al final se ha conseguido ese modelo, orientado a algo más yanqui.

Lo dices como algo bueno.
En lo que tenga de bueno. Lo bueno que tiene EE UU es el pedazo de industria del entretenimiento. Aquí era cortito. Y bastante elitista. Ahora parece que se ha abierto a nuevos campos. Incluso en el cine. Ahora parece que se puede hablar de industria del cine en Sevilla y me parece la bomba. Y que contemos nuestras historias. Antes solo era importado.

«En España hay mucho racismo, me da mucha lástima, en el mundo entero y siempre va a haberlo»

A raíz de ‘Gitanas’ hiciste una declaración que nuestros lectores no entendieron muy bien, lo de que la mujer gitana era pionera del feminismo. ¿Qué querías decir?
No sé qué quieres que diga. ¿Que aquí hay mucho racismo? ¿Quieres que diga eso, mejor? En España hay mucho racismo, me da mucha lástima, en el mundo entero y siempre va a haberlo. Yo lo veo así. Dime qué otras mujeres trabajaban fuera de casa y cuidaban a los hijos con eso que llaman «crianza natural». Si lo dice una persona adinerada es guay, pero si lo dice una mujer que va con su niño al trabajo y que le da una atención 24/7… ¿comprendes? Entiendo que no se comprenda, pero yo lo digo porque me gusta decir estas cosas, porque me siento en paz cuando lo digo, porque creo que es lo justo. Hay mucho racismo. Yo tengo la piel muy clarita, pero es verdad.

Carly Rae Jepsen y Enrique Iglesias, juntos en un nuevo «lalalá» y «chachachá»

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El productor americano Y2K y el rapero canadiense bbno$ han logrado este verano un viral llamado ‘Lalala’ que suma 300 millones de reproducciones en Spotify después de haber sido top 10 en Canadá, top 55 en Estados Unidos, top 32 en Reino Unido, top 76 en Francia, etcétera.

bbno$ ya tenía un par de discos y un par de EP’s en el mercado pero este ha sido el tema que le ha dado el espaldarazo definitivo. Mucho ha hecho su vídeo en el que la melodía es tarareada desde el principio en el imaginario show televisivo de Y2K, que incluye marionetas y más colores que el videoclip de ‘This Is How We Do’ de Katy Perry.

Ignoro si Enrique Iglesias y Carly Rae Jepsen eran necesarios para darle más alas a esta canción, aunque es el propio Y2K el que los ha llamado en un comunicado «artistas de primera fila». En cualquier caso, aquí están para añadir sus versos desde hoy en un remix que se ha subido a las plataformas digitales. La canción adquiere con el castellano de Enrique un cariz más latino del que ya tenía, acercándose a los territorios de ‘I Like It’ de Cardi B, mientras Carly añade una estrofa en la que dice que “no busca un anillo”, que “tiene dinero” pero que aun así quiere «que sea él quien pague» la cuenta.

Modeselektor, primera confirmación de Warm Up 2020

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Modeselektor protagonizan la primera confirmación para WARM UP Estrella de Levante, que se celebrará en la ciudad de Murcia los días 1 y 2 de mayo de 2020. Los abonos generales y VIP ya están disponibles en warmupfestival.es desde 42€, solo hasta mañana a las 23:59h o hasta agotarse este cupo, cuando subirán de precio.

El pasado mes de mayo se informaba ya de que nada más terminar la edición de 2019, se habían vendido 6.000 abonos en 5 horas para la edición 2020, sin conocerse el cartel, prueba de la buena aceptación del festival entre el público.

Modeselektor, parte de Moderat, estarán en Murcia para presentar ‘Who Else’ (del que analizamos el espectacular vídeo de ‘Who’ aquí) y lo harán como es habitual, según nota de prensa, con «una producción audiovisual única y un set de escándalo en el que el sonido techno, hip hop e industrial son los protagonistas». Será un «live muy ambicioso, en el que el equipo de luces, colores y ritmos en temas como ‘Wealth’ (ft. Flohio) -una de sus nuevas colaboraciones impecables- se recordará por todos los asistentes».

Asimismo, se informa de que, como es habitual, la Región de Murcia albergará un amplio menú de actividades culturales (cine, música, literatura, moda, exposiciones y actividades familiares) en los días previos a Warm Up.

Cigarettes After Sex / Cry

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En mi imaginación, la tercera temporada de ‘Twin Peaks’ fue tal éxito que David Lynch escribe ya la cuarta temporada y los grupos matan por aparecer actuando en el Roadhouse como ya lo hicieran Chromatics, Sharon Van Etten, Au Revoir Simone, Lissie, The Veils o Eddie Vedder. El segundo disco de Cigarettes After Sex suena como un intento de que sea este proyecto el que cierre todos y cada uno de los hipotéticos episodios de esa temporada que quizá nunca existirá.

Cuando conocimos a la banda de Greg Gonzalez, ‘Cigarettes After Sex’ sonaba como el disco perfecto de dream pop para aquellos que añoraran los tiempos de Slowdive, Mazzy Starr o incluso Cocteau Twins, y para los que pensaran que tales sonidos no existían. El segundo álbum, que recibe el nombre de ‘Cry’, presenta pocas novedades al respecto: los teclados no pueden sonar más a Angelo Badalamenti, y estas nueve composiciones se entregan a punteos tranquilos y relajados, que nos llevan a una plácida playa en la que echamos muchísimo de menos a alguien.

Greg Gonzalez de hecho ha grabado este disco desde Mallorca y el single principal, ‘Heavenly’, nace de observar una «puesta de sol infinita» en una playa recóndita de Letonia, durante una noche de verano. Y la canción logra ser así de bella. El principal problema que presenta el álbum es que a veces parece que el artista se haya quedado dormido en la citada playa, mecido por las mismas melodías que se iban agolpando en su cabeza. La música de Cigarettes After Sex ha podido conectar en algunas ambientaciones con Beach House y en los punteos con The xx. Sin embargo, estos temas no esconden ni los desarrollos tan espectaculares de los primeros, ni han querido incorporar nuevos elementos por ejemplo electrónicos como han venido haciendo los segundos, aunque haya sido a costa de perder público. A todas luces ‘Cry’ es el típico segundo disco que simplemente busca asentar el nombre del artista, consolidar su base de seguidores.

En ese sentido es un álbum agradable de oír, con canciones que van creciendo tanto con las escuchas como sucede con ‘Heavenly’, ‘Kiss It Off Me’, ‘Cry’ o ‘Falling In Love’. En ellas, Gonzalez realiza un dibujo del amor y el desamor que, como David Lynch y Lana del Rey, cada uno en su estilo, debe mucho a la estética de los años 50. La mujer admirada de ‘Kiss It Off Me’ se «pasea despacio» y bebe «Slurpee», solo para luego desaparecer, inalcanzable. En otros momentos aparecen citas a Playboy, Penthouse o a Hentai. Las referencias al sexo, algo pajilleras, están levantando algunas ampollas, aunque lo peor quizá sea lo explícito de algunas letras: si fueran políticas, Greg es de los que nos diría abiertamente cuál es la papeleta que tenemos que poner en la urna.

Así, ‘Hentai’ habla de «una chica que tan pronto como te hacía correrte / adivinaba tu futuro», e introduce frases tan intensas como «te dije que quería morir en un accidente de avión / sobre el océano, pensé que sería romántico / Pero no te gustó, pensaste que sería estúpido / pensar en mí muerto te hace sentir mal». Como un guión cinematográfico de principiante, las letras a veces dejan ver demasiado. Sin embargo, dos cosas juegan a su favor: este es un proyecto onírico (su género es el «dream» pop) y como tal, es lícito que Greg nos hable de su «sueño» o de su «fantasía» tal y como los siente. Y por otro lado, por muy buena que sea su dicción y por mucho que hables inglés tan bien como los periodistas de The Guardian, en la mayoría de las ocasiones no te das cuenta de lo que esta persona está cantando. Incluso su pronunciación de «cum» pasa desapercibida porque Greg usa su voz como un instrumento más, a veces hasta el punto de que intuyes que una de sus melodías lo mismo la podría hacer la guitarra que su voz, con palabras. Hay clichés, sí, pero no nos estamos dando cuenta ahora de que este grupo se llama Cigarettes After Sex, ¿verdad?

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Heavenly’, ‘Cry’, ‘Falling In Love’, ‘Kiss It Off Me’
Si te gustará si te gustan: Slowdive, Lana del Rey, Angelo Badalamenti
Escúchalo: Spotify

HBO confirma la precuela de ‘Juego de Tronos’, ‘House of the Dragon’

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La última temporada de ‘Juego de Tronos’, que tantas maneras apuntaba, terminaba con un desenlace que contentaba a su audiencia sólo a medias, pero desde esta semana hay oficialmente consuelo para sus seguidores. HBO ha confirmado esta misma noche que habrá una precuela de la serie sobre la que ya se conocen los detalles.

Se trata de ‘House of the Dragon’, que se comenta que se situará 300 años que la serie que todos conocemos, centrada en la historia de la Casa Targaryen. Así se ha contado en la cuenta oficial de ‘Juego de Tronos’, aclarándose que el proyecto ha sido creado por George R.R. Martin, autor de las novelas en las que se basa la serie original (ahora la inspiración será ‘Fire & Blood’), y por Ryan Condal. Miguel Sapochnik será “showrunner” junto con Condal y dirigirá el primer episodio, así como capítulos puntuales.

La noticia llega apenas unas horas después de que HBO cancelara sus planes de hacer otro spin-off de ‘Juego de Tronos’, que iba a protagonizar Naomi Watts y del que se ha llegado a rodar un primer episodio piloto. Sin embargo, este nuevo proyecto de ‘House of the Dragon’ se ha aprobado sin que se haya rodado piloto alguno.

Por qué la apuesta de Mad Cool por Taylor Swift es un acierto, y también un riesgo

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Imagínate que sigues a Mad Cool en algún tipo de red social porque te gustan Foo Fighters, Green Day y Wilco, que actuaron en el festival cuando era en La Caja Mágica. Ponte en el lugar de esas personas huérfanas porque en 2020 no habrá Download Festival (la organización está buscando un recinto alternativo para su celebración en 2021). Está claro cuál iba a ser la reacción de esas personas cuando hoy ha llegado a sus muros la noticia de que las nuevas cabezas de cartel de Mad Cool serán Taylor Swift y Billie Eilish.

La noticia ha obtenido muchos «me gusta» en las redes sociales pero también muchas quejas. Estas son algunas de las halladas en Facebook, red social en la que Mad Cool seguramente encuentre su público más adulto:
-«¿Cómo se puede pasar en dos años de Pearl Jam, Queens of the Stone Age, Jack White y Depeche Mode a esto?».
-«Tiene guasa que me tenga que ir de festival a Francia y a Viveiro porque en Madrid no saben lo que es un festival de rock/metal».
-«Acabando con la esencia del festi en 4 años… Coachelizándose… 30.000 pijas haciendo selfies y dando la brasa en los conciertos uff y yo que quería volver este año. Pixies y poco más».
-«Ahora suena a coña decir que vi a Green Day y Foo Fighters en un Mad Cool… Bueno, que tengan el mismo problema de siempre con la cobertura y así se joden todos los que van a poner sus fotos del concierto de esta en el Instagram».
-«TENÉIS LA OPORTUNIDAD PARA EL HELLA MEGA TOUR CON GREEN DAY, WEEZER Y FALL OUT BOY!!! Pero no lo vais a traer porque preferís a traperos» (???)

Hay quien al menos aporta un mínimo sentido del humor:
-«Atentos a no confundir las pistas pregrabadas de todos estos artistazos».
-«No pongáis mucha gente en las barras, que van a estar aburridillos».
-«Y las Gemelas Olsen no?!?!? Habrá minis de colacao??? que mi madre no me deja más de las 22h00…».
Por último, entre textos escritos por fans y haters, hay uno que no he sido capaz de dilucidar si es irónico o no:
-«Falta Ariadna Grande y Selena Gómez… Vamos Mad Cool!!!».

Supongo que desde que Billie Eilish llena palacios y palaus en España y tiene el beneplácito de Thom Yorke como «lo único jodidamente interesante» que está pasando ahora mismo en el mundo musical, su capacidad de liderar un cartel está fuera de toda cuestión. Lo de Taylor es más complicado, pues viene de un entorno menos underground, nada menos que de la música country, y hace años que se ha entregado al pop de radiofórmula.

No seré yo el mayor defensor de Taylor Swift sobre la faz: que tenga 2 Grammys a Álbum del Año me parece exagerado, y lo mismo saca un single que aborrezco como ‘Look What You Made Me Do’ o ‘ME!’ que te llena un álbum de temas que no fueron un superhit pero lo merecían, como en mayor o menor medida ‘Getaway Car’, ‘London Boy’ o ‘Style’. Pero lo que cada vez tengo más claro de cara a un macrofestival de este tipo es que lo que más me gusta es que me traiga a alguien que no haya visto nunca en directo. Y en ese sentido, Mad Cool se ha apuntado un tanto a la vez que ha corrido cierto riesgo. Lo mismo que cuando programó a Post Malone cuando en su año ya se habían agotado los abonos, y este último actuó en un escenario bastante desangelado para sus estándares.

Taylor Swift tiene un estatus tan alto en Estados Unidos que rara vez hace conciertos fuera de allí. En su tour anterior, el de ‘reputation’, dio 53 conciertos, de los cuales 40 fueron en Norteamérica y tan solo 6 en Europa, todos en Reino Unido. Para ella implica cierto riesgo venir a España porque aquí no va a llenar los estadios con la facilidad que en otros países. Aunque ‘Lover’ ha funcionado bien y dos meses después de su edición aún lo encontramos entre los 40 álbumes más vendidos en España y entre los 30 más oídos; ninguno de sus singles está sonando en radio ni aparece en el top 100 de singles en España. Es difícil calcular, por tanto, cuál sería el recinto que le correspondería visitar en Barcelona o Madrid si nos visitara en solitario; si habría de hacer doble fecha o terminaría abortando misión como aquella vez en que iba a visitarnos Pharrell… y al final no. Un festival es, por tanto, una solución.

Antes que ver otra vez a Pixies, un grupo que nos ha visitado en los últimos años con algún disco medio bueno, algún disco no tan bueno y también con más cara que disco alguno; para algunos es una opción más apetecible ver el que puede ser el único concierto de Taylor de nuestras vidas. Sobreviviremos a una masa de gente haciéndose un selfie donde en otros escenarios hemos sobrevivido a una masa de gente luchando por mantenerse en pie en medio de una intoxicación etílica. A mi lado alguien se vomitó encima en el último concierto de Metallica y no pasa nada, puntué todo aquello con un 8. Pero además, seguramente en un festival con capacidad para 60.000 personas y salvo expreso deseo de la artista, lo más seguro es que de hecho suene otra música diversa y alternativa a Taylor Swift desde otros muchos escenarios. ¿Cuándo aprenderemos a disfrutar de un festival de música en toda su diversidad?

Igualmente, a poco que te guste la música, es necesario mantener cierto interés vivo por lo que le gusta a las nuevas generaciones. Es cierto que el rock de guitarras lleva unos cuantos años sin dejar nuevos nombres, y que el pop y el género urbano son los que hacen grandes números, pero es que la gente está pidiendo a artistas que ni siquiera sabemos si estarán de gira el año que viene. Ni Radiohead ni Arctic Monkeys ni Nine Inch Nails -tres de los nombres que más suenan entre las exigencias populares- se caracterizan por ser precisamente artistas que estén disponibles todas las temporadas. Ya no es una cuestión de pop contra rock, sino de que hace años que no surge una banda de rock llenaestadios. Algunos, como Coldplay, incluso han virado hacia el pop más comercial. Con este panorama, ¿solo sabemos sufrir porque Radiohead no quieren hacer gira cada año?

Y luego está la misoginia que late en muchas de las quejas. Es curioso que entre las reivindicaciones más críticas con Taylor y Billie, pocas personas o directamente nadie, mencione en el Facebook de Mad Cool a una artista femenina como alternativa. Todo son Strokes, Radioheads y Depeches. Incluso este mensaje acertado, coherente y tristemente resignado, solo menciona a artistas masculinos como adalid del bien supremo: «Esto es lo que hay, el cambio generacional es este y conforme vayan pasando los años será peor para todos los que crecimos con el rock de los 90 y la contracultura que vino de herencia de nuestros padres con Purple, Zeppelin, Who, Floyd etc etc etc. Es una pena pero hay que ir haciéndose a la idea. Las guitarras ya no están de moda». Patti Smith viene a Azkena, por si alguien se lo quiere apuntar como ejemplo de lo «bien hecho» para disimular la mala pinta que tiene cierto tipo de discurso.

¿Qué te parece que Taylor Swift y Billie Eilish vayan a Mad Cool?

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‘Ritmo’ de Black Eyed Peas y J Balvin ya es top 3 en España

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A falta de que llegue el huracán ‘Alocao’ la semana que viene (ahora mismo este tema de Omar Montes y Bad Gyal está en el top 1 de Spotify España, doblando en streamings al top 2), ‘China’ de Anuel AA sigue en el puesto 1 de singles en España y el dúo de Ozuna y Rosalía en el puesto 2 una semana más.

La verdadera noticia la deja ‘Ritmo’ de Black Eyed Peas y J Balvin, que pasa del puesto 38 al puesto 3, convirtiéndose por mucho en la subida más fuerte. Estaba claro que sería un sleeper. Pese a su avance en el global de Spotify, donde ya es número 23, los países que más aportan son todos latinos: España, México, Argentina e Italia. De momento sigue sin pasar gran cosa con ‘Ritmo’ en países anglosajones.

Rels B, que es número 1 directo esta semana en “streaming albumes”, sitúa hasta 8 temas en el top 100. Son todas las canciones de ‘Happy Birthday, Flakko‘ excepto la intro de 29 segundos: ‘Sin mirar las señales’ es la entrada más fuerte en el puesto 20, ‘La Latina’ sube al puesto 31, ‘Otro Cheke’ entra al puesto 41, ‘Orgullo’ sube al puesto 46, ‘Si no te veo’ aparece en el puesto 63, ‘¿Cómo te va, querida?’ reentra en el puesto 66, ‘¿Y tú qué?’ llega al puesto 82 y ‘Quédate, te quiero’ aparece en el 92.

El resto de entradas son ‘La cama’ de Lunay y Myke Towers en el puesto 26, ‘Que tire pa lante’ de Daddy Yankee en el número 48, ‘Si por mí fuera’ de Beret en el puesto 51, ‘Caronte’ de Alba Reche en el número 68, el corte titular de ‘Mala Santa’ de Becky G en el 88 y ‘Lose You To Love Me’ de Selena Gomez, que con tan solo un día de exposición aparece en el puesto 90. El remix de ’Tutu’ de Camilo, Shakira y Pedro Capó es puesto 98.

Estopa son nº1 de ventas en España, pero Rels B se queda el nº1 de streaming

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Estopa son el nuevo número 1 de ventas en España, como era de prever, con su disco ‘Fuego’. Desde que su debut ’Estopa’ fue exactamente el disco más vendido en España en el año 2000 y el 2º más vendido de 2001, han sido varios los álbumes de Estopa en llegar al número 1. Fue el caso de ‘Destrangis’, ‘Voces de ultratumba’, ‘Allenrok’, ‘2.0’, Esto es Estopa’ o ‘Rumba a lo desconocido’. Está por ver, más bien, cuánto tiempo es capaz el nuevo álbum de resistir en los primeros puestos, pues varios de estos discos fueron número 1 durante varias semanas. Además, el disco ‘Estopa 20 aniversario’ es la subida más fuerte ahora mismo en ventas, pasando del puesto 87 al 39 tras haber sido número 3 en su momento. Sin embargo, una batalla que Estopa no han podido ganar en las listas es la del streaming.

‘Fuego’ de Estopa es número 2 en “streaming álbumes”, lo cual es un dato estupendo para una banda que llevaba 4 años fuera de juego, pero queda por detrás de ‘Happy Birthday Flakko’, el disco de cumpleaños del mallorquín que, como ya vaticinamos, iba a ser lo más oído de la semana en nuestro país. Así ha sido y, además, Rels B también tiene la subida más fuerte de la semana en streaming, pasando del puesto 48 al 32 con su disco anterior, ‘Flakk Daniel’s’. Rels B no aparece en la lista de ventas, como tampoco Becky G, que también logra llegar al top 10 de lo más oído, exactamente al puesto 8 con ‘Mala santa‘.

Volviendo a ventas, todo el top 5 son novedades: Quique González es número 2 con ‘Las palabras vividas’ (y además top 42 en streaming). Julia Medina es número 3 con ‘No dejo de bailar’ (y además consigue un excelente número 9 en streaming). Pastora Soler es número 4 con ‘Sentir’ (y número 40 en streaming). Y 091 son número 5 con ‘La otra vida’.

A continuación, Depedro logra colarse en el top 10 con ‘Érase una vez’ (puesto 8), y a las puertas del top 10 encontramos ‘Conde Duque en directo’ de Josele Santiago, exactamente en el número 11. Foals, que han sido número 1 en Reino Unido, se asoman por el puesto 44 de ventas en España y también consiguen un meritorio puesto 79 en streaming con la segunda parte de ‘Everything Not Saved Will Be Lost’. Otra entrada curiosa en ventas es la de ’Somebody’s Knocking’ de Mark Lanegan Band en el puesto 56.

Otras entradas en ventas son ‘Sinfónico’ de Siempre Así (número 18), ‘Walk the Sky’ de Alter Bridge (25), ‘Stormwatch’ de Jethro Tull (26), ‘You’ de James Arthur (65), ‘Celestial’ de Rob Halford (74) y ‘One Man Gang’ de Michael Monroe (86). De todos ellos el único que consigue aparecer en la tabla de lo más oído es James Arthur, en el puesto 94.

Finalmente, hay que destacar el desplome de ‘Mes Excentricités Vol. 1’ de Mónica Naranjo, que en tan sólo una semana pasa del puesto 1 al puesto 22. Y Derby Motoreta’s Burrito Kachimba reentran con su disco en el puesto 71 en la que supone su 9ª semana en lista, por lo que oficialmente podemos considerarlos un sleeper.

Kanye West invita a James Corden a cambiar el coche por su avión privado para su Carpool Karaoke

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En promoción de su nuevo álbum ‘Jesus Is King‘, Kanye West está recorriendo los programas de televisión más populares de Estados Unidos. Por ejemplo, el mismo día de edición de su disco se presentó sin avisar en el conocido late-night de Jimmy Kimmel, programa al que luego ha vuelto para interpretar ‘Closed on Sunday’. Pero quizá sea aún más llamativa su aparición en la popular sección de The Late Late Night with James Corden, Carpool Karaoke. Aunque solo sea por el hecho de que, esta vez, el ya conocido utilitario blanco del presentador británico fue sustituido por nada menos que el avión privado del rapero. Y no hablamos de una nave pequeña, precisamente.

Tras escenificar la pérdida de un vuelo por parte de Corden, llamando a Kanye para que le eche una mano, el también actor y cantante se sube a lo que parece un vuelo regular con destino a Los Ángeles. Así que no, esa mujer cuyo equipaje es maltratado por Corden al más puro estilo Mr. Bean no es solo una pasajera más del vuelo, sino parte del coro que viaja con West para los Sunday Service. Esto se revela cuando todo el pasaje comienza a cantar a capella temas de este espectáculo del artista de Chicago –incluyendo el lejano ‘Jesus Walks’, de ‘The College Dropout’ (2004)–, dejando al presentador en un palpable shock (no porque lo ignorara, sino por la potencia del momento). «Viajo en el iPod más caro del mundo», lanza James con bastante tino.

Entre gospel y gospel, Corden interroga en Carpool Airpool Karaoke a West sobre cuestiones bastante interesantes, por ejemplo cómo entiende que la crisis mental que sufrió en medio de la gira de ‘The Life of Pablo’ fue «parte del plan que Dios tiene para él», puesto que así mucha gente supo que incluso a alguien con su fortuna e influencia puede caer. Y también que Dios, dice, le ha ayudado a levantarse. Resulta igualmente curioso cómo narra el preciso momento en el que supo que el verso «She got a light-skinned friend look like Michael Jackson» –del tema ‘SlowJamz‘, incluido en su debut– cambiaría su vida para siempre y que, desde ese momento, no volvería a tener una vida normal. También habla de sus cinco años de matrimonio con Kim Kardashian como «años de perro» –»un año es como si fueran cien» dice entre risas–, pero en el buen sentido, por intensos –»Estar casado con ella es más que guay, es celestial», dice después–. De hecho, está tan feliz con su familia, leyendo la Biblia cada día antes de dormir y tal, que planean no conformarse con cuatro y tener siete (!) hijos.

Wilco / Ode to Joy

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Star Wars’ (2015) y ‘Schmilco’ (2016) encendían las alarmas de aquellos que flipamos con la década larga que fue de ‘Being There’ (1996) a ‘Sky Blue Sky’ (2007) y que hizo parecer a Wilco poco menos que dioses del rock fuera de los cánones. En la década igualmente larga que lo sucedió, su capacidad de sorprender y atraer fue menguando a la par que crecía la de hacernos aburrirnos ante sus trabajos. ¿Qué les pasaba? Podríamos hablar de bache, pero la progresión invitaba a pensar más bien en una clara decadencia. Los dioses se habían hecho terrenales, mundanos. Asombrosamente, este cambio de paradigma en el grupo les beneficia ahora. Porque intuyo que, el haber cambiado su estatus hace que apreciemos más que su regreso tras un lapso de inactividad de dos años –está claro que lo necesitaban– sea un muy buen disco. Y eso que no es fácil entrar en él: un paso somero y desinteresado por él hace que parezca otro disco pesado y monocorde, centrado más que nunca en los sonidos acústicos. Pero no, no es así.

Las canciones de ‘Ode to Joy’ –un título que alude al derecho a vivir con alegría a pesar de la mierda a espuertas que hay en el mundo, en palabras de Jeff Tweedy– son en apariencia pequeñas, casi tímidas, como si mantuvieran la distancia con el oyente y no quisieran interrumpirle en sus importantísimas ocupaciones. De hecho, la producción desempeñada por su líder –manteniendo su voz queda y sosegada y la electricidad (que otrora fuera su bandera) empleada apenas como un recurso ocasional– hace que pensemos en varios momentos que estamos ante uno de sus discos en solitario. Apenas el single ‘Love Is Everywhere (Beware)’, los arrebatos casi glam de ‘Hold Me Anyway’ y el elaborado y apasionante desarrollo de la ¿funeraria? –pese al aire beatlesco de la melodía– ‘We Were Lucky’ nos recuerdan, gracias a los bonitos y audaces oropeles de guitarra de Nels Cline y el propio Tweedy, que estamos ante un disco del grupo de Chicago en conjunto.

Sin embargo ‘Ode to Joy’ –parapetado tras su horrible portada, una de las más cutres no ya del grupo, sino quizá de la historia– es un trabajo que se va desenmascarando ante nosotros poco a poco, porque las escuchas muestran que lo que ocurre “detrás” es tan o incluso más emocionante que lo que vemos en primer plano. Un primer plano marcado por guitarras acústicas y percusiones apagadas, de sonido forzadamente doméstico –en la preciosa ‘Hold Me Anyway’, por ejemplo, la “batería” de Glenn Kotche comienza siendo un repiqueteo de dedos sobre un mueble de madera–, desempeñados en ritmos marciales extremadamente simples –el arranque con ‘Bright Leaves’ y ‘Before Us’ marca esa pauta a fuego–. Perfectos para las melodías de Jeff, de entrada austeras pero que, cuando giran y ofrecen un cambio, se presentan como auténticas gemas brillantes en un cajón de arena.

Pero, como decía, casi todo el disco está marcado por una suerte de ruido de fondo que va envolviendo cada canción –a veces son percusiones atípicas (monedas, campanillas), pero otras es el rasgueo del bajo, otras un tenue riff o incluso el eco de la caja de la guitarra, un ruido blanco que procede de algún amplificador–. Imperceptiblemente, esos sonidos van envolviendo al oyente, que se ve abrazado por ellos, ayudando a resaltar los contados pero inspirados ganchos que hay en ellas, como sucede en ’One and a Half Stars’ o la fantástica ‘Quiet Amplifier’, marcada por unas flautas dulces que se elevan como un coro disonante. Es en esos momentos cuando ‘Ode to Joy’ nos retrotrae a aquel perfil acústico que también brillaba en ‘Being There’ y ‘Summerteeth’, y que había perdido peso en la propuesta de Wilco en favor de los arrebatos eléctricos.

Pero, en contraposición a estos Wilco de apariencia serena, ‘Ode to Joy’ va ofreciendo distintos arranques de energía –contenida, en todo caso– y luminosidad que ejercen de contrapunto brillante. Es el caso de canciones más abiertas y amables como el trío que confirman, justo en el núcleo del álbum, el single ‘Everyone Hides’, una ‘White Wooden Cross’ con preciosos ecos de George Harrison y la machacona y algo vacua ‘White Lies’. Su lustre instrumental equilibra esa racanería solo aparente y nos hace pensar en este onceavo álbum de Tweedy y los suyos como una suerte de actualización de sus inicios, invitando a pensar en sus últimas obras como una necesaria travesía por el desierto y a recobrar la fe en ellos. O quizá, como decía, los que hemos cambiado somos nosotros.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Quiet Amplifier’, ‘Everyone Hides’, ‘One and a Half Stars’, ‘Hold Me Anyway’, ‘Before Us’, ‘We Were Lucky’
Si te gustará si: te gustaba su faceta acústica en discos como ‘Being There’ y ‘Summerteeth’ y no esperas que vuelvan a ser los de antes.
Escúchalo: Spotify

Taylor Swift y Billie Eilish, bombazos de las primeras confirmaciones de Mad Cool 2020

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Mad Cool ha desgranado en los últimos minutos la primera tanda de confirmaciones de su edición 2020, en la que encontramos nombres como Twenty One Pilots, alt-J, Pixies o Tove Lo. Pero sin duda hay dos artistas femeninas que atraerán toda la atención: Billie Eilish y… ¡Taylor Swift!

Así, tal cual avanzó semanas atrás, la autora e intérprete de ‘WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?’ volverá a Madrid el 7 de julio, tras haber traído su gira mundial de presentación de este debut oficial el pasado mes de septiembre. Empata así con Barcelona, que la vio primero actuar en el Sant Jordi Club el pasado febrero para volver a la parte principal de este mismo recinto a finales del verano.

Pero sin duda el gran bombazo del festival es Taylor Swift, al confirmarse que será esta de Mad Cool la fecha en nuestro país que sabíamos tenía reservada en la anunciada gira europea de presentación de ‘Lover‘. Este álbum ha sido número 1 en España tanto en ventas físicas como en streaming, lo cual podría haber propiciado que la autora de ‘Red’ visite nuestro país por primera vez vuelva a nuestro país.

Mad Cool se celebrará entre los días 8 y 11 de julio de 2020, ampliando de entrada un día más su programación y también sus escenarios, que serán siete. En cambio, reduce su aforo hasta las 60.000 personas para hacer que la experiencia sea más cómoda. Los abonos o entradas de día del festival aún no están a la venta.

Hit de ayer: ‘Sowing the Seeds of Love’ (1989), un brillante éxito a contracorriente de Tears For Fears

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En el maremoto actual de reediciones y aniversarios -como siempre a medio camino entre la nostalgia sincera y la explotación económica- parece estar pasando desapercibido el de uno de los grandes últimos éxitos de Tears For Fears. Resulta que hace ya 30 años de la aparición y éxito instantáneo de ‘Sowing the Seeds of Love’, una canción que anunciaba un viraje estilístico que llevaría a la banda británica hacia terrenos mucho más orgánicos, alejados de sus orígenes en el tecno-pop de principios de los 80 y de las producciones ampulosas de sus dos primeros discos. En esta sección hablamos ya hace un par de años de esa tendencia hacia lo retro que empezaba a calar lentamente en el pop tras la comprensible fatiga tecnológica de final de década.

Desde el éxito del álbum ‘Songs from The Big Chair’ de 1985 la banda no había sacado nada nuevo, pero multitud de canciones burbujeaban en un lento proceso de preparación. Entre ellas, un apunte musical que Roland Orzabal había compuesto en rabiosa reacción al tercer triunfo consecutivo de la conservadora Margaret Thatcher en las elecciones de su país: una serie de versos sueltos que incluían la célebre mención a la “abuelita política y sus grandes ideales” (“Politician granny with your high ideals, have you no idea how the majority feels?»). Hacia 1987 Tears For Fears empezaron a preparar ese esperado tercer disco, pero problemas de diversa índole fueron retrasando el proyecto, especialmente el abandono tanto de su muy creativo teclista (Ian Stanley, coautor de muchos de sus éxitos anteriores) como de Chris Hughes, productor de su disco anterior. Orzabal y Smith decidieron seguir en solitario y autoproducirse con ayuda del ingeniero Dave Bascombe, algo que impregnó al nuevo proyecto de posibilidades de libertad y experimentación.

Musicalmente, el grupo deseaba acercar su música a un lugar de sonido mucho más cálido y analógico. Orzabal comentaba que en aquel 1987 la radiofórmula inglesa estaba copada por las producciones de Stock Aitken y Waterman y de repente los sonidos metálicos y fríos de las cajas de ritmos y sintetizadores “dejaron de tener gracia”. Paralelamente se estaba sumergiendo en el mundo de la música folk, y en un programa de la BBC dedicado a tonadas populares transmitidas oralmente oyó que hablaban de una canción llamada ‘The Seeds of Love’, que un musicólogo había aprendido de un campesino llamado ‘Mr. England’. A Orzabal, como es lógico, le hacían chiribitas los ojos imaginándose todos estos elementos como parte de esa magna obra que poco a poco iba tomando forma en su cabeza, una mezcla de reivindicación política, psicodelia inglesa y espíritu de amor en el mundo. Para colmo, por aquel entonces vivía en una calle llamada England’s Lane, al norte de Londres, y le obsesionaba una pintada frente a su casa que rezaba ‘I love a sunflower’.

Antes de su abandono Chris Hughes había cogido la idea rudimentaria de Roland y la había arreglado con un estilo más marcadamente “Beatles de la última época”, con una batería a lo Ringo Starr y un piano eléctrico. La canción empezó a coger sentido y el cantante empezó a incorporar más y más secciones que configuraban un mapeado de la canción un tanto complicado. Durante meses, nuevas secciones aparecían y otras se borraban mientras trataban de refinar la ambiciosa canción. Cuando ya Dave Bascombe había tomado las riendas, un día apareció Curt en el estudio y, oyendo el estribillo todavía vacío de melodía, improvisó en el momento esa maravillosa y simple ‘Sowing The Seeds of Love’ que se convertiría instantáneamente en el gancho principal de la canción.

Con la composición por fin definida y clara, tocaba grabarla: un intento inicial con Hughes a la batería no resultó convincente: querían que el ritmo fuera creciendo lenta e imperceptiblemente, pero no lo lograban. Al final decidieron contar los BPM de ‘I Am The Walrus’ de los Beatles y programaron una claqueta que empezaba a la misma velocidad (84.5 BPMs) y subía gradualmente hasta 88.5 BPM al final de la canción. Así se grabó el ‘Sowing the Seeds of Love’ que hoy conocemos, con toda las base rítmica registrada en directo en el estudio. A partir de ahí se grabaron todas las voces, con muchos coros, armonías y respuestas (y partes distorsionadas muy lennonianas), y empezó el divertido collage de instrumentos y arreglos que acabaron de dotar a la canción de un aire tan Beatles que parecía dejar corto el concepto de pastiche. Y sin embargo la canción era tan brillante, tan directa, tan portentosamente construida, tan refrescante tras el cerco a las listas de Stock Aitken Waterman y el nivel tan mediocre en las listas de final de década… que resultó contra pronóstico un éxito de público y crítica; lo que podría haber sido tildado de burda copia se acabó entendiendo como un inspirado homenaje que encajaba en esos últimos 80 con aires de cambio. Incluso su inspiración 60s y ritmo baggy parecían en curiosa sintonía con lo que también estaban siendo los años del inicio del sonido Madchester.

‘Sowing the Seeds of Love’ podría haber salido medio año antes, pero hubo un gran problema: tras machacarse los oídos puliendo la mezcla de una canción con tantos elementos, a finales de 1988 Tears For Fears y Bascombe presentaron el máster a la discográfica y obtuvieron, sorpresivamente, un rechazo al sonido de la misma. Orzabal ha relatado en varias ocasiones la frustración de pasar seis meses remezclando la canción para que después de las sucesivas negativas finalmente el sello declarase que aquella primera mezcla era “la buena”. Cuando al fin se acabó lanzando en verano de 1989, ‘The Seeds of Love’ entró en el top 10 británico como un rayo. En España tardó un poco más y se oyó mucho en la radio durante el otoño. Recuerdo bien escucharla por primera vez y maravillarme ante las descaradas similitudes Beatlescas y sobre todo ante tanta sección diferente, que iba elevando a la canción en un crescendo de verdadera inspiración y riqueza.

Dejando de lado la obviedad de que la melodía de la canción es la gran razón de su éxito, creo que su extraña estructura tiene mucho que ver con su su naturaleza adictiva y con el hecho de que 30 años después la canción siga fascinando igual o incluso más: el comienzo eminentemente Beatles de ‘Sowing the Seeds of Love’, con ese piano Wurlitzer y la brillante melodía vocal de Orzabal es inspirado y convincente. Sin embargo, lo que parece un tema que va a ser contundente y directo (a los 40 segundos ya ha llegado el rotundo estribillo) empieza poco a poco a retorcerse de manera brillante. Tras una segunda estrofa con referencia a Paul Weller (“kick out the Style, bring back The Jam”) y un segundo estribillo, llega la sección central, que por lo inusual no habría pasado seguramente el aprobado del laboratorio de Max Martin: consta de cuatro diferentes puentes o secciones en los que se da espacio a la experimentación. Los tres primeros, semi-instrumentales con saxos, oboes y orquestas de sintetizador. El cuarto es la célebre sección “Feel the pain, talk about it / If you’re a wanted man, then shout about it” en la que la batería casi para y aparece el novedoso (y muy poco Beatles) vocoder.

Dicha sección se prolonga en un festival de palmadas a lo ‘Hey Jude’ y cuerdas en ascenso y descenso a lo ‘A Day In The Life’, para concluir de retorno al estribillo con un arreglo de viento totalmente ‘Penny Lane’. Todo un macropuente de minuto y medio en el que no hay rastro de estribillo, algo muy audaz que sólo se sostiene gracias a las nuevas y brillantes melodías, elementos inventivos y la constante sensación de que cada nueva sección hace crecer a la canción. Que por cierto no para: tras ese estribillo en el que la melodía cambia a algo diferente y también inspiradísimo (Curt cantando en falsete “Sowing the seeds of love”), aparece un quinto puente con nueva progresión de acordes y una guitarra muy «Sgt. Pepper» que introduce un nuevo y fascinante cambio: el retorno a la estrofa con Curt cantando otra melodía también diferente (“Time to read all your words, swallow your pride…”) que se entrelaza a las mil maravillas con la melodía inicial de Roland. El estribillo final, con todos los elementos al máximo, y gritos a lo ‘Hey Jude’ resulta el climax perfecto:

Las letras varían entre imágenes psicodélicas (las propias semillas del amor del título, ese “love train goes from coast to coast” o hasta el “I love a sunflower” de la pared) y referencias políticas (“We’re fools to the rules of a government plan”), pero cuando mejor funcionan es cuando aparecen entremezcladas (“Could you be, could you be squeaky clean and smash any hope of democracy / As the headline says you’re free to choose / There’s egg on your face and mud on your shoes”). No es necesario decir que el álbum entero fue todo un éxito y que engendró más singles clasificados en listas, pero nada como el impacto de este extraño y mágico single.

Puestos a imaginar esa reedición que no ha llegado a aparecer, sería genial poder viajar en el tiempo y escuchar todas aquellas secciones que se fueron eliminando. El productor Hughes recuerda una que decía “Half a dollar, half a crown / half a Guinness, going down”, muy como de canción infantil inglesa, que finalmente desapareció, y el propio Curt Smith declaró que de haber mantenido todas las partes ‘Sowing the Seeds of Love’ habría sido una obra maestra psicodélica de nueve minutos. Pero de existir alguna de esas encarnaciones primitivas, sería sólo en forma de demos, porque la versión grabada incorporaba sólo los elementos que pasaron la criba.

‘Sowing the Seeds of Love’ suena en la última entrega de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.

Nicky Jam presenta su nuevo disco ‘Íntimo’ en El Hormiguero: ¿veremos perrear a Pablo Motos?

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Nicky Jam publica este viernes, 1 de noviembre, su nuevo disco. Un trabajo que, pese a su título, ‘Íntimo’, no es un disco particularmente romántico, acústico o personal. La inclusión de sus ya éxitos como ‘X‘ –hit con J Balvin que estuvo entre lo mejor del pasado año para nuestra redacción– y ‘Te robaré‘ –con Ozuna– asegura otra colección de temas de pop reggaetonero. Por si había dudas, se acaba de estrenar el clip de ‘Whine Up’, último extracto del disco, un tema junto a Anuel AA (lo cual prácticamente garantiza que sea otro éxito) cuyo vídeo cae en todos los tópicos más manidos del género.

Y, para promocionarlo, acude además al que con bastante probabilidad será el programa más visto del día de su franja en España, El Hormiguero. Allí imaginamos que charlará inofensivamente con Pablo Motos y, quizá, se anime a amagar algún tema con voz en directo para que perreen las hormigas Trancas y Barrancas. ¿Se animará el presentador a marcarse un reggaeton en su honor con su entrada musical al plató? Lo vemos difícil.

Previsiblemente, el co-intérprete de ‘Perro fiel‘ volverá a alzarse con el número 1 de álbumes en nuestro país con este nuevo álbum, como ya hiciera con su predecesor ‘Fénix’, disco multiplatino que ha permanecido la burrada de 136 semanas en la lista de los álbumes más escuchados de nuestro país. Eso sí, parece también esperable que lo haga sobre todo en streaming, y no en la lista de ventas físicas. Nicky Jam, además, está de gira por España y, tras actuar en Ibiza, Tenerife y A Coruña, culmina su tour hispano este jueves 31 de octubre en el WiZink Center de Madrid, que está a punto de agotar entradas.

Tracklist de ‘Íntimo’:

1.- Sin Filtro
2.- Tequila
3.- Whine Up (& Anuel AA)
4.- Maniquí
5.- Perdóname (& Darell)
6.- Novia Nueva
7.- Quisieras (& Rauw Alejandro)
8.- Destino
9.- Come y Te Vas
10.- Borracho
11.- La Toco
12.- Atrévete ( & Sech)
13.- Te Robaré ( & Ozuna)
14.- X ( & J Balvin)
15.- La Promesa (La Calle)