Cuando el pasado mes de septiembre os hablábamos de la joven cantante neozelandesa BENEE con motivo de su interesante propuesta de pop con tintes R&B y soul, plasmada en singles tan monos como ‘Glitter’ o ‘Want Me Back’ y también en su colorida propuesta estética, jamás habríamos imaginado lo que terminaría pasando con uno de sus singles posteriores, ‘Supalonely’.
La simpática y bailable canción, en la onda de ‘Say So’ de Doja Cat aunque salió antes, y que cuenta con la colaboración del querido Gus Dapperton, está arrasando en las plataformas de streaming gracias a TikTok, donde se ha hecho viral, y actualmente ocupa el número 17 de la clasificación de éxitos global de Spotify, sumando cerca de 244 millones de streamings. El éxito de ‘Supalonely’ incluso ha llegado a las listas de éxito más importantes: el tema es número 44 en el Billboard Hot 100 y número 65 en lista de éxitos oficial británica, todo un sueño para estos dos artistas que apenas son conocidos más allá de internet. La canción ha sido uno de los hits de la cuarentena, y su popularidad no decae.
Fábrica de «one-hit-wonders» donde los haya, TikTok ha impulsado el éxito de otros singles «indies» como ‘death bed’ de powfu con beadaboobee (no, no se nos ha olvidado pulsar la tecla mayúscula) o ‘ily (i love you baby)’ de Surf Mesa con Emilee. ‘Supalonely’ es el más divertido de los tres y forma parte del EP de BENEE ‘STELLA & STEVE’, publicado en 2019.
Chris Trousdale, integrante de la efímera boy band infantil estadounidense Dream Street, que tan solo publicó un disco, ha muerto a los 34 años a causa de una enfermedad que no ha sido revelada.
Amor platónico de miles de adolescentes estadounidenses durante el inicio de siglo, Chris Trousdale sobresalía en Dream Street por sus dotes de bailarín, como su compañero de banda, Jesse McCartney, posteriormente conocido en todo el mundo por su papel en la serie ‘Summerland’ y por éxitos como ‘Beautiful Soul’, ha explicado en un mensaje de Instagram, en el que afirma que Trousdale ha fallecido por «complicaciones derivadas del COVID-19»: «Chris, en mi opinión, era el más popular del grupo, no podías quitarle el ojo de encima cada vez que se subía a un escenario. Realmente le envidiaba como artista. Fuimos parte de algo que la gente no suele vivir en toda su vida a la tierna edad de 12 y 14 años. Aunque la banda duró 3 años, en aquel momento parecía una eternidad y entre todos construimos una verdadera hermandad».
El único álbum de Dream Street, publicado en 2001, era un sucedáneo tardío del sonido Backstreet Boys/Britney, produjo los éxitos ‘It Happens Every Time’ y ‘Sugar Rush’, ambos bastante monos, y obtuvo un Disco de Oro en Estados Unidos.
La Bien Querida, que este año ha tenido un inusitado protagonismo en el mainstream televisivo español gracias a Operación Triunfo, y en concreto a la versión de ‘Dinamita’ perpetrada por una de sus concursantes, Maialen, que acaba de abandonar el programa, sigue desgranando mediante videoclips la historia que encierra ‘Brujería‘, su último álbum de estudio.
‘La fuerza’ es el enésimo single de ‘Brujería’, un tema que ya había sido noticia por sí mismo antes del lanzamiento del disco debido a que cuenta con la colaboración de Jota de Los Planetas. Era la canción más «castiza» del largo y, sobre ella, Ana Fernández-Villaverde nos contaba que representa el «hechizo» en este trabajo de arte y mensajes tan esotéricos.
Hoy es momento de ver su videoclip, que continúa la historia empezada en el vídeo de ‘Domingo escarlata’ y está dirigido por Diego Jiménez. Elefant explica: «La pieza del puzzle que completa una canción melancólica y triste como aquella, con esta otra llena de resignación y vitalidad, de ilusión y aceptación. Nuestras protagonistas (repiten Irene Horrillo y Catalina Sopelana) vuelven a probar la sustancia azul mágica para entrar en un nuevo viaje en el tiempo, en el que esta vez todo ocurre más a flor de piel. El pasado y el futuro en un nuevo contraste de iconos y referencias, con diversos guiños al primer video-clip, que enriquecen y juguetean con la lectura de un video tremendamente jugoso y colorido. Porque dentro de “Brujería” ocurre una historia, y muchas historias».
Cuando hablamos de Travis hoy día pensamos inmediatamente en Scott, el nuevo socio musical de Rosalía. Pero hay que recordar que hace 20 años no había más Travis en el mundo del pop que el grupo británico comandado por Fran Healy, que se infló a vender copias sobre todo de ‘The Man Who’ (1999), ‘The Invisible Band’ (2001) y ’12 Memories’ (2003) –que revisábamos en uno de los primeros monográficos de nuestra web–, en los que hacían gala de un pop de guitarras accesible pero elegante, emotivo y lleno de calidad.
El combo acaba de anunciar su primer disco de estudio tras un solamente pasable ‘Everything At Once‘, del que han pasado ya cuatro años. ’10 Songs’, que se publica el 9 de octubre, está coproducido por el propio Healy con Robin Baynton (Coldplay, Florence & The Machine) y fue grabado en RAK Studios durante las pasadas navidades. Cuenta con colaboraciones como la voz de Susanna Hoffs de The Bangles, los sintetizadores de Jason Lytle de Grandaddy, además del lap-steel de Greg Leisz (Beck, Emmylou Harris, Bruce Springsteen). Según explican, «es un álbum sobre la forma en que la vida llega al amor y qué hace el amor para vencer diferentes desafíos».
Todo esto lo cuentan mostrando su primer single, ‘A Ghost’, que es una muestra del sonido clásico de la banda, sin sorpresas. Y lo hacen, además, con un estupendo vídeo que, obligado un tanto por la pandemia, conjuga imágenes reales con animadas, a partir de dibujos del propio Healy. «Teníamos previsto empezar la grabación del video con una imagen mía cantando junto a tres fantasmas tocando el estribillo final de la canción, en un callejón desierto», cuenta Fran. «Justo cuando todo estaba listo para filmar, el mundo se vino abajo y nos confinamos. Fue un duro revés, así que decidí dibujarlo. Hice 2500 dibujos en 30 días. La mayor parte de la animación es rotoscópica, ha sido un arduo trabajo. Me quedaban 47 segundos de canción, eso supondría 10 días más dibujando. Así que hablé con mi hijo Clay, de 14 años, y le convencí para que hiciera de cámara. Él además tiene un dron y pensé que así acabaríamos el video. Eso sí, manteniendo siempre las distancias de seguridad. Fue la grabación de vídeo más extraña en la que he trabajado, pero resultó genial».
El resultado es una pieza muy ingeniosa, que por momentos recuerda en estilo al célebre clip de A-Ha para ‘Take On Me’ y que pone al propio músico como punto focal (ataviado con un llamativo mono rojo), mientras fantasmas de los de sábana blanca le persiguen por una ciudad gris, que incluye un divertido guiño al célebre ‘Los noctámbulos’ de Edward Hopper. Una verdadera delicia con sorpresa final que merece mucho la pena ver.
Tracklist de ’10 Songs’:
1. Waving At The Window
2. The Only Thing
3. Valentine
4. Butterflies
5. A Million Hearts
6. A Ghost
7. All Fall Down
8. Kissing In The Wind
9. Nina’s Song
10. No Love Lost
Antonio Luque se jacta de haber publicado diecisiete álbumes desde que debutara como Sr. Chinarro allá por los primeros 90 –25 años de trayectoria, celebraba el año pasado–. Realmente, publicar cierta cantidad de discos no implica una calidad incuestionable ni pasar a la historia –se nos vienen a la cabeza varios nombres que marcaron el devenir de la música con entre uno y cuatro discos, ni un o más–. Pero en un país con un tejido cultural tan ralo como el nuestro, y más si hablamos del panorama independiente, es algo heroico, ni más ni menos. Y más aún si cada uno de esos trabajos sigue resultando relevante por lo que se dice y cómo se dice.
Tras un par de discos algo toscos y austeros (a Antonio no le duelen prendas confesar que en ello influyeron presupuestos limitados por la autoedición) como ‘Asunción‘ y ‘El progreso‘ –que así y todo dejaron para el repertorio chinarro su par o tres de temas memorables–, en ‘El bando bueno’ luce más una grabación rumbosamente asumida por Mushroom Pillow. Es un disco más variado y rico, por eso, pero también más luminoso (quizá por la misma razón), como atestigua la flamante ‘Una famiglia reale‘, esa aproximación a la aproximación al universo Chinarro que Destroyer trazó con su versión de ‘El rito’ –en una de esas hipérboles con las que tanto goza Luque–, por la vía de los Rolling Stones ochenteros. Ritmos funky y teclados saltarines, con estupendos juegos de guitarras, abren así el álbum, entre puyas a las aspiraciones sociales de unos (y, quizá sin advertirlo, esturreándolas a todo quisque).
Y no es un accidente. La bossa nova con tintes synth-pop de ‘Planeta B‘ –un nuevo episodio de la quijotesca batalla por el medio ambiente que comenzara nueve años atrás con ‘Vacaciones en el mar’–, el cuasi-dream pop del bonito medio tiempo ‘Escorpio‘ y la rumba ‘Sábanas santas‘ –en el caso esta reminiscencia del despertar sexual, más no es más: ese acordeón no es tan excitante– salpican de color y brillo la primera mitad del disco, donde solo la hosca y atmosférica ‘Telaraña’ –en la que cabe celebrar el entrañable regreso de Sandra, que hizo coros en los álbumes más celebrados de sus inicios– tiene visos de cierta oscuridad (aunque su melodía sea bastante prístina) y ensoñación. La cara B no es menos alegre, pero sí más homogénea en lo estético.
Si bien rechina un poco la vestimenta un tanto AOR de ‘Depresión’ (que no, no suena en absoluto depresiva), ‘El bando bueno’ levanta el vuelo gracias a unos ecos ochenteros-dark (los Radio Futura de ‘La ley del desierto/La ley del mar’, Ciudad Jardín, Echo & The Bunnymen, los primeros El Último de la Fila) que siempre han estado en el tuétano de Sr. Chinarro y que ahora, emergen incluso más que nunca. La vibrante ‘Aplauso‘ (una reflexión sobre su trayectoria artística, resignado a no recibir un aprecio masivo: «el aplauso ahí quedó, el veredicto fue la celda de aislamiento»), ‘Arlequín‘ y las más taciturnas ‘No recuerdo’ y ‘La odisea’ plantean un núcleo igual de compacto en las formas que sus discos anteriores, pero quizá algo más inspirados.
A ello, como siempre, hay que sumarle el imprescindible ejercicio de atender a unas letras que, como es habitual, se nutren del lenguaje llano y cotidiano, el refranero y la cultura popular, para atizar con su fino humor a la idiotez más gruesa y generalizada, ante la que muestra cierta resignación sin llegar a bajar los brazos. Aunque la letra esperanzada de ‘La odisea’ diga lo contrario («mi patria no puede ser el ayer, pero aún tengo abierto algún frente»), la impresión es que, ante el desánimo con el futuro, en este disco Antonio Luque mira más que nunca a su pasado, no necesariamente al musical (llaman la atención referencias a la adolescencia propia y a sus padres y hermanas). Así y todo este disco no es especialmente original ni huye de sus propios clichés, si bien dudo que nadie espere ya eso de Luque. Pero lo importante es que, si con sus discos recientes había que celebrar que aún nos dejaban sus buenas tres o cuatro canciones capaces de asentarse en un hipotético setlist en directo, con ‘El bando bueno’ esa media crece ostensiblemente.
Calificación: 7,4/10 Lo mejor: ‘Una famiglia reale’, ‘Aplauso’, ‘Arlequín’, ‘Escorpio’, ‘Planeta B’ Te gustará si te gusta: Chucho, Los Planetas, La Costa Brava. Youtube:‘Una famiglia reale’
Primero de manera autogestionada y después, desde hace unos meses, como fichaje-estrella de Universal Music Spain, Recycled J ha ido evolucionando del rap de sus inicios hacia un estatus más cercano al pop, aun sin renunciar a su esencia. Lo demostraba con el estupendo ‘City Pop‘, un disco elegante y distinto en los cánones de la escena urbana en el que quedaba claro su fantástico entendimiento con el productor Pablo Jiménez, Selecta, con el que diseñó una obra que adaptaba la diversidad del pop japonés de los primeros 80 a su propio lenguaje. Fotos: Iván Blanco.
Y en una línea similar, el tándem formado por ambos artistas edita hoy mismo un EP que ejerce de epílogo a aquel disco, poniendo el acento en los ecos y la estética de los años 80. Se trata de ‘Superpoderes‘, un trabajo con cuatro nuevas composiciones que remiten a la interpretación que han hecho de esos sonidos Daft Punk, The Weeknd o Dua Lipa, entre las que sobresale de manera muy llamativa el corte titular. Una canción que suma a su gancho irresistible, aderezado como siempre por el flow chulesco pero emocional del MC de Carabanchel, una producción realmente espectacular, que condensa en menos de cuatro minutos un muestrario de trucos y guiños al funk, el disco y el tecnopop, manejados por Selecta con ingenio y maestría.
Se presenta además con un curradísimo vídeo de Iván Blanco que, ambientado en el Madrid de treinta y pico años atrás, conjuga elementos de costumbrismo, cultura pop y ciencia ficción con algunos tópicos de la era. En él, además, participan artistas como Natalia Lacunza (con la que, confiesa, ha trabajado en nueva música), Pedro LaDroga y Maria Sioke, entre otros. Sobre todo ello, canción, vídeo y EP, hemos hablado con Jorge Escorial, que, como acostumbra, habla con modestia y honestidad, pero también con confianza.
Cuéntame un poco por qué ahora este EP. ¿Fue una cuestión de unir unas canciones que tenían un aire similar, sin más? ¿Era una idea que perseguíais hace tiempo?
Ahora porque es lo que teníamos calendarizado, de ser por nosotros hubiese salido hace un año. Exacto, de hecho este EP es anterior a otros releases a que he tenido con mi productor Selecta (‘Jugando’, ‘2 Tazas’, ‘Tu Nombre’). Más que una idea que perseguíamos, es el sello de identidad que me caracteriza: buscar nuevos sonidos y no tener miedo al qué dirán.
«Es el sello de identidad que me caracteriza: buscar nuevos sonidos y no tener miedo al qué dirán»
En buena medida, supone llevar un paso más allá el sonido de ‘City Pop’. ¿Sentisteis que habíais dado con una veta propia ahí?
Este EP vino como una secuela de ‘City Pop’, en la que nos adentrábamos más en el sonido funk, electrónica, disco. Selecta y yo teníamos un estudio en Carabanchel en el que estábamos trabajando en aquel entonces en la salida de ‘City Pop’ (aunque el álbum llevase cerrado meses). Seguimos currando en ese sonido y nos dimos cuenta de que teníamos unos cuantos tracks y decidimos juntarlos. Nos sentimos cómodos experimentando y probando nuevas fórmulas y sonidos.
Si hay un nexo común entre estas canciones, desde un punto de vista creativo, ¿cuál sería?
‘Superpoderes’ es la canción principal y la que da nombre al trabajo. Es la que centramos nuestras fuerzas desde un principio y la que mejor define la dirección que quisimos tomar. Son cuatro canciones que hablan de amor, desde distintos puntos de vista, como si de un relato se tratase. Tanto en la producción como en las letras quisimos que tuviese ese vibe de los 80, pero a nuestra manera.
¿Qué tienen los 80, que parece que no se agotan como recurso estético?
Es curioso porque últimamente han sido varios los artistas a nivel mundial que han recurrido a esta etapa histórica de la música. Creo que fueron años muy ricos musicalmente hablando y que en España por ejemplo no se ha exprimido ese jugo, al margen de la movida madrileña. Yo soy de los que consideran que está todo inventado y que hay que esforzarse por mirar más allá. No hemos tratado de hacer un EP ochentero, sino que a través de nuestra forma de entender la música hemos hecho una reinterpretación de lo que para nosotros son los 80.
¿El mayor reto era no caer en lugares comunes, en algo demasiado evidente?
Tampoco le dimos tantas vueltas, es algo que surge de manera natural. Evidentemente no nos gusta caer en lo típico y nos hemos esforzado por hacer algo nuestro.
Otros singles recientes como ‘Angelito’ o ‘2 tazas’ no, pero ’Jugando’, tu single con Don Patricio, podría haber encajado aquí. ¿Por qué se ha quedado fuera?
Realmente ‘Jugando’ iba a ser la quinta de este EP. Es un trabajo que pese a tener una influencia pop y ser apto para todos los públicos, es uno de mis trabajo más conceptuales. Hubo un momento en el que buscamos una canción que fuese más “digerible” para el oyente y Selecta produjo el primer beat de ‘Jugando’. Yo estaba bastante atascado con la letra, con la idea del tema y un día vino Don Patricio al estudio y sacó su verso y el estribillo. Finalmente el rumbo de la canción fue hacia otro sitio y decidimos publicarla como un single y no incluirla en este proyecto.
«Los 80 fueron años muy ricos musicalmente hablando y en España no se ha exprimido ese jugo, al margen de la movida madrileña»
¿Eres tan fan del cine de los 80 como sugieren los dos clips de estas canciones, ‘Un extraño’ y ‘Superpoderes’?
Pese a ser un gran amante del arte no soy un cinéfilo experto en esta década, yo ni había nacido. (Risas) ‘Un Extraño’ fue obra de Jean Lafleur y ‘Superpoderes’ de Iván Blanco, dos directores que no tienen mucho que ver entre sí pero ambos tenían una visión clara acerca del proyecto y cada uno se lo llevó a su terreno.
¿Cuál de los dos ha sido más difícil de rodar y cuál más divertido?
Esto es como si me dices si quieres más a papá o a mamá. El rodaje de Un Extraño para mí fue muy divertido ya que era mi primer vídeo de caracterización y es un formato que en España prácticamente no se había visto. Sin embargo el vídeo de ‘Superpoderes’ es una pieza más grande con muchísimo equipo detrás y muchas horas de trabajo. Quizás te diría que fue más divertido el primero, pero le tengo más cariño al segundo.
El clip de ‘Superpoderes’ es un homenaje al Madrid de los 80. ¿Fue particularmente difícil encontrar espacios que aun recuerden aquella época, dado lo gentrificada que está la ciudad ya?
El trabajo de localizar tanto exteriores como interiores fue un currazo de producción, dirección y arte. Me gustaría que vieses cómo eran los billares, la casa de la chica, o la sala Caracol antes de que le diesen la capa de chapa y pintura para llevarlo casi 40 años atrás. Es curioso que por ejemplo, el local de ensayo en el que estoy con mi banda, se rodó en el mismo estudio de Carabanchel que te comentaba que tenía con Selecta, aunque totalmente atrezado.
En el vídeo hay muchos invitados que se os suman a Pablo y a ti, pero llama la atención por su popularidad Natalia Lacunza. ¿Os conocíais de antes? ¿Tenéis puntos de conexión en lo musical? ¿Se puede saber si hay colabo en ciernes?
Natalia es una gran artista a la que admiro y respeto desde que la conocí. Mi directora creativa Ana Sotillo también trabaja con ella, lo cual provocó que nos conociésemos hace meses y conectamos muy guay. Recuerdo que cuando cogimos un poquito de confianza le propuse la idea y la verdad es que el papel le iba que ni pintado y aceptó sin pensárselo mucho. Y sí, hemos tenido el gusto de trabajar juntos.
«Quien quiera decir que hemos aprovechado el momento para subirnos al carro es libre de hacerlo y de etiquetar nuestra movida, pero ahí están los hechos»
Escuchando el EP he pensado en The Weeknd en varios momentos. ¿Te lo esperabas/temías? ¿Te gusta o te jode? ¿Temes que se te tache de oportunista por ello?
Al revés, me halaga y hablo por Pablo en que a él, estoy seguro de que también. Las referencias de Daft Punk, The Weeknd, Madonna, Michael Jackson, Queen, y demás son innegables. Como te comentaba el principio de la entrevista el proyecto superpoderes empezó a finales de 2018, y se retomó algo antes de navidades para terminar las canciones y producir los videoclips. Quien quiera decir que hemos aprovechado el momento para subirnos al carro es libre de hacerlo y de etiquetar nuestra movida, pero ahí están los hechos. (Risas) Los artistas en general creo que hacemos las cosas de corazón y sin pensar en cuando saldrá esto al margen de movimientos puramente estratégicos que se piensan de un mes para otro. De ser por mí este bebé lo hubiésemos parido en 2019, pero las circunstancias nos han hecho retrasarlo hasta ahora y estamos contentos con ello.
Vida Festival había sometido a sus usuarios y simpatizantes la decisión de si celebrar este año su próxima edición o si, por el contrario, se aplazaba definitivamente hasta 2021. La respuesta ha llevado al evento celebrado en Vilanova i la Geltrú a trasladarse a los días 1, 2 y 3 de julio del año que viene. Este es el comunicado en el que lo explican:
«Después de analizar la consulta del pasado 26 de mayo, con 4.237 participantes y más de 2.600 comentarios, desde la organización se ha constatado que la opción que más une el público del festival es la celebración del VIDA en julio de 2021.
Han sido unos meses de mucho trabajo y esfuerzo, y se ha trabajado manteniendo todas las opciones abiertas, gracias a las muestras de afecto y fidelidad, se ha luchado hasta el final desde la convicción de tener el mejor público del mundo. El festival estaba preparado para implementar las medidas sanitarias adecuadas pero las incertidumbres todavía son demasiado grandes y la responsabilidad con el público, como siempre, ha sido máxima.
Todo el equipo seguirá trabajando para hacer del VIDA un festival diferente, especial. Es por eso que hoy se anuncia gran parte del cartel para la edición 2021 a falta de dos grandes cabezas de cartel y muchos otros artistas, que se irán presentando a lo largo de este 2020.»
Pero además, con este aplazamiento, anuncian también la primera tanda de grupos y artistas confirmados para esa nueva edición. Y la mayor parte de los grandes nombres, con la excepción de Angel Olsen y Nils Frahm, se mantienen: Belle and Sebastian, Devendra Banhart, Destroyer, Parcels, !!!, Soccer Mommy, Black Pumas o Damien Jurado encabezan un cartel al que también se suman Cupido, Maria Arnal i Marcel Bagés o el grupo nacido en confinamiento Stay Homas. Los últimos abonos ya están a la venta en Ticketmaster, ya que todos los abonos y entradas de día adquiridos hasta ahora serán válidos para el VIDA 2021. También será posible solicitar el reembolso de las entradas ya adquiridas a partir del lunes 8 de junio escribiendo a tickets@vidafestival.org.
Al final de una gala 12, que comenzaba con un guiño al movimiento #BlackLivesMatter al hincar la rodilla al estilo Colin Kaepernick, Anaju, con la maravillosa ‘Nana del Mediterráneo’ de María José Llergo, y Flavio, con una insulsa actuación para un tema de Pablo López que solo Pablo López podría sacar de lo insulso, se alzaron como finalistas de Operación Triunfo 2020. Se medirán la próxima semana a Nia, Eva y Hugo en el último programa de esta edición del talent-show. Se quedaron pues fuera de ella una Samantha que hizo, de largo, la mejor actuación del programa de ayer (confirmando su espectacular progresión tanto interpretativamente como en carisma desde la gala 0); y Maialen, que se equivocó en su elección para esta ocasión, con un tema de Extremoduro que quedó reducido a una versión AOR sin garra ni chicha (actuar con una banda en directo no es la purga de Benito, señores).
Sin embargo, el tópico «yo ya he ganado» se hizo certeza en la semifinal de Operación Triunfo 2020. Porque me atrevo a vaticinar que las dos últimas descartadas de la edición son, precisamente, las que tienen un futuro más prometedor en la música como profesionales. Maialen ya había dado inicio a su carrera como Chica Sobresalto –precisamente en el sello de Extremoduro o Marea que le ha hecho una nueva oferta en firme, como se señala en el foro de OT 2020 de JNSP–, y ha sentado las bases de su personalidad y público objetivo. Lo ha demostrado gala a gala, esquivando con gracia las zancadillas en forma de canciones ajenas a ella que la dirección haya podido ponerle en su camino. El altavoz de este programa no hará sino amplificar su mensaje y, con ello, parece evidente que crecerá en lo comercial y lo creativo, porque trabajará con más seguridad (algo que ya se atisba en sus palabras).
En cuanto a Samantha, huelga señalar que padece una hipoacusia congénita (en torno a un 60% menos de audición que la media), pero la verdad es que multiplica el mérito de lo que ha hecho. La alicantina ha ido creciendo y afianzándose programa a programa, yendo a lo suyo, midiéndose de igual a igual a sus compañeros, y sobre todo mostrando un espíritu y una alegría envidiables. La fantástica interpretación que hizo anoche de ‘Something’s Got a Hold On Me’, popularizada por Etta James, ratificó que tiene una voz a la vez estupenda y reconocible (una auténtica rara avis en este tipo de concursos). Y con su participación en ‘R.I.P.‘, junto a Nia y Anaju, mostró que está lista para ser una diva pop. Además, la elección de Carlos Sadness para producir su primer single original, deja patente que no se conforma con ser una triunfita random. Si hay una artista que podría aproximarse a ser la Lola Indigo de esta edición, esa es Samantha.
Por tanto, las descartadas, a su manera, ya han ganado. También porque el panorama que queda en la final de OT 2020 es desolador. Porque, como decíamos, Flavio ha ido claramente de más a menos en el concurso. Tiene dotes, formación y una voz bonita, pero parece empeñado en aproximarse con cierta desesperación a la música pop, y ayer se mostró apático y frío. Solo el factor carpeta, puesto que fue aupado al último programa por el público, explica que sea finalista. En cuanto a Anaju, arriesgó mucho optando por la espeluznante canción de la Llergo, y realmente tiene condiciones para dar un perfil alternativo. Pero hay que reconocer que no estuvo tan brillante como quiso hacer ver el jurado antes de elegirla (lo cual hace dudar que conocieran la versión original, a decir verdad), sumándole un incomprensible acento cordobés impostado que desnaturalizaba del todo su interpretación.
En cuanto a Eva y Hugo, el programa de ayer dio sobrados motivos para cuestionar que ellos hayan llegado hasta la última gala en detrimento de las arriba citadas: el andaluz no puede ser más impersonal cantando y bailando, y ni su evidente tirón para con el público adolescente hetero justifica que haya llegado tan lejos; en cuanto a la joven gallega, y yendo por delante que tras su actuación en la primera gala se convirtió en mi favorita, ha ido perdiéndose a medida que avanzaba en el programa, haciéndose cada vez más y más personal. Necesita enfocar cuál es su rollo, como quedó claro en una interpretación absolutamente errada de ‘El momento’ con La Casa Azul: la cara de mal café y los poco adecuados ademanes raperos que empleó estaban totalmente desconectados del espíritu de la canción. Tampoco acabó de conectar con el sieso de Flavio en su dueto ‘Hey, Baby’. A Nia se le presentan pocas trabas para alzarse como ganadora, a tenor de lo que ha venido mostrando y reiteró anoche, inalcanzable para el resto de sus compañeros. Lástima que, si nos fiamos de su primer single en solitario, podría estar más cerca de ser otra Famous que otra Amaia u otra Aitana. Ojalá Sony Music sepa reconducirla y proponer algo de interés que se sume a sus enormes cualidades.
Tal y como adelantaba El-P días atrás, Run The Jewels han anticipado un par de días el lanzamiento de su nuevo álbum ‘RTJ4’ y de manera completamente gratuita, inspirados por los movimientos sociales contra el racismo en EEUU. «A la mierda, ¿por qué esperar?», comienza su comunicado. «El mundo está infestado de mierda así que aquí va algo crudo que escuchar para superarlo todo. Esperamos que os traiga algo de alegría. Manteneos a salvo y esperanzados ahí fuera y gracias por dar a dos amigos la oportunidad de ser escuchados y hacer lo que aman», concluyen.
‘RTJ4‘, según habían detallado semanas atrás, contiene colaboraciones de Zack De La Rocha, Pharrell Williams, Mavis Staples, 2 Chainz, DJ Premier… Y, efectivamente, el disco está ya en plataformas de streaming y puede descargarse gratuitamente en su web, si bien invitan a hacer una donación a la ONG National Lawyers Guild Mass Defense Fund, que está destinando recursos legales a los detenidos en las protestas contra el racismo sistémico que estos días mantienen en vilo a la sociedad estadounidense, tras el presunto homicidio a manos de la policía de Minneapolis de George Floyd. El mundo de la cultura de todo el mundo se ha volcado en masa con esta movilización.
Recordemos que Killer Mike, mitad del dúo, fue noticia días atrás por comparecer junto a la alcaldesa de la ciudad de Atlanta para llamar a los manifestantes, entre lágrimas, a no destrozar y quemar locales y edificios, en aras de no debilitar una protesta que consideraba legítima.
Estos días circula por internet la imagen de un supuesto anuncio publicitario de ‘Black Mirror‘ colgado en la marquesina de una parada de autobús de Madrid. En Twitter, ha sido compartido, por ejemplo, por el fotógrafo Faisal Almalki. El anuncio avisa de la «sexta temporada» de la serie y se compone de un espejo. Sobran explicaciones.
Como informa El Confidencial, el anuncio no es oficial y se trata del trabajo no de una agencia publicitaria, sino de cuatro alumnos de la escuela Brother Ad Madrid, que han trabajado en él por parejas: Tito Rocha y Alberto Arribas y Rubén de Blas y Mer Mandrés han sido los artífices de esta genial idea publicitaria que perfectamente podría habérsele ocurrido al equipo de márketing de Netflix España, conocido por su creatividad. En declaraciones al mencionado medio, los alumnos citan el trabajo de Netflix como inspiración para su pieza.
A pesar de la viralidad de la imagen, muy fiel a la estética publicitaria de Netflix y de ‘Black Mirror’, Netflix España no ha realizado declaración alguna de momento sobre el anuncio, si bien Netflix México, como indica El Confidencial, sí ha desmentido que sea oficial. Por otro lado, en una entrevista, uno de los creadores de ‘Black Mirror’, Charlie Brooker, ha explicado que la sexta temporada de la serie no está en marcha por el momento. Su último estreno fue la película interactiva ‘Bandersnatch‘, que producía sentimientos encontrados entre los espectadores.
Cepeda, que este año ha triunfado con el single ‘Gentleman’ y acaba de editar ‘Tal como eres’ junto a David Otero, y VOX se han enzarzado en una discusión en Twitter por el ingreso mínimo vital que acaba de ser aprobado por el Gobierno. A raíz de un artículo de VOX en el que el partido de extrema derecha critica la aprobación de dicho ingreso por supuestamente alentar al «efecto llamada» de cara a la inmigración ilegal, Abascal ha expresado que este está condenado a «fomentar la invasión» y que «todas las personas que lleguen en patera tendrán derecho a cobrar la renta» mientras «los españoles (y los inmigrantes legales)» permanecen «sin respiradores y sin cobrar los ERTEs, en la cola del hambre y la muerte».
La respuesta de Cepeda ha provocado un cruce de insultos entre el cantante y el partido de extrema derecha. Contestaba a Abascal: «La renta mínima vital la pueden cobrar todas las personas que lleven 1 año residiendo en España. Deja de puto engañar al pueblo español con tu racismo encubierto. La gente que viene en patera no quiere invadir, pedazo de ignorante, quiere vivir». Hoy, ha sido VOX desde su cuenta oficial el que ha decidido responder al autor de ‘Principios’: «Solo los pijoprogres como tú piensan que los españoles podemos pagar una renta mínima a todos los africanos que vienen a España. La gente que viene en patera son víctimas de vuestras mentiras y de vuestro falaz discurso multicultural». El cantante no ha vuelto a quedarse callado y ha replicado: «La inmigración genera más ingreso que gasto público panda de xenófobos. Aparte de que su paguita la están pagando ellos, el gobierno no la dará a personas en situación ilegal. Vuestro pensamiento fascista me da un miedo que me transporta casi a 1944. Iros a cagar».
Maldita.es, la web especializada en desmentir datos falsos, ha desmontado las afirmaciones de VOX sobre las condiciones del ingreso mínimo vital: «no todas las personas que lleguen «en patera» (tienen) derecho al ingreso mínimo vital, sino sólo aquellas que lo soliciten y que acrediten haber sido víctimas de trata de seres humanos, de violencia de género o sean menores que se incorporen a un hogar. Al resto de personas extranjeras se les requiere contar al menos con un año de residencia legal en España, hayan llegado “en patera” o por cualquier otra vía».
La renta mínima vital la pueden cobrar todas las personas que lleven 1 año residiendo en España. Deja de puto engañar al pueblo español con tu racismo encubierto. La gente que viene en patera no quiere invadir, pedazo de ignorante, quiere vivir. https://t.co/NH2eons3FN
Por si las dudas os paso un simulador para ver si podéis percibir dicha ayuda, ya me diréis si un inmigrante recién salido de una patera la puede obtener. Fomentar el odio hacia personas desfavorecidas debería ser ilegal en este país. https://t.co/5cL2rwp1vq
La inmigración genera más ingreso que gasto público panda de xenófobos. Aparte de que su paguita la están pagando ellos, el gobierno no la dará a personas en situación ilegal. Vuestro pensamiento fascista me da un miedo que me transporta casi a 1944. Iros a cagar. https://t.co/VPdqWNogC3
The Weeknd, que sigue arrasando con ‘Blinding Lights’ y con su nuevo disco ‘After Hours‘, ha ido un paso más allá en su adhesión a la iniciativa #BlackoutTuesday, con el que el pasado martes la industria de la música se tomaba un descanso para apoyar sin distracciones la lucha antirracista.
La iniciativa se salía completamente de madre en muy poco tiempo, debido a que era seguida por absolutamente todo el mundo, no solo por representantes de la industria de la música, llevando al canal de Black Lives Matter en Instagram a ser inundado por imágenes de cuadrados en negro que terminaban escondiendo información muy importante relacionada con el movimiento. Algunos artistas cuestionaban su utilidad y Abel Tesfaye, en lugar de sumarse a la iniciativa, hacía públicas en Instagram sus donaciones, que sumaban 500.000 dólares repartidos entre tres organizaciones.
Yendo otro paso más allá, en un post publicado hoy miércoles, el cantante se ha dirigido a las tres discográficas multinacionales más importantes, Universal, Sony y Warner, para instarlas a hacer lo mismo, ya que ninguna de ellas ha revelado públicamente haber hecho donación alguna, pese a la premisa de la que partía la iniactiva, recordemos, lanzada por una discográfica. En un mensaje, el canadiense ha escrito: «A mis respetados compañeros y ejecutivos de la industria, nadie se aprovecha más de la música negra que las discográficas y los servicios de streaming. Ayer hice mi contribución y os urjo a hacerlas a lo grande y a hacerlas públicas esta semana. Significaría mucho para mí y para toda la comunidad que os unierais a nosotros en esto».
Paralelamente a The Weeknd, otros artistas han seguido compartiendo interesantes reflexiones sobre el «apagón», siendo una de ellas Kelis, quien, en un mensaje que ha sido reproducido por colegas como Erykah Badu o Azealia Banks, ha escrito: «si la industria de la música quiere apoyar las vidas negras, los sellos y las plataformas de streaming pueden empezar por enmendar contratos, distribuir «royalties», diversificar sus plantillas y pagar de manera retroactiva a todos sus artistas negros y a sus familias, gracias a las que han construido sus imperios».
Nueva edición de nuestra Sesión de Control, sección dedicada a repasar las novedades más destacadas del panorama alternativo de nuestro país y Latinoamérica. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify de esta sección que se renueva quincenalmente. [Foto exterior: Julia de Castro; foto interior: Carolina Durante.]
La escena independiente y alternativa española parece ya del todo decidida a poner fin al semi-letargo del periodo de confinamiento, como prueban los numerosos discos publicados en el último par de semanas: tras los discos publicados por Vetusta Morla, The New Raemon, Hidrogenesse, Hnos Munoz, Basurita o Pelomono y, apenas días atrás, Mala Rodríguez, Sr. Chinarro, Mujeres y Fred Fredburguer, esta misma semana han llegado (o lo harán de forma inminente) trabajos de Hinds, Dellafuente (un ‘Descanse en poder’ que se lanza este viernes y marca su «un punto y aparte» en su trayectoria como «artista urbano») o Recycled J. Además, el debut de unos Torres Satélite perfectos para amantes del indie pop en castellano ha visto la luz mientras que Parade han reunido las maquetas de su último disco, ‘La deriva sentimental‘, Linda Guilala han resumido en un doble disco sus primeros 10 años de carrera y Ricky Falkner (ex-Standstill, Egon Soda, Mi Capitán, etcétera) ha presentado la BSO de la película ‘Ardara’, con invitados como Núria Graham, Nico Roig o Xavi Molero.
No han sido pocos los artistas, tampoco, que han avanzado nuevas canciones de próximos lanzamientos, como Carolina Durante (‘El parque de las balas’, producida por Duncan Mills –The Vaccines, Crocodiles– forma parte de un EP del que nos hablaban hace poco), Rita Indiana, Xoel López, Chucho, Julia de Castro (la actriz y cantante se lanza en solitario tras liderar De La Puríssima, y ha lanzado cuatro adelantos, nada menos, de su álbum debut), Futuro Terror, Jack Bisonte, Odina (segundo adelanto del primer disco de la barcelonesa afincada en Londres Blanca Romeo), Los Estanques, Veintiuno, Feroe (el primer disco de la mitad de The Bright llegará después del verano), Amatria o Menta (a punto de lanzar su EP debut, precisamente en el sello Sonido Muchacho).
Y también han abundado los singles sueltos o sin pretensión (en principio) de formar parte de un trabajo más amplio: Ilegales (Jorge Martínez y sus secuaces han decidido publicar canciones a medida que las terminen; en este caso, una ‘Juventud, egolatría’ inspirada en la obra de Pío Baroja, nada menos), Nathy Peluso, Pantocrator, Lois (con co-producción de Anxo Ferreira de Novedades Carminha), Aterciopelados, La Résistance (el interesante productor manchego Fran Milla), la dominicana Letón Pé, Cosmen, Raúl Querido, Marion Harper, Rusowsky (primer tema tras su colaboración con C. Tangana), Agost (el trío catalán reaparece con un doble single), Niña Polaca, Anaju (la triunfita ha debutado con un tema producido por el grupo de pop electrónico Vonzo) o Phoac (nombre tras el cual se parapeta Pau Vehí, al que conocimos como mitad del dúo North State). Por último, destacamos la recuperación por parte de Primavera Labels de ‘Sideral presents Suborn’, un doble single que recupera las dos canciones que el añorado Aleix Vergés publicó en 2003 como parte de un proyecto con César Lores y Xavi Barranquero llamado así, Suborn.
Mónica Naranjo continúa presentando los varios volúmenes de los que se compone su nuevo proyecto ‘Mes Excentricitès‘, y después de entregar el primero, anuncia que el segundo verá la luz el próximo 26 de junio con nuevo título en francés, ‘Les Quatre Saisons’, y un diseño de arte inspirado en el trabajo del pintor checo de «art nouveau» Alfons Mucha.
El EP volverá a ser una «excentricidad» de Mónica Naranjo a tenor de su tracklist, que incluye varias adaptaciones. La más sorprendente -no tanto para los fans de la artista como para el público generalista- es una versión acústica de ‘Creep’ de Radiohead que Naranjo ha incluido en el EP «a modo de homenaje personal». Por otro lado, ‘¡Hoy no!’ es una «adaptación libre» de ‘Never Trust a Stranger’, el hit synth-pop de 1988 de Kim Wilde, y ‘Autómatas’ una versión de Propaganda. Las canciones originales de ‘Les Quatre Saisons’ son el «canto íntimo» de ‘Temptations‘ (la sintonía de ‘La isla de las tentaciones’, programa que Mónica ha presentado, está disponible desde hace meses); y ‘Alma y carne’, una «balada rock muy personal donde Mónica quiere llevarnos en un viaje hacia nuestro interior», según nota de prensa.
Al tiempo que la nota indica que ‘Les Quatre Saisons’ saldrá «exclusivamente» en formato vinilo y en las plataformas digitales, esta recuerda que Mónica ya prepara «nuevos proyectos musicales a uno y otro lado del Atlántico».
Tras conocerse la posposición definitiva de su edición 2020, tal y como dejaban entrever en la reciente entrevista que manteníamos con los directores del festival madrileño, Tomavistas anuncia parte de los artistas que les acompañarán en la celebración de su sexta edición, los días 27, 28 y 29 de mayo de 2021. Suede, León Benavente, El Columpio Asesino, Anna Calvi, Sen Senra, Maika Makovski, Mujeres, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Jessy Lanza y Side Chick son las primeras confirmaciones del evento, que dice estar «inmerso en conversaciones para poder mantener uno de los mejores carteles de su historia».
Todos ellos son nombres que ya figuraban en el cartel de su ya cancelada edición 2020, que se han podido «resituar» en la programación de este nuevo año. Próximamente, anuncian, conoceremos más artistas que también incluirán nombres completamente nuevos. El festival celebrado en el Parque Tierno Galván de Madrid también informa de que Todas las entradas adquiridas para 2020 son válidas para 2021 de manera automática. No obstante, aquellos que no quieran o no puedan conservar su ticket, tendrán dos opciones para gestionarlo a través de su web: 1.- Cambiar la entrada por un vale por el valor del importe de la misma; 2.- Devolver la entrada y recuperar el importe de la misma.
Una de las artistas que parece que podría no estar presente en mayo de 2021 es la canadiense Austra. Pero Katie Stelmanis sí ha acordado con Tomavistas formar parte de su ciclo de conciertos invernales, Tomavistas Ciudad. Así, presentará el notable ‘HiRUDiN‘ en la Sala Cool de Madrid el día 5 de diciembre.
Tras cancelar definitivamente su edición 2020 y anunciar la pasada semana el grueso de su line-up para la edición 2021 del festival, Primavera Sound acaba de lanzar una nueva tanda de nombres (no está claro si la última) que se suman a su cartel. Entre los 37 nuevos artistas que se icorporan al cartel, llaman la atención los de Massive Attack, Doja Cat, Mavis Staples, Jeff Mills y Kehlani.
El dúo de Bristol y la icónica artista soul que en los últimos años ha grabado álbumes con Jeff Tweedy (Wilco) y M. Ward son nombres que ya estaban presentes en la cancelada edición de este año, mientras que con la inclusión de Doja Cat, reciente número 1 en EEUU con ‘Say So’, y Kehlani, que acaba de publicar ‘It Was Good Until It Wasn’t‘, el festival barcelonés se marca un tanto en lo que a pop y R&B contemporáneo se refiere. También destaca la presencia del icono del house Jeff Mills, que junto al dúo irlandés Bicep amplía y refuerza la oferta de sonidos electrónicos.
El tándem de rap francés PNL, Paul Heaton (The Housemartins, The Beautiful South) & Jaqui Abbott, Georgia (autor de ‘Seeking Thirlls’, uno de los discos recomendados de este año), Squarepusher, girl in red, Tropical Fuck Storm, Yung Beef, Honey Dijon, beabadoobee, Ferran Palau, Núria Graham, Carla, Agoraphobia, Rombo, Chaqueta de Chándal o Carla también se incorporan a un cartel en el que destacan los nombres de Gorillaz, The Strokes, Tame Impala, Tyler, the Creator, Bad Bunny, Charli XCX, Beck, FKA twigs, Pavement…
Era evidente que en una escena saturada por el reggaetón, el trap y diversas formas de música urbana y latina adaptables a TikTok y «Today’s Top Hits», quien apostara decididamente por el disco, el house y/o el electropop, se lo iba a llevar bien calentito. Dua Lipa lo ha hecho muy bien en ‘Future Nostalgia’ y Lady Gaga, que ha ido grabando su álbum a la vez, pero lo saca más tarde por cosas de la vida, se anota el tanto de haber hecho algo sui generis y diferenciado.
Que la banda sonora de ‘Ha nacido una estrella’ arrasara estuvo muy bien para quitarse los sinsabores que, en general, habían dejado en las listas los singles de ‘ARTPOP’ y ‘Joanne’, pero nadie parecía desear que Lady Gaga siguiera los pasos de Barbra Streisand ni a los 34 años ni a los 100. Eso sí, si la gente quería un nuevo ‘Bad Romance’ o un nuevo ‘Telephone’, Stefani ha decidido no darlo. Su fanatismo por gente como Metallica y Iron Maiden no era cosa de una declaración y de una colaboración, sino que impregna su sonido especialmente en la era ‘Born This Way’. En el acabado de ‘Chromatica’, sin ser nada guitarrero, sigue habiendo algo deliberadamente macarra, hasta el punto de que a duras penas merece la pena mencionar a los productores del álbum. ¿Exactamente qué habrá hecho en él BloodPop? Este no es un disco de rock, pero sí visceral y no se ha querido pulirlo ni refinarlo: la artista nos está llevando a un «país de las maravillas» imaginario en el que desmadrarse y olvidarse de todo, como invita el estupendo corte ‘Alice’ en la apertura. Un lugar donde hay igualdad, reina la paz y las coreografías no son una dictadura sino freestyle.
Con la salvedad de esos interludios orquestales en los que parece que en cualquier momento va a aparecer Pygar para llevarse a Gaga Barbarella en volandas, los referentes estéticos del álbum son el house y el techno de finales de los 80 y principios de los 90, paleta que no había sido exprimida en los números más populares de su discografía, más bien orientada al electropop. Es importante recalcar que no estamos hablando de Disclosure, Hot Chip, Róisín Murphy, Hercules & Love Affair, Bicep, The Juan Maclean ni The Factory Floor, es decir, la gente que ha depositado sus esfuerzos en renovar estos patrones estéticos en nuestro siglo, sino más bien de «one hit wonders» olvidados del siglo pasado. Aquella canción de Eiffel 65 que te gustó siempre, aquel tema que nunca supiste que era de alguien llamado ATB, el de Double You que estás aburrido de tararear sin tener ni idea de quién lo cantaba, el de Rozalla aunque no aciertes a pronunciar el nombre de esta persona de Zimbabue, el hit de la Robin que no era Robyn, la adaptación de Jimmy Sommerville que mereció la misma atención que la de ‘Don’t Leave Me This Way’ pero no la consiguió o, por qué no, aquellas canciones que Bélgica y Rumanía llevaron a Eurovisión sin éxito en 2003 y te alegraron el verano aunque no te las pincharan en ningún lado.
Algunas de estas canciones eran de artistas italianos, como la familia Germanotta o la base del «grower» ‘Stupid Love’ y ‘Plastic Doll’, un tema que rehúye de artificios y operaciones; otras, no. Lo que tienen en común todas es que ni la más agridulce de ellas dejaba poso alguno de pena, porque es la música que ha hecho durante décadas al mundo, especialmente a la comunidad gay, sumergirse en la pista de baile para evadirse y dejar en un rincón los lastres de entresemana. Igualmente, en Chromatica, Lady Gaga no sufre fibromialgia, ni las pastillas que necesita le producen brotes psicóticos, ni se siente «una víctima tras haber sufrido una violación, sino una persona libre», como ha declarado a raíz de ‘Free Woman’, que incluye la frase «esta es la pista de baile por la que he luchado».
En la robotizada ‘911’, la artista reconoce en sí misma a su peor enemigo como causante de su malestar, y la eurovisiva ‘Fun Tonight’ sigue una línea similar cuando habla de la adicción a la fama, que en 2013 especialmente le provocó una depresión, con guiños a su carrera: «You love the paparazzi, love the fame / Even though you know it causes me pain». En ‘Replay’ vuelve a introducir la palabra «monster» cuando dice que «vuestros monstruos me torturan» o «sois lo mejor y lo peor que me ha pasado», paradójicamente ofreciendo a los «little monsters» más y más alpiste. Pese a algún momento vocal excesivo, como ‘Enigma’, Lady Gaga tiene por supuesto una voz idónea para todo este exorcismo. En la mencionada ‘Free Woman’ o en el desenlace de ‘Babylon’, con su pequeño góspel, al fin notamos que es tan fan de Whitney Houston -la más dance- como decía.
Con todo el disco botando a 120 BPM’s a razón de 3 minutos por canción, Lady Gaga a veces no baila sola. Si bien, a diferencia de lo que opinan algunos de mis compañeros y media humanidad, no termino de oír en ‘Rain on Me’ con Ariana Grande más que un número dance justito -como lo fue ‘One Kiss’ por mucho que haya triunfado-, el «buzz single» con Blackpink ‘Sour Candy’ me tiene encandilado por el modo en que cambia y sostiene un acorde, un truco que se repite cíclicamente en la producción y que no, no estaba ni en ‘Swish Swish’ ni en ‘What They Say’ de Maya Jane Coles. Y la gran sorpresa la da el dúo con Elton John, pues ‘Sine from Above’ utiliza su delirante paso del trance al drum&bass para expiar males. Es realmente emocionante escuchar a ambos, sobre todo a él, que se va a retirar, pero realmente a los dos, cantar: «cuando era joven, me sentía inmortal / y no hubo un día que no fuera una lucha / viví mis días solo de noche / me perdí entre las luces».
Pese a que ‘Chromatica’ no es ese disco tipo ‘Lemonade’ que puedes pasar a ese amigo escéptico para que se abra al fin a la artista, sí representa algo muy poco visto antes en formato largo. De alguna manera, el éxito de este álbum supone un poquito de justicia poética para The Communards, que fueron relegados de todas las listas de lo mejor de los 80; para Gala, que fue relegada de todas las listas de lo mejor de los 90; para Infernal, que fueron relegados de todas las listas de lo mejor de los 2000; y un consuelo para todos los que nos quedamos planchados viendo cómo Kate Ryan ni siquiera llegaba a la final de Eurovisión después de hacer un pedazo de show. Seguro que todo este dolor en la historia del pop no tuvo lugar en el mundo paralelo de Chromatica.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Stupid Love’, ‘Alice’, ‘Sine from Above’, ‘Sour Candy’ Te gustará si te gusta: Jimmy Sommerville, Kylie, ‘Máquina Total 4’, Eurovisión Youtube:‘Sine from Above’
Hartos de ver cómo talent-shows tan blancos y predecibles como La Voz Kids anticipan futuros artistas que, en el mejor de los casos, aspiran a dar una campanada del estilo Gemeliers, reconforta encontrar alguna que, tras su paso por el concurso, confía en sus posibilidades y apuesta por ofrecer algo distinto a esa media. Es el caso de Maren, una chica de Gallarta, Vizcaya, que tras pasar por la edición 2017 del programa televisivo, está luchando por forjar una carrera seria, apoyada al máximo por su familia (se educó con una colección de vinilos clásicos que le regalaron sus abuelos). Aún adolescente (tenía 13 años cuando pasó por el programa), Maren lanzaba en 2018 un EP debut titulado ‘Alguien sin vergüenza‘, en el que mostraba un perfil de pop algo ortodoxo pero bastante pulcro, con tintes de folk y rock entregados a su bonita voz, que la hermanan con propuestas como las de Morgan y hacen recordar los inicios de Russian Red.
Su encanto era (es), en todo caso, innegable, y eso la llevó a abrir conciertos para Tyler Ramsey (ex-Band of Horses) y Crystal Fighters, mientras seguía escribiendo las canciones del que sería su primer largo. Un disco que era confirmado semanas atrás: ‘Margaritas y lavanda’, verá la luz el próximo septiembre, ha sido producido de nuevo por John Caballés (cantautor que ha ejercido de músico y productor para Antonio Orozco y Maldita Nerea), será editado con el apoyo de BMG y distribuido por Altafonte. Su primer adelanto, ‘Dear Murphy’, mostraba primero su apuesta ya decidida por el castellano como lengua de expresión, y segundo que ha desencorsetado su voz y la deja fluir con más libertad, con inflexiones que pueden ser algo chirriantes a veces, pero que a la vez le otorgan más carácter.
Unos giros vocales que reitera, acaso con mayor empeño, en la recién estrenada ‘Fotosíntesis’ (esos «iae, iae, iae» que la emparentan más si cabe con Lourdes Hernández). Pero también, que su enfoque musical dista mucho de lo convencional, alineándose con cantautoras que escapan de los límites de esa etiqueta como Faye Webster o Stella Donnelly. Aunque, curiosamente, una nueva canción que no tendrá cabida (o eso parece) en su debut es precisamente la que más nos ha engatusado.
Hablo de ‘Te invito a mi piscina (para matarte)’ que, como obvia su título, lo hace porque se libera del todo del perfil blanco e inane que cabía atribuirle con sus primeras canciones, sobre todo en esa explícita («estos días me he vuelto una asesina») y divertida («porque tú te has quedado con todos y pensado romperte los codos») letra de venganza, entre lo naif y lo perverso. Pero también por lo que tiene de inesperado su envoltorio musical, con tintes lo-fi –la guitarra eléctrica rasgada tímidamente, la caja de ritmos que parece de juguete, los juguetones toques de fondo, las voces dobladas– que la alejan de lo previsible. No cabe duda de que, sobre todo teniendo en cuenta su juventud, lo de Maren podría dar mucho de sí.
Andrés Costureras, bajo su alias Pshycotic Beats, comenzó a inicios de la pasada década a labrarse un espacio en la electrónica patria. Curiosamente, su gran oportunidad le llegaría con un perfil más tradicional y orgánico, con el que había experimentado ya en sus discos: ‘Killer Shangri-Lah’, una torch-song con aires 50s en la voz de Pati Amor, que encontraba perfecto acomodo en la banda sonora de la serie ‘Killing Eve’. A partir de ahí, Costureras ha alternado (y mezclado) ambos perfiles en discos como ‘The Black Sea‘ o el recién publciado EP ‘The Bleeding Songbook‘, en el que vuelve a aliarse con Pati Amor. Un momento perfecto para indagar, a través de nuestro «Tipo Test», en los curiosos y variados referentes del compositor y productor madrileño. Fotos: Alfredo Arias.
¿Tienes canción favorita de todos los tiempos? En caso negativo, ¿una canción que te haya obsesionado últimamente?
‘Impressive Instant’ de Madonna. La canción que me empujo haya por el 2000 a meterme en el lío de hacer música.
¿Alguna canción que desencadenara, inspirara o haya estado presente en ‘The Bleeding Songbook’?
El ‘River Deep Mountain High’ de Ike y Tina Turner y el ‘Jaan Pehechaan Ho’ de Mohammed Rafi fueron la inspiración para ‘Fast! Fast! Kill!! Kill!!’.
Estás en esta playlist oficial de ‘Killing Eve’ junto a gente de lo más dispar. ¿Cuál es tu canción favorita de dicha playlist? ¿Alguna que no te guste nada?
Me encanta ‘When a woman is around’ de Unloved y ‘La Tarara’ de Marisol una broma pesada.
¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
‘Time After Time’ de Cindy Lauper.
¿Qué canción desearías haber escrito?
Para mí estos test son súper difíciles de responder. Pero últimamente ‘You Don’t Own Me’ en la versión de Dusty Springfield, y ‘The Rip’ de Portishead.
¿Qué canción odias con toda tu alma?
Una de Juan Magán, iba a decirte cómo se llama pero me apetece más beberme una botella de lejía y sobrevivir.
Actuación vocal que adores.
‘Joanna’ de Scott Walker.
Momento musical exacto de una canción que te encante.
2:30” de ‘Impressive Instant’ de Madonna.
¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
El “Guilty-Pleasure” existe, es odioso todo lo que le rodea pero existe, no seamos falsos. Uno de los míos es ‘Chas y aparezco a tu lado’ de Alex & Christina, la melodia es genial pero la producción ha envejecido fatal.
¿Mejor secuencia de canciones en un disco que hayas oído?
No valoro mucho esto de las secuencias, me da un poco igual, pero ‘Deseo Carnal’ de Dinarama es bastante brutal.
¿Algún disco que te encante pero cuya secuencia te parezca un desastre?
Es que no creo que un disco pueda tener una mala secuencia, si la secuencia falla es que hay muchas canciones de relleno, en cuyo caso, en mi opinión, lo que falla es el repertorio, no el disco.
¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Tiene que funcionar en todas las versiones posibles. Si es bailable, tiene que funcionar si la conviertes en balada, si es un baladón que funcione si la conviertes en bailable, tiene que funcionar a piano y voz, en formato swing, en formato mashup. Eso es una canción perfecta, una canción que funciona siempre.
Un remix que te haya vuelto loco.
Cualquiera de Ewan Pearson, Stuart Price, Camelphat…
¿Quién te gustaría que versionara una canción tuya?
Nick Cave y Pj Harvey versioneándome el ‘Killer Shangri-Lah’.
¿Sigues comprando discos en formato físico? En caso afirmativo, ¿cuál fue tu última compra y en qué formato?
Vinilo siempre. Me compre los 3 primeros de CHIC re-editados. Sonaban que me hice pis encima.
¿Qué canción o disco puede ser indicativo de ese disco más electrónico que preparas al margen de este EP?
Una mezcla de ‘P-Machinery’ de Propaganda y ‘Full of Fire’ de The Knife. Estoy muy al principio del proceso, supongo que cuando salga el disco nos acordaremos de este cuestionario.
Leticia Sabater no entiende de coronavirus ni mandangas, y ella no falta a su cita anual con el verano entregando su propuesta de hit chiringuitero y calimochero… aunque desde ‘La salchipapa‘ su suerte no ha sido la misma. Ni ‘Toma pepinazo‘, ni ‘Tukutú‘ ni ‘18 centímetros papi‘ (nunca la ausencia de una coma tuvo tanta relevancia) se acercaron al éxito (real, no en su cabeza) de aquel delirante «tikitikitiki takatakataka».
Pero ojo, que la apuesta de Leti para un mundo post-Covid es más elaborada que de costumbre. ‘Vete pal carajo tra tra’ tiene una producción y una melodía muy trabajadas para sus estándares, el Autotune está bastante bien disimulado y hasta se atreve a rapear con cierta soltura (es un decir, pero cabía esperar algo peor) versos tan delicados y sutiles como «Recordarás tu llave metida en mi cerradura, sin censura» o «pensando en mí te vendrás (…) y loco, loquito, una bala de espuma blanca dispararás». Como ‘El mal querer’, está basado en un poemario del siglo XV (#no).
Por lo demás, no deja de ser un pegadizo (en serio) pastiche que, con la coartada de un desengaño amoroso, esquilma el popular «tra tra» de ‘Malamente’ de Rosalía (y no solo en el título: se jarta de repetirlo en todo el tema) y, del todo inopinadamente, incluye la voz de un señor (quizá ese doppelgänger de Kiko Rivera del vídeo) que cree que imita bien a Pablo Escobar. El clip no es menos delirante, de acuerdo con los cánones estéticos de una artista (ejem!) para la que el croma es el Santo Grial y que, además de lucir su internacionalmente conocida tableta, se permite hasta un product-placement, como las grandes estrellas. En su caso, de un célebre estimulador de clítoris.
Tras su paso por la exitosa edición de 2017 como profesor de cultura musical –en las siguientes le sustituiría Miqui Puig y, en la actual, Zahara–, Guille Milkyway vuelve a Operación Triunfo. Vale, no es la primera vez –sin ir más lejos, ofrecía una clase de composición pocos días antes de estallar la pandemia– ni lo hace para formar parte del profesorado de una edición 2020 que está a punto de acabar. Pero sigue siendo noticia que un proyecto de pop alternativo como La Casa Azul tenga cabida en un espacio musical de máxima difusión como este.
Lo hará en calidad de invitado, esta vez, para cantar a dúo con la ya finalista Eva su en-absoluto-nuevo single ‘El momento’, parte del disco ‘La Gran Esfera‘. Ya se han podido ver, de hecho, algún ensayo. Hubiera sido el escenario perfecto para lanzar una de esas nuevas canciones que el barcelonés había prometido lanzar este año, quizá como parte de un nuevo trabajo. Pero no sabemos si el parón de la pandemia habrá forzado a demorar esos planes, del mismo modo que la doble fecha prevista en La Riviera de Madrid pasaban del mes de abril al próximo septiembre.
No será Guille el único invitado en la semifinal de OT 2020 que se celebra este miércoles: Blas Cantó, interpretando con Nia ‘Hoy tengo ganas de ti’, y Miki Núñez, que hará con Hugo su single ‘Me vale’. Los tres concursantes ya clasificados para la final también actuarán en temas conjuntos con los cuatro compañeros –Anaju, Maialen, Flavio y Samantha– que optan a las dos plazas restantes de la final.
En el mundillo de OT, es también noticia que algunos de los concursantes han recibido propuestas sólidas para grabar singles e incluso álbumes tras su salida del talent-show. Según Vertele, Nia Correia –que hace pocos días lanzaba su single debut ‘8 maravillas’, un tema salsero producido por Kike Santander– tiene una propuesta firme de Sony Music, al igual que Hugo. Universal ha apostado por Samantha –aunque no está convencida del todo, al parecer–, mientras que Eva ha sido tanteada por Warner. Aunque la mayor sorpresa (relativamente) es la de El Dromedario Records, el sello de Extremoduro, Marea o Robe Iniesta, que ha hecho una propuesta firme (dos singles a grabar en agosto, previo a un álbum, y con fechas confirmadas para el año que viene) a Chica Sobresalto, conocida en el programa como Maialen y que se salvó de la expulsión hace unas semanas cantando ‘Dinamita’ de La Bien Querida.
Vetusta Morla firman la entrada más significativa en la lista de álbumes con ‘MSDL – Canciones dentro de canciones‘, la revisión que han hecho de su último álbum de estudio. Entra en el número 11 claramente desfavorecida por la suspensión de la lista de discos físicos debido al coronavirus, ya que el disco ha contado con una suculenta edición física. Aunque quizá tampoco estaba asegurado el número 1 para un trabajo cuya versión original ya alcanzó esta posición en su momento. ‘La deriva‘ también fue número 1 en 2014.
La segunda entrada más fuerte en lista es para Agust D, alias de Suga de BTS, la banda surcoreana más popular del momento. Su álbum ‘D-2’ es número 16. Le sigue en el número 31 el rapero estadounidense Gunna con ‘Wunna’, disco que acaba de ser número 1 en Estados Unidos y número 5 en Reino Unido.
Finalmente, Jarabe de Palo son número 84 con su disco de regreso ‘Tragas o escupes’, pero este veía la luz el pasado martes, así que probablemente escalará bastantes posiciones en lista la semana que viene, cuando se complete el recuento de días. El disco de la gala 11 de Operación Triunfo 2020 es número 85.
‘PAM’ de Justin Quiles, Daddy Yankee y El Alfa es el nuevo número 1 en la lista de singles española. La canción, que incluye la frase «estás más buena que Dua Lipa», protagonizaba la entrada más fuerte de la lista el pasado 12 de mayo y ha ido escalando posiciones en los últimos días hasta finalmente subir del 3 al 1. El remix de ‘La Jeepeta’ de Nio Garcia, Anuel AA, Myke Towers y Brray le sigue de cerca, al subir del 8 al 2.
‘Rain On Me’ de Lady Gaga y Ariana Grande, número 1 tanto en Estados Unidos como en Reino Unido, entra en el número 8 de la lista de singles española. Lo tenía difícil para ser número 1 en nuestro país una canción cantada íntegramente en inglés, en una lista hispanoparlante ante todo: la última fue ‘Shape of You’ de Ed Sheeran, en 2017. La semana que viene conoceremos el dato de ventas de ‘Chromatica’, el nuevo álbum de Stefani Germanotta, que está siendo un éxito comercial y de crítica. Atentos a portada para nuestra crítica del «Disco de la Semana».
Otras entradas en lista son las de Sech y Daddy Yankee con ‘Confía’ en el número 33, Morat y Sebastián Yatra con ‘Bajo la mesa’ en el 52, David Otero y Cepeda con ‘Tal como eres’ en el 72, Don Patricio y Mozart La Para con ‘Pa’ toda la vida’ en el 86, Sech y Myke Towers con ‘Bentley’ en el 89 y Lérica y Belinda con ‘Flamenkito’ en el 91.
Lo tenía realmente difícil Mala Rodríguez para conseguir satisfacer a sus fans de siempre con un disco en el que, tras el misterio sostenido casi hasta el último momento, buena parte de su secuencia está copada por los singles que ha venido publicando desde finales de 2018 hasta ahora. Singles que, como sabemos, se posicionaban del lado del nuevo pop urbano, con ritmos de reggaeton, funk carioca y ecos jamaicanos, más que del rap duro y (más, aunque no del todo) ortodoxo de sus inicios. Si alguien siente la tentación de creer que su estatus de artista multinacional la ha empujado a hacerlo, no tiene más que revisar ‘Bruja‘ –publicado también vía Universal– para cerciorarse de que no es el caso. De hecho, más bien ese disco revela, a través de cortes como ‘Hazme eso’ o ‘Quién manda’, que su voluntad de acercarse a un sonido más pop, más luminoso y diverso ya estaba ahí.
De hecho, ‘MALA’ es, por eso, un consciente salto al vacío en el que muchos de sus viejos seguidores no la acompañarán. ¿No habría sido mucho más sencillo hacer otro disco de rap en sus cánones y no ver tambalearse su trono de reina indiscutible del hip hop español? Ya respondo yo: sí. Pero la jerezana, consciente de que no tiene sentido vivir ajena a la realidad y, en lugar de conservar su pedestal, opta por bajarse de él y compartir con sus armas el espacio del pop urbano que otras mujeres un poco más jóvenes estaban dominando. En la secuencia, ‘Aguante‘, ‘Contigo‘ y en menor medida ‘Dame bien‘, funcionan mucho mejor que como singles independientes, muestras de la capacidad de La Mala para hacer suyo cualquier palo.
Pero, no contesta con eso, amplía el colorido y se adentra en cortes incluso más pop como el irresistible ‘Pena‘ –¿quién podría haber adivinado que en su dueto con el ínclito Cecilio G. jugarían a ser cantantes ad-hoc y no raperos?– o el potente dub-pop de ‘Peleadora‘. Por eso precisamente chirría un poco que, dada la amplitud de registros, se caiga en lo mimético en ‘Problema’, una colaboración con Lola Indigo –amadrinada por ella ya desde ‘Mujer bruja‘– que resulta excesivamente reiterativa de un patrón ya muy representado en el disco.
Esa relativa falta de sorpresa, sumada al hecho de que varios de sus temas no son precisamente nuevos, podía haber arruinado ‘MALA’. Especialmente si la apuesta por este perfil de pop urbano hubiese sido generalizada. Sin embargo, Rodríguez no es ni conformista ni una advenediza, y su inteligencia para construir una pieza artística sólida y personal queda fuera de toda duda con su espectacular arranque. Habilísima, abre con ‘Nuevas drogas’, el corte más duro y oscuro del disco y que conecta pasado y presente con rap escupido, quejíos flamencos y un beat (la de Paul Boutique, que dobla en ‘Peleadora’) muy audaz. A ella le sigue la inapelable ‘Like‘, que se sitúa como el perfecto punto medio entre la Mala de las dos décadas pasadas y la que comienza. Y a esta, la espectacular ‘Superbalada‘, que se proyecta hacia el futuro partiendo de la base construida, ampliando horizontes sin que la palabra «traición» tenga cabida. Su desgarro es realmente espeluznante, el momento más alto del disco junto a la delicadeza y el sentimiento de la balada al piano ‘Mami‘: otro canon del que se adueña la andaluza.
Una de las grandes virtudes de ‘MALA’ es el fantástico encaje que tienen todas esas piezas, fruto de la visión de María como productora ejecutiva que es justo y necesario destacar. Su secuencia está realmente bien pensada, destinada a que, si hay alguna flaqueza (las señaladas un par de párrafos arriba) quede diluida en el conjunto. Y, pese a que todos los temas adelantados del disco se concentran –nada casualmente, adivinamos– a partir del corte 5, la segunda parte del disco apenas decae respecto a la primera gracias a sorpresas como ‘Antes de todo aquello’, de nuevo con un punto future pop al que sienta de vicio el andalucismo de su voz. Y si bien hay quien pueda verse decepcionado en el plano lírico, habida cuenta de que apuesta por un perfil íntimo más difícil de hacer universal, lo cierto es que, al margen de su perfil más hedonista, sus versos siguen plasmando en ‘Nuevas drogas’, ‘Superbalada’, ‘Mami’, ‘Ante de todo aquello’… una lucidez, una poesía y una fuerza al alcance de pocos MCs en castellano. La nueva Mala Rodríguez suena diferente, pero sigue siendo la de siempre. Es, como señala esa llamativa portada de ‘MALA’ que podría subtitularse «pues miradme tol coño», una maestra.
Calificación: 7,8/10 Lo mejor: ‘Superbalada’, ‘Aguante’, ‘Nuevas drogas’, ‘Like’, ‘Mami’, ‘Pena’, ‘Antes de todo aquello’ Te gustará si te gusta: Lola Indigo, Bad Gyal… y La Mala de siempre. Youtube:vídeo de ‘Dame bien’
Cuando el pasado mes de septiembre os hablábamos de la joven cantante neozelandesa BENEE con motivo de su interesante propuesta de pop con tintes R&B y soul, plasmada en singles tan monos como ‘Glitter’ o ‘Want Me Back’ y también en su colorida propuesta estética, jamás habríamos imaginado lo que terminaría pasando con uno de sus singles posteriores, ‘Supalonely’.
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