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Sam Smith y Demi Lovato suenan al borde del precipicio en ‘I’m Ready’

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JNSP
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Previsto inicialmente para el próximo día 1 de mayo, el futuro es incierto para el tercer disco de estudio de Sam Smith. Tal y como anunció días atrás, su lanzamiento sigue pospuesto sin nueva fecha por el momento –tal y como ha ocurrido con otro de los lanzamientos más importantes del año en el pop, ‘Chromatica’ de Lady Gaga–. Y, lo que es más chocante aún, sin título definido, puesto que Smith descartaba ‘To Die For’ al no considerarlo apropiado dada la enorme cantidad de fallecimientos que padece la humanidad estas semanas a causa de la pandemia.

Sin embargo, eso no evita que lance un nuevo single del mismo tras los temas lanzados el pasado año, el monster-hit ‘Dancing With a Stranger‘, el también exitoso ‘How Do You Sleep?‘ y la más moderada repercusión de la balada que da(ba) nombre al álbum. Se trata de ‘I’m Ready’, un dueto con la recuperada Demi Lovato. Sam aseguraba en Twitter que «esta vez va del todo sobre diversión», reafirmándose en que su nuevo disco sería sobre todo para bailar. Sin embargo, esta nueva canción tiene un punto muy oscuro.

El tema viene envuelto en una parafernalia olímpica sui generis (alguna disciplina que se juegue con tacones), incluso a pesar de que los Juegos de Tokio 2020 han sido pospuestos al año que viene. Los coros que van emergiendo apuntan tanto hacia lo grandilocuente como la melodía del tipo superación, y el vídeo de hecho se desarrolla en una piscina olímpica. Ahí vemos a Sam rodeade de unos cuantos bailarines, y a Demi como a punto de saltar desde un trampolín, acentuando la sensación de peligrosidad de la producción, que suena como si ambos estuvieran «preparados para el amor»… pero al borde de un precipicio. Los sonidos, pura década pasada, se mueven entre el hip-hop y el dubstep, si bien haciéndonos entender por qué el álbum se llamaba ‘To Die For’.

Como se había filtrado, están en los créditos ILYA y Savan Kotecha, socios de estudio de Max Martin que además de en numerosos temas de Ariana Grande se encargaron el año pasado del single debut en solitario de Normani –que colaboraba con Smith en el gran hit de este álbum– y, también, la citada ‘How Do You Sleep?’. También Peter Svensson, el exmiembro de The Cardigans que se ha hecho rico escribiendo canciones para Ariana, Carly Rae Jepsen, Troye Sivan, The Weeknd, largo etcétera. Sebas, Raúl.

Kelly Clarkson apuesta todo a la diversidad en ‘I Dare You’, en España con Blas Cantó

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Sebas E. Alonso
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El nuevo single de Kelly Clarkson se llama ‘I Dare You’ y se trata de una canción que interpreta en inglés, pero también en otras lenguas junto a diferentes cantantes. En Francia se potenciará junto a Zaz, en Alemania junto a Glasperlenspiel, en los países árabes con la marroquí-canadiense Faouzia, en Israel con Maya Bouskilla y en España el agraciado ha sido Blas Cantó, en la primavera más triste de su vida profesional tras la cancelación del Festival de Eurovisión.

El tema habla «del amor en todas sus formas, desde el punto de vista de la adversidad», y parece una canción benéfica para entretener a sus seguidores durante la crisis del coronavirus, pero realmente se iba a lanzar el pasado mes de marzo y se ha retrasado debido a la COVID-19, por lo que parece que venía ideada desde hace tiempo.

El EP con todas las versiones ya está disponible en las plataformas digitales, pero además ha salido un «lyric video» que hace dudar sobre si la canción va sobre la adversidad o sobre la diversidad, a tenor de los protagonistas que hallamos en ella: parejas gays besándose, familias interraciales, personas en la tercera edad, unas chicas musulmanas… Por acordarse se han acordado hasta de aquellos que prefieren tener perros que hijos. Muy bonito todo, Kelly, pero en los anuncios de refrescos le están echando más imaginación y pasión…

Amaral, Bunbury, Love of Lesbian… desde este domingo en ‘La 2 es Música’

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Sebas E. Alonso
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El lema «La 2 es Música» detrás de espacios como ‘La hora musa’, ‘Un país para escucharlo‘ o ‘Cachitos’ será ahora un programa de televisión en sí mismo. Se empezará este domingo 19 de abril por el mayor fenómeno superventas de los últimos años en España, Pablo Alborán, pero no desesperéis, porque después seguirán artistas bastante variados entre sí, como Enrique Bunbury, Amaral, Coque Malla, Niña Pastori, Love of Lesbian, 091, Vanesa Martín y Loquillo, como informa Vertele.

Dicha nota de prensa especifica que los protagonistas serán personajes «del panorama musical en castellano», con lo cual suponemos que se descarta la aparición de Russian Red. En cualquier caso, parece que no serán programas de producción propia, sino ya conocidos por sus seguidores, pues se anuncia una «serie de conciertos y documentales monográficos sobre artistas» y algunos son bastante populares.

Y es que lo que se emitirá de Bunbury será el MTV México de 2015, lo que implica la aparición de gente como Carla Morrison o Vetusta Morla. En cuanto a Amaral, será el concierto Nocturnal en el Palacio de los Deportes de Madrid; y en cuanto a Coque Malla, el documental ‘Mujeres’. El primer programa, el de Pablo Alborán, es un concierto en Sevilla grabado en 2018.

No te pierdas el directazo de Parcels que presenta su nuevo disco grabado en vivo

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Jordi Bardají
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Parcels, uno de los mejores grupos del momento, así en general, anuncia su primer disco en directo. Se llama ‘Live Vol. 1’, sale el 30 de abril y es una interpretación en vivo de la canciones incluidas en su excelente debut.

El disco ha sido «grabado en vivo en cinta y mezclado a través de una consola hardware en el legendario Hansa Studio de Berlín» y es «una colección de 18 canciones que representa todo lo que los fans adoran de Parcels», según la nota de prensa. «Un disco en el que podemos escuchar las canciones más exitosas de la banda pero con la sonoridad mejorada y única que da el directo. Todas ellas complementadas con las experimentales transiciones que dan a sus actuaciones un toque único».

El grupo ha explicado que “ideamos este disco hace dos años como el epílogo perfecto para nuestro álbum debut” y que «sorprendentemente, a día de hoy todavía lo sentimos como una buena idea, algo que solo sucede si estás haciendo lo correcto”.

El primer avance de ‘Live Vol. 1’ es la interpretación en directo de Parcels de ‘IknowhowIfeel’, exactamente su séptima canción más escuchada en Spotify en este momento. Esta suena entre dos interludios instrumentales, ‘Redline’ y ‘Elude’. Las tres pistas pueden escucharse en Spotify, y también en un videoclip dirigido por la directora Carmen Crommelin, quien ha alabado el trabajo del grupo: “La magia que son capaces de crear Parcels en el estudio no necesita una narrativa adicional, por eso quería que la cámara fuera tanto pasiva como íntima para que el espectador pudiera observar cortésmente desde la distancia mientras camina por el estudio como un amigo”.

Sr. Chinarro sorprende con la rumba afrancesada de ‘Sábanas santas’

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Jordi Bardají
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Sr. Chinarro es uno de los artistas que han anunciado disco durante la cuarentena, que ya no son pocos, y su nuevo largo, ‘El bando bueno’, verá la luz el próximo 26 de mayo a través de Mushroom Pillow, sello que en 2018 editó el que hasta ahora era el último trabajo de estudio de Antonio Luque, ‘Asunción‘.

El primer avance de este nuevo álbum con portada pictórica, ‘Sábanas santas’, estaba anunciado para hoy 16 de abril y ha salido puntual esta madrugada a las 00.00. Se trata de una alegre rumba marcada por el sonido de la guitarra acústica y también el de un acordeón. Sobre la canción, Luque ha dicho que es «un poco rumba» pero ha aclarado que ‘El bando bueno’ no es «un disco de rumbas», y ha añadido: «La grabé de esa manera por llevarme la contraria. Y porque estamos en España, no se puede evitar, hay que ir al revés. Somos asín. Bueno, yo pude evitarlo en su día, pero ya pa qué. Ole con olé, y olé con ole, a elegir».

Si te has quedado ojiplático leyendo la última frase del párrafo anterior, el mismo efecto produce la letra de ‘Sábanas santas’, que bordea el surrealismo entre menciones a la polución nocturna, la cultura del alcohol «por ver a todo cristo en las urnas» y a un elefante, y que además rima «Mimosín» con «Turín» e incorpora la frase «mi padre tuvo alergia al polvo demasiado tarde». Un sinfín de insospechados pareados (perdón), en cualquier caso, que podéis escuchar bajo estas líneas.

‘Toosie Slide’ de Drake arrasa gracias a TikTok pero… ¿lo merecía?

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JNSP
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Parte de la redacción evalúa el single de Drake, que ha logrado colocarse en el número 1 del Billboard Hot 100 y en el número 2 en Reino Unido.

«Oh, vaya sorpresa: Drake sacando provecho de la mina de oro en que se ha convertido TikTok para los artistas que consiguen que viralizarse en la red social china, e idea un tema con bailecito adosado –ligado a uno de los tiktokers más seguidos e imitados, el dichoso Toosie–. ¿En serio alguien esperaba que esto no pitara cuando lo ha hecho el enésimo autohomenaje con Future? Porque, por más rabia que dé y/o tirria que le tengamos –lo de enseñarnos su ostentosa mansión era del todo innecesario, además de una temeridad–, ‘Toosie Slide’ es un gancho tan evidente como bien construido en su canon de rap lento y elegante –mucho ojo a los arreglos de órgano que OZ va desarrollando por detrás–, una nueva muestra de la maestría de Aubrey para con el pop contemporáneo y su mercadotecnia anexa. Y, esta vez, sin featuring que valga». Raúl Guillén.

«Lo peor de ‘Toosie Slide’ no es que Drake haya hecho una canción específicamente para TikTok. En su derecho está a hacerlo. Lo peor de esta canción es que suena a Drake en piloto automático: ha tenido suerte de viralizarse gracias a la aplicación de moda incluso antes de ser publicada oficialmente (¿sería la filtración previa un «inside job»?), pero no suena mucho mejor que cualquier canción de relleno de ‘Scorpion’ o de cualquiera de sus discos o mixtapes o como los llame. Hay que recordar que Drake ha sacado una cantidad ingente de singles y que no lo ha petado con todos ellos. El autor de una obra maestra como ‘In My Feelings’ o de canciones tan finas como ‘Passionfruit’ lo sabe hacer muchísimo mejor. Con enfocarse más en la música y en evolucionar un poquito, porque esta canción es más de lo mismo pero peor; y menos en los dólares, le basta». Jordi Bardají.

«Hace un año algunas emisoras de radio de diferentes países de todo el mundo boicotearon la música de Michael Jackson ante la duda de que las proclamas del documental ‘Leaving Neverland’ fueran ciertas, algo bastante discutido. Lejos de «cancelar a Michael Jackson» y tras unos meses en que mucha gente no sabía qué hacer al respecto, en ‘Toosie Slide’ Drake vuelve a asumir al cantante como algo «cool» frente a millones de adolescentes enganchados a TikTok. Drake había forzado un dúo entre ambos en 2018, ‘Don’t Matter to Me‘, pero este mismo año había hecho una mención confusa a Jackson en la reciente ‘When To Say When’. Decir que quieres ser como Michael Jackson en homenaje al «moonwalk» es el único riesgo de esta composición simpática, pero no a la altura de una superestrella que, en la plenitud de su carrera, debería exigirse un poquito más a nivel artístico. Ya no recuerdo qué año corría la última vez que se apuntó un tanto en ese sentido. ¿’Nice for What‘ en 2018? ¿‘Passionfruit’ en 2017? ¿Realmente el dembow de ‘One Dance’ en 2016? Gracias, Rihanna, por no meterte en estas: por no intentarlo demasiado cuando no hay nada que decir». Sebas E. Alonso.

¿Qué te ha parecido 'Toosie Slide' de Drake?

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Rosalía, Lady Gaga, Justin Bieber, Mala Rodríguez, Cardi B, Los Punsetes… en 10 fotos que no debiste perderte

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Raúl Guillén
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Vuelve nuestra sección 10 fotos que no debiste perderte, dedicada a mostrar fotos y vídeos de nuestros artistas favoritos en las redes sociales que te gustará ver (o recordar, si ya las has visto). Dado que el confinamiento por la pandemia retiene en sus casas a prácticamente todo el mundo, la sección está capitalizada por los efectos y reacciones del coronavirus en las estrellas del pop.

La Covid-19 salva Abbey Road

Que el coronavirus es más malo que la ETA lo sabe ya todo pichichi. Pero mira, incluso siendo de lo peor visto en cuestión de virus, se le puede ver una ínfima parte positiva: las medidas de confinamiento han posibilitado que el célebre paso de cebra de Abbey Road sobre el que se fotografiaron The Beatles para la portada del disco así llamado, ha podido por fin ser repintado al no haber turistas haciendo cola para imkitar a John, Paul, George y Ringo. Teniendo en cuenta que para cuando vuelvan a abrirse las fronteras será imprescindible un visado para visitarlo, el alcalde de Londres puede olvidarse de su mantenimiento por un tiempo.

Justin Bieber busca qué hacer

Menos amable está siendo la dichosa infección con las pobres estrellas del pop, que si no pueden salir por ahí a estrellear no tienen más remedio que aburrirse encerrados en sus ostentosas mansiones millonarias con piscinas privadas, gimnasios y miles de metros cuadrados de zonas verdes. ¡Pobres! Así, no les queda otra que matar el tiempo saltando por los muebles, como hace Justin Bieber con el famoso juego infantil de «the floor is lava».

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THE FLOOR IS LAVA

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Dorian Electra, maestrx de la espada (o casi)

Perdón por la ironía de antes. Ya sé que la proporción de cantantes y músicos que malviven de su profesión es exponencialmente mayor que la de millonetis. Pero igual se aburren, así que han de encontrar algo que hacer, desde cocinar a dar conciertos online… Incluso hay quien, como lx bizarrx Dorian Electra, aprovecha para aprender a usar una espada, así, porque sí. No lo hace mal, pero como muestra el ¿inesperado? final del vídeo, le queda margen de mejora.

Elige tu propio Diplo

Dicen que lo más importante estos días, en nuestro encierro, es mantenernos conectados, especialmente si vivimos solos, porque si no nos podemos quedar incluso más cucú de lo habitual. Diplo es uno de estos, pero no se aburre: ya sea porque se rodea de un montón de «amigos» hechos a su imagen y semejanza, o porque, imitando un ingenioso meme que ha corrido por ahí estos días, se atavía con lo que encuentra por casa para que puedas elegir «tu novio favorito».

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customize your boyfriend

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Cardi B, cerca de la Casa Blanca

La rapera y showwoman Cardi B es una de las artistas que más nos están amenizando estos días en casa. No tanto por aquella canción sobre «el bicho» que nació a partir de una de sus bufonadas, sino más bien porque comparte y genera memes desopilantes. Aunque, puesta a buscarse un hobby, parece que podría haberle dado por la política. Hace unas horas entrevistaba al ya ex-candidato en las primarias del Partido Demócrata, Bernie Sanders, dejando claros sus posicionamientos izquierdistas y congregando a casi un millón de personas para ver su charla en Instagram. Ojo, Joe Biden, que Cardi todavía te come la tostada.

Lady Gaga y su profética sesión de fotos

Pese a demorar la salida de ‘Chromatica‘ sine die, la maquinaria de promoción del sexto álbum de Lady Gaga estaba en marcha y… algo así resulta difícil de parar. Por eso la vemos en la portada de la revista de moda ‘InStyle’ del mes de mayo, en la que protagoniza un curioso reportaje fotográfico. Porque entre los estilismos que su amigo y colaborador Nicola Formicheti preparó para la sesión de fotos, encontramos uno que cuenta con una máscara transparente que a todas luces nos vendría ahora de perlas a todas para bajar a comprar levadura al Pryca. Es obvio que la sesión de fotos tiene, como poco, muchas semanas: ¿es Formicheti el Nostradamus de nuestra era? Y diría más, ¿es el nuevo ‘Los Simpson’?

Sr. Chinarro, protección low cost

Ahora bien, si no puedes permitirte una máscara protectora de pichiglás de varios cientos o miles de dólares para tu máximo confort, siempre puedes recurrir a versiones low cost como la que se ha hecho Antonio Luque, Sr. Chinarro, reutilizando una garrafa de agua de cinco u ocho litros (según el volumen de melón que calces). Ya que en algún momento hemos visto al personal sanitario de nuestro país protegiéndose lamentablemente con bolsas de basura, este casco les iría a juego. En el texto que comparte con la imagen, Luque asegura que antes que su cara sobre ‘El caballero de la mano en el pecho’ como portada de ‘El bando bueno‘, pensó en la imagen de un casco protector del siglo de la peste. Otro Nostradamus.

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Normalmente uso las botellas de agua usadas para rajarlas y meter dentro otros envases y ocupar así menos espacio en el contenedor amarillo. Se me ha ocurrido hacer con esta un casco protector, abriéndola en T por detrás. Si los médicos y enfermeros quieren usarla, dado que parece que en los hospitales no había ni papel higiénico, ahí va mi invento, libre de derechos. Los que tengan más cabeza pueden usar las de 8L. Por cierto, que quise que #elbandobueno tuviese como portada un casco militar del siglo de la peste, antes de saber nada de la pandemia. Pero ganó la otra opción, que de todas formas es como de aquellos siglos de desastres humanos que creíamos del pasado. Muy modernos que éramos hace nada.

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Mala Rodríguez y el mejor/peor tutorial de belleza

Volviendo a las ocupaciones que implican no poder salir de casa, la intensidad de convivir con niños aburridos es una de las más bonitas/terroríficas (elige tu propio adjetivo al gusto). Porque si decimos que Mala Rodríguez ha empleado el confinamiento para hacer un tutorial de maquillaje, puede hasta sonar bien. Ahora, si resulta que María se limita a poner su rostro mientras que la que maneja los potingues y los útiles de belleza es su hija pequeña, la cosa cambia y se convierte en un «tutorial mal». O bien, según se mire, porque es una de las cosas más divertidas y tiernas que hemos visto estos días.

Los Punsetes dicen ‘¡Viva!’… a los ganchitos

Otra de las mejores cosas que ha surgido de este confinamiento en Instagram es la cuenta Album Cover In Lockdown, que reta a usuarios de la red social a emular con lo primero que encuentren por casa portadas de discos más o menos célebres. Y el ingenio del personal para recrear las carátulas de obras de Belle And Sebastian, Feist, Fleetwood Mac, Rodrigo Cuevas, Airbag, Blind Melon y un largo e inopinado etcétera es realmente increíble. Pero nos quedamos, sin duda, con la propuesta que recrea el cuadro de Mirena Ossorno que Los Punsetes emplearon para su disco ‘¡Viva!‘… ¡hecha con ganchitos! ¡Bravo!

Rosalía ¿emula? la portada de ‘Dolerme’

Una de las artistas que ha optado por animarnos la reclusión con nueva música ha sido Rosalía. Más que con las múltiples entrevistas que, desde la casa de su manager Rebeca León en Miami, viene ofreciendo o el corte de flequillo autoinfligido (que también), con el lanzamiento de su nueva canción ‘Dolerme‘. En este llamaba la atención la imagen de su portada que, firmada por el artista Jonny Negrón, mostraba a una chica semidesnuda tumbada en la cama con un móvil, un cuchillo, un chihuahua enfadado y una mascarilla protectora en el suelo. La pregunta es ¿en qué se inspiró Negrón? Porque la imagen que publicó la propia Rosalía horas después del lanzamiento del single prácticamente en la misma pose lleva a pensar si Rosalía emula la portada o fue ella la que, con esa foto, sirvió de musa.

Bad Gyal pide perdón por colaborar con Kafu Banton pero afirma que él ya no es homófobo

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Jordi Bardají
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Bad Gyal, ya lejos del underground de sus inicios y en plena primera línea del pop después de arrasar hace unos meses con el single multiplatino ‘Alocao’ con Omar Montes, número 1 en España durante varias semanas, es la artista invitada en una remezcla de ‘Tu eres un bom bom’, el nuevo single del cantante panameño Kafu Banton. La canción ha superado el millón de reproducciones en Spotify en menos de una semana y se mantiene dentro del top 20 de canciones más escuchadas en el top 50 de Spotify España.

El «remix» de ‘Tú eres un bom bom’ ha llegado con polémica en las redes después de descubrirse una canción vieja de Kafu Banton cuya letra contiene un mensaje abiertamente homófobo y violento. La autora de ‘Worldwide Angel‘, que ignoraba esta canción y asegura haber recibido numerosos ataques a través de las redes debido a su colaboración con el cantante panameño, ha pedido perdón a sus fans LGBT por «haberlos decepcionado» y por no haberse «informado mejor» y ha asegurado que donará parte de los beneficios obtenidos por la canción a una asociación que apoya los derechos LGBT+ en Panamá.

Antes, la cantante catalana había compartido en sus stories una interesante reflexión sobre la existencia de la canción cuestionada, ‘Pato’: «Kafu es un artista de Panamá, un país caribeño que siempre ha sufrido mucha homofobia y la sigue sufriendo actualmente. Lo que pasa en Panamá se refleja en la música, pasa también en Jamaica con el dancehall y en otros lugares del mundo. Para la gente que escucha música caribeña no es novedad que el género tiene mucha historia homófoba y machista». La artista subraya que está «en contra de estos valores» y explica que, por lo que ha conocido a Kafu Banton, él «ya no es una persona homófoba» y «respeta a la comunidad LGBT+ de su país», a lo que añade que «todo el mundo tiene derecho a aprender y cambiar».



‘Every Color’ de Louis the Child funcionaría incluso sin Mark Foster

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Sebas E. Alonso
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Louis the Child es un dúo de productores de Chicago, en concreto el formado por Robby Hauldren y Freddy Kennett. Desde su debut sobre 2016, han logrado algunos éxitos como las tropicalillas ‘Better Not’ con Wafia o ‘It’s Strange’ con K Flay, y ‘Weekend’ con Icona Pop. Música digna de ser incrustada en playlists junto a hits tanto de Chainsmokers como de Flume y que ha ido haciéndose un hueco en el mercado internacional: ya hace un par de temporadas que Louis the Child agotaron entradas en la Sala El Sol de Madrid con considerable antelación.

Su último single nos ha conquistado especialmente. Se llama ‘Every Color’ y ha contado con la voz de nuestro querido Mark Foster the Foster the People, quien sabe aportar su personalidad sin pervertir la del dúo, que decide quedarse el protagonismo gracias al estribillo instrumental, cual Calvin Harris en ‘We Found Love’.

‘Every Color’ no presenta una visión inventiva de la música pop, pues sus trucos parecen bien manidos. Si Mark Forster flota literalmente desde algo así como un «regreso al pasado futuro y moderno», eso sugiere también su instrumentación, «retrofuturismo». Más cerca de bandas «cool» como los olvidados Lo-fi-fnk que de un proyecto de «fake artists» que busca plays de manera desesperada, este tema sí tiene un algo que atrapa, suponiendo una mejoría respecto al sencillo anterior, el sin más simpático ‘Don’t Mind’, en el que se animaban a cantar por primera vez. Su disco se espera para este año.

CocoRosie / Put the Shine On

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Jordi Bardají
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Durante casi dos décadas, CocoRosie se han mantenido fieles a su fusión imposible de rap, ópera, pop, blues, hip-hop, electrónica, sonidos de juguete y pianos decimonónicos, entre otras muchísimas cosas; y en el camino han explorado un sonido que el público ha amado y odiado a partes iguales. Surgidas al mismo tiempo que Joanna Newsom, Devendra Banhart y Antony and the Johnsons, las hermanas Casady han radicalizado públicos como ninguno de los artistas mencionados.

En el nuevo disco de CocoRosie, esa fusión es imposible de verdad… en el peor de los sentidos. Las canciones son enclenques y sus desarrollos pobres, Bianca (la que rapea) suena más insoportable que nunca, las voces de las hermanas empastan peor que Metallica y Lou Reed, la mezcla de géneros y elementos sonoros es llevada cabo sin ningún sentido de la coherencia, intuición natural o buen gusto, y encima ahora les ha dado por el nu-metal. Lo mejor de ‘Put the Shine On’ son las letras, que nos hablan de traumas familiares, niñas que corren por el bosque, episodios turbios y tenebrosos… es decir, afortunadamente sobre cosas no tan habituales en el pop, pero desgraciadamente no estamos hablando de un poemario sino de un disco.

Nadie cuestiona ya que CocoRosie tienen derecho a ser extrañas, como venidas de otro mundo: vivieron su infancia con un padre chamán aficionado a los alucinógenos y una madre (a quien dedican un tema en este disco tras fallecer) que les animaba a no ir a clase y les prohibía ver la televisión y tener ídolos. Hablaban más con animales que con personas. Pasaron su adolescencia separadas viviendo en diferentes países hasta que años después se reencontraron y empezaron a grabar su primer disco en un lavabo. La música de CocoRosie no puede sonar más libre y desinhibida en ese sentido, y así trabajos como ‘Le Maison de Mon Rêve’ o ‘Tales of a GrassWidow‘ se cuentan entre los más interesantes e idiosincráticos que ha producido el denominado freak-folk americano.

Otros han sido más cuestionados, y ‘Put the Shine On’ puede ser el peor de todos. Al margen de su portada tipo «graphic design is my passion» que ya es marca de la casa, pero con la que se han superado, y que por otro lado nos muestra claramente el choque de elementos que caracteriza su música, al nuevo disco de las hermanas Casady le falta buenas canciones y le sobra pretensión. Es rescatable la melodía dramática de ‘Mercy’ y su mezcla de guitarras nu-metal, cuerdas desafinadas y teclados polvorientos no está mal. Su descripción de un abuso sexual («un chamán sospechoso en el césped, estudia ovnis y seduce a ya sabéis quién») es impactante. ‘Restless’, que incorpora un pianito doo-wop y el cacareo de un gallo, es lo más cercano a un hit en este disco. Y el álbum presenta una atmósfera macabra que funciona (más o menos) en temas como ‘Burning Down the House’, el cual menciona «porno, sangre, pis y césped» antes de rimar «kiss» con «miss» y «heart» con «hand».

El resto de ‘Put the Shine On’ es un pulso para los sentidos. Nadie se explica cómo una canción con un desarrollo tan sumamente plano y repetitivo como ‘Smash My Head’ puede haber sido un single, pero más inexplicable es la torpeza con la que se incorporan los diferentes elementos de ‘Hells’ Gate’; que una canción con una composición tan amateur, en definitiva tan mala, como ‘Did Me Wrong’ simplemente exista o que en general las melodías vocales sean tan paupérrimas a lo largo de una hora de trabajo discográfico que parecen dos. La canción probablemente más representativa del descalabro musical que es ‘Put the Shine On’ es ‘Lamb and the Wolf’: contiene todos los elementos que esperas de CocoRosie, una referencia a Britney Spears que convierte su nombre en verbo y habla de amenazas, el FBI y «conspiraciones, conspiraciones, conspiraciones»: por lo loco y absurdo es interesante en papel, pero el resultado musical es atroz. Solo para fans.

Calificación: 3/10
Lo mejor: ‘Restless’
Te gustará si te gustan: los retos
Youtbue: vídeo de ‘Restless’

Así se ha convertido The Weeknd en el último rey del pop

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Sebas E. Alonso
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Hace unas semanas nos sorprendía la noticia de que The Weeknd alcanzaba su primer nº1 en Reino Unido con ‘Blinding Lights’. ¿Cómo era posible que este proyecto, hasta en la sopa mediáticamente, no hubiera conseguido ni un solo top 1 en uno de los países de habla inglesa más poperos del mundo? Ahora que ‘Blinding Lights’ lleva un mes siendo la canción número 1 en todo el mundo es fácil decirlo, pero lo cierto es que la suya ha sido una carrera más de fondo de lo que pensabas, y que como luce en Wikipedia (en la imagen), este es su primer número 1 a escala mundial, e incluso hay que añadir que en países como España aún le pesa algo el culo, pues aún no ha logrado hacerse con un top 10. Aprovechando que ‘After Hours’ es nuestro «Disco de la Semana», repasamos 5 hitos comerciales en la carrera hacia la fama de Abel Tesfaye. Los hitos en cuanto a su calidad, que pueden coincidir o no, los analizaremos en otro artículo en los próximos días.

0.-‘Trilogy’: los inicios underground

En 2020 puede llamar la atención que las tres primeras mixtapes de The Weeknd no llegaran a las listas de éxito. Fueron regaladas a través de internet, contenían samples para los que no había logrado los permisos de edición y cuando pudieron ser finalmente publicadas, recopiladas bajo el imaginativo nombre de ‘Trilogy’, ya tuvieron un impacto muy limitado. Sin embargo, no podemos pasar por alto lo que significaron ‘House of Balloons’, ’Thursday’ y ‘Echoes of Silence’: pusieron a Tesfaye -y a su productor Illangelo- en la primera plana de todo blog viviente en 2011, en todas las listas de lo mejor de aquel año y provocaron que ‘Kiss Land’ fuera uno de los álbumes más esperados por la industria en 2013.

1.-‘Love Me Harder’ con Ariana Grande, primer top 10

Canciones como ‘Wicked Games’, ‘High for This’ y ‘The Morning’ suman indiscutiblemente escuchas masivas, pero fue Ariana Grande quien dio su primer top 10 en las listas estadounidenses a The Weeknd. Ella iba por su segundo álbum, había sido número 1 con el primero, y decidió contar con él para un dúo de ‘My Everything’ (2014). Se trataba de ‘Love Me Harder’ y aunque mucho haya llovido para ambos en estos 6 años, aún es una de las 10 canciones más reproducidas de ella en Youtube (!), y una de las 5 más reproducidas de él en el citado visor de Google (!!). Seguro que otras colaboraciones con Drake, Wiz Khalifa y Sia (la reivindicable ‘Elastic Heart’) habían ido poniendo un granito de arena a su vez.

2.-’50 Sombras de Grey’, primer top 5 y primer top 3

Tan solo 3 meses después de editar el dúo con Ariana, sus estrategas se apuntan un tanto enorme. Porque mal que le pese, hasta que ‘Earned It’ (2014) no aparece en la banda sonora de ‘50 Sombras de Grey‘, The Weeknd no consigue realmente un hitazo en solitario en las listas. La canción, tan beneficiada por el taquillazo de la película como ‘Love Me Like You Do’ de Ellie Goulding, hace pegar un gran salto a Abel. Sin ser la balada de Roxette en ‘Pretty Woman’ o el sugerente tema del strip-tease de Joe Cocker en ‘9 semanas y media’, al fin The Weeknd llega al puesto 4 de las listas británicas y al puesto 3 en Estados Unidos. Antes no lo había logrado, si bien sabe a poco para lo que estaba por venir.

3.-‘Can’t Feel My Face’, primer número 1 en USA

En ese momento, The Weeknd podría haberse asentado en su identificable R&B de ritmos sincopados a lo siglo XXI, pero decide dar un paso más postulándose como una estrella mucho más versátil. 6 meses después de ‘Earned It’, publica una canción co-escrita por Max Martin (y por Peter de los Cardigans) que trasciende géneros para intentar conquistar a todo el público generalista por igual. Convirtiendo ya su conocida inspiración en Michael Jackson en obsesión, la discotequera ‘Can’t Feel My Face’ (2015) es el primer número 1 en Estados Unidos del canadiense, aunque podría haber sido top 2 o top 16 y habría dado lo mismo: ya estaba claro que lo que teníamos delante no era un cantante de culto para blogs de moda ni una voz para una película calenturienta, sino una estrella global.

4.-‘Starboy’, suma y sigue

Ninguna superestrella consigue ese estatus sin un disco que supere en éxito un exitazo inmediatamente anterior. El productor de Britney Spears y Backstreet Boys es moco de pavo para The Weeknd y decide tirar la caña a Daft Punk, que se prodigan bastante poco en general y en cuanto a producción ajena en particular. Por alguna razón, Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter deciden decirle que sí, y ‘Starboy’ le da otro número 1 en Estados Unidos y un número 2 en Reino Unido. Con más de 1.000 millones de reproducciones en Youtube y otros 1.000 millones en Spotify es su canción más exitosa… de momento.

5.-‘Blinding Lights’ no toca techo

Cuando salió ‘Blinding Lights’ entró al puesto 11 en las listas estadounidenses; una semana después bajaba al puesto 52, hundida por el puntual Christmas de Mariah Carey y el de otras personas que vuelven siempre con el turrón. ‘Blinding Lights’ no fue «best new music» en Pitchfork y el tema, perjudicado por lo que parecía un publirreportaje para Mercedes, a duras penas apareció en las listas de lo mejor de 2019 de JENESAISPOP y Stereogum. Pero llegó 2020 y la cosa explotó. A mediados de abril podemos decir que lleva 7 semanas en el número 1 de las listas británicas, habrá una 8ª y puede que haya sorpasso respecto a ‘Starboy’. Los 80 son más que un simpático efluvio y de esta manera Tesfaye ha logrado diferenciarse de los aburridos últimos pasos de Bieber y Drake, al tiempo que llamar la atención de aquellos que crecieron con el synth-pop de moda en 1983.

Jamie xx estrena la bailable ‘Idontknow’ para apoyar a las tiendas de discos locales

Por
Jordi Bardají
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Jamie xx ha publicado una canción nueva, ‘Idontknow’. Con ella el productor británico busca apoyar a las tiendas de discos locales, cerradas en todo el mundo por la crisis sanitaria, y de hecho un 12″ ya puede pedirse por anticipado a través de tu tienda de discos favorita, y en concreto a través de este enlace.

‘Idontknow’ vuelve a ser un tema totalmente Jamie xx caracterizado por un ritmo acelerado, percusiones frenéticas y el protagonismo marcado de los samples vocales. Es el primer tema oficial en solitario de Jamie xx en varios años: su debut en solitario ‘In Colour‘ vio la luz en 2015 y, desde entonces, por sí mismo apenas ha aparecido en un remix de ‘Hold On’ de su banda The xx (con la que editaba disco en 2017, uno de los mejores de aquel año), como músico en discos como ‘High as Hope’ de Florence + the Machine o ‘Blood’ de Kelsey Lu, como co-productor en el hit mundial ‘Nothing Breaks Like a Heart’ de Mark Ronson y Miley Cyrus y, este mismo año, como artista invitado en ‘Smoke’ de Headie One y fred again.

¿Habrá videoclip de ‘Idontknow’? De momento se ha estrenado un vídeo de 35 segundos que muestra a varias mujeres bailando en un estudio. Una de ellas es la conocida bailarina irlandesa Oona Doherty, quien recientemente ha aparecido en un vídeo de Girl Band. La información de Youtube del clip incluye un mensaje de Oona hacia Jamie xx en el que la bailarina expresa al productor el efecto que su música produce en la gente de a pie: «Creo que es importante que veas a gente normal reaccionando de manera honesta a tu música. No son personas perfectas de Instagram pero disfrutan con tu música».

David Bowie reflexiona sobre su futuro en el primer clip oficial de ‘Stardust’

Por
Jordi Bardají
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Este año iba a estrenarse ‘Stardust’, una nueva película sobre David Bowie que documenta el nacimiento de su alter ego Ziggy Stardust, el lanzamiento de su icónico disco de 1972 ‘The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars’ y los primeros pasos del artista británico en Estados Unidos. Sin embargo, tras el aplazamiento del Tribeca Festival debido a la crisis sanitaria, la película, ambientada en concreto en el año 1971, cuando Bowie cuenta 24 años, sigue sin fecha de estreno.

De momento lo que ha llegado a Youtube es el primer fragmento de esta película, que no será un biopic, como su director Gabriel Range no ha dejado de insistir. El clip muestra a Bowie, interpretado por el actor Johnny Flynn, hablando sobre su futuro en Estados Unidos con su publicista, Ron Oberman, interpretado por Marc Maron. Bowie no tiene claras las posibilidades de su álbum ‘The Man Who Sold the World’ en Estados Unidos ni del éxito de su gira, y su publicista le responde que es un «gran disco» pero que el sello «no sabe cómo venderte» y que «vas a ser la mayor puta estrella en América».

Sobre la cinta, el director ha dicho: «Mi intención ha sido hacer una película que sobre lo que lleva a alguien en convertirse en artista, lo que realmente les lleva a crear su arte». Duncan Jones, hijo de David Bowie, ha aclarado que la familia del músico no ha participado en la película.

Miriam Rodríguez, Danna Paola de ‘Élite’ y Tainy, únicas entradas en la lista de álbumes

Por
Jordi Bardají
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Miriam Rodríguez firma la entrada más fuerte en la lista de álbumes española, en el número 10, con ‘La dirección de tu suerte’, su segundo disco. Cabe recordar que este recuento tiene en cuenta únicamente las escuchas de la semana en las plataformas de streaming ya que las tiendas físicas de discos permanecen cerradas debido a la crisis sanitaria. Es muy probable que Míriam hubiera debutado unos puestos más arriba gracias a las ventas físicas de su disco (suspendidas hasta nuevo aviso), ya que su primer largo, ‘Cicatrices‘, entró directo al número 1 de ventas en el año 2018. Claro que la cantante gallega acababa entonces de salir de Operación Triunfo, concurso en el que fue la tercera clasificada.

Las otras dos entradas que deja esta semana la lista de álbumes española, ya en la parte baja de la tabla, son ‘SIE7E+’, el debut de la actriz mexicana Danna Paola, conocida por su papel de Lucrecia en ‘Élite‘, una de las series de moda en Netflix, que entra en el número 92; y ‘NEON16TAPE: THE KIDS THAT GREW UP ON REGGAETON’, el nuevo EP de Tainy, que entra en el 95.

Lo que sí deja la lista de álbumes son varias re-entradas como las de ‘Rare’ de Selena Gomez en el número 52, ‘Prometo’ de Pablo Alborán en el 82 (un disco publicado en 2017), ‘Shawn Mendes’ de Shawn Mendes en el 83 o ‘La gran esfera’ de La Casa Azul en el 84.

‘Resistiré 2020’, Karol G y Anuel AA, Bisbal y Aitana, Drake… en la lista de singles española

Por
Jordi Bardají
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‘Safaera’ de Bad Bunny sigue por segunda semana consecutiva en el número 1 de la lista de canciones más exitosas en nuestro país. No deja demasiadas noticias un top 10 que sigue contando a ‘Tusa’ de Karol G y Nicki Minaj en el número 2, ‘Amarillo’ de J Balvin en el número 3, ‘Yo perreo sola’ de Bad Bunny en el número 4 y ‘Rojo’ de J Balvin en el número 5.

Hay que bajar el número 6 para encontrar la entrada más importante de la semana en la lista de singles, la nueva versión de ‘Resistiré’ perpetrada por artistas asociados al pop mainstream español como David Bisbal, Rozalén, Álex Ubago, Pastora Soler, Melendi, India Martínez, Álvaro Soler o Rosana con el objetivo de recaudar fondos para la crisis del coronavirus. La crème de la crème del pop nacional coloca la llamada ‘Resistiré 2020’ muy por encima de lo que el Dúo Dinámico ha conseguido con la versión original de esta canción 37 años después: la canción entraba en lista hace unas semanas en el puesto 32 y hoy ocupa el puesto 55.

La segunda y última entrada en el top 10 de singles esta semana, en el número 9, es ‘Follow’ de Karol G y Anuel AA, una canción obviamente hecha para dominar el mundo que de momento no está arrasando pero tampoco fracasando estrepitosamente: en el top 50 español de Spotify se mantiene dentro de las 20 canciones más reproducidas. También aparece en torno al top 30 de las clasificaciones de Colombia, Puerto Rico o Chile. Por otro lado, el mismo Anuel AA entra en el número 23 con su nuevo single en solitario, ‘3 de abril’ publicado el 3 de abril.

Unos puestos por delante entran David Bisbal y Aitana con su nuevo single conjunto, ‘Si tú la quieres’, que de momento no se ha mantenido ni entre lo más radiado ni entre lo más escuchado en streaming de nuestro país. Además entran Sech con ‘Relacion’ en el número 29, Drake con ‘Toosie Slide’ (actual número 1 global en Spotify) en el 45, Leiva con ‘Mi pequeño Chernóbil’ en el 47, Rels B y Nathy Peluso con ‘No se perdona’ en el 64, Morat con ‘Nunca te olvidé’ en el 72, Guitarricadelafuente con ‘Desde las alturas’ en el 79 y Camilo con ‘Favorito’ en el 88.

Lady Gaga, Billie Eilish, Taylor Swift, J Balvin, The Killers, Lizzo… en la transmisión global de ‘One World: Together at Home’

Por
Jordi Bardají
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Anunciado el pasado 6 de abril, ‘One World: Together At Home’ es un evento especial de Global Citizen que será transmitido en todo el mundo y comisariado en colaboración con Lady Gaga, y que se emitirá en vivo el sábado 18 de abril para honrar y apoyar el trabajo de los trabajadores de la salud y el Fondo de Respuesta a la COVID-19 de la Organización Mundial de la Salud (OMS). ‘One World: Together At Home’ es parte de la campaña de Global Citizen lanzada en marzo en apoyo al Fondo de Respuesta a la COVID-19 de la OMS. Los Global Citizens de más de 130 países ya han tomado decenas de miles de acciones en apoyo al fondo de respuesta, pidiendo a los líderes del mundo y empresas que hagan su parte y asuman compromisos. El evento no busca recabar donaciones a través del público.

Este evento especial será presentado por Jimmy Fallon de The Tonight Show, Jimmy Kimmel de Jimmy Kimmel Live y Stephen Colbert de The Late Show With Stephen Colbert y contará con la presencia de numerosos artistas y personalidades de la música y la televisión. Están confirmados, entre muchísimos otros, y aparte de la misma Lady Gaga, Billie Eilish, Billie Joe Armstrong de Green Day, Camila Cabello, Céline Dion, Chris Martin, Eddie Vedder, Elton John, FINNEAS, J Balvin, Jennifer Lopez, John Legend, Kacey Musgraves, Lizzo, LL COOL J, Maluma,Paul McCartney, Pharrell Williams, Sam Smith, Shawn Mendes, Stevie Wonder, Taylor Swift y Usher.

Están confirmados también en la transmisión Adam Lambert, Anitta, Annie Lennox, Becky G, Billy Ray Cyrus, Black Coffee, Charlie Puth, Christine and the Queens, Common, Delta Goodrem, Ellie Goulding, Hozier, Jennifer Hudson, Jess Glynne, Jessie J, Jessie Reyez, John Legend, Juanes, Kesha, Liam Payne, Lili Reinhart, Luis Fonsi, Maren Morris, Michael Bublé, Milky Chance, Natti Natasha, Niall Horan, Rita Ora, Sebastián Yatra, Sheryl Crow, SOFI TUKKER The Killers.

Pshycotic Beats, entre Lynch y Tarantino en ‘You Cannot Hide’

Por
Sebas E. Alonso
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Este viernes se publica el nuevo single del nuevo EP de Pshycotic Beats ‘The Bleeding Songbook’, que hoy adelantamos en JENESAISPOP tras la buena acogida del primero, el cautivador bolero ‘Desciende a mí’, y la publicación de ‘Fascination’ el viernes pasado. En este EP Pati Amor se ha reunido después de varios años con Pshycotic Beats para recrear en 5 canciones el gran éxito del proyecto de Andrés Costureras: ‘Killer Shangri-lah’ de ‘Dormihcum’ (2013), que fue incluido en la banda sonora de la recomendable serie ‘Killing Eve’, que tras pasar por varias plataformas recientemente ha llegado al horario de máxima audiencia de La 1 de RTVE. Foto: Alfredo Arias.

Este tercer sencillo se llama ‘You Cannot Hide’ y es otra truculenta composición de guitarras tarantinescas sin renunciar al misterio del bar de ‘Twin Peaks‘. Solo que ya sabéis que hay poquísimas escenas de sexo en la serie de David Lynch, por lo que el Roadhouse nunca resultó tan explícito en su anhelo sexual como esta canción que sugiere deseo y escenas de club de striptease, como asegura su nota de prensa, que vuelve a insistir en la influencia de gente como Phil Spector, The Crystals o el imprescindible Joe Meek.

Tras este EP habrá un nuevo álbum, el cuarto de este proyecto, bajo el nombre de ‘Festering’. Promete ser su álbum «más electrónico y experimental», «sin rastro de instrumentos orgánicos». Eso será más adelante, de momento os dejamos con el adelanto del EP que sale el 6 de mayo en plataformas digitales. También se venderá una edición física cuidada a través de Bandcamp.

Hit de Ayer: ¿Por qué se recuerda y reivindica tan poco a Suzi Quatro?

Por
Jaime Cristóbal
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Antes de Madonna, de Chrissie Hynde, de Debbie Harry, de Patti Smith o de Joan Jett y sus Runaways, antes del Riot grrrl… estaba Suzi Quatro. ¿Por qué se la recuerda y reivindica tan poco? En Hit de ayer traemos hoy una pepita de oro de pop de su brillante discografía para celebrar a esta artista norteamericana.

Descubierta por el productor inglés Micky Most en 1970 en Detroit (su ciudad natal) cuando todavía era parte del grupo The Pleasure Seekers junto a su hermana, Suzi aceptó la propuesta de lanzar su carrera en solitario en Inglaterra. Tras un single fallido producido por Most, consiguieron que el dúo de compositores estrella de la escena glam del Reino Unido (Mike Chapman y Nicky Chinn, responsables de los éxitos de The Sweet y Mud) le cediesen su ‘48 Crash’ y el resto es historia. ‘48 Crash’ es la canción que tendría que haber sonado este año en mi cumpleaños porque trata del supuesto batacazo que los hombres de mediana edad sufrimos exactamente a esa edad: “tienes la mentalidad de un Romeo juvenil / pero estás tan ciego que puede que ocurra que tu motor no esté listo para arrancar”. Interpretado en la televisión británica con Suzi enfundada en su icónico (y entonces novedoso) mono de cuero negro, el mensaje agresivo de la canción y su incansable ritmo seco de glam-rock volvían la canción irresistible y convirtieron a Suzi en una estrella (la única, además -no importa el sexo- a la que le quedaba bien en temible “mullet”).

Fue Top 3 en ese país y exitazo en la mayor parte de Europa, incluida España. Su imagen encajaba como un guante con la nueva estética andrógina propugnada por el glam: no había habido hasta entonces una chica al frente de un grupo de rock n roll tocando un instrumento y asimilando las actitudes rockistas asociadas habitualmente al sexo masculino. En ese sentido fue una pionera absoluta, como prueba la película documental de hace unos meses ‘Suzi Q’, en la que desde Debbie Harry, las Bangles, Joan Jett o hasta Donita Sparks de L7 así lo reconocen.

Los éxitos se sucedieron durante los años siguientes (Can The Can, Devil Gate Ride…), siempre obra de la ‘factoría Chinnichap” y casi siempre sin salirse demasiado del canon glam-rock-boogie. Por eso me fascina de tal manera ‘If You Can’t Give Me Love’, porque se abre a un estilo mucho más pop, pero todavía compuesta por sus mentores. Sería no obstante una de sus últimas colaboraciones: Suzi había ya abierto su carrera a la interpretación (con un exitoso papel en la serie ‘Happy Days’) y en los sucesivos años cambiaría de sello varias veces, para retirarse casi del todo de la música a primeros de los 80.

Es por tanto una especie de canto del cisne de su fase glam en el sello inglés RAK, y una pieza de pop impecablemente compuesta con melodías emocionantes. El sonido está totalmente emparentado con el pop de éxito de finales de los 70 (la parte más sofisticada de Abba, la ELO, alguna joya oscura de glam-pop acústico…), y Suzi la canta sin la rabia vocal de sus éxitos de glam, haciendo de su voz un descubrimiento maravilloso:

La letra -el suspiro musical de alguien que sueña con que esa persona que admira en la distancia “on the discotheque floor” sea un amor de verdad- se despliega magistralmente en una estructura deliciosa: hasta el desarmante pre-estribillo no se revela el plot-twist de “if you can’t give me love love, honey, that ain’t enough / Let me go look for somebody else / And if you can give me feelings with old fashioned meanings / Then just stay in love with yourself”. La llegada subsiguiente del estribillo, cantado con una tesitura vocal aguda, de cierta desesperación, resulta la conclusión perfecta y mágica.

Suzi Quatro estaba estos meses sumida en una gira de regreso de mucho éxito que justo en estas fechas llegaba a Europa. Debido a la crisis sanitaria por el COVID-19 muchas de las fechas se están cayendo, aunque no todas, especialmente en Alemania, y su paso por España dentro del cartel del Azkena Rock 2020 el próximo junio todavía no está descartado. Mientras se desvela el desenlace, solo nos queda esperar poder ver el citado documental en alguna plataforma digital próximamente, ya que de momento sólo se ha podido ver en nuestro país en el pasado Festival In-Edit.

‘If You Can’t Give Me Love’ sonó en la entrega nº 313 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.

Gorillaz conectan a New Order y LCD Soundsystem en ‘Aries’, con Peter Hook y Georgia

Por
Raúl Guillén
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Tras haber publicado dos álbumes casi consecutivos, ‘Humanz‘ (2017) y ‘The Now Now‘ (2018), Gorillaz han vuelto este 2020 para presentar no exactamente un álbum pero sí un grupo de canciones. Se trata de una serie de temas recogidos bajo la etiqueta ‘Song Machine‘ en los que el grupo virtual ideado por Damon Albarn –como catalizador musical– y Jamie Hewlett –en el apartado visual– se abre a nuevos procesos creativos con artistas diferentes a los que habían participado anteriormente en su carrera, sin necesidad de un hilo conductor. El proyecto, por ejemplo, se presentaba el pasado mes de enero con ‘Momentary Bliss‘, un single en el que colaboraban el rapero Slowthai y el dúo de punk rock Slaves. Apenas un mes después sorprendían (o no tanto, habida cuenta de la conexión regular con la cultura africana que mantiene Albarn) trabajando con la costamarfileña Fatoumata Diawara en ‘Désolé‘ y, apenas, hace un par de días, reaparecían con ‘Aries’, un tema muy distinto.

En este caso se trata de una colaboración con Peter Hook, el conocido bajista de Joy Division y New Order rechazado por sus ex-compañeros de grupo(s), y Georgia, artífice de uno de los discos del año, el bailable ‘Seeking Thrills‘. Ambos artistas invitados se suman a Gorillaz aportando la base rítmica: el primero con su característico sonido de bajo, y la segunda poniéndose a su instrumento predilecto, la batería, mientras que el resto de instrumentos y producción los capitaliza Albarn con colaboradores como James Ford (de Simian Mobile Disco, productor de referencia de Arctic Monkeys) y Remi Kabaka.

El resultado es harto curioso, puesto que en cierto modo explota la conexión bastante tangible entre los primeros New Order –los de discos como ‘Movement’– y los LCD Soundsystem de James Murphy –especialmente en esos coros engorilados (¡je!) que repiten «high tide» in crescendo–. Aunque lo mejor es que ese encuentro no es menos seductor por «fácil» que pudiera parecer a priori, con Albarn en una tesitura casi de crooner, desarrollando la melodía con cierta sobriedad. El conjunto se remata, además, con un estupendo vídeo animado marca de la casa, en el que Noodle, Murdoc, 2-D y Russel se dan un garbeo en motocicleta por un suburbio norteafricano.

Hamilton Leithauser / The Loves of Your Life

Por
Sebas E. Alonso
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SPOILER: el nuevo disco de Hamilton Leithauser no habla exactamente de «los amores de tu vida» ni de la suya. El que fuera líder de The Walkmen tiene un gusto por la melodía clásica y una voz que le validan para hacer un álbum retrospectivo y melancólico, pero su pluma no puede conformarse con ser la más romanticona de Nueva York. Esto no es su adaptación de ‘Cuando Harry encontró a Sally’. Ni tampoco de ‘Manhattan’. ‘The Loves of Your Life’ es un compendio de historias reales y ficticias, sí, pero los personajes son tan variados como un cantante fracasado (‘Stars & Rats’) o un hombre avistado en un barco (‘Cross-Sound Ferry’).

Las tramas deambulan entre el homenaje, el retrato y la parodia, sin que a veces esté muy claro qué de los tres es lo correcto, como cuando ‘Isabella’ habla sobre una chica que ha dejado de estudiar y es mantenida por sus padres, o ‘Don’t Check the Score’ no es la balada que indican sus coros femeninos sino una canción sobre la adicción al juego online. En general, el humor y el costumbrismo apuntan más al retrato social perpetrado en Europa por The Divine Comedy o Saint Etienne en aquel disco que estos hicieron sobre un vecindario -‘Tales from Turnpike House‘-, que al álbum autobiográfico y sentimentaloide que te sugiere su nombre, por mucho que el amor se cuele por supuesto entre las historietas.

El estribillo de ‘Till Your Ship Comes In’ es «te quiero ahora, como te quise entonces, y te querré hasta que vuelva tu barco», pero su destinatario («sir») se difumina entre «collages de Photoshop», gapos y persecuciones policiales. A continuación, ‘The Stars of Tomorrow’ se dedica con cariño a una mujer polaca que tuvo unas bonitas palabras para las hijas de Hamilton: «solo soy un cantante, pero estás en mi corazón / te deseo la mejor de las suertes / te deseo un nuevo comienzo». Ese es el tipo de amor que hallamos en ‘The Loves of Your Life’. Y eso que la mujer y las hijas de Hamilton aparecen haciendo coros en el álbum, pero en canciones tan peculiares como ‘The Garbage Men’, cuyo estribillo canta a los «basureros» y los «playboys» de la ciudad, y ‘The Old King’, en la que Leithauser dice que «ojalá tuviera los cojones de enterrar el hacha de guerra y perdonar». Se puede decir «cojones» delante de la familia de Ham.

‘The Loves of Your Life’ tiene ciertas ínfulas de musical, a lo que contribuyen unos cuidados arreglos a cargo en general del propio Hamilton, que ha escrito y producido todo el álbum, así como algunos músicos ajenos: Stuart Bogie (MGMT, Broken Social Scene) al saxo, Mike Irwin a la trompeta, Jon Batiste al piano o Jonathan Gregg en la decisiva «steel guitar», que le asisten en canciones tan detallistas como ‘The Other Half’. ‘Isabella’ suena apegada al country como ‘The Garbage Men’ parece un villancico en una película de los años 40, solo que de la misma manera que las historias son retorcidas requiriendo una segunda lectura, lo mismo sucede con una producción poco ortodoxa.

El trabajo de Hamilton con Rostam de Vampire Weekend en el álbum anterior, el aclamado ‘I Had a Dream That You Were Mine‘, ha dejado una profunda huella en el artista, y muchas de estas canciones suenan precisamente como composiciones y producciones de la banda de Ezra Koenig, cuando no de tune-yards, como sucede con ‘Cross-Sound Ferry’. En ocasiones, palideciendo en comparación, pues donde Vampire Weekend ofrecen siempre algún tema cristalino, estos a veces requieren de algo más de contexto, de una puesta en escena que explique por qué Hamilton canta tan desgañitado rozando lo chillón, o una línea que te aclare en Genius -donde apenas hay anotaciones, de momento- que de hecho hay una mujer polaca en este disco, porque jamás lo habrías adivinado por tu cuenta. Teniendo en cuenta que Maggie Rogers sale en un teaser de ‘Isabella’ cortando el pelo a Hamilton y haciéndole llorar y Ethan Hawke pegándole en el de ‘Here They Come’, el gran anhelo de todo esto es que llegue la obra teatral que termine de revelar la tragicomedia oculta en este álbum.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Here They Come’, ‘Don’t Check the Score’, ‘Wack Jack’, ‘Isabella’
Te gustará si te gustan: Vampire Weekend, tune-yards, Baxter Dury
Youtube: lyric vídeo de ‘Here They Come’

Rosalía tiene a punto su tema con Billie Eilish y avanza otro con Travis Scott

Por
Sebas E. Alonso
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Rosalía continúa dando una serie de entrevistas confinada como las que hemos visto en España en ‘El Hormiguero’ y en ‘Lo de Évole’, esta última menos noticiable de lo que esperábamos. Si en el programa de Pablo Motos la autora de ‘El mal querer‘ revelaba que había cancelado el lanzamiento de una colaboración para las pistas de baile con una superestrella debido a la crisis del coronavirus, ahora sabemos que esa estrella es Travis Scott. Con el rapero ya había trabajado en una remezcla de ‘Highest in the Room‘, pero este sería un tema original que ha vuelto a ser definido como «superagresivo», como algo en lo que ha trabajado «mucho tiempo». Se avecina algo grande, suponemos.

Por otro lado, Rosalía ha tenido ocasión de hablar de aquella colaboración que llegó a realizar con Billie Eilish, pero que se consideraba tan sólo un boceto. Hasta el punto de que la habíamos dado por olvidada, casi haciéndonos dudar que este dúo fuera a tener lugar de no ser por el confinamiento. «Durante estas dos semanas, he estado intentando terminar la colaboración con Billie Eilish. Creo que se está acercando. Creo que ayer terminé los arreglos. Me da la sensación de que la producción, el diseño de sonido están casi acabados. Tan sólo necesito que Billie me mande las voces y las ideas que quieran añadir porque nosotros ya lo tenemos», ha indicado.

En cuanto a la disponibilidad de Billie Eilish para terminar este tema colaborativo, la cantante tiene por delante una gira -incluyendo una parada en Mad Cool-, si bien ya ha pospuesto algunas fechas debido a la crisis del coronavirus. Teniendo en cuenta las recomendaciones de los expertos, suponemos que más aplazamientos y cancelaciones de sus directos sucederán en breve.

Fidel, una mina de memes para Masterchef 8, es el cantante del grupo garajero Los Wilds

Por
Raúl Guillén
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Anoche dio comienzo la octava edición del talent-show de cocina ‘Masterchef‘, por el momento incombustible en lo que a audiencias se refiere: fue lo más visto del prime-time casi igualando en cuota el estreno de la anterior edición y superándolo en número de espectadores. La clave, como sabemos, no es tanto que se hayan rehecho mejor que bien tras la marcha de Eva González –su papel se lo reparten los tres chefs del jurado sin que echemos en falta a la ahora presentadora de ‘La Voz’– como el acierto en un casting que busca casi tanto (o más) el espectáculo televisivo como el culinario, obviamente.

Por mucho que nos parezca que lo hemos visto ya todo, esta octava edición se supera incluyendo entre sus perfiles a una comandante del Ejército del Aire, una profesora de yoga lenguaraz que promete no dejar títere con cabeza, un abogado madrileño que es fan (y casi un clon) del ama/odiado Nathan de Masterchef 5, un empresario y rockero que se precia de ser muy religioso, una entrañable bedel de 74 años de edad, una mujer gitana orgullosa de revelar que es transexual, una farmacéutica con movilidad reducida, una Paquita Salas economista que se presentó a la prueba del casting final con un columpio sexual para seducir a Pepe Rodríguez… Pues por suculento que parezca este menú (y que en verdad lo fue), el «plato estrella» de la primera noche de Masterchef 8 tenía espíritu garajero.

Hoy numerosos medios de comunicación se han referido al talent de RTVE destacando la presencia de Fidel, un músico residente en Barcelona de 36 años. Su incapacidad para parpadear (explicó que cuando está nervioso no parpadea; «me ha pasado al menos dos veces que han pensado que era invidente», aseguró) que le hacía parecer un auténtico psicópata, su total disposición a tatuarse el logo del programa si entraba en el concurso (cosa que, contra todo pronóstico, sucedió) y lo freak de su currículo (abrió un sex-shop con ambientación versallesca y una tienda exclusivamente dedicada exclusivamente a productos picantes) dejaron en su primera noche televisiva una buena retahíla de memes y hasta su propio club de fans en Twitter.

Dada su repercusión, nos ha dado por indagar en esa faceta musical y hemos topado con que Fidel es el front-man de un grupo de rock garajero –onda Los Parrots, Los Nastys, Go Cactus– llamado Los Wilds. Aunque él haya asegurado a algún redactor del ente público que son “malísimos de la hostia”, lo cierto es que llevan en activo al menos desde 2013, cuando publicaron su primer EP homónimo (más conocido como «Carretilla» por su portada-parodia de la marca de espárragos, entre otras hortalizas envasadas). Un disco que tuvo continuidad en 2017 con el single ‘No me toques mamá’ y, el año pasado, un ‘Muñequita de trapo’ que editó el prestigioso sello neoyorquino Burger Records, que les ha impulsado a hacer varias giras en los circuitos underground de Reino Unido y Estados Unidos. Los Wilds, que de manera nada decepcionante cuentan con un tema llamado ‘Cocaína‘, también participaban en la última edición del certamen sevillano Monkey Week, que cubríamos en la web.



Las Mejores Canciones del Momento: abril 2020

Por
Sebas E. Alonso
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The Weeknd / In Your Eyes: Aunque algo oscurecido por el alcance de ‘Blinding Lights’, aún número 1 mundial, ‘In Your Eyes’ es otro de los temazos del notable último disco de Abel Tesfaye.
Dua Lipa / Break My Heart: Aunque algo oscurecido por el alcance de ‘Don’t Start Now’, ‘Break My Heart’ es otro de los temazos del notable último disco de Dua Lipa, este con inesperado reconocimiento a INXS.
Chico Blanco / Caramelo House (Otro Lado): Otro de nuestros «Discos de la Semana» recientemente ha sido el de Chico Blanco, aquí entregado a los beneficios del deep house, como se indica en el propio título de la canción.
Chavales / Las plantas de la terraza: Gran himno synth-pop de este dúo revelación nacional, que va a encantar a los seguidores de The Tough Alliance.
Morrissey / Jim Jim Falls: Impactante «no single» de ‘I Am Not a Dog On a Chain’ de Morrissey, con una sorprendente base electrónica y algo de psicología inversa (suponemos) en su tratamiento del suicidio.
Triángulo de Amor Bizarro / Fukushima: TAB en cambio sí escogían como «buzz single» este extraño tema de ecos Kraftwerk que habla de cuando “en un mundo interconectado tú solo ves lo mejor de los demás mientras tú convives con tus horas más bajas”.
The Strokes / Brooklyn Bridge to Chorus: Posible homenaje a The Cars o The Human League en esta canción de lo nuevo de Strokes que representa su lado más inmediato.
Arista Fiera / No estás: También concesiones al synth-pop en el tema de esta banda malagueña en realidad más bien entregada al shoegaze.
Sorry / More: Decadente como el mejor momento de Yeah Yeah Yeahs o The Kills es este single del dúo revelación británico Sorry.
Becky and the Birds / Wondering: Embriagadora producción de R&B apta para fans de Mariah Carey y de Kanye West. Ella es la artista sueca Becky and the Birds.

Troye Sivan / Take Yourself Home: El artista reevalúa su vida en esta canción de sonido paradisíaco que empieza en plan balearic para ir introduciendo cada vez más elementos.
Javiera Mena / Flashback: Nuevo acierto en la carrera de Javiera Mena, aquí entre el house noventero y los sintetizadores clásicos de Giorgio Moroder.
Reyko / Surrender: Gran producción en la estela de Flume para este dúo nacional residente en Londres.
The Avalanches, Rivers Cuomo, Pink Siifu / Running Red Lights: Sentido homenaje de Avalanches al artífice de Purple Mountains, que fallecía el año pasado, que el líder de Weezer y Pink Siifu han transformado también en una reflexión sobre Los Ángeles.
Vega Almohalla / En el aire: Salto a la fama de Vega Almohalla gracias a la aparición de esta canción en una playlist de ‘Élite’.
Bad Bunny / La difícil: Single oficial con el que se presentaba ‘YHLQMDLG’, el gran disco -le pese a quien le pese- que se ha marcado por tercera vez consecutiva Bad Bunny.
Charli XCX / forever: Avance del disco sorpresa que Charli XCX está haciendo en confinamiento de cara al próximo 15 de mayo.
Yves Tumor / Kerosene!: Conexiones con Prince y Beyoncé (a través de una co-autora de ‘Lemonade’, Diana Gordon) en este tema incluido en lo último de Yves Tumor.
Glass Animals / Your Love (Déjà Vu): Glass Animals cantan a la toxicidad de una obsesión en este -a su vez- adictivo single.
The Killers / Caution: Adelanto del álbum de los Killers en el que parece que se van a acercar al sonido de The War on Drugs, pues incluso colabora Adam Granduciel. En este single encontramos a Lindsey Buckingham.

Christine and the Queens / Je disparais dans tes bras: Single incluido en el excelente EP sorpresa de Christine and the Queens, que viene acompañado de un corto de 15 minutos con un vídeo para cada canción.
Monterrosa / Resistiré: Adaptación del himno oficioso del confinamiento en España, esta canción de Dúo Dinámico que no fue un hit a su edición en 1988.
Betacam / Todo el mundo sabe lo que tengo que hacer: Costumbrista canción en la que el miembro de Templeton habla sobre lo que la sociedad espera de nosotros.
Soleá Morente / Viniste a por mí: Soleá revive el espíritu de Bambino en esta canción extraída de ‘Lo que te falta‘.
Carolina Durante, J (Los Planetas) / La canción que creo que no te mereces: Colaboración entre líderes generacionales para este single suelto que quizá forme parte de un futuro EP de Carolina Durante.
Biznaga / Libertad obligada: Canción crítica y afilada incluida en el reciente disco de Biznaga que ha sido Álbum Recomendado.
Khruangbin, Leon Bridges / Texas Sun: Leon es la voz de lujo de este meditativo medio tiempo hecho por la banda normalmente entregada a la música instrumental.
Maya Hawke / By Myself: La talentosa hija de Ethan y Uma Thurman que hemos visto en ‘Stranger Things‘ nos enamora en esta balada folkie de 2 minutos.
U.S. Girls / 4 American Dollars: Ecos de música disco tranquila en el tema que abre el último álbum de U.S. Girls, ‘Heavy Light‘.
Diamante Negro / Vista desde la ventana en Le Gras: «Ahora está de moda Instagram» es (casi) todo lo que necesitan Diamante Negro para conquistarnos con este tema que dura un minuto y medio.
Anna Andreu / Torrent sanguini: Entre los estrenos de este mes de nuestro site estaba el vídeo de este dúo que situábamos a medio camino entre Maria del Mar Bonet y Kurt Vile.
Cosmen / Fontana: También acabamos de estrenar el vídeo de Cosmen, el proyecto que da continuidad a Cosmen Adelaida.

Laura Marling / Song For Our Daughter

Por
Raúl Guillén
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A veces no hay nada como una ruptura, una catarsis, para que todo vuelva a su cauce y recuperar la esencia. En el caso de Laura Marling no es tanto una ruptura personal como una profesional: poco antes de editar ‘Semper Femina’, rompía con el sello y el management que la habían guiado y llevado a ser una de las más rutilantes estrellas del folk pop en todo el mundo. A partir de entonces, volvió a vivir en Londres tras su aventura en Los Ángeles, se implicó en proyectos musicales nuevos como LUMP –un grupo experimental formado con Mike Lindsay de Tunng– o poner música a una obra de teatro –‘Mary Stuart’, de Robert Icke–.

Su principal objetivo era escapar de las convenciones que la llevaron a sentir que estaba escribiendo la misma canción una y otra vez, explica hoy. Curiosamente, ‘Song For Our Daughter’ es un disco en el que se reconoce y condensa la esencia de la artista que, siendo adolescente, debutaba con el exitoso ‘Alas I Cannot Swim’. Pero, a la vez y por encima de todo, refuerza su madurez como creadora –también como productora–, intérprete y escritora con una –otra: su currículo es intachable– notable colección de canciones.

Tras probar suerte con un productor diferente a Ethan Johns –el reputado guitarrista y productor Blake Mills– en ‘Semper Femina’, Marling se ha lanzado a plasmar sus propias ideas sonoras adheridas a sus canciones con la ayuda de aquel que le acompañó en su crecimiento artístico. El resultado es, de entrada, tan reconocible como sorprendente: ‘Song For Our Daughter’ arranca con una visión maximalista y de banda de su habitual sonido folk, con contundentes bases rítmicas y percusiones, arreglos puntuales de guitarra eléctrica, pedal-steel y coros femeninos que, sin alcanzar la exuberancia de un Michael Kiwanuka, se acercan un poco a ese perfil. Así enlaza números poderosos como ‘Alexandra’, el fantástico single ‘Held Down’ y una ‘Strange Girl’ que es lo más cercano a un single radiable que haya publicado Laura en años.

Pero es una impresión errónea: salvo toques puntuales, prácticamente todo el resto del álbum deriva hacia tesituras más sencillas y delicadas. También más tópicas y predecibles, sí, pero paradójicamente eso no implica que sean menos emocionantes. Más bien al contrario, si algo muestra el séptimo disco de Marling es que domina con maestría el medio tiempo y la balada sentimental. Palos en los que, pese a la imponente presencia de arreglos de cuerda del reconocido Rob Moose (Bon Iver, Alabama Shakes, largo etcétera), el factor acústico y, sobre todo, su maravillosa voz se erigen en protagonistas. Y es que, pese a redundar en esquemas reconocibles, su sutileza en el tratamiento de esos sonidos (‘Only The Strong’, con lo que podríamos llamar “crescendos contenidos”, o el giro percusivo final de ‘Hope We Meet Again’) regala verdaderas maravillas.

Es el caso de una espeluznante ‘The End of the Affair’, en la que su increíble interpretación se basta y sobra para ponerle a uno del revés –aunque los coros de la segunda mitad contribuyan lo suyo–. Una canción en la que, como ya hacía en la citada ‘Only The Strong’ (“El amor es una enfermedad / que cura el tiempo”, canta parafraseando a un personaje de la obra de Icke que musicó) o en ‘Held Down’ (en la que ella, una mujer que ha huido del compromiso en favor de su carrera, fantasea con ser abandonada), observa el amor con cierto cinismo y frialdad… a pesar de estar pasando uno de los mejores momentos de su vida sentimental con su nueva pareja (a quien dedica la final ‘For You’, con insólitos arreglos entre el doo-wop y lo celta).

Pero el principal avance de Laura en este disco es su punto de vista como escritora, narrando historias ajenas, más que las propias. Así, no es el amor romántico su inspiración primordial, sino esa sororidad y puesta en valor de las mujeres en un mundo dominado por hombres que ya venía exponiendo en su anterior álbum, en entrevistas e incluso en su antiguo podcast Reversal of the Muse. Porque la espeluznante carta dirigida a una hipotética hija futura –dirigida, obviamente, a cualquier niña y las situaciones que probable y desgraciadamente vivirá en algún momento– que da título al álbum es, además de una de las mejores letras que haya escrito jamás, solo una parte de esa llamada a la comunidad.

Porque aparte de esas mujeres del futuro también pone en valor a las del pasado: generaciones precedentes que, pese a soñar con dejar sus vidas convencionales junto a sus maridos, no lo hicieron (‘Fortune’) y, aun así, son un ejemplo de resiliencia. Además apela a las musas como entes superiores a sus creadores –en ‘Alexandra’ apela a ‘Alexandra Leaving’ de Leonard Cohen cantando “Si te amó como mujer, ¿te hizo sentir como un hombre?”–, e incluso parece aludir en ‘Strange Girl’ a esa veinteañera que dejó atrás el reconocimiento en su tierra natal para vivir en una ciudad extraña en la que nadie le tendió la mano y hubo de subsistir con trabajos precarios –aquel agrio autoretrato que esbozó en ‘Short Movie’–. ‘Song For Our Daughter’ es, pese a algún pasaje algo recurrente y algún desliz (el exceso de almíbar de ‘Blow by Blow’ parece más propio de Adele que de ella), una nueva prueba de la ya inapelable solidez de Laura Marling como una de las mejores compositoras e intérpretes británicas de su generación. Y, más importante aún, de su inagotable capacidad para conmover con mimbres tantas veces empleados.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘The End of the Affair’, ‘Strange Girl’, ‘Held Down’, ‘Song For Our Daughter’, ‘Alexandra’, ‘Only the Strong’
Te gustará si te gustan: Michael Kiwanuka, Joni Mitchell, Villagers.
Youtube: cortometraje de ‘Song For Our Daughter’

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