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«10 fotos»: Janelle Monáe es la mosca de Joe Biden, The Weeknd es ‘El profesor chiflado’, Lil Nas X es Nicki Minaj…

Por
Jordi Bardají
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Halloween 2020 no se ha celebrado como de costumbre: no ha habido pasarelas ni fiestas multitudinarias, pero los famosos no se han quedado sin crear contenido para la ocasión. Os dejamos con algunos de los mejores disfraces que han bendecido las redes sociales estos últimos días. ¡Feliz «Hawolin»!

Janelle Monáe

Los famosos se han puesto creativos en el Halloween post-pandemia y algunos de ellos se han disfrazado de más de un personaje. Janelle Monáe ha decidido personalizar a la mosca de Joe Biden y convertirla en una especie de superheroína llamada Flyreen, jugando además con la idea de que, en inglés, el término «fly» puede usarse para describir algo que mola. La autora de ‘Dirty Computer‘ también se ha disfrazado de Chucky.

The Weeknd

Abel Tesfaye ha seguido con la temática cinematográfica de sus últimos disfraces, y después de vestirse de ‘Beetlejuice’ en 2018 y del Joker en 2019, este año se ha superado con su encarnación de Eddie Murphy en ‘El profesor chiflado’. Ni mirando estas imágenes durante 5 minutos seguidos somos capaces de encontrar al cantante detrás del disfraz.

Charli XCX

La autora de ‘how i’m feeling now‘ se ha puesto esta máscara de ¿bruja? y nada más por «pereza» pero también ha participado en el programa especial dedicado a Halloween del cómico Benito Skinner, más conocido como Benny Drama, junto a otros artistas como Haim. Benito es conocido por sus imitaciones de los horóscopos y de artistas como Lana Del Rey o Britney Spears. Este Halloween, su «feed» de Instagram es un verdadero espectáculo.

Cardi B

Otra artista que ha tirado la casa por la ventana este Halloween es Cardi B. La rapera se ha puesto en la piel de la superheroína Bruja Escarlata de ‘X-Men’ y también de Medusa. No ha escatimado en recursos para dedicarle a este segundo disfraz una sesión de fotos a la altura: casi parece de su segundo disco.

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MEDUSA outfit @laureldewitt snake body @sirbabajagne

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Lil Nas X

Cualquiera que siga a Lil Nas X sabe que, antes de arrasar con ‘Old Town Road’, el rapero era conocido por su divertida cuenta de Twitter. También llevaba una cuenta de fans de Nicki Minaj aunque esto era solo un rumor hasta que él mismo lo confirmó. Para Halloween, el artista ha llevado su admiración por la rapera un paso más allá vistiéndose de su «look» en el vídeo de ‘Super Bass’.

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NAS MARAJ 💅🏾💅🏾💅🏾

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Rosalía

La autora de ‘El mal querer‘ ha ido bastante más atrás en el tiempo que Lil Nas X para disfrazarse de Milla Jovovich en la película de ciencia ficción de 1997 ‘El quinto elemento’. Su personaje era una extraterrestre llamada Leeloo.

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Hoy pienso ir disfrazada x casa todo el díaaAaaaAAAA

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Ciara

También hay quien ha decidido disfrazarse de Cardi este Día de los Muertos, y ese alguien es Ciara, que ha invocado la portada de ‘Invasion of Privacy‘. La cantante ha decidido a su vez replicar la cubierta de ‘Girls in the Hood‘ de Megan Thee Stallion y el videoclip de ‘What’s It Gonna Be?’ de Janet Jackson y Busta Rhymes. En pocas palabras, lo ha petado.

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CARDI. Swipe to the right for a Surprise. 😎 #Halloween

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MEG THEEEE STALLION

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Bus a Bus & Janet

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Christina Aguilera

La autora de ‘Liberation‘ es conocida por ser una verdadera aficionada a Halloween, algo que ya dejó entrever en el videoclip de ‘Fighter’. Este año ha optado por disfrazarse de alienígena sci-fi, llevándonos a los tiempos en que hacía electro-pop.

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FINNEAS

El hermano de Billie Eilish está muy orgulloso de su canción para ‘No Time to Die’, como él mismo nos ha contado, así que no es de extrañar que el tema de su disfraz para Halloween este año haya sido James Bond.

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You VS. the Spy she told you not to worry about

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Doja Cat

Más cachonda que nadie, Doja Cat ha recuperado la famosa bronca de Tyra Banks a una de las modelos de America’s Next Top Model y ha pronunciado la escena íntegra con la ayuda de TikTok y de un par de colegas. No es el único momento de Tyra que ha imitado.

beabadoobee / Fake it Flowers

Por
Jordi Bardají
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beabadoobee ya no tendrá que preocuparse de no llegar a fin de mes nunca más gracias al pelotazo dado por ‘death bed (coffee for your head)’ de Powfu, tema que basa su gancho melódico en el estribillo de su tema ‘Coffee’ y que suma cerca de 800 millones de streamings en Spotify y se ha quedado cerca de alcanzar el número 1 en Reino Unido. ‘death bed (coffee for your head)’ es a todas luces la cumbre comercial de ese «hip-hop lo-fi» que triunfa en Youtube, pero la joven cantante y guitarrista británica tiene otros intereses en mente.

El primer disco de Beatrice Kristi Laus mantiene las guitarras acústicas de ‘Coffee’ en canciones como ‘Horen Sarrison’ (una variación del nombre real de su novio, Soren Harrison) o la lo-fi ‘How Was Your Day’, pero prioriza las eléctricas en el que es un trabajo obsesionado con el rock alternativo de los 90. Es imposible no pensar en nombres como Nirvana, Liz Phair, Hole, Veruca Salt o Cranberries cuando se escucha el disco, pero las melodías de babadubi apuntan también a la música de aquellas discípulas del indie-rock más comercial que fueron Michelle Branch, Jennifer Love Hewitt o la primera Avril Lavigne, lo cual tiene lógica pues la cantante es una gran aficionada a las comedias románticas.

Buena parte de ‘Fake it Flowers’ es un compendio de canciones que babidubi compuso a los 17 años y sus letras hablan de relaciones obsesivas, infidelidades adolescentes, autolesiones, esos buenos momentos de la infancia que ya no volverán… y también de la complicada relación de la cantante con el cariño. La preciosa balada ‘Emo Song’ nos lleva a su infancia para hablar de «ciertos hombres» que la han marcado para mal, mientras ‘Together’ relata su necesidad de recibir afecto pero también de pasar página de ciertas relaciones. Si ‘Fake it Flowers’ hubiera salido en los 90 sería adalid de esa música «auténtica» que el pop comercial no era.

Sin embargo, lo que le falta a bidubabi son canciones perdurables. En ‘Fake it Flowers’ es difícil distinguir unas pistas de otras ya desde el inicio del álbum dada la tendencia de la artista por repetirse melódicamente a sí misma, y tampoco ayuda que el sonido del largo dependa tanto de sus influencias. Algunas de las canciones más contundentes, como ‘Worth It’ o ‘Together’, escanean el sonido del indie-rock de los 90 sin ofrecer mucho más, y ‘Back to Mars’ es en forma el tipo de balada desangelada que tanto le gusta a hacer a su compañero de sello, Matt Healy de 1975, pero más vacía de contenido.

Curiosamente, donde más destaca badibudabi es en las baladas, lo cual no sorprenderá a nadie dado el éxito de ‘Coffee’. Algunas de ellas, como ‘Sorry’ o ‘Horen Sarrison’, están exquisitamente orquestadas, y ‘Sorry’ nos deja un «crescendo» muy bien construido alternando guitarras acústicas y eléctricas, mientras ‘Further Away’ hipnotiza como una balada de Mazzy Star y ‘Emo Song’ es directamente la mejor canción del disco. Con todo queda un debut prometedor, pero demasiado centrado en la estética que busca imitar, en detrimento de las canciones.

ANOHNI estrena versión de ‘I Will Survive’ para pedir a los artistas que abandonen la «big tech»

Por
Jordi Bardají
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ANOHNI ha anunciado este fin de semana que deja Instagram y Facebook en un comunicado en el que indicaba a sus seguidores que le enviasen un e-mail para recibir de manera anticipada el audio de su nuevo single, ‘I Will Survive’, un cover del hit de Gloria Gaynor que ya está disponible en Youtube, y que la cantante ya interpretó en directo allá por 2001.

En un nuevo escrito, ANOHNI añade contexto al lanzamiento de este nuevo single. La autora de ‘Hope There’s Someone’ explica que Facebook le ofreció 200.000 dólares el pasado verano para usar su vieja versión en directo de ‘I Will Survive’ en un anuncio con el que la plataforma ha querido transmitir su apoyo a los pequeños comercios. La artista indica que decidió declinar la oferta «a pesar de que el dinero me habría venido muy bien» para «no participar de manera cómplice en el «alojo de «fake news» de Facebook que podría facilitar la re-elección de Donald Trump». El anuncio era estrenado hace dos meses con una cover de la misma canción realizada por Lykke Li. Sin mencionar a la cantante sueca, ANHONI señala que, un mes después de rechazar la oferta de Facebook, «vi que Facebook había contratado a otra cantante para emular mi versión de la canción», lo cual le produjo «una sensación de náuseas».

El motivo último del lanzamiento de ‘I Will Survive’ es el de animar a los artistas a abandonar para siempre el uso de ciertas plataformas. «Todos sabemos que Facebook, Google, Twitter, Amazon y otros están destruyendo nuestras vidas, nuestras mentes, nuestros trabajos, nuestras culturas y la habilidad de las sociedades de gobernarse a sí mismas. Como artistas nosotros hemos sido los primeros en morder el anzuelo que nos ha llevado a alimentar empresas como Apple o Facebook. Y ahora como artistas deberíamos ser los primeros en abandonarlas: debemos mostrar que es posible vivir sin Instagram, sin Facebook, sin Google y sin Amazon. Debemos esforzarnos en reconstruir nuestras vidas y nuestras comunidades, y nuestras conversaciones privadas, sin depender de infraestructuras manipuladoras proporcionadas por las empresas más ricas del mundo».

En su texto, la artista apunta: «Soy consciente de que Youtube es propiedad de Google. No he cerrado todas mis cuentas porque quiere ser parte de esta conversación». Con su nueva versión de ‘I Will Survive’, ANOHNI pretende mandar un mensaje de esperanza y coraje ante el cambio climático.

Canción Del Día: ‘el cielo no es de nadie’ de Ela Minus es una oda tecno al amor constante

Por
Jordi Bardají
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Ela Minus ha publicado estos días su primer disco, un ‘acts of rebellion‘ que es nuestro «Disco de la Semana» y sobre el que hemos tenido oportunidad de hablar con la artista en un entrevista que publicaremos próximamente.

De momento, hoy lunes nos detenemos en uno de los mejores temas publicados por Gabriela Jimeno hasta la fecha (además de ‘they told us it was hard, but they wrong.‘ y ‘megapunk‘, que ya han sido «canción del día» en nuestras páginas). ‘el cielo no es de nadie’ es otro de los pepinazos que esconde el disco y su sonido evoca el tecno oscuro que puede escucharse en la noche berlinesa, en concreto en Berghain. La densidad de la producción evoca sus salas llenas de humo en las que es imposible ver nada, y su contundente base rítmica, así como los murmuros etéreos que Gabriela Jimeno va dejando en la canción, presentan una distorsión tímida que imita la del sonido de los altavoces cuando es transmitido a todo volumen en un club nocturno, dispuesto a volarte las pestañas.

En palabras a JENESAISPOP, Gabriela cuenta que ‘el cielo no es de nadie’ es una «oda al sentido del amor más real, duradero y profundo» porque el amor verdadero «no se manifiesta en piruetas que pasan una vez cada mucho tiempo, sino en los pequeños actos de todos los días». La artista explica que un tipo de amor parecido al que se refiere es el amor de una madre: «Lo que hace al amor de una madre tan absolutamente incomparable es la constancia, es el hecho de que (vas a recibir amor) todos los días por la vida entera. Eso requiere muchísimo más esfuerzo que levantarse un día y hacer una pelota gigante». La canción es «una invitación a querer a los otros de una manera mucho más sencilla pero que, en mi opinión, demuestra mucho más».

François Ozon enamora con ‘Verano del 85’, un «coming-of-age» en clave de thriller

Por
Fernando García
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El prolífico cineasta francés François Ozon presentó el pasado septiembre en la sección oficial de San Sebastián su nuevo trabajo, precedido del sello Cannes 2020, festival que nunca se llegó a celebrar pero cuya programación fue anunciada hace unos meses como método para impulsar aquellas películas que hubieran formado parte del certamen.

El director en esta ocasión nos sitúa en los años 80 en un pequeño pueblo costero de Normandía, donde Alexis se enamora de David, un adolescente algo más mayor que él que le deslumbra por su carisma, decisión y encanto. Esa línea temporal se entremezcla con otra donde Alexis, una vez pasado aquel verano, se ve envuelto en una investigación policial. La narración oscila entre el coming-of-age y el sexy thriller noventero. Y aunque el contraste de ambas partes puede resultar arriesgado en un principio, Ozon conoce bien los códigos de cada género y logra un más que sólido equilibrio entre ellas. De hecho, ‘Verano del 85’ reúne prácticamente todas las características y los temas que han poblado la carrera del cineasta desde su comienzo (el despertar sexual, las relaciones de pareja, la muerte, etc.), pero aquí por fin ha conseguido esa obra redonda que llevaba tanto tiempo tanteando.

La película puede entenderse como la culminación de un estilo, un compendio de lo mejor de su cine, donde se combina con audacia la ligereza y la profundidad de todas las cuestiones que plantea. El primer amor está retratado con una sensibilidad enorme y transmite con mucha veracidad ese intenso estado de embriaguez con el que se vive, pero también se asume la fugacidad y la superficialidad que este a menudo conlleva. Todo el film está narrado desde el aprendizaje que supuso aquel verano para el protagonista. Es una mirada nostálgica y encantadora a aquellos días especiales, a esos momentos que marcan para siempre porque te hacen sentir cosas que nunca antes habías sentido y que probablemente nunca vuelvas a sentir de la misma manera. Es en la recreación de esos instantes y en los preciosos detalles de la puesta en escena de Ozon donde ‘Verano del 85’ crece y se convierte en una experiencia trascendente.

Sin embargo, esto no impide que haya humor y ese tono desenfadado habitual en su cine. La película se permite jugar con el espectador desde el principio, con una voz en off que habla directamente a la audiencia, haciéndole partícipe de lo que va a presenciar, como si el protagonista fuese a contar sus secretos y tú vas a ser el primero en enterarte. Uno de los momentos más bonitos –aparte de las merecidamente celebradas escenas con auriculares- es precisamente gracias a la voz en off, justo antes del primer encuentro sexual. La elección de qué mostrar y qué no mostrar es una de esas pequeñas decisiones que marcan la diferencia, donde Ozon se muestra más humano, empático y cariñoso con sus personajes que nunca.

‘Verano del 85’ muestra a un cineasta en pleno control y conocimiento de sus capacidades creativas, y alcanza un estado de gracia al que pocas veces se ha acercado. Es un film que, cuando termina, deja una intencionada sensación agridulce, igual que el primer amor: te encandila, te destroza pero siempre se recuerda con cierto cariño. 8

Ariana Grande / positions

Por
Sebas E. Alonso
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‘no tears left to cry‘, ‘God is a woman‘, ‘thank u, next‘ y ‘7 rings‘ son canciones que han situado a Ariana Grande en la «posición» de hacer lo que quiera, que igualmente lo convertirá en un éxito. Esa carta blanca es en este caso un regreso al R&B de los años 90 con el que creció, el que hacía su adorada Mariah Carey y el que escuchamos en sus primeros dos discos antes de que ‘Into You‘ nos lo diera todo. ‘positions’ se define más por aquello de lo que carece que por aquello que contiene: su secuencia discurre sin que aparezca un reggae como ‘Side to Side’ o ‘bloodline’, ni un ramalazo synth-pop como ‘breathin’, ni un tema con la tensión de ‘bad idea’.

Las aproximaciones a algo así son tan tímidas como las cuerdas disco de ‘love language’, que es lo primero que escuchamos en esta pista pero no terminan de tomar el control de la grabación; o como el house de ‘motive’ junto a Doja Cat, una de las pocas canciones del álbum que se podrán pinchar en las pistas de baile cuando vuelva a haber tal cosa. En un año en que Dua Lipa, Jessie Ware y hasta sus colegas Lady Gaga y The Weeknd han reivindicado los beats más coloridos de los años 80 y 90, la noticia es que Ariana Grande haya dado este paso atrás.

Especialmente conservadora es la aportación de Abel Tesfaye en la balada ‘off the table’. El artista que continúa arrasando en las listas de éxitos con el pepinazo ‘Blinding Lights’, incluso un año después de su edición, aparece aquí en su registro más somnoliento, lejos de la bruma o el éxtasis que él sabe aportar, dependiendo del momento. En la línea, ‘west side’ acaba antes de que te puedas dar cuenta de lo inocua que es, ‘pov’ se acerca a la categoría de villancico y ‘six thirty’ nos hace preguntarnos definitivamente por qué si este es el disco más sexual de Ariana Grande, todo suena tan pulcro y recatado. ¿En qué armario se quedó el disfraz de conejita de ‘Dangerous Woman’?

Porque vaya si los textos son sexuales. ’34+35′ es obviamente otra forma de decir «69» y en ella Grande no se corta al pedir: «¿no te puedes quedar toda la noche? / fóllame hasta el amanecer». ‘nasty’ viene a decir algo así como «solo quiero hacer tiempo para ti / juro que es sólo para ti / es como si este chocho hubiera sido diseñado para ti». Y ‘my hair’ se desarrolla en torno a una intimidad tal que por fin va a dejar a su chico que toque su bien más preciado, su pelo.

Es esta una de las melodías más cautivadoras en un álbum en el que sí se han cuidado los detalles. El arpa de Madison Calle y las cuerdas de Peter Lee Johnson en la inicial ‘shut up’ nos hacen soñar con un disco de pizzicatos y punteos, como arreglado por Owen Pallett. La decena de violinistas acreditados en Tidal en un par de pistas nos hacen ver lo mimado que se ha cuidado, sutilmente, el fondo del disco. Es una pena que ‘positions’ no se haya llevado más lejos en ese sentido. Como álbum estrenado casi por sorpresa en mitad de una pandemia es agradable; especialmente ‘safety net’, ‘just like magic’, ‘my hair’ y ‘nasty’ son buenas canciones. Lo preocupante es que esto sea lo que una cantante de esta categoría lleva preparando desde el año pasado.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘motive’, ‘positions’, ‘nasty’, ‘shut up’, ’34+35′
Te gustará si te gusta: Mariah Carey, Brandy & Monica, Toni Braxton
Escúchalo: ‘motive‘.

Las influencias más insospechadas de Joe Crepúsculo

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Sebas E. Alonso
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‘Supercrepus II‘, nuestro «Disco de la Semana», muestra a Joe Crepúsculo en registros tan inesperados como el rock urbano, el ska, el country o incluso la guitarra prog. Aprovechando que el artista habla en las entrevistas de cosas como Supertramp y que en redes ha hablado de la influencia que Genesis, por cierto a punto de reunirse, ha tenido en él, le pedimos una lista de música que ha sido importante para él aunque no sea tan evidente. Te recordamos que puedes comprar un pack especial de camisetas de Joe Crepúsculo y JNSP en nuestra tienda: solo queda 1 talla de cada pack. Os dejamos con las explicaciones de Crepus:

Genesis / Trespass

Primer disco de Genesis de su etapa clásica, porque hubo otro antes, el de «Alicia en el País de las maravillas» y tal pero era de un rollo muy distinto. Aquí vemos a un Peter Gabriel en sus atmósferas más preciosas para mí. La canción que abre el disco o ‘White Mountain’ son de mis canciones favoritas, ésta última tiene un algo punk de órganos que me alucina. Era de las bandas favoritas de mi madre y eso me pone muy sentimental. Aunque no es de este disco, ‘Seven Stones’ era la canción favorita de mi madre.

Dr Feelgood / Private Practice

Con este disco que siempre estaba rondando en vinilo por casa, nos reíamos mucho mi hermano y yo por la portada que nos hacía reír a carcajadas. La cosa es que los Feelgood supieron llevar el rock a un nivel diferente con las guitarras brutales de Wilko Johnson. El rock siempre se renueva a lo largo de los años pero éstos lo hacen de una manera magistral, a mí me lleva a un bar inglés oscuro y con mucha cerveza.

Supertramp / Supertramp

El primer disco de Supertramp tiene un rollo muy distinto a lo que hacen después, parece que el blues aquí tiene un papel mucho más importante, pero ya se empiezan a ver los estragos del pop que vendrán luego. ‘Words Unspoken’ es una de las canciones más brutales de la banda, también de las favoritas de mi madre, todo el rato está cambiando de tono y de una manera tan preciosa y apabullante. Lástima que no lo tengamos en Spotify o al menos yo no lo encontré.

Yes / Relayer

Cuando mi padre lo ponía todo el rato cuando era pequeño lo odiaba con todo mi ser. Odiaba los solos y los cambios de intensidad. Luego lo retomé y se convirtió en uno de mis discos favoritos. Tal vez tenga algo psicológico de primero odiar tu raíz y luego aceptarla. La cosa es que tal vez no sea tan bueno como el disco anterior ‘Close to the Edge’, pero aquí está el final de ‘Gates of Delirium’, una canción que se llama ‘Soon’ y es de las canciones que más me gustan y me llevan a un momento muy entrañable y feliz. Búsquenla versión en directo de youtube y flipen con ella.

Fleetwood Mac / Tusk

¿Qué haces después de ‘Rumours’? Cualquier banda se vendría abajo y vete a saber qué. Estos sacan un disco doble con la mejor portada de la historia y con unas canciones no solo rompedoras en cuanto a sonido sino también en cuanto a composición pop. Todo entero disfrutable, intenso y para llorar.

Steve Miller Band / Fly Like an Eagle

El space cowboy de los 70 en estado gracia. Tal vez su mejor disco donde el sonido setentero y las canciones abrazan y reman hacia adelante. Una maravilla sumergirte en este universo chispeante. Siempre sonaba en unas cintas marrones en casa y siempre estaba presente.

GUINEU dedican su nueva canción a este «puto año»

Por
Jordi Bardají
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GUINEU es una banda de Terrassa liderada por Aida G que se dio a conocer el año pasado con el EP ‘La vida secreta de los humanos’, el cual contiene su canción más escuchada en las plataformas de streaming, ‘Entre birres‘. Su nuevo tema busca claramente superarlo en popularidad, ya que directamente habla sobre este «puto año» que estamos todos viviendo.

‘Putu any’ («putu» como traducción fonética de la palabra «puto») es una simpática canción de indie-rock guitarrero en el estilo de los años 90 que ha sido mezclada por Sergio Pérez de SVPER (involucrado recientemente en el nuevo disco de Joe Crepúsculo), masterizada por Tom Woodhead y producida por Manel Bach. Un poco Liz Phair, un poco Weezer, pero también apta para seguidores tanto de La La Love You como de Carolina Durante, tanto de Cariño como de Anabel Lee (también de Terrassa), Aida se dirige en ‘Putu any’ a su persona amada, a la que «no ha podido ver» por culpa de la pandemia. «¿Qué tal? ¿Cómo has pasado esta destrucción tan lenta del planeta?» es la primera frase que escuchamos en la canción, que pasa del positivismo («podría ser peor pero te he echado mucho de menos») a la crisis existencial (¿cuándo se acabará esta agonía de no saber nunca si lo que hacemos es real o estamos todos en una película?») sin dejar de lado el delirio que nace de pasar los días confinado («no me cansaré nunca, te seguiré llamando hasta que reviente toda la red telefónica a nivel mundial»).

Entre los logros obtenidos por GUINEU en su corta carrera se encuentran haber ganado el concurso de Sonidos Mans 2020 organizado por Estudios Mans (Galicia) y haber sido seleccionados para participar en el concurso Bala Perduda de Sala Apolo. Actualmente, la formación se encuentra preparando su primer elepé, que verá la luz ya en 2021 y con el que «dejarán al descubierto un cambio de sonoridad transportándose sutilmente hacia una onda más indie, sin abandonar (su) esencia pop-rock».

Maratón Halloween 2020: 5 películas de terror recientes para ver en plataformas

Por
Joric
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Como todos los años, recomendamos varias películas para maratonear esta noche de difuntos. A estas cinco propuestas, hay que añadir otras tres que se han estrenado este año en plataformas y ya reseñamos en su momento: la eficaz y perturbadora distopía ‘Vivarium’ (Filmin, Movistar+), la asfixiante y telúrica ‘El faro’ (Movistar+, DVD), y la fascinante ‘Under the Skin’ (Filmin, DVD), una de las obras maestras del siglo XXI.

One Cut of the Dead (Shinichiro Ueda)

La película perfecta para ver en Halloween. Una virtuosa comedia de terror metalingüístico, que funciona en tres niveles: como hilarante cinta de zombis de serie z, como ingenioso triple salto mortal autorreflexivo, y como emotivo homenaje al oficio de hacer películas. Vendida como el ‘Zombies Party’ nipón (para mí la supera en ingenio), ‘One Cut of The Dead’ es el equivalente japonés a bombazos estadounidenses como ‘Paranormal Activity’ o ‘El proyecto de la bruja de Blair’, filmes de bajísimo presupuesto que se convirtieron en inesperados exitazos de taquilla gracias al boca-oreja. ‘One Cut of The Dead’ costó 27.000 dólares y ya ha recaudado más de 20 millones en todo el mundo. Mejor no contar nada sobre su divertido argumento y su sorprendente estructura narrativa. Solo decir que es la típica película que no te cansarás de recomendar porque sabes que no puedes fallar. 8,9.
Disponible: Movistar+, DVD

Historias de miedo para contar en la oscuridad (André Øvredal)

El noruego André Øvredal se dio a conocer con ‘Troll Hunter’, una muy eficaz muestra de terror found footage que le abrió las puertas de la industria anglosajona. Tras la apreciable ‘La autopsia de Jane Doe’, Guillermo del Toro lo fichó para adaptar las “historias de miedo” escritas por Alvin Schwartz (ya se está rodando una segunda parte). A través de una habilidosa solución narrativa, utilizando una mansión encantada como eje argumental, los cinco guionistas acreditados (entre ellos el propio Del Toro) han conseguido engarzar los diferentes relatos originales en un mismo cuerpo dramático. El resultado de este puzle narrativo es un atractivo cuento de terror gótico, con influencias de revivals ochenteros tipo ‘Stranger Things’, que es capaz de conjugar en un mismo discurso los monstruos de la imaginación con otros tan reales como el racismo (contra los mexicanos), la guerra (de Vietnam) o los políticos corruptos (Nixon). 8.
Disponible: Amazon Prime Video, Google Play, iTunes, Rakuten TV

Bosque maldito (Lee Cronin)

En su influyente ensayo ‘Introducción a la literatura fantástica’ (Paidós, 2006), Tzvetan Todorov define lo fantástico como el espacio de vacilación que existe entre las dos posibles explicaciones que se pueden dar a un fenómeno extraño: la natural y la sobrenatural. Pues bien, ‘Bosque maldito’, desde su mismo título original (el mucho más ambiguo y sugerente ‘The Hole in the Ground’), parece seguir al pie de la letra la teoría del filósofo franco-búlgaro. El debutante Lee Cronin narra una inquietante pesadilla materna -¿es mi hijo realmente mi hijo?- jugando constantemente con esa “vacilación”, con esa incertidumbre sobre si lo que la protagonista está experimentando es real o producto de su imaginación. Si a este sugestivo juego dramático le sumamos una narración muy sutil y efectiva, un ritmo pausado y envolvente, unos personajes bien perfilados, y una atmósfera siniestra con ecos de folk horror, el resultado es un estupendo relato de terror, tan evocador como efectivo. 8.
Disponible: Movistar+, iTunes, DVD

The Little Stranger (Lenny Abrahamson)

Si quieres pasar una noche de Halloween tranquilita, sin mucho susto de posproducción ni salpicaduras de sangre, esta es tu película. ‘The Little Stranger’ es terror atmosférico, una envolvente historia de fantasmas que estaría más cerca de la intriga psicológica tipo ‘Otra vuelta de tuerca’ (Henry James) o del goticismo decadente de ‘La caída de la Casa Usher’ (Edgar Allan Poe), que del efectivo (y efectista) terror de parque de atracciones de James Wan. Ambientada en una decadente mansión en la Inglaterra de posguerra, ‘The Little Stranger’ es un elegante drama sobre la lucha de clases envuelto por una siniestra capa de misterios psicológicos y sobrenaturales. La película, dirigida por Lenny Abrahamson (‘La habitación’, ‘Normal People’), es una adaptación de ‘El ocupante’ (Anagrama, 2011), la estupenda novela de Sarah Waters, escritora que ya ha sido adaptada otras veces con buenos resultados: ‘La doncella’, ‘Tipping the Velvet’, ‘Cambio de identidad’… 7,5.
Disponible: Rakuten TV

VFW (Joe Begos)

Cinco yayos borrachos de un garito tipo “bar de Moe” se enfrentan a una horda de yonquis punkarras mutantes. Eso es ‘VFW’ (acrónimo de Veterans of Foreign Wars), el último delirio retro del tan admirado como vilipendiado Joe Begos (‘Casi humanos’, ‘Poder mental’, ‘Bliss’). La película es carne de maratón de Sitges, una gozosa salvajada que homenajea con pasión tarantiniana el cine (y la música) de John Carpenter, en concreto a la estupenda ‘Asalto a la comisaría del distrito 13’ (1976). La película es tan simplona como un cubata de un bar de viejos, pero funciona muy bien gracias al simpático grupo de parroquianos excombatientes de Vietnam (encabezados por la siempre poderosa presencia de Stephen Lang), el gusto de Begos por los efectos visuales artesanales (que le dan a la película un encanto especial), la estilización de la estética ochentera (tanto en la banda sonora como en la fotografía) y un notable sentido del ritmo que hace que no despegues los ojos de la pantalla aunque estés viéndola en el cine Retiro a las cinco de la mañana. 7.
Disponible: Movistar+

Ana Béjar / Sahara Star

Por
Mireia Pería
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Ana Béjar sigue labrándose una carrera muy interesante en los márgenes de la industria. Sin mucha prisa, ha editado este contemplativo ‘Sahara Star’, un disco que explora el autoconocimiento a través del viaje. Los paisajes del desierto que dan nombre al álbum acompañan un trayecto aparentemente sosegado, pero de calado profundo. Su voluntad expansiva está teñida de una inmensa melancolía. En gran parte porque su espíritu trashumante aparece en unos momentos en que prácticamente todos los viajes son, ay, imaginarios.

Los parajes a los que canta Béjar se ven, se sienten. ‘Sahara Star’ respira mucho naturalismo, contiene una gran cantidad de aire. La causa proviene, en gran parte, de cómo ha sido grabado. En una entrevista con MondoSonoro, Ana declaraba que en este álbum ha incorporado «grabaciones de campo por primera vez en mi música y también he jugado con sonidos cotidianos creando a partir de ellos percusiones o sonidos que recuerden al agua, al mar, estrellas cayendo del cielo…”. Aquí bullen blues, country mágico, ecos árabes y la atmósfera mágica y telúrica de This Mortal Coil, con mucho acento en la base rítmica. Está cantado eminentemente en inglés, idioma al que Béjar se mantiene fiel. También brilla el compromiso de Béjar hacia la naturaleza (es una gran activista en defensa de los derechos de los animales), tanto en las ambientaciones como en las letras.

‘Sahara Star’ abre aparentemente tranquilo con ‘I First Came Blind’, un cuasi blues fronterizo. Y aunque Béjar se haya alejado bastante del rock alternativo de los noventas, ese “Dear Gorgeous God” con el que abre ‘Sahara Star’ (la canción), recuerda muchísimo a PJ Harvey (¡esa inflexión de la voz!). Sin embargo, Béjar bordea cualquier atisbo de imitación mediante una poderosa percusión, mientras los instrumentos cimbrean, como si Ana estuviera conduciendo a los Bad Seeds.

Una muy intensa emoción escala ‘Rhoda’, un lamento enmarcado por las guitarras y la mandolina, mientras la voz de Ana, al principio en segundo plano, enmarañada entre los instrumentos, va alzándose. En ‘Everything’ se apropia de la canción de Vic Chesnutt que daba título a su anterior EP (‘Everything I Say’). Ana medio murmura, medio clama, enmarcada en un leve piano y unos ritmos tribales que suben y suben, como un canto del desierto, hasta parajes más blues. Al fin y al cabo, el título del álbum también es un homenaje a ‘North Star Deserter’, el disco del desaparecido cantautor que contiene el original. La intensidad deja paso a cierta calma acústica en la segunda mitad. ‘Exile’ rebaja toda la gravedad del disco en una progresión esperanzadora y alegre. ‘Himmel Und Herde’ es el único tema en castellano, una nana preciosa en base a acordeón, con texturas 4AD, donde la melodía se inflexiona melancólica pero poderosa.

‘Sahara Star’es una travesía, pues, donde la voz de Ana Béjar se siente como un oasis esperándote en medio del duro pero hermoso desierto. En estos tiempos en que la vida, una vez más, parece estar en suspenso, merece la pena sentarse y paladear el paisaje.

Calificación: 7,2/10
Lo mejor: ‘Sahara Star’, ‘Rhoda’, ’Exile’, Himmel Und Herde’
Te gustará si te gusta: PJ Harvey, This Mortal Coil
Escúchalo: ‘Sahara Star‘.

Muere Sean Connery

Por
Sebas E. Alonso
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Sean Connery ha muerto a los 90 años -los había cumplido este mes de agosto-, como informa la BBC citando fuentes de su familia. El actor escocés pasará a la historia por haber interpretado a James Bond en sus mayores años de gloria. Le interpretó en siete películas entre 1962 y 1983, lo que incluyó momentos tan importantes para la cultura pop como ‘Goldfinger’ o ‘Diamonds Are Forever’.

Llegó a recibir el Oscar, en concreto por ‘Los intocables’ (mejor actor secundario), dos premios Bafta (uno de ellos por ‘El nombre de la rosa’) y 3 Globos de Oro (uno de ellos por ‘Indiana Jones y la Última Cruzada).

El actor ha tenido una influencia enorme en la cultura popular, y a nadie sorprende por ejemplo la enorme cantidad de canciones llamadas «Sean Connery» que encontramos en las plataformas de streaming. Recientemente el grupo malagueño La Trinidad nos hablaban sobre la manera en que les ha influido ‘Goldfinger’.

Bessie Turner, aferrada a una relación que le hizo mal en ‘Down 2’

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Sebas E. Alonso
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Bessie Turner es otro de los descubrimientos del JNSP Song Contest, concurso cazatalentos de nuestros foros que estos días celebra su 34ª edición, especial Halloween. La cantante quedaba 3ª presentada por el usuario angelmédano en la 33ª.

Estamos ante una cantante británica que ha sido promocionada en BBC 6, que ha teloneado al gran Baxter Dury y que llamaba la atención con singles de pop-rock como ‘Words You Say’ y su debut en 2017 ‘Big Sleep’. A falta de disco largo, la cantante ha publicado este año nuevos singles de los cuales el más exitoso está siendo un ‘Donkey’ en sintonía con los guitarrazos de los Pixies, si bien la composición que hoy nos ocupa, la “Canción del Día”, es ‘Down 2’. En una entrevista con The Line of the Best Fit la cantante hablaba sobre su carrera, indicando que ella, como Cate Le Bon, prefería dejar la temática de esta canción a la imaginación del público, pero en este caso parece cristalina.

Se trata de una sencilla canción de desamor, una mirada al pasado, “cuando tenía 22 años”, los días en que salía con alguien que en realidad le daba mala vida (“has construido tantos problemas que no puedes deshacer”, “volvamos adentro y muéstrame que todavía te importa un pimiento”). Unos estupendos coros casi girl-group en el pre-estribillo nos van introduciendo en un estribillo glorioso y potente, beneficiado por un tempo altísimo para los estándares del pop de hoy: 141 bpm. “Estoy tan dolida sin ti, que es casi como si estuvieras aquí”, dice entonces.

Imperdible es también el vídeo en el que Bessie Turner aparece aferrada literalmente a ese pasado del que habla el tema, mientras unos subtítulos a su bola ponen una nota de humor y tratan de hacernos sentir un poco mejor.

Lo mejor del mes:

Soraya presenta Chochete

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Sebas E. Alonso
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Soraya Arnelas ha anunciado el lanzamiento de una línea de ropa llamada Chochete siguiendo una idea de ella misma, de su pareja y de su hija Manuela de Gracia, que da nombre a la marca (Chochete by Manuela de Gracia). Soraya ha explicado: “no tiene nada que ver con sexismo. Es una palabra cariñosa que mi hija dice para saludar, muy extremeña, muy andaluza”.

La marca se promociona en un Instagram en el que se pueden ver las sudaderas Chochete en varios colores tanto para adulto como para niño. Media España amanece hoy por tanto con la palabra “Chochete” como “trending topic” en Twitter, entre quien sí se ve pidiendo “un chochete XL para su abuela” y quien plantea el debate de la hipersexualización.

Conscientes de lo que iba a pasar, Soraya ya había anticipado en redes cómo se iban a tomar la animadversión: “Lo que representa para nosotros es algo cariñoso, es un proyecto en el que llevamos trabajando mucho tiempo. CHOCHETE es más que una palabra, define un montón de valores y cosas bonitas. No todo el mundo llevará una prenda de la colección, pero quienes lo hagan sabemos que representarán los valores de lo que CHOCHETE significa como marca… Alegría, valentía, diversión, autenticidad,un punto de locura y mucha libertad. No es una colección para todos los públicos… Sabíamos que sería todo un reto. ¡Y NOS ENCANTA!».

Lo último de Soraya Arnelas ha sido un disco llamado ‘Luces y sombras’ en el que colabora con gente como Chenoa, David Botero y Bombai, featuring este último que le ha dado el mayor hit del disco, ‘Lo bueno’, con más de 1 millón de streamings en Spotify. También cantaba su hija en la balada ‘Contaré hasta 10’.

Bruce Springsteen arrasa a Gorillaz en las listas británicas

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Sebas E. Alonso
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Bruce Springsteen y Gorillaz eran los lanzamientos más importantes de la semana pasada cara a las listas británicas y ha sido el Boss quien de nuevo se ha hecho con la victoria muy holgadamente. El artista ha vendido 52.000 unidades dentro de Reino Unido tan sólo durante los 7 primeros días, por 15.500 de Gorillaz, ya lejos de los tiempos multi-platino de sus inicios.

‘Letter to You’ es el disco que más rápido se ha vendido este año después de ‘Chromatica’ y supone el 12º número 1 para el artista en Reino Unido. Eso sí, parece que en Estados Unidos, el top 1 del Billboard 200 se le va a escapar, como sucedió con el anterior.

Gorillaz tienen que conformarse con el puesto 2 con el notable ‘Song Machine Season One – Strange Timez‘, lo cual en realidad mejora la marca de ‘The Now Now’, que fue top 5 en 2018. La lista británica se animará en semanas venideras con la llegada de los lanzamientos de Ariana Grande y Sam Smith, a la vez; y luego Little Mix y Kylie Minogue, a la vez también.

Mientras ‘Rumours’ de Fleetwood Mac continúa abonado al top 20, hay que mencionar que el número 1 de la semana pasada, ‘Cherry Blossom’ de Vamps, cae del puesto 1 al puesto 72 en su segunda semana. Cosas de la era streaming. Os dejamos con uno de los temas más pegadizos del último disco del Boss, aunque no haya sido uno de los singles, ‘House of a Thousand Guitars’.

Lady Gaga tira de fondo de armario para animarte a votar

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Sebas E. Alonso
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La semana que viene se celebran las elecciones presidenciales en Estados Unidos y son muchos los artistas que han hecho un llamamiento para animar a la gente que no suele votar a hacerlo.

Entre ellos está Lady Gaga, que ha subido a redes sociales un fantástico vídeo en el que, recuperando algunos de los modelos más míticos de su carrera, habla sobre la importancia de votar. La autora de ‘Chromatica‘ comienza empatizando con el desencanto que sufre la gente a «causa de la covid» o a causa del «sistema», pero recuerda que, «a menos que tengas un ticket para irte a otro sitio» (fuera de Estados Unidos) es el momento de hacer algo por mejorar el país.

En los 2 minutos de vídeo, la cantante tiene tiempo de recordar los looks vistos en ‘Joanne’, ‘Poker Face’, la Super Bowl y ‘Telephone’, entre otros, y se arriesga a pedir el voto incluso a quien «no vaya a votar lo que ella, que te puedes imaginar quién es». Explicando el vídeo, por si hacía falta, Lady Gaga concluye que ha llevado muchos atuendos en su vida, pero «nunca ha cambiado de voz. Mi voz será escuchada, ¿y la tuya?».

Joe Crepúsculo / Supercrepus II

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Sebas E. Alonso
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Los que no tenemos ‘Supercrepus‘ especialmente en un pedestal, los que situaríamos por encima ‘Disco duro‘, ‘Baile de magos‘ o incluso ‘Escuela de zebras‘, que al fin y al cabo fue el primer disco de Joe Crepúsculo como tal y era más que conciso, recibimos con el ceño fruncido la noticia de que había segunda parte. El artista habla de ciertas conexiones temáticas e incluso melódicas, pero la verdad es que estamos ante un álbum totalmente independiente. No ha buscado la segunda parte de ‘El día de las medusas’, ni la segunda de ‘La canción de tu vida’. De hecho, si escuchas estas viejas canciones después de ‘Supercrepus II’, la evolución a mejor de todo es palpable.

La jugada recuerda más bien a la de raperos como Eminem o Lil Wayne, que recurren a la fórmula de la «secuela» cuando tienen algo importante que decir. Crepus, seguidor del hip hop al menos en la era de mayor gloria de A$AP Rocky, recurre a su álbum mejor titulado, que sí es ‘Supercrepus’, con la idea de ofrecer la mejor versión de sí mismo a gran escala. Una colección generosa de canciones -eran de nuevo 20, pero ha recortado 3 que no le terminaban de encajar- que nunca se dejan encorsetar por prejuicios o géneros musicales. Lo que aquí se exhibe es sobre todas las cosas lo camaleónico que ha resultado Jöel Iriarte como compositor. Ni el bakalao de ‘Mi fábrica de baile’, ni la compañía de Tomasito a las palmas y otras artes en ‘A fuego’ le definen. Él puede seguir buscando nuevos caminos.

Los múltiples avances que hemos conocido durante estos meses no daban una pista de lo que encontramos en ‘Supercrepus II’. Antes de que se declarara la pandemia, ‘Ratas salvajes’ nos advertía que podíamos estar ante un álbum más de banda, pero no que en él encontraríamos una versión de Roxette en castellano a modo de rumba, un country como ‘Te brilla la cara’ y ecos de rock urbano en ‘Destruir la sociedad’, la cual Crepus quería interpretar con Los Ilegales y podría haber aparecido en su momento en ‘La bola de cristal’. Sale glorioso de todos estos retos, y tiene bastante mérito sobre todo en el caso de Roxette, pues ‘Baladas en español’ contenía un punto kitsch del que el grupo terminó siendo consciente. «Tuvimos muchas críticas que decían que las letras eran cutres», nos contaba Per Gessle hace unos años, antes de la muerte de Marie.

Sin ser la grabación más interesante de este álbum, ‘No sé si es amor’ sí es un buen reflejo del álbum, en tanto que con ella no sabemos muy bien si ponernos a reír o a llorar. La canción es triste, pero la música invita a la fiesta. Que es exactamente lo que sucede con ‘Hoy no sale el sol’, el relato de una decepción, una relación que vuelve y se define como la «segunda temporada de algo que no tuvo que empezar», pero cuyo ritmo jangle pop es completamente revitalizante. Como ya se había probado con ‘Discoteca en ruinas‘ y nadie habría adivinado, el registro Smiths sienta fenomenal a Joe.

El estribillo de esta «Llévame a bailar a una discoteca en ruinas / Quiero volver a sentirme bien» es el retrato de una época de coronavirus, en un disco que también incluye el tema ‘Cuarentena sin ti’, que nos servirá para siempre de recuerdo de aquel día que nos peleamos en el supermercado por un poco de papel higiénico. En este mundo de adversidad, las canciones quieren ejercer de bálsamo y cierto tipo de frases lo consiguen incluso cuando en lugar de coronavirus nos hablan de ‘Terminator’, como sucede en ‘Calaveras negras’ y su «yo quiero seguir de fiesta». En la línea, ‘Baila hasta morir’ invita al Carpe Diem: «todos vamos a morir, así que baila hasta el final». Y ‘Comiendo shawarmas’ propone: “quiero estar toda mi vida en el bar / poder hacer lo que quiera nada más”.

Musicalmente, llama la atención la huida del pop sintético hacia otras texturas, aportadas por guitarras eléctricas incluso un poquito prog-rock, el uso de armónicas y lapsteel y sobre todo el saxo de Jens Neumaier en temas como ‘Chococristos’, donde tu taza de cereales se encuentra con Cuarto Milenio, y ‘Serenata’. Esta última producción, próxima a los 80 más finos que tanto ha emulado Destroyer, es una de las más exquisitas que ha entregado el artista, entre el riff de guitarra, el ritmo medio funk y el estribillo que «se crece».

Menos cuando el mejunje se le va un poco de las manos, como en ese cruce extraño entre Chris Isaak y Shampoo que parece ‘Lo peor’, ‘Supercrepus II’ muestra a un artista libre, que madura con inteligencia y sin solemnidad, con humor pero atento al mundo que le rodea. A destacar su digna faceta de baladista. Como picado porque ‘Rosas en el mar’ no la escribió él sino su colega Aaron Rux, cierra la cara D de la edición vinilo con ‘El imperio de la realidad’ y la B con ‘Luna estúpida’, una composición que alterna acústicas y eléctricas al modo de The Sundays, y que incluye un piano que hasta nos lleva a los tiempos de La Buena Vida. Nunca habría esperado escribir estos nombres en una crítica de Crepus, ni mucho menos bailar con él, y hasta morir, un ska.

‘motive’, la canción de Ariana Grande que sorprendió a Doja Cat en la ducha

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Sebas E. Alonso
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Ariana Grande publica hoy su nuevo disco ‘positions’, precedido de un single homónimo que esta tarde entrará directo al número 1 en las listas de Reino Unido. El álbum, de 40 minutos de duración, es una sucesión de medios tiempos R&B que parece alejarse de los temas más pop de sus últimos álbumes. En nuestro foro de Ariana Grande la opinión está dividida entre quienes están celebrando el álbum, como Orenji, que indica: «Yo lo estoy escuchando más que ninguno anterior, así que el mejor no sé, pero tiene un nosequé que me hace escucharlo entero a cada rato». Y otros usuarios decepcionados como Delapuert: «Es como si hubiera querido hacer su ‘Butterfly’, su ‘My Love Is Your Love’, su ‘The Velvet Rope’, pero le ha faltado. Eso sí, hay canciones guays como ‘Love Language’, ‘Six Thirty’ o ‘Nasty’.

Mientras la canción que Universal ha sugerido hoy para las playlists de novedades es ’34+35′, la que más nos ha llamado la atención de primeras, nuestra «Canción del Día», es la colaboración con Doja Cat. En ‘motive’ puede esconderse uno de los éxitos espontáneos de los próximos meses, o como mínimo una favorita para los fans como lo fue ‘breathing’ en ‘Sweetener‘.

Si ‘motive’ se sale un poco de la línea del disco podría ser porque es la única canción producida por Murda Beatz, que de hecho deja su marca nada más comenzar. El hombre detrás de algunos éxitos de Migos, Travis Scott, Nicki Minaj o 6ix9ine apuesta aquí por un ritmo más bien house en la que es la producción más bailable de ‘positions’. ‘motive’ es una canción sexual en la que Grande se pregunta por qué su pareja la «enciende» tanto, y Doja Cat acude encantada a añadir un verso tras el segundo estribillo, pidiendo explicaciones en unas frases algo más amargas («me trataste como oro, y ahora quieres destrozarme»).

Ariana Grande ha contado que grabó esta canción junto a Doja Cat a finales del año pasado y que a la intérprete de ‘Say So’ le pilló la recepción del tema en la ducha. La respuesta de Doja Cat fue algo así como: «Estoy en la ducha, pero me encanta esto. Ahora mismo hago mi parte», a lo que Ariana respondió que no se apresurara porque no tenía prisa por editar nada nuevo. Casi podemos visualizar un videoclip al respecto…

Lo mejor del mes:

Sam Smith cambia de tercio en su nuevo disco… y en el brit-pop de ‘Kids Again’

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Jordi Bardají
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Además del de Ariana Grande, el lanzamiento internacional más importante de hoy viernes es ‘Love Goes’, el nuevo disco de Sam Smith. El álbum incluye los singles ‘Diamonds’ y ‘My Oasis’ con Burna Boy además de un segundo CD con «bonus tracks» en el que encontramos todos los éxitos recientes de Sam, desde ‘Dancing with a Stranger’ con Normani a ‘I’m Ready’ con Demi Lovato. Varios de ellos suman escuchas estratosféricas que aseguran un buen debut para el álbum en su primera semana.

El tercer álbum de Sam Smith marca un cambio en su sonido respecto al soul-pop clasicote de sus primeros dos trabajos, ‘In the Lonely Hour‘ y ‘The Thrill of It All‘. En ‘Love Goes’ manda un pop con tintes electrónicos que a duras penas deja un tema pensado específicamente para la pista de baile. También hay baladas al piano… y una sorpresilla final.

‘Kids Again’ es el corte que cierra ‘Love Goes’ y, curiosamente, también es el nuevo single que presenta hoy el álbum acompañado de un videoclip. ‘Kids Again’ habla de amores pasados y de esos años de juventud que ya no volverán, pero lo curioso del tema es su sonido totalmente brit-pop, hasta el punto que recuerda a algunos momentos de Oasis o Coldplay. El nostálgico videoclip muestra a Sam abrazadx a cosas y ha quedado un poco chanante, lo cual suponemos no ha sido la intención.

Por otro lado, Sam ha compartido estas palabras sobre ‘Love Goes’: “Los últimos dos años han sido el momento más experimental de mi vida, personalmente pero también musicalmente. Cada vez que iba al estudio, me prometí que iría en dirección a las estrellas y no tendría limitaciones. El resultado ha sido tan mágico y terapéutico y divertido. Mi amor por la música es tan amplio y todos mis placeres de culpabilidad musical se convirtieron en placeres. Sin culpa, sin verguenza, sólo por el amor de cantar y crear y bailar».

El texto continúa: «Estoy muy agradecido a cada humano que apreció mi creatividad y dirección y me permitió ser quien quería ser en ese estudio ese día… escuchar estas canciones con el corazón abierto y tratar cada canción como una flor diferente del jardín, divertirse con ellos, traté de no tomarme a mi mismo demasiado en serio al escribir algunas de estas canciones. Espero que os hagan sonreír, porque me lo hicieron y me lo hacen”.

Nena Daconte sorprende con el electropop de ‘Hojas secas’

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Jordi Bardají
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Nena Daconte firma una de las novedades de hoy viernes con ‘Hojas secas’. Se trata de su primer tema nuevo desde que el año pasado lanzara el mini álbum ‘suerte…‘, un trabajo modesto pero en el que Mai Meneses dejaba algunas de las composiciones más interesantes de su carrera, como ‘Mi mala suerte’ o ‘La llama‘.

El cambio de tercio perpetrado por Nena Daconte en ‘Hojas secas’ es perceptible desde el segundo cero, ya que estamos ante una canción de sonido electro-pop en las estrofas, que solo en el estribillo pasa a uno más rockero pero a su vez medio bailable. La artista ha explicado: «‘Hojas secas’” es una canción muy especial para mí. A nivel de composición vuelvo al tema del desamor, del paso del tiempo y de cómo éste va haciendo mella en nuestra ilusión. A nivel de producción y arreglos, cuento con el talento de Paco Salazar. Esta vez, los arreglos son muy diferentes a lo que suelo hacer. Me he dejado llevar por la música que más vibra ahora en mi corazón».

‘Hojas secas’ es una composición sobre un amor marchitado por el tiempo, y en frases como «fingir que no me ves, fingir que no nos vemos, cerrar la posibilidad de que alguien nuevo venga a nuestra vida y nos haga soñar» o «tú te niegas a aceptar la realidad, y es que hace tiempo que te estoy mintiendo», Meneses vuelve a plasmar su claridad como autora.

Bad Bunny abraza el synth-pop con Jhay Cortez en ‘Dakiti’

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Jordi Bardají
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Bad Bunny ha publicado single sorpresa con Jhay Cortez, a quien acabas de escuchar en el estupendo nuevo single de Kali Uchis. Porque el portorriqueño no puede parar quieto a pesar de seguir triunfando con ‘ONE DAY’ junto a J Balvin y Dua Lipa y de haber publicado dos álbumes solo este año, ‘Dakiti’ muestra una faceta diferente del artista.

‘Dakiti’ vuelve a ser una canción dedicada al amor y a la sensualidad, con frases que llaman al exhibicionismo («¿Y de nosotro’ quién va a hablar? Si no nos dejamo’ ver») o al sexo («Cuando te lo quito despué’ de lo’ partie’ / Las copa’ de vino, las libra’ de mari / Tú estás bien suelta, yo de safari». Sin embargo, esta misteriosa producción de Tainy y La Paciencia (Roberto Rosado) abandona el patrón rítmico típico del reggaetón para abrazar un sonido que aúna elementos del electro-pop y el synth-pop, sin romper en ningún momento hacia la pista de baile aunque la base apunte a ello, creando intriga. Bad Bunny y Jhay Cortez ya habían colaborado en el remix de ‘No me conoce’ con J Balvin y en ‘Cómo se siente’.

Para quien se pregunte a cuento de qué Bad Bunny publica ahora nuevo single, Slang.FM tiene a bien recordar que el artista prometió un nuevo disco para finales de año. Lo hizo en la letra de su canción ‘<3', en la que cantaba: “Este disco está cabrón, lo hice pa’ vosotros / Y en nueve mese’ vuelvo y saco otro / Pa’ retirarme tranquilo como Miguel Cotto”. ¿Prepara Bad Bunny el "blockbuster" navideño que este año no van a firmar ni Adele ni Drake? De momento ya puede verse el videoclip de ‘Dakiti’, con Benito y Jhay Cortez grabando la canción en la playa, dentro de un cubículo de cristal.

Dua Lipa estrena ‘Fever’ con Angèle y anuncia concierto en streaming

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Jordi Bardají
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Dua Lipa ha estrenado su prometido nuevo single con la cantante belga Angèle, el cual aparece en una edición especial para Francia de ‘Future Nostalgia‘. Es una de las canciones que puedes escuchar en nuestra playlist de novedades actualizada.

Sin llegar a los 3 minutos de duración como tantas composiciones de pop de hoy en día, ‘Fever’ es una producción disco-pop típica de Ian Kirkpatrick, la persona detrás de ‘New Rules’, ‘Don’t Start Now’ y ‘Pretty Please‘. Sin embargo, su sonido recuerda más bien a las producciones de Kirkpatrick para Selena Gomez, en concreto ‘Look at Her Now’. El tema es materia de «bonus track» y como tal aparece en el álbum de la cantante británica a partir de hoy.

Aprovechando su buena racha entre que ‘Levitating’ al fin es un hit mundial y que hoy llega a las plataformas este nuevo single -y queda un videoclip por estrenar-, Dua Lipa ha anunciado concierto en streaming, como recientemente han hecho Billie Eilish o Kylie Minogue. Volviendo a aunar pasado y futuro, el concierto lleva por título ‘Studio 2054’ y podrá verse a partir del 27 de noviembre.

Según la nota de prensa oficial, ‘Studio 2054’ será un «viaje caleidoscópico a través del tiempo, el espacio, las bolas de espejo, las postas de patinaje, los sombreros de copa, los ritmos contundentes, los bajos palpitantes y un absoluto canastazo con lo mejor de todos los tiempos visto en la cultura de clubs a lo largo de las décadas». La misma nota indica que ‘Studio 2054’ será «más una película en vivo que un concierto típico» y que, en ella, podremos ver a Dua «merendándose la pista de baile» junto a un puñado de «invitados estelares, performers sorpresa, acróbatas y artistas». Sonarán tanto el debut de Dua como ‘Future Nostalgia’ y su versión remezclada.


Escucha lo nuevo de Ariana Grande, Avalanches, Dizzee Rascal, Ane Brun, Becky G con Ozuna…

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Jordi Bardají
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Este viernes llegan al mercado los nuevos trabajos discográficos de Ariana Grande, Oneohtrix Point Never, Sam Smith, Bring Me the Horizon, Meghan Trainor, Elvis Costello, Rozalén, Camelphat, Eels, Common, Andrew Bird, Antonio Orozco, Busta Rhymes, Dizzee Rascal, Jojo, Suuns, Salem (sí, los del witch-house), Amy McDonald, Ane Brun, LEÓN o Petit Biscuit. Esta semana también ha visto la luz un nuevo álbum sorpresa de Autechre, el segundo en apenas dos semanas.

A lo largo de los últimos cinco días también hemos conocido un puñado de nuevos temas de los que cabe destacar algunas interesantes colaboraciones. Hablamos de las de BENEE con Lily Allen y Flo Milli en ‘Plain‘, The Avalanches con Leon Bridges en un ‘Interstellar Love’ inspirada en el romance entre Ann Druyan y Carl Sagan y que utiliza un fragmento de ‘Eye in the Sky’ de Alan Parson’s Project; Oneohtrix Point Never con The Weeknd en uno de los cortes que presentan su inminente nuevo disco, que reseñamos hoy en portada; Bill Callahan y Bonnie «Prince» Billy en una curiosa versión de ‘Wish You Were Gay’ de Billie Eilish; Busta Rhymes con Kendrick Lamar en ‘Look Over Your Shoulder’; o Karen O con Willie Nelson en una versión de ‘Under Pressure’ de Queen y David Bowie.

Entre las novedades de hoy, a señalar el nuevo single sorpresa de Bad Bunny con Jhay Cortez y la macro-colaboración de 7 minutos de Yung Beef con hasta siete artistas chilenos, estos son, Juliano Sossa, Drago 200, Uzii Gaang, Khaled, Harry Nach, Pablo Chill-E y Pipo Beatz. También en el plano nacional encontramos lo nuevo de Kiko Veneno, Nena Daconte, Jack Bisonte, Lola Indigo con Beret, Confeti de Odio con Alicia te quiero, Papa Topo con Maria Daniela y su Sonido Láser, El Hijo, Rosario La Tremendita, GUINEU, Izah o Ganges. Aitana publica single de reggaetón con Danna Paola y Luisa Sónza. En el plano internacional, Cass McCombs llama al voto junto a Angel Olsen, Bob Weir y… Noam Chomsky, Eleni Foureira vuelve a la pista de baile con ‘Light it Up’, Becky G busca petarlo otra vez con Ozuna, y también presentan nuevos temas Dirty Projectors, Tierra Whack, Empress Of con Amber Mark, The Knocks con Foster the People, largo etcétera.

Todos estos temas aparecen hoy en un adelanto de nuestra playlist de novedades junto a otros que comentamos en portada como ‘La estación espacial de Teruel’ de Maren, hoy nuestra «Canción Del Día», o ‘Happy’ de Danny Elfman, su primer tema en solitario en casi cuatro décadas. Atentos a nuestra playlist para escuchar las novedades que quedan por salir.

Ava Max estrena vídeo cochero para uno de sus temas… pero triunfa más bien con otro

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Jordi Bardají
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Ava Max ha sorprendido este año publicando un disco en el que ha dado rienda suelta a su pasión por el pop de los primeros años 2000, de Lady Gaga a Eurovisión, y de hecho ha conseguido triunfar más en Europa que en Estados Unidos, su país de origen, pues su sonido no puede ser más europeo en realidad. Aunque ‘Heaven & Hell‘ ha sido certificado como Disco de Oro en los «states», su tendencia a la baja en el Billboard está a punto de hacer desaparecer el disco de la clasificación, pues ahora mismo ocupa el número 124, mientras en Reino Unido se mantiene en el número 46.

Ahora, la cantante estrena el videoclip de uno de los temas de su disco que mejor han funcionado (y no, ‘Naked’ no ha sido uno de ellos lamentablemente). ‘OMG What’s Happening’ es uno de sus cortes más europop, y el videoclip automovílistico con elementos del «western» reincide en el lado más «kitsch» de la estética de esta artista. El single apenas ha sido top 17 en Finlandia, mientras en otros países ha registrado posiciones mucho más modestas, pero lo curioso es que la canción de Ava que lo está petando ahora es anterior.

Publicada hace eones, en concreto en el mes de marzo, en pleno auge de la pandemia, ‘Kings & Queens’ es AHORA una de las canciones más escuchadas… en todo el mundo. Mediatraffic no engaña y, en concreto, es la canción número 26 más exitosa en el globo, haciendo «sándwich» entre los éxitos de Lewis Capaldi y Saint Jhn. En Estados Unidos es una de las 15 más radiadas (número 12), y en Spotify es una de las más reproducidas en los top 50 de países como Australia, Países Bajos, Bélgica o Austria. En la plataforma sueca, ‘Kings & Queens’ se aproxima a los 300 millones de escuchas nada menos. Confirmándose más como una artista de singles que de discos, Ava no deja de triunfar. ¿Apostará por ‘Tattoo‘ en algún momento?

Danny Elfman presenta ‘Happy’, su primer tema en solitario en 36 años

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Jordi Bardají
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Danny Elfman, compositor conocido por sus bandas sonoras para las películas de Tim Burton, vuelve con su primer tema en solitario en 36 años. El artista ha compuesto incontables obras para cine, televisión, videojuegos, largo etcétera, pero su último álbum de estudio en solitario hay que situarlo en el año 1984, cuando vio la luz el álbum ‘So-Lo’, considerado en realidad el cuarto disco de su grupo de «new-wave» ya extinto Oingo Boingo.

A nadie se le escapa que Danny Elfman vuelve a tiempo para Halloween, y ‘Happy’ no es una canción precisamente feliz, en el estilo de la de Pharrell Williams o la de Marina. Más bien se encuentra en ese punto medio entre cordura y locura que siempre ha caracterizado su trabajo musical para largometrajes. Él directamente la llama «absurda» y «anti-pop» porque alterna una primera parte siniestra en su estilo, con otra más «abrasiva». Por su parte, la letra se limita a enunciar un par de frases que chocan por su significado: «¡qué feliz soy!» y «todo se está derrumbando» aparecen yuxtapuestas para reflejar el componente de delirio plasmado en la canción. Elfman dice que la «naturaleza cínica de la letra refleja cómo me siento viviendo en un mundo semi-distópico que está vuelto del revés». Una canción muy 2020, desde luego.

El compositor también ha compartido unas palabras sobre Halloween: «Siempre he disfrutado Halloween porque es una noche para dejarse llevar, para convertirse en algo o en alguien. Es una noche para celebrar a los muertos, y a los fantasmas y monstruos de todo tipo. Es una noche para que los mutantes, los zombis, los vampiros, los marginados y los herejes se celebren a sí mismos. Y junto al Día de los Muertos de México, es una noche para celebrar a los espíritus del más allá… y para reírte de la muerte en la cara».

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