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20 canciones para introducirse en el mundo de Rafael Berrio

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Esta semana, entre otros artistas, nos ha dejado Rafael Berrio. Un desconocido (o semi, siendo generosos) para una gran parte de su público potencial –a saber: aquellos que en algún momento se hayan sentido conmovidos por la música y la lírica de Lou Reed, Jacques Brel, Leonard Cohen o Bob Dylan, indistintamente; es decir, enorme– que, eso sí, ha dejado una huella imborrable en los que nos hemos aproximado a él en algún momento de su dilatada y no demasiado prolífica carrera. En nuestro obituario dedicado a él, advertíamos por algunos comentarios la necesidad de abrir un pórtico a su particular mundo. Nosotros, con toda la modestia y sin esnobismos, proponemos uno de esos posibles accesos a través de una playlist de 20 canciones.

Una playlist algo incompleta, eso sí, ya que algunos de sus ocho álbumes –’Una canción de mala muerte‘ (1996), con Amor A Traición, y ‘Planes de fuga‘ (1999), como Deriva– y singles –’Arcadia en flor’, la canción que entregó a Jonás Trueba para su film ‘La reconquista’, con la que estuvo nominado al Goya a Mejor canción original hace tres años– no están disponibles en Spotify –a modo de curiosidad, sí lo está la adaptación de la zarzuela de Pío Baroja ‘Adiós a la bohemia’ que perpetró con su amigo y socio musical Joserra Senperena–. Pero los seis álbumes que sí encontramos en esa plataforma de streaming, dan de sobra para trazar una imagen bastante certera, creemos, de las etapas que atravesó y de su descomunal talento para escribir canciones.

Por supuesto, ponemos en valor su loureedesco proyecto Amor A Traición, grupo que formaría, entre otros, con sus amigos del primer Donosti Sound, José Puerto e Iñaki De Lucas. Es sintomático del sino que le persiguió en su carrera señalar que le llevaría más de diez años completar ese ‘Amor a traición’, desde que rindiera su intento de cuajar en la nueva ola ochentera con UHF. Además del glorioso himno ‘No pienso bajar más al centro’, no falta esa ‘La misma mujer distinta’ que ya querrían para su cancionero Burning o el propio Loquillo. Del segundo disco de Deriva, ‘Harresilanda’, tan alejado del coyuntural electrorock de su primer disco, rescatamos con toda justicia (pese a que él renegaba últimamente de esa etapa) los claroscuros de ‘Algo delicado y difícil’ y una ‘No solo de amor’ que conecta a su manera (con ese gran bajo) con el otro Donosti Sound, el de La Buena Vida, Le Mans y AMA.

Por supuesto, están muy representados los trabajos hermanos que publicó en los primeros años de la pasada década, ‘1971‘ y ‘Diarios‘. Discos de vocación orquestal arreglados por el ya citado Senperena (conocido por sus trabajos para Duncan Dhu, Fito y Fitipaldis o Quique González, pero también por los de ‘Hallelujah!’ y ‘Album’ de La Buena Vida), en los que Berrio rebuscaba en sus raíces francófonas y se significaba como un chansonnier al más puro estilo de Jacques Brel, Charles Aznavour o Cohen, que tanto le marcaron. No podían faltar ‘Cómo iba yo a saber’, ‘Simulacro’, ‘La desgana’, ‘La alegría de vivir’, ‘Las mujeres de este mundo’… Canciones de una profundidad lírica abisal, que reflexionan con exquisita poesía sobre la existencia, el amor y el hedonismo.

Pero, como explicábamos, Berrio nunca dejó de tener el alma electrificada y, tras ese glorioso lapso de su carrera en el que apostó por la tradición popular europea, volvía al rock. En ‘Paradoja’, además, lo hacía de manera más enrabietada y ruidosa que nunca antes, como atestigua el noise rock crepitante de ‘En lo mórbido’. Pero sin renunciar a su inherente elegancia, como mostraban ‘Cambios a mansalva y decadencia’ y el genial single ‘Mis ayeres muertos’ –emociona como el primer día ese lema, «todo lo he visto, de todo me acuerdo»–. Su último álbum conocido, el aún reciente ‘Niño futuro‘, partía de esa faceta rockera y la atemperaba con cierta sobriedad y reposo, entregándonos maravillas como ‘Dadme la vida que amo’, ‘Considerando’, ‘Las tornas cambian’ o ‘Mi álbum de nubes del cielo’. No podíamos cerrar con otra canción que no fuera la propia ‘Niño futuro’, esa hipnótica y fascinante letanía dedicada a recién nacido que «homenajea a María Moliner», como llegó a decir. Es en todo caso, como decía, solo una puerta de entrada al universo Berrio en el que, ojalá, alguno se anime a profundizar a partir de aquí.

Niños Mutantes / Ventanas

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Seguro que no es fácil para un grupo camino de sus 25 años de existencia conseguir mantener viva la excitación y la chispa para seguir haciendo cosas juntos, para inspirarse y motivarse. El movimiento dado por Niños Mutantes en ‘Ventanas’ es el opuesto al que dieron en ‘Diez‘: si entonces apostaban por un sonido ruidoso y rocoso de mano de Abraham Boba y César Verdú de León Benavente, en este 12º álbum de su carrera se entregan hasta a cinco visiones («ventanas», dicen ellos) distintas, en cinco estudios diferentes de Madrid, Granada y Sevilla, e instrumentación y técnicas igualmente dispares. Una suerte bastante habitual en la música pop mainstream, pero totalmente atípica en el rock en general y el indie en particular (principalmente, por una cuestión de economía, imagino). El resultado es bastante interesante en tanto que desvirtúa la imagen preconcebida del grupo y les transfigura en otro/s, logrando que no todo sea tan predecible como pudiera aparentar.

Por ejemplo, el reputado Raúl Pérez –siempre refugiado en su famoso estudio sevillano La Mina, donde ha grabado desde a Pony Bravo a The New Raemon– lleva al grupo granadino a una juguetona aproximación a Sidonie en ‘Un tiro en el pie‘. En cambio Ángel Luján (experimentado productor para Xoel López, Tulsa o Anni B Sweet) lleva a los Mutantes a sonar en ‘Palabras para Julio’ (un estupendo juego lírico, que da una vuelta de género al poderoso y célebre poema de Goytisolo) a medio camino de Spoon y Lori Meyers. Y Noni y Doria de estos últimos, precisamente, se alejan un tanto de sí mismos en un numerazo kraut como es ‘Una noche‘, despistando tanto como Anxo y Carlangas de Novedades Carminha cuando dotan de un sugerente minimalismo el medio tiempo ‘El examen‘.

Es uno de los momentos más audaces e interesantes de ‘Ventanas’, aunque ninguno supera a la poderosa ‘La ausente‘, en la que Christina Rosenvinge se estrena como productora para otros de manera fascinante: juntos (porque además canta coros y el puente), nos venden la moto de que estamos escuchando una versión de un tema perdido de las mismísimas Mercedes Sosa o Violeta Parra.

Pero no: como cada corte de ‘Ventanas’, es un original de Juan Alberto Martínez (con aportaciones puntuales de la propia Christina o su compañero de grupo Nani Castañeda). Pero esa variedad es a veces un arma de doble filo en ‘Ventanas’, haciendo que resulte tan deslavazado que por momentos desconcierta. La ligereza de ‘Todo tiene un precio’ (en manos de Carlangas y Anxo), por ejemplo, se da un poco de bruces con la mirada a ese Xoel López que se arrimaba al folclore latinoamericano (‘Camino perdido’, creada con Pérez) o la épica pop cercana precisamente a Lori Meyers en ‘Húndete’ (con Luján, en este caso). En ese sentido, de todos los que más partido han sacado a Niños Mutantes y sus canciones han resultado ser los propios Lori, que les hacen sonar frescos en la sintética ‘Oxígeno’, y Rosenvinge, que de nuevo muestra buena mano en la sencilla y cruda ‘No una más’ (aunque termine resultado algo pesada en su minimalismo).

En lo lírico los altibajos pesan más: el potente (más allá del juego con el poema que musicó y popularizó Paco Ibáñez) discurso directo de ‘Palabras para julio’ («Estos días lentos de verano / te abren en dos como un cirujano»), los preciosos versos con sabor clásico de ‘La ausente’ («Las vueltas que da la vida / esas nadie las espera / Ni el fuego ni el agua pueden / gobernar a quien gobierna») o la simpática arenga anti-traidores, un poco León Benavente, de ‘Un tiro en el pie’ («No nos escribas más / Te vamos a bloquear / Vamos a hacerte un boicot, / que se sepa la verdad») contrasta con los más estéticos que profundos versos de ‘Todo tiene un precio’ («Todo tiene un precio / la cuestión es si tú quieres ponerlo») o ‘El examen’ («Has vuelto a suspender / el examen de conciencia / y eso que conocías el temario de memoria»). Todo, en general, dentro de ese «centrismo musical» al que aludían recientemente Triángulo de Amor Bizarro (como algo de lo que huir, sí). Así y todo, ‘Ventanas’ es un experimento positivo en general, que revitaliza al veterano grupo de Granada y les aporta una frescura quizá inesperada.

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘La ausente’, ‘Palabras para Julio’, ‘Una noche’, ‘El examen’, ‘Un tiro en el pie’
Te gustará si te gustan: Lori Meyers, Xoel López, Sidonie
Youtube: vídeo de ‘Palabras para Julio’

5 Seconds of Summer contraatacan y dejan a Dua Lipa sin top 1 en Reino Unido en el último minuto

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Incluso con las tiendas físicas cerradas, la batalla por el número 1 de álbumes en Reino Unido ha estado muy interesante esta semana. El nuevo disco de 5 Seconds of Summer arrollaba el pasado finde en ventas al nuevo de Dua Lipa, venciéndola por siete mil unidades de diferencia. Exactamente 19.200 copias de ellos por 12.200 de ella. Sin embargo, la cantante recortaba posiciones durante toda la semana gracias a su streaming y a una promoción de su web que incluía la venta de cassettes firmados.

5 Seconds of Summer veían cómo cada día la distancia entre ambos disminuía. De lunes a martes ellos vendían solo 600 unidades más, y Dua Lipa 4.700. La victoria parecía pan comido para ella teniendo a su favor el streaming. De hecho, según las «midweeks» del jueves, ‘Future Nostalgia‘ había vendido casi 27.000 unidades y ‘CALM’ 22.500, por lo que ya era número 1. Pero al final ha habido vuelco.

5 Seconds of Summer habían decidido contraatacar y rebajaban los precios de su disco en iTunes hasta las 3,99 libras, promocionando también a través de redes la venta del álbum y otros items a través de su web. Sus fans se han movilizado y al final el grupo australiano ha vendido 34.941 unidades, por 34.390 de Dua Lipa. Ellos han vendido 12.000 cassettes (!) y ella 3.000 vinilos (!). Dua Lipa tiene muchos más puntos de streaming, lo que obviamente le dará más aguante a la larga; pero en cuanto a la primera semana, las ventas a través de la web de 5 Seconds of Summer ha sido decisiva.


Posponer tu disco o echarle imaginación: así combate la industria el COVID-19

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Cancelar el lanzamiento de tu disco DEBIDO-AL-CORONAVIRUS o tirar para adelante. Posponerlo porque no parece lo correcto publicar un álbum de música pop con la cantidad de miles de personas que están muriendo en el mundo a diario… o de hecho hacerlo porque media humanidad está confinada y muy necesitada de cualquier forma de entretenimiento. Retrasarlo porque las tiendas físicas están cerradas y te enfrentas a vender cero o idear un plan para combatir eso.

Los estudios dicen que está subiendo el consumo de internet en casa, como es obvio, y el consumo de televisión en particular. Pero nada parece indicar, por contra, que haya subido el consumo de música en streaming: si en la semana del 26 de febrero, una canción requería 4,8 millones de reproducciones a nivel global para llegar al top 200 semanal de Spotify, en la semana del 27 de marzo, el listón bajó a 4,4 millones de reproducciones, un 8% menos. Mucha gente escucha música en el trayecto al trabajo o a clase en metro o en coche, al salir a correr o en el gimnasio y esas actividades, como tantas otras, han desaparecido de nuestras vidas. Escuchar música puede ser una actividad social o familiar, pero no tan habitual como sentarse a ver una serie o una película, y con ese escenario muchos artistas han decidido posponer sus discos inminentes, como ha sido el caso de Lady Gaga, Haim o Hinds.

Muchos artistas que pensaran sacar sus álbumes por sorpresa o de manera programada esta primavera no lo harán -sí lo ha hecho por ejemplo Childish Gambino-, pero el verdadero dilema era qué hacer con una campaña que ya estaba empezada, como eran los casos de The Weeknd, Dua Lipa, The Strokes o J Balvin. Cuando los singles principales están en el mercado, en la radio, en las playlists de moda, es una difícil decisión si seguir adelante con lo planificado o abortar misión. J Balvin no tenía problema casi porque no depende del formato físico en absoluto, todo lo bueno o lo malo que le pase depende enteramente de Youtube, Spotify y plataformas similares, pero para otros artistas encontrarse con las tiendas vacías puede ser un problema grave, pues van a perder oportunidad, en concreto la de vender decenas de miles de copias. En muchos casos, se vende un porcentaje muy alto del total esperable solo durante la primera semana, o incluso durante el primer día. Para cuando las tiendas vuelvan a abrir, se corre el riesgo de que el hype sobre tu disco se haya esfumado en un 50% o más. Por eso, Bunbury ha pospuesto su álbum sine die.

Dua Lipa no se ha visto en la peor de las disyuntivas. Su público es joven, no compra demasiado en físico, y sus streamings son muy altos. Por supuesto, la promoción de ‘Future Nostalgia‘ se ve profundamente afectada (entrevistas, televisiones, etc), hasta el extremo radical de que toda su gira se ha pasado al año que viene, pero con el álbum filtrado no tenía opción: tenía que lanzar el disco ya sí o sí. Para Lady Gaga ha debido de ser más complicado: su público es algo mayor, aún compra bastante en físico y ‘Stupid Love’, sin ser un macrohit, ha funcionado bien en los países anglosajones, siendo exactamente la canción más radiada en este momento en Reino Unido. Es un contratiempo por tanto que el disco no salga finalmente el 10 de abril. Para paliar daños, el rumoreado single junto a Ariana Grande que iba a salir el día 27 de marzo -nunca se confirmó ni una cosa ni la otra- no se ha editado, ni seguramente lo haga hasta que el grueso de la crisis pase.

Que puede ser dentro de mucho. Estados Unidos es obviamente el mercado más importante para los artistas internacionales, pero también el que parece que va a ser más sacudido por el COVID-19. Ya con más de 200.000 contagiados, lejos del pico de la curva de contagios, y con pronósticos de hasta 240.000 muertos por el coronavirus, nadie está pensando en cuándo abrirán las tiendas de música estadounidenses por razones evidentes.

Lo que no quita que algunos estén recurriendo a imaginativas técnicas para de hecho vender sus discos y tener entretenidos a los fans. Hay una campaña para seguir comprando CD’s y vinilos online, sobre todo en tiendas pequeñas, para que la industria se hunda un poco menos de lo que se va a hundir, y apoyar al pequeño comercio. Suponemos que esta campaña dejará cifras anecdóticas, pero lo que sí está funcionando con cifras más que saludables es la venta a través de las propias webs de los artistas, con pedidos especiales.

The Weeknd ha conseguido que cuele en el Billboard 200 el sistema de ventas de su web, que incluye una copia digital de ‘After Hours‘ junto a decenas de «items» entre los que se incluyen sudaderas, posters firmados, camisetas y llaveros. Por haber, hay hasta ceniceros, relojes de pared, barajas de cartas y chupa chups, todo ello con los mp3 de las canciones. Son los «bundles» tan habituales del mercado americano. Así -y sumando su monstruoso streaming- ha «vendido» 440.000 copias en una semana solo en EE UU. Es como si la pandemia no existiera. Dua, por su parte, que veía cómo 5 Seconds of Summer iban a quitarle el número 1 en Reino Unido, se ponía a firmar cassettes de colores de neón ochentero como una loca y a venderlos a través de su web. ¿Qué mejor tenía que hacer, encerrada en casa, que sentarse con una montaña de cintas y un rotulador? Ya os lo digo yo: nada. Como resultado, ha vendido miles de cassettes, hasta agotarlos, según se ha reportado en las «midweeks», y ‘Future Nostalgia’ presenta una cifra semanal apañada (34.000 unidades en las islas, top 2, eso sí), inferior a la que habría obtenido con las tiendas abiertas, pero muy digna -más, desde luego que las españolas-. No salvará al mundo, pero la función de la música también es entretener, divertir y servir de evasión para tiempos difíciles, y tanto Abel como Lipa lo han cumplido desde diversos ángulos.

Fallece a los 81 años Bill Withers, autor de ‘Ain’t No Sunshine’, ‘Lovely Day’ y ‘Lean on Me’

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The Associated Press informa hoy de la muerte, a los 81 años, de Bill Withers, debido a complicaciones cardiovasculares. Uno de los artistas de soul y R&B más queridos e influyentes, Withers firmó clásicos inmortales de este género como ‘Ain’t No Sunshine’, ‘Lovely Day’ o ‘Lean on Me’ que siguen siendo escuchados masivamente hoy en día. Precisamente ‘Lean on Me’ ha adquirido una nueva revelancia en Estados Unidos durante la pandemia al ser versionada por personal sanitario y artistas.

«Estamos devastados por la pérdida de nuestro querido marido y padre», ha expresado la familia de Withers en un comunicado. «Un hombre solitario con un corazón que buscaba conectar con el mundo, y que con su poesía y su música, habló honestamente con la gente y nos conectó los unos a los otros. Por muy privadamente que viviera su vida junto a su familia y allegados, su música pertenece al mundo».

De la mano de Sussex Records, Withers publicó su primer disco en 1971, un ‘Just As I Am’ que incluía la mencionada ‘Ain’t No Sunshine’, el mayor éxito del álbum a pesar de que originalmente fue editada en la cara B del single ‘Harlem’n. Con su segundo álbum, ‘Still Bill’, editado al año siguiente, Withers volvió a triunfar gracias al éxito de ‘Lean on Me’, ‘Who is He (and What Is He to You)’ y ‘Use Me’ y, más tarde, el artista compondría la mítica ‘Lovely Day’. Entonces, Sussex Records entraría en quiebra y Withers ficharía con Columbia Records, multinacional con la que terminaría desencantado por el control que ejercía sobre su trabajo.

Por esta razón, Withers solo seguiría publicando álbumes hasta mediados de los años 80, pero su música continuaría siendo escuchada en décadas posteriores. Esta ha sido utilizada en multitud de películas (incluso inspiró una, ‘Lean on Me’), versionada por artistas como Barbra Streisand, Michael Jackson, Aretha Franklin, Tom Jones, Linda Ronstadt, Paul McCartney o Sting y sampleada por otros como Blackstreet (‘No Diggity’)’, Black Eyed Peas (‘Bridging the Gap’) o Kendrick Lamar (la desconocida ‘I Do This’). La influencia de Withers es perceptible hoy en día en el sonido de artistas de soul contemporáneo como Michael Kiwanuka, Alicia Keys, Macy Gray, Jamie Woon o Gabriel Garzón-Montano. Os dejamos con sus tres grandes clásicos.

Aron Piper de ‘Élite’ se busca a sí mismo en los ritmos de trap de ‘Sigo’

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‘Élite’ es una de las series de Netflix del momento en todo el mundo, y aunque su tercera temporada ha decepcionado, también ha vuelto a sorprender con su selección musical, la cual ha contado con nombres como Chvrches, Mala Rodríguez o Putochinomaricón.

Pronto, Omar Ayuso nos descubrirá su música favorita en una nueva entrega de «tipo test», pero antes hay que hablar de la incursión musical de otro de los protagonistas de la serie, Aron Piper (Ander). Piper ya había hecho sus pinitos en la música, pero este es su primer single en condiciones. Se trata de una canción de trap melódico llamada ‘Sigo’, muy melancólica, para la que Aron ha contado con las colaboraciones del rapero Moonkey y del productor MYGAL, y que ya está disponible en las plataformas.

‘Sigo’ retrata la desesperación de Aron ante un amor no recíproco, en frases como «sigo llamándola, sigo buscando las maneras de tenerte, sigo muriéndome porque no sé qué hacer»; pero tampoco deja de lado el «braggadocio» propio de este estilo en líneas como «sigo matando el beat, voy a hacerme otro hit, voy a comerme tu ego, todo por la nariz, hasta ver el cielo». ‘Sigo’ no es mucho peor que muchas canciones parecidas que salen diariamente, de hecho muestra una reinvención muy convincente por parte de Aron Piper, de actor de moda a cantante de trap.

Lindsay Lohan intenta un «comeback» de la mano de ALMA en ‘Back to Me’

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Lindsay Lohan publicó dos álbumes entre 2004 y 2006, llamados ‘Speak’ y ‘A Little More Personal’, en los que se entregaba a los sonidos pop-rock del momento. La vorágine mediática a la que sucumbía su vida después de estos lanzamientos la han mantenido apartada de la música durante años, y al margen de algún tema suelto como ‘Bossy’ ya ausente de las plataformas de streaming, su producción musical ha sido casi inexistente: el mayor hit que ha protagonizado la actriz en los últimos tiempos es el famoso meme de su baile en Mykonos.

La protagonista de ‘Mean Girls’ había anunciado su regreso a la música con el lanzamiento de un single sobre la depresión llamado ‘Xanax’ que permanece inédito. Lo que presenta hoy es un tema diferente, un ‘Back to Me’ de sonido electro-pop para el que ha contado con la colaboración de la cantante y compositora finesa ALMA, conocida por éxitos como ‘Chasing Highs’.

Explica Lohan que ‘Back to Me’ habla sobre «redescubrirte y aceptarte a ti misma» y sobre «cerrarle la puerta al ruido exterior, caminar hacia adelante y dejar ir el pasado, sobre vivir en el momento». La canción no tiene pinta de ser el gran «comeback» que buscaba, pero al menos quedará como regalo para sus cientos de miles de fans.

Rock in Rio Lisboa pasa a 2021; La Casa Azul pospone sus fechas en Madrid a septiembre

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Rock in Rio Lisboa se celebraba este año en el mes de junio con un cartel en el que JENESAISPOP era medio colaborador, y que contaba con la presencia de artistas de pop y rock de primera línea como Camila Cabello, Foo Fighters, The National, Post Malone, Liam Gallagher o Anitta, además de con leyendas de los 80 como Duran Duran y a-ha y con grupos ibéricos como los portugueses Xutos & Pontapés o los españoles El Columpio Asesino.

El festival se aplaza, como es lógico, debido a la emergencia sanitaria, y explica que tras estudiar todas las opciones, y al ver inviable la celebración del festival en mayo, este tendrá lugar ahora durante dos fines de semana el próximo verano, en concreto del 19 al 20 de junio y del 26 al 27 de junio de 2021. Las entradas ya compradas seguirán siendo válidas para las nuevas fechas, dando la opción de elegir el día cuando se confirme el cartel.

Por otro lado, La Casa Azul también aplaza fechas, en concreto las que le traían a Madrid este mes de abril para seguir presentando el excelente ‘La Gran Esfera‘. Las fechas originales eran el 23 y el 24 de abril, las cuales pasan al 17 y al 18 de septiembre. Se mantiene el recinto, La Riviera.

Escucha lo nuevo de Carolina Durante, Purity Ring, Thundercat, Empress Of, M. Ward, Yves Tumor…

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Por más que parezca que todo está paralizado, también en la música, nada más lejos de la realidad: pese a que haya artistas que demoren los lanzamientos de sus nuevos álbumes (Rufus Wainwright o Chucho entre los últimos), hay otros que persisten en sus planes y publican los discos anunciados que recogemos en nuestra playlist de novedades Ready for the Weekend. Por ejemplo hoy llegan los nuevos trabajos de Purity Ring, Thundercat, M. Ward, Empress Of, Yaeji, TOPS, Anna Burch, Mystery Jets, Steve Aoki, Diana Gordon (primer trabajo de la artista R&B que comenzó su carrera escribiendo para Beyoncé), Everything Is Recorded (proyecto de Richard Russell, capo de XL Recordings), Kiana Ledé, los barceloneses Thee Operators (pasándose al castellano en su nuevo disco de power pop), Virgen María (transgresor proyecto musical de María Forqué, que vuelve con colaboraciones de Tomasa del Real o MC Buzzz), Black Atlass y Miriam Rodríguez (segundo largo de la finalista de OT 2017). Además, también se editan hoy EPs de Love Generator (nuevo proyecto de Calvin Harris), Kakkmaddafakka, Headie One (la promesa del grime se acompaña de nada menos que FKA twigs o Jamie xx), Bambikina, Spector, Mediapunta y la promesa pop británica Zuzu.

Junto a esa larga lista de discos, también podemos disfrutar de numerosos nuevos singles interesantes, como los que nos han venido presentando en las últimas horas/días Carolina Durante, Frank Ocean, Drake, Guitarricadelafuente, Rels B & Nathy Peluso, The Magnetic Fields, Karol G & Anuel AA, Diamante Negro, Orville Peck o María Escarmiento. Los regresos de Nueva Vulcano y Renaldo & Clara (muy sorprendente su nueva perspectiva sonora) en el plano estatal se contraponen a los de Lindsay Lohan (!), Troye Sivan o Future en el internacional, mientras que The 1975, Hayley Williams, Rolling Blackout Coastal Fevers, Belako, The New Raemon, Jess Williamson, Damien Jurado, Rina Sawayama, EOB (Ed O’Brien de Radiohead), Gepe, Kllo, Técnicas y Procedimientos (feat. Tulsa), Boy Azooga, Lido Pimienta, Mi Capitán, Eve Owen (protegida de Aaron Dessner de The National), Martin Frawley (ex-Twerps), No Age, Malena Zavala o Iceage siguen desgranando (o comienzan a hacerlo) sus próximos trabajos. Con ellos, encontramos novedades de Biig Piig, Recycled J, Madison Beer, Apartamentos Acapulco, Cosmen (bajo ese nombre debuta en solitario Javier Egea de Cosmen Adelaida), Os Peregrinos, DaBaby, Kygo & Sasha Sloan, Mr. Oizo & Roméo Elvis, BIA, ARON (inesperado debut musical del actor de ‘Élite’ Arón Piper), Leiva, Bejo, Bazzi o los prometedores Vlossom y Clara Mae.

Esta semana, además, The Weeknd ampliaba la edición deluxe de ‘After Hours’ con tres inéditos y Monterrosa sorprendían actualizando el hit que planta cara al COVID-19, ‘Resistiré’ de Dúo Dinámico. Como ellos, también han lanzado versiones de temas ajenos The Levitants (por Britney Spears) o Amber Mark (por Nirvana), mientras que otros, como Mavis Staples & Jeff Tweedy (Wilco) o José Ignacio Martorell (FKA Jonston, en este caso dentro del proyecto solidario Music For Gloves) han matado la tusa del confinamiento con composiciones nuevas. También hay quienes rehacen temas de sus respectivos últimos discos, como Sharon Van Etten (con Norah Jones) o Local Natives (con Jonathan Wilson), o quienes, como Alessia Cara, presta un inédito a una BSO. Chromatics, por su parte, lanzan una especie de apéndice a ‘Closer to Grey’, con nuevas versiones de algunos de sus temas aderezado con nuevos temas. En la parte más emotiva, Psychic Ills despide a su fallecido guitarrista Tres Warren con un single que incluye versiones inéditas de Beach Boys y Charles Manson.

Escucha la playlist «Ready for the Weekend»

No te pierdas la excursión rural por la muerte de Rodrigo Cuevas en el vídeo de ‘Muerte en Motilleja’

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Rodrigo Cuevas sigue presentando ‘Manual de cortejo‘, su gran trabajo hecho mano a mano con Raül Fernández «Refree» en el que actualiza el cancionero asturiano y sobre el que teníamos oportunidad de hablar hace unas semanas con su autor. El artista presenta hoy su anunciado videoclip para ‘Muerte en Motilleja’, que está dirigido en blanco y negro por su colaborador habitual Ricardo Villoria y ha sido rodado en la localidad madrileña de Chinchón como informa El Comercio.

El vídeo de ‘Muerte en Motilleja’ presenta a Rodrigo Cuevas en una serie de escenarios rurales tales como el interior de una casa de campo (tanto en su salón como en una de sus habitaciones o a la entrada, ante la que Rodrigo baila una jota matando la cámara con la mirada) o dentro de la histórica bodega de Chinchón, y es una sucesión de fotogramas memorable unos después de otro en la que el vino resulta tener un protagonismo fundamental.

La canción, adaptada de una composición antigua, habla por supuesto sobre la muerte y el legado que dejamos una vez hemos desaparecido. «Cuando la muerte acecha, cuando se puede sentir el frío aliento del fín en la nuca; el ser humano es capaz de llegar analizar lo esencial, desechar lo banal, encontrar la pureza, despreciar el odio y abrazar las cosas de nuevo, como si uno volviese a nacer», explica Cuevas en el texto promocional. «En el mundo antiguo, el de nuestros abuelos, y en el de los abuelos de éstos; la muerte era algo presente, de lo que se hablaba claramente, cara a cara. Porque es verdad, porque es necesaria y porque es tremenda, y sabían que la única forma de que la muerte no fuese olvido era hablando, contando». El artista concluye: «Contémonos lo que nos asusta, lo que nos queremos, juntémonos y contémonos cosas, porque ni las cosas ni las personas se acaban con su muerte: nada más se acaba lo que no se cuenta».

Guitarricadelafuente lleva su sonido más allá con la ayuda de Refree en ‘Desde las alturas’

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Guitarricadelafuente, conocido por canciones de pop acústico bastante intensas como ‘Guantanamera’, ‘ABC’ o ‘Agua y mezcal’ a pesar de que el propio músico nos ha contado que «ser intenso es algo que quiere evitar», vuelve con la primera muestra de su trabajo hecho en colaboración con Raül Fernández «Refree», uno de los hombres del momento después de haber trabajado de manera clave en proyectos más o menos recientes de Rosalía, Sílvia Pérez Cruz, Rodrigo Cuevas, Niño de Elche o Amaia.

El primer single del disco que Guitarricadelafuente prepara para este año y que el cantante valenciano ha empezado a producir junto a Refree es ‘Desde las alturas’. El tema, que ya había sido estrenado en directo, presenta el sonido aflamencado que asociamos de un tiempo a esta parte al autor de ‘Nones’ y que ya asociábamos al co-autor de ‘nana triste’ de Natalia Lacunza, en este caso gracias a la presencia protagonista de una guitarra española que se cruza con el sonido de un órgano y con el de un atmosférico teclado. Todo esto da lugar a una de las producciones más interesantes y maduras presentadas jamás por Álvaro Lafuente.

Acorde al componente clásico y folclórico de ‘Desde las alturas’, la letra de la canción aúna lo religioso con lo bucólico y lo sensual. Así, versos como «cuál es tu pena, el tiempo lo cura, tengo la piel de la aceituna» se suceden con otros dirigidos a una «santa» que vela al intérprete desde el cielo, a la que este clama: «dame más de tu parsimonia al caminar, dame más de los secretos de tu boca que no se pueden pronunciar». El videoclip de ‘Desde las alturas’, dirigido por Pedro Artola, refuerza el elemento bucólico de la canción acompañándolo con imágenes nostálgicas de la niñez que funcionan al modo de los recuerdos.

Frank Ocean canta en español en ‘Cayendo’ y recuerda un amor fugaz en ‘Dear April’

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Frank Ocean ha publicado sus dos temas nuevos a las plataformas de streaming. Algunos fans ya habían podido escuchar las versiones originales de ‘Cayendo’ y ‘Dear April’ en exclusiva, al recibir los vinilos que habían pedido a través de la tienda web del artista, pero las canciones ya están disponibles para que todo el mundo las escuche.

Se trata de dos melancólicas baladas en las que mandan la presencia de la voz de Frank Ocean y el sonido de una guitarra eléctrica, pero en las que también encontramos sutiles arreglos electrónicos. ‘Cayendo’ es una bonita canción de amor interpretada mayormente en español, lo cual ha sido inédito en la carrera de Frank hasta la fecha. Poéticamente, Frank canta: «Lo que él quiere de ti yo no se lo negaría / Si esto no me ha partío’, ya no me partiré nunca / Si puedo soportar lo que siento, ¿por qué me ‘toy cayendo?»

Por otro lado, ‘Dear April’ sí está cantada totalmente en inglés y retrata con nostalgia la relación fugaz entr dos amantes. «Querido abril, estábamos seguros durante un tiempo, estábamos seguros mientras pasaban los años, si pudiéras llevar a dos extraños hacia cierto tiempo y lugar, como llevaste a estos dos extraños y nos hicistes nuevos», canta Frank en esta composición marcada también por el sonido de un teclado ambiental. Previamente, ‘Cayendo’ y ‘Dear April’ habían sido remezcladas por Justice y Sango. Suceden al lanzamiento ‘In My Room‘ de hace unos meses.

Drake baila el ‘Toosie Slide’… y también «como Michael Jackson» en su nuevo vídeo

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Drake ha publicado nuevo single, ‘Toosie Slide’. El tema, que rima «satisfaction» con «Michael Jackson» cuando la imagen del autor de ‘Thriller’ no puede estar más cuestionada a día de hoy y Janet estaba literalmente ahí, lleva filtrado varios días y se ha viralizado en TikTok, por lo que el canadiense ha decidido precipitar su lanzamiento. Lo cual es curioso porque el estribillo «desliza tu pie izquierdo, desliza tu pie derecho» no puede sonar más pensado para arrasar en la mencionada red social. ¡Qué suerte tienes, Drake!

El autor de ‘Scorpion‘ sabe perfectamente lo que es que una canción suya se viralice a lo grande: su single ‘In My Feelings’ fue uno de los mayores fenómenos de 2018 tras inspirar un «dancing challenge» en internet y terminó liderando la lista del Billboard Hot 100 durante 10 semanas. De momento, lo que recibe ‘Toosie Slide’ además de un viral en TikTok es un vídeo dirigido por Theo Skudra y rodado en la mansión del músico.

En las últimas semanas, Drake ya había sido noticia gracias a varias novedades musicales. En primer lugar escuchábamos ‘When to Say When’ y ‘Chicago Freestyle’ pocos meses después de que el canadiense editara el single ‘War’ en el que parecía lanzar pullas a The Weeknd; y en segundo, el autor de ‘Scorpion’ aparecía por sorpresa en una versión nueva de ‘Oprah’s Bank Account’ de Lil Yachty, actualmente una de las canciones más virales del mundo en Spotify.

Recientemente, el autor de ‘Hotline Bling’ ha copado titulares también por mostrarse por primera vez en las redes junto a su hijo, Adonis.

Purity Ring / WOMB

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Abanderados de un tipo de producción sintética y oscura que ha influido a superestrellas como Lorde, Purity Ring estuvieron a punto de dar un salto a la primera línea del pop cuando aparecieron en los créditos de tres canciones de ‘Witness’ de Katy Perry. Pero ni esas canciones fueron extraídas como sencillos, ni ese disco funcionó nada bien, ni el dúo quedó conforme con la experiencia. Su problema no es con la cantante, sino con la industria en general y los campos de composición en particular. Dice ahora la líder del dúo Megan James en una entrevista: «Es duro porque siento que tengo que ser amable con la música pop, pero hay muchas cosas de Los Ángeles que he descubierto que no me gustan nada».

Por tanto, no parece que vayan a volver a repetir la experiencia en absoluto: «Preferimos dedicar nuestro tiempo a escribir nuestras propias canciones porque es la razón por la que hacemos música. Me parece que no deberíamos dar eso por hecho. Cuanta más gente metes en una habitación o en una canción, menos tuya es. Me di cuenta enseguida. Cuanta más gente, más duro es pelear por tu parte. Y casi siempre con hombres». No hay en el tercer álbum de Purity Ring por tanto concesión alguna a la industria, ni tampoco a su opuesto -por ejemplo, un disco más oscuro con el que huir abiertamente de ella-. ‘WOMB’ es un álbum con el que simplemente han querido reafirmarse a sí mismos. Volver a hacer lo que más les gusta.

El grupo formado por la vocalista Megan James y el multiinstrumentista Corin Roddick hizo olvidar aquella cosa llamada witch-house con un buen debut llamado ‘Shrines‘ (2012) y se consolidó con un buen segundo disco un poco más orientado al pop llamado ‘Another Eternity‘ (2015). ‘WOMB’ no mueve ficha en ninguna dirección aunque a veces lo parezca. El muy buen single ‘stardew’ incorpora, además de un piano y el sonido de una caja de música, unos sintetizadores un tanto trance que lo acercan a lo que un día fue el sonido de Radio 1 (pienso en Faithless, mucho después Niki & The Dove o el momento más oscuro de Ellie Goulding, el cual juro que existió).

Sin embargo, ‘WOMB’ deja esta pista para el final y es un glorioso cierre, eso es cierto, pero el desarrollo del disco echa de menos precisamente eso, un desarrollo hacia algún lado, especialmente en una segunda mitad en la que el acercamiento a la new-age con gaitas de ‘vehemence’ es vago, la melodía de ‘silkspun’ es algo aparatosa y ‘almanac’ parece un tema de transición. Por suerte, la primera mitad sí contiene producciones más centradas y que van a contentar a quienes echasen en falta el sonido de Purity Ring: el reptante inicio con ‘rubyinsides’, las voces distorsionadas que abren ‘pink lightning’ y el estribillo luminoso de ‘peacefall’ estarán en las correspondientes playlists con lo mejor de su trayectoria.

Líricamente, persiste el imaginario de Megan James que nos habla de «tormentas que no mueren» y por las que no podemos «parar de llorar» (‘pink lightning’), muerte y vejez (‘rubyinsides’), contrastes entre «noche» y «luz» (‘peacefall’, ‘sinew’), «montañas que se abren» (‘vehemence’), el «fondo del océano» (‘silkspun’) y el «universo que nos traga» (‘almanac’). Entre todas, destaca la función de ‘femia’, que con más referencias naturales Megan ha dedicado a una tía suya que ha fallecido y en la que habla de heteropatriarcado, pues según sus propias palabras gran parte de las metáforas del álbum van encaminadas a expresar cómo «la mujer y las personas de género no binario han de luchar por su parcela de poder». Purity Ring, cuando menos, logran asentar frente a las modas una voz propia.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘stardew’, ‘peacefall’, ‘rubyinsides’, ‘i like the devil’
Te gustará si te gusta: un cruce entre Crystal Castles y Chvrches, Niki and the Dove, los anteriores
Youtube: vídeo de ‘stardew’

Nathy Peluso y Rels B, juntos en la superproducción de ‘No se perdona’

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Los duetos mixtos en el pop triunfan. Que se lo digan a Rihanna y Drake, o a Karol G y Anuel AA, o a Shakira y Maluma, o a C. Tangana y Rosalía, o a Lola Indigo y Don Patricio. El último dúo hombre-mujer en probar suerte en nuestro país lleva los nombres de Nathy Peluso y Rels B. Su propuesta es ‘No se perdona’.

La colaboración entre Nathy Peluso y Rels B tiene todo el sentido del mundo: ambos son dos de los nombres más pujantes del «hip-hap» (como lo llama ella) nacional/hispana. Ya más que pujantes, podría decirse: la autora de ‘La Sandunguera’ se encuentra en estado de gracia total después de haber presentado su último single ‘Business Woman’ primero con un videoclip delirante dirigido por los internacionales Bradley & Pablo, que han trabajado con Cardi B, Lil Nas X o Pussycat Dolls; y después con una actuación espectacular en Operación Triunfo, programa en el que ha sido versionada. Y de Rels B no hace falta recordar que es desde hace rato uno de los reyes absolutos del streaming en nuestro país.

¿Y qué proponen Nathy y Skinny Flakk en ‘No se perdona’? La canción es una producción de dancehall melancólico con base firmada, entre otros, por Alizzz e Itchy & Buco Sounds, mientras el vídeo es una superproducción dirigida por Miguel Angulo y producida por Agosto que alterna ambientes oscuros y urbanos con otros más bien medievales aunque parezca mentira. Las uñas de Nathy merecerían un «featuring» aparte, pero eso ya lo esperábamos.

OneRepublic terminan su nuevo disco tras quedar aislados en un estudio a causa del coronavirus

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La pandemia generada por la propagación mundial del COVID-19 está dejando cifras dramáticas de contagios y fallecimientos, principalmente, además de un panorama económico totalmente incierto y preocupante que habrá que analizar a medida que el coronavirus vaya remitiendo. En el mundo de las artes, está dejando pérdidas personales muy dolorosas, pero también muestras de solidaridad y ánimo. Y también alguna curiosidad como la que hoy contamos, que tiene un poco de lo último además: en las últimas semanas el exitoso grupo OneRepublic, comandado por el reputado compositor y productor Ryan Tedder (Adele, Beyoncé, Taylor Swift), se ha visto obligado a quedarse encerrados en un estudio de grabación tras saber que un miembro del equipo había estado en contacto con una persona infectada.

“Estábamos en la última semana antes de la entrega de nuestro quinto álbum de estudio cuando la OMS declaró la pandemia”, explica Tedder. “Algunos de nosotros, sin saberlo, estuvimos en contacto en Londres con alguien contagiado y nos vimos obligados a permanecer en cuarentena en mi estudio de L.A. durante dos semanas. Solo nos quedaban dos temas para terminar, uno de ellos acabó siendo ‘Better Days’”, añade, que como no podía ser de otra forma habla de “experiencias personales y eventos que nos han ocurrido”. “Eso es lo que sucede cuando escribes una canción durante una crisis”. Dado ese trasfondo, OneRepublic han decidido donar parte de los beneficios de esta canción, estrenada hace unos días, al fondo dedicado a los damnificados por el COVID-19 que ha creado la fundación MusiCares®, para ayudar a la comunidad musical afectada por la pandemia. Además, han invitado a sus fans a grabarse con una app de video para generar el clip oficial de la canción en base a esas imágenes.

Esas dos canciones terminadas en esa situación forman parte de ‘Human’, el nuevo disco del grupo cuya publicación se prevé para el día 8 de mayo y que lucirá el llamativo portadón sobre estas líneas. Además de ‘Better Days’ y ‘Didn’t I’ –tema que lanzaron justo cuando el estado de alarma llegaba a España–, ‘Human’ incluirá los singles presentados en los últimos meses de 2019, ‘Wanted‘, ‘Somebody To Love‘ y ‘Rescue Me‘. La expansión del COVID-19, precisamente, obligó al sexteto a cancelar repentinamente su gira europea, pero ya planean volver para presentar ese quinto disco de estudio. De hecho, ya se ha confirmado una actuación el próximo día 2 de noviembre en el Palacio Vista Alegre de Madrid.

Karol G y Anuel AA planean la dominación mundial sin moverse de casa con ‘Follow’

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¿Aburridos de estar todo el puto día en casa? Como ella, ella, ella y todas. Pero hay una diferencia: mientras unos intentamos no quedarnos incrustados al sofá o vegetar más de lo mentalmente saludable, otros se proponen dominar el mundo. Sí, sí, sin moverse de su casa. Hablo de la pareja sentimental y artística que forman Karol G y Anuel AA, que se acaban de sacar de la manga un single que, o mucho nos equivocamos, o estaremos escuchando hasta en la sopa (es decir, el balcón de casa cuando salgas a aplaudir cada tarde) en las próximas semanas.

Se trata de ‘Follow’, un single conjunto en el que han puesto los mimbres para que sea un nuevo éxito comercial. Para empezar, supone un nuevo tema de la colombiana y el puertorriqueño tras dos precedentes de monster-hit como ‘Secreto‘ y ‘China‘ –en este caso, con aun más invitados a su pary–. Y para seguir, lo perpetran con una base de Ovy On The Drums, artífice de la base del éxito de Karol este año, una ‘Tusa‘ junto a Nicki Minaj que aún colea. La relación de originalidad y gancho es inversamente proporcional en ‘Follow’: no es nada que no hayamos escuchado ya en el último par de años –en todo caso, se agradece el ocasional guiño dancehall–, pero su estribillo es irresistible.

Mención aparte para una letra que, ahondando en un flirteo en Instagram, rima con poco tino «caro» con «descaro» y «Calle 13» con «se humedece». En su plan de dominación mundial, sin embargo, el dúo no ha podido esta vez irse a un club lleno de bailarinas o apoyarse en coches de lujo en escenarios futuristas para su videoclip. Ante la crisis sanitaria, se han tenido que conformar con filmarse mutuamente en su domicilio, metidos en la bañera o mirando por la terraza. Claro que no estamos hablando precisamente de un apartamentillo modesto: si se enfurruñan, tienen sitio de sobra para no tener que mirarse a la cara durante un rato, al contrario que la mayoría de los mortales.

Carolina Durante: «La colaboración la queríamos hacer con Jota de Los Planetas sí o sí»

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En pocas horas Carolina Durante publican un nuevo single. Es ‘La canción que creo que no te mereces‘, la tercera canción nueva que la banda madrileña publica desde que el año pasado editara su primero esperado y luego exitoso álbum debut ‘Carolina Durante‘, y esta vez nos sorprenden de veras. No tanto por la presencia en ella de Jota de Los Planetas, que en realidad se limita a hacer interesantes contrapuntos y armonías vocales bajo la voz más llevada al límite de Diego Ibáñez, sino porque se trata de algo similar a una balada. Una balada vengativa en la que Ibáñez ajusta cuentas con una ya ex y un tercer implicado, y cierto aire de «nana galáctica» que, efectivamente, conecta con el universo planetero. Pese a ese insólito enfoque musical en ellos –no inédito, pero sí menos frecuente que su lado impetuoso–, ‘La canción…’ vuelve a estar presidida por un derroche de energía y, sobre todo, un gancho (“¡No estoy aquí pa’ sufrir!”) que no cabe duda será coreada a voz en cuello en sus próximos conciertos… sean cuando sean.

Hace unas horas hemos tenido la oportunidad de charlar precisamente con Diego sobre este lanzamiento, nuestra Canción del Día de este viernes 3 de marzo, que forma parte de un single o EP que verá la luz próximamente, grabado con suerte apenas unos días antes del estado de alarma en el estudio de Paco Loco en El Puerto de Santa María. Sobre esa grabación, la colaboración con Jota, sus planes y las cancelaciones de conciertos y festivales próximos a causa del COVID-19, hablamos con él por vía telefónica.

He podido escuchar la canción y, bueno, os felicito, está muy guay.
¿Sí? ¿Te gusta?

Sorprende, porque no esperaba un medio tiempo, pero al final engancha, la verdad.
Joder, me alegro, gracias. Sí, cuando yo se la pasaba a amigos cuyo gusto aprecio, me decían eso, que no esperaban en absoluto esto, una canción que es una especie de balada. Muy planetera, pero balada.

¿Cómo nace esta canción?
Es una letra que tenía escrita hace tiempo. La hicimos entre Mario y yo. No recuerdo si tenía también la melodía y él la línea de guitarra, ese punteo del principio. Fui un día a su casa y salió fácil. Va junto a otras dos que grabamos hace unas semanas, justo antes de que ocurriese todo esto. Tuvimos la ocurrencia de ir a grabarlas a Cádiz, al estudio de Paco Loco. Y hemos tenido suerte de hacerlo entonces, porque si lo hubiéramos planeado para estas semanas, imagínate… La única putada ha sido el videoclip, que hemos tenido que cambiar el plan y contar con una ilustradora y un animador para hacerlo. Pero como es algo que no habíamos hecho nunca, ha sido curioso.

Lo ha hecho la ilustradora Silvia Bezos, ¿no? Es muy guay…
Sí, y mogollón de peña involucrada, que ya diremos cuando se lance, hay que darles las gracias.

«Al principio la hicimos en un ritmo 4×4 y decidimos pasarla a un compás de 6×8. Y al hacerlo ya fue como… «esto es superPlanetas»»

¿Enseguida le visteis el punto planetero, como dices?
Sí, sí, a tope. Hemos escuchado mucho a Los Planetas… Bueno, no todo el grupo, pero yo soy muy muy muy fan, y Mario es muy fan. No sé si él más que yo (Risas). Pero enseguida dijimos «es muy Los Planetas». De hecho, al principio la hicimos en un ritmo 4×4, y a sugerencia de Luis (del sello Sonido Muchacho) por cómo era la canción, decidimos pasarla a un compás de 6×8. Y al hacerlo ya fue como… «esto es superPlanetas». Sobre todo recuerda a los últimos, cuando empezaron a adaptar palos flamencos.

¿Y cómo surge la opción de contar con Jota? ¿Le conocíais ya?
Sí, sí. Le conocí hace un par de años, creo que fue en un Primavera Sound y me lo presentó Luis. Nosotros habíamos empezado hacía nada, creo que fue nuestra primera temporada tocando, y que me dijera «me gusta tu música» fue como… ¡Dios! ¡Increíble! Que alguien a quien has escuchado tanto, porque yo empecé a hacerlo con 16 años y marcó una etapa en mi vida muy fuerte, te diga algo así… No vimos claro que quisiera, porque salvo con La Bien Querida, no hace muchas cosas así. Aparte no sé si se entiende que recurramos a Jota. Gente a la que se lo habíamos comentado nos dijo «¿¿Con Jota?? ¿¿Y por qué con Jota??» Se les hace raro ver una colaboración de un grupo joven con peña mayor. (Ríe)

«A algunos se les hace raro ver una colaboración de un grupo joven con peña mayor»

El puntillo de Los Planetas también está en la letra, ¿no? Es como la típica canción vengativa que tanto ha trabajado Jota…
No sé si lo veo tanto en la letra. Desde luego es recurrente en Los Planetas, pero también en nosotros. Evidentemente, ellos llevan tropecientosmil años más. Pero bueno, la colaboración la queríamos hacer (con él) sí o sí. Si lo primero que se nos vino a la cabeza fue que era muy Planetas, que además son una referencia para nosotros, a él le gustábamos y queríamos incluir una colaboración en estas canciones… Nos dijimos «tenemos que tocarle». Lo que no teníamos nada claro era que iba a decir que sí.

¿Y dijo que sí muy rápido?
Sí, sí, sí. Le llamé, me dijo enseguida que le pasara la canción, le flipó… Y nada. Lo único, hay amigos que me dicen que en la canción podría destacar más Jota. ¿Tú qué piensas?

Bueno, claro, porque hace coros en lugar de tomar un papel protagonista, ¿no?
Sí, total.

Pero creo que tiene gracia como contrapunto, porque vuestras voces son muy diferentes y mola cómo empastan. Diría que en la mezcla él suena un poco bajo, pero tampoco quiero decirlo muy alto porque la he escuchado con un mp3, en unos auriculares normalillos…
(Ríe) Sí, es algo que hemos pensado mucho cómo hacer. Porque nosotros grabamos la canción y luego surgió lo de Jota. Fue justo cuando llegó el estado de alarma y tal. Y claro, él me preguntó qué quería y le dije que hiciera lo que quisiera y ya veríamos. La verdad es que yo había pensado que él cantaría un verso y yo otro. Y claro, él nos pasó esto y me dio como rabia. No rabia… Bueno sí, rabia. (Risas) De repente tienes a Jota en una canción y me hace armonías. Que me parecen muy guay, porque son increíbles, pero pienso «¿por qué no te has hecho una parte?» (Risas) ¡Me Jode! Él me decía que la veía demasiado personal, y que perdería gracia. Y la verdad es que yo tampoco tenía claro si eso sería raro.

«De repente tienes a Jota en una canción y me hace armonías. Que me parecen muy guay, porque son increíbles, pero pienso «¿por qué no te has hecho una parte?»»

Yo lo veo guay, tú cantas alto y él grave. Lo único, que él suena bajo.
Sí, él suena bajo. Y encima mi voz es más chillona.

Me llaman la atención los teclados, que no sé si lo pedía el rollo Planetas también. ¿Fueron cosa de Paco (Loco)?
¡No son teclados!

¿Ah, no?
No, no. Son las guitarras de Mario, solo que le quitaron todo el ataque, y cuando toca no suenan las cuerdas, sino como una onda. Es algo que también probamos en ‘Nuevos vicios’, la cara B de ‘No tan jóvenes‘. Es ese mismo rollo de guitarras.

Supongo que eso facilitará entonces las cosas en los directos, no os tenéis que meter con sintes y demás.
Sí, total, total.

«Soy una persona que me aburro fácilmente de mí mismo»

Al principio de la canción cantas «Tratando de escribir algo que no sea una mierda, cada vez cuesta más distinguir…» ¿Después del exitazo de ‘Carolina Durante’ habéis llegado a sentir el típico bloqueo del escritor?
A mí personalmente… No es tanto la presión como que soy más exigente. Cuando me puse a escribir canciones para el grupo hace dos años y pico, cualquier cosa que escribía, me gustaba. O no cualquier cosa, pero había más facilidad de que me gustaran. Claro, iba sobre un folio en blanco, no había escrito nunca, era todo nuevo para mí. Y ahora… (Ríe) Que manda cojones, sólo hemos hecho 20 canciones, pero ahora hay cosas que ya he dicho. Y para colmo yo soy una persona que me aburro fácilmente de mí mismo. Creo que también es algo que tiene que ver con la época que vivimos, que nos cansamos antes de todo. Igual hace 20 o 30 años no me pasaría. Pienso en ‘Psychocandy’ de los Jesus (and Mary Chain). Joder, es un disco increíble, pero muchas canciones se parecen entre sí y vienen a decir lo mismo. Y es una maravilla. Pero yo no me veo capaz de hacer eso. Es algo que juega totalmente en mi contra, claro. (Risas)

Bueno, al final tu persona influye en tu arte, digo yo.
Absolutamente. Luego digo esto, pensaré que hago cosas diferentes entre sí… y todo será lo mismo, también te lo digo. (Risas)

¿Estas canciones que habéis grabado con Paco Loco son entonces parte de un segundo disco o es otra cosa?
No… Bueno, a ver cómo lo hacemos, porque con esto (del coronavirus)… No tenemos mucha idea de cómo se va a poder hacer. Grabamos tres canciones, esta es la primera y no tengo idea de cuándo se podrán sacar, pero la idea es que sea un EP.

«Si me pongo a escribir, me sale escribir sobre la atmósfera que (el confinamiento) genera. Y paso de escribir canciones así»

¿Antes del disco?
Sí. Como hicimos antes de sacar el disco (se refiere a su debut), que sacamos dos EPs. Sería la misma pauta: hemos sacado ‘No tan jóvenes’, que sería algo así como ‘Necromántico‘ en su día, y sacaremos este segundo que sería lo correspondiente a… ¡No me acuerdo ni cómo se llamaba el EP! ¡El de ‘Cayetano‘!

¿Pero esto es casual o lo habéis planificado así?
Sí, lo teníamos pensado. La cosa es que ocurre si vamos teniendo canciones. Somos más o menos constantes a la hora de ir componiendo, pero tampoco nos metemos la prisa. De momento nos podemos permitir ser fieles a esos pasos de lanzamiento que tenemos en nuestra cabeza. Si por ejemplo vemos que para el segundo disco nos atascamos y tardamos un poco más… pues tardamos un poco más. Vamos pensando en lo que viene siguiente, a corto-medio plazo.

Entiendo que todo este tema del estado de alarma y el confinamiento, habrá trastocado un poco esos planes.
Bueno, sí. El otro día hice un directo en Instagram y la gente me decía que, con esto del confinamiento, estaríamos componiendo a cascoporro y, joder, tampoco estamos escribiendo mucho. Al no ocurrirte cosas… Y si me pongo a escribir, me sale escribir, no sobre esto directamente, pero sí sobre la atmósfera que genera. Y paso de escribir canciones así. ¡Aparte que está escribiendo sobre esto todo el mundo! Que si lo pienso, sobre amor y desamor todo está escrito, y es lo que sigo haciendo, o sea que… (Risas)

Igual se crea un subgénero, «canciones sobre confinamiento».
Claro, «canciones sobre coronavirus». (Risas)

«No soy optimista, evidentemente va a haber un montón de festivales que chapen»

Con esto se os ha fastidiado el final de la gira invernal, además.
Ha hecho bastante daño. Y bueno, festivales… Da mucha rabia, porque era el año que teníamos una posición de puta madre en carteles. En algunos medianos-pequeños éramos incluso cabezas de cartel. Teníamos el buen escenario, los buenos horarios, evidentemente el tema de la pasta, que para nosotros es una sablada de cojones… Da mucha rabia. Y no soy optimista, evidentemente va a haber un montón de festis que chapen. Para empezar, porque no se van a poder aplazar todos los festivales. Septiembre y octubre no dan para tanto. Y dentro de eso, te puede caer una lluvia del copón.

Después de todo, igual sí que os va a dar tiempo a trabajar más en el disco.
Eso sí.

Igual llegáis al 28 de diciembre al WiZink Center y nos dais una sorpresa.
Tocamos todo el segundo disco entero aunque no haya salido. (Risas)

Lo mejor del mes:

La cantante de new wave de los 80 Cristina muere a los 61 años por el coronavirus

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La cantante estadounidense de new wave Cristina, que publicó varios singles y álbumes durante los años 80, ha fallecido a los 61 años debido al COVID-19. Ha desvelado la noticia Michael Esteban, co-fundador del sello ZE Records (Suicide, John Cale, Lio), en Facebook.

La carrera musical de Cristina fue breve. Hija de un psicoanalista francés y de una escritora e ilustradora, la cantante publicó su primer single, el pastiche ‘Disco Clone’, en ZE Records poco después de abandonar sus estudios en Harvard, y el éxito de culto logrado por la canción, producida por John Cale de Velvet Underground, resultó en la grabación de su álbum debut, ‘Doll in the Box’, publicado en 1980. En esta época además lanzó versiones de ‘Is That All There Is?’ de Peggy Lee y ‘Drive My Car’ de los Beatles. En 1984 publicó su segundo largo, ‘Sleep it Off’, el cual contiene su canción más escuchada en las plataformas de streaming, ‘Things Fall Apart’, editada unos años antes. La portada de ‘Sleep it Off’ fue obra de Jean-Paul Goude, que el año siguiente se encargaría de la cubierta de ‘Slave to the Rhythm’ de Grace Jones, estéticamente muy similar. El fracaso de este disco motivó a Cristina a retirarse de la música.

La música de Cristina se caracterizaba por su sonido de synth-pop sofisticado y por sus letras satíricas e inteligentes, y de hecho se habla de ella dentro de los términos de la no wave, un movimiento vanguardista surgido de la new wave que reaccionaba contra la comercialidad de este género. Os dejamos con tres de las canciones más importantes de su repertorio.


Fiona Apple saca en dos semanas su nuevo disco, ‘Fetch the Bolt Cutters’

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Fiona Apple había confirmado que su nuevo disco llegaría en 2020, y ahora sabemos que lo hará exactamente en dos semanas, el 17 de abril. La artista hablaba en detalle sobre el sucesor de ‘The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do‘ en una entrevista con The New Yorker en la que revelaba información muy interesante.

En primer lugar está el título del álbum, que no será un mini-poema como el del anterior, sino una frase más corta: ‘Fetch the Bolt Cutters’ («consigue las tenazas») es una referencia a la serie ‘The Fall’ protagonizada por Gillian Anderson, y en concreto a una escena en la que un investigador de delitos sexuales se encuentra con que la puerta que da acceso a una habitación donde una mujer ha sido torturada está cerrada. Dentro de esta temática, Apple explica que el álbum va sobre «no tener miedo a hablar» y que incluso ha considerado que un esbozo de Harvey Weinstein caminando con su andador sea la portada del álbum.

En cuanto al contenido musical de ‘Fetch the Bolt Cutters’, Apple detalla que contará con un sonido «crudo» y su instrumentación con un peso especial de las percusiones, los cánticos y las campanas. Además revela que contará con 13 canciones en total, de las cuales revela los títulos de la mayoría: ‘Newspaper’, ‘On I Go’, ‘The Drumset is Gone’, ‘Rack of His’, ‘Kick Me Under the Table’, ‘Ladies’, ‘For Her’, ‘Fetch the Bolt Cutters’, ‘Shameka’, ‘Heavy Balloon’ y ‘I Want You to Love Me’.

Apple, que ha compuesto, grabado y producido el álbum sola en su casa, no da fecha de lanzamiento de ‘Fetch the Bolt Cutters’, pero sí cita frases de algunas de estas canciones. Por ejemplo, ‘For Her’ incluye una referencia a ‘Running Up that Hill (A Deal with God)’ de Kate Bush. Entre las curiosidades que deja la charla, la artista revela que su canción menos favorita de todas las que ha compuesto es ‘Please Please Please’, de su álbum de 2005 ‘Extraordinary Machine’.

Pedro Almodóvar «ajusta cuentas» con Madonna por su cena en Madrid: «nos trató como pardillos»

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Pedro Almodóvar vuelve a firmar un artículo para ElDiario.es en el que recuerda diversos episodios de su vida mientras pasa la cuarentena. En el primero, el director recordaba su visita a su amiga Chavela Vargas en México poco antes de que esta falleciera, y en el nuevo comparte unas interesantes palabras, además de sobre Warren Beatty, sobre Madonna.

El texto no cuenta nada demasiado nuevo en principio: Almodóvar recuerda que conoció a Madonna durante el rodaje de ‘Dick Tracy’ poco después de la ceremonia de los Oscar en 1989, y que se reunió con ella al año siguiente durante la parada del ‘Blond Ambition Tour’ en Madrid porque le organizó una fiesta en el hotel Palace junto a Antonio Banderas, con el que Madonna estaba obsesionada como todo el mundo sabe; y compañía. Es por supuesto la famosa cena que muestra el documental ‘Truth or Dare’ (en España ‘En la cama con Madonna’) sobre la que tanto se ha dicho ya: Almodóvar en su momento llamó a la cantante «choricilla» por rodar la fiesta sin su permiso y Loles León recordó recientemente que su interacción con la cantante fue de todo menos agradable.

La noticia que deja el artículo de Almodóvar es su tono vengativo: el propio director escribe que considera su texto un «ajuste de cuentas» por todo lo que sucedió aquella noche. Cuenta que el «acoso» de Madonna a Banderas es «una de las tramas importantes» de ‘Truth or Dare’, que este llegó a ser bastante obvio cuando Madonna preguntó a Banderas (vía traducción previa del director) si «le gustaba pegar a las mujeres» y «si le gusta que las mujeres le peguen», a lo que Banderas respondió: «yo soy un caballero español y por una mujer hago lo que tenga que hacer». Y no deja de mencionar la actitud grosera de Madonna con Ana Leza, entonces mujer de Banderas («la liquidó con una sola frase: piérdete»).

Por todo esto el director señala que no le importa que el artículo «parezca un ajuste de cuentas» porque si hubiera sido él quien rodara a Madonna sin su consentimiento, explica: «me habría caído una demanda de la que todavía no me habría recuperado». Y añade: «Madonna nos trató como a pardillos y algún día tenía que decirlo, ni nos pidió permiso para utilizar nuestra imagen y además a mí me dobló, porque mi inglés no debía ser tan bueno». Almodóvar apunta que el circo que montó Madonna en la cena fue «lo más divertido de la noche», si bien recrimina a la artista su actitud, e indica que «ha tenido que ocurrir esta pandemia para que el mundo sepa cómo fue realmente aquella cena».

El festival madrileño Tomavistas 2020 anuncia que se pospone a septiembre

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Tras semanas de incertidumbre, el festival madrileño Tomavistas se ha pronunciado sobre la celebración o no de su edición 2020. Hace unos minutos han publicado un vídeo en Twitter en el que parte del equipo de la organización del evento confirma que pasará de celebrarse los días 21, 22 y 23 de mayo a los días 3, 4 y 5 de septiembre. Las entradas adquiridas, por supuesto, seguirán siendo válidas para sus nuevas fechas y, una vez que se anuncie su nuevo cartel, se abrirá un plazo de devolución. Ese nuevo cartel, aseguran también en el vídeo, está ya completo en un 90% y se anunciará en cuanto puedan cerrar esos flecos restantes.

Para tranquilidad de los asistentes a Tomavistas, el festival se felicita por la disposición de grupos y artistas para adaptarse a la nueva fecha, puesto que «casi todo el mundo», dicen, han podido hacerlo. Recordemos que entre los nombres anunciados estaban Suede, The Horrors, Austra, JARV IS… (el nuevo proyecto de Jarvis Cocker), Amaia, León Benavente, Anna Calvi, of Montreal, El Columpio Asesino, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba… entre otros muchos.

El equipo de Tomavistas también tiene palabras de apoyo para otros eventos que, como ellos, se han visto forzados a retrasar sus fechas o incluso a cancelar a causa de la crisis generada por la pandemia del COVID-19 en el mundo. Recordemos, por ejemplo, que Primavera Sound anunciaba hace días su reubicación en el último fin de semana de agosto.

A Diamante Negro les basta un minuto y medio para clavarnos un gancho y una paradoja

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Vuelve el rock, es un hecho. Mientras que el pop comercial ha engullido los modos del trap, el urban y el R&B alternativos, en la escena independiente no paran de bullir grupos de chavales y chavalas que le vuelven a dar a las guitarras. Con Carolina Durante como mayor exponente de hasta qué punto sigue triunfando el rock ruidoso con cierto ascendente punk, grupos como Mujeres, Camellos, Hinds, Ginebras, Medalla, Pantocrator o Melenas refrendan esa idea. Los nuevos héroes de esa saga llegan ahora desde Barcelona, son un trío (también muy joven) y se llaman Diamante Negro. [Foto: Intromúsica.]

«Un fisioterapeuta, un enfermero y un técnico de sonido. Dos de ellos fueron amigos y luego compañeros de escenario y al otro lo conocieron (…) en las caóticas noches de fiesta de la capital catalana. (…) Basan su música en la libertad y en la ausencia de límites, y pueden disfrutar tanto con el punk, con el pop o con el jazz». Esta es, grosso modo, la filosofía que resume lo que son Diamante Negro en la bio de ‘Mercurio retrógrado‘, el EP con el que debutaban el año pasado en The Yellow Gates Records (Alavedra, Pantocrator, Ominira) y que sentaba sus bases sonoras en temas como la contundente ‘KEXP’ («Mi sueño es tocar en KEXP / Po po po pó, popopopó») o la más sinuosa ‘Abrazos’.

Ahora, bajo el auspicio de Intromúsica (Chucho, Dorian, Tulsa), anuncian la próxima publicación de un nuevo disco corto titulado ‘Cortes’ no por nada: «Cuatro puñetazos que destilan rabia, frustración, sufrimiento y millennialismo frente a los problemas que se presentan en su día a día. Problemas que pueden ser rasguños, moretones o simplemente nada. Para Diamante Negro este EP es algo más profundo que un rasguño pero menos grave que una herida» y por eso lo titulan así, ‘Cortes’. Y su primera muestra la estrenamos hoy en JENESAIPOP. Se trata de ‘Vista desde la ventana en Le Gras’, uno de esos golpes que, en tan solo minuto y medio, nos clava su gancho (el que repite su título, rematado por la coletilla «ahora está de moda Instagram». En tan breve espacio de tiempo, con solo dos versos y dos coros, se plantea la paradoja de nuestra existencia efímera, a la vez que se traza el egocentrismo recalcitrante («No puedo ser fan de ningún grupo / Ya solo escucho la mierda que escupo / Me da vergüenza reconocerlo: / sólo mis temas me ponen cerdo»).

Todo esto lo plasma en un videoclip de una manera muy personal el artista Pablo Carpal, que explica muy bien su trasfondo lírico y el por qué del uso de esa obra crucial de la fotografía que titula la canción: «Joseph Nicéphore Niépce capturó en 1826 las imágenes que se veían desde su ventana en Le Gras y el resultado es la fotografía más antigua que se conserva. A principios del 2000, muchos de nosotros imaginábamos el futuro Internet en la línea de ‘Second Life’: dedicaríamos nuestro tiempo a controlar avatares 3D -no necesariamente creados a nuestra semejanza- y viviríamos en casas poligonales inmensas con vistas a ciudades imposibles. A día de hoy, aquello que hizo por primera vez Niépce hace casi dos siglos se ha convertido en nuestra práctica digital diaria: capturar compulsivamente nuestro entorno para después publicarlo en redes con el afán de convertir lo ordinario en algo extraordinario. Entre Instagram y estos entornos tridimensionales no hay tanta diferencia: con más o menos descaro, estas plataformas reflejan nuestra tendencia a la artificiosidad. Esa casa de 1826 cuya vista es historia de la fotografía ha saltado por los aires y, al igual que algunos cuadros de Magritte, sus ventanas están flotando en el cielo».

Aunque es incierto lo que pueda suceder con esos conciertos dada la situación actual de estado de alarma en España, sus fechas abriendo precisamente para Camellos en Madrid y Barcelona parecen seguir en marcha: de suceder, serían el 23 de abril en Ochoymedio Club de Madrid y el 24 de abril en La [2] de Apolo, en Barcelona.

Escucha los «Revelación o Timo»

Muere a los 52 años Adam Schlesinger de Fountains of Wayne y Ivy, a causa del coronavirus

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Tras varias informaciones algo confusas sobre el estado de salud de Adam Schlesinger, fundador de los grupos Fountains of Wayne y Ivy, entre otros, hace unas horas se ha confirmado su fallecimiento derivado de complicaciones de salud tras contraer el COVID-19. El abogado de Schlesinger ha confirmado su muerte a Rolling Stone, después de que hubiera trascendido su ingreso en un hospital neoyorquino asegurando que se le había inducido al coma, cosa que el letrado desmintió. Sí indicó que estaba conectado a un respirador y sedado. Tenía tan solo 52 años.

Schlesinger se dio a conocer como integrante del trío Ivy, establecido en Nueva York a mediados de los 90 y completado por la pareja formada por Andy Chase y Dominique Durand. En este proyecto, de fama creciente, desarrolló su talento para un pop elegante y sereno, con discos tan exquisitos y celebrados en la época como ‘Realistic’ (1995), ‘Apartment Life’ (1997) y ‘Long Distance’ (2000). Aunque en los últimos años ya no formaba parte del proyecto de forma oficial, sí formó parte activa de él como autor y productor en todos sus álbumes de estudio –el último de ellos, el disco de versiones ‘All Hours’, de 2011–.

Paralelamente a su papel en Ivy, Schlesinger fundaba Fountains of Wayne, proyecto en el que daba rienda suelta a una faceta más power pop y que, en la estela de grupos como Weezer, reivindicaba la Nueva Ola de The Cars. Con ellos cosechó una mayor popularidad, especialmente en Estados Unidos, con discos como su debut homónimo de 1996, ‘Utopia Parkway’ (1999) y, especialmente, ‘Welcome Interstate Managers’ (2003), que incluía la célebre ‘Stacy’s Mom’. Mientras lo compaginaba con otras facetas, Adam publicaría otros tres álbumes con Fountains of Wayne, el último de los cuales (‘Sky Full of Holes’) se lanzó casi a la vez que el último de Ivy.

Schlesinger también se labró una buena reputación como productor, faceta en la que trabajó con Lloyd Cole, The Monkees, Robert Plant, Tahiti 80, The Sounds o They Might Be Giants. Pero el mayor reconocimiento profesional le llegaría como compositor de canciones para películas y series de TV. En el primer caso, sobre todo, con la archiconocida ‘That Thing You Do!’ para la película de mismo título protagonizada por Tom Hanks –que en España se llamó ‘The Wonders’, como el grupo que, más o menos inspirado en The Beatles, protagonizaba el film y cantaba ese tema–. Además de ser un grandísimo éxito comercial en todo el mundo, con ella estuvo nominado tanto al Oscar como al Globo de Oro a la Mejor canción original en 1997.

También escribió música para películas de los hermanos Farrelly como ‘Algo pasa con Mary’ (1998) y ‘Yo, yo mismo e Irene’ (2000), además de ‘Scary Movie’ (2000) o ‘Josie and The Pussycats’ (2001), entre otras muchas. También hizo trabajos para el teatro –como una adaptación de ‘Cry-Baby’ de John Waters– y televisión –especialmente para programas infantiles como ‘Barrio Sésamo’, ‘Bubble Guppies’ o ‘Buena suerte, Charlie’, pero también para series como ‘The Hills’, ‘Melroes Place’ o ‘Gossip Girl’. Su último trabajo fueron las canciones de la serie ‘Crazy Ex-Girlfriend’, de la que también era productor ejecutivo.