Desde que en España manda el streaming, las cosas han cambiado en la industria musical: es un calvario conseguir un disco de oro para un álbum (20.000 unidades vendidas), pero es relativamente fácil conseguir un disco de oro para un single, pues equivale «tan sólo» a 5 millones de reproducciones dentro del territorio español. El de platino son 10 millones de reproducciones.
Incluso excluyendo Youtube, que no cuenta en Promusicae, España no deja de ser un país de 47 millones de habitantes y no es tanto calvario llegar a estas cifras de streaming aunque Los 40 Principales no te estén pinchando… si conectas con el público generalista a través de alguna vía viral. ‘La revolución sexual’ de La Casa Azul, ‘Dramas y comedias’ de Fangoria, ‘Fiebre’ de Bad Gyal, por supuesto ‘Antes de morirme’ de C. Tangana y Rosalía (y muchísimas otras canciones de ambos radiadas y no radiadas), ‘Perdona ahora sí que sí’ de Amaia y Carolina Durante, varias de Vetusta Morla o canciones antiguas como ‘Un buen día’ de Los Planetas superan los 5 o incluso los 10 millones de streamings solo en Spotify a nivel global (algunas tienen streamings destacables en México, pero a su vez hay que sumar los datos nacionales de Amazon Music, Apple Music, Deezer, Tidal…).
Izal han sido los más listos y han decidido hacerse una foto posando con todos los singles de oro y platino que acumulan. Son 7 en total, y no es ninguna sorpresa para nada, pues su álbum ‘Autoterapia’ lleva 79 semanas en el top 100 de streaming, pero es que además continúa en el top 20. Exactamente fue el 16º álbum más escuchado de la semana pasada (!).
En concreto, estas son las certificaciones históricas que celebran Izal:
– “Copacabana”: doble disco de platino
– “Pequeña gran revolución”: disco de platino
– “El baile”: disco de platino
– “Qué bien”: disco de platino
– “Pausa”: disco de platino
– “La mujer de verde”: disco de oro
Puede ser divertido que esta foto sea tendencia y pronto veamos imágenes similares de Guille Milkyway, tanto Pucho como Puchito o Amaia. Cuando el streaming remató la venta, pensábamos que este tipo de imágenes de los artistas posando con sus placas de certificación eran un sueño olvidado en el siglo XX, cuando no una fantasía de un sello que había distribuido más discos de los adecuados. Definitivamente, los streamings de singles parecen haber salvado mínimamente el mercado español, en los últimos años, en ligerísimo y timidísimo ascenso gracias a ello.
Dua Lipa es la nueva portada de la revista Vogue España y en la entrevista que ha concedido a este medio, revela información sobre su nuevo álbum, la continuación de su exitoso debut, todo un «sleeper» durante el último par de años, superando el millón de unidades vendidas a nivel global. Fotografía: Luigi & Iango.
La cantante habla sobre el inesperado éxito de ‘New Rules’, y sobre su siguiente disco revela: “Estará listo a principios de 2020, pero este año habrá nuevo material. Está cobrando una forma algo más conceptual, y algo más homogénea en cuanto a sonido que el anterior. Ambos tienen en común el punto de partida: las cosas por las que he pasado. Nunca escribo con la intención de convertirme en un altavoz de empoderamiento femenino, es más una cuestión de “me han roto el corazón, voy a escribir de ello”. Una terapia. Desde el disco anterior, he creado un círculo tan íntimo con la gente con la que trabajo que en este momento me siento mucho más libre a la hora de expresarme en mis canciones”.
En otros puntos de la entrevista habla sobre el festival que organiza en Kosovo -de donde proceden sus padres- con Miley Cyrus y Justin Bieber o de cómo se gestaron sus influencias. Desde luego explican por qué en la radio oímos a una artista de pop y por qué sobre los escenarios junto a ella vemos a una potente banda de pop-rock de lo más orgánico: «Mis padres eran fanáticos del rock británico de Oasis, David Bowie, Blur, Stereophonics… y me sé sus discografías de memoria. Pero cuando me mudé a Londres, me obsesioné con dos polos opuestos de ese género: P!nk y Nelly Furtado. Por eso, si escuchas mi disco de corrido te encontrarás con una mezcla de ritmos y temas que no vienen de un mismo lugar. Eso se aplica a la música actual: donde antes había géneros ahora hay una fusión constante, y despreciar el pop es ridículo, porque, de algún modo, lo empapa todo. El futuro del pop pasa por cambiar las reglas del juego”. Podéis recordar nuestra entrevista con Dua Lipa de 2017, aquí.
Esta noche se ha celebrado la gala del Mercury Prize 2019, el galardón más prestigioso de la industria musical británica. El galardón ha sido para ‘Psychodrama’ de Dave, que desde el principio iba muy bien situado en las apuestas, junto a slowthai con ‘Nothing Great About Britain’.
El premio Mercury Prize recayó el año pasado en ‘Visions of a Life’, el segundo álbum de Wolf Alice, y en años precedentes había ido a parar a manos de grupos y artistas como PJ Harvey, Primal Scream, Suede, Arctic Monkeys o Portishead.
Si eres aficionado a los talent-shows culinarios –y por tanto hoy estás con sensación de resacón (sin haber tomado una chispa de nada) por haberte quedado a ver hasta el final ‘Masterchef Celebrity’–, estás de suerte: uno de los más divertidos, ‘Nailed It!‘, tendrá una versión producida en España. Y la apuesta de Netflix promete ser igual o más divertida que la original, puesto que estará co-presentada por la actriz y cantante La Terremoto del Alcorcón.
Pepa Charro conducirá junto al conocido repostero Christian Escribà este «talent» dedicado a tartas, postres y dulces, en el que cocineros aficionados –y, a veces, invitados famosos– deben imitar las recetas de grandes chefs, dando lugar a desastres alucinantes. Y la cosa promete no solo por el planteamiento del programa, como muestra este hilarante teaser con el que se ha presentado esta nueva apuesta de Netflix España: en él, La Terremoto es desopilante simplemente explicando el cambio del nombre original a ‘Niquelao!’ a su homóloga yanqui, la cómica Nicole Byer. Vestida de banana, eso sí.
Nos hemos quedado frozen con la noticia. Para 'Niquelao!' estamos ready siempre. El programa llega a España el 25 de octubre. pic.twitter.com/dUhO2S28OH
Por supuesto, se incluyen los discos publicados este viernes, con especial protagonismo del esperadísimo debut de Amaia y el cuarto trabajo de la sueca Tove Lo. Además, Liam Gallagher, Parade, Vivian Girls, M83, Keane, Brittany Howard (la imponente vocalista de Alabama Shakes), One True Pairing (proyecto en solitario de Tom Fleming de Wild Beasts), The Levitants, Cashmere Cat, Fitz and The Tantrums, sir Was, Chastity Belt, Sinead Harnett (vocalista para Rudimental o Disclosure), Los Secretos o blink-182, además de EPs como los de Sofi Tukker, la promesa Cyn, Gabriela Richardson, Tiger and Milk o el rapero Cráneo. También celebramos la mixtape-debut de la prometedora Slayyyter, imprescindible para fans del future pop tamizado por el filtro PC Music. [Foto Sufjan Stevens: Michael Wilson.]
También hoy podemos comenzar a escuchar los nuevos singles de Maroon 5, Georgia, Fuerza nueva (Los Planetas & Niño de Elche, esta vez adaptando el himno de la Legión Española), Stormzy, Blue Hawaii, Tiësto & Mabel, AlunaGeorge (por partida doble, en singles con Gryffin y Kleerup), Mika, Liam Payne, FINNEAS (el hermano de Billie Eilish, responsable de su sonido), los míticos Gang Starr con J. Cole, Tegan and Sara, el dúo sueco Blue Hawaii, El Hijo, Cor Blanc, HMLTD, Labrinth, Soccer Mommy, James Arthur & Sofia Reyes, Cruz Cafuné, Eva Ruiz o Sasha Sloan. Con ellos, también los que Wilco, Field Music, Hannah Diamond –con producción de Danny L Harle–, Rels B, Diiv, Okay Kaya, Jonathan Wilson, Cabiria, Teebs feat. Panda Bear o Van Morrison han mostrado a lo largo de los últimos 7 días.
Por último, la playlist incluye también el adelanto del próximo disco que publicará Sufjan Stevens, ‘The Decalogue’, con la música que creó para una obra de ballet estrenada en 2017. Además, un single de Caliza –en el que, junto a un inédito, presenta una reinterpretación del mítico ‘Making Plans with Nigel’ de Squeeze transformado en ‘Planes para Nacho’–, una canción totalmente nueva de Mariah Carey –que ha prestado para la cabecera de la precuela de la serie ‘Black-ish’, titulada ‘Mixed-ish’–, un extracto de la próxima reedición navideña de Bob Dylan, un remix latino del hit veraniego ‘My Type’ de Saweetie –junto a Melii y Becky G–, canciones inéditas de Leonard Cohen –quizá de su disco póstumo– y Boards of Canada, y la canción que aporta Bebe Rexha a la BSO de la secuela de ‘Maléfica’. Y, sobre todo, ese remix de ‘Cola de pez‘, incluida en el último disco de Miss Caffeina, en el que Javiera Mena y Guille Milkyway de La Casa Azul comparten protagonismo vocal con Alberto Jiménez.
Aunque ha actuado este mismo año en festivales de nuestro país como Primavera Sound y Bilbao BBK Live, Princess Nokia había mantenido un perfil artístico mas bien discreto –pese a que fueron sonadas su intervención contra un ataque racista en el metro y sus acusaciones a Ariana Grande por copiarla en ‘7 rings’– después de publicar su sorprendente aproximación al emo-rock típico de los 00s en el disco ‘A Girl Called Red‘. Ha sido, como ahora sabemos, un periodo de trabajo que fructifica en un nuevo proyecto que comienza a presentar esta semana con ‘Sugar Honey Iced Tea’.
La rapera del Bronx regresa en ella al rap que le caracteriza, aunque con un sonido más suave que el de sus mayores éxitos, ‘Tomboy‘, ‘Kitana’ y ‘Brujas’. Co-producida por Tony Selzer –que ya intervino en su mixtape ‘1992‘– y Adam Pallin –responsable de buena parte del sonido del rapero Joey Bada$$–, no suena especialmente dura (aunque sí contundente), ‘Sugar Honey Iced Tea’ arranca con el inapelable gancho de su estribillo, que la hace irresistible de inmediato. Pero a la vez resulta magnética su elegante base, caracterizada por samples de coros gospel y suntuosos arreglos de metales, que parecen aludir tanto al jazz como a un mariachi, acentuando que Destiny Frasqueri es una orgullosa abanderada de la comunidad hispanoamericana de Estados Unidos.
No en vano tanto la letra de la canción como su vídeo ‘Sugar Honey Iced Tea’ tienen como objetivo cagarse (no en vano el acrónimo del título de la canción conforma la palabra «shit») en los estereotipos de belleza más aceptados socialmente, que casi siempre desprecian la diferencia, ya sea por la raza u otras características estéticas. Así, el estupendo clip dirigido por Emma Westenberg muestra a Frasqueri participando en el típico concurso de misses, donde pretende derrotar los prejuicios de sus rivales y el jurado. Y al final se hace justicia.
En una entrevista de portada para Cultured Mag, Destiny dice que “la belleza de ‘Sugar Honey Iced Tea’, y todo lo que planeo publicar este año, se basa en esta estética de una bruja como una diosa, los sentimientos que han emergido, la mujer que ha nacido”. “Es muy poderoso, muy fuerte” continúa, añadiendo que quiere que “las mujeres se sientan empoderadas por lo que he alcanzado. He cambiado la música. Soy muy humilde, pero creo que es hora de que el mundo me dé al menos eso”. Y es que, como explica, la vida la trató lo suficientemente mal cuando fue niña y adolescente como para que ahora le sea revertido algo más positivo. Para ello, cuenta, en esta nueva etapa ha decidido dejar el underground, el estilo «do it yourself» que había mantenido hasta ahora y ponerse en manos de una agencia de publicidad y management que lleve a Princess Nokia a un nuevo nivel, sin renunciar a su independencia. Ojalá lo veamos.
¿Recordáis lo felices que se las prometían muchos cuando Nicki Minaj anunciaba su retirada «para formar una familia»? Pues aguanten un poquito, porque –plot-twist– la rapera tiene cosas que hacer antes de que eso suceda. Por ejemplo, publicar un disco que ya está grabando y que, parece, no se demorará mucho en salir. O al menos no tanto como los cuatro años que separaron ‘The Pinkprint’ y ‘Queen’.
Acaba de publicarse una entrevista que Minaj ha dado a la revista de moda Elle, a cuenta de una colección de estampados que ha diseñado para la firma de moda de lujo Fendi –una especie de «profecía» que cantó en la letra de ‘Chun-Li’–. Y, sorprendentemente, en ella se dice que en el momento de la conversación está inmersa en la grabación de un nuevo álbum.
Dice que ese trabajo será «fuerte, divertido y sin complejos». «Es posiblemente el lanzamiento discográfico con el que más emocionada estoy en mucho tiempo», dice. Y añade «Estoy feliz de no hacer esperar a mis fans por otro disco, como hice en el pasado. Este incorpora todas las cosas que la gente adora de Nicki, pero también tiene un sonido más grande». Así que, puede que no dejemos de tener noticias musicales de Onika Maraj tan pronto como esperábamos.
Tras publicar ‘Queen’ y realizar su correspondiente (y accidentada) gira, Minaj ha publicado este año el single ‘Megatron‘ y ha colaborado en los últimos discos de Avril Lavigne y Chance The Rapper, además de co-protagonizar el hit veraniego de Megan Thee Stallion, ‘Hot Girl Summer‘.
Como sabíamos desde hace unos días, JENESAISPOP había tenido el privilegio de recibir un guiño en el nuevo vídeo de Los Punsetes, dirigido por el cineasta Nacho Vigalondo: en él, los cinco miembros del grupo madrileño se presentaban como el jurado de un talent-show televisivo bautizado «Revelación o Timo», justo como nuestra sección dedicada a artistas prometedores. Pues bien, desde hace unos minutos puede ya verse el clip en cuestión de ‘Vas hablando mal de mí’ y, sin duda, es para no perdérselo.
Y no precisamente porque estemos orgullosos de ser parte de ese universo aunque tenga cierta connotación negativa –que también–, sino porque el vídeo en sí es una auténtica gozada. Una gozada de referencias a la cultura popular española, incluida la de la crítica aviesa y sin fundamento que tanto nos distingue, representada sobre todo por ese jurado en plan Risto Mejide compuesto por Jorge, Manu, Ariadna, Chema y Luis, y que el mismo grupo ya atacó en su ‘Opinión de mierda’ –no en vano, suena de fondo al inicio–.
Una gozada, también, de cameos: La Bien Querida, Juan Pedrayes de Axolotes Mexicanos y Carolina Durante, El Coleta, el cómico Llimoo, los periodistas musicales Juan De Pablos, Julio Ruiz y Víctor Lenore o el escritor y guionista Noel Ceballos, aunque ninguno tan inesperado (e importante en el desarrollo del vídeo) como el de Pedro Ruiz: tras un primer amago de aparición que ya da la risa, resulta que el cómico y escritor aparece de verdad y revoluciona la línea argumental.
También es, por eso, una gozada el guión y dirección del clip de Vigalondo (que ya mostró un estilo similar en ‘Te lo digo a ti‘ de Vetusta Morla). La aparición de Ruiz da completamente la vuelta a lo que venía transcurriendo hasta ese momento –y que no desvelaremos, mejor verlo–, rematando con ese homenaje final a ‘Carrie’, el clásico del cine de terror de Brian De Palma.
‘Vas hablando mal de mí’ sucede a ‘Una persona sospechosa‘ e ‘Idiota‘ como avances del nuevo álbum de Los Punsetes, ‘Aniquilación’. El sucesor de ‘¡Viva!’ (2017), que por primera vez han producido ellos mismos (aunque la grabación ha corrido a cargo de Paco Loco y Sergio Pérez, llega a las tiendas y a las plataformas de streaming el próximo 4 de octubre. Las primeras (de las muchas) fechas de presentación de este trabajo serán en el mes de octubre: el 18 en Zaragoza, el 19 en Barcelona, el 26 en Valencia y el 27 en Alicante. Las entradas de toda la gira están disponibles en Ticketea.
Tras la confirmación, «la hostia en la cara», si nos agarramos a una de las frases más fácilmente memorables de este nuevo disco, que supuso ‘Emblema y poder‘, debut del cuarteto barcelonés Medalla, había muchas ganas de tener entre manos su continuación. Por fin hace días se publicaba vía El Segell (del Primavera Sound) ese trabajo, un disco homónimo de nuevo producido por Sergio Pérez (de Svper) que pretende llevar un paso más allá esa amalgama de noise-rock a lo Triángulo de Amor Bizarro, psicodelia a lo King Gizzard y esa parafernalia heavy-medieval tan característica… que aquí evoluciona al Renacimiento.
Ya desde la inicial ‘El Tajo’ –el río, no la colocación–, Medalla dan una muestra de que pretenden presentar composiciones más cuidadas en arreglos (los sintetizadores de Eric Sueiro y trompeta de Josep Peris se erigen en protagonistas), que maduran el clímax en lugar de lanzarse sin freno (o antes de hacerlo) a su reconocible desenfreno guitarrero que marca Joan Morera. En esa faceta, el cuarteto muestra haber alcanzado un nuevo nivel de pericia e ingenio en cortes como el citado ‘El tajo’ –con esos teclados que evocan a fiestas patronales de forma entrañable y ese bajo que podría firmar Isa Cea–, una audaz y arábiga ‘Sultán’ –en la que vuelven a sacar partido a la flauta travesera del segundo vocalista junto con Sueiro, Benoït García–, el grower ‘Cuello isabelino’ o la reposada ‘Guardián’ –con prodigioso arreglo de batería de Marc López y sorprendentes ecos de New Order/La Bien Querida–. Aunque tampoco se puede decir que todo sean aciertos en ese sentido: ‘Herederos’ o ‘Presagio’ se tornan demasiado pesadas –en varios sentidos, no todos positivos–.
Esto contrasta con una clara voluntad de sonar más melódicos y de dejar una huella más inmediata en el oyente que nunca, en la línea del fabuloso primer single ‘Devoto cardenal‘. Con un perfil similar, ‘Lengua afilada’ –la de la «hostia en tu cara» (o «en tu puta cara», llegado el momento)– y la pérfida ‘Premio Cervantes’ –seguro que se os ocurren un par o tres de señoros literatos a los que puede ir dirigida– suponen nuevos hits –también en el sentido de «hitos»– en la carrera de Medalla.
También por sus letras, una colección de versos memorables en las que se camuflan, entre figuras de literatura clásica, ecos personales, sociales y políticos: «Si tú te arrastras, y yo me aparto / nos vamos juntos al carajo / Morimos juntos en el Tajo», «Que te partan las piernas puede ser positivo / si el que da la patada lo hace con sentido», «Santa paciencia he tenido contigo / me merezco un monumento en el centro de Vigo» o «Hacienda somos todos / Todos somos España» van directas a su nutrida colección de frases que cantar a grito pelao.
A pesar de que globalmente no supera el impacto de su debut –la recta final del álbum es más farragosa, sazonada con ‘Heráldica antigua’ (un interludio instrumental muy Interpol) y la promesa incumplida que supone el fiero riff, muerto demasiado pronto, de ‘Doctrina secreta’–, ‘Medalla’ es un claro paso adelante –también en su calidad sonora, más rocosa y compacta– del grupo hacia un futuro que aventura lontano. Después de todo, sigue siendo una gozada que unos chavales –como Derby Motoreta’s, como Los Estanques, como Cala Vento– decidan reivindicar el rock and roll como forma de expresión viva en nuestros días. Medalla presentan ‘Medalla’ el día 11 de octubre en la sala Sidecar de Barcelona. También, el 21 de noviembre estarán en Monkey Week de Sevilla, y el 7 de diciembre en la sala Wurlitzer de Madrid.
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘Devoto cardenal’, ‘Lengua afilada’, ‘Premio Cervantes’, ‘El Tajo’, ‘Guardián’ Te gustará si te gustan: Triángulo de Amor Bizarro, Cala Vento, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. Escúchalo:Spotify
Hoy jueves 19 de septiembre, ‘Rhythm Nation 1814’ de Janet Jackson cumple 30 años. Se trata de uno de los mejores y más influyentes álbumes de la carrera de Janet y probablemente de la historia del pop, conque es oportuno hacer una retrospectiva para recordar todo lo que significó. Y ojo porque Janet promete sorpresas relacionadas con este aniversario. ¿Se acerca reedición?
Su éxito
Los datos comerciales de ‘Rhythm Nation 1814’ impresionan aún a día de hoy. Sin llegar a las cifras de ‘Thriller’, pues sus ventas totales se estiman en torno a los 12 millones de copias, el cuarto álbum oficial de Jackson es el único de la historia en haber conseguido colocar hasta 7 singles dentro del top 5 de Estados Unidos. Cuatro de ellos alcanzaron el número 1 (‘Miss You Much’, ‘Escapade’, ‘Black Cat’ y ‘Love Will Never Do (Without You)’), dos se quedaron literalmente a las puertas (‘Rhythm Nation’ y ‘Come Back to Me’ fueron top 2), y el otro «solo» fue top 4 (‘Alright’). Hubo un octavo single extraído del álbum, ‘State of the World’, que no fue elegible para entrar en lista al no contar con single físico, pero que fue igualmente un éxito en radio. ‘Rhythm Nation 1814’ además puede presumir de ser el único disco de la historia en producir números 1 en tres años distintos, 1989, 1990 y 1991. Un dato no tan anecdótico como pueda parecer, pues nos da una idea más clara de lo popular que era Janet en este momento (para que luego nos quejemos de lo largas que son las eras de Katy Perry o Ed Sheeran). El álbum fue nominado a nueve Grammys, de los cuales ganó uno, el de ‘Mejor vídeo musical largo’ por la mini-película de 30 minutos que se hizo para promocionarlo. Jackson se convirtió además en la primera mujer de la historia en ser nominada al Grammy a Productora del año, lo cual deja muy mal a los Grammys pues cuatro años atrás Kate Bush había publicado ‘Hounds of Love’, pero este es otro tema. La gira mundial de ‘Rhythm Nation 1814’ también fue un enorme éxito, aunque de 20 fechas europeas que incluyó, ninguna fue en España, donde lamentablemente nunca hemos sido demasiado fans de Janet.
Su mezcla de política y baile
‘Rhythm Nation 1814’ es probablemente uno de los discos de pop que mejor han integrado mensaje político y baile, y ahí está el apasionante single homónimo para corroborarlo, una absoluta bestia que no ha perdido un ápice de su capacidad para emocionar 3 décadas después. Para las letras del disco, Janet encontró inspiración en las noticias que veía en televisión, y en concreto el asesinato de cinco niños en el tiroteo a la Escuela Primaria de Stockton, en Cleveland, acontecido el 17 de enero de 1989, le afectó profundamente. De ahí nacieron el tema titular, ‘Livin’ in a World (They Didn’t Make)’ y ‘State of the World’. Las letras sociales de ‘Rhythm Nation 1814’ hablan de pobreza, drogas, violencia racial y efectivamente del «estado del mundo» y desgraciadamente siguen siendo relevantes a día de hoy, y aunque el álbum no es exactamente «conceptual» en tanto que su división entre canciones políticas y canciones sobre amor y sexo está muy clara, Jackson sí logró crear una obra sorprendentemente cohesiva y madura con estas dos temáticas sobre la mesa. Hoy cuesta imaginar que A&M Records propusiera a Janet primero hacer una segunda parte de ‘Control’, a lo que Jackson obviamente se negó. Tenía muy claro el disco que quería hacer y nada lo demuestra mejor que su título: la «nación del ritmo» evocada en él se refiere a una comunidad utópica donde solo existe el amor y el respeto al prójimo, pero el número 1814 es histórico, pues es el año en que el himno de Estados Unidos fue compuesto. Una declaración absoluta de intenciones por parte de Jackson que parece aludir al deseo de un nuevo comienzo para el país, en el que la violencia y el racismo ya no definen a esta supuesta «tierra de libres» que solo lo es para algunos.
Sus videoclips
Como Prince, Madonna, su hermano Michael o incluso Paula Abdul, Janet Jackson fue uno de los grandes iconos de la era MTV, de la misma manera que hoy Ariana Grande o Taylor Swift lo son de la era Youtube. Y como tal la artista hizo grandes videoclips para los singles de ‘Rhythm Nation 1814’. El vídeo para ‘Rhythm Nation’, con Janet bailando vestida con un uniforme militar, es el más icónico de todos, tanto que cuesta recordar que en realidad formó parte de una película de media hora (entonces lo llamaban «telemusical») totalmente grabada en blanco y negro y en la que también aparecían el single ‘Miss You Much’ y el tema ‘The Knowledge’. La estética oscura e industrial de esta película y de ‘Rhythm Nation’ en particular es indisociable de esta era pues también se refleja en lo musical, pero esto no significa que Janet no hiciera vídeos más coloridos para el resto de sus singles. Era muy simpático el de ‘Alright’, que emulaba un musical de los años 30, mientras el de ‘Escapade’ de hecho era circense. Tampoco faltaron el clip playero y en directo de rigor, para ‘Love Will Never Do (Without You)’ y ‘Black Cat’, respectivamente. Con razón, la gente se ha quedado sobre todo con el de ‘Rhythm Nation’, y el «look» de Janet en aquel vídeo sigue inspirando disfraces de Halloween a día de hoy, como bien sabe Beyoncé.
Sus impecables producción y secuencia
Un disco envejece bien o mal no por culpa del paso del tiempo, sino por la habilidad con la que este ha sido producido. Hay discos de los Beatles que siguen sonando de maravilla aunque nos parezcan rudimentarios escuchados en el 2019 de Charli XCX, de la misma manera que un álbum publicado hace dos meses puede sonar anticuado o sencillamente mal. En el caso de ‘Rhythm Nation 1814’ fue un álbum de pop moderno, un ejemplo del «estado del arte» absoluto, pero además estaba producido de manera magistral por el tándem de compositores formado por Jimmy Jam y Terry Lewis y la propia Janet, lo que significa que sigue siendo fascinante escucharlo en la actualidad aunque hayan pasado 30 años. ‘Rhythm Nation 1814’, con toda su maquinaria engrasada a la perfección, es uno de los álbumes publicados en los 80 con la producción más fresca y espectacular, un «blockbuster» sonoro en alta calidad, y eso se nota tanto en los potentes ritmos de ‘Miss You Much’ como en las envolventes armonías de ‘Someday is Tonight’. Ni siquiera las guitarras jevis de ‘Black Cat’ molestan. Y la comparación cinematográfica no es en vano, pues el álbum está muy bien secuenciado sobre todo al hacer uso de varios interludios, 8 en total, que tanto han gustado siempre a Janet pues contribuyen a una experiencia más inmersiva. El álbum incluso se atreve a cerrar con tres baladas eróticas, ‘Lonely’, ‘Come Back to Me’ y ‘Someday is Tonight’, pero Janet se lo puede permitir, pues son tres de las mejores canciones de su carrera. La segunda es probablemente su mejor balada debido a su preciosa melodía y a sus escalofriantes y suculentas armonías vocales. Por cierto, en el álbum no hay «background vocalists»: todos y cada uno de los coros del disco son de Janet.
Su influencia
Desde Britney Spears, que versionó ‘Black Cat’ en la primera gira de su carrera, y más tarde replicó la coreografía de la silla de ‘Miss You Much’ en el vídeo de ‘Stronger’, hasta Normani, que se encuentra entre sus alumnas aventajadas como bailarina atlética que es, pasando por supuesto por Beyoncé, Christine and the Queens o Tinashe, Janet ha influido a numerosos artistas pop a lo largo de su carrera, y lo ha hecho en gran parte gracias a la repercusión que obtuvo ‘Rhythm Nation 1814’. Pero el disco también influyó o interesó a artistas alternativos. Sleigh Bells llegaron a elogiar el tratamiento vocal del disco, Jamie xx sampleó ‘Love Will Never Do (Without You)’ en ‘Far Nearer’ y A Sunny Day in Glasgow se inspiraron en ella en ‘Golden Waves’. Little Dragons dijeron que les habían inspirado las «slow jams de Janet que, al escucharlas, sientes que flotas» y con estas palabras no podían referirse sino a temas como ‘Lonely’. El álbum no parece estar tan presente en la actualidad como el synth-pop de la «early Madonna», pero sigue siendo una obra de referencia para cualquiera que busque hacer un disco pop conceptual, con envergadura cinematográfica y en el que los mensajes sociales tengan tanto peso como el amor por la pista de baile. Puede que hoy en día las letras idealistas de ‘Rhythm Nation 1814’ resulten algo ingenuas en comparación con las que hoy en día hacen Kendrick Lamar on Beyoncé, pero eso es probablemente el único elemento del disco que ha envejecido. Y la propia Janet lo sabe, pues como cantaba en ‘Shoulda Known Better’: «I don’t want my face to be / That poster child for being naive / I guess I shoulda known better». Sin embargo, al escuchar ‘Rhythm Nation 1814’ hoy en día no puede decirse que Janet no supiera exactamente lo que estaba haciendo.
Parte de la redacción evalúa ‘No te debí besar‘, el nuevo éxito (porque ya lo es) de C. Tangana y Alizzz, esta vez coronado por la participación de la joven artista chilena Paloma Mami.
«No puede acusarse a C. Tangana de haberse estancado en su fórmula cuando en los últimos tiempos ha sido capaz de publicar canciones tan dispares como ‘Pa repartir’, ‘Pa llamar tu atención’ o ‘Un veneno’. Sin embargo, ‘No te debí besar’ sí suena a un artista algo conforme en un sonido que ya ha explotado varias veces con mejores resultados. Porque con todo lo bien hecha que está (el estribillo relajado frente a la palabrería de los versos, el puente «el pedo no se me nota» que irrumpe agresivamente), simplemente palidece ante sus mejores singles y también ante los mejores de Paloma Mami, su artista invitada. Más bien parece un capítulo discreto en su discografía, lo cual no está mal, todo artista necesita temas menores en su repertorio; pero yo personalmente no creo que me la vaya a poner mucho.» Jordi Bardají.
«Las listas diarias de Spotify nos lo advierten: el dúo de C. Tangana y Paloma Mami ya es un hit. Tras una entrada un pelín modesta, han pasado los días y la canción ha subido, se asienta. Eso significa que ha calado. Otra cosa es su calidad: ni ‘Booty’ es la mejor canción que ha hecho C. Tangana, ni Becky G tampoco. ‘No te debí besar’ se parece más a ‘Booty’ que a ‘Mala mujer’ o ‘Llorando en la limo’. Su inicio es excitante, pues en principio parece que va a sonar algo tipo James Blake en la era de ‘Limit to Your Love’, pero desde que entra esa base tan Drake en ‘One Dance’, la sensación es que ya has oído esto antes. Esto de acumular hits, genial, pues las listas españolas siguen llenas de canciones peor hechas… ¿pero para cuándo una reinvención tipo ‘Un veneno’? Era lo que se esperaba después de 4 meses de parón en la discografía de Puchito». Sebas E. Alonso.
«Es evidente que ‘No te debía besar’ no ha supuesto una sorpresa para nadie. ¿Están C. Tangana y Alizzz en «modo piloto automático»? Puede que sí. O puede que, simplemente, este single haya llegado simplemente más tarde de lo que debía: mi impresión no contrastada, teniendo en cuenta que Puchito contribuyó a promocionar a Paloma Mami hace un año y que coincidieron en festivales en el verano austral, es que este single se realizó hace mucho y ha tardado en lanzarse más de lo previsto. No es excusa, en todo caso, porque este sonido pop á là Drake ya estaba sobradamente extendido muchos años atrás, siendo una especie de estándar sonoro de este fin de década. La cuestión es que, una vez más, el tándem formado por cantante/rapero y productor sigue manteniendo un nivel de calidad sobresaliente, con un sonido y una ejecución fantásticas, por encima de la media no ya nacional, sino también internacional. Es cierto que en un principio puede sonar recurrente, pero poco a poco sus (múltiples) ganchos van engatusando y haciéndose tan irresistibles como los de ‘Antes de morirme’, cambiando a Rosalía por una Paloma Mami que está, como en todos los singles que ha lanzado, excelente. Incluso aunque no fuera un hit –que lo es ya, con varios millones de reproducciones en pocos días–, ‘No te debí besar’ es otra cumbre de C. Tangana y Alizzz, los dos tipos que han cambiado el panorama del pop español». Raúl Guillén.
Céline Dion saca disco el próximo 15 de noviembre. Será el primer álbum que saca destinado al público inglés, y después del enorme éxito de su álbum dedicado al público francófono, ‘Encore un soir’, que salió en 2016, el mismo año en que perdía a su pareja y a su hermano. Fue uno de los discos más vendidos en todo el mundo de aquel año. Está por ver si el nuevo iguala los mismos méritos esta Navidad.
La cantante sacaba hace unos meses un single de EDM bastante disparatado llamado ‘Flying On My Own’, de impacto comercial inexistente, y ahora es el turno de presentar otras 3 canciones a la vez, aprovechando que el álbum va a ser muy generoso en cuanto a pistas. Serán hasta 16 en la edición normal y 20 en la deluxe. Las cuatro que conocemos de momento estarán situadas en la primera mitad de ese largo.
Mientras ‘Courage’ es la esperable balada de Céline Dion, ‘Imperfections’ es un medio tiempo de R&B producido por DallasK y ‘Lying Down’, la producción más noticiable de las tres más allá incluso de sus créditos. En ellos encontramos a Sia y a David Guetta, pero es que estos en lugar de apostar por la EDM de ‘Flying On My Own’ o su macrohit conjunto ‘Titanium’, han virado casi hacia la balada metalera, siempre desde un prisma pop. Un tema apto para seguidores de Evanescence y Mónica Naranjo que desconocemos si puede calar fuera de un marco eurovisivo.
Se acabó la relación entre la segunda vida de Operación Triunfo y Eurovisión, o al menos por el momento. Tras las malas posiciones obtenidas en el certamen por Amaia y Alfred y para Miki pese a que este fue a darlo todo con ‘La venda’, RTVE acaba de anunciar que el representante español para Eurovisión 2020 se elegirá «por designación directa». Es decir, será «a dedo», y se indica que será «un conocido artista».
Eurovision-Spain recuerda que en esta década fueron elegidos a dedo Pastora Soler en 2012, El Sueño de Morfeo en 2013 y Edurne en 2015. Entre los tres, hubo de todo. Pastora Soler quedó bien, Edurne bastante mal y El Sueño de Morfeo, con la banda en plena decadencia, los últimos. Otros nombres históricos de decisión interna, como recuerda este portal, fueron Massiel (1968), Mocedades (1973), Betty Missiego (1979), Bravo (1984), Azúcar Moreno (1990), Sergio Dalma (1991) o Anabel Conde (1995).
Con todo lo mal que suena aquello de «a dedo», queda sobre el papel que la selección interna nos ha dejado nada menos que una victoria, la de Massiel, dos segundos puestos (Mocedades, Anabel Conde) y bastantes alegrías (Sergio Dalma, Azúcar Moreno). El regreso a este sistema puede ser una buena decisión, pues implica una negociación previa con un artista y por tanto es indicativo de que de hecho la persona que acuda a Eurovisión quiere ir a Eurovisión. Algo que no siempre ha sucedido en la era OT, con algunos concursantes totalmente desinteresados por la opción de actuar ante 200 millones de personas de manera insólita, y tras el éxito de gente como Loreen o este año Mahmood, que ni siquiera ganó.
Esperemos también que este modo de selección produzca un encuentro definitivo entre autores e intérpretes, pues al modo de los dos últimos años, una excelente canción podía no terminar en las manos más entusiastas, como sucedió cuando Aitana y Ana Guerra, en un primer momento, sintieron cierto rechazo hacia nada menos que ‘Lo malo’. Suponemos que esta vez se dará todo servido, pero aún se desconoce si se podrá votar entre distintas composiciones al modo de la final nacional con El Sueño de Morfeo.
A mediados del mes de agosto nos surgía la posibilidad de charlar con algún miembro de los Pixies sobre ‘Beneath The Eyrie‘, el álbum que el grupo de Boston acaba de publicar hace unos días. La ocasión lo merecía, ya que se trata de un disco en el que se recupera parte del espíritu de sus orígenes, diluido en sus dos discos previos, enérgicos pero menos inspirados.
Al otro lado del teléfono nos encontramos quizá al miembro de la banda más discreto y que menos juego nos puede dar en la entrevista, el batería David Lovering. Se revela como un conversador divertido y extraordinariamente amable –recuerda mi nombre durante toda la entrevista, por ejemplo–, esforzado para entender y responder las preguntas lo mejor posible –por raro que parezca en nuestra era, una conexión telefónica con Estados Unidos vía UK aún puede ser un desastre de cortes de sonido–. Aunque a veces no parece querer (o poder: al fin y al cabo, todas las canciones son cosa de Charles Thompson, Black Francis) mojarse de más en las preguntas sobre este nuevo trabajo. Pixies cerrarán su gira mundial de presentación de ‘Beneath The Eyrie’ en España, con los conciertos que se celebran en Barcelona –día 23 de octubre, entradas aún disponibles–, Madrid –24 de octubre, ya agotado– y A Coruña –26 de octubre, ya agotado–.
‘Beneath The Eyrie’ se publica en un par de semanas. ¿Cuáles son tus sensaciones o esperanzas hacia él en este momento?
Oh, Dios, es gracioso, Raúl, porque creo que este es el (Nde: «1, 2, 3…», cuenta en voz alta) séptimo disco de nuestra carrera, y creo que me puse nervioso con el primero. Con el segundo, un poco menos. Ahora ni siquiera pienso en él. (Risas) No tengo expectativas, estoy muy feliz con él y me encanta, pero no me pongo nervioso por el lanzamiento como solía. Sé cuándo se publica, tengo las canciones en la cabeza, las conozco bien… Estoy feliz con él, y es lo mejor que puedo sentir en el plano emocional.
«No tenemos una fórmula ni intentamos recrear algo que ya hayamos hecho»
¿Qué dirías que significa para vosotros dentro de la larga carrera del grupo?
Bueno, es solo el siguiente paso. Quiero decir, todos los discos que hacemos no suenan como el anterior, no puedes comparar un disco con el siguiente. Este es el siguiente avance en esa línea. No tenemos una fórmula ni intentamos recrear algo que ya hayamos hecho. Es una progresión y muestra dónde estamos ahora. Intentamos ser un grupo abierto a recrear cualquier estilo de música… al menos en nuestra cabeza es así. (Risas) Y este es un nuevo capítulo de eso.
¿Ha sido diferente su creación respecto a otros discos, teniendo en cuenta que se publica en una multinacional, después de dos discos publicados en vuestro propio sello?
Para nosotros no ha habido ninguna diferencia con respecto a nada de lo que hemos hecho, en ese sentido. Nuestras sensaciones o incluso nuestro estado mental respecto a hacer un disco no han cambiado. Por supuesto han cambiado la tecnología y nuestra forma de usarla, pero es lo mismo. Siempre hemos hecho lo que queremos, lo que sentimos. Nada ha cambiado.
Comparándolo con esos discos, ‘Beneath The Eyrie’ suena menos salvaje, más contenido y sobrio. ¿Era vuestra primera idea cuando empezasteis a escribirlo y grabarlo?
Como te decía, no hay una fórmula en lo que intentamos hacer. No intentamos sonar más punk o sonar a cosas anteriores de Pixies. Lo único que quizá pueda encontrar como nexo común, aunque no puedo hablar por Charles, es que lo grabamos en pleno invierno (Nde: en Dreamland Recordings, una antigua iglesia en el bosque de Woodstock, Nueva York). Quizá eso hizo que estuviéramos encantados de estar dentro del estudio, y eso se refleje en las canciones. (Risas) Es lo único que puedo encontrar en el disco que lo haga ser como es, y tampoco fue intencionado.
¿Entonces quieres decir que todo ocurre en el estudio tal cual, sin ningún plan previo?
Sí.
«Hay como unas seis canciones (en el disco) que fueron compuestas durante la grabación. Entiendo que sorprenda, pero es la forma en que lo hacemos»
Me parece increíble, nunca pensé que un grupo de vuestro estatus se metiera así en el estudio sin preparar nada.
No, a ver, sí teníamos unas cuantas canciones previas con una producción rápida. Quizá entramos con la mitad de las canciones, pero hay como unas seis canciones que fueron compuestas en el estudio, durante la grabación. Entiendo que sorprenda, pero es la forma en que lo hacemos. Nunca ha habido un guión o un plan. Si algo nos suena bien, decimos «probemos con esto». Así es como funcionamos como grupo, para nosotros no es nada especial, es simplemente nuestra forma de hacer las cosas.
Por otra parte, los arreglos de las canciones suenan menos punk, están envueltos por una onda más oscura, misteriosa, ¿verdad? ¿Cuál ha sido vuestra principal aspiración en esa parcela?
No creo que haya habido una intención, repito. No perseguimos un sonido. Simplemente ocurre, que las canciones surgen así. De nuevo, no puedo hablar por Charles como compositor, si hay algo emocional que haga que sean como son. Pero no hubo una visión previa del disco. Solo teníamos esas pocas canciones hechas antes, entramos al estudio y ha salido así.
«Uno de mis grupos favoritos es Rush (…). Y hay un vídeo en el que están los tres simplemente cenando y hablando. ¡Pue es lo mejor que he visto de Rush en mi vida!»
En cuanto a la grabación, habéis estado publicando una serie de podcasts a cargo del periodista Tony Fletcher, que ha registrado durante el proceso de composición y grabación. ¿Eso lo ha hecho más divertido o era incómodo a veces?
Fue interesante, porque normalmente en el estudio estamos solos. Y allí estaba este caballero, grabando todo lo que hacíamos, estando allí todo el tiempo. Al final se convirtió en algo normal y ni siquiera notábamos que estaba ahí. Pero ahora creo que ha sido fantástico hacerlo, porque… Te pongo un ejemplo: uno de mis grupos favoritos es Rush. He ido a sus conciertos, me encanta su música, me encantan como músicos. Pero hay un DVD, solo ese DVD, en el que en la sección de extras hay un vídeo en el que están los tres simplemente cenando y hablando. ¡Pues eso es lo mejor que he visto de Rush en mi vida! (Risas) ¡Solo cenando y hablando! Porque se convierte en algo personal. Y cuando nos grababan a nosotros me parecía raro, pero ahora lo entiendo mejor. Ver a tu banda favorita hablando de cosas personales, o haciendo el bobo, es un extra muy guay.
No solo los dos singles que avanzasteis, ‘On Graveyard Hill’ y ‘Catfish Kate’, sino todo el álbum respira un estilo de Pixies clásicos, entendiendo como tal ‘Surfer Rosa’. ¿Aspiráis a que este disco se convierta en un nuevo clásico?
Una vez más, no… No deseo o espero nada. Por supuesto que sería genial que salieran más conciertos y tocar mucho, pero la idea siempre es que sea OTRO (Nde: realza con la voz esa palabra) disco de Pixies. En todo caso, ahora que lo mencionas, me han llegado más comentarios en ese sentido. Quizá sea por el uso del español en algunas de las canciones, en lo que coincide con ‘Surfer Rosa’. Pero en todo caso es bonito, es agradable que evoque a eso.
Efectivamente, en los países de habla hispana llamará mucho la atención la canción ‘Los Surfers Muertos’, así que es casi obligado que os pregunte por ella. ¿Sabes si existe realmente esa playa en Nuevo México, como dice la letra? ¿Cómo surgió?
Una vez más, Charles te lo explicaría mejor, pero todo surge de Paz, nuestra bajista. Es una extraordinaria surfista, y la canción cuenta una historia personal suya. Así que, si ella canta una canción sobre surf, estoy seguro de que todo es real. (Risas) (Nde: la letra habla con cariño sobre una surfista amiga suya, Desirée, que murió víctima de una gran ola conocida como «Killer Dana»)
«(Paz Lenchantin) es una gran bajista, una gran músico, y eso es fantástico porque me obliga a tocar mejor. No quiero quedar en evidencia a su lado»
Ya que mencionas a Paz Lenchantin… Ella se ha consolidado del todo como la cuarta Pixie, y es tangible su papel co-protagonista en este disco. ¿Cómo ha sido ese proceso en el que ella llega al grupo hasta que se ha ganado su propio espacio en él?
Bueno, ella lleva con nosotros ya seis años, y nos encanta. Es parte integral de la banda, es una gran bajista, una gran músico, y eso es fantástico porque me obliga a tocar mejor. No quiero quedar en evidencia a su lado. (Risas) Tuve que aprender a tocar mejor, literalmente. En los dos discos que hemos hecho con ella, ‘Head Carrier‘ y ‘Beneath The Eyrie’, su aportación se ha hecho indeleble: tocando el bajo, en los arreglos… Y cuanto más tiempo pasa en el grupo, se hace mejor y su aportación crece. Ha sido muy bienvenida, es maravilloso tenerla.
En algunas canciones, como ‘This Is My Fate’, recuperáis ese fascinante ambiente de desierto fronterizo que solíais, y que ya forma parte del universo Pixies. ¿Qué piensas de ese odio que parte de la sociedad estadounidense, instigada por el propio Presidente, sostienen hacia la comunidad hispanoamericana? (Nde: nuestra charla tiene lugar días después del terrible atentado de El Paso del pasado agosto
No quiero entrar en un análisis político, pero creo que es horrible. Por lo que es este país, cosas así no deberían ocurrir. Es equivocado. Es todo lo que puedo decir.
«Cada vez que hacemos un nuevo disco y vamos de gira, Charles quiere tocar CADA canción incluida en él»
¿Te atreves a decir qué canciones del disco crees que tendrán un papel protagonista en vuestros directos? Y no me refiero solo a la nueva gira, sino también a los del futuro.
Mira, Raúl, te voy a contar una cosa: cada vez que hacemos un nuevo disco y vamos de gira, Charles quiere tocar CADA canción incluida en él. (Risas) Así que vamos a tocar todo el disco. Y solo después de unas cuantas veces pensamos «quizá esta canción no funciona», esto y aquello, y decidimos dejar de tocar algunas. Pero en este momento, te aseguro que vamos a tocar CADA canción de ‘Beneath The Eyrie’ en directo.
«He llegado a un punto en el que cuando publicamos un disco no me creo ningún tipo de expectativa hacia él»
Tanto ‘Indie Cindy’ como ‘Head Carrier’ tuvieron recepciones tibias tanto por parte de la crítica como del público. ¿Es algo que os preocupe con este nuevo disco?
No, no. Como te decía antes, solo me ponía nervioso al principio, es algo que ya no me pasa. Imagino que la gente lo criticará, pero no permito que me afecte, ni me enfada. Esto es lo que hacemos y estoy muy feliz con él. No pretende cambiar nada. He llegado a un punto en el que cuando publicamos un disco no me creo ningún tipo de expectativa hacia él. Creo que es peor generarse expectativas.
Vuestra gira europea de este disco culmina aquí en España. Habéis escogido tocar en recintos medios o incluso pequeños, considerando el estatus del grupo. ¿Por qué ha sido así?
Bueno, nos gusta tocar en sitios pequeños, siempre es más íntimo. Dicho esto, supongo que nuestro management pensó que era mejor tocar en espacios así, porque no lo pedimos específicamente. Pero nos gusta, y tocaremos ahí, Raúl.
De hecho, las entradas del show de Madrid (Nde: más tarde ha sucedido lo mismo con las de A Coruña) se han agotado en unos días. ¿Habéis considerado la posibilidad de añadir alguna fecha más?
Sé que cuando los promotores organizan el tour se anticipan a estas cosas, pero no lo sé. Si no se ha hecho es porque no ha sido posible, no sé por qué. No puedo decirte más.
«Cuando el grupo se separó la primera vez, me quedé destrozado, fue como perder todo lo que yo era»
¿Qué significa para ti, después de más de 30 años, seguir tocando en los Pixies y congregar a montones de gente en vuestros conciertos por todo el mundo?
Es algo maravilloso. Me encanta estar en un grupo y que sean los Pixies. Siempre lo soñé. Y cuando el grupo se separó la primera vez, me quedé destrozado, fue como perder todo lo que yo era. Así que aprecio muchísimo haber tenido la oportunidad de volver a hacerlo. Y no solo yo, todo el grupo. Está en otro nivel de disfrute. No podríamos pedir más.
¿Dirías entonces que disfrutáis más ahora que en la primera parte de vuestra carrera?
¡Oh, sí! Como diez veces más. (Risas) Porque verás, éramos muy jóvenes y era divertido. Nos abrió mucho los ojos, fue un tiempo maravilloso. Pero perder algo, y tener una nueva oportunidad de volver a disfrutarlo, te enseña a apreciarlo de verdad. Y yo lo hago.
Los herederos de Whitney Houston habían anunciado nuevos proyectos centrados en la artista, fallecida en 2012. Se aproxima probablemente un nuevo disco de material inédito, también un musical de Broadway y estos habían hablado también sobre una gira con holograma. Esta acaba de anunciarse junto a sus fechas, sin que España sea una de las paradas confirmadas.
De hecho, la mayoría de fechas reveladas, salvo la mexicana, son europeas, y habrá citas en Reino Unido, Dinamarca, Alemania, Países Bajos, Austria o Rusia, entre otros. El espectáculo está diseñado por BASE Hologram, la empresa que se ha encargado de la gira de conciertos holográfica de Buddy Holly y Roy Orbison, y contará con una banda en directo, coristas, coreografías y canciones remasterizadas, además de por supuesto el espíritu digital de Whitney.
De manera inaudita y 7 años después de su muerte, Whitney ha conseguido este año un éxito póstumo gracias al remix de Kygo de ‘Higher Love’, que ha arrasado en Reino Unido y ha sido un éxito también en las plataformas de streaming. Sin embargo, el anuncio de esta nueva gira con holograma de Whitney está produciendo reacciones bastante encontradas por parte de los fans. Os dejamos con las fechas confirmadas:
01-23-02-09 Mexico – TBD
02-27 Liverpool, England – M&S Bank Arena 2 Arena
02-28 Manchester, England – Apollo
02-29 Leeds, England – First Direct Arena
03-01 Glasgow, Scotland – SEC Armadillo
03-02 Aberdeen, Scotland – P&J Arena
03-03 Dublin, Ireland – Bord Gais Theatre
03-04 Birmingham, England – Arena
03-05 Bournemouth, England – Bournemouth International Centre
03-06 Cardiff, England – Motorpoint Arena
03-07 Brighton, England – Centre
03-09 Nottingham, England – Royal Concert Hall
03-10 London, England – Hammersmith Apollo
03-12 Brussels, Belgium – Bozar
03-13 Amsterdam, Netherlands – AFAS Live
03-14 Ghent, Belgium – Capitole
03-19 Zurich, Switzerland – Samsung Hall
03-20 Berlin, Germany – Admirals Palast
03-22 Vienna, Austria – Stadhalle F
03-23 Bratislava, Slovakia – Inchebo Expo Arena
03-25 Copenhagen, Denmark – Forum Black Box
03-26 Oslo, Norway – Folketeatret
03-28 Stockholm, Sweden – Cirkus
03-30 St Petersburg, Russia – BKZ Oktyabrisky
03-31 Moscow, Russia – Kremlin Concert Hall
04-02 Kiev, Ukraine – Palace Ukraine
04-03 Minsk, Belarus – Palace of the Republic
Charli XCX es autora del disco pop de la semana, ‘Charli‘. Hoy analizamos el tema ‘Click’ pero antes la artista ha estrenado videoclip para uno de los singles previos, ‘2099’, su segunda colaboración con Troye Sivan después del éxito ‘1999’. El vídeo para ‘2099’ naturalmente no es tan nostálgico como aquel aunque tampoco demasiado futurista, pues simplemente presenta a Charli y a Troye conduciendo una moto acuática «hacia el futuro»… que, en su caso, debe ser el muelle que les espera tras el rodaje.
Con su habitual ironía, Charli ha dicho que este es el «mejor vídeo del mundo» y que está «muy contenta de haberlo hecho» y añade: «¡Troye y yo tenemos tanto talento!» Bradley & Pablo han dirigido la pieza, «una encarnación cinematográfica del sonido futurista de la canción», también la más experimental del álbum. Aunque el vídeo, como decimos, no es ni futurista ni demasiado experimental, ¿y realmente ese es Troye haciendo piruetas en su moto? Charli dice que el autor de ‘Bloom‘ «entrenó duro» para el vídeo, pero no es que cuele mucho en el resultado final.
La británica ha seguido promocionando su nuevo disco estas semana también en la tele. En el programa de Jimmy Fallon ha presentado ‘Gone’ junto a Christine and the Queens y su entregada actuación ha recibido alguna que otra comparación con aquel dúo que David Bowie y Mick Jagger hicieron a mediados de los 80.
¿Qué hace una artista que gana el premio a Artista revelación en los Grammy -un sueño para cualquier persona que se dedique a la música pop pese a su fama de premio maldito– pero cuya carrera, después de este logro, se estanca? La canadiense Alessia Cara iba en camino de convertirse en una nueva Lorde en 2015 con el éxito de ‘Here’, y después el gran recibimiento de temas tan dispares como ‘Scars to Your Beautiful’, ‘Stay’ con Zedd, ‘How Far I’ll Go’ u ‘Out of Love’ confirmaba la promesa. Sin embargo, el gran público parece haber pasado página de ella y su segundo álbum, ‘The Pains of Growing‘, lanzado a finales de 2018, era sorprendentemente ignorado por las masas. De revelación reconocida por los mismísimos Grammys hemos pasado a «underdog» sin que a Cara le haya dado tiempo realmente a mostrar el alcance de su talento.
Así que, respondiendo a la pregunta con la que empieza este artículo, Cara no se ha ido a ninguna parte a reflexionar sobre su lugar en la industria musical (aunque iba a tomarse un año sabático, actualmente se encuentra de gira con Shawn Mendes) sino que ha improvisado un EP durante el verano que ha llamado simplemente ‘This Summer’ y que representa una notable mejoría respecto a su anterior trabajo.
En ‘This Summer’ por fin empieza a asomar una artista que está encontrando su propia voz en el pop y el EP incluye al menos dos canciones que se encuentran ya entre lo mejor de Alessia: ‘Rooting for You’, inspirada en parte en aquel meme de Tyra Banks en el que grita a una modelo en su programa de televisión, es pegadiza y «cool» sin sonar desesperada y cuenta con una producción inspirada en el dub que es un alucine escuchar con cascos; y luego está ‘October’. Esta sencilla canción de pop-rock post-veraniego captura la melancolía de un verano que sabes está apunto de terminar y gracias a su preciosa y atemporal melodía, puede ser la mejor que ha firmado Alessia hasta la fecha.
Hay más ecos dub en el single reggae de ‘This Summer’, ‘Ready’, que sin ser el gran logro del EP, no está mal. Y es que al final, lo mejor de ‘This Summer’ es lo despreocupadas que suenan todas sus pistas de las listas y las modas, algo que se percibe totalmente en las guitarras y ritmos orgánicos de hip-hop de ‘What’s On Your Mind?’, otro de los temas destacados del álbum gracias a su pegadizo estribillo. Puede que no haya un hit tamaño ‘Here’ en este EP, pero es imposible pasar por alto la frescura que desprenden sus pistas y sobre todo lo vibrante, vívida y por momentos incluso interesante que es su producción. A Alessia claramente le ha sentado bien abordar la composición de estas nuevas canciones sin el estrés ni las presiones que suponen hacer un segundo disco tras ganar un Grammy, y eso se ha terminado notando.
Calificación: 7,1/10 Lo mejor: ‘October’, ‘Rooting for You’ Te gustará si te gusta: Billie Eilish, Lorde, Julia Michaels, Zayn Escúchalo:Spotify
Cinco días más tarde de lo previsto por «problemas de producción», como viene siendo habitual por otro lado, ha comenzado en Nueva York la gira de presentación por teatros de ‘Madame X‘, el disco con el que Madonna se ha desmarcado de las modas imperantes para apostar por las músicas del mundo. Como también es habitual, el setlist ha sido generoso en canciones del disco que presenta, y no tanto con sus temas más populares y escuchados, de los que a duras penas aparecen ‘Like a Prayer’ y ‘Vogue’.
En cambio, el setlist arranca con los que claramente, como decíamos en la crítica del álbum, son sus temas favoritos en esta era y para los que ha hecho los videoclips más dedicados: ‘Dark Ballet’ y ‘God Control’. Después, el set es generoso con esas concesiones a la música portuguesa, angoleña, caboverdiana, jamaicana, etc, que ocupa la parte central del álbum. No faltan ni ‘Batuka’, ni ‘Crazy’, ni ‘Come Alive’, ni ‘Extreme Occident’, ni ‘Future’… aunque sí la favorita del público, ‘Faz gostoso’ con Anitta. ‘Crave’ aparece a modo de remix. El show se cierra con ‘I Rise’ y sí aparecen guiños pasados a su carrera como ‘Frozen’, ‘Papa Don’t Preach’, ‘Express Yourself’, ‘La Isla Bonita’ o ‘American Life’, algunas de ellas en versiones reducidas. De momento hay grandes ausencias vistas en los ensayos, como ‘Easy Ride’ o ‘Joan of Arc’, pero se desconoce si el show fue recortado debido a su retraso de una hora, o si el setlist será variable.
Efectivamente y como también es habitual, los foreros de Popjustice que han asistido al concierto y la primera crónica del mismo apuntan a un retraso de una hora en el inicio del set, que Madonna excusó apelando a unos retoques en las proyecciones (su hija Lourdes León aparece bailando en las de ‘Frozen’). Se pilló bastante los dedos asegurando que no volverá a ocurrir, pues resulta difícil pensar en un concierto suyo que no se retrase sus 30 o 40 minutos.
También ha llamado la atención que los móviles hayan sido confiscados, evitando fotos y vídeos en esta gira de teatros que pasará por Londres, París y Lisboa pero no por España. Los asistentes han elogiado el set, si bien apelando a cierta falta de conexión entre las distintas partes. Showbiz.411 escribe una crítica elogiosa del show, lo cual es bastante curioso, pues la confecciona uno de los mayores «haters» de Madonna sobre la faz, Roger Friedman.
Este considera el show «ambicioso», «elegante» y «minimalista» y lo compara con «varios shows de Broadway en plan Avant garde» que, eso sí, «han de integrarse mejor». Indica asimismo que «las canciones del último disco se han convertido en convincentes piezas teatrales». Un forero de Popjustice elogia también «el minimalismo de la iluminación» y lo divertido que es el show gracias a la buena comunicación entre artista y público, pero cree que ‘Like a Prayer’ y no ‘I Rise’ debería haber sido la última canción a modo de clímax. Por su parte, Boyculture.com disecciona el show canción a canción, incluido un tributo a Celeste Rodrigues, elogiando el estado de la voz de Madonna y subrayando que «Eurovisión fue un accidente».
Charli XCX publicó varios adelantos de ‘Charli‘ -uno de nuestros más recientes Discos Recomendados- antes de su salida el pasado viernes, pero se dejó alguna que otra sorpresa en el tintero. Y ‘Click’ es una de esas sorpresas mayúsculas con las que nos hemos encontrado al escuchar el nuevo álbum de la británica. O quizá no lo fuera tanto si atendemos a sus colaboradores.
‘Click’ es otra de esas palizas sonoras (en el buen sentido) firmadas por el productor de PC Music A.G. Cook, en este caso junto a varios nombres. Entre ellos destaca el de Dylan Brody de 100 gecs, un dúo de Los Ángeles compuesto por Laura Les y el propio Brody, cuyo gusto por los ritmos brutos y la distorsión extrema está plasmado a lo largo de la canción, sobre todo en su incómodo final, pero también en lo que ocurre musicalmente tras los versos de Charli XCX y sus colegas invitados, Kim Petras y Tommy Cash (no dejéis de escuchar su álbum si sois fans de Sleigh Bells o Death Grips). Presentes en el tema están también un par de productores más asociados a PC Music, umru y Ö (ambos ya aparecían en ‘POP 2‘).
Y lo que ocurre musicalmente en ‘Click’ es capaz de hacerte temblar las piernas. Mucho más brutal que las colaboraciones de Charli con Kim en ‘Unlock It’ y de Charli con Tommy Cash en ‘Delicious’, este fanfarrón tema está hecho para volarte los sesos. Y lo mejor es que sus intérpretes están a la altura, especialmente una Kim Petras que convierte en oro todo lo que toca. En su voz, ese «I’m next level so legit» suena a hit absoluto y ojo porque Charli también quedó alucinada con su verso (es un rap) cuando se la mandó, hasta el punto que hubo de re-escribir el suyo, como ha explicado en una entrevista. «Mi verso era malísimo, y cuando Kim me pasó su parte, tuve que regrabar la mía, porque Tommy también lo había petado. ¡Yo era la peor!» Al final le ha quedado un pepino. Os recordamos que Charli actúa en La Riviera de Madrid el próximo 20 de noviembre y en la sala Razzmatazz de Barcelona el 22 de noviembre. Entradas, aquí.
Lana del Rey / The Greatest: Pese a que no está entre las favoritas del público según Spotify, una de las grandes joyas que contiene ‘Norman Fucking Rockwell‘ es esta canción en la estela de ‘A Whiter Shade of Pale’. Shura / religion (u can lay your hands on me): El segundo disco de Shura ha supuesto un considerable giro estilístico hacia los 70 y este «religion» es una de las canciones que mejor lo ejemplifica. Tove Lo, Kylie Minogue / Really don’t like u: Dos grandes del pop unen fuerzas en este nuevo single de la artista sueca, una tragedia en la pista de baile en la estela de ‘Dancing On My Own’. Rudimental, Elderbrook / Something About You: Seguimos hablando de beats noventeros con este pelotazo que Rudimental pueden sumar a su carrera, esta vez como invitados de Elderbrook. Vicente Navarro / Toro: Otra de las estupendas canciones del debut de Vicente Navarro es este tema en que tan bien se nota que no se conforma con las sonoridades de cantautor. Cineplexx, La Bien Querida / Hey: Este mes estrenábamos el vídeo de Cineplexx para su canción con La Bien Querida, en la estela de Jeanette. Grimes / Violence: El regreso de Grimes adapta la electrónica de los 90 solo para llevarla a sus propios territorios. De momento ha producido opiniones encontradas. Dorian Electra / Flamboyant: Entre quienes han pasado recientemente por Revelación o Timo, Dorian Electra, que aparte de lograr cierta repercusión con ‘Man to Man’, cuenta con canciones tan cucas como esta ‘Flamboyant’. León Benavente / Ayer salí: Tercer single del eficiente disco de León Benavente, ‘Vamos a volvernos locos‘, que os vais a hartar (o no realmente) de bailar en los festivales de 2020. Bombay Bicycle Club / Eat, Sleep, Wake (Nothing But You): Buen regreso de Bombay Bicycle Club tras 5 años de silencio, y con cierta querencia electrónica a lo Postal Service o Stereolab.
Fontaines DC / Big: Uno de los hitazos incluidos en el debut de Fontaines DC es ‘Big’, seguro que sonará muy fuerte en la inminente gira del grupo por España, y para la que, en el caso de Barcelona, se acaba de ampliar el aforo. Cigarettes After Sex / Heavenly: «Celestial» (sorry) regreso de Cigarettes After Sex avanzando su nuevo álbum, aunque ojo, también tienen sus haters… La Bien Querida, Diego Ibáñez / ¿Qué?: Viene con nuevo guiño a New Order (y con la voz del líder de Carolina Durante) el primer single del nuevo disco de La Bien Querida, a la venta el 27 de este mismo mes. Amaia / Quedará en nuestra mente: La canción favorita de Amaia del productor de su disco, Santi Motorizado, es este tema que se lanzaba como single durante el verano, y desde entonces, no ha dejado de crecer. Mandy Moore / When I Wasn’t Watching: Estupendo regreso tras 10 años de la cantante y actriz Mandy Moore, idóneo para seguidores de Lissie o Kacey Musgraves. Billie Eilish / i love you: Aunque no ha sido uno de los singles principales de ‘WHEN WE ALL FALL SLEEP, WHERE DO WE GO‘, esta preciosa balada sí puede ser una de las canciones que mejor perdure de Billie Eilish a la larga. Marika Hackman / hand solo: Divertidísima oda a la masturbación de esta gran autora que acaba de estrenar álbum. ‘Any Human Friend‘ es uno de nuestros últimos Discos Recomendados. Camila Cabello / Liar: Camila aúna los beats de Ace of Base con una estupenda sección de metales en uno de los dos adelantos de su nuevo proyecto. Luna Ki / Septiembre: Otra de las protagonistas de Revelación o Timo ha sido Luna Ki, y atentos porque no es solo una «trap queen». Meghan Thee Stallion, Nicki Minaj, Ty Dolla Sign / Hot Girl Summer: El viral desde antes de nacer puede resultar la última colaboración de Nicki Minaj si, como ha proclamado, va a ser su último featuring en una larga temporada.
Post Malone / Circles: Nuevo hitazo mundial de Post Malone, esta vez en la estela de Empire of the Sun. Pixies / Catfish Kate: Como muestra del digno nuevo disco de Pixies, ‘Catfish Kate’ pasaba también por nuestra sección «Canción del Día», recordándonos a los tiempos de ‘Surfer Rosa’ y ‘Doolittle’. Cate le Bon / Home to You: No olvidamos uno de los temas que destacábamos de ‘Reward’ de Cate le Bon, uno de los más juguetones de su discografía. Miss Caffeina / Reina: El que fuera un «buzz» single de ‘Oh Long Johnson’ ha terminado resultando una de las mejores canciones de la historia de Miss Caffeina, convertida en himno LGTB+. Macy Gray, Gary Clark Jr / Buddha: Gran tema de R&B de Macy Gray que hoy por hoy empieza a sonarnos hasta un poquito navideño. La canción abría su disco del año pasado pero este verano estrenaba vídeo. Tindersticks / The Amputees: No pierden elegancia ni pegada Tindersticks en el primer adelanto de su nuevo disco, que saldrá este mismo otoño. Jay Som / Tenderness: No puede sonar más a los primeros Cardigans este tema de Jay Som que la cantante californiana de ascendencia filipina ha incluido en su disco ‘Anak Ko’. María José Llergo / Nana del Mediterráneo: Espeluznante era este tema arraigado en la tradición del flamenco, como avance de un debut que parece que publicará Sony. Lindstrøm / Really Deep Snow: Avance de 9 minutazos del nuevo disco de Lindstrøm, fascinante en toda su extensión, como casi siempre. Floating Points / Last Bloom: Avance también experimental, pero más asequible (más múm) del nuevo disco de Floating Points. Blanck Mass / Love Is a Parasite: Entre las abrumadoras canciones del excelente ‘Animated Violence Mild‘ de Blanck Mass (uno de los miembros de Fuck Buttons), ‘Love Is a Parasite’, que estrenaba nuevo vídeo este verano. Cass McCombs / Estrella: En celebración de la gira española de Cass McCombs, recuperábamos este tema de su último disco. Shura / tommy: Terminamos con otro tema de ‘forevher’, el disco de Shura, el que más ha conquistado a nuestro redactor Jordi Bardají por la incorporación de una historia ajena a la artista y pasada (la de un hombre que pierde a su esposa pero vuelve a encontrar el amor) a su discurso actual.
Amaia publica este viernes 20 de septiembre su esperado primer disco, ‘Pero no pasa nada’. El mismo día, la cantante navarra ha anunciado que se estrenará el videoclip del nuevo single, ‘Quiero que vengas’. Será el tercer sencillo oficial del álbum después de ‘El relámpago‘ y ‘Quedará en nuestra mente‘ y el cuarto tema en total si contamos la cara B de ‘El relámpago’, ‘Nadie podría hacerlo‘.
Pero antes, Amaia lanza una canción nueva… aunque no tan nueva. Se trata de su versión de ‘Tan pequeñica y sincera’, una jota aragonesa popularizada por Aurora Tarragual e interpretada por Marisol -una de las grandes influencias de Amaia- en la película de 1961 ‘Ha llegado un ángel’. La misma Amaia ha producido su versión, que ya había sonado en el quinto capítulo de la tercera temporada de ‘Paquita Salas‘.
No es una versión descabellada para cualquiera que conozca el repertorio de versiones de Amaia, pero sobre todo por esa letra que la navarra seguramente no ha escogido al tuntún, pues parece toda una declaración de intenciones: «y aunque me vean ustedes tan pequeñica y sincera, no crean que tengo miedo, que me atrevo con cualquiera». La artista pasaba recientemente por El Hormiguero, donde contaba algunas anécdotas y hablaba sobre su próxima gira, que arranca en octubre.
A días de su esperado disco de debut, Amaia continúa ocupando los puestos 1 y 2 de lo más votado de JENESAISPOP. Esta semana sí hay que destacar un gran número de entradas: lo nuevo de La Bien Querida y Diego Ibáñez y también su canción con Cineplexx en posiciones más modestas, Grimes, Miley Cyrus, FKA twigs, Mahmood, Billie Eilish y Bat for Lashes. Es momento de despedirse de ‘Lento’ y, de manera significativa, ‘7 Rings’ de Ariana Grande. Una de las canciones más longevas del top, al fin en la mitad baja de la tabla y con más de 10 semanas de permanencia. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.
Alicia Keys ha publicado nuevo single, presumiblemente el primer avance del álbum que se encuentra preparando (o el segundo si contamos ‘Raise a Man‘, publicado en febrero). Se llama ‘Show Me Love’ y como apunta Stereogum, no es ni una versión de Robyn ni una de Robin S. (y tampoco de t.A.T.u.) sino un tema completamente original que además Keys canta a dúo con su colega Miguel.
Se trata de una balada acústica, en la que tienen tanto peso las guitarras de Raphael Saadiq como las armonías neo-soul que adornan toda la canción. Keys ha dicho que ‘Show Me Love’ habla sobre las «diversas experiencias del amor: el amor propio, el amor a otra persona, el amor a la creación, el amor espiritual, ese tira y afloja, la lucha, la alegría, la paz». Y ha añadido: «‘Show Me Love’ es una expresión sónica y visual de esto. No puedo esperar a que veáis el vídeo y lo sintáis».
El próximo álbum de Keys será el séptimo de su carrera y el primero desde 2016, año en el que lanzó ‘HERE‘. La artista, que este año ha presentado los Grammys, se sumaba recientemente a un remix del hit latino ‘Calma’ de Pedro Capó y Farruko. En los últimos tiempos ha aparecido también en los discos de Justin Timberlake y James Bay. Miguel lanzó su último álbum, ‘War & Leisure‘, en 2017.
Taylor Swift ha anunciado gira mundial de ‘Lover‘ y esta transcurrirá el verano que viene por varios festivales. Swift ha solido actuar en macroestadios, pero así ha explicado la cantante su decisión de estrenarse en el circuito de los festivales de verano (Swift ya había actuado en festivales antes, sobre todo de country al principio de su carrera): «Mi nuevo álbum ‘Lover’ representa campos abiertos, puestas de sol y VERANO. Quiero presentarlo en una manera que sea auténtica. Quiero ir a algunos sitios a los que no he ido y tocar en festivales». La artista ha anunciado además la creación de su propio festival ‘Lover Fest East + West’, aunque este se ceñirá únicamente a las fechas estadounidenses de la gira, que de momento son solo 4.
Y es que la mayoría de fechas anunciadas para la gira de ‘Lover’, con alguna excepción como Brasil, son europeas, y precisamente en Europa es uno de los continentes donde Swift ha solido tocar menos al ser Estados Unidos su mercado principal (peor parada ha resultado Asia, en cualquier caso). Por ejemplo, la gira de ‘reputation‘ solo incluyó seis fechas europeas frente a 40 norteamericanas y la de ‘1989’ solo 8 europeas frente a 63 norteamericanas.
Entre los festivales en los que Taylor Swift presentará ‘Lover’ el próximo verano se encuentra el portugués NOS Alive el día 9 de julio, y aquí es donde podemos empezar a conjeturar si hay alguna posibilidad de que Swift actúe al fin en España aprovechando que ‘Lover’ ha sido número 1 de ventas y streaming en nuestro país. Antes de NOS Alive, el 5 de julio, Swift actuará en Francia y después, su próximo concierto es el 19 de julio en Brasil, por lo que tiene bastantes días de margen para incluir al menos una fecha española. Y por ejemplo tanto Mad Cool como Bilbao BBK Live se celebran simultáneamente el año que viene los días 9, 10 y 11 de julio. El día 9 queda descartado, pero el resto no. ¿Cogerá Swift la llamada a algún festival español o estas son en verdad las fechas definitivas?
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