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La UFI defiende sus números tras la decepción de los Premios Odeón

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No se puede decir que los Premios Odeón hayan dejado un buen sabor de boca esta semana, cuando hasta RTVE les ha pedido explicaciones por las deficiencias técnicas de la gala. Que se refirieran a ellos como «los antiguos Premios Amigo» hasta sonaba un poco irónico: seguro que querían decir que lo organizaba una gente de experiencia y trayectoria, pero en ciertos sectores de la industria no es que dichos galardones sean muy bien recordados, pues los premiados eran siempre de los mismos colores. Ciertamente, eso, amiguetes.

Con todo, la UFI, que organiza los Premios MIN dedicados al sector independiente, ha contraatacado con un informe en el que analiza la riqueza del sector independiente, ninguneado en los Premios Odeón, pues estos se dedican exclusivamente a quien ha vendido más o tiene mejores números de streaming o venta de tickets. Una decisión que también ha sido cuestionada por Coque Malla, mientras Vega defendía algo así como que ambas ceremonias marginaban a según qué artistas. El informe de la UFI indica que en 2018 -últimos datos disponibles- a lo largo de las 70 empresas que reúne, publicaron 3.200 discos «de todos los géneros». De esas 70 empresas que componen la UFI diversas «en tamaño, ingresos y actividades», el 95% realiza funciones de sello discográfico, el 68% es editorial musical, el 68% management, el 54% booking y el 41% distribución. Recalcan también que el 14% de las compañías asociadas a la UFI están lideradas por mujeres, el doble que hace 2 años.

En cuanto a números, la facturación de las compañías independientes superó los 63 millones de euros en 2018, una subida del 9,4% respecto a 2017. El 20% proviene de las exportaciones. Se subraya, que «los independientes pagan de media a los artistas un 23% de royalties por las ventas físicas y un 31% por las digitales».

¿Qué cantidad de esos 63 millones de la UFI se refiere a música grabada? 17,5 millones de euros se correspondieron con la venta física y 23,3 millones al streaming. El total que tienen de venta física, distribución digital y derechos es de 47,4 millones. Supondría, pues, una parcela importante del total de recaudación por música grabada procedente de España. Si recordamos el informe anual de Promusicae de 2018, fueron 237,2 millones de euros los ingresados en 2018, por lo que las empresas de la UFI dispondrían de un 17% aproximadamente de cuota de mercado, si estas últimas cifras se ciñen a España. ¿Es justo que obtengan un 0% de representación en unos Premios como los Odeón, dedicados a las 3 multinacionales?

El físico importa: María Medem nos habla sobre su diseño para el disco de Bombay Bicycle Club

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Nuestro «Disco de la Semana» es ‘Everything Else Has Gone Wrong‘ de Bombay Bicycle Club, un álbum que ha supuesto un feliz regreso tras 6 años gracias al calado de singles como ‘‘Eat, Sleep, Wake (Nothing But You)’, el fantástico corte titular, ahora ‘Is It Real’, y la fantástica ‘Good Day’. A la espera de que el grupo lo presente en directo en SanSan Festival, hablábamos con la banda sobre la creación del mismo, topando entonces con una sorpresa: la diseñadora de todo el artwork de álbum y las portadas de los sencillos es española.

Se trata de la sevillana María Medem, la ilustradora ganadora del premio a Artista Revelación del Salón del Cómic de Barcelona en 2018, que cuenta ya con más de 100.000 followers en Instagram. La artista comenzó autoeditando sus cómics tras estudiar Bellas Artes. Ha publicado su primer cómic largo con Terry Bleu, una pequeña editorial holandesa, ‘Cenit’ con Apa Apa Cómics y ‘Échos’ con Studio Fidèle. Asimismo, ha participado en antologías como NOW (Fantagraphics) y Cold Cube 004 (Cold Cube Press) y también ha colaborado en distintos fanzines y realizado ilustraciones para el New York Times, New Yorker y Liberation.

Su personal estilo cautivó a «Bombay», en concreto por «su paleta de colores» como nos explicaron ellos mismos, fichándola para portada de disco, encarte, galleta, póster y también las cubiertas de los sencillos. El vinilo es doble, pues aunque el disco dura tan solo 41 minutos, hay bandas que acuden a este formato en busca de un sonido mejor (parece bastante conseguido a 45rpm), y a su vez todo el diseño está impregnado del estilo de esta artista. El póster sigue la misma línea gráfica (también viene en el CD), en aparente relación con las temáticas del disco: el parón de la banda conllevando tanto paz como crisis creativa, las segundas oportunidades, el amor y la música como forma de salir adelante. María Medem nos responde unas preguntas sobre este trabajo.

El grupo te escogió a través de IG porque «le gustaba tu paleta de colores», ¿cuál es tu versión de los hechos? ¿Te sorprendió y descolocó mucho o con 113.000 seguidores ya nada te sorprende?
Sí, me escribieron un correo en abril creo del año pasado. Me hizo mucha ilusión, fue la primera vez que un grupo tan conocido se ponía en contacto conmigo para que les hiciera algo, siempre sorprende que escojan tu trabajo y hacer trabajos relacionados con música es de las cosas que más disfruto.

¿Por qué crees que les encajó tanto tu trabajo para este disco? ¿Tuvo más que ver con la música o con las letras?
Yo diría que por las letras. Un par de los temas creo que no me los pasaron al principio, porque no los tendrían del todo terminados todavía. Me pasaron las letras y con eso fue suficiente para los bocetos, así que sí, yo diría que por las letras, que además son bastante sugerentes gráficamente.

Toda la carpeta del álbum y el póster es una declaración de intenciones a nivel color, ¿qué crees que ha querido transmitir el grupo?
Eso no sé decirte (risas) Ellos creo que nunca me dieron ninguna indicación con los colores, yo los trabajé como más me gusta trabajarlos.

Los pájaros de la portada en la edición vinilo van en relieve, ¿ha sido tu decisión artística o la del grupo?
Lo de los pájaros ha sido decisión del grupo. A la portada fue a lo que más vueltas le dimos, como pasa siempre, los pájaros en realidad son un detalle de un dibujo más grande que al final decidimos simplificar a los pájaros y luego seguir utilizando el motivo para las partes del interior, como la pegatina del vinilo, que tiene una pluma.

¿Conocías a la banda? ¿Cuál es tu canción favorita de este disco o la que mejor crees que pega con tu trabajo y por qué?
¡Sí que la conocía! Y en cuanto al tema, creo que ‘Is It Real’. Aparte es la portada de single con la que más contenta estoy.

Curiosidades en las listas de lo mejor de 2019 para Rockdelux

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Son los últimos días para acercaros al kiosco para comprar Rockdelux, así que librados de las acusaciones de «spoilers» recibidas en otras ocasiones, procedemos a analizar someramente sus listas de lo mejor de 2019, como es habitual. La revista de Santi Carrillo con Juan Cervera a la cabeza de la redacción ha escogido ‘MAGDALENE’ de FKA twigs como disco del año, lo cual viene a decir que esta cabecera, Mondosonoro y nosotros mismos hemos coincidido en el número 1, como ya sucediera el año 2011 con ‘Let England Shake’ de PJ Harvey.

El podio lo completan ‘Ghosteen’ de Nick Cave & The Bad Seeds y ‘Igor’ de Tyler the Creator, seguidos del último álbum de Solange. Billie Eilish y Lana del Rey, en principio no tanto del gusto estético de RDL, aparecen muy bien posicionadas en los lugares 5º y 6º, respectivamente. Billie es además la Canción del Año para Rockdelux con ‘bad guy’. Curiosamente, en cuanto a Lana, han apostado por la versión de ‘Doin’ Time’ (número 10).

Swans, Fontaines DC, Purple Mountains, Kate Tempest y Bill Callahan, como era de esperar, aparecen en la tabla, ¿pero qué pasa con la música pop? La revista da el sí a los álbumes de Charli XCX, Ariana Grande y Lizzo pero no a los de Tove Lo o a Clairo, quien sí aparece en canciones. En cuanto a artistas que han aparecido en unas listas sí y otras no, no han calado para ellos Michael Kiwanuka ni Madonna (portada de verano en este medio), pero sí Caroline Polachek, James Blake y Bon Iver.

En nacional, el gran ganador es ‘Sombrero roto’ de Kiko Veneno, como se deducía del especial con lo mejor de la década, seguido por el álbum de Fuerza nueva y ‘La gran esfera’ de La Casa Azul. Hay una gran valoración de los últimos discos de Hidrogenesse y Manel frente a otros de mayor acogida popular como Carolina Durante, Novedades Carminha y Cupido, que aparecen en lugares más modestos. No obstante, en una lista de hasta 45 puestos nacionales lo duro es no estar. No esperábamos encontrar a Vicente Navarro, Delaporte o Miss Caffeina pero es que tampoco ha habido suerte para Los Estanques, Derby Motoreta’s, Sen Senra, Estrella fugaz y, de manera muy llamativa, León Benavente. La revista se apunta el tanto de incluir a Rodrigo Cuevas pese a su edición tardía en 2019. No podemos dejar de apuntar la ausencia de Amaia en disco, canción, single, vídeo y concierto, dada la buena relación e identidad editorial entre revista y Primavera Sound, donde Romero ha actuado y este año vuelve a actuar.

Como en los últimos años, en plena era de debate musical constante en que nos encontramos, el gran tanto que se apunta Rockdelux es que su exhaustividad llega a las listas de conciertos, libros, libros pop, películas y series del año, estas dos últimas listas coronadas por ‘Retrato de una mujer en llamas‘ y ‘Fleabag‘. Cada una de estas áreas cuenta con un top 20 o top 25 propio y ahí es donde podrás sumergirte en qué se te ha escapado mientras debatías por enésima vez si estabas harto de Rosalía o Carolina Durante no eran verdaderamente underground.

Nace Brisa Festival, con Two Door Cinema Club, Crystal Fighters, Amaia, Cariño, Carolina Durante…

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Fitur Festivales ha anunciado hoy la llegada de Brisa Festival, un nuevo festival de verano de música pop que tendrá lugar en el Dique de Levante del Puerto de Málaga los días 19 y 20 de junio. El festival busca dar “el pistoletazo de salida del verano malagueño”.

Las primeras confirmaciones de Brisa llegan con dos cabezas de cartel internacionales, por un lado, Two Door Cinema Club, que en 2019 editaban el entretenido ‘False Alarm‘, y por otro, Crystal Fighters, que volvían con un nuevo trabajo también el año pasado llamado ‘Gaia & Friends‘. El grueso de confirmaciones de Brisa en el día de hoy, sin embargo, es nacional, y destaca por su variedad estilística y generacional: están Danza Invisible y Amaia -autora de una de nuestras recientes «canciones del día»; Sidonie y Cariño, Coque Malla y Ladilla Rusa, Niños Mutantes y Carolina Durante, así como Zahara, Novedades Carminha, León Benavente, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba y Soleá Morente. Próximamente habrá más confirmaciones.

Los abonos para el Brisa Festival están disponibles a través de su web oficial por 40 euros más gastos de gestión.

Madrid Popfest confirma a Cabiria, La Estrella de David, Jetstream Pony, Estrella Fugaz…

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Madrid Popfest celebrará este año su décima edición, por lo que ha editado un vinilo conmemorativo con las sintonías del festival ya disponible en Bandcamp.

El festival autogestionado y sin patrocinadores de indie-pop, que volverá a tener lugar en la sala Galileo Galilei los días 13 y 14 de marzo, ya había confirmado en su cartel la presencia de Jeanines, Río Arga (autores de la sintonía de 2020), The Reds, Pinks & Purples, Girl Ray y MOLAR. Y hoy desvela una nueva tanda de nombres -siete en total- igualmente interesantes, empezando por La Estrella de David. El proyecto de David Rodríguez se superaba hace un par de temporadas con el Disco Recomendado ‘Consagración‘ y recientemente ha colaborado con Amaia en la canción principal de la película ‘El legado en los huesos’. En una línea musical parecida, Estrella Fugaz -otro de los nombres confirmados en Madrid Popfest- editaba en 2019 el Disco Recomendado ‘Un sendero fluorescente‘.

Como ha venido siendo habitual, Madrid Popfest seguirá contando con una serie de interesantes nombres internacionales en su programación. Hoy se confirma en ella la presencia de la banda de post-punk e indie-pop Jetstream Pony, afincada entre Brighton y Croydon; de la banda londinense de pop retro The Proper Ornaments, compuesta, entre otros, por un miembro de Veronica Falls; y de la agrupación de Glasgow U.S. Highball, que factura un indie-pop próximo a Teenage Fanclub. Además, a todos ellos hay que sumar dos nombres nacionales más: por un lado, el de Cabiria, el proyecto de synth-pop lo-fi de Eva Valaera, que Madrid Popfest encuadra dentro de la categoría de «mememusic» por sus letras irónicas llenas de referencias a la cultura popular; y el cuarteto de «garaje garrulo» y «power pop» de Pantocrator, autor de ‘No te puto pilles’. Próximamente, el festival dará a conocer las dos últimas confirmaciones de su cartel.






Escucha lo nuevo de Rosalía, C. Tangana, Pet Shop Boys, Four Tet, Chromatics, Fuel Fandango, Nicolas Godin (Air), M. Ward…

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El último viernes de enero de 2020 (¡ya!) está marcado claramente por la publicación de ‘Hotspot‘, el nuevo álbum de Pet Shop Boys que, bueno, no ha cumplido exactamente con las expectativas. ¿O sí? No es, en absoluto, el único álbum que se lanza hoy: Black Lips, Fuel Fandango, Nicolas Godin (mitad de Air), Wire, Andy Shauf, Wolf Parade, Ásgeir y el dúo israelí Lola Marsh publican disco. También desde esta semana se puede disfrutar del primer lanzamiento internacional de la interesantísima artista griega ∑tella, el segundo trabajo de la sueca Okay Kaya, el debut de la francesa Suzane, un nuevo EP de la revelación barcelonesa Pantocrator y el estreno del dúo Chavales. Y, por supuesto, no olvidamos el sorprendente nuevo proyecto de Dellafuente, Taifa Yallah.

En cuanto a singles, sin duda destaca el morbillo de encontrar que Rosalía y C. Tangana publican tema a la vez. Pero hay mucho más, además de las canciones que a lo largo de la semana han publicado Pearl Jam, Hayley Williams (Paramore) en solitario, Joe Crepúsculo, Varry Brava, Natalia Lacunza o Confeti de Odio. Four Tet, Chromatics, Megan Thee Stallion, Calvin Harris (implicado en un misterioso proyecto dance llamado Love Regenerator), La Roux, M. Ward, Cage The Elephant con Iggy Pop y Ricky Martin están entre los nombres más llamativos. Pero también Zebra Katz (primer adelanto de su demorado álbum debut), Doja Cat (nuevo tema, poco después de publicar su segundo álbum), Els Amics De Les Arts, Kokoshca y Chlöe’s Clue (con asombrosas aproximaciones al discofunk, el reggaeton y el tango, respectivamente), se mezclan con nuevas canciones de TOPS, Veintiuno, Tennis, Waxahatchee, St Woods, Jessie Reyez, Lin Cortés, Yumi Zouma, POLIÇA, Wye Oak o el veterano batería Tony Allen, junta a las revelaciones Kimberley Tell, Franc Moody, L Devine, AMBRE, Luca Yeezu (Lucas Malcorra de Joe La Reina en solitario), Sorry e Inhaler.

Además, encontramos dúos más o menos inesperados como los de Manuel Carrasco & Mon Laferte, Thalía con Mau & Ricky o Brisa Fenoy con La Mari de Chambao. También un homenaje póstumo de Kygo a su colega Avicii, un EP también póstumo del desaparecido Luis Alberto Spinetta (que esta semana habría cumplido 70 años), otro de Tindersticks –en torno a la canción de su último disco ‘See My Girls’–, el primer EP de Radiohead que ha llegado a plataformas de streaming con la inauguración, días atrás, de su biblioteca pública virtual y más canciones inéditas que artistas como Mitski o girl in red prestan a la BSO de la película ‘The Turning’, que se estrena hoy.

Escucha y suscríbete a «Ready for the Weekend»

La luminosidad de ‘everything i wanted’ ha vuelto a dar a Billie Eilish otro hit

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Billie Eilish ha logrado otro hit importante en su carrera con ‘everything i wanted’. Este tema publicado el pasado mes de noviembre mantiene unas escuchas diarias estupendas en Spotify a día de hoy, de unos 3 millones, y se mantiene dignamente en el top 13 del chart global de Spotify tras haber alcanzado posiciones muy buenas en toda Europa (ha sido número 1 en Irlanda o Noruega) y en los dos mercados principales: Reino Unido, donde ha sido top 3, y Estados Unidos, donde ha sido top 8.

Si hace 10 años me hubieran dicho que una canción como ‘everything i wanted’ iba a ser tan exitosa, no me lo habría creído. Pero son otros tiempos y el disco de Eilish, producido por ella y por su hermano, Finneas O’Connell, y nadie más, en la habitación de su casa, ni siquiera en un estudio profesional, ha sido el más vendido de 2019. Las producciones «de habitación» hoy copan las listas de éxitos y ‘everything i wanted’ destaca de hecho por su sonido íntimo y artesano, obra de un Finneas que hoy trabaja con Selena Gomez o Tove Lo, pero cuyo sonido para Eilish sigue siendo muy identificable por su cercanía (la voz) y minimalismo (la producción).

‘everything i wanted’ conecta con la temática de ‘WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO GO?’ necesariamente, pues está basada en un sueño que Eilish tiene un día, en el cual la cantante decide suicidarse desde el Golden Gate Bridge de San Francisco (de ahí que la portada del single sea una pintura de este puente obra del pintor británico Jason Anderson) y descubre, para su horror, que a nadie le importa. En este delicado y luminoso medio tiempo basado en una atmosférica melodía de piano, y que puede recordar al infravalorado ‘WHEN I WAS OLDER‘ (ambos temas han sido incluidos en una reedición del álbum), Eilish utiliza la metáfora del suicidio para explicar lo indigna que puede llegar a sentirse ante la fama que ha alcanzado (algo que ha expresado en numerosas ocasiones); pero el mensaje último de ‘everything i wanted’ es uno de amor fraternal: cuando Eilish despierta en la canción de ese sueño que es más bien una pesadilla, lo hace reconfortada con la presencia de su hermano. El sentimiento es mutuo y el videoclip de ‘everything i wanted’, dirigido por Eilish y recién estrenado, muestra cuán lejos pueden llegar a ir los hermanos para mantenerse unidos.

‘olvídate de mí’: la muy digna balada de Natalia Lacunza junto a un «Cupido» y Carlos René

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Natalia Lacunza ha sido disco de oro en España con su EP ‘otras alas’, que contenía su éxito ‘nana triste’ y después otros temas influidos tanto por Billie Eilish (‘tarántula’) como por el R&B.

Universal anuncia su nuevo EP para el mes de marzo y viene presentado por un corte llamado ‘olvídate de mí’. Oficialmente estamos ante una “canción sobre la despedida definitiva de una persona que ha estado en tu vida siempre, pero de una manera diferente a la que tú hubieras querido que estuviese. Es la historia de un amor que nunca fue realidad, que te rompió y al que debes decir adiós por tu propio bien”. Será, asegura, la «canción más triste de ese EP».

Además de ser muestra de las intereses artísticos de Natalia Lacunza, ‘olvídate de mí’, pese a no encerrar tantas posibilidades comerciales -aparentemente- como ‘nana triste’; sí es una balada más que digna. Como una composición de Nena Daconte o Vega producida por James Blake, reúne muchas de las inquietudes de la artista, entre la nueva electrónica y el jazz, sin perder de vista el amor post-adolescente. En sus créditos, aparte de por supuesto a ella misma, también encontramos a Carlos René de Axolotes Mexicanos, últimamente muy conocido por haber producido el último disco de La Bien Querida; y también a Luis Sansó, que no es otro que Luichi Boy, uno de los miembros de Solo Astra que a la postre encontramos en los exitosos Cupido. Os dejamos también con el tema de este junto a Adriana Proenza.

Perreo en blanco y negro: C. Tangana saca single a la vez que Rosalía, con Natti Natasha

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Antes de morirme‘ sigue siendo una canción de enorme éxito y vigencia, pero al mismo tiempo cada vez es más un lejanísimo recuerdo. ¿Alguien puede respirar a gusto contemplando su vídeo en 2020, pensando en todo lo que ha pasado después? Pues bien, Sony tiene el atrevimiento de sacar single de C. Tangana y de Rosalía a la vez. Así se las gastan en los “New Music Friday” de hoy. Mientras Rosalía ha apostado por su tradicional lanzamiento a las 18.00 de España, las 12.00 en Nueva York, C. Tangana ha estrenado el tema a las 18.00 de Nueva York, las 0.00 en España.

El asunto tiene su razón de ser, pues en este caso se trata de un dúo de Puchito con una de las artistas con más streamings del mundo, en este caso Natti Natasha, exactamente top 100 ahora mismo entre los artistas más oídos de todo el mundo en Spotify. El lanzamiento se ha hecho, por tanto, a través de MTVLA, priorizando a los fans de Natti al otro lado del charco. Puchito ya triunfó con ‘Booty’ de Becky G y ahora quiere hacerlo junto a la otra cantante que no usa pijama.

‘Viene y va’ es una co-producción de DVLP y Capi que no renuncia a los ritmos latinos actuales, pero sabe beneficiarse de la estética de su videoclip, que analizaremos próximamente en la sección pertinente. El cine clásico y los años 50 son el fondo elegido para el amor entre diva de la canción y boxeador; y la letra habla de una “noche de perreo”, con las imágenes llevándonos a una época en que tal concepto no existía. Perreo, pues, en la era del blanco y negro.

A falta de ver si es que hay una canción capaz de derrumbar a ‘Tusa’ del número 1 en España, habrá quien deduzca que Rosalía ganará como mínimo en las listas españolas, pues C. Tangana no conoce aún número 1 en singles, pero ojo porque Rosalía viene con flamenco y sin featuring: «Novedades Viernes España» ha colocado ‘Viene y va’ primero.

Pet Shop Boys / Hotspot

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Han pasado más de 10 años desde el último top 40 en Reino Unido de Pet Shop Boys. Más o menos el mismo tiempo que desde la marcha de una cosa que se llamaba CD single. Durante este decenio hemos seguido defendiendo que canciones como ‘Love Is a Bourgeois Construct’, ‘Vocal’, ‘Leaving’ y por supuesto su enésima concesión latina, la muy bien traída ‘Twenty-Something’, merecían la atención del público. ¿Tanta como ‘It’s a Sin’ o ‘Being Boring’? Igual no, pero sí muchísima más de la que tuvieron: todas sumaron a su incuestionable imagen de artistas de pop de culto. Qué bien que muchos no tuviéramos que perder a Pet Shop Boys para apreciar a Pet Shop Boys.

En ‘Hotspot’, en cambio, es la primera vez que se percibe que el dúo se ha rendido. Neil Tennant puede asegurar en las entrevistas que este es «uno de sus mejores álbumes», pero entonces… ¿por qué lo promocionan con una gira de «greatest hits»? ¿Están tan desganados que no pueden hacer una presentación en toda Europa, primero de estas canciones, toque en los recintos que toque, y luego la gira de festivales propiamente dicha? Algo pintaba mal desde el principio y el single ‘Dreamland’ junto a Olly Alexander fue una decepción incluso para los que nos comimos con patatas ‘Thursday’ con Example: este otro tema llega tarde, cuando pocos recuerdan ya el segundo de Years & Years, y su melodía y mensaje político se mueven entre lo obligado y lo obvio.

No sé si puedo dejar de lado la tradición de que el primer single de un disco de Pet Shop Boys del siglo XXI no sea la mejor canción del disco (‘The Pop Kids’), e incluso a veces roce ser de las peores (‘Winner’), puesto que en los tiempos que corren, si no conquistas al público con el tema de salida, es muy difícil que lo consigas con algún otro. Posible es, y a todos se nos ocurren casos, pero es que Neil y Chris ni siquiera han lanzado sus mejores bazas como segundo y tercer sencillos. Como dando por supuesto que la gente se va a acercar a su álbum, sí han decidido al menos abrir con ‘Will O The Whisp’. En este caso sí estamos ante una canción inmediata, bailable y pegadiza que podría aparecer en su gira de «greatest hits», como el año pasado ‘On Social Media‘ de su EP ‘Agenda’. Y está medio simpática ‘I Don’t Wanna’, que no en vano abre la cara B. Como producción electro es un poco básica, pues todos sabemos que es momento de jubilar a Stuart Price, pero su bajo tratado es tan resultón como su sencilla letra sobre un chico «con la cabeza en las nubes», que por alguna razón «no quiere salir a bailar».

Abrir cara con estas canciones es un acierto, pero por lo demás la secuencia deja la sensación de estar tan improvisada como en ‘Super’, solo que aquí con menos canciones en número y en calidad. No sé si considerar una «canción» la final ‘Wedding in Berlin’, en cuya base irrumpe la marcha nupcial de Mendelssohn, pues es un artefacto kitsch que sólo tendría gracia como complemento a un álbum mejor: aquí sobresale demasiado para lo que es. Curiosamente, aunque el graciosillo disco-funky de ‘Monkey Business’ funcionaría mejor en la primera parte del álbum, y ‘You Are the One’ no pega mucho como pista 2; en este disco hay que romper una lanza a favor de las baladas, pues todas crecen con las escuchas. ‘Hoping for a Miracle’ se retuerce en el deseo de buscar la fama, ‘Only the Dark’ se hace muy corta, y el single ‘Burning the Heather’, con la colaboración de Bernard Butler, se viene arriba cuanto más se acerca a lo bucólico.

Entre acierto y tropiezo, nunca queda claro cuál es el objetivo de un conjunto que no se decide a gritar «quiero ser un hit» ni tampoco «no me importa no ser un hit». ‘Hotspot’ no es, como pretenden, un disco «con un sonido distinto», no parece especialmente «analógico», y no puede ser su «disco berlinés» si a veces suena a Nueva York, por mucho que en parte lo hayan grabado en los estudios Hansa y hayan llenado las letras de referencias a la U-Bahn y o lugares tan sobados como Warschauerstraße o Mitte. El ingenio lírico ha salvado al dúo en muchos de los discos más discutidos de su carrera -por ejemplo ‘Invisible’ en ‘Elysyum‘ hizo historia- pero ni a eso podemos agarrarnos en este caso cuando toda la letra de un tema es «nos casamos / un montón de gente lo hace / no importa que sea hetero o gay». No encontramos aquí precisamente un ‘Where Are We Now’, aunque también es cierto que tampoco hecatombe: el álbum es breve y entretenido, y ahí está ‘Happy People’, sobre un «affair en las afueras», para subrayarlo. Hay quien considerará esta pista «noventera», pero ‘Left to My Own Devices’ es del 88, y ‘What Have I Done to Deserve This?’ del 87. Qué tiempos aquellos.

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘Will O The Whisp’, ‘Happy People’, ‘Burning the Heather’
Te gustará si eres: fan fatal

Halsey la lía tras contestar a Pitchfork por la crítica de su nuevo disco

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Halsey acaba de lanzar nuevo disco, ‘Manic’, que está recibiendo críticas excelentes. Entre los medios menos convencidos con el álbum se encuentra Pitchfork, que lo ha puntuado con un 6,5 sobre 10 y ha criticado sus «baladas alargadas de más» y sus «ritmos insípidos», entre otras cosas. Halsey, en desacuerdo con la valoración de Pitchfork sobre ‘Manic’, ha decidido contestarla pero le ha salido el tiro por la culata.

La cantante había escrito en Twitter: «¿puede caerse ya el sótano desde el que escriben en Pitchfork?»… sin reparar en que el medio musical estadounidense no solo cuenta con oficinas en Chicago, sino también en Nueva York, en concreto dentro del One World Trade Center, construido tras el 11 de septiembre. El periodista de NBC Ben Kesslen ha sido el primero en darse cuenta de la relación y ha escrito: «me estoy volviendo loco pensando en la persona del equipo de Halsey que le haya tenido que decir (a la cantante) que acaba de pedir el colapso del One World Trade Center». ¿La repuesta de Halsey? Borrar el tuit inicial y disculparse en otros (más o menos), que luego también ha borrado: «Lo he borrado después de darme cuenta, ¡solo intentaba hacer una broma! No ha sido mi intención ofender. Pensaba que podía darles un toque con la misma actitud altiva y pasivo agresiva con la que hablan sobre los artistas. ¡Claramente ha sido un malentendido!»

Asumido que nadie piensa que Halsey quiera que suceda otro 11-S, desde luego vuelve a quedar claro que algunos artistas podrían tomarse las críticas negativas un poquito mejor… Próximamente, nuestra valoración de ‘Manic’.

‘Dolor y gloria’ o ‘La trinchera infinita’: 10 asaltos históricos al Goya a Mejor Película

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Este sábado se celebra una nueva edición de los Premios Goya, con las casas de apuestas oficialmente apuntando a ‘Dolor y gloria‘ como clara favorita, tras triunfar en los Premios Feroz. La película ha sido nominada en los Oscar a Mejor Película Extranjera, también con el reconocimiento a Antonio Banderas como nominado a Mejor Actor, entre otros logros internacionales. Sin embargo, eso no ha sido nunca determinante para la Academia de Cine, que en ocasiones ha coincidido con la repercusión crítica internacional, y en ocasiones no.

La trinchera infinita‘ es su más directa rival tras triunfar en los Premios Forqué, pues Aitor Arregi y Jon Garaño no dan tregua, no conocen todavía película mala y su visión sobre un lado más desconocido de la Guerra Civil española ha supuesto otra de las mejores películas de 2019. A falta de que ‘O que arde’, ‘Intemperie’ o ‘Mientras dure la guerra’ puedan dar la sorpresa -como más de una vez ha pasado con un film que no era favorito-, recordamos 10 enfrentamientos históricos de estos directores al Goya a Mejor Película.

‘Mujeres al borde’ derrota a ‘Remando al viento’

Los Goya no existían en los tiempos de ‘¿Qué he hecho yo para merecer esto?’ (1984), pero sí en los de ‘La ley del deseo’ (1987). Almodóvar contaba durante la promoción de ‘Julieta’ «lo que le dolió» que esta cinta no lograra ninguna nominación, como recoge Fotogramas: «Recuerdo que ‘La ley del deseo’ no consiguió ninguna nominación a los premios Goya, que ya existían por aquella época. Ninguna. Eso me dolió. Porque entonces sí necesitábamos un poco de respaldo. A mí esa ausencia me dolía no por mí, pero sí por mi equipo. Que no estuvieran Carmen y Antonio me pareció flagrante. Era un agravio en toda regla. Como que ni Victoria Abril ni Marisa Paredes hayan ganado nunca nada por ninguna de mis películas. Carmen empezó a ganar premios después, menos mal. Pero que este año, gente como el montador Pepe Salcedo no haya estado nominado por ‘Julieta’, me ha dado mucha pena». Con ese «después», Pedro se refiere a «Mujeres». Porque sí hubo suerte para el director manchego en la tercera edición de los premios. Carmen Maura era reconocida como Mejor Actriz, María Barranco como Mejor Actriz de Reparto, Pedro en Mejor Guión y finalmente «Mujeres» ganaba el galardón a Mejor Película. La de Mejor Director, y otras 5 estatuillas más, eran para Gonzalo Suárez por ‘Remando al viento’, aquella co-producción hispano-noruega… ¡protagonizada por Hugh Grant!

‘Átame’ pierde contra ‘Ay, Carmela’

Como todos sabemos, Pedro Almodóvar y Carmen Maura partieron peras rápidamente y la cosa no pudo sino empeorar cuando dos años después de «Mujeres», ‘Ay, Carmela’ fue proclamada Mejor Película en detrimento de ‘Átame’. Todo el equipo de ‘Ay, Carmela’ se comía con patatas al de ‘Átame’. Atentos:
-Andrés Pajares derrotaba a Antonio Banderas
-Carmen Maura a Victoria Abril
-Gabino Diego a Paco Rabal
-Carlos Saura a Almodóvar en Dirección.
Y para más inri, el Mejor Guión Original (pues el de ‘Ay, Carmela’ era adaptado), no fue para Pedro sino para Montxo Armendáriz por ‘Las cartas de Alou’.

‘Todo sobre mi madre’ gana a ‘Solas’

Corriendo un tupido velo por encima de ‘Tacones Lejanos’, ‘Kika’, ‘La flor de mi secreto’ y ‘Carne trémula’, en unos casos más merecido que en otros, llegamos a la gran reconciliación de Almodóvar con la Academia tras una década de ninguneo. ‘Todo sobre mi madre’ se hacía con el Premio a Mejor Película, Cecilia Roth sería Mejor Actriz y Pedro Mejor Director, si bien se le escaparía el galardón a Mejor Guión. Este sería para Benito Zambrano, también Mejor Dirección Novel por ’Solas’, cinta que saldría más que viva de esta rivalidad, con hasta 5 estatuillas. Curiosamente, Benito y Pedro volverán a competir en la noche de este sábado con ‘Intemperie’. Y ojo porque en este artículo de El País varios votantes anónimos dan su opinión, revelando que podría haber sorpresa en favor de ‘Intemperie’, última en las apuestas.

‘Hable con ella’ pierde contra ‘Los lunes al sol’

¿He dicho reconciliación? Prepárense que vienen curvas: ‘Hable con ella’, como todos recordamos a la postre ganadora del Oscar a Mejor Guión (!), era la gran derrotada de aquella noche en los Goya a principios de 2003. ¿El responsable? El filme de Fernando León de Aranoa que hablaba del paro en España, ‘Los lunes al sol’, en una ceremonia que muchos recordaréis como marcada por el «No a la guerra». ‘Los lunes al sol’ se llevaba los premios de la Mejor Dirección, Mejor Película, Mejor Actor para Bardem, Mejor Secundario para un aún no tan conocido Luis Tosar… y así. De nuevo, Almodóvar perdía el Mejor Guión contra Enrique Brasó y Antonio Hernández por ‘En la ciudad sin límites’, una película muy mona por otro lado. Quizá Pedro pudo alegrarse por Geraldine Chaplin, Fernando Fernán Gómez, y ahora también por Leonardo Sbaraglia…

‘La mala educación’, arrasada por ‘Mar adentro’

Si ‘Hable con ella’ no triunfaba en los Goya en otra era dorada para Almodóvar, tampoco lo haría la un pelín controvertida ‘La mala educación’, algo desigual en el desarrollo de sus diferentes relatos. ‘Mar adentro’ sería un taquillazo en España, también se haría con el Oscar a Mejor Película Extranjera y en ese caso sí había correspondencia transoceánica entre ambas Academias. No hubo color y ‘Mar adentro’ se llevó 14 de los 15 Goyas a los que aspiraba, dejando atrás la icónica imagen en que Pedro le entregaba a Amenábar un Goya por ‘Los otros’. Sus frases de uno hacia otro han sido públicamente educadas, pero Almodóvar abandonaría la Academia de Cine muy poco después, oficialmente «en protesta por el sistema de votación» de los Goya. ¿Os imagináis –¿OS IMAGINÁIS?– que ‘Mientras dure la guerra’ es la gran ganadora de este sábado?

‘Volver’ gana a ‘El laberinto del fauno’… sin estar Pedro

Tan sonada fue su salida de la Academia, que Pedro Almodóvar no acudió a los Goya de principios de 2007 pese a la buena recepción crítica que había tenido ‘Volver’. Como oliéndose que ‘El laberinto del fauno’ se iba a llevar todo por su excelente unión de fantasía, historia y crítica social, se quedó en su casa y envió a Penélope por si acaso. El resultado es que quedó muy mal porque Guillermo del Toro solo pudo arañar a Pedro el Mejor Guión -cómo no- por ‘El laberinto del fauno’, pero para ‘Volver’ fueron la Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actriz y Mejor Actriz de Reparto.

‘La piel que habito’ pierde contra ‘No habrá paz para los malvados’

Como si fuera lo suyo irse de la Academia antes de hacer una película buena, y volver después de hacer una regulera, con motivo de ‘Los abrazos rotos’, Alex de la Iglesia consiguió que Pedro volviera a la Academia en 2010. Y además en un año en que estaba nominado. «No te lo van a dar», le tranquilizó Alex de la Iglesia, para que su asistencia fuera una absoluta sorpresa y no se dejara ver por ningún lado. El asunto quedó bastante simpático. Obviamente ‘Los abrazos rotos’ no ganó nada -triunfó ‘Celda 211’- y la siguiente competición seria de Almodóvar fue con ‘La piel que habito’, que perdió contra ‘No habrá paz para los malvados‘. Los thrillers pasaban al primer plano…

‘Loreak’ pierde contra ‘La isla mínima’

Terminado el icónico desidilio de Pedro con la Academia, al fin llegamos a otra batalla relevante para la noche que nos ocupa. En la edición de principios de 2015, ‘Loreak’ logra llegar a ser nominada a Mejor Película, lo cual tuvo todo el mérito del mundo en su caso: se trataba de una cinta pequeña, modesta y rodada en euskera, que podía haber dado perfectamente la campanada… de no haber sido más minoritaria aún que ‘Pa negre’, ganadora en 2011. Es un año excelente para el cine español con cintas como ‘La isla mínima’ (la gran ganadora de la noche), ‘Magical Girl’ y la co-producción ‘Relatos salvajes’, pero el mérito por llegar hasta ahí de Jon Garaño y Jose Mari Goenaga es máximo. Ya habían llamado un poco la atención con la aún más independiente ’80 egunean’ y con esta cinta entre Kieslowski y Haneke, llegarían a representar a España en los Oscar, por desgracia sin suerte.

‘Handia’ pierde contra ‘La librería’

Hace un par de años se celebraba la gran puesta de largo en los Goya de Aitor Arregi y Jon Garaño. Con ‘Handia’, ya no acudían con 2 tristes nominaciones -Mejor Película y Mejor Música-, sino con 13. Se fueron de allí con hasta 10 premios, pero seguramente muy disgustados porque se les escaparon los más importantes. Era ‘La librería’ de Isabel Coixet quien ganaba Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Guión Adaptado, mientras ‘Handia’ se conformaba con Mejor Guión Original y los técnicos. ¿Qué suerte correrán Arregi y Garaño (y José Mari Goenaga) con ‘La trinchera infinita’? ¿No les debe la Academia un reconocimiento al fin a lo grande? Y sobre todo, ¿cuál podría ser «La librería» de este año?

‘Julieta’ pierde contra ‘Tarde para la ira’

Y la misma pregunta sobre su suerte cabe hacerse sobre Almodóvar, si recordamos su último paso por los Goya. Tras los malos resultados de ‘Los amantes pasajeros’, Almodóvar recuperó credibilidad con ‘Julieta’… pero no la suficiente. De 7 nominaciones solo se llevó 1 galardón -eso sí, tan gordo como el de Mejor Actriz para Emma Suárez-, siendo la gran ganadora a Mejor Película ‘Tarde para la ira’, y Bayona el Mejor Director por ‘Un monstruo viene a verme’. Almodóvar y Academia, ¿en qué punto de amor estáis 13 años después de ‘Volver’?

Alexandra Savior presentará la historia de amor 60s de ‘The Archer’ en España

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La cantautora Alexandra Savior presentará su nuevo disco, ‘The Archer’, a lo largo de una gira europea que pasará por España. En concreto, los conciertos tendrán lugar los días 12 de mayo en la sala Rockin de Madrid y 13 de mayo en la sala Nau de Barcelona. Las entradas para estos conciertos se pondrán a la venta este viernes 17 de enero a las 10.00 horas en Livenation.es, Ticketmaster.es y red Ticketmaster.

Autora del hit ‘Girlie’, que suma más de 3 millones de reproducciones en Spotify, Alexandra creció en la ciudad de Portland, en la que desarrolló su vocación musical desde la infancia inspirándose en artistas como Otis Redding, Jack White, Amy Winehouse y Etta James. Una de sus primeras grabaciones fue el tema ‘Risk’, el cual apareció, como ya os contamos, en la banda sonora de la segunda temporada de la serie estadounidense ‘True Detective’. En 2017 publicó su álbum debut ‘Belladonna of Sadness’, grabado en colaboración con los productores James Ford y Alex Turner (sí, de Arctic Monkeys), quien también fue co-escritor.

Tres años después, Savior acaba de publicar ‘The Archer’, un LP que refleja su visión de una historia de amor propia de una película de los años 60. Para este álbum, la artista ha creado el artwork, escrito cada canción y dirigido cada vídeo ella misma. Os dejamos con el simpático clip realizado para ‘Howl’, uno de los singles.

Rosalía actualiza los tangos en la carcelaria ‘Juro que’, con vídeo co-protagonizado por Omar Ayuso

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Rosalía ha estrenado a las 18.00 el videoclip de su nuevo single, ‘Juro que’, del que ya había dado varias pistas en las redes a lo largo de los últimos días. Co-escrito por Daniel Gómez Carrero, esto es, el rapero Kaydy Cain, se trata de un tema muy tradicional que actualiza los tangos flamencos con sonoridades electrónicas propias de la música urbana. El Guincho vuelve a ser su productor principal.

En ‘Juro que’, Rosalía interpreta una clásica historia de amor carcelario («llevan a mi niño preso cuatrocientos días, ni un beso pude darle de despedía», canta la artista), y el videoclip de la canción, dirigido por Tanu Muiño, muy fan de los colores como demostró en el clip de ‘Small Talk’ de Katy Perry, y parece que también de Pedro Almodóvar, pone en imágenes la separación entre los dos amantes. Omar Ayuso, actor de la popular serie de Netflix ‘Élite‘, es el hombre encerrado en este videoclip que presenta la letra de la canción traducida con subtítulos en inglés.

La llegada de un nuevo single de Rosalía (¿el primero de ese tercer disco que ha de llegar en 2020, como ha sido confirmado?) tiene todo el sentido del mundo dado que la cantante actuará, el próximo 26 de enero, en la próxima gala de los Grammys, pues aspira al premio a Artista revelación y a otro por ‘El mal querer‘. Podría haber seguido interpretando los temas que ya conocemos, pero mejor escenario que el de los Grammys anglosajones para estrenar canción no puede haber…

Marem Ladson: «En el indie y en España es poco frecuente conectar con otra persona autora»

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En su debut homónimo de 2018, ya se intuía que Marem Ladson no era una cantautora al uso, con una multitud de detalles y subgéneros que se desvelaban desde la curiosa pista de arranque, ‘Born’. Tras la atención conseguida con el single ‘All My Storms’, un paraíso de posibilidades se abría camino: su colaboración con Natalia Lacunza acumula millones de streamings, y sus últimos singles, ‘Nothing Really Matters’ y ‘Fight’, presentan nuevas influencias. Ahora está más cercana a cosas como James Blake, Empress Of o Blood Orange. Se entiende perfectamente cuando atiendes a sus respuestas a nuestro Tipo Test. Como parte de los seleccionados de Girando Por Salas, Marem Ladson actúa el 6 de febrero en Ciudad Real (Zahora & Magestic), el 14 de febrero en León (Gran Café), el 22 de febrero en Cáceres (Sala Boogaloo), el 6 de marzo en Lleida (Sala Manolita Café), el 7 de marzo en Zaragoza (La Lata de Bombillas) y el 25 de abril en Cuenca (Sala Directo Cuenca).

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos? En caso negativo, ¿una canción que te haya obsesionado últimamente?
Últimamente me he obsesionado con ‘Chances’ de Kaytranada.
¿Cuáles han sido tu disco y canción del año durante 2019?
Mis discos favoritos de 2019 fueron los de Weyes Blood, Solange, Sharon Van Etten, Tyler, The Creator y Aldous Harding. La canción de 2019, ‘Bags’ de Clairo.

¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
‘Orinoco Flow’ de Enya: mi madre tenía ese CD en casa y lo ponía a veces. Recuerdo que me gustaba mucho, y me sigue gustando. Tiene un sonido especial, como celestial.
¿Qué canción desearías haber escrito?
‘Landslide’ de Fleetwood Mac.

Actuación vocal que adores.
Cualquiera de Cat Power.
Momento musical exacto de una canción que adores.
En ‘New Love Cassette’ de Angel Olsen la parte en la que entran las cuerdas.
¿Mejor secuencia de canciones en un disco que hayas oído?
El último disco de Solange.


¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
No siento ningún guilty pleasure la verdad, creo que no hay que tener prejuicios en ese aspecto.
¿Qué canción odias con toda tu alma?
Cualquiera de Michael Bublé.

¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
No sé, eso de la perfección es muy subjetivo, pero creo que una canción hecha con alma y autenticidad, es una buena canción.
¿Quién te gustaría que versionara una canción tuya?
Ya solo que alguien piense en versionar una canción mía me hace mucha ilusión, así que realmente cualquier persona a la que le lleguen mis canciones.

Tras el pelotazo del tema con Natalia Lacunza, ¿con quién o para quién sueñas con escribir?
Me encanta trabajar con otros artistas, creo que es una experiencia muy refrescante y de la que se puede aprender mucho. Realmente no aspiro a escribir para otros, pero sí escribir mis propias canciones, pudiendo ser de forma colaborativa. Pero no es fácil encontrar esa conexión con otra persona, y creo que en el indie y en España es algo poco frecuente.
¿Sigues comprando discos en formato físico?
En caso afirmativo, ¿cuál fue tu última compra y en qué formato? Apenas compro discos, la verdad. El último que compré fue ‘Assume Form’ de James Blake.
¿Alguna canción ajena que pueda dar una pista sobre tus próximos pasos artísticos?
Algunas influencias en mis próximas canciones son Vagabon, Tei Shi, Blood Orange, Clairo o Caroline Polachek.

Le SuperHomard / Meadow Lane Park

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El sello madrileño Elefant ha encontrado en los franceses Le SuperHomard otro de los grupos con los que identificar el sonido que han desarrollado en sus más de 25 años de existencia. Pese a que proyectos como La Bien Querida, Putochinomaricón y ahora Soleá Morente han dotado al sello de cierta diversidad, referentes como The Shangri-Las, Nancy & Lee, United States of America, Stereolab y Burt Bacharach han estado tradicionalmente vinculados a sus lanzamientos, y Le SuperHomard no son precisamente una excepción. Christophe Vaillant, creador principal en el grupo, dejaba atrás su era mod para formar esta banda junto a su hermano y un grupo de amigos. Mientras Vaillant se encarga de lo musical, las letras en inglés han sido escritas por las autoras inglesas Yoanna Claquin y Pandora Burgess, con el objetivo de evitar «el mal inglés que suelen tener las bandas francesas». Completan el complejo estético la dulce voz de Julie Big, situando definitivamente al grupo en la estela de gente como Saint Etienne o Françoise Hardy; y una serie de arreglos entre lo orgánico y lo electrónico.

Es un cliché asociar «folk» a «campo» y «sintetizadores» a «ciudad», pero ‘Meadow Lane Park’ contiene una curiosa lucha entre lo bucólico y su opuesto. A lo primero tiende la primera pista del disco, llamada por algo ‘In the Park’, y que suena misteriosa entre cuerdas, coros y arreglos. Más a lo segundo la machacona base que ya encontramos en el siguiente tema, el single ‘Springtime’. Pero lo curioso sucede cuando ambos caminos confluyen. ‘Door After Door’ es un tema que habla de alguien «perdido entre la multitud», que sabe que su «tiempo en la ciudad se ha acabado», pero cuyo destino está «en ningún lado». Por muy bucólico que parezca el álbum, el también single ‘SDVB’ equilibra la balanza al poner sobre la mesa la importancia de los arpegios electrónicos. Su letra, de manera significativa, parece hablar del amor en la era digital.

Los retratos de un extraño hombre en traje a punto de cantar en un karaoke (‘Karaoking’) y los de un hombre con un «ingenio» y encanto fuera de lugar en medio de una fiesta con champagne (‘Elephant in the Room’) nos hacen pensar en Nina Persson. Sobre un fondo algo plano y cinético en el que los instrumentales están situados estratégicamente al principio, en medio y al final, destacan por su carácter inmediato -además de los sencillos mencionados- la urgente ‘Paper Girl’ y también el corte titular, que parece un medio tiempo orquestado pero -de nuevo- vira hacia los territorios de Stereolab. Le SuperHomard actúan este viernes 24 de enero en L’Hospitalet y el sábado 25 de enero en Madrid junto a Nos Miran y Linda Guilala.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Springtime’, ‘Paper Girl’, ‘Meadow Lane Park’, ‘SDVB’
Te gustará si te gusta: los primeros Cardigans, Cat’s Eyes, The Bird and The Bee
Escúchalo: Spotify

Joe Crepúsculo festeja el «año de la rata» estrenando reinvención sonora en ‘Ratas salvajes’

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2020 es el año de la rata, según el horóscopo chino. Si no lo sabías, Joe Crepúsculo está dispuesto a que te enteres y, además, lo festejes junto a él en una serie de eventos con ese nombre: mañana, viernes 24 de enero, tendrá lugar la primera «Fiesta del año de la rata», que después se producirán el 1 de febrero en la Sala Apolo de Barcelona y el 15 de febrero en Ochoymedio Club de Madrid. En ellas, expondrá su habitual repertorio de hits con acompañantes ilustres como los habituales Aaron Rux y Tomasito. Aunque puede que haya más sorpresas.

Y es que Crepus acaba de estrenar un single completamente nuevo que supone una nueva reinvención sonora que sumar a su extenso currículo. Se trata de ‘Ratas salvajes’ –la cosa va de ratas–, una canción producida por su viejo colaborador y amigo Sergio Pérez (Svper) que está lejos de ser un pelotazo inmediato al estilo de las recientes ‘Vete a la mierda‘ y ‘España‘. Tampoco se aliena exactamente con el pseudobolero ‘Todo se corrompe‘, sino que se trata de un medio tiempo de aires nocturnos en el que las guitarras cobran especial protagonismo, y que explota en su estribillo con una bonita melodía.

Y las sorpresas antes aludidas podrían revelarse en el vídeo oficial de la canción que ha dirigido Silvia Coca. Porque, entre imaginería de neones tokiotas, en él Joël Iriarte se sitúa al frente de un grupo de rock clásico integrado por Rux, junto a los Nastys Luli Acosta (batería) y Luis Basilio (guitarra), completados al bajo por Antía Van Weill (de Bifannah, que también integra con Basilio el dúo OESTE). ¿Será algo ocasional para este clip o realmente Crepus está trabajando con una banda clásica para su próximo disco y directos? Una de las oportunidades de averiguarlo, aparte de las fiestas antes indicadas, será en la próxima edición de Low Festival.

Varry Brava se adentran con descaro y osadía en el reggaeton pop con ‘Loco’

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“Ni a Varry Brava ni a Miss Caffeina nos apetece el indie al uso de bajo, batería y guitarra”. “Me sorprendió muchísimo (lo nuevo de Varry Brava). Parece como una nueva banda”. Son declaraciones extraídas de la entrevista que mantuvimos meses atrás con Alberto Jiménez, de Miss Caffeina, y Óscar Ferrer, del grupo originario de Orihuela, al hilo de su unión para la minigira «Dancetería» –8 de febrero, Sala Inn de Santiago; 14 de febrero, Pabellón 1 IFEMA de Madrid; 22 de febrero, Sala Razzmatazz de Barcelona y 7 de marzo, Sala Gamma de Murcia–. Y eran claramente premonitorias del vuelco estilístico que «los Varry» presentan hoy con ‘Loco’. [Fotografía: José David, de La Industria.]

Está producida por Andrés Terrón y Pablo Estrella –el dúo de música dance Dodo Foie, que también colaboran como compositores para artistas de Warner como Roi Méndez– y realmente resulta toda una sorpresa. Porque la canción, tal y como está interpretada y arreglada, podría estar tranquilamente interpretada por Maluma, Mau y Ricky, Camilo o algún otro solista (o dúo) latinoamericano de reggaeton pop de los que suenan en la FM o playlists masivas por doquier. Incluso en un puente se lanzan a rapear con chulería, al más puro estilo Recycled J. Aunque también se intuye un pequeño ¿guiño? a ¡’Se le apagó la luz’ de Alejandro Sanz! Lo presentan con un vídeo oficial dirigido por AfterliVe Films en el que predomina el color rosa chicle.

Lo cierto es que, aunque el sonido de ‘Loco’ sorprende, no lo hace tanto sabiendo que viene de Varry Brava. Su pop de tintes electrónicos siempre tuvo una querencia masiva, y en ‘Furor‘, su disco de 2018, casi se adentraban en la makina con ‘La ruta del amor‘. ‘Loco’ es el primer avance del quinto disco del trío que se publicará este año, presumiblemente antes de que lleguen festivales como SanSan o WARM UP.

Versus: ¿son buenos los últimos singles de Pet Shop Boys o todo lo contrario?

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Esta noche se publica ‘Hotspot‘, el nuevo disco que Pet Shop Boys, que presentarán en Bilbao BBK Live y Mallorca Live Festival, entre otros escenarios. ¿Pinta bien o todo lo contrario? Dos redactores de JENESAISPOP valoran los singles de adelanto. Foto: Pelle Crepin.

A favor
«Admito que este ya inminente ‘Hotspot’, decimocuarto disco de estudio en la carrera de Pet Shop Boys me tiene algo desconcertado. Porque, tras sus tres primeros adelantos (más algunas caras Bs, alguna con remix y todo) y esas portadas borrosas –carentes del glamour, la fantasía e incluso el diseño gráfico que han marcado cada una de las épocas previas del dúo británico–, ¿qué cabe esperar de lo nuevo de Neil Tennant y Chris Lowe? Resulta difícil decirlo, al menos ateniéndonos al sonido de sus singles. ¿Cuál es el hilo conductor entre el disco-soul retro de ‘Monkey Business’, la balada semiacústica ‘Burning The Heather’ –con guitarra de Bernard Butler– y el pop bombástico de ‘Dreamland‘?

Pero a diferencia de ‘Super‘ y ‘Electric‘ –los dos capítulos previos de una trilogía producida por Stuart Price en la que este nuevo trabajo supone el cierre–, parece que en ‘Hostspot’ no hay coartada. O, al menos, muy clara. La impresión es que en él no pretenden nada más (y nada menos) que reunir buenas canciones que, por inconexas que parezcan, funcionen por sí solas y en conjunto. Y lo cierto es que todas ellas lo son. ‘Dreamland’ es un adictivo tema neodisco, de esos de bailar con los brazos en alto, y en el que Olly Alexander ejerce un necesario contrapunto de diva. Paradójicamente, no desentona con ‘Monkey Business’, aunque este se sitúe en el oldschool disco, más funky y más hip hop, jugando espectacularmente con las cuerdas. Sin embargo, mi debilidad personal es el medio tiempo ‘Burning The Heather’, de una melancolía tan bella como contagiosa, y que retrotrae a los Tennant/Lowe de ‘Behaviour’. Las tres, sobre todo, presumen de una elegancia intachable y, sin reinvenciones llamativas, son otra muestra del buen hacer del que Pet Shop Boys llevan exhibiendo más de tres décadas. Quizá parezca poca cosa, pero no, no lo es». Raúl Guillén.

En contra
La deriva de los adelantos de ‘Hotspot’, el próximo disco de Pet Shop Boys ha sido preocupante. Rememorando la década que acaba, caigo en que cada uno de sus álbumes fueron anunciados por alguna canción cuestionable, pero otras inapelables. ‘Elysium’ nos daba dos de cal, las maravillosas ‘Invisible’ y ‘Leaving’, y otra de arena en forma de la flojísima ‘Winner’. ‘Electric’ se reveló con ‘Axis’, un tema potente pero extraño como single y ‘Vocal’, que no sólo es que fuera un sleeper, sino que se acabó revelando como uno de sus grandes clásicos. Lo mismo sucedió con ‘The Pop Kids’ y ‘Super’, tras el estupor que produjo ‘Inner Sanctum’ (y ‘Happiness’ a continuación). Durante esta década pasada, pues, Tennant y Lowe han demostrado estar en una forma estupenda con discos más que solventes y temas que aguantan airosos las comparaciones con los grandes clásicos.

Pero, ¡ay! Los tres últimos singles que el dúo ha revelado tienen mucho de cuestionable, pero nada de inapelable. No cuento a ‘Agenda’, fruto del enfado del dúo ante la deriva del mundo en general y del Reino Unido en particular. Han pasado cuatro años desde ‘Super’. Una distancia temporal inusual, que debiera haber servido para pulir un puñado de canciones sublimes. Sin embargo, estamos lejos de lo imperial. ‘Dreamland’ es pegadiza. Las voces de Neil y Olly Alexander empastan muy bien, pero su ritmo recuerda bastante a ‘The Way It Used to Be (uno de los mejores temas de ‘Yes’) y no pasa de eso, de llamativa. ‘Burning the Heather’ parece uno de los temas de relleno de ‘Release’. Es una balada con la guitarra de Bernard Butler, de inspiración muy Bee Gees, muy setentas. Y resulta demasiado insulsa. Destaca la interpretación, claro, de Tennant y la letra tan sumamente triste (“You’ve got me all wrong / I’m not that guy / I’m just the singer of the song in my mind’s eye”). Pero hay que hacer un esfuerzo extra para que te llegue a gustar. ‘Monkey Business’ es divertida e intrascendente; funcionaría mucho mejor como cara B. De hecho, es lo que parece. Y su disco funky llega un par de años tarde. Los Arcade Fire de ‘Everything Now’ ya lo hicieron antes y mejor.

Así que, de momento, ‘Hotspot’ parece una ensalada extraña en la que no sabemos que nos vamos a encontrar, ya que los tres cortes de presentación tienen poco en común entre ellos… Aparte de que su calidad no sea óptima, precisamente. El hecho de que, además, la gira de ‘Dreamland’ se anuncie como de “Greatest Hits”, obviando referencias a ‘Hotspot’, ya me llena de recelo. ¿Desconfían ya tanto de su nuevo disco? ¿Tendré que darle la razón a mi compañero Jordi con lo de que es hora de pasar página con Stuart Price? Crucemos los dedos y esperemos que todos estos temores sean infundados. Mireia Pería.


Confeti de Odio vira al noise pop para decir que te quiere (o te odia) ‘Muchísimo’

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Tras el EP ‘Llorar de fiesta‘ y varios singles como ‘Hoy será un día horrible’, ‘Hasta romper el móvil, ‘Hechizo‘ y el doble ‘Quiéreme/Si me quiero‘, ya no se puede hablar de Confeti de Odio como una «promesa», sino como una realidad del pop español. Y por eso, si alguien se lo preguntaba, no había lugar para incluirle en nuestro especial Revelaciones 2020. Pero, eso sí, esperamos que confirme su singular talento y amplíe del todo su parroquia con un álbum debut que, por fin, acaba de anunciarse.

Bueno, más o menos, porque de momento Lucas de Laiglesia no detalla ni su título, ni su portada ni su tracklist. Aunque sí sabemos que se publicará en marzo y que no incluirá ninguna de las canciones editadas anteriormente por él. Quizá sea porque, otra vez, da un viraje estilístico a su propuesta. O no del todo, quién sabe. Lo único cierto es que ‘Muchísimo’, el primer adelanto del mismo que hoy presenta, es algo diferente a casi todo lo que ha hecho anteriormente. Porque, si bien es cierto que en ‘Hoy será un día horrible’ y ‘Quiéreme’ ya sonaban guitarras afiladas y potentes, nunca había sido tan incisivo y potente como en esta nueva canción.

‘Muchísimo’ es un botefón de noise pop –un poco Weezer, con ese sintetizador chirriante de fondo– que truena sin freno durante sus escasos dos minutos, que aunque parezca poco tiempo es suficiente para pasar del amar a odiar, pero siempre «muchísimo». Con una melodía que, curiosamente, suena más elaborada en sus estrofas, mientras que el gancho (simple, pero eficacísimo) consiste en repetir con insistencia el título del tema. La producción corre a cargo de Juan Pedrayes, batería de Carolina Durante y Axolotes Mexicanos, grupo en el que también milita Lucas. Y otro miembro de ese grupo, René, se ha encargado de la mezcla y master, mientras que las baterías son de Carlos Hernández.

Mención aparte para el vídeo oficial, que traslada ese amor/odio de una relación sentimental al amor/odio del público hacia un artista (o al revés). Así lo da a entender el clip de Enrique R. Novoa, filmado en la Sala El Sol y que cuenta con cameos de Esty Quesada (Soy Una Pringada), Elena Nieto (Yawners) o Stephen Please (No Fucks), entre otros.

Lo mejor del mes:

Hayley Williams de Paramore no recuerda a Gwen, pero sí a Wild Beasts, en ‘Simmer’

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Tras varias pistas dejadas en Instagram, Youtube o en la misma calle mediante pósters publicitarios, Hayley Williams de Paramore ha anunciado oficialmente lo que era un secreto a voces: la llegada de su primer disco en solitario. ‘PETALS FOR ARMOR’ sale el 8 de mayo.

Sobre el proyecto, Williams ha dicho lo siguiente: «Hacerlo ha sido una experiencia terrorífica pero empoderadora. Algunos de los momentos de los que más orgullosa estoy como letrista han ocurrido durante la composición de ‘PETALS FOR ARMOR’. Y también he podido ensuciarme las manos un poco más de lo habitual en cuanto a instrumentación. Formo parte de una banda compuesta por mis músicos favoritos así que no suelo sentir la necesidad de meterme en el papel de uno en lo que a discos de Paramore se refiere, pero en este caso, he experimentado un poco más aprovechándome de mi ingenuidad musical».

Desde sus inicios emo hasta sus recientes exploraciones poperas, pasando por su notable álbum homónimo, que valía a la banda un Grammy por el hit ‘Ain’t It Fun’; poca duda cabe que Paramore ha sido una de las bandas de rock recientes que mejor han sabido evolucionar. Por eso, quienes esperaban que la carrera en solitario de Williams fuera a parecerse un poquito a la de Gwen Stefani van a sentirse decepcionados: ‘Simmer’, el primer adelanto de ‘PETALS FOR ARMOR’, recuerda más que nada a grupos alternativos tipo Radiohead, alt-j o los primeros Wild Beasts.

‘1917’ es un logro técnico espectacular… ¿y ya?

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Tras una década dedicada a la franquicia James Bond y habiendo dirigido una de las películas más prestigiosas de la saga (‘Spectre’), Sam Mendes regresa a un guion original con ‘1917’. La cinta nos sitúa en ese mismo año, en mitad de la Primera Guerra Mundial, donde a dos jóvenes soldados británicos se les encarga la misión de atravesar el territorio enemigo para hacer llegar un mensaje y así evitar un ataque que se llevará la vida de cientos de soldados. La propuesta del director es realizar una experiencia física e inmersiva, transportando al espectador al campo de batalla. Para llevar esto a cabo, Mendes plantea la película como si fuese un único plano-secuencia (que realmente no lo es, al igual que en ‘Birdman’ de Iñárritu) y, en un principio, su apuesta tiene sentido. Los primeros cuarenta minutos atrapan, se entiende el motivo por el que Sam Mendes usa este recurso; es vivir la guerra en primera persona, sudar, correr y sufrir con su protagonista. La técnica impresiona: la cámara se mueve por los recovecos más insospechados, la planificación es impecable a nivel de organización de figurantes y actores –muy bien tanto George MacKay como Dean-Charles Chapman-, la fotografía de Roger Deakins supone otro grandísimo trabajo en su prestigioso currículum, el diseño sonoro sobrecoge… Absolutamente todo esto es sobresaliente, pero a medida que la película avanza, la sensación de que la obra en sí está diseñada únicamente para epatar empieza a invadir.

Aguantar durante dos horas el “efecto plano-secuencia” sencillamente no funciona. Pasado el primer tercio, el film se viene abajo, empiezan a aparecer los tintes más melodramáticos y académicos, y uno se pregunta si toda la espectacularidad visual realmente lleva a algún sitio o es simplemente un alarde egocéntrico de su director. La emoción no llega de manera orgánica sino a través de un uso abusivo de la bonita música de Thomas Newman o de giros de guion cuestionables. El principal problema de la puesta en escena es que acaba jugando en contra de la película, que al final está mucho más pendiente de hacer virguerías con la cámara que de elaborar un guion sólido que no dependa exclusivamente del aspecto técnico. El protagonista pasa todo tipo de calamidades por lograr su objetivo, pero llegados a un punto, resulta inverosímil que siga en pie después de todo lo que le ha pasado. Tampoco ayuda a dar credibilidad la terrible idea de introducir cameos de actores famosos durante todo el metraje. La única manera de entenderlo es la necesidad de restregar al espectador el dinero que hay en la producción, porque ver de repente a Colin Firth o Benedict Cumberbatch (que perfectamente podrían ser otros) dos minutos en un reparto lleno de caras semi-desconocidas te expulsa de la película y resulta tan incomprensible como caprichoso.

Pero aún con todo, es injusto negar que ‘1917’ no funciona como un entretenimiento fugaz. Es una especie de videojuego en el que es difícil aburrirse y que mantiene cierta tensión, solo que a niveles cinematográficos tiene mucho menos que ofrecer de lo que se cree. Mendes ha creado una película que llamará la atención de los académicos, y levantará pasiones entre ciertos sectores de la cinefilia, pero no parece estar llamada a perdurar demasiado en el tiempo. En cualquier caso, habrá que esperar para comprobarlo. 6.

SanSan completa el cartel de su próxima edición con Monterrosa, La Plata, El Kanka…

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SanSan completa la programación de su próxima edición, que tendrá lugar los días 9, 10 y 11 de abril en Benicàssim. Os recordamos que son cabezas de cartel del «primer festival del año» Bombay Bicycle Club, autores de nuestro «Disco de la Semana», ‘Everything Else Has Gone Wrong‘. Recientemente hemos tenido oportunidad de hablar sobre el álbum con Jack Steadman y hoy la canción titular del álbum es la «canción del día».

Entre los nombres que completan el cartel de SanSan se encuentra una de las bandas de tecno-pop más relevantes del momento, Monterrosa, autora de una de las mejores canciones de 2019; y La Plata, una de las mejores bandas españolas de punk de los últimos tiempos gracias a la sucesión de hits de su disco de 2018, ‘Desorden‘. También El Kanka, trovador contemporáneo y autor de himnos como ‘Canela en rama’ o ‘Lo bien que estoy y lo poco que me quejo’, se cuenta entre los confirmados definitivos de SanSan, a los que se suman Rizha, Los Vinagres y Meritxell Nedderman.

Así, SanSan da por finiquitado un cartel que ya incluía figuras como Leiva, Sidecars, Dorian, Xoel López, Zahara, Rayden, Novedades Carminha, Mucho, Chef’s Special, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Gimnástica, Arco, Tórtel, Chucho, Uniforms, Molina Molina, Nerabe, Badlands o Blanco Palamera, así como Miss Caffeina, La Casa Azul, Carolina Durante, La Bien Querida, Delaporte, Las Chillers, The Crap Apples, Los Punsetes, Varry Brava, Locoplaya, Cala Vento, Mujeres, Rusos Blancos, Glitch Gyal, Mr.Kilombo, Zea Mays, Lígula o Betacam. El cartel electrónico de SanSan también ha sido anunciado.

Taylor Swift habla sobre su evolución personal en el tráiler de ‘Miss Americana’ y opina sobre el desastre de ‘Cats’

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El 31 de enero llega a Netflix, tras su proyección en Sundance, ‘Miss Americana’, la película documental de Taylor Swift. En ella, la autora de ‘Lover‘ hablará sobre su carrera, los diversos obstáculos a los que se ha enfrentado, el cáncer de su madre o su evolución personal realizada a ojos del mundo. En el tráiler de ‘Miss Americana’, Swift reconoce que durante años buscó ser una «chica buena», pero que eso le hizo «luchar constantemente por el respeto de la gente» y después «matar» a la «vieja Taylor» y convertirse en el personaje malvado de ‘reputation‘. «Tuve que deconstruir todo un sistema de creencias y tirarlo a la basura», afirma en un momento del avance.

Parte de ‘Miss Americana’ se centrará en el despertar político de Swift en 2018, y de hecho, el mismo 31 de enero llega a las plataformas digitales una canción nueva de la artista llamada ‘Only the Young’, un «himno para los millennials» según Variety, compuesto por Swift tras la derrota de los dos candidatos demócratas a los que apoyó públicamente en las últimas elecciones, Phil Bredesen y Jim Cooper. La canción sonará en los créditos finales de la película.

Precisamente con Variety, Swift ha hablado sobre ‘Miss Americana’ en una interesante entrevista en la que también ha dejado unas declaraciones sobre el desastre de ‘Cats’, película en la que aparece y para la que ha compuesto la canción ‘Beautiful Ghosts’, nominada a un Globo de Oro. Su valoración sigue siendo positiva: «No voy a decidir retroactivamente que no fue la mejor experiencia. Jamás habría conocido a Andrew Lloyd Webber y visto cómo trabaja de no ser por ella, y ahora somos colegas. Tuve la oportunidad de trabajar con los actores y bailarines más increíbles. Yo no tengo quejas»