Hace apenas unas horas que Spotify ha comenzado a lanzar una tanda especial de canciones dentro de su serie «Spotify Singles», en las que artistas actuales hacen versiones, sin reglas. En este caso, se trata de una edición Orgullo 2020 en la que artistas que se identifican con la causa LGTB+ adaptan himnos de otros. Por ejemplo, el neocowboy enmascarado Orville Peck ha adaptado ‘Smalltown Boy’ de Bronski Beat, mientras que Rina Sawayama ha convertido ‘Dance In the Dark‘ de Lady Gaga en un nebuloso medio tiempo. Una curiosa versión –aunque esperable, porque es evidente que su sonido se nutre muchísimo de los primeros discos de Germanotta– que nos lleva a recordar su estupendo y aún fresco último disco, ‘SAWAYAMA‘. Por ejemplo, una de las canciones más bonitas y destacadas de ese segundo trabajo de la anglo-nipona, el retorcido medio tiempo ‘Bad Friend’.
Este tema es el broche perfecto para la primera parte del disco (la más espectacular, la verdad) por su aire reposado que, de forma tenue, va creciendo y se va convirtiendo gracias a sus azorados arreglos (tiene de todo: future pop, gospel, coros R&B…) casi casi en un banger. Y eso que comienza de manera delicada, casi como una balada a lo Mariah Carey, aproximándose después a lo bailable gracias a cierta épica… y al beat de la canción, claro. En ella, Rina se aproxima un tanto a la perspectiva pop de Tove Lo y, en cierto modo, a los encantadores aires retro de Carly Rae Jepsen. De hecho, la canción fue escrita y producidas en unas sesiones con Kyle Shearer, colaborador habitual de la canadiense. Y, para rizar aún más el rizo, la autora de ‘Call Me Maybe’ aparece mentada en la canción.
«Corrimos a travesando las brillantes luces de Tokio, nada que perder. / Verano del 2012, quemaba en mi mente. / Calientes, locas y borrachas, cinco en una habitación, / Cantando Carly con el corazón, sudor en nuestros ojos», canta Rina nada más empezar, aludiendo a una historia verídica. En ella, recuerda a una amiga con la que vivió todo eso y, pasado un tiempo, perdió contacto con ella, principalmente por su dejadez. Un buen día, como ha explicado, se encontró por accidente a esa mujer en Facebook, y contempló horrorizada que había sido madre. Arrepentida por haberse perdido algo tan importante, entonó el mea culpa escribiendo esta canción, diciendo que es/era tan buena irrumpiendo en fiestas (o montándolas) como «mala amiga».
‘Bad Friend’ ha sido objeto además de un vídeo fantástico hace pocas semanas. Haciendo un guiño a sus orígenes japoneses –con los que mantiene una relación de amor-odio en la que profundiza en este nuevo disco–, el clip dirigido por Ali Kurr –que ya había trabajado con Sawayama en sus clips previos ‘XS‘ y ‘STFU!‘– se inspira en el cine negro nipón de los años 40 y 50. Y es la propia Rina la que, caracterizada como un maduro y apocado hombre de negocios, se encuentra en una izayaka (una cantina, vaya) con un tipo pesadísimo, que le da la lata hasta que muestra a la «mala amiga» que lleva dentro… de la peor manera posible.
El pasado 13 de junio se cumplían 25 años desde el lanzamiento de ‘Post’, el segundo álbum en solitario de Björk. Considerado uno de los mejores discos de la década de los 90, ‘Post’ es uno de los pilares fundamentales en la discografía de la cantante islandesa por su espíritu aventurero y experimental, que Björk adopta con el propósito de reflejar en él el cruce de sonidos y culturas que experimenta de primera mano en los modernos clubes underground de Londres, ciudad donde ya había gestado su celebrado debut. En ‘Post’, la otrora integrante de los Sugarcubes absorbe estilos como el acid house, el tecno, la electrónica industrial, la música neoclásica o los ritmos latinos a través de una perspectiva que reconoce busca ser pop ante todo, pues desea que su música llegue a la mayor cantidad de gente posible. Una ambición que la artista no ha seguido persiguiendo con el paso de los años.
En declaraciones a un programa de televisión, Björk afirma que su intención con ‘Post’ es crear una obra tan variada y ecléctica como la propia condición humana, y lo hace explicando una historia totalmente marca de la casa: «En ‘Post’ he intentado plasmar lo que en una semana le puede pasar a una persona que vive en la ciudad: una mañana te despiertas súper feliz y al rato abres la puerta de tu casa y descubres que alguien ha atropellado a tus gatos y estos están muertos, y te pones triste de repente. Luego vas a trabajar, subes al autobús y te encuentras con tu mejor amigo, al que no ves desde hace cinco años. Y después de un mal día de trabajo te vas a emborrachar y a bailar a la discoteca, para salir después cuando ya ha amanecido y ha salido el sol de nuevo». De manera memorable, Björk llama a ‘Post’ un disco «musicalmente promiscuo» por la variedad de estilos que contiene, y explica que la protagonista del álbum es la típica «muchacha espabilada de pueblo que lleva un tiempo viviendo en la ciudad», hasta el punto que «ella está consumiendo la ciudad y la ciudad la está consumiendo a ella». Después de ‘Debut’, un disco de descubrimiento valiente pero reservado, ‘Post’ llega para mostrar a una Björk más que asimilada en el entorno urbano, dispuesta a fagocitar y transformar todo sonido que se le cruce por el camino, pero también a una persona aún naíf y liberada de la carga emocional que caracterizaría a ‘Homogenic’, después de que la cantante agrediera a una periodista en un aeropuerto de Bangkok y, de manera dramática, sufriera un intento de asesinato frustrado.
La grabación de ‘Post’ tiene lugar originalmente en los míticos estudios Compass Point de las Bahamas, donde la artista trabaja absorbida por la naturaleza, hasta el punto que -se dice- llega a grabar unas tomas vocales delante del mar, gracias a un cable de micrófono alargado, y una primera versión de ‘Cover Me’ dentro de una cueva llena de murciélagos. Antes, la cantante teme producirlo sola debido a la falta de experiencia, y vuelve a contactar a Nellee Hopper -quien se encarga de la mayor parte de ‘Debut’- para co-producirlo. Él se niega en primera instancia -animándola a producirlo ella sola- para después aceptar con la condición de que Björk colabore con otros artistas para mantener «fresca» su propuesta. Entre los colaboradores de ‘Post’ encontramos a su entonces pareja, Tricky, en cuyo álbum de 1996 la islandesa participa a su vez; a Graham Massey de 808 State, a Howie B o a The Black Dog. El resultado es un disco de pop experimental y totalmente suis géneris en sus aproximaciones melódicas e instrumentales que en 1995 representa el epítome de lo moderno. La apisonadora industrial de ‘Army of Me’ vuela cabezas desde el segundo cero, la similar ‘Enjoy’ es hábilmente sampleada por Arca en ‘Immortal’ pocos años antes de que ambas inicien una colaboración musical que culminaría en dos álbumes y una extraña adaptación de un poema de Antonio Machado; y ‘Headphones’ es una delicada miniatura ambient-techno dedicada al hecho de quedarse dormido escuchando mixtapes.
Pero, sobre todo, son las producciones más hibridizadas con diferentes estilos las que se encargan de que ‘Post’ envejezca mucho mejor que ‘Debut’. ‘Hyper-ballad’, eterna candidata a ser considerada la mejor canción de su carrera, prácticamente un género en sí mismo por su mezcla de acid house, tecno y pop, cuenta con una producción espectacular aún a día de hoy y una melodía capaz de abrir cielos y mares. ‘The Modern Things’ es una especie de acid jazz electro que sigue sonando único 25 años después; ‘Isobel’, con letra poética de Sjón, es una bestia tribal que avanza hacia adelante con la contundencia de un tren en marcha; ‘I Miss You’ es completamente delirante en su tesis «Björk hace música latina», y la delicatessen trip-hop de ‘Possibly Maybe’ es posiblemente la canción más sexy de su carrera.
Irónicamente, Björk consigue el mayor éxito comercial de su vida con una versión de ‘It’s Oh So Quiet’, una canción de musicales de 1949 popularizada por Betty Hutton en 1951, que la cantante adapta a su particular poderío vocal pero no pervierte de ninguna otra manera. Que una artista que admira a Stockhausen, John Cage y Arvo Pärt desde niña, que se deja remezclar por la «crème de la crème» de los productores de electrónica del momento en todas sus etapas, y que básicamente ha trazado una trayectoria mirando hacia adelante y hacia todas partes, lograra su mayor hit con una versión de un musical de los años 40, puede ser uno de los acontecimientos más extraños de la historia del pop, pero Björk ha salido airosa de este hito todas formas, pues la canción es ya absolutamente indisociable de ella. Es como si fuera propia. Recientemente, Lola Indigo imitaba a Björk con una actuación de ‘It’s Oh So Quiet’ en ‘Tu cara me suena’.
A mediados de los 90, escuchar a Björk es sinónimo de ser una persona «cool» y aunque a España, sin internet, el disco llega más tarde, gracias al boca oreja, el tiempo ha sentado muy bien a este disco a pesar de que su elemento chocante se haya diluido con el paso de los años. De hecho, así lo recuerda Agustín Gómez Cascales de Shangay: «Recuerdo como si fuera hoy el día que compré ‘Post’. No es algo que me suceda con muchos discos, pero aquella fue de esas veces en que las expectativas eran tan altas que llevé fatal la espera previa al lanzamiento. Y me enamoré a la primera escucha del disco. Lo vi como un ‘Debut’ perfeccionado, pop electrónico absolutamente accesible de primer nivel. Recientemente, durante el confinamiento, volví a él. No era consciente de que estaba a punto de cumplir 25 años. Ahora que lo sé, celebro lo estupendamente bien que ha «envejecido». Es un disco poderoso a la par que sensible, extremadamente variado, y Björk se confirmaba como una genia poco antes de lanzar una de sus cumbres, ‘Homogenic’. Si su tercer álbum supondría una reacción a la variedad de estilos e influencias que fue capaz de hacer propias en ‘Post’, lo cierto es que no tenía nada de qué arrepentirse».
Comparte un recuerdo similar Carolina Velasco de Playground, El Salto y Rockdelux: «Aunque en la época en que salió el ‘Post’ me tenía que pensar mucho en qué discos gastarme el dinero, con Björk no lo dudé: exactamente igual que me pasó con ‘Debut’, me pareció que estaba a años luz de lo que hacía el resto del mundo, y con ‘Post’ volví a sentir lo mismo: ni siquiera puedo elegir una canción favorita porque todas me parecen hits. Lo mismo me pasa con los vídeos, que entonces eran un acontecimiento. Aún hoy es raro que pase un año sin que me escuche la discografía completa (o casi completa) de Björk, y ‘Post’ sigue siendo uno de mis favoritos, y canciones como ‘Hyper-Ballad’, ‘Army of Me’ o ‘Headphones’ aguantan el tipo muy bien, que es algo que no se puede decir de muchos de los discos que recibieron atención ese mismo año». Por su parte, Joan Luna de MondoSonoro va más lejos al considerar ‘Post’ el primer trabajo realmente ambicioso de Björk: «Para mí ‘Debut’ era un disco fantástico, con una capacidad de reflejar su tiempo y hacer bailar impresionante, pero creo que la Björk que conocemos a posteriori se subraya en ‘Post’. Aunque antes había trabajado con Nellee Hopper, en ‘Post’ trabaja con mucha más gente y sobre todo empieza a experimentar muchísimo. ‘Post’ es el principio de la vocación de experimentar y de ampliar miras de Björk, aunque en el fondo ella, como demuestra en su carrera desde joven, en realidad siempre ha experimentado».
En su directo sobre la primera etapa de Björk, Cascales no desaprovecha la oportunidad de recordar las caras b de ‘Post’. Todo seguidor de la islandesa conoce su universo inabarcable de caras b, remixes, tomas vocales alternativas que terminan en dichos remixes, «bootlegs» infinitos… y el periodista destaca entre las mejores canciones de esta etapa la semi desconocida ‘I Go Humble’, así como una «experimental» ‘Sweet Intuition’ que Björk compone a partir de una canción inédita que cede previamente a Madonna (‘Let’s Get Unconscious’ se transforma en ‘Bedtime Story’). La burbujeante ‘Charlene’ es otra de esas composiciones desconocidas de Björk que fascinan a sus fans, y ‘Karvel’ una de sus caras b más contundentes. Con todo, lo dicho, un universo el de ‘Post’ que sigue valiendo la pena descubrir 25 años después: un disco que es ejemplo de lo que la música pop puede llegar a ser.
¿Recordáis que ‘Jesus Is King‘, el disco que sacó Kanye West en octubre, iba a tener segunda parte? Pues está al caer. El artista ha compartido en las últimas horas el teaser de un tema llamado ‘Wash Us in the Blood’ que irá incluido en un nuevo álbum que se llama casi igual que cierta canción de U2, ‘God’s Country’. Colabora en el single, que ya puede escucharse, el rapero Travis Scott, que triunfa actualmente con ‘TKN’ junto a Rosalía, y en el proyecto global el artista visual Arthur Jafa.
¿Estaremos con ‘God’s Country’ ante una vuelta a la normalidad discográfica para Kanye y podremos disfrutar de su álbum al menos como de ‘ye’ o será simplemente una parte más de su discografía religiosa? ‘Wash Us in the Blood’ apunta a lo primero: se trata de una agresiva producción de hip-hop mucho más lustrosa de lo ofrecido por el artista en sus últimos lanzamientos. Con un componente tribal e hipnótico, ‘Wash Us in the Blood’ se presenta con un videoclip que denuncia la violencia racista en Estados Unidos, también en lo que concierne a la pandemia.
¿Y cómo funcionará ‘God’s Country’ en listas? ‘Jesus Is King’ solo resistió 16 semanas en el Billboard 200, frente a las 155 semanas que aguantaba en la misma tabla ‘The Life of Pablo’ o incluso las 23 semanas de ‘ye’. A día de hoy solo un tema de ‘Jesus Is King’, ‘Follow God’, resiste entre las canciones más escuchadas de Kanye en Spotify. La edición del disco ‘Jesus Is Born’ del coro Sunday Service, quedaba en anécdota navideña.
KANYE WEST ARTHUR JAFA PROJECT 02 WASH US IN THE BLOOD FROM THE FORTHCOMING ALBUM GOD'S COUNTRY
Discos Garibaldi es un modesto sello establecido en Madrid que se ha venido caracterizando por lanzar pocas pero muy selectas referencias del pop independiente español. Siempre con singles de 7″ con ediciones muy cuidadas en todos los aspectos, se había distinguido por acoger proyectos a priori pequeños pero con proyección, como Emilio José o Doble Pletina, junto a otros aún más underground como Miguelito Nubesnegras o los daneses Windsurfing. En el último año, Ignacio –la persona tras el sello– echó el resto lanzando del tirón más referencias de las que había publicado hasta la fecha, con 7″ de La Estrella de David, Caliza, José Ignacio Martorell (Jonston), Alborotador Gomasio/Puzzles y Dragones, Estrella Fugaz y Miguelito Nubesnegras, de nuevo.
El sello cumplirá el próximo diciembre 10 años y, aunque su futuro parece incierto («el tema singles de vinilo no está muy boyante», nos reconoce), Ignacio ha decidido conmemorarlo con una pieza visual muy especial dedicada a la primera referencia del sello. Se trata de ‘A amizade‘, tema del artista gallego Emilio José que daba continuidad al singular perfil experimental que compendiaba en el vasto ‘Chorando apréndese’. Una canción realmente preciosa que abundaba en ecos de Beach Boys, la Tropicália brasileira y la electrónica lo-fi.
El vídeo, que adelantamos en exclusiva en JENESAISPOP, es obra de la ilustradora y animadora Serena Olivieri, que ha ya elaborado algún clip con esas herramientas para los mentados Alborotador Gomasio. En este caso, explica, «es una animación frame por frame constituida por alrededor de 2500 dibujos hecho a mano», en la que fluyen escenas de naturaleza y cotidianidad que acaban teniendo un punto mágico que emerge de la imaginación de la creador, con un resultado fascinante.
Serena, a petición de Ignacio, cuenta cuál ha sido la perspectiva que ha dado a la pieza: «Si tuviera que decir algo más sobre el video desde mi punto de vista, empezaría con una frase que me dijiste durante la cuarentena hablando del video: “Por favor, que sea optimista, haz que el video sea optimista”. (…) Diría que para mí trabajar en este video ha coincidido con una época desafortunadamente similar a la tuya cuando empezaste con el sello y ‘A amizade’. De todas formas creo que tiene un efecto revitalizador, porque no me he cansado de escucharla y de imaginar y dibujar tiempos mejores, pasados y futuros. Espero que el efecto catártico sea amplificado por las imágenes, y funcione para todos».
También hemos pedido a Ignacio que nos diera su propia perspectiva sobre esta canción y su sello, que conmemora una fecha tan importante en la complicada tesitura actual: «Solo miro la foto de mis padres en su viaje de novios en Mallorca, en noviembre, con más ilusión que realidad. Solo recuerdo que la vida se les fue por nosotros. Y cuando marcharon no podía dejar de pensar que su impronta desapareciera en hipotecas y filetes. Su recuerdo hoy, 10 años después, son 11 singles de vinilo, de 45rpm, que no habrán copado las listas de éxitos, pero perdurarán cual energía transformándose en universos infinitos. ‘A amizade’ representa todo lo que pido a la vida, no sé explicarlo con palabras, lo han hecho Emilio José, Laura y Marc y los Pletinas, Caspar y Bo, Miguel, David, José Ignacio, Lucas, Marco y los Alborotadores, Daniel y los Puzzles y Elisa. Lo de Los Pijamas era otra historia».
El gobernador de Nueva York Andrew Cuomo ha anunciado durante su conferencia de prensa de este lunes que habrá MTV Video Music Awards este año, y que se celebrará en Brooklyn, después de varios meses de especulaciones a consecuencia de la covid-19.
En las últimas semanas se ha ido conociendo la noticia de que el año que viene se retrasarán los Oscar, que serán en abril y no en febrero; y los Globos de Oro, que serán el 28 de febrero de 2021 en lugar de en enero. Pero el mundo de la música está en otra situación que las salas de cine y, mientras parece que los Grammy saldrán adelante en enero de 2021 sin retraso aparente, también será el caso de estos otros premios musicales de la MTV, que suelen ser a finales de verano, en concreto la última semana de agosto. Coincidiendo con la entrada de Nueva York en su «fase 3» el próximo lunes 6 de julio, se ha aventurado incluso la fecha de la ceremonia.
«Los Video Music Awards se harán el domingo 30 de agosto en el Barclays Center con todas las medidas de seguridad, sea con público limitado o sin público», han sido las palabras de Cuomo, como recoge la revista Billboard.
La ceremonia de los VMA’s suele ser la antesala de algunos de los grandes lanzamientos internacionales del otoño, el período más valorado para la industria musical, en un momento en que se necesita cualquier forma de promoción más que nunca. Pese a que son muchas las voces que critican que los premios ya no son lo mismo que en la década de los 90, lo cierto es que continúan presentando un cartel de auténtico lujo: el año pasado actuaron en ella Taylor Swift presentando ‘Lover’, Bad Bunny y J Balvin con su disco conjunto y Rosalía, entre muchos otros.
‘Rain On Me’ continúa siendo la canción más votada de JENESAISPOP seguida por ‘Break My Heart’ de Dua Lipa. Son llamativas las subidas de los singles de Jessie Ware y de Chloe x Hall, por primera vez en el top 15. Las entradas directas al top 20 son las de Beyoncé y Mónica Naranjo, mientras en posiciones más modestas hallamos a Annie, Delaporte con PUTOCHINOMARICÓN, The Killers y H.E.R. Es momento de despedirse de ‘Boyfriend’, ‘Delete Forever’ y ‘IDon’tKnow’, ya con 10 semanas o más y en la mitad baja de la tabla. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.
Bill Callahan, una de las figuras más importantes del folk actual, anuncia nuevo disco menos de un año después desde el lanzamiento del último, ‘Shepherd in a Sheepskin Vest‘, el cual llegó seis años después del anterior. ‘Gold Record‘ debe su prontitud al hecho de que Callahan lo compuso mayormente durante la gira de presentación de su último trabajo, y lo grabó poco después. Sale el 4 de septiembre.
Bill Callahan presentará desde ya una canción del álbum cada semana, comenzando por el corte 1, ‘Pigeons’, en el que saluda como Johnny Cash. «Hola, soy Johnny Cash y bien, las palomas se comieron el arroz de la boda y explotaron sobre algún lugar de San Antonio» es el comienzo de esta historia que ya podéis degustar en Genius. Las últimas palabras son «Sinceramente, L. Cohen».
En una de sus notas de prensa típicamente peculiares, Drag City habla de ‘Gold Record’ como si fuera un álbum de Rihanna y explica que este podría llamarse «Gold Records» porque cada una de sus pistas, un total de 10, parece un single. Explica que todas ellas «funcionan por separado a la manera de los singles», por lo que el oyente puede formar una «relación» con el disco «profunda» al escucharlo «desde la primera canción a la última». Y añade: «¿Y qué pasa cuando tienes un disco lleno de singles, y por qué no decirlo, de hits? ¡Un «disco de oro», amigo!». Las canciones hablarán, citando al sello, «del curro, de la parienta, de la tele, o de los vecinos». De la vida misma, ni más ni menos.
‘Gold Record’:
01 Pigeons
02 Another Song
03 35
04 Protest Song
05 The Mackenzies
06 Let’s Move to the Country
07 Breakfast
08 Cowboy
09 Ry Cooder
10 As I Wander
De manera algo extraña, pues las restricciones derivadas de la pandemia impedían la celebración de una ceremonia con público e invitados al uso, anoche se celebró la entrega de los premios BET Awards, que el canal Black Entertainment Television entrega a protagonistas afroamericanos de la industria del entretenimiento y el deporte. En esta ocasión, además, en medio de la oleada de protestas en contra la brutalidad policial hacia ciudadanos no-caucásicos, con especial incidencia en hombres y mujeres negros. Algo que, de manera evidente, estuvo muy presente en los discursos y actuaciones (pregrabadas en todos los casos) televisados. Aunque no actuó, Beyoncé (que acaba de anunciar nuevo «álbum visual») fue una de las grandes protagonistas en ese sentido: recogiendo un premio especial por su labor humanitaria, llamó a persistir en unas protestas que considera «inspiradoras» y, sobre todo, a votar en las elecciones locales y estatales, previas a las presidenciales. También Alicia Keys, que alude en su reciente single reivindicativo ‘Perfect Way to Die’, que interpretó en directo desde un estudio neoyorquino, a las víctimas a manos de la policía George Floyd y Breonna Taylor. Y nada menos que Public Enemy abrieron la ceremonia con una potente recuperación de su himno ‘Fight the Power’, al que se sumaron Nas, YG, Rapsody y otros artistas.
En cuanto al palmarés, uno de los grandes ganadores de la noche fue Roddy Ricch. El joven rapero de Compton ganó el premio a mejor nuevo artista y, sorprendentemente, el de álbum del año por su debut ‘Please Excuse Me for Being Antisocial’. Aunque para sorprendentes los premios como mejor artista masculino de pop/R&B y mejor colaboración (con Drake’) para Chris Brown, al que la industria y el público parece haber perdonado ya sus episodios de violencia hacia Rihanna y otrascontroversias. Lizzo (mejor artista femenina de de pop/R&B), Migos (mejor grupo), DaBaby (mejor artista masculino de hip hop, que se unió a Ricch para interpretar su reciente tema conjunto ‘Rockstar’) y Megan Thee Stallion (mejor artista femenina de hip hop).
Precisamente la autora de ‘Suga‘, ofreció una de las actuaciones (grabadas previamente, como hemos indicado) más potentes que se emitieron durante la ceremonia. La rapera se montó prácticamente un espectacular videoclip en directo –ambientado en un mundo post-apocalíptico a lo ‘Mad Max’– para su recién estrenado nuevo single ‘Girls in the Hood’, culminado con su gran hit actual, ‘Savage‘, que hizo brillar sin necesidad de que interviniera Beyoncé, como sí hace en su remix. También destacaron las actuaciones de Chloe x Halle, con un gran medley de los singles del estupendo ‘Ungodly Hour‘, y Anderson .Paak junto a Jay Rock interpretando su reciente single ‘Lockdown’, que también fue editado en el significativo Juneteenth, conmemorado un par de semanas atrás. Os dejamos con las actuaciones mentadas y el palmarés completo.
Álbum del Año
Roddy Ricch – ‘Please Excuse Me for Being Antisocial’
Mejor artista femenina de pop/R&B
Lizzo
Mejor artista masculino de pop/R&B
Chris Brown
Mejor grupo
Migos
Mejor colaboración
Chris Brown [Ft. Drake] – ‘No Guidance’
Mejor artista femenina de hip hop
Megan Thee Stallion
Mejor artista masculino de hip hop
DaBaby
Vídeo del Año
DJ Khaled [Ft. Nipsey Hussle, John Legend] – ‘Higher’
Director de vídeos del Año
Teyana “Spike Tee” Taylor
Mejor nuevo artista
Roddy Ricch
Premio Dr. Bobby Jones al mejor gospel
Kirk Franklin – ‘Just for Me’
Mejor artista internacional
Burna Boy
Mejor nuevo artista internacional
Sha Sha
Mejor actriz
Issa Rae
Mejor actor
Michael B. Jordan
Premio Jóvenes Estrellas
Marsai Martin
Mejor película
‘Queen & Slim’
Mujer deportista del Año
Simone Biles
Hombre deportista del año
LeBron James
Premio del público 2020
Megan Thee Stallion [Ft. Nicki Minaj and Ty Dolla $ign] – ‘Hot Girl Summer’
Premio BET Her
Beyonce [Ft. Blue Ivy Carter, Wizkid and Saint Jhn] – ‘Brown Skin Girl’
No es casual que el nuevo single de Javiera Mena llegue en plena conmemoración del Orgullo LGTB 2020. Si hace un año ya apostaba por una mayor visibilidad lésbica con su versión de ‘Mujer contra mujer’, ahora lanza una ‘Corazón astral’ que incide en la sexualidad femenina. Su misma nota de prensa señala cómo la canción se «sumerge en la exploración sexual lésbica» y «en los rincones del placer femenino», pero la propia letra de la canción es bastante clara cuando la chilena apela a una «mujer morena», a quitarle «las penas» y soltar sus cadenas, aludiendo a una posible contrición de su deseo. Y, a la vez, la conecta con concepciones de astrología y cosmogonía, “cómo dos Javieras se enfrentan en forma de avatar y representan la dualidad Géminis: el eros en el cosmos”, como ya evidencia el título de la canción.
Así se plasma en un vídeo de animación 3D lleno de simbología y que, efectivamente, muestra cómo dos Javieras virtuales –aunque sorprendentemente vívidas– se ponen a mil la una a la otra. Lo mejor, en todo caso, es cómo eso se entrelaza en un medio tiempo bailable enormemente sensual, que entronca con los ecos de Giorgio Moroder aderezados con ritmos latinos que ya protagonizaban ‘Otra era‘ (de hecho, el «Javiera, así» final parece un guiño a aquel disco de 2014). La mezcla de sonidos sintéticos, percusiones calientes y elegantes cuerdas disco resulta deslumbrante, especialmente cuando Mena escenifica ese encuentro sensual «en la playa, en el fin de la noche, cuando tú no te escondes».
Javi, que ahora reside en Madrid, adelanta que ‘Corazón astral’ forma parte junto a ‘Flashback‘ –single producido con la colaboración de Stefan de The Sound of Arrows presentado a finales de marzo– de su nuevo álbum, a editar a lo largo de este año (al parecer de manera independiente, tras su paso temporal por Sony Music con ‘Espejo‘) y del que da algunos detalles temáticos: será «un disco nocturno, con el deseo como hilo conductor, además de misterio, baile sensual y sobre todo, mucho fuego». No podría definirse mejor que así el sonido de nuestra Canción del Día.
Jessie Ware ha ganado. La decepción comercial de su anterior disco, el infravalorado ‘Glasshouse’, con el que la cantante británica buscaba dejar de ser una «Pitchfork darling» para afianzarse en las listas de éxitos; le hizo perder la pasión por la música. Un concierto desolador en Coachella, en el que apenas se presentó nadie, la confianza en sí misma. Sin embargo, un podcast sobre cocina la ha convertido de repente en una estrella. ¿Y cuál ha sido su siguiente paso? Sacar su disco más divertido, y puede que el mejor.
La autora de ‘Say You Love Me’ cuenta que alejarse de la música le ha servido para recuperar la pasión por ella, y se nota en un ‘What’s Your Pleasure?’ en el que su aproximación a la música disco y funk de los 70 y 80 no es solo muy pertinente en estos tiempos en que estos sonidos vuelven a estar de moda, sino también tremendamente legítimo, pues no hay que olvidar que Ware se dio a conocer hace una década como intérprete de varios temas de la banda británica de UK Garage SBTRKT. La cantante pasó después a transformarse en una de las mayores representantes del R&B contemporáneo gracias a los notables ‘Devotion’ y ‘Tough Love’, pero ‘Glasshouse’ supuso un punto aparte en su carrera: era el trabajo de una mujer recién casada y estrenada en la maternidad que no parecía tan interesada en abrir nuevos caminos musicales, aunque siguiera dejándonos temas tan dignos como el popero ‘Your Domino’ o el baladón ‘Slow Me Down’.
En ‘What’s Your Pleasure?’, Ware presenta su propia visión de la música de baile gracias a la ayuda principalmente de James Ford de Simian Mobile Disco pero también de otros productores como Joseph Mount de Metronomy, y gracias también a las peculiaridades que han definido siempre su sonido, que no ha perdido un ápice de su elegancia y gusto por la atmósfera. Así, Ware logra desmarcarse de otras artistas que han transitado lugares parecidos como Robyn (cuyo ‘Honey‘ contaba con producciones de Joseph Mount y Kindness, esta también presente en ‘What’s Your Pleasure?’) o su colega Róisín Murphy, sin dejar de abrir nuevas puertas en su carrera. La portada del disco lo dice todo: cual Bianca Jagger retratada por Andy Warhol, ‘What’s Your Pleasure?’ es un viaje hacia las entrañas de la noche, ese mundo mágico y lleno de posibilidades que empieza en cuanto entras en una discoteca y lo único que importa es amar y bailar hasta el amanecer.
En este mundo de música disco sintética, escalofriantes cuerdas y sensualidad a borbotones, Ware se sirve de varios trucos conocidos de la música pop para llevarlos a su terreno. ‘Spotlight’, el single estrella del álbum, arranca como si fuera una balada dramática, a lo ‘I Will Survive’, pero después introduce una base rítmica disco-house que mete al oyente de lleno en la fantasía nocturna que el largo ofrece. El profundo suspense de ‘Spotlight’ y su liberación final en clave acid house, así como su sobrecogedor arreglo de cuerdas, dan lugar a una obra maestra de Jessie Ware ni más ni menos, que solo se engrandece dentro del contexto de este cuarto trabajo de la cantante británica. Y es que abre con tremenda declaración de intenciones: «un sueño es solo un sueño, pero yo no quiero dormir esta noche». Después, la divertidísima ‘What’s Your Pleasure?’ es una de esas canciones putifinas hechas para posar delante del espejo… a la vez que se funde en una deliciosa vorágine de sintetizadores y guitarras distorsionadas que harían a Prince mover el esqueleto desde su tumba.
‘What’s Your Pleasure?’ también recurre a diversas influencias sin dejar de sonar personal. El mensaje «aparca el coche en mi casa, te puedes quedar a dormir, si lo preguntas educadamente» de la pizpireta ‘Ooh La La’ remite a las películas de adolescentes americanas de los años 80, en tanto su burbujeante producción incorpora ataques de teclado funk que suenan inspiradas en el príncipe púrpura; la irresistible ‘Soul Control’, sobre la que Ware nos ha hablado en detalle en una entrevista que publicaremos próximamente, hace uso de una rima tan «kitsch» como «es automático, me tocas y es mágico» para resultar totalmente arrebatadora en su aproximación al estilo del que se considera el verdadero debut de Janet Jackson, y la celestial balada ‘Remember Where You Are’ reconforta en su acercamiento al sonido de R&B de los años 70 de gente como Rotary Connection o Minnie Ripperton, sirviendo de broche final idóneo para un trabajo que, después de una noche de fiesta, por fin llega a casa: «el corazón de la ciudad está en llamas», canta Ware, «pero nada es diferente en mis brazos».
Al margen de las canciones individuales, ‘What’s Your Pleasure?’ es sin duda el álbum más consistente de Jessie Ware en tanto su secuencia no puede ser más coherente con el discurso musical y estético de todo el disco. Aunque este flojea en su segundo tramo con composiciones algo más redundantes como ‘Step into My Life’, que cuenta con la participación de Kindness, o la funky ‘Read My Lips’, el largo aún presenta un single redondo como ‘Save a Kiss’, que es como ‘Spotlight’ pero más majestuoso todavía, y un «album track» tan digno como ‘The Kill’, y además se quita de caer en la linealidad al incorporar dentro de la secuencia un par de aquellas producciones de Joseph Mount publicadas en los últimos años por la artista, más electrónicas y minimalistas, y entre las que cabe destacar la hipnótica ‘Adore You‘. Entremedias, ‘In Your Eyes’ recupera el sonido de R&B asfixiante de ‘Devotion’ para recordarnos de dónde viene Ware, sin deshacerse ni un poquito del G-L-A-M-O-U-R que la artista vuelve a desplegar, de manera más natural imposible, a lo largo de este sobresaliente disco.
The Rolling Stones han anunciado que emprenderán acciones legales severas contra el presidente Donald Trump por haber vuelto a usar su canción ‘You Can’t Always Get What You Want‘ –incluida en su álbum de 1969 ‘Let It Bleed’– en un mitin. Ocurrió en el fallido mitin de Tulsa, Oklahoma, ya famoso no solo por el boicot que sufrió por parte de fans de K-pop y de la red social china Tik Tok sino también por el rechazo de los herederos de Tom Petty al uso de la canción ‘I Won’t Back Down’ en dicho encuentro político. Los Stones han emitido un comunicado en el que indican que «están trabajando con BMI –organización que gestiona derechos de autor en EEUU– para impedir a Donald Trump usar sus canciones en futuras apariciones políticas», amenazando con una demanda.
La cuestión es que, a diferencia de lo que sucedía con Petty, no es la primera vez que Trump usa esta canción de Rolling Stones, puesto que ya lo hizo tras su victoria electoral del año 2016. Ya entonces recibió una petición de «cease and desist» –es decir, una petición a priori amistosa para que desista de su acción– para que no usara en sus apariciones esta u otra canción de Rolling Stones sin permiso expreso del grupo. Algo que ha parecido importar bien poco al líder del Partido Republicano, que no solo no lo ha cumplido sino que insiste en usar la misma canción, con la que pretende ironizar contra de sus detractores, que, parafraseando el título de la canción, «no conseguirán lo que quieren»: verle fuera de la Casa Blanca. Insistiendo, el que parece que sí consigue lo que quiere es el propio Trump, polarizando a la opinión pública y, sobre todo, desviando la atención mediática de problemas más acuciantes en Estados Unidos como la pandemia de Covid-19 o el racismo sistémico contra el que multitud de ciudadanos llevan semanas manifestándose.
The Rolling Stones, por cierto, reaparecían en plena pandemia con una canción nueva, ‘Living In A Ghost Town’. Se trata de su primera nueva composición original que ve la luz desde el año 2012, y forma parte de un álbum que llevan preparando desde que el pasado año Mick Jagger se recuperara asombrosamente bien de una dolencia cardíaca que obligaba a cancelar su última gira mundial. Jagger y Richards aseguraron que entendían que la crítica situación vivida en la cuarentena hacían especialmente propicia la publicación de esta canción al margen de dicho disco.
El segundo disco de los irlandeses Fontaines D.C. tras la publicación de su exultante debut ‘Dogrel‘ –uno de los mejores del pasado año para muchos, entre ellos nuestra redacción– es uno de los trabajos más esperados de los próximos meses por los amantes del rock alternativo más afilado. Se titula ‘A Hero’s Death’, justo como el single cuyo vídeo protagonizado por el actor de ‘Juego de Tronos’ Aidan Gillen destacábamos semanas atrás, y se publica el próximo día 31 de julio a través de Partisan Records (sello de la otra gran revelación del rock anglosajón, IDLES, que también lanzan disco post-eclosión masiva). Sus diez cortes incluyen, claro, el tema titular y un segundo single presentado hace unos días, ‘I Don’t Belong’, que abre el disco de manera más reposada y también oscura.
Esta mañana se anuncia, además, que el grupo incluirá nuestro país en la gira de presentación del disco que, en principio, llevarán a cabo en los primeros meses de 2021: el 10 de marzo estarán en La Riviera de Madrid, y un día después, el 11 de marzo, en la sala Razzmatazz de Barcelona. Las entradas se pondrán a la venta este viernes 3 de julio a partir de las 10 horas, en la web del promotor Houston Party.
1. I Don’t Belong
2. Love Is The Main Thing
3. Televised Mind
4. A Lucid Dream
5. You Said
6. Oh Such A Spring
7. A Hero’s Death
8. Living In America
9. I Was Not Born
10. Sunny
11. No
El sex shop gay más famoso de Los Angeles en los ochenta estaba regentado por un convencional matrimonio hetero de firmes convicciones religiosas. Esta es la sorprendente paradoja que ha animado la realización de ‘Circus of Books’, un documental producido por Ryan Murphy y dirigido por Rachel Mason, una de las hijas de la pareja. El caso de Mason es un poco como el de Gustavo Salmerón y ‘Muchos hijos, un mono y un castillo’: si tienes unos padres así de peculiares, cómo no vas a rodar un documental sobre ellos. «Tenemos una librería», solía decir la pareja a su familia y amigos. Pero en los estantes de Circus of Books no solo había libros, también juguetes eróticos, productos sexuales y toda clase de porno gay. Incluso tenía zona de cruising. La película narra la historia de la librería: sus problemas legales, su importancia dentro de la comunidad gay, el impacto que tuvo en su clientela la aparición del sida… Y también documenta su decadencia, sus últimos días de existencia antes de echar el cierre. Por último, incluye otra sorpresa. Un guiño del destino que lleva la película hacia los terrenos del drama familiar y el activismo LGTB+. 7,5.
Crimen y desaparición en Atlanta (HBO)
El tema ha dado para mucho. Se ha hecho una miniserie, ‘Los niños de Atlanta’ (1985); un telefilme, ‘¿Quién mató a los niños de Atlanta?’ (2000); un documental, ‘The Atlanta Child Murders’ (2010); una serie, la extraordinaria segunda temporada de ‘Mindhunter’ (2019); y una miniserie documental, ‘The Atlanta Child Murders’ (2019). ¿Qué aporta ‘Crimen y desaparición en Atlanta’? Dos cosas principalmente: la calidad de su producción, algo habitual en los documentales de HBO, y la profundidad en su enfoque. Que nadie busque aquí un true crime tipo ‘Tiger King’. Esta miniserie de cinco capítulos es minuciosa como un informe forense. Firmada por cuatro directores (entre ellos Jeff Dupre, autor del premiado ‘Marina Abramovic: la artista está presente’), el documental nos muestra la historia de los asesinatos de Atlanta a la luz de las nuevas pruebas descubiertas que han permitido la reapertura del caso. No se ofrecen certezas, solo preguntas. ¿Fue Wayne Williams el autor de todos los crímenes? ¿Estuvo involucrado el Ku Klux Klan? ¿Hubo intereses políticos para dar carpetazo al caso? 8,5.
Campamento extraordinario (Netflix)
Tras la oscarizada ‘American Factory’ (2019), los Obama siguen demostrando su buen ojo para la producción de documentales. ‘Campamento extraordinario’, premiada en Sundance, narra el proceso de toma de conciencia de unos adolescentes con discapacidad que en 1971 asistieron a un campamento de verano de ambiente contracultural. Ese paraíso hippy, situado en las famosas montañas neoyorquinas de Catskills (donde está ambientada ‘Dirty Dancing’), fue el origen de un activismo por los derechos de las personas con discapacidad que en 1990 lograron que se aprobara una ley que les protegía contra la discriminación. La película mezcla las filmaciones rodadas en el campamento por el colectivo underground People’s Video Theater, con imágenes de sus acciones políticas posteriores y entrevistas con sus protagonistas. El resultado es un documental inspirador pero nada victimista, que pone de manifiesto el poder de la lucha colectiva en tiempos de crisis e individualismo extremo. 8.
Studio 54 (Filmin)
No duró ni tres años, pero su influencia en la cultura popular ha sido gigantesca. El director Matt Tyrnauer, autor de ‘Scotty y los secretos de Hollywood’ (fuente de inspiración para la serie ‘Hollywood’), hace un recorrido por la historia de la mítica discoteca neoyorquina: desde su fundación en 1977 por el desenfrenado empresario Steve Rubell y su discreto socio Ian Schrager, hasta su cierre en 1980 por fraude fiscal. Tres años de explosión dionisiaca y elitista (solo entrabas si eras famoso, guapo o cool), que se convirtió en un símbolo de la libertad sexual, la música disco y el famoseo farlopero. Aunque se echa de menos un mayor análisis de la importancia cultural y musical que tuvo el local, el documental funciona muy bien en dos aspectos: como escaparate de celebrities (salen clientes habituales como Bianca Jagger, Liza Minnelli, Capote, Warhol, los Stones y hasta un bisoño Michael Jackson), y como relato de ascenso y caída, de la construcción y destrucción de un paraíso hedonista y un sueño empresarial. 7,5.
Buen viaje: Aventuras psicodélicas (Netflix)
El LSD está de moda. ‘Buen viaje: Aventuras psicodélicas’ es el penúltimo eslabón de una corriente de pensamiento que defiende las propiedades terapéuticas del ácido lisérgico y aboga por la despenalización de su consumo. ‘Cómo cambiar tu mente’ (Michael Pollan) y ‘Qué día más bueno: Tomar LSD en microdosis me cambió la vida’ (Ayelet Waldman) son dos de los ensayos más relevantes sobre esta tendencia de los últimos años. Este documental, dirigido por Donick Cary (guionista de ‘Los Simpson’ y ‘Parks and Recreation’), no pretende convertirse en una referencia sobre el tema (ya existen estupendos documentales divulgativos como ‘The Substance: Albert Hofmann’s LSD’ o ‘The Sunshine Makers’), sino en un divertido viaje por el mundo de las drogas psicodélicas y su representación en el cine y la televisión. Presentada por Nick Offerman (‘Devs’, ‘Parks and Recreation’), la película está planteada como una relajada reunión de celebrities -Carrie Fisher, Sting, Ben Stiller, ASAP Rocky- en la que cada uno cuenta sus experiencias con los alucinógenos. La mayoría buenas, incluso catárticas. Y alguna mala. 7.
Nuestro «Disco de la Semana» es ‘Corazón roto y brillante‘, el nuevo de Chucho, que suma más grandes canciones con vocación de «grandes éxitos» -sobre todo en su primera mitad- a las que ya apuntábamos hace unos años en una playlist que actualizamos hoy. Entre ellas está ‘Sombra lunar’, lo que ahora se conoce como «key track» o «focus track», el single que se postula para las playlists de novedades el día de salida del álbum.
‘Sombra lunar’ es un divertido western algo fantasmagórico como otros puntos de esta era, si bien el tema presenta un punto muy luminoso, manifestado en la incorporación de campanas y de un estribillo que no deja de ser alegre: “Exploraré tu piel a la luz lunar y te daré un beso en cada lunar”. Mantiene el brío una segunda estrofa que habla de «cabalgar», «disparando balas de verdad», «como en una aurora fantasmal», pero el tema no acaba bien: «El cantante acaba de morir, la noticia acaba de llegar, el tiempo corre y no lo vi venir y la canción acaba de acabar».
En la entrevista que hemos mantenido con Fernando Alfaro sobre el disco, dividida en dos partes, hablaba del carácter pop de este tema, casi tan vibrante como su clásico ‘Magic’. En cuanto a la música, revelaba que con ‘Sombra lunar’ lo que quería «era buscar un rollo surf, pero dándole una vuelta de tuerca más y mezclarlo con el ‘Telstar’ de Joe Meek. Ese es el diálogo nuestro, ir a los extremos, siempre es más divertido».
Esta semana ha vuelto a ser noticia ‘Merlí’ porque RTVE se la ha comprado. No la va a tratar tan bien como a ‘Killing Eve‘, seleccionada con un par de temporadas de retraso para el prime-time de La 1, sino que simplemente se podrá ver a demanda en Playz, el canal digital de la cadena pública, pero algo es algo: seguro que así prueba a más gente que no es el culebrón tipo ‘Poblenou’ que algunos de los que no vivimos en Catalunya imaginábamos.
La serie de TV3 después adoptada por laSexta ha vuelto a copar titulares porque además la noticia coincide con el Orgullo, pues ‘Merlí’ ha hecho bastante por la visibilidad LGTB+ a través de un par de los personajes del instituto en que se centra la trama. ‘Merlí’ es tan chula que Miss Caffeina le han dedicado un temazo y alguien con un perfil tan sui generis como Mala Rodríguez se ha declarado fan por el componente filosófico de su guión. El protagonista principal, el propio Merlí (Francesc Orella), es un revolucionario profesor de filosofía con un concepto bastante vanguardista de la libertad de cátedra, que inspira a una serie de alumnos adolescentes con las hormonas a flor de piel, recordando a Robin Williams en su papel de ‘El club de los poetas muertos’.
El valor de la enseñanza y de la educación pública son el fondo de una serie tierna, divertida, muy entretenida y no excesivamente lacrimógena, que se devora con una velocidad que ya quisieran muchas internacionales. Hay arquetipos muy manidos entre los adolescentes, alguno de los cuales igual te suena de un vídeo de Tame Impala producido por Canada. Tenemos al chico en una cueva enajenado, a la chica gordita que ni siquiera lo está tanto, al pijo… pero todos tienen su encanto: el director del instituto hasta el gorro de Merlí (Pau Durà), esa madre que se pasa la vida en el AMPA y no da ni palo al agua en el Cosmo Caixa (Marta Marco), L’Eugeni y su bar de country (Pere Ponce), La Coralina preguntando, ácida, «¿ya somos independientes?» (Pepa López), el pérfido padre del Pol Rubio que es el único que habla en castellano (Boris Ruiz)… no es que sean brillantes, sino que, como sucedía en otra enorme serie «coming of age», ‘Verano Azul’, son tan importantes como los considerados protagonistas de la serie. 9.
Tras un final que recuerda -por estilo, no es un «spoiler»- al de ‘A dos metros bajo tierra’, se ha estrenado en los últimos meses un «spin off» de ‘Merlí’ apellidado «Sapere Aude» que continúa exprimiendo el fenómeno. Y digo fenómeno porque el Pol Rubio, cuyo culo en la ducha es lo primero que vemos en esta nueva serie, tiene hasta un libro en el mercado llamado ‘Yo, Pol Rubio‘, que lógicamente no ha escrito el actor Carlos Cuevas sino el creador y guionista de la serie, Héctor Lozano. Abierta la franquicia… ¿para cuándo los supermercados Pol Rubio?
El mayor atractivo de «Sapere Aude» se supone que es la incorporación de María Pujalte, y así es claro en los primeros instantes, diluyéndose después la trama hacia lo que podríamos llamar la «elitización» de ‘Merlí’: nuevos personajes como el de Rai y su casoplón y el de Minerva y su beca parecen recién salidos de ‘Élite’. La serie fomenta así su componente sexy y aspiracional, flojeando en tramas sociales como la de la adicción al alcohol de Pujalte, que no puede estar más caricaturizada (aunque su hija Laura tiene sus puntos). También parece un complemento el rescate del personaje del Bruno, que no en vano no va a aparecer en la siguiente temporada para decepción del actor David Solans, quizá porque sabemos demasiado sobre su destino como para que sus partes tengan algo de «punch».
Lo que sí vuelve a tener a su favor ‘Merlí Sapere Aude’, volviendo al origen de la serie, a su encanto más primigenio, es el juego entre alumno y profesor: lo que puede significar para nuestro desarrollo un buen maestro que nos motiva y nos busca las cosquillas, a veces sirviéndose tan sólo de una rodaja de fuet. Ahora en la universidad, la serie continúa emocionando, resultando divertida y edificante, subrayando la importancia de la educación y la relevancia de aquel humilde profesor que, sin que nadie se lo pidiera, dio un giro para bien a tu vida cuando más necesitabas una guía ajena a tu núcleo familiar. 7,9.
En los días en que se habría tenido que celebrar el Festival de Glastonbury, se están recordando algunos de los conciertos históricos en la BBC o en la prensa británica. Adele, que es noticia las pocas veces que actualiza las redes sociales, ha compartido en Insta un par de instantáneas de su actuación de 2016, en una de las cuales aparece cantando junto a un televisor.
Pero la noticia viene por un comentario en respuesta que ha dejado a una usuaria que ha entendido por una de las fotos que su cuarto disco salía ya. Entre exclamaciones en plan «me va a dar algo», preguntaba: «¿un teaser? ¡¿el disco sale hoy?! ¡¡dime!!». Adele tardaba una hora en responder: «por supuesto que no. El corona no se ha acabado. Estoy en cuarentena. Ponte una mascarilla y sé paciente».
El regreso de Adele es sin duda el más esperado de los últimos años después de que ‘21‘ rondara los 30 millones de copias despachadas en 2011 y ‘25‘ los 20 millones de unidades vendidas desde 2015. El último álbum también ha continuado siendo uno de los álbumes más vendidos en Reino Unido todos los años desde su edición. Respecto a ’21’, esta semana pasa su 470ª semana en el Billboard 200, en concreto en el puesto 186, lo que viene a querer decir que lleva casi 9 años en dicha lista.
Beyoncé ha colgado en su página web el tráiler de su película ‘Black Is King’, que ha escrito y dirigido. La estrenará Disney Plus en cosa de un mes, en concreto el 31 de julio. Hace unas semanas, se rumoreó que la cantante había firmado varios proyectos con Disney.
Se sabe poco sobre esta película, y lo deseable es que fuera vinculada a un nuevo disco a lo ‘Lemonade’, pero se sobreentiende que está relacionada con su música para la banda sonora alternativa de ‘El rey león’ que comisarió el año pasado. En el tráiler aparece la cantante sosteniendo un bebé, subida en un caballo y leyendo un libro, como es habitual en los últimos tiempos, rodeada de imaginería relacionada con la historia del pueblo afroamericano.
Según una nota de prensa recogida por Just Jared, ‘Black Is King’ es «un recuerdo celebratorio para el mundo sobre la experiencia negra. Los vídeos de ‘My Power’, ‘Mood 4 Eva’ y ‘Brown Skin Girl’ son extravagancias de elegancia y soul. El film es una historia para todas las edades que informa y reconstruye el presente. Una reunión de culturas y creencias compartidas de generación en generación. Una historia de cómo la gente que más sufre tiene un don extraordinario y un futuro lleno de propósitos». Los temas referidos están en dicho disco de 2019.
Beyoncé ha sido noticia recientemente por estrenar un single con una temática parecida llamado ‘BLACK PARADE’ que ha alcanzado el puesto 49 en Reino Unido y el número 45 en Irlanda. Su alcance en su mercado principal, Estados Unidos, se conocerá en las próximas horas.
Si ya ‘Una canción de cuna entre tempestades‘ era un disco que, manteniendo el patrón de rock de autor, llevaba a The New Raemon a alcanzar su madurez creativa, ‘Coplas del andar torcido’ va un paso más allá. En él, Ramón Rodríguez expande sus territorios sonoros con la muy directa implicación de David Cordero, eterno outsider tras proyectos como Úrsula, con el que ya trabajó en su disco colaborativo junto a Ricardo Lezón (McEnroe), ‘Lluvia y truenos‘.
Sus fantasmales paisajes electrónicos se convierten en un elemento fundamental en el nuevo disco del artista barcelonés, porque suponen un contrapunto perfecto para los sonidos acústicos, por momentos folclóricos, de este séptimo largo en solitario de The New Raemon. ‘Coplas del andar torcido’ –título que ya indaga en la tradición española a la vez que arroja algo de humor ácido a la lesión física que aqueja a Ramón desde que sufrió un grave accidente de tráfico casi 20 años atrás, como explica aquí– se vale de esa combinación de elementos para tejer una obra intrínsecamente oscura, no tanto en lo musical (que también) como en lo lírico.
Si su anterior trabajo planteaba la antipatía (siendo benevolentes) que el mundo ofrece a un niño que nace y crece (idea que reaparece, de manera más esperanzada, en ‘El árbol de la vida‘), en este disco Rodríguez se sitúa en el espejo y reflexiona sobre la realidad más cruda de quien, «ya cumplidos los 43», confronta la amargura de «levantarse, acostarse, sentarse a trabajar» (‘Ruido de explosiones’) y la retahíla de pérdidas, personales o emocionales, que se suceden cada vez más a medida que crecemos. Títulos como ‘Pronto todo será sombra’ o ‘Días de rachas grises’ retratan exactamente lo que inspiran, si bien es muy justo destacar el punto de comicidad que el mismo exceso de drama hace emerger en canciones como ‘Ropa mal colgada‘, con líneas como «cinco cuerdas suenan, si pongo la sexta me voy a ahorcar» o «me sostiene la mirada la ropa mal colgada».
The New Raemon ha alcanzado un lirismo que en muchos momentos resulta brillante, y algo similar sucede con la propia música. El predominio de claroscuros no está reñido, paradójicamente, con la luminosidad en muchas de estas canciones, salvo quizá en los últimos estertores del álbum, donde la gravedad se vuelve algo plúmbea (en la muy Radiohead ‘La mano en el fuego’, por ejemplo). Pero el arranque es –superado un primer par de escuchas imprescindibles para desbastar– verdaderamente fulgurante, con las que muy posiblemente son las mejores canciones que nunca haya escrito Rodríguez.
A la citada ‘Ropa mal colgada’, le suceden las conmovedoras melodías de ‘Luna creciente‘, ‘En la feria de atracciones‘, ‘El árbol de la vida’ o ‘Aunque maldigas entre dientes‘, con un gran gancho pese a su evidente tono melancólico y tristón, sobre un trasfondo cohesionado y poderoso tejido con guitarras acústicas, percusiones (Salvador D’Horta, Ricky Lavado, Pablo Cabra) y bajo (Javi Vega), con atinados trazos de la electrónica de Cordero, el violoncello de Antonio Fernández Escobar y unos atinadísimos contrapuntos vocales servidos por Anni B Sweet. Además, The New Raemon amplía su discurso con incursiones sorprendentes como la suerte de reggaeton aflamencado (o flamenco areggaetonado, según se mire) de ‘Días de rachas grises’ o el predominio electrónico de ‘Ruido de explosiones’. ‘Coplas del andar torcido’ abre así saludables vías sonoras en el discurso artístico de Ramón Rodríguez, a la vez que afianza y mejora su faceta más reconocible. Si no es su mejor disco, se acerca mucho a serlo. Puede estar al caer.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Luna creciente’, ‘Ropa mal colgada’, ‘En la feria de atracciones’, ‘El árbol de la vida’, ‘Aunque maldigas entre dientes’ Te gustará si te gusta: McEnroe, Eric Montefusco, nudozurdo, Úrsula. Youtube:playlist del disco
No lo tenía muy difícil después del fiasco de especial que se emitió en lugar de una edición que nunca debió suspenderse, sino adaptarse aprovechando un presupuesto que tiene al alcance a los mayores talentos creativos del mundo; pero lo cierto es que la película de ‘Eurovisión’ que se ha estrenado en Netflix es lo mejor que verás sobre el festival este año. No es que tengamos mucha fe puesta en la edición Junior de este otoño.
Lo que me esperaba de ‘Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga’ era una comedia sin demasiada gracia de Will Ferrell, hecha desde el punto de vista norteamericano, el que ve Eurovisión como un artefacto kitsch totalmente incomprensible. Y puede haber algo de eso. Pero también un gran cariño por lo que significa el festival a varios niveles, manifestado en un protagonista que pone más empeño en participar en el certamen que Coral Segovia y Valentina Monetta juntas, hasta el punto de que es el centro de su vida por encima del amor. Está, por supuesto, caricaturizado, pero al mismo tiempo la inopia eurofán en la que se halla es enternecedora.
‘The Story of Fire Saga’ es una parodia de todo lo que supone la organización del festival, como los ensayos, las semifinales o el coste de su organización. Solo podemos sonreírnos cuando aparece el típico ejecutivo televisivo que bajo ningún concepto quiere una victoria. ¿A alguien le suena de algo? En ese sentido, habría estado bien que se hubieran cuidado un poco los detalles, pues lo de la votación de la semifinal entiendo que es una licencia para generar tensión, pero no costaba nada quitar a España de ese listado, porque como «big five» no concurrimos a ellas. La película cae en errores y arquetipos, aunque es la Islandia de donde se supone que proceden los protagonistas, la que se lleva la peor parte en ese sentido: vikingos, elfos y canciones de Sigur Rós son todas las cartas que los guionistas han querido jugar sobre tan desconocido país para casi todo el mundo.
También decepciona un final poco atrevido después de haber apostado por un humor bastante negro en algún punto: atención a la escena del barco y al cameo de Demi Lovato «Katiana». Sin embargo, la película puede viralizarse porque cuenta con suficientes elementos como para que sus 123 minutazos pasen en un suspiro: los momentos en que aboga por ese humor mordaz y valiente en la línea de ‘Zoolander’ (la referencia a «Semen & Garfunkel»), la buena selección musical (ABBA, Madonna, Cher), la pertinencia de los cameos (Kortajarena, Netta, larguísimo etcétera), y lo acertado que está el guión parodiando ciertas letras eurovisivas. Cuando el ruso, gay o no, canta que quiere ser el «león del amor», te das cuenta de que alguien ha hecho los deberes.
Al final, la película, subida a Netflix y por lo tanto accesible para el público generalista, es disfrutable tanto por eurofans como por «haters». Para aquellos que aún entendáis Eurovisión como el festival en el que la magia de una canción puede arrasar multitudes, hay un cameo y una actuación clave. Y aquellos que os tronchéis con los fuegos artificiales y toda la parafernalia, gozaréis bastante con ese ‘Double Trouble’ que saca más provecho de una rueda de hámster que Ucrania en 2014… lo cual es un guiño a los freaky fans, al mismo tiempo. Esperemos que la presentación acabe en Youtube, cuando ya todo el mundo haya disfrutado de la que puede ser la mejor/peor actuación imaginada al respecto.
Ya hace 3 meses que salió ‘Break My Heart‘ aunque no lo parezca por el confinamiento ni por su excelente posición en las listas: el tercer single de ‘Future Nostalgia‘ ha resultado incluso más exitoso que el mismísimo ‘Physical’, pues en breve lo superará en número de streamings.
Un responsable de Warner ha explicado que la estrategia de ‘Future Nostalgia’ no va a decaer por la covid-19: el plan es sacar temas nuevos y edición deluxe, de manera que cuando llegue el momento de la gira mundial el año que viene, sea más «un greatest hits que un disco». Sin embargo, antes de que lleguen singles inéditos, que los habrá, y uno de ellos parece un tema junto a Bad Bunny y J Balvin que se ha registrado con el nombre de ‘Plateado’, habrá al menos un sencillo más de ‘Future Nostalgia’. La prensa amarilla asegura que Dua Lipa ha rodado un nuevo vídeo este mes junto a su novio para una canción de este disco, aunque por otro lado hay un extendido rumor en el foro de Popjustice que apunta a una colaboración sorpresa.
El cuarto single se da por hecho a estas alturas que es ‘Levitating’ tras este tuit de Warner. ‘Hallucinate’ es igual de potente pero tras el alcance de ‘Break My Heart’ y su inspiración en INXS, quizá se quiera evitar que salga otro tema tan dominado por un sample. Un insider con el nick DangerousHun ha dicho que «a la gente le va a sorprender mucho» lo que se ha hecho con ‘Levitating’ y ha revelado que habrá una colaboración tipo «leyenda». Katy Perry se ha postulado a sí misma como alternativa, hay quien ha pensado en Nelly Furtado y Gwen Stefani porque Dua Lipa era muy fan de ambas como adolescente y también suena el nombre de Madonna, porque recientemente siguió a Dua Lipa en Instagram (sigue a muy poca gente). Sería raro, porque se supone a Madonna lesionada y completamente volcada en el Black Lives Matter, pero no deja de ser una influencia capital en ‘Future Nostalgia’: ‘Levitating’ es una co-producción de Stuart Price. El nombre de Kylie Minogue también ha salido, pues además prepara un álbum de «música disco madura».
Sea una fantasía (¿pega un featuring en un tema cuyo vídeo está protagonizado por Dua Lipa y su novio?), o una colaboración sepultada por el single que teóricamente se avecina junto a Bad Bunny y J Balvin, es momento de disfrutar de una canción que no necesita un featuring porque ya era perfecta. Dua Lipa explicó en su momento que ‘Levitating’ es la primera canción que hizo cuando ya tenía el concepto del álbum claro y que quería que Austin Powers saliera en su vídeo, pues era la inspiración (eso fue antes de la pandemia). Hablaba de hacer canciones alegres y no «de llorar bailando», citando como influencia a Daft Punk y a Blondie en el «middle eight». «Es mi versión británica de un rap de Blondie», decía sobre un tema con palmas, efectos, ritmazo funky, brillante «middle eight» y un gran final coral cuando se incorporan nuevas guitarras, voces dobladas, robotizadas y vítores.
Rosalía ha realizado «de madrugá» (hora española) uno de esos Q&A que de vez en cuando hace con sus fans en Twitter. Entre las habituales preguntas «¿cuándo vendrás a x país?» (como si se supiera cuándo se va a poder volar con libertad en medio de la pandemia) y «¿cuál es tu galleta favorita?» (le gustan Príncipe y Oreo, para regocijo de ambas marcas, que se han llevado esta publicidad tan gratuita un viernes por la noche), han surgido algunas cosas interesantes.
La autora de ‘El mal querer‘ ha asegurado que aún no sabe cuántas canciones irán incluidas en su tercer disco, lo cual nos indica que no está terminado, por lo que deducimos que, como pronto, saldrá en el último trimestre del año (se anunció para 2020). De hecho, cuando le han preguntado por la fecha de edición, ha puesto el emoji del monete que se tapa la cara: no se puede desvelar tal cosa de momento.
Lo más curioso ha sido su respuesta cuando le preguntan si «va a sacar algún día» ‘Lo presiento’, una de las canciones que han formado parte de su repertorio en directo y se oye en el vídeo de ‘Bagdad’, pero que nunca se ha editado en estudio, como la colaboración con Pharrell. Sobre ‘Lo presiento’, Rosalía ha dicho que saldrá «algún día, sí», lo cual no suena nada cercano. ¿Quizá en algún disco o mixtape de rarezas y descartes que salga en algún momento de algún lejanísimo futuro?
Entre los momentos más divertidos ha estado ese en el que le han preguntado por Harry Styles, pues ella ha colaborado con el artista haciendo la locución de uno de sus vídeos, y Rosalía le ha apelado: «A ver cuándo vamos a hacernos las uñas juntos, ¿no? Avísame cuando tengas el próximo appointment, bebé». Cuando le han preguntado por la música que escucha, sus inspiraciones y demás, ha posteado fotos de gente como Lola Flores o Aretha Franklin, ha dicho que le encantaría haber colaborado con Camarón de la Isla o Manuel Molina de los que ya no están con nosotros y ha dicho que ojalá pudiera hacer algo con Caetano Veloso o Kendrick Lamar. Entre las canciones que ha citado haber escuchado recientemente, ‘Hasta que Dios diga‘, el tema de Anuel AA y Bad Bunny que ha sido número 1 en España, ‘Qué locura enamorarme de ti’ de Eddie Santiago, y entre las que la ponen triste, ‘Chelsea Hotel #2’ de Leonard Cohen. De aparecer en una serie, lo cual no sería tan extraño después de haber salido en los primeros minutos de ‘Dolor y gloria‘, le gustaría que fuera la excelente ‘Euphoria’.
Rosalía está en promoción de su último single ‘TKN’ junto a Travis Scott, que la ha llevado por primera vez al Billboard Hot 100, exactamente al puesto 66. Aunque el tema sólo durara una semana en dicha lista estadounidense, continúa fuerte en el global de Spotify, donde la encontramos en el puesto 39 después de un mes. El tema ha supuesto otro número 1 más para ella en la lista oficial de Promusicae en España y a día de hoy aún es número 6, por debajo de hasta 4 canciones de Anuel AA.
Parte de la redacción evalúa el single principal de ‘Mes Excentricités, 2’, que es nuestra «canción del día».
«Si bien es cierto que el encanto único de ‘Never Trust a Stranger’ es difícil de emular, lo cierto es que Mónica Naranjo ha sabido apoderarse de este hit de la infravalorada Kim Wilde y convertirlo en un poderoso número propio. Tanto que no desentona, ni mucho menos, entre los grandes hits de la diva pop de Figueras. Si bien la producción tiene un punto rococó que entronca con la Mónica excesiva –la misma que transforma, cómicamente, «estrella» en «estrecha»– de los últimos años, en este caso se «sacrifica» para no desvirtuar la maravillosa producción melódica del original. Cierto es que el rollo Sophie Ellis-Bextor pasada por el tamiz de Xenomania o Pet Shop Boys tiene un punto demodé, pero en este caso eso no hace sino añadir encanto a una versión digna de sudarse con las manos en el aire. Ojalá Fangoria hubieran tirado por aquí en sus discos de versiones. Ojalá Mónica se decida a seguir esta senda de un pop más directo en próximos lanzamientos». Raúl Guillén.
«Como gran intérprete que es, en ‘¡Hoy no!’ Mónica Naranjo transforma la canción original de Kim Wilde, pegadiza pero inofensiva, en una bestia dance digna de sumarse a su repertorio de temazos bailables a la par que orgullosamente horteras. De hecho, ‘¡Hoy no!’ presenta alguna similitud obvia con ‘Sobreviviré’, otra versión: en ella, Mónica eleva ‘Never Trust a Stranger’ a un lugar mucho más feroz y excesivo, adaptándola a su personalidad, pero es que esa frase «y yo me sentí una mierda, pero hoy no» no puede sino recordar a la mítica «puta realidad» de ‘Sobreviviré’. Introducir la palabra «mierda» en una canción pop no parece tarea fácil, pero Mónica Naranjo lo hace sin esfuerzo». Jordi Bardají.
«Qué poquito habíamos hablado de Kim Wilde en 14 años de site: el día que se declaró el Estado de Alarma en 2010 por su tema ‘Chaos at the Airport’, una playlist sobre una canción que parece de los 80 y otra que lo es, el artículo sobre las influencias de ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa… y poco más. Solo por eso hay que agradecer a Mónica Naranjo esta reivindicación que además no lo es de su canción más conocida. La Pantera hace una revisión actualizada -entre el italo y los tiempos del big beat y el jungle- y eufórica de ‘Never Trust a Stranger’ que, en su vídeo, se transforma en una celebración de la conducción por una gran ciudad sin capota ni mascarilla, no importa la dirección. Es la mejor Mónica en años o décadas: no supera la ida de olla de ‘Europa’, pero se agradece que vuelva a hacer una canción pop relativamente normal como en los tiempos de ‘Palabra de mujer’. Los arreglos, gloriosos, recuerdan a los de ‘Eloise’ de Tino Casal o ‘Never Can Say Goodbye’ de los Communards, grabaciones tan buenas que se te olvidaba que eran sendas adaptaciones». Sebas E. Alonso.
Bob Dylan ha triunfado en Reino Unido una vez más, situando su nuevo disco, el recomendado ‘Rough and Rowdy Ways’ en el top 1 de los álbumes más vendidos de la semana, por encima de entradas de Neil Young, que queda en el puesto 2 con ‘Homegrown’, y Phoebe Bridgers, que queda en el número 6 con ‘Punisher’.
Además, no es que Dylan lo haya logrado con unas cifras cualquiera, sino excelentes. Su nuevo álbum de estudio, el primero de canciones originales en 8 años, ha despachado 34.117 copias en su primera semana, lo que supone uno de los mejores tops de todo 2020. ‘Shadows in the Night’ en 2015 vendía 22.000 unidades en su primera semana, si bien hay que recordar que era uno de sus álbumes de versiones. Se trata de su 9º número 1 en las listas británicas, lo que le pone en el nivel de ABBA y Queen, según informa la Official Charts Company. Es además, el hombre de más edad que jamás haya alcanzado la cima en Reino Unido, tras lograrlo a los 79 años.
Donde Bob Dylan no logrará el número 1 será en su propio país, Estados Unidos. Según las previsiones de HitsDailyDouble, las 58.000 unidades vendidas no serán suficientes para destronar a Lil B, que con el streaming suma el equivalente a 69.000. En cualquier caso, será su mejor resultado desde que en 2009 fuera número 1 con ‘Together Through Life’.
En la semana dedicada a ‘Corazón roto y brillante‘, el notable nuevo disco de Chucho, publicamos la segunda parte de la entrevista que mantuvimos días atrás con Fernando Alfaro, alma mater del proyecto. Tras una primera parte de la charla en la que hablábamos sobre el relato ‘Pere y María’, surgido a partir de la misma idea –una ruptura sentimental traumática–, y su relación con las canciones de este disco, en este último fragmento hablamos un poco más sobre música, sobre el periplo de cinco meses encerrado completamente solo (en parte voluntariamente, en parte no) en una enorme casa campestre «llena de fantasmas» y sobre otras novedades recientes, como aquel maxi por el 20º aniversario de ‘Magic’ en el que Manolo Martínez, la voz de Astrud, cantaba una nueva versión de su hit. Y nos enteramos de que hubo un proyecto musical en ciernes que al final no fue.
Antes hablábamos de referencias propias, pero también las hay ajenas. Explícitamente se cita en una letra a Bill Fay y Johnny Cash, pero también hay guiños sonoros a otros estilos y artistas. Como ampliando el tapiz.
Sí. Cuando compones canciones, como decía, lo haces por impulsos. Y cuando tocamos con el grupo, hay un plan, pero no una hoja de ruta precisa. Sí tenía muy claro para este disco la idea de aire limpio, de liberación. Queríamos que fuera lo que en el grupo llamamos «B.P.M.»: brillante, presente y moderno. (Ríe) Era el lema de partida, porque muchas veces uno funciona por oposición, y como el disco anterior (‘Los años luz‘) había sido una especie de nebulosa, de garaje cósmico superextraño, para este queríamos algo mucho más brillante y más presente. Pero ya entonces estaba decidido el aspecto temático del disco y las canciones. Se cruzaron esos dos cables: el impulso creativo del grupo, las ventanas que queríamos abrir, y el impulso interno de las canciones.
En cuanto a las referencias… Nosotros tenemos una compenetración muy grande, porque llevamos tocando juntos mogollón de tiempo. Y enseguida empiezas a decir «¿por qué no metemos aquí un arreglo a lo Eddy & The Hotrods?» o «este teclado Devo», que suena en ‘Corazón roto y brillante’. También hay guitarras Devo en ‘Yoga Love’, cosas de Elvis Costello, Blondie, Talking Heads… Tiramos mucho de referencias de los últimos 70 y primeros 80, porque nos parecía que el zeitgeist musical de lo que se hacía entonces tenía ese pulso fuerte pero brillante a la vez que buscábamos. Aparte que, aunque nosotros entonces éramos chavalillos, era lo que mamábamos. Fue un trabajo que hicimos de pre-producción, que fue además bastante intensivo: lo grabamos a lo largo de todo 2019, básicamente porque solo nos podíamos juntar cada cierto tiempo, al vivir cada uno de nosotros en una punta. Javi vivía en Guadalajara –la española, no la mexicana–, Juan Carlos en Leeds, y yo en Barcelona, que fue al final nuestra base de operaciones. A mí lo del trabajo a distancia no me funciona, necesito la cercanía. Así que imagínate la situación actual, me está jodiendo la vida. (Risas) Entonces nos juntábamos en el local cuando podíamos y nos metíamos unas diez o doce horas diarias durante dos días y al tercero íbamos al estudio con Sergio Pérez. Te cuento todo este rollo porque… (Ríe) Todo ese proceso sí que es más racional, hablas de arreglos concretos por cuestiones de comunicación, para entenderte. Y pasó mucho con Sergio. Si bien con Paco Loco también funcionó así, porque es de nuestra generación, con Sergio también. Hubo una especie de entendimiento, de coincidencia de gustos y background compartido que ayudó mucho.
«Quería que el disco fuera un coche brillante en la carretera, no un tío ahí encerrado en una habitación lamentándose»
¿Pero en qué momento decides que fuera un disco de Chucho? Porque al tener connotaciones tan personales, ¿no sería más lógico que hubiera sido un disco firmado por Fernando Alfaro?
Sí, me lo llegué a plantear. Pero quería que fuera justo lo contrario: un coche brillante en la carretera, no un tío ahí encerrado en una habitación lamentándose. Quería algo brillante y poderoso. (Ríe) Aparte, me apetecía mucho tocar y grabar un disco con ellos, me cuadraba mucho.
Hay varias canciones que comienzan siendo una cosa y terminan siendo otra. Por ejemplo ‘Sombra lunar’, que tiene ese aire de banda sonora de Morricone, o ‘La ambulancia y el dolor’, que arranca con un punto de soul setentero a lo Marvin Gaye, pero terminan siendo una canción típicamente Chucho. ¿Qué es primero: el fondo de Chucho o ese arreglo?
Hay un poco de todo en esto. Primero, uno no puede evitar ser un Chucho, como en la fábula de la rana y el escorpión. Uno no puede evitar ser lo que es, entonces las canciones tienen esa forma, que es la mía de escribirlas y aún más la del grupo. Es una especie de multiplicación geométrica. Pero sí que hay ese tipo de decisiones cuando tiene un hálito a lo Al Green, yendo a uno de los ejemplos que ponías, pues lo que hacemos es subrayarlo, lo llevamos un poco al extremo. Para eso Juan Carlos y Javi son la leche, es un puto lujo. Cuando te hablaba de tener un coche, es que encima es un puto Bentley. (Risas) Lo de ‘Sombra lunar’ era buscar un rollo surf, pero dándole una vuelta de tuerca más y mezclarlo con el ‘Telstar’ de Joe Meek. Ese es el diálogo nuestro, ir a los extremos, siempre es más divertido.
Quizá la canción más autobiográfica sea la final, ‘Otra ciudad’, que puede leerse como tu periplo de ciudad en ciudad, tanto viviendo como actuando…
Y tengo dos hijas, a las que llevaba al colegio… En realidad era al conservatorio, pero me cuadraba mejor el colegio, por la métrica. (Ríe) Sí, es todo real, al margen de toda la parte inicial que es más poética, con los fantasmas y demás… Que me dio pie a tirar del hilo hasta el final, que no voy a destripar. Pero sí, es la más verídica, no hay personajes interpuestos, hablo de mis hijas en concreto y una sensación que se daba… Eso de que la mayor no dejaba hablar a la pequeña y esta, cuando iba sola, se convertía en un torbellino. ¡Sigue siendo igual ahora, con 20 años! Es el capítulo más pegado a mi vida, pero de repente también el más fantasmagórico de todos, y el que dota de sentido a todo. No digo más. (Ríe)
Igual está feo preguntar esto, pero ¿tienes una canción favorita del disco, una que te dé más pellizco?
Todas tienen sus cosas, tienen sus momentos… Peeero no me voy a escaquear, te voy a responder. (Risas) Probablemente ‘La ambulancia y el dolor’, es de las que más… «Pellizco» me parece una buena palabra. Y no sólo me pasa a mí, también a Juan Carlos y a Javi. De hecho, mi intención es que podamos sacarla como single, en el sentido antiguo de la palabra, a posteriori del álbum. Y hacer un videoclip sobre el que ya tenemos una idea muy precisa y que ojalá que podamos hacer, porque la situación actual se está traduciendo en bastante miseria por doquier. Si lo podemos hacer, va a quedar muy guay.
«Me gusta que me compares con Woody Guthrie, (…) creo tiene sentido porque él también era muy libertario»
Me han llamado la atención unos versos de ‘Espalda brillante’: «Si, ya sin fe en el hombre, eres un solitario, estaré contigo / Pero si buscas poder, entonces eres mi enemigo». No sé por qué me han hecho pensar en Woody Guthrie, porque tiene una connotación política y a la vez muy humana. Normalmente nunca te has significado mucho políticamente en las canciones, no sé si eso está cambiando un poco.
Me gusta que me compares con Woody Guthrie. Yo nunca lo había pensado, pero creo tiene sentido porque él también era muy libertario. Y esos versos son muy libertarios. Hay algún otro comentario, en ‘La feria animal’: «la corrección política también es susceptible de ser pervertida», por el humano, por el depredador…
Y lo está siendo, de hecho.
Sí. Pero es susceptible de serlo, no es que sea perversa en sí misma. Me interesaba (añadir ese punto político) por el personaje, Pere en este caso, con el que me identifico en muchas cosas. Es un trasunto mío. Que él, siendo una persona muy perdida en casi todo, tenía flashes de lucidez. Me interesaba reflejarlo así. En el relato está más explicado esto, porque es narrativo de principio a fin. En todo caso… Yo siempre he sido alérgico a ser muy explícito con mi postura política en mis canciones, por varias razones. Una de ellas es que yo tengo pocas certezas. Las certezas las puedo ir teniendo por el camino y están sujetas a revisión y puedo cambiar de opinión.
Dicho esto, no me veo en posición de decir a nadie lo que tiene que hacer o pensar, puedo hablar por mí mismo, nada más. Por eso, aunque siempre ha aparecido esta conexión con la realidad en mis canciones, con ventanas a lo sociopolítico, siempre han estado muy relacionado con lo personal. Porque es como vivo la política. Además, soy de la opinión de que una canción que solamente hable del amor de una pareja puede ser política. Porque hacer que la gente sienta, es la vía para que la gente sienta políticamente también. Lo pienso así. Y hablo de hacer sentir, no de educar. Pienso que un músico, por el mero hecho de serlo, no está en posición de aleccionar a nadie. Otra cosa es que un músico tenga una vertiente más activista. Me parece perfecto, pero no está relacionado, es por una cuestión personal, no por ser músico.
«Siempre he sido alérgico a ser muy explícito con mi postura política en mis canciones»
Quizá lo facilita el tener como parapeto a Pere, un personaje.
Sí, pero al final el que lo estoy cantando soy yo. Y esas frases en concreto, las suscribo. Aparte, están en canciones que pueden ser escuchadas por separado del disco, por ejemplo en una playlist vuestra, y ahí no hay excusas: soy yo cantando eso. Si lo hago, es porque lo pienso en realidad. Y sigo pensando lo que dice antes: «es que el hacerse mayor es bordear en la lejanía, con un corazón puro, un precipicio de misantropía». Y eso es una postura muy política también, y da lugar a la siguiente. Si al final te has convertido en un misántropo, y te has convertido en un anacoreta, como es mi caso, que llevo cinco meses aquí solo en esta casa… (Risas) Si eres así de espíritu, estaré contigo. Si no, si buscas poder político, económico, el que sea, aquí tienes un enemigo.
Y bueno, ¿cómo has vivido estos cinco meses de soledad? La verdad es que te hacía en Madrid.
Era mi primera intención. Pensaba estar aquí un mes escribiendo y luego ir a Madrid, pero obviamente no fue así, me pilló la pandemia aquí y me quedé confinado. Por un lado al relato de ‘Pere y María’ le vino bien, porque su tono fantasmagórico se vio amplificado por la soledad. Esta es una casa enorme, para mucha gente, pero he estado absolutamente solo. Con los fantasmas, que los hay, porque es una casa muy antigua, pero personas no. (Risas) Y he seguido haciendo canciones, que no puedo evitarlo. Hay días que no toco la guitarra, y otros que me tiro cuatro días seguidos. También he podido leer un poco, aunque no tanto como me gustaría, porque no podía concentrarme. Y… Bueno, al principio no veía muchas series, leía, pero cuando la cosa se alargaba y se alargaba… ¡He visto mogollón!
«Me gusta el rollo acústico porque tiene algo de primitivo. Si este cataclismo empeora y no hay electricidad, podré seguir tocando»
Te han flaqueado las fuerzas.
«Cuando te follen las fuerzas», como dicen Triángulo de Amor Bizarro… (Risas)
Y ahora, ¿cómo vislumbras el futuro de la música, la cultura, el arte… a medio plazo?
Obviamente, el asunto más preocupante es la viabilidad económica que pueda tener hacer música, directamente. Porque, como todos sabemos, la fuente de ingresos, lo que te permite pagar el alquiler, ir al supermercado… para hacer música, incluso para pagar los discos que haces, son los conciertos. Tanto a nosotros, como las promotoras, oficinas de booking, sellos… Tal y como está la cosa, peligra la propia posibilidad de hacer música. No de hacer música, porque eso es algo inherente, antropológico. De hecho, a mí precisamente me gusta el rollo acústico solamente por el armazón, porque tiene algo de primitivo. Si este cataclismo empeora y no hay electricidad, podré seguir tocando. (Ríe)
Decía, no de hacer música, pero sí en las condiciones que tenemos y nos hemos querido dar. Todo esto se sujetaba desde hace tiempo, por las razones que conocemos, en los conciertos y ahora… Si ya había un equilibrio precario, ahora ese equilibrio se ha roto directamente. Y hay conciertos que se podrían hacer, no son viables. Como pasa en otros sectores: tal restaurante podría abrir, pero no es rentable. Pues esto es lo mismo. Todos los conciertos que teníamos nosotros, tanto anunciados como en negociación, se han caído y estamos valorando nuevas iniciativas, como las que están haciendo Primavera Sound, Cruïlla o Curtcircuit en Barcelona. Creo que estaremos en septiembre en algo parecido que está preparando Tomavistas… Todo, claro, en unas condiciones de seguridad muy particulares y con un equilibrio presupuestario para todo el mundo todavía más difícil. Pero, como te decía antes, hay que ser optimista antropológico. No hay otra salida que la luz.
Revisando viejas entrevistas tuyas en la web, me ha llamado la atención un titular que decía hace cuatro años: «La legislación actual es nefasta para la música».
Exacto, es lo que decía, aunque en ese caso creo que me refería a legislación europea y su traslación al estado, básicamente. Sigo pensando igual, y se ha demostrado mucho esto. Se demostró muy obviamente cuando se destapó que la mayoría de personas que trabajan en el sector son o precarios, o con contratos muy intermitentes y poco protegidos. El mundo de la música en general no es que esté infralegislado sino infraprotegido. Sigo pensando igual e incluso ahora es más grave.
(Sobre Manolo Martínez cantando ‘Magic’) «La idea era unirnos bajo el nombre de Chucho & Manolo, como si fuésemos un dúo de los años 70»
El año pasado celebrasteis el 20º aniversario de ‘Magic‘ con un maxi. Y sobre todo me apetece saber cómo se gestó la colaboración con Manolo Martínez, de Astrud.
(Suspira) Vamos a ver… (Ríe) Te voy a ser sincero, y no creo que traicione su confianza por contarte esto: Manolo volvió a Barcelona después de vivir unos años en Nueva York. Y a partir de ahí empezamos a vernos en sitios, como el Hi Jauh USB. Ahí, en un concierto, nos encontramos y estuvimos charlando un rato. Me dijo que tenía ganas de volver a hacer canciones, a tocar… y que si lo hacía con alguien, le apetecería que fuera conmigo. Me pareció muy guay, claro. Yo ya tenía mis planes respecto al disco de Chucho, pero los habría variado si hubiera salido esta historia. Obviamente no podía ser el mismo disco, siendo este tan personal, y ese proyecto habría sido compartido. Llegamos a quedar varias veces, pero al final siempre, por hache o por be, me daba largas. Y al final yo creo que no quiso. Quería, pero no… No sé, no fue un impulso los bastante fuerte para superar esa elipsis que ha tenido con la música.
La idea era unirnos bajo el nombre de Chucho & Manolo, como si fuésemos un dúo de los años 70, no sé si musical o cómico. (Risas) Y es justo el nombre que aparece en la portada del maxi. Todo esto coincidió además con el 20 aniversario de ‘Tejido de felicidad’, y la intención era reeditarlo en vinilo con Intromúsica, pero no pudo ser, nos metimos en una especie de proceso kafkiano. Fue Ernesto, además, el que estuvo trabajando muchísimo en ello, y llegamos a adaptar la portada al formato, a planificar el vinilo… Hubiera quedado muy guay, peeero no se pudo hacer. Así es el negocio de la música. Y, sobre todo, así eran los contratos en los tiempos en los que yo empecé, que eran mucho más jodidos que estos todavía, que ya es decir. (Ríe)
Total, que como no cuajó le pedí a Manolo como favor de amigo que viniera y cantara la nueva versión de ‘Magic’. Que, en realidad, rescataba la versión primitiva que había tenido la canción: se la pasé a Javi grabada en cassette, con la guitarra acústica y la voz, y él hizo todo lo demás con un secuenciador. De hecho, intenté incluir esa versión demo en el maxi, que estaba incluida en un CD de la revista ‘Zona de Obras’, pero no la encontré entre mis cosas. Y cuando rompí con mi pareja y me tuve que ir de la que fue mi casa, ha aparecido con la mudanza. (Ríe) En la versión que llegó al disco, lo que hacíamos básicamente era clonar lo que salía del secuenciador con instrumentos reales, recuerdo que con CHIC como guía para darle ese toque disco. Y la versión que canta Manolo, que accedió encantado, es, en realidad, una recreación de aquella demo.
Hace apenas unas horas que Spotify ha comenzado a lanzar una tanda especial de canciones dentro de su serie «Spotify Singles», en las que artistas actuales hacen versiones, sin reglas. En este caso, se trata de una edición Orgullo 2020 en la que artistas que se identifican con la causa LGTB+ adaptan himnos de otros. Por ejemplo, el neocowboy enmascarado Orville Peck ha adaptado ‘Smalltown Boy’ de Bronski Beat, mientras que Rina Sawayama ha convertido ‘Dance In the Dark‘ de Lady Gaga en un nebuloso medio tiempo. Una curiosa versión –aunque esperable, porque es evidente que su sonido se nutre muchísimo de los primeros discos de Germanotta– que nos lleva a recordar su estupendo y aún fresco último disco, ‘SAWAYAMA‘. Por ejemplo, una de las canciones más bonitas y destacadas de ese segundo trabajo de la anglo-nipona, el retorcido medio tiempo ‘Bad Friend’.
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