Kanye West, contra vacunas y aborto en una larga entrevista sobre su candidatura a las elecciones

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8 julio, 2020

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Jess Glynne pide disculpas por el incidente relatado ayer en redes sociales, según el cual la expulsaron de un restaurante por ir vestida con ropa deportiva. En un nuevo vídeo subido a Instagram indica que «discriminación» no era la «palabra adecuada», por lo que «la retira». Sin embargo, insiste en su visión. «Respeto las etiquetas, los dresscodes y me han echado de muchos sitios a lo largo de mi vida. Pero eso no es lo que quería decir. Simplemente estaba reclamando educación. Hay maneras y maneras de dirigirse a los demás. Simplemente quería subrayar eso».

La solista femenina británica con más números uno de la historia de Reino Unido era en efecto noticia después de haber acusado a un restaurante londinense de haberla «discriminado» cuando ella y una amiga intentaron acceder al local para cenar. La artista acudía a este restaurante de lujo vistiendo ropa deportiva y, en sus redes, se ha quejado de que el local no la dejó entrar por este motivo a pesar de que en ese momento se encontraba «vacío». «Nos hicieron esperar y dos empleados tomaron una decisión basándose en nuestro aspecto», señalaba. «Creo que la actitud de vuestro personal debería cambiar porque esto ha sido pura discriminación».

El restaurante en cuestión, Sexy Fish, no respondía a Jess Glynne, pero los seguidores de la cantante sí le han informado de que el restaurante cuenta con código de vestimenta, como puede comprobarse a golpe de clic, y que este impide a la clientela expresamente acceder al establecimiento con dicha ropa deportiva como la que llevaba Glynne en el momento del incidente. Algunos se preguntan si Glynne no conocería ya esta información e intentaría entrar en el restaurante simplemente gracias a su condición de celebridad… a pesar de que parecía ir vestida para pasar desapercibida. Otros iban más allá al cuestionar el hecho de que una mujer blanca y adinerada como Jess Glynne, quien se diera a conocer hace unos años como intérprete de la premiada ‘Rather Be’ de Clean Bandit, para después editar un par de exitosos álbumes, se presente a sí misma públicamente como víctima de una «discriminación» en pleno resurgimiento del movimiento Black Lives Matter, y cuando la mayor parte del mundo sigue sufriendo las consecuencias de una pandemia global que está afectando a la población con menos recursos de manera desproporcionada, pero también a negocios que dependen de asistencia física para subsistir como los restaurantes. De ahí, por supuesto, su aclaración, tan solo 24 horas más tarde.

Dear @sexyfishlondon I turned up to your restaurant looking like this and you looked me and my friend up and down and said no you can’t come in and your restaurant was EMPTY. I then went to amazonicolondon who… https://t.co/QHJhDgRciy

— Jess Glynne (@JessGlynne) July 6, 2020

Red Hot Chili Peppers y The Killers actuarán en Mad Cool 2021; Taylor Swift, no

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8 julio, 2020

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Red Hot Chili Peppers, The Killers, Mumford & Sons, Twenty One Pilots, Faith No More, Deftones, Pixies, Placebo, Alt-J, Royal Blood y Major Lazer están entre las primeras confirmaciones de Mad Cool 2021. La organización nos informa de que aún no se han revelado todos los grandes cabezas de cartel. Este volverá a contar con artistas enfocados en la música pop sin prejuicios, como es el caso de Carly Rae Jepsen, pero no repiten los dos grandes reclamos previstos para 2020: Taylor Swift y Billie Eilish. Taylor está oficialmente descartada según la nota de prensa: «Nos habéis preguntado mucho por Taylor Swift, pero lamentamos deciros que finalmente no estará en nuestra próxima edición. Hemos trabajado con su agencia y management para conseguir que estuviesen con nosotros en el 5º aniversario, pero no ha sido posible. Esperamos que en posteriores ediciones pueda estar en el festival». Para los interesados, se ha ampliado el plazo de devolución desde hoy, miércoles día 8 de julio, a las 20.00 h., hasta una semana después del anuncio del cartel completo.

Para Billie Eilish hay cierta esperanza, la que da el hecho de que no sea mencionada como Taylor Swift, y que la organización haya informado en horas recientes de que hoy se anuncia solo «el 70% de artistas». Después habrá un segundo anuncio, donde se incluirá «el resto de nuevos nombres». De los 94 que se conocen ya, se pasará entonces a 132. El cartel se completará en 2021 añadiendo ya tan sólo los 4 ganadores del concurso Mad Cool Talent by Vibra Mahou. Dice la nota de prensa: «Actualmente tenemos confirmados un gran número que ya formaban parte del cartel en la edición de 2020 y que se mantendrán en Mad Cool 2021. Muchos de ellos se anunciarán hoy, pero otros aún no se pueden revelar. Os daremos estos nombres en nuestro siguiente comunicado, lo antes posible. Estamos trabajando para que sea antes de finalizar agosto».

Además, la organización revela el cartel por días: Twenty One Pilots, Placebo, Angel Olsen y Wolf Alice estarán actuando el miércoles 7 de julio. El jueves 8 será el día de The Killers, Deftones, Foals, Floating Points y Four Tet. El viernes 9 de julio actuarán Mumford & Sons, alt-J, London Grammar o Jamie Cullum, y el día 10 de julio los Red Hot, Pixies, The Rapture, Major Lazer o Marika Hackman, entre muchos otros que podéis consultar en este cartel.

🌶🔥✨ Red Hot Chili Peppers, The Killers, Mumford & Sons, Twenty One Pilots, Faith No More, Deftones, Pixies, Placebo, Alt-J, Royal Blood y Major Lazer encabezan las primeras confirmaciones de #MadCool2021 ✨🎡🌴

Entradas ya a la venta! 👉https://t.co/kYvdqfdF46 pic.twitter.com/2Nb73KyseK

— Mad Cool Festival (@madcoolfestival) July 8, 2020

Benjamin Biolay / Grand Prix

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8 julio, 2020

Explicando lo difícil que le ha sido encontrar un mezclador que entendiera lo que quería (un proceso que ha sido frustrante, dice, pese a haber probado con técnicos franceses e internacionales), Benjamin Biolay define ‘Grand Prix’ como «un disco de chavales que ya hacían música, aunque fuera como amateurs, a finales de los 80». Y, más que dar una idea de su sonido (que también, aunque no suena exactamente a lo que sonaba en el año 1989), lo que delata esa frase es el eje fundamental del noveno disco de canciones propias en la carrera del francés: el paso del tiempo, la vida como una carrera de velocidad en una carretera cíclica en la que la muerte es inevitable y reaparece de cuando en cuando, trágicamente, como en la vieja Fórmula 1 que sirve de leit motif estético y lírico en este trabajo.

Su mezclador, por cierto, ha sido finalmente Pierrick Devin, discípulo de Philippe Zdar. De hecho, los acordes de piano que suenan en el puente single principal ‘Comment est ta peine?‘ son un guiño voluntario a ‘How Deep Is Your Love‘ de The Rapture, tema(zo) producido por el fallecido músico francés y que sonaba en la escena final de ‘Habitación 212’, la más reciente película estrenada por Biolay en su faceta como actor. Curiosamente, su llamativo y seductor sonido discofunk, que como decíamos no es exactamente característico de finales de los 80, cobra bastante protagonismo en este álbum, pero tampoco se puede decir que ‘Grand Prix’ sea un disco de música bailable en general, sino una amalgama de distintas facetas accesorias al autor de ‘Rose Kennedy‘ y ‘La Superbe‘.

No estamos exactamente ante un disco de fusión tan atrevido y apasionado como fue ‘Palermo Hollywood‘, sino ante un disco de pop rock de códigos principalmente anglófilos –con su indispensable deje de chanson clásica, eso sí– que vadea varios palos. Resulta muy estimulante la especial dosis de energía bailable que dispensan los temas más cercanos al single principal: ‘Papillon Noir’, una evidente caricia a los New Order de los 90, se sitúa al frente de las canciones más directas que haya compuesto Biolay en toda su carrera, observando muy de cerca en el retrovisor a otros temas tan redondos y magnéticos como ‘Comme une voiture volée’ y ‘Où est passée la tendresse?’ Se atreve, incluso, con inesperados arrebatos rockeros como el de ‘Idéogrammes’, interludios propios de Phoenix o Daft Punk como ‘Virtual Safety Car’ –que incluye, en un guiño a su cercanía a la lengua española, una voz virtual entonando un cómico «qué poco me gusta la virtual safety car«– o ciertos estándares de disco sedoso con autotune, en la fresca y ligera ‘Souviens-toi l’été dernier’.

En contraposición a estos, no falta la melancolía que tan bien sabe manejar Biolay, destacando la preciosa desnudez de la guitarra eléctrica (con maravillosos contrapuntos de violines) en ‘Vendredi 12’ –su vídeo, compuesto por escenas de sendas películas de los primeros 70 protagonizadas por Monica Vitti, le sienta como un guante– y ‘La roue tourne’, un baladón noir en el que BB desata su lado más crooner para desmitificar la madurez como una etapa de sabiduría y templanza: «de tanto en tanto pienso que ya no sé nada. / Cuantos más años pasan, / menos certezas. / Cada vez lloro menos / porque no sirve de nada. / Cada vez rezo más / pero solo en mi rincón», comienza. «Y la rueda gira y gira, (…) y a veces nos aleja de lo bueno, (…) y gira y gira, cada vez más rápido», canta, grosso modo, en su estribillo.

Ese punto de desencanto sereno persiste en gran parte del disco, con una especial preocupación (aparente, al menos) por la edad. Frases como «el amor tiene un precio que yo ya no puedo pagar» (‘Visage pâle’) o «si te hubiera conocido antes, cuando era joven y encantador» (canta en ‘Voiture volée’, donde se autodefine como «un viejo motor») dan esa dimensión de un galán en horas bajas que se expone en ‘Papillon Noir’, una mariposa negra que no es otra cosa que una metáfora de la muerte, «el símbolo de nuestra historia». Es obvio que la idea de la parca comienza a acechar a Benjamin y, de hecho, cuenta que escribió ‘Grand Prix’, la canción, a raíz de la muerte de Jules Bianchi en el circuito de Suzuka en 2014. La muerte de otros como reflejo e hitos de nuestras propias vidas: de nuevo la Fórmula 1 emerge en ‘Interlagos (Saudade)’, la preciosa y queda melodía con ecos de bossanova en la que alude a una victoria mítica del también fallecido Ayrton Senna, que él conserva como un recuerdo infantil. Nada casualmente, la canta en forma de dueto con una tal Bambi, que no es otra que Anna, la hija adolescente que comparte con Chiara Mastroianni, su ex-esposa.

Curiosamente ella canta en el disco, en ‘Visage pâle’ y ‘La route tourne’, al igual que otra ex célebre como Keren Ann (‘Souviens-toi l’été dernier’). Y también lo hace la que se dice es su actual pareja, la también actriz Anaïs Demoustier (y 15 años más joven que él), que hace coros en ‘Comment est ta peine?’ y ‘Papillon Noir’. Evidentemente, hay algo de cinismo en ese aura de fucker en declive cuya imagen usa en algún fragmento del disco («este es mi cuerpo, pero no poseerás mi corazón», canta en ‘Idéogramme’), y resulta igualmente creíble cuando se pone romántico en ‘Vendredi 12’ evocando «un poco de mi piel sobre tu cuerpo», o preguntándose «¿dónde quedó la ternura?» (‘Où est passée la tendresse?’). «Pasé por la vida como una ambulancia» canta definitoriamente en ‘Ma route’, una canción que, como en el caso del corte titular del álbum, es quizá algo básica y recurrente en lo musical, pero es realzada por su tino poético y su reconocible manera de cantar. En ‘Grand Prix’ Benjamin Biolay apuesta por poner frescura a la decadencia y la jugada vuelve a salirle muy bien.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Comment est ta peine?’, ‘Papillon Noir’, ‘Vendredi 12’, ‘Comme une voiture volée’, ‘Interlagos (Saudade)’
Te gustará si te gustan: Vincent Delerm, Keren Ann, los Phoenix más reposados.
Youtube: vídeo de ‘Vendredi 12’

Cuando tus singles terminan siendo bonus tracks

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8 julio, 2020

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El recomendado nuevo disco de Haim, ‘Women In Music Pt. III‘, actual número 1 oficial en Reino Unido, presenta una estructura particular, pues todos los singles que vinieron presentando el año pasado son meros «bonus tracks». Es cierto que en aquel momento aseguraban que dichos temas sueltos no estaban introduciendo ningún disco, pero aun así se trata de una decisión extraña dada su buena aceptación, su calidad y sobre todo lo bien que habrían encajado en otros momentos de dicho disco, al haber sido co-producidos por las mismas personas: ellas, Ariel Rechtshaid y Rostam.

El mensaje parece ser que iban tan sobradas de buenas canciones que no necesitaban ‘Summer Girl’, ‘Hallelujah’ o ‘Now I’m In It’. El resultado es que el disco está muy bien, pero hay gente que insiste en que está desordenado. «Escuchar el tracklist al revés mejora más aún este superdiscazo», nos indicaba en un comentario mardebering.

Nunca he sido muy amigo de los bonus tracks, pues entiendo el álbum como un todo, como una historia con un principio concreto y un final concreto en el que los bonus son un elemento distorsionador de la experiencia. En los últimos tiempos, el concepto se ha pervertido cada vez más, pues un «bonus track» ha pasado de ser un descarte solo apto para fans, que no encajaba por estilo o por la razón que fuera, a una estrategia para sumar puntos de streaming en listas de álbumes que los consienten, como el Billboard 200. El caso más sonado es el de Lizzo, que ha disfrazado ‘Cuz I Love You’ (2019) como un disco en el que estaba ‘Truth Hurts’, un tema de 2017 que se viralizaba con 2 años de retraso gracias a TikTok y a una peli de Netflix.

Un caso también estratégico pero diferente, algo más limpio, fue el de Selena Gomez y su disco ‘Rare’ publicado este año: ahí eran «bonus tracks» singles pasados como ‘Bad Liar’ o ‘It Ain’t Me’ que desde el primer momento no le encajaban. Y no le ha ido nada mal, pues ‘Rare’ sigue en el Billboard 200 seis meses después pese a que ahora mismo ningún single del álbum está en listas.

Otro caso sonado este año ha sido el de Lil Uzi Vert, que dejaba la mejor canción de ‘Eternal Atake‘, ‘Futsal Shuffle 2020’, como bonus track, quizá porque estéticamente no pegaba demasiado. Le ha dado igual porque él sí ha arrasado con otros temas del largo. Por otro lado, con el paso del tiempo, ha dado totalmente igual a Dua Lipa dejar ‘New Love’ como bonus track de su debut pese a que fue uno de los temas con que la conocimos en 2015. Pocos recordarán que este tema fue un single, después de lo que han ido representando para ella los pelotazos de ‘New Rules’ o ‘IDGAF’, o los incluidos en su segundo álbum, ‘Future Nostalgia‘.

El caso más común durante los últimos años, y también el más aceptable, ha sido el de una Ellie Goulding que deja fuera del tracklist oficial de su disco ‘Delirium’ un hit con Calvin Harris como ‘Outside’, pero lo incluye como «bonus track». Este o el de Selena parecen bastante más lícitos y honestos que esa Nicki Minaj que calzó ‘FEFE’ con 6ix9ine en ‘Queen‘ a la desesperada cuando el disco ya estaba en la calle. El caso más raro de todos es el actual de Haim, pues no han terminado de explicar qué hace particularmente un temazo como ‘Now I’m In It’, para el que se molestaron en hacer un vídeo tan relevante el año pasado antes de la covid-19, al final de toda la secuencia. Apuesto a que habrá quien no llegue a descubrirlo, y es una verdadera pena.

Lo + Sabrosón 2020: el disco del verano que NO verás anunciado en TV

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8 julio, 2020

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Incluso en este 2020 tan terrible y extraño no hemos olvidado que el verano pide ánimo disfrutón, aunque sea sin clubs, ni festivales ni conciertos tal y como los conocíamos, y manteniendo una distancia prudencial en playas, piscinas, barras de bar, chiringuitos… y hasta en la bañera. Por eso aquí está, fresca como siempre, nuestra selección de canciones veraniegas Lo + Sabrosón, que con esta cumple diez ediciones consecutivas. Como siempre, planteamos una banda sonora alternativa a las típicas canciones que nos invaden en la época estival, en la que caben funk, house, tecnopop, bossa nova, rock y, por supuesto, pop. Incluso aunque el reggaeton sea el nuevo mainstream y uno pueda llegar a estar algo saturado de ello, el perreo alternativo también tiene su espacio aquí. ¡A disfrutarla!

Planteamos la playlist como un crescendo con ciertos respiros. La francesa Clea Vincent es perfecta para abrir boca con la deliciosa ‘Bahia’ (encantador ese «Bahía, yo no te conozco, tú no me conoce… y quizá sea mejor así»), incluido en su segundo EP de inspiración brasileña ‘Tropi-cléa 2‘, a la que el chileno Gepe ofrece una perfecta alternativa con uno de los sabrosos temas de su próximo disco. Los nuevos singles de la parisina Claire Laffut (una de las pocas que repite respecto a la selección del año pasado) y un Dominic Fike que muestra ser ya mucho más que una mera promesa allanan el camino hasta ‘want u back’, otro pelotazo del dúo joan que persiste en su audaz y divertido crossover entre Lo-Fi Fnk y Backstreet Boys.

El siempre interesante Camilo Lara, Instituto Mexicano del Sonido, trae un atinado cambio de tercio en ‘Yemayá’, en la que conviven como siempre tradición y modernidad, esta vez con la ayuda de la respetada cantante guatemalteca Gaby Moreno. Abre un bloque en el que conviven el ecléctico pop contemporáneo del dúo The Pirouettes con la imaginativa psicodelia-funk-pop de los británicos The Orielles (con uno de los temas de su segundo álbum, ‘Disco Volador‘) en contraste con la rumbita alternativa que propone El Grajo, proyecto de Marcos Rojas, ex-Los Claveles (‘Intermitente’, primer single de su próximo disco) y el surf rock cañí de ‘La fuente’, tema del dúo revelación granadino Adiós Amores. Y un nuevo viraje nos sirve cierta melancolía (de la buena): la que nos brinda ‘Carretera secundaria’, una de las joyas más elegantes y deslumbrantes del segundo trabajo de Summer Spree (es decir, Álvaro Muñoz, ex-Tarik y la Fábrica de Colores). Sus ecos italo se llevan mejor que bien con el electropop con ecos a Fleetwood Mac de ‘And It Breaks My Heart’, el nuevo single de la sueca LÉON que comienza con una intro que dice a gritos «¡Lana Del Reeeeey!».

Aunque sin dejar de ser bailable, esa era la calma previa a la agitación y la efervescencia que ya no nos abandonará en el resto de playlist. El germano Roosevelt da el banderazo de salida con su tan elegante como irresistiblemente bailable nuevo tema, ‘Sign’, haciendo subir la temperatura ambiente de forma decidida con el disco-funk de ‘Voodoo?’, el más reciente single de los franceses L’Impératrice, que enlaza a la perfección con la frescura de nuestra DEVA y su ‘F.U.C.K.’ y el french touch de Polo & Pan, que no faltan a la cita estival. Aunque para calorazo, el que se traen el argentino Maximiliano Calvo en su tema con ARON (Piper, el actor de ‘Élite’ profundizando en su carrera musical) y Soleá Morente, que comparten cama en la portada de la ecléctica ‘Prendiendo fuego’, de sexual y sordidillo vídeo. ¡Ofú, qué calor!

Y aquí es cuando Lo + Sabrosón 2020 entra en la fase «sudor intenso» con la visita de cuatro artistas brasileñas, Anitta, Lexa, Luísa Souza y MC Rebecca, y el ultrapegadizo tema de funk carioca que ha pegado fuerte en el verano austral de su país, ‘Combatchy’. Prestas para el perreo continúan a dúo Albany y la chilena Tomasa Del Real en ‘Cyberluv’, una producción de King Doudou, conocido por sus hits con Bad Gyal, Ms Nina o MC Buzzz. Y maneras de hit veraniego tiene también ‘Pena’, el popero dueto de Mala Rodríguez y Cecilio G. incluido en ‘MALA‘. Y ese es el momento perfecto para presentar a un nombre nacional nuevo, Blackpanda, un dúo formado por Marta Marlo y AHLOG que no debe perderse ningún enamorado del house pop. Una lid en la que brillan Victoria Monét –la BFF de Ariana Grande–, Khalid y SG Lewis, juntos y revueltos en ‘Experience’, conformando un trío perfecto con el funk pop del combo británico Franc Moody. ‘Skin On Skin’ es uno de los singles destacados de su álbum debut ‘Dream In Colour‘, publicado el pasado febrero pero que refulge como nunca ahora.

Inmersos en la pista de baile, ‘Like This’ –extraído de su EP debut ‘How Can I’– de la joven productora surcoreana Park Hye-jin sirve un intenso número house tan perfecto para el club como ‘How to Be Successful’, temazo de la desconcertante drag británica Lynks Afrikka con bien de sarcasmo sobre lo que se entiende por «éxito» en nuestros tiempos, o la unión de Mr. K! y Mueveloreina en ‘Folcotrónika’, cuyo guiño a ‘Pump Up the Jam’ resulta tan infalible como el flow de Karma. Y la traca final nos la sirve el flamenco pop de La Cebolla, cuyo pelotazo ‘Habibi’ acumula decenas de millones de streamings (poca broma para una artista independiente debutante). Placer culpable sin culpa.

Y tras ese subidón, toca ir bajando revoluciones –sin dejar de menearse– con el insólito movimiento de Astrid S que aparca su electropop «á-là sueca» cantándose en spanglish un tema con efluvios caribeños, merced a un artista independiente noruego-chileno, Gabifuego. Su ‘Contigo tengo feeling’ es perfecto para dejarse llevar del todo. CYN, artista amadrinada por Katy Perry, despliega con sensualidad su ‘Drinks’, un tan minimalista como cautivador himno a matar un desengaño amoroso (o una simple bronca) yéndose de chupitos con su mejor amiga. Y sin dejar de lado la «ola de calor», ‘Heat Waves’ de Glass Animals –cuarto single de su esperado próximo disco– sigue invitando a mover el cucu, pero su tono melancólico tiene a la vez cadencia de despedida.

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‘Macarrones pop’ reaviva la leyenda de los encuentros entre Michael Jackson y Paul McCartney

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8 julio, 2020

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Ladilla Rusa se han hecho un hueco en el mundo del pop gracias al descaro y desenfado con el que han afrontado temas como ‘KITT y los coches del pasado’ (2019) y ‘Macaulay Culkin’, ambos por encima de los 2 millones de reproducciones en Spotify y de los 4 y los 3 millones en Youtube, respectivamente. Pese a nuestras reticencias iniciales hacia ‘Estado del malestar‘ (2018), la trágica separación de Las Bistecs les ha beneficiado: si Promusicae siguiera el sistema del Billboard, ambas canciones serían «disco de oro» en España.

El nuevo intento de hacernos reír de los cómicos es ‘Macarrones pop’, que os presentábamos en «Sesión de Control» hace unos días y que desde El Genio Equivocado definen como «una canción de techno pop de lo más bizarra, llena de fantasía y de imaginación». Según ellos mismos, «el punto de partida es la historia que explicaba Tony Genil, que aseguraba que cuando Michael Jackson visitó España estuvo en su casa comiendo macarrones». Continúan Ladilla Rusa: «Esta historia nos hizo pensar en una fotografía: Michael Jackson y Paul McCartney fregando los platos. Atamos cabos y he aquí nuestro descubrimiento: todo pasó el mismo día. Michael, Paul y Tony compartieron una velada maravillosa y luego fregaron y lo dejaron todo limpio».

Esta fantasía da lugar a una de las canciones más descacharrantes y directas de Ladilla Rusa. Una producción que va adoptando varios tempos y pasa por varias fases con y sin acordeón, desde el synth-pop sinvergüenza de Alma-X y L-kan hasta los coros infantiles que, en el vídeo animado, representan un conjunto de macarrones. La letra es más o menos su nota de prensa, solo que, medio entonado, «Michael y Paul fregaban los platos, mientras Tony barría, mientras Tony barría» resulta un estribillo de lo más divertido. Desde su sello definen este nuevo tema como la «antesala de las próximas producciones del grupo» y ojalá sea el caso.

Aunque el origen de la foto de Michael Jackson y Paul McCartney sin lavavajillas a mano no está tan claro, es una de las fotos de ambos que más continúan circulando, sobreviviendo a redes sociales emergentes y pasadas de moda. Más documentado está cómo ambos fueron amigos hasta el punto de colaborar en varias grabaciones como ‘The Girl Is Mine’ de ‘Thriller’ (1982) y ‘Say Say Say’ de ‘Pipes of Peace’ (1983) hasta que partieron peras cuando Michael Jackson se hizo con los derechos de 251 grabaciones de los Beatles tras haber tomado el pelo a Paul con que lo haría.

Lo mejor del mes:

Naranjo, Melanie C, Javiera, Arca, Monterrosa, Carlos Sadness, Jónsi y Kelly Lee Owens, en el top 40 de JNSP

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7 julio, 2020

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‘¡Hoy no!’, la apoteósica canción que presenta el nuevo EP de Mónica Naranjo, es lo más votado de JNSP, desplazando a ‘Rain on Me’ de Lady Gaga y Ariana Grande. Directa al top 3 encontramos ‘Blame It On Me’ de Melanie C, artista a la que recientemente entrevistábamos. El resto de entradas son los últimos sencillos de Javiera Mena, Arca, Monterrosa, Carlos Sadness, Jónsi y Kelly Lee Owens. A su vez, es momento de despedirnos de Troye Sivan, ‘Forever’ de Charli XCX, ‘Je t’aime encore’ de Yelle y ‘Nunca estoy’ de C. Tangana. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top	Ant.	Peak	Sem.	Canción	Artista
1	19	1	2	¡Hoy no!	Mónica Naranjo	Vota
2	1	1	6	Rain On Me	Lady Gaga, Ariana Grande	Vota
3	–	3	1	Blame It On Me	Melanie C	Vota
4	14	2	8	Save A Kiss	Jessie Ware	Vota
5	2	1	14	Break My Heart	Dua Lipa	Vota
6	7	1	22	Physical	Dua Lipa	Vota
7	3	1	18	Stupid Love	Lady Gaga	Vota
8	4	2	31	Blinding Lights	The Weeknd	Vota
9	6	5	15	In Your Eyes	The Weeknd	Vota
10	–	10	1	Corazón astral	Javiera Mena	Vota
11	5	1	35	Don’t Start Now	Dua Lipa	Vota
12	11	11	7	Daisies	Katy Perry	Vota
13	8	1	45	The Greatest	Lana del Rey	Vota
14	9	6	5	TKN	Rosalía, Travis Scott	Vota
15	33	15	2	De dónde vienes	Delaporte, PUTOCHINOMARICÓN	Vota
16	10	6	18	Say So	Doja Cat	Vota
17	17	17	2	BLACK PARADE	Beyoncé	Vota
18	22	7	8	On the Floor	Perfume Genius	Vota
19	24	10	20	Delete Forever	Grimes	Vota
20	–	20	1	Mequetrefe	Arca	Vota
21	20	9	13	Take Yourself Home	Troye Sivan	Vota
22	34	22	2	My Own Soul’s Warning	The Killers	Vota
23	18	15	7	Watermelon Sugar	Harry Styles	Vota
24	26	20	4	La fuerza	La Bien Querida	Vota
25	31	19	9	Discoteca en ruinas	Joe Crepúsculo	Vota
26	13	10	12	Forever	Charli XCX	Vota
27	16	16	6	Time	Arca	Vota
28	30	18	10	Je t’aime encore	Yelle	Vota
29	25	16	8	Malibu	Kim Petras	Vota
30	21	13	10	Nunca estoy	C. Tangana	Vota
31	36	31	3	Supalonely ft. Gus Dapperton	BENEE	Vota
32	39	26	5	Peleadora	Mala Rodríguez	Vota
33	–	33	1	Última conexión	Monterrosa	Vota
34	29	27	6	You’re All I Want	Cigarettes After Sex	Vota
35	–	35	1	Cuando todo estaba bien	Carlos Sadness	Vota
36	15	15	2	Do It	Chloe x Halle	Vota
37	27	6	9	I Want You To Love Me	Fiona Apple	Vota
38	12	11	7	claws	Charli XCX	Vota
39	–	39	1	Swill	Jónsi	Vota
40	–	40	1	On	Kelly Lee Owens	Vota

Candidatos	Canción	Artista
–	Kyoto	Phoebe Bridgers	Vota
–	Pelota	Khruangbin	Vota
–	Time to Walk Away	Washed Out	Vota
–	Bad Friend	Rina Sawayama	Vota
–	My High	Disclosure, Aminé, slowthai	Vota
–	This Love Isn’t Crazy	Carly Rae Jepsen	Vota
–	Wash Us in the Blood	Kanye West, Travis Scott	Vota
–	Chicos transparentes	Algora	Vota
–	El valle	Derby Motoreta’s Burrito Kachimba	Vota
–	What’s Your Pleasure?	Jessie Ware	Vota
–	America	Sufjan Stevens	Vota
–	Like That	Doja Cat, Gucci Mane	Vota
–	Obvious Guy	Alfie Templeman	Vota
–	Don’t Wanna	HAIM	Vota
–	Paco y Carmela	Ginebras	Vota
–	Are We Alone Now	Sondre Lerche	Vota
–	Girlfriend	Charlie Puth	Vota

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‘Caramelo’ de Ozuna es el nuevo top 1 en España, destronando a Anuel AA

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7 julio, 2020

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Al fin alguien que no es Anuel AA logra el número 1 en la lista de singles en España: se trata del igualmente exitoso Ozuna, que escala hasta el primer puesto en su tercera semana con ‘Caramelo’, un single en solitario, toda una rara avis en estos días. Ozuna también aparece en otros temas de la lista como ‘Mamacita’ con Black Eyed Peas, que es disco de oro; y ‘China’ de Anuel AA, entre muchos otros, ya certificada como 6 veces platino.

Anuel AA queda en el puesto 2 con ‘El manual’, también en solitario, mientras la subida más fuerte de la semana la produce ‘Porfa’ de Feid y Justin Quiles, que pasa del número 19 al número 5.

Para la entrada más fuerte tenemos que irnos hasta el número 46, donde encontramos ‘Dime cuántas veces’ de Micro TDH y Rels B. Le sigue una producción de Raül Refree -y no hemos visto muchas en la lista de singles-, ‘Ya mi mamá me decía’ de Guitarricadelafuente, que llega al puesto 60.

El resto de entradas son El Alfa y Chael Produciendo con ‘Singapur’ en el puesto 68, Rauw Alejandro con ‘Algo mágico’ en el puesto 70, Blackpink con ‘How You Like That’ en el 78 y ‘Breaking Me’ de Topic/A7S en el número 88.

Elton John pospone a octubre de 2021 sus shows en Barcelona

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7 julio, 2020

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Elton John informa hoy, como era de prever, de que sus conciertos en el Palau Sant Jordi previstos para este año, pasarán a celebrarse el año que viene junto al resto de su gira europea. En concreto las nuevas fechas son el viernes 22 de octubre de 2021 y el sábado 23 de octubre de 2021. El cantante dice en un comunicado que la seguridad de sus seguidores es lo primero.

Por otro lado, Elton John ha sido noticia estos días porque es el segundo músico británico que tendrá su moneda oficial, después de Queen. Es por tanto el segundo protagonista de la serie «Leyendas Musicales». La responsable de Royal Mint Clare Maclennan ha declarado: «Elton John es sin duda una leyenda británica de la música y ha sido reconocido como uno de los cantantes y autores más exitosos de su generación. Estamos encantados de honrar la significativa contribución de Elton John a la música británica con una moneda».

Por su parte, el artista ha declarado en una nota de prensa: «Es un honor ser reconocido de esta manera. Los últimos años han contenido algunos de los momentos más memorables de mi carrera, y esto es otro humilde peldaño a lo largo de mi viaje». Su moneda ha sido diseñada por Bradley Morgan Johnson, quien no ha prescindido de su icónico sombrero ni de la Union Jack. Según informa la BBC, las monedas más baratas de la tirada tienen un valor nominal de 5 libras, vendiéndose en verdad por 13 libras. Luego hay una moneda de oro con un valor nominal de 1.000 libras, que tiene un precio de casi 69.000 libras.

Elton John está viviendo unos años de despedida gloriosos tras el éxito de su película biográfica ‘Rocketman’ que pese a tener sus fans y sus menos, exactamente igual que ‘Bohemian Rhapsody‘, ha sido un pelotazo comercial. ‘Rocketman‘ recaudaba 195 millones de dólares a partir de un presupuesto de 40 millones, realzando la popularidad del artista en las plataformas de streaming. Elton John cuenta con 26 millones de oyentes mensuales en Spotify, lo que le sitúa muy por encima por ejemplo de Michael Jackson y a la altura de muchos artistas jóvenes de hoy, en el puesto 69 de los artistas más oídos en esta plataforma.

En la otra cara de la moneda encontramos este aplazamiento de su gira de despedida, que como la de todo hijo de vecino, ha tenido que verse suspendida en medio de la pandemia de covid-19. El que se planteó como su último tour había de tener lugar entre los años 2018 y 2021. De las 6 partes de la gira, 4 tuvieron lugar hasta los conciertos de marzo en Australia. La parte de esta primavera en Estados Unidos era pospuesta «sine die» y nadie sabía muy bien hasta hoy qué ocurriría con la parte prevista para este otoño (el «Farewell Yellow Brick Road» sí llegó a pasar por Madrid el año pasado, reuniendo a 11.500 personas).

En el lado positivo de la balanza, por supuesto, Elton John forma parte del éxito de Lady Gaga de este año, el álbum ‘Chromatica’, apareciendo en uno de sus temas. Aunque ‘Sine from Above’ se ha quedado «bubbling under» en el Billboard Hot 100 a falta de comprobar si es escogida como single, sí es una de las favoritas de sus seguidores. ‘Sine from Above’ aparece entre las canciones más escuchadas del momento de Lady Gaga… y también entre las de Elton John.

España aúna al fin ventas y streaming: beneficiados y perjudicados

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7 julio, 2020

Ha tenido que llegar una pandemia y rozarse los límites del absurdo, pero al fin Promusicae presenta esta semana la primera lista conjunta de ventas y streaming, sumándose a la tendencia impuesta por otros países como Reino Unido, Estados Unidos o Francia. En la tabla se muestra que la organización lleva ensayando esta lista algunos meses, pues se muestran cimas y certificaciones para algunos discos desconocidos en la tabla oficial hasta ahora, por ejemplo el top 2 de ‘Chromatica’ de Lady Gaga o el oro de ‘X100 PRE’ de Bad Bunny. JENESAISPOP realizó un ensayo exclusivo de esta lista hace unos meses gracias a una filtración.

Anuel AA tiene el honor de ser el primer número 1 de esta tabla mixta, subiendo desde el puesto 2 con ‘Emmanuel’: tantísimo se escucha su disco en las plataformas que ni con el peso de las ventas de las tiendas abiertas se ha podido contenerle. Por detrás quedan los puntos de David Rees, que entra al puesto 2 con ‘Amarillo’, y de Depeche Mode, que llegan al puesto 3 con ‘Spirits in the Forest’: los de Dave Gahan y Martin L Gore habrían aparecido mucho más abajo de contar solo el streaming, seguramente fuera del top 100 con este directo.

Jarabe de Palo protagoniza la subida más fuerte, del puesto 19 al 5, si bien ‘Tragas o escupes’ ya era un álbum que estaba funcionando en streaming sobre todo desde la trágica pérdida de Pau Donés. No se apean del top 10 conjunto ni J Balvin ni Bad Bunny con sus dos últimos discos. Como en el caso de Anuel AA, su streaming es tan fuerte que no tener ventas apenas les afecta.

Rosalía y The Weeknd están entre los artistas equilibrados que aparecen más o menos en las mismas posiciones con ventas que sin ventas, en torno al top 35, pero después hay bastantes desequilibrios. Los 50 primeros puestos de la semana pasada en streaming llegan al top 100 de la tabla mixta, pero de la lista de esta semana han desaparecido varios discos que estaban por debajo del puesto 55 de la lista de streaming la semana pasada: Fernando Costa, Jonas Blue, Lewis Capaldi, Nicky Jam, Maluma… podemos considerarlos totems del streaming que caen ahora que cuentan las ventas. En este lado, por extraño que parezca, podemos incluir a La Casa Azul con ‘La gran esfera’, que está siendo un éxito mayor en las plataformas de streaming que en las tiendas. Y más extraño aún, Natalia Lacunza es una sorprendente beneficiada de la incorporación de las ventas: ahora en vez de en el nº76 de streaming, vemos ‘EP2‘ en el nº34 de la tabla mixta. Ojo porque esto puede hablar de la fidelidad de su público a largo plazo, pues es del que se gasta el dinero en las tiendas.

También entre los artistas beneficiados por esta tabla mixta hay que destacar el caso de los Strokes. Estaban a punto de desaparecer de la tabla de streaming, pero si contamos ventas resultan estar en el puesto 75 en la 11ª semana de vida de ‘The New Abnormal’: es uno de sus mejores datos internacionales. Igualmente destacamos el caso de Andrés Suárez y Bob Dylan. El primero habría sido número 1 en España la semana pasada si se hubiera dado a conocer la tabla mixta, en lugar de número 18, posición que se refería solo al streaming. Por otro lado, nos quejábamos de que ‘Rough and Rowdy Ways’ había sido solo top 75 en streaming, pero sumando sus ventas habría sido número 5 en España, pues Promusicae muestra que en su segunda semana, está bajando del puesto 5 al puesto 19.

Otras entradas en esta tabla mixta son Mónica Naranjo en el puesto 6 con ‘Mes Excentricités Vol. 2’, Belén Aguilera con ‘Como ves, no siempre he sido mía’ en el puesto 9, Pol Granch con ‘Tengo que calmarme’ en el puesto 13, Paco Candela con ‘Alma de pura raza’ en el puesto 22, Sticky M.A. con ‘Konbanwa’ en el puesto 32, Luar Na Lubre en el puesto 50 con ‘Vieras e vieros’, Diego El Cigala en el 51 con ‘Cigala canta a México’, Eladio Carrion’ con ‘Sauce Boyz Care Package’ en el puesto 56, Haim con ‘Women in Music Pt III’ en el puesto 59 y Natalia Lafourcade con ‘Un canto por México, vol. 1′ en el puesto 85. Adivinamos que de ellos Mónica Naranjo logra una buena entrada por sus ventas, Sticky M.A. por su streaming, y Haim, ¿una mezcla tibia de ambas?

María Escarmiento / Sintiéndolo mucho

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7 julio, 2020

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«Ojalá no seas feliz porque no te lo mereces» es una de las primeras frases que escuchamos en ‘Sintiéndolo mucho’, el EP de debut de María Escarmiento. La mala baba de esta persona que puso a media España a debatir la inclusión de la palabra «mariconez» en el contexto de una canción de Mecano durante su paso por Operación Triunfo -también a los políticos– no es cosa de una sola canción en este trabajo que también tiene las cosas claras en lo musical, al contrario de lo que parecía que iba a suceder cuando entrevistamos a la artista y esta nos dejaba titulares como «no tengo ni idea de lo que escribo ni de lo que van mis canciones».

Que cierta dejadez y actitud «punk» iban a formar parte del discurso de María Villar se veía venir desde que descubrimos que la cantante había formado parte de una banda de garage punk antes de entrar en la Academia y que es amiga de Hinds (tiene tatuada a una de sus integrantes), y también tras su paso por el programa, donde exhibió una personalidad irreverente y eso mismo, «punk», hasta el punto que básicamente la vimos aflorar como artista cantando ‘Voy en un coche’ de Christina Rosenvinge en aquel escenario. Quizá por eso no sorprenda tanto que María Escarmiento haya buscado su propio hueco en la industria del pop española adentrándose en el mercado del reggaetón «indie» en el que hoy prosperan artistas bastante punk en espíritu como Yung Beef, Ms. Nina (con quien ha colaborado), Kaydy Cain, Bea Pelea o Pedro LaDroga, quien aparece como artista invitado en uno de los temas de este trabajo para escozor de los puristas. Y además, con ‘Sintiéndolo mucho’ logra desmarcarse de ellos gracias a unas canciones que alternan letras malvadas con ritmos de reggaetón oscuros e industriales, en los que a menudo asoman ecos y retazos de música electro-industrial o incluso «witch house», cuando no sonidos arábigos como en aquel fallido primer single llamado ‘Amargo amor‘ presente en este EP a modo de clausura.

La estética industrial, nuclear, en definitiva poligonera de las canciones de María Escarmiento y de todos sus visuales mandan en este ‘Sintiéndolo mucho’ que entretiene en sus 20 minutos de duración. ‘Baladón’ con Pedro LaDroga es la que más destaca gracias a un sonido martilleante y a una letra que describe «el piquete del año» sin andarse con rodeos: «entramos mal y salimos peor, si te descuidas esto es Nueva York / empezamos bien y acabamos mejor, me pongo fina, esto va por los dos». Y si el estribillo del oscuro single ‘Chulo‘ se compone de la frase «chulo, que tú te crees muy chulo, te vas a tomar por culo», el EP se abre con un tema algo más luminoso que sin embargo no puede contener más veneno en frases como la mencionada al inicio de este artículo, «ya no me gusta ni tu cara» o «no te mereces mi atención».

A falta de comprobar cómo suenan estas canciones en una discoteca, ‘La Bomba’ parece el hit del disco que más triunfaría en dicho lugar gracias a su contundente base y a su letra con menciones al autotune, a Sailor Moon y a un «traperillo», y a pesar de que a su declaración «aquí solo mando yo» le falta una buena dosis de actitud y bagaje para resultar creíble. Por su parte, ‘Castigo‘ es la mejor de las canciones melódicas sin que la turbia ‘Otra noche‘ con El Mini (la del «tengo marido pero no ejerce») se quede muy atrás. Solo ‘Amargo amor’ sobra a pesar de que su inclusión en este EP sirva para subrayar lo superiores que son los cortes previos. Y desde luego ‘Sintiéndolo mucho’ también consigue sepultar el protagonismo que ‘Muérdeme’ ha podido tener en la carrera de María Escarmiento muy a su pesar. Es un tema divertido pero sin el carisma que demuestra en este trabajo esta cantante de apellido artificial igual de carismático.

Calificación: 6,7/10
Lo mejor: ‘Baladón’, ‘Chulo’, ‘La bomba’
Te gustará si te gusta: el reggaetón «indie» nacional
Youtube: vídeo de ‘Chulo’

Tom Meighan, ex líder de Kasabian, se declara culpable de violencia doméstica

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7 julio, 2020

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Tom Meighan de Kasabian (segundo por la derecha en esta imagen promocional) se ha declarado culpable de asaltar a su ex-prometida, Vikky Ager, solo un día después de anunciar su marcha de la banda por problemas personales. Un mensaje subido a Twitter por Kasabian indicaba simplemente: «Tom Meighan renuncia a Kasabian de mutuo acuerdo. Tom está lidiando con problemas personales que están afectando a su comportamiento de un tiempo a esta parte y ahora quiere concentrar todas sus energías en volver a encarrilar su vida. No vamos a comentar nada más».

El comunicado original de Kasabian era bastante claro en no consentir más especulaciones en torno a la vida personal de Meighan, si bien hoy se conocen detalles concretos en torno a este incidente de «violencia doméstica» que tenía lugar el pasado 9 de abril. La policía recibía entonces la llamada de un niño que le avisaba sobre esta agresión, y se encontraba con una Ager «visiblemente perturbada» y con un Meighan que «desprendía un fuerte olor a alcohol» y se mostraba «agresivo y sin ánimos de cooperar». A consecuencia de la agresión, Ager sufría hematomas en «rodillas, tobillo, codo izquierdo y un dedo gordo» así como «enrojecimiento alrededor del cuello». Meighan ha pedido disculpas por el incidente a «toda la gente a la que he decepcionado» y pretende «atajar su hiriente comportamiento». El músico ha sido condenado a realizar 200 horas de trabajo no remunerado.

Durante la última década y media, Kasabian ha sido una de las bandas más exitosas del Reino Unido. Todos sus álbumes han sido número 1 en las islas desde el segundo. El primero y homónimo, que llegaba al top 4, era un sleeper que terminaba convertido en triple platino, superando el millón de copias, contando sólo lo que despachaba en Reino Unido. Era en sus inicios cuando el grupo triunfaba con sencillos como ‘Club Foot’ o ‘L.S.F.’ de 2004, ‘Empire’ de 2006 y ‘Fire’ de 2007, aunque es más significativo que lo hayan logrado más avanzada su carrera: ‘You’re in Love with a Psycho’, uno de los singles de ‘For Crying Out Loud’ (2017), ha logrado la certificación de «disco de oro» en las islas, pese a las críticas que tuvo por parte de las instituciones de salud mental. Pese a ello, ha sido otro de los grandes hitos de su carrera.

De momento se desconoce si Kasabian saldrán adelante con otro vocalista, entrarán en un hiato indefinido o tomará las riendas otro miembro de la banda, en concreto «Serge» Pizzorno (segundo por la izquierda), que también canta, es el letrista principal y el año pasado emprendía carrera en solitario.

Tom Meighan is stepping down from Kasabian by mutual consent. Tom has struggled with personal issues that have affected his behaviour for quite some time and now wants to concentrate all his energies on getting his life back on track. We will not be commenting further.

— KasabianHQ (@KasabianHQ) July 6, 2020

Charlie Puth busca «novia» en uno de sus singles más adictivos

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7 julio, 2020

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Charlie Puth se ha sumado estos días a la larga lista de intérpretes de música pop que han publicado singles llamados ‘Boyfriend’ o ‘Girlfriend’. Selena Gomez y Justin Bieber cuentan ambos con su propio ‘Boyfriend‘, también Ariana Grande tiene el suyo; y uno de los mayores éxitos de Avril Lavigne se llama ‘Girlfriend’, como tantos otros temas de Michael Jackson, Alicia Keys, Phoenix o Christine and the Queens.

El nuevo single de Charlie Puth se llama ‘Girlfriend’ y vuelve a ser un caramelito de synth-pop de los que es experto en componer el autor de ‘Attention‘. Esta vez estamos ante una producción que no desentonaría en absoluto en el repertorio de Carly Rae Jepsen, MUNA o de las Tegan and Sara de, ejem, ‘Boyfriend’; pero en este caso la mano para la melodía de Charlie Puth destaca especialmente en un tema hecho para crear adicción desde el mínimo fraseo («all night long») hasta el subidón del estribillo final. El propio Puth ha declarado haber invertido «mucho tiempo» en «perfeccionar» esta canción y se nota: cada cosa está en su debido sitio en esta composición que corre el riesgo de quemarse demasiado rápido, al ser tan adictiva; a pesar de que el artista grabó partes de la misma durante su gira anterior. La toma vocal del puente la registró «10 minutos antes de subirse al escenario una vez».

«¿No somos perfectos?», «si fuera tu novio, te daría todo mi tiempo» o «no quiero juegos, esto es más que una fase» son tres de los lugares comunes en los que incurre la letra de esta canción de composición clásica en todos los sentidos. Realmente la lírica de ‘Girlfriend’ podría haber tenido lugar en los mismos años 50 que Puth referenciaba en su denostado debut tanto como en los años 80 que exploraba en su segundo trabajo. Parece que se avecina disco continuista si ‘Girlfriend’ es el adelanto de ese tercer álbum que Puth lleva un tiempo creando después del fallido paso de ‘I Warned Myself‘, ‘Mother’ y ‘Cheating on You’ por las listas de éxitos. ¿La mejor noticia posible en este caso?

¿Ha aparcado Rihanna la música «indefinidamente» o The Sun vuelve a estar «lleno de mierda»?

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7 julio, 2020

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El tabloide británico The Sun ha publicado una «exclusiva» según la cual Rihanna habría aparcado «indefinidamente» las labores de producción de nuevo disco para dedicarse plenamente a su empresa de cosméticos y de ropa interior. Según está información, Rihanna considera que el COVID-19 «ha destruido» la industria de la música y prefiere dedicar sus esfuerzos a convertirse en la próxima gran magnate de la industria de la belleza, por lo que no tendría tiempo de trabajar en su próximo proyecto musical. La cantante, que buscaría alcanzar el estatus de billonaria en este campo como han logrado sus colegas Kylie Jenner y Kim Kardashian, ya habría registrado una nueva marca de cosmética llamada «Buff Ryder» que pensaría lanzar próximamente.

La noticia, de ser cierta, sería la peor posible para los seguidores de Rihanna, que no saca disco desde que en 2016 editara el exitoso ‘ANTI‘, hace ya cuatro años. Sin embargo, parece a todas luces una invención pues Rihanna podría perfectamente compaginar ambas profesiones incluso en el contexto de una pandemia, pues es una de las músicos más ricas del mundo; y se sabe de hecho que tiene bastante avanzada la producción de hasta dos nuevos discos, uno de reggae y otro de pop, sobre los que ella misma y sus colaboradores han hablado en alguna que otra entrevista.

Pero sobre todo es conocido el desprecio de Rihanna a The Sun. En 2012, la barbadense atacó al tabloide por su afición a publicar noticias falsas, después de que este diera luz a una noticia según la cual la cantante había usado a una doble en uno de sus anuncios para Armani. Rihanna desmintió esta información en Twitter, donde escribió que «el periódico The Sun es como un pelo del culo, está lleno de mierda». ¿Se molestará la artista en confirmar o desmentir esta supuesta exclusiva mientras su reciente single con PARTYNEXTDOOR, que ha sido todo un «sleeper» en las listas de éxito, desciende poco a poco en el Billboard?

Masterchef 8, la edición de los gallos y los cuchillos afilados, cae del lado de la modestia y la gentileza

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7 julio, 2020

Masterchef 8 terminaba anoche con una audiencia espectacular, por encima del 30% del share. Fue la segunda final más vista de la historia de la franquicia en España, lo que da una idea de la incombustibilidad del formato. Por más años que pasen, por más que se diversifique en ediciones Junior (cada vez más insufribles) y Celebrity (un saludo a Willy Bárcenas de Taburete), superadísima la ausencia de Eva González –no hay duda que el haber potenciado el papel de los jueces ha sido beneficioso–, el talent show de cocina por antonomasia se crece edición a edición, incluso aunque sus castings se aproximen cada vez más a los de Gran Hermano (R.I.P.).

En ese caso, la presencia de Saray (autora del ya mítico –para mal– plato «Ave muerta encima de un plato») y Fidel (el cantante del grupo garajero Los Wilds pasa a la historia del programa por sus gestos… y ya) fue accesoria y bufonesca, y por un momento pareció estar a punto de dar al traste con la gastronomía en el programa, mientras que el bonachón con mala leche Michael y la abuelita sibilina Juana aguantaron muchos más de lo que parecía.

Pero esta edición pasará a la memoria como la de los gallos y los cuchillos afilados. Gallos como el abogado (léase al estilo De Niro en ‘El cabo del miedo’) Andy e Iván (el macho alfa gallego), que tras meses de pique ante las cámaras (seguramente no fuera tan así detrás), dejaron atrás a Jose Mari, el otro chistoso y pérfido que quedó en el camino preso de su propia soberbia. Y se metieron en la final: el primero, tras ser el mejor en la primera prueba de la final siguiendo en cocina una elaboración de Martín Berasategui, callando muchas bocas ya de forma incontestable; el segundo, destacando en las cocinas de El Bohío de Pepe Rodríguez (que lamentó la situación de la hostelería con la pandemia, que está llevando a cerrar incluso a los «estrellas Michelín») ante la pareja carpetera oficial de la edición: el discreto pero trabajador Alberto y la histriónica Luna, que llegó hasta ahí con un evidente toque de chiripa.

Y ambos se plantaron con su al menos aparente exceso de confianza y testosterona junto a Ana, una joven y discreta joyera de Madrid que si había destacado a lo largo del programa había sido por su modestia, gentileza y afabilidad en el nido de aves carroñeras que se había ido convirtiendo el programa, sobre todo en unas pruebas de exteriores cainitas en las que algunos no dudaban en tirarse a un precipicio si con ello hacían que sus rivales cayeran con ellos.

Ana volvió renovada tras el parón del rodaje del programa por el coronavirus. Si ya en los programas anteriores a ese trance comenzó a destacar cuando cocinaba en solitario, algo debió hacer clic en ella en las semanas de confinamiento que la dio ser consciente de sus capacidades, si bien no se vanaglorió de ello en ningún momento. Y finalmente fue ella, con sencillez, trabajo e inteligencia, la que supo conquistar al jurado, incluido el eminente Joan Roca. Masterchef 8 ha sido, a su manera, una lección vital de esas que se propugnan en las películas Disney: en un entorno agresivo, visceral y machirulo, triunfó el buenismo. ¿Cuánto decís que falta para Masterchef 9?

James Blake publica ‘Are You Even Real?’, co-escrita por autoras de Rihanna, Maroon 5, Camila…

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7 julio, 2020

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James Blake ha publicado su nuevo single, ‘Are You Even Real?’, el cual ha contado con la participación de dos solicitadas autoras de pop como son Starrah y Ali Tamposi. Ambas comparten créditos en ‘Havana’ de Camila Cabello y Young Thug, mientras por separado, la primera ha co-escrito éxitos como ‘Girls Like You’ de Maroon 5 y Cardi B, ‘Needed Me’ de Rihanna, ‘Now or Never’ de Halsey o ‘Feels’ de Calvin Harris con Pharrell Williams, Katy Perry y Big Sean; y la segunda ‘Stronger (What Doesn’t Kill You)’ de Kelly Clarkson, ‘Let Me Love You’ de DJ Snake con Justin Bieber, ‘Señorita’ de Shawmila y, más recientemente, ‘Break My Heart‘ de Dua Lipa, uno de los hits del momento.

Haciendo uso de un minimalista ritmo de R&B y de un arreglo de cuerdas, ‘Are You Even Real?’ reincide en el sonido luminoso y celestial presente en algunos cortes de ‘Assume Form’ o en el reciente ‘You’re Too Precious‘ que llevaba a preguntarnos si la estrella de James Blake se habría apagado, pues se quedaba lejos de ser uno de sus singles más inspirados. Parte de la letra menciona un «viaje» a través de un «campo de fresas» y un diálogo que imaginamos entre Blake y su pareja, la actriz y activista Jameela Jamil: «dime cómo te sientes»: «¿eres siquiera real?»

James Blake, ya más que curtido en la composición pop después de haber trabajado con Beyoncé, Kendrick Lamar, Rosalía, Travis Scott o, más recientemente, Kehlani, podría tener entre manos el primer single oficial de su próximo álbum, en el que ya se encontraba trabajando meses después del lanzamiento del anterior.

Kacey Musgraves y Ruston Kelly se divorcian

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6 julio, 2020

Kacey Musgraves y el también cantante y compositor Ruston Kelly han anunciado su divorcio. En un comunicado remitido a The Associated Press recogido por Billboard, ambos artistas señalan que han tomado la decisión de mutuo acuerdo y que continuarán siendo amigos.

«Ambos creemos que hemos terminado en la vida del otro por una razón divina y nuestras vidas han cambiado infinitamente a mejor por ello», señala el comunicado. «El amor que tenemos el uno por el otro va más allá de la relación que hemos compartido como marido y esposa. Es una conexión espiritual que nunca podrá ser borrada. Hemos tomado esta decisión juntos, una decisión sana que viene después de un largo periodo de haberlo hecho lo mejor posible para que saliera bien. Simplemente no ha funcionado. Aunque nos separamos en el matrimonio, seguiremos siendo amigos por el resto de nuestras vidas».

La triste noticia es especialmente significativa para la carrera de Kacey Musgraves, quien el año pasado se hacía con el preciado Grammy a Mejor álbum del año por ‘Golden Hour‘, un trabajo eminentemente romántico y dedicado a la felicidad del matrimonio, sobre el que versaban temas como ‘Butterflies’, ‘Wonder Woman’ o ‘Happy & Sad’, en el que Kacey cantaba: «¿existe una palabra para describir lo que siento? Me siento feliz y triste al mismo tiempo, me tienes llorando lágrimas de felicidad, nunca me he sentido tanto en las nubes, pero dicen que todo lo que sube debe bajar» o «cuando todo es perfecto, me empiezo a esconder, porque sé que la lluvia está a punto de llegar». El disco era además enormemente alabado por la crítica. Musgraves y Kelly contrajeron matrimonio en Tennessee en el año 2017.

8 discos contemporáneos que evidencian la profunda huella de Ennio Morricone en el pop

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6 julio, 2020

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Esta mañana despedíamos a uno de los grandes nombres de la música contemporánea: Ennio Morricone, uno de los compositores de bandas sonoras más célebres, laureados y prolíficos de la Historia nos dejaba a los 91 años, con una obra prácticamente inabarcable, numerosos éxitos eternos (algunos bastante recientes, como sus trabajos para Tarantino) y una profunda huella en la música pop. Buena parte de su enorme capacidad para entusiasmar y cautivar estaba en el uso de voces solistas, guitarras (españolas, acústicas y eléctricas) e incluso silbidos, aportando un elemento humano no tan común en la música clásica. Quizá por eso su influencia en el pop y el rock contemporáneo era mucho más grande que la de coetáneos como John Williams –con el que acababa de recibir el Premio Princesa de Asturias de las artes ex-aequo–, palpable en infinidad de discos caracterizados por sus arreglos orquestales, aunque no siempre. En este artículo destacamos solo algunos de los muchísimos álbumes de las últimas décadas que deben mucho al talento del genio italiano.

‘Actos inexplicables’ de Nacho Vegas

Dentro de las muchísimas canciones icónicas en la carrera de Nacho Vegas, hay pocas como la introducción instrumental que abría su primer disco bajo su nombre propio (recordemos que antes fue ‘Diariu‘), ‘Actos inexplicables‘. La canción, que comparte su título, contiene una evidente herencia de los míticos westerns musicados por Morricone para Sergio Leone, desde esa armónica que se va acercando hasta nosotros desde lontananza hasta tocarse con los rasgueos de guitarra en vibrato en primer plano. Los fabulosos arreglos de cuerda y viento compuestos por Carlos J. Martínez y el propio Vegas tienen un tono crepuscular y evocador que alude claramente al maestro y que, además, no son una rara avis: la maravilla cohenesca ‘El camino’ le va a la zaga.

‘Coles Corner’ de Richard Hawley

El maravilloso cuarto álbum de Richard Hawley suponía un leve cambio de rumbo en su carrera –además de un considerable impulso comercial– al introducir en su retro rock unos exuberantes arreglos orquestales que engalanaban todo el álbum y que entroncaban con la tradición del Scott Walker más amable y, también, con un aire country que volvemos a relacionar con Ennio casi indefectiblemente (aunque su vasta carrera fuera mucho más allá del western). Cabe destacar que, no en vano, Hawley ha participado en la composición de varias bandas sonoras (más con canciones que con scores, eso sí) y que al frente de los arreglos de este álbum estaba Colin Eliott, que ha dado muestra de su talento en esa parcela en discos como el orquestal ‘The Abbey Road Sessions’ de Kylie Minogue o ‘Complete Surrender‘ del dúo Slow Club.

‘Curtains’ de Tindersticks

Está fuera de toda duda que el autor de scores tan míticos como los de ‘La misión’ o ‘El bueno, el feo y el malo’ ha debido influir de una u otra manera a cualquiera que se haya sentado a escribir música para una película en los últimos 30 años. Unos de esos han sido los británicos Tindersticks, compositores fetiches de la ahora consagrada cineasta Claire Denis que recopilaron en una caja todos sus trabajos para películas de la francesa, desde ‘Nénette et Boni’ (1996) hasta ‘White Material’ (2009) –Stuart A. Staples en solitario también se ha encargado de la última, la reciente ‘High Life’ (2019)–. Pero en los propios álbumes del grupo originario de Nottingham ya sobresalía esa capacidad evocativa tan cinematográfica. Especialmente en su célebre tercer álbum, ‘Curtains’ (1997), un dechado de melodramatismo propulsado por secciones de cuerda espectaculares. Curiosamente, una edición especial del disco contenía ‘A Marriage Made In Heaven’, un dueto que la banda quiso compartir con la actriz Isabella Rossellini. La hija de Ingrid Bergman y Roberto Rossellini debutaba en el cine en 1979 con la película ‘El prado’, y no adivinaréis quién era el autor de su banda sonora…

‘Felt Mountain’ de Goldfrapp

Los silbidos sobrenaturales que abren ‘Lovely Head’, primer corte del glorioso debut de Alison Goldfrapp y Will Gregory, tienen una deuda evidente con el Maestro. El italiano fue una influencia declarada desde sus inicios. En 2001 contaban a The Guardian que el dúo nació intercambiando música que les apasionaba: ella enviaba cassettes de François Hardy; él, de Ennio. Hay quien asegura, además, que ‘Utopia’, uno de sus singles más célebres, tiene reminiscencias de ‘Tema italiano’, incluido en su trabajo para ‘El clan de los sicilianos‘ de Henri Verneuil (1969). Pero es que prácticamente todo el disco, desde las reminiscencias latinas de ‘Human’ a la melancolía marciana de ‘Horse Tears’ parecen tener algo de homenaje a Morricone.

‘Rome’ de Danger Mouse & Daniele Luppi

Desde sus primeros trabajos como productor junto a Jemini The Gifted One, Brian Burton ya mostraba un profundo conocimiento de bandas sonoras clásicas que empleaba, vía sample. Pero donde echaría el resto en esa parcela fue en ‘Rome‘, un disco creado junto a otro apasionado de la música para películas de Ennio, Alessandroni, Piccioni… que es además de un virtuoso del órgano Hammond un reputado compositor de bandas sonoras. Eso cristalizó en un disco elegante y cinemático que pretendía ser el score de un film que no existía, pero que no era difícil evocar a través de los interludios instrumentales y las canciones con Jack White y Norah Jones.

‘Roseland NYC Live’ de Portishead

«El compositor de películas más grande de todos los tiempos» es como Geoff Barrow ha definido a Morricone al poco de conocerse su fallecimiento. Y el de Bristol lo dice con evidente conocimiento de causa, puesto que en los últimos años, al margen de sus discos con Beak>, ha sido en esa parcela donde ha centrado sus esfuerzos profesionales junto a Ben Salisbury, tanto en cine (‘Annihilation’, ‘Ex-Machina’) como en televisión (‘Black Mirror’, ‘Hanna’, ‘Devs’). Pero su admiración por el compositor romano no es ni mucho menos nueva ni nace a raíz de este desempeño: el ya mítico ‘Dummy‘, primer disco del grupo Portishead (compartido con Beth Gibbons y Adrian Utley), tenía una evidente deuda con Ennio en la construcción de ambientes sonoros de película (aunque era Lalo Schiffrin, otro genio de la música cinematográfica, el sampleado en ‘Sour Times’). También sucedía con su segundo álbum, el homónimo de 1997, pero donde se evidenció la aspiración orquestal de Barrows y compañía fue en el disco en directo ‘Roseland NYC Live’, un concierto del trío en dicho espacio con arreglos ejecutados en directo por una decena de instrumentos clásicos, consumando sus pretensiones del todo.

‘Absent Friends’ de The Divine Comedy

Neil Hannon, acostumbrados como nos tiene (aunque en su último disco ‘Office Politics‘ se haya abierto a sonidos sintéticos) a imponentes arreglos orquestales, no podía faltar en este repaso. Bien es cierto que siempre fueron Burt Bacharach y Hal David sus referentes más cercanos en esa parcela, como evidenciaba el corto en minutaje pero enorme en emoción ‘A Short Album About Love’. Sin embargo, nunca ha perdido ese punto teatral conectado con la ópera (llegó a componer y estrenar una) y, claro, la música para películas. En ese sentido, su disco más cinematográfico y cargado de arreglos pudo ser el excelente ‘Absent Friends’, no solo por sus profusas orquestaciones, que bien se puede decir que se miran en los compositores clásicos de bandas sonoras, sino también por su espíritu narrativo, aun no siendo un disco conceptual como otros en su carrera. Curiosamente, su álbum de 2010 ‘Bang Goes the Knighthood’ se publicó en una edición limitada que incluía un disco en directo con versiones. Una de ellas era ‘Je changerais d’avis’ de François Hardy, la versión en francés de la gran ‘Se telefonando’ de Mina, una poco común incursión de Morricone en la música pop.

‘The Age of the Understatement’ de The Last Shadow Puppets

Cuando presentaban ‘Everything You’ve Come to Expect‘, Alex Turner y Miles Kane no ponían reparos en afirmar que las grandes influencias de su enorme primer disco habían sido Scott Walker, ‘Histoire de Melody Nelson’ de Serge Gainsbourg, ‘Mass in F Minor’ de The Electric Prunes’… y la banda sonora de ‘El bueno, el feo y el malo’ de Ennio Morricone. Quedaba evidenciado en su evidente querencia por la música de los 60 tanto como en las profusas orquestaciones interpretadas por la London Metropolitan Orchestra a los mandos de nada menos que el canadiense Owen Pallett. La impresión de estar escuchando números musicales (siempre cantados, eso sí) de una vieja película de acción e intriga, con un componente sentimental, es muy vívido en los 35 minutos de duración de este disco. Y lo cierto es que ese perfil caló profundamente al líder de Arctic Monkeys, como pudimos comprobar en el último disco de la banda, el algo incomprendido ‘Tranquility Base Hotel & Casino‘.

6ix9ine vuelve a arrasar en Youtube con su nuevo single en español

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6 julio, 2020

6ix9ine vuelve a protagonizar el vídeo más visto del momento en el chart de Youtube España gracias a ‘YAYA’, su nuevo single de letra íntegramente en español, pues cabe mencionar que aunque Tekashi es nacionalizado estadounidense, su ascendencia es latina: su madre es mexicana y su padre portorriqueño.

¿Qué ofrece Tekashi en este enésimo tema de título bisilábico y raps histéricos marca de la casa? La primera novedad es un ritmo de reggaetón como manda la moda actual, y la segunda una letra que incluye referencias al hitazo de reggaetón de 2005 ‘Baila morena’; a Shakira y su ‘Waka Waka’, canción que es rimada con la frase «ella tiene culo bello pero es flaca», y a su vez a Anitta, nombre que es rimado con la frase «cuando chingamos, tú nunca te quitas». En ‘YAYA’, Tekashi tampoco se corta a la hora de celebrar su condición de delincuente convicto. Al principio de la canción ya rapea: «Una nena así me hacía falta, que me tiene mamando por su falda, se ve que no es santa, es como yo, le gusta la maldad».

En pocos días, el vídeo totalmente inenarrable de ‘YAYA’, que muestra a Tekashi echándose leche por encima y a varias bailarinas perreando a solas o a su lado; ha acumulado 42.527.072 visualizaciones en Youtube, es decir, ha sido un éxito… que cabe preguntarse de qué manera se traducirá en el Billboard a la larga: ‘TROLLZ‘, la colaboración de Tekashi con Nicki Minaj que coronaba esta lista hace unos días, protagonizaba después una importante caída en la tabla pasado el «hype» inicial.

Animal Collective modifican algunos de sus títulos y portadas para «corregir estereotipos raciales»

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6 julio, 2020

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Animal Collective han sacado un nuevo EP llamado ‘Bridge to Quiet’ con motivo de la llegada de toda su discografía a Bandcamp. Sin embargo, también son noticia por haberse sumado a la lista de artistas, sellos o plataformas que han decidido poner su grano de arena en la lucha contra el racismo a raíz del levantamiento del movimiento Black Lives Matter de hace unas semanas. Su acción llega poco después que Lady Antebellum y Dixie Chicks hayan cambiado sus respectivos nombres, HBO haya retirado ‘Lo que el viento se llevó’ de su catálogo, o los Grammy hayan modificado la nomenclatura de algunas de sus categorías.

Los autores de ‘Merriweather Post Pavilion‘ han efectuado ya la modificación de portada y título de dos álbumes viejos, respectivamente. En primer lugar, la portada original de su EP de 2007 ‘People’ desaparece de su catálogo al representar un arquetipo racial como es el de la niñera afroamericana o «mammy«. «Entendemos ahora que usar un estereotipo racial provoca más daño del que cualquier explicación puede subsanar», ha explicado el grupo en un comunicado. Y en segundo lugar, su álbum de 2003 ‘Here Comes the Indian’ recupera su título original ‘Ark‘ por razones evidentes. «Creemos que usar la palabra «indio» en nuestro disco envía el mensaje erróneo al objetificar a la población amerindia, lo cual nunca ha sido nuestra intención con la música», ha indicado la formación.

En tercer lugar, Animal Collective recuerdan que su EP de 2007 ‘Meeting of the Waters incorporaba sonidos de una tribu indígena, la Tatuyo, tocando música en Brasil, motivo por el cual han decidido donar una parte de las ganancias producidas por este trabajo a la organización Cultural Survival. Esta decisión también afecta a los otros dos trabajos: las ganancias de ‘People’ serán compartidas con Equal Justice Initiative y las de ‘Ark’ con Seeding Sovereignty.
<a href="http://anmlcollectve.bandcamp.com/album/bridge-to-quiet">Bridge to Quiet by Animal Collective</a>

10 pequeños grandes conciertos celebran este verano los 10 años de Atlántida Film Fest

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6 julio, 2020

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Este verano se celebra el 10º aniversario del Atlàntida Film Fest, el festival de cine de la plataforma Filmin, que tantas joyas nos ha traído a lo largo de los años. Se celebra lógicamente online, pero como es habitual habrá actividades en Palma de Mallorca. Oficialmente Atlàntida Film Fest se celebrará en Palma entre el 27 de julio y el 2 de agosto y en la plataforma online de Filmin entre los días 27 de julio y 27 de agosto. Entre las películas que se podrán ver está el estreno en España de ‘Last and First Men’ de Jóhann Johánnsson, la película póstuma del compositor islandés y su debut en la dirección cinematográfica; el de ‘Moffie’ de Oliver Hermanus (de los productores de ‘Ida’); el documental ‘This Is Not a Movie’, de Yung Chang; y ‘Photographer of War’, de Boris Bertram, entre muchas otras. También habrá una retrospectiva de Aleksey Balabánov, conocido como «el Tarantino ruso».

También habrá cine al margen de las actividades cinematográficas, como es habitual. Continuando con su línea editorial underground y alternativa, se han organizado 10 pequeños conciertos de artistas tan interesantes como Cecilio G, María José Llergo, Ferran Palau, Confeti de Odio, Bearoid o PAVVLA. Bajo estas líneas os dejamos con las fechas de cada cual. Más información, en la página web oficial.

Los conciertos en fechas:
Lunes, 27 de julio: MARÍA JOSÉ LLERGO (La Misericòrdia)
Martes, 28 de julio: MARY PAXANGA + CECILIO G (Es Baluard)
Miércoles, 29 de julio: CONFETI DE ODIO (Es Baluard)
Jueves, 30 de julio: BEAROID (Es Baluard)
Viernes, 31 de julio: FERRAN PALAU (Es Baluard)
Sábado, 1 de agosto: VIC MIRALLAS + MARC SEGUÍ (Ses Voltes)
Domingo, 2 de agosto: JÚLIA COLOM + PAVVLA (Ses Voltes)

Phoebe Bridgers / Punisher

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6 julio, 2020

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Con tan sólo dos álbumes en solitario, uno colaborativo con Conor Oberst y otro con Julien Baker y Lucy Dacus como boygenius, Phoebe Bridgers se ha convertido en una voz generacional. Cuando habla largo y tendido de las canciones que componen este segundo álbum ‘Punisher’, no se va por las ramas. Promocionando ‘Garden Song’, que va sobre la consecución de los «sueños», decía en Apple Music: «Si eres una persona miserable que piensa que los buenos mueren jóvenes y las corporaciones malvadas dominan todo, ya tenemos pruebas suficientes de que es verdad». Hablando de ‘ICU’, que va sobre una relación de amor ya pasada que tuvo con su batería, comentaba igualmente: «me encantaría ser supercreativa cuando estoy deprimida, pero en lugar de eso, todo lo que hago es mirar el móvil durante 8 horas».

Cercana y sencilla, lo suficiente como para presentar una canción en la televisión americana desde una bañera y acompañada de un único instrumento, Phoebe Bridgers nos habla en ‘Punisher’ de lo que es su día a día y su visión de las cosas. ¿Que unos fanáticos mueren a las puertas de un estadio? La letra de ‘Halloween’ dice secamente: «han matado a un fan en el estadio / solo estaba de visita / lo han golpeado hasta matarlo». ¿Que no le gusta aquella canción que Eric Clapton dedicó a un hijo que murió al precipitarse desde una ventana? La letra de ‘Moon Song’ dice secamente: «Odiamos ‘Tears in Heaven’ / pero es triste que su bebé muriera / Nos peleamos hablando de John Lennon / hasta que lloré / me fui a la cama y me puse triste».

Este tratamiento de temas indistintamente cotidianos o graves, livianos o trascendentales, está llamado a dividir: sin que ‘Tears in Heaven’ sea mi composición de cabecera, es muy obvio que Phoebe Bridgers está a años luz de hacer una canción de este tamaño que pueda trascender barreras, géneros y generaciones. Lo bueno es que tampoco es que parezca su objetivo, más bien ‘Punisher’ es una obra deliberadamente modesta, intimista y carente de grandes ambiciones, a veces para muy bien.

El momento más triunfal se produce con ‘Kyoto’, una canción en la que Phoebe Bridgers expresa su malestar porque, después de haber estado tanto tiempo queriendo actuar en Japón, sintió el «síndrome del impostor» cuando tuvo que hacerlo. Da igual que nunca hayas ido a Kyoto o que nunca hayas tenido que dar un concierto, el estribillo eufórico y su sección de vientos saben realzar las cosas similares que hayan podido acontecerte. Lo mismo sucede con ‘Garden Song’, un tema sobre las pesadillas recurrentes que tiene de gira, o con ‘Punisher’. Aunque no te obsesione Elliott Smith como a ella -le dedica la canción a él y a la decepción que un ídolo puede ser para sus fans-, su producción a medio camino entre Jon Hopkins y Phosphorescent es maravillosa.

Tras un tramo medio menos lustroso hasta que llegan los bonitos arreglos al final de ‘Saviour Complex’, una canción que Phoebe Bridgers dice haber escrito en sueños, el álbum remonta con la mencionada ‘ICU’, una cucada country llamada ‘Graceland Too’ que escribió en un viaje de MDMA -coincide más o menos por tanto con ‘Slow Burn’ de Kacey Musgraves– y finalmente una gloriosa ‘I Know the End’ que recuerda al Sufjan Stevens más majestuoso. Tres grandes canciones que se sostienen sin necesidad de subrayados y matizaciones en Genius.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Kyoto’, ‘ICU’, ‘I Know the End’, ‘Garden Song’
Te gustará si te gustan: Sufjan Stevens, Clairo, Tegan & Sara
Youtube: vídeo de ‘Kyoto de Phoebe Bridgers‘

La música que escucha Fernando Simón, según el reportaje con portadón de El País Semanal

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