Travis Scott y Kid Cudi han formado un dúo llamado The Scotts que ha posicionado su tema de presentación, ‘The Scotts’, en el número 1 global de Spotify de manera instantánea. Parte de la redacción lo evalúa.
«Travis Scott ha querido montarse un grupillo con Kid Cudi para demostrarle su admiración después de varias colaboraciones conjuntas que hemos venido viendo desde sus respectivos discos de 2016 (Kid Cudi también aparecía en ‘Astroworld’ en 2018). El tema, promocionado junto a Fortnite, presentaba una base random a más no poder, primero ofreciendo una estrofa de uno y luego la del otro, sin mayor aparente comedura de tarro… Pero de repente esa outro instrumental te hace cambiar de opinión. Entre sonidos prog y cósmicos, uno no sabe si suena un featuring de Daft Punk o un homenaje a la 5ª sinfonía de Beethoven». Sebas E. Alonso
«El single conjunto de Travis Scott y Kid Cudi, quien en realidad se llama Scott -de ahí el nombre del grupo-, está a punto de darles a los dos raperos un nuevo número 1 en el chart americano. ‘THE SCOTTS’ vuelve a hipnotizar como solo sabe hacerlo la música de Travis Scott gracias a una base letárgica y levemente radioactiva sobre la que cada rapero aporta su personal flow bañado en autotune (obvio). El segmento cósmico final, por inesperado, resulta la mejor parte de la canción, pero además está cargado de una gran intriga. Si es la primera pista de un nuevo disco conjunto de Travis Scott y Kid Cudi, y tiene toda la pinta de que lo es porque la canción empieza anunciando la llegada de THE SCOTTS y suena a intro desde el primer segundo al último, ya tengo ganas de escuchar lo siguiente». Jordi Bardají.
«De primeras esta ‘The SCOTTS’ me pareció una nadería trap. Y lo cierto es que parece algo perezoso: dos versos, uno de Travis y otro de Cudi –lo de «Scotts» viene del apellido del primero y del nombre propio del segundo– en el que alertan de la llegada de la «madera» para mover un escondite, fiel al estilo de vida que marca el subgénero en cuestión. Classic trap. Sin embargo, ‘The SCOTTS’ tiene algo especial, como casi todo lo que toca Travis por predecible que parezca: su base es una auténtica pasada gracias a los detalles de esas ¿guitarras? –que bien podrían haberse extraído de un tema de Beach House, por ejemplo– y a esa coda de sintetizadores a lo Jean-Michel Jarre o Mike Oldfield, sublimando ese gancho vocal al que tanto partido sacan The Scotts, el túetano de la canción. Sin duda, Travis está muy por delante de la nutrida competencia en el trap, y la metáfora de una especie de Dios cósmico a su imagen y semejanza dando un concierto virtual en el corazón del videojuego ‘Fortnite’ no podía ser más significativa». Raúl Guillén.
Charli XCX no está desperdiciando la oportunidad de hacer un nuevo álbum en cuarentena. Lo va a llamar ‘how i’m feeling now‘ y presumiblemente lo podremos escuchar en un par de semanas, el día 15 de mayo.
El primer sencillo se llamaba ‘forever’ y el segundo, publicado hace unos días, recibe el nombre de ‘claws’. La cantante ha decidido improvisar un vídeo en casa que se ha transformado a su vez en un «cómo se hizo» en el que aparece su pareja desde el principio y finalmente a modo de catarsis, como podéis observar. Realmente ahora se entiende mucho mejor de qué van todas esas repeticiones del estribillo «I like-I like-I like-I like-I like everything about you».
Por lo demás, una fantasía croma que imagina a la artista en varios escenarios a los que ahora mismo no se puede desplazar, muestra de los tiempos raros en que nos ha tocado vivir.
La semana que viene, exactamente el viernes 8 de mayo, es el día elegido para el lanzamiento de ‘Stuck With U’. Se trata de un single conjunto que tanto Ariana Grande como Justin Bieber han anunciado en sus redes sociales. Los beneficios del single irán a parar a los niños de familias afectadas por la covid-19 en forma de becas y subvenciones a través de la organización sin ánimo de lucro First Responders Children’s Foundation.
Se ha habilitado una web para descargar de manera gratuita su versión instrumental. La idea es que la gente se haga un vídeo en cuarentena «bailando o divirtiéndose» con su ropa de promoción para formar parte del vídeo oficial colaborativo que se va a editar.
‘Stuck With U’ será el primer lanzamiento de Justin Bieber desde que lanzara este año su esperado disco de regreso, ‘Changes‘. En cuanto a Ariana, será su primer single desde el colaborativo ‘Don’t Call Me Angel’ con Lana del Rey y Miley Cyrus, que ha representado un éxito sobre todo para estas dos últimas.
please use this instrumental & send us videos of u being your beautiful selves, dancing with your loved ones, pets, whatever / whoever brings u comfort during this quarantine (even if it’s just u alone. that’s beautiful too.) to be a part of #StuckWithU 🖤💻🎙🌫 pic.twitter.com/CK1ceupI9X
Ahora que lo peta en todo el mundo una canción sobre el suicidio llamada «lecho de muerte» parece buen momento para recuperar otra canción sobre un suicidio publicada este año, y que además es mucho más bonita y menos malrollera que la mencionada. Se trata de la pista que abre el último disco de la cantautora catalana Núria Graham.
‘Connemara’ recibe el título de la región irlandesa donde Núria Graham solía veranear de pequeña y relata los momentos previos al suicidio de su protagonista. El escenario donde sucede esto es bucólico, y así, la canción muestra a este personaje echando su último vistazo al mar durante un anochecer, despidiéndose de los delfines y exprimiendo sus últimos instantes de conciencia total: «pensáis que no estoy aquí, pero puedo escuchar todo cristal romperse». El silencio ensordecedor de la costa, solo roto por la brisa, dibuja un panorama desolador pero a la vez sereno para el final de este personaje que puede ser mucho mayor de lo que parece: «he estado aquí demasiado tiempo» no es una frase que diría una persona joven con muchas cosas aún por vivir. Quizá Núria esté imaginando un futuro lejano donde la vejez impulsa a este personaje a ejercer el último fragmento de control sobre su cuerpo y su vida.
Nada de este peso existencial está reflejado en el sonido de ‘Connemara’, una preciosa composición de dream-pop que suena ligera, preparada para echar el vuelo. Recuerda a la primera etapa de Beach House (época ‘Master of None’) su ritmillo electrónico, mientras las capas de guitarra eléctrica de la canción, que suenan como si imitaran el oleaje al que se enfrenta su protagonista en la letra, llevan la firma de Núria. La canción llega a su cumbre emocional con la repetición insistente de esos «I love you life» finales que no van a frenar a su personaje a llevar a cabo su cometido. La voz de Núria suena sabia e imperturbable, lo que añade realismo a esta historia ficticia tan poética tanto en lo lírico como en lo musical.
«Había terminado ‘Bachelor No. 2’, y una vez más, el sello estaba en plan «¡estamos en bancarrota!» Así que Interscope de repente se encontró con todos esos artistas, y realmente me dijeron «ya sabes, si quieres marcharte, puedes marcharte». Incluso tuve una reunión con Jimmy Iovine –a la que llegó tarde– y cuando le dije que el disco estaba terminado, dijo «no está acabado hasta que yo diga que está acabado». Y me quedé en plan «me largo de aquí»». Con esa anécdota resumía Stereogum– su fugaz paso por la multinacional propiedad del feroz magnate de la música y la tecnología. Para cualquier otr@ artista quizá hubiera supuesto el fin de su carrera, pero Mann no tenía la más mínima intención de rendirse y dio batalla con las armas que tenía para conseguir mostrar al mundo que su tercer disco era, en realidad una joya de pop atemporal que tal día como hoy, hace 20 años, veía la luz de forma oficial.
Eso fue en el año 2000, pero la historia de Mann y ‘Bachelor No. 2’ había comenzado tiempo atrás. Como narramos en esta retrospectiva, Aimee comenzó su carrera en el exitoso grupo nuevaolero ‘Til Tuesday. Tras la disolución del grupo –no sin problemas para disolver su contrato; su historial venía de lejos–, emprendió su carrera en solitario en los primeros 90, al calor de las Anouk, Tori Amos, Fiona Apple o Alanis Morissette que cada compañía buscaba como enseña. Pero Mann poco tenía que ver con aquellas, como pronto apreció Geffen en las discretas ventas de ‘Whatever’ (1992) y ‘I’m With Stupid’ (1996). «Tú vendes 120.000 copias en una major y no te llega ni un duro», decía nuestra heroína a Playboy poco después, revelando las ventas de aquel disco. Para colmo, antes que Iovine, los ejecutivos de Geffen también habían rechazado ese nuevo disco hacia 1998, preguntándole el célebre «¿dónde están los hits?» Muy enfadada, hizo una tirada de EPs por sus propios medios, con siete canciones del disco, y empezó a venderlos en sus conciertos.
Por entonces, su amigo Paul Thomas Anderson estaba filmando ‘Magnolia’ y quería usar sus canciones. De hecho algunas como ‘Save Me’ o ‘Wise Up‘ se escribieron de forma paralela al guión y alimentaron tanto las escenas como al contrario, según recuerda Mann en la citada entrevista con Stereogum. Aquello, con el estreno de la película y la inclusión en ella de varias de las canciones que formaban parte de ‘Bachelor No. 2’ –su BSO es, básicamente, un disco de Aimee con dos temas de Supertramp–, supuso un verdadero revulsivo para su carrera. Para entonces ella había tejido ya su nuevo plan, al margen de la industria: junto con su manager, Michael Hausman, fundó su propio sello, SuperEgo, y anticipándose a las estrategias de marketing online (y a Wilco o Radiohead también), empleó las más de 10.000 direcciones de correo electrónico que había acumulado de sus fans en ofrecerles una venta directa a través de su web del disco. Vendió, de entrada, 25.000 copias, convirtiéndose en un hito para la música online y la autoedición. La cosa iría a más cuando llegó a un acuerdo de distribución mundial con V2 a principios de 2000, alcanzando las 230.000 copias años después, doblando las ventas de sus primeros discos. Pero todo este baile de datos y cifras son una mera anécdota, en realidad, cuando hablamos de un disco tan excelso como ‘Bachelor No. 2 (Or, The Last Remains of the Dodo)’. Que es, de hecho, su nombre completo, intuimos que aludiendo a su completa rareza en el panorama musical de la época, como si del extinto pájaro bobo se tratase.
Si la semana pasada destacábamos el estupendo trabajo de Jon Brion en el segundo y tercer discos de Fiona Apple, lo cierto es que su presencia en aquellos mucho tendría que ver con el sonido que había creado junto a Aimee en ‘I’m With Stupid’ y «Bachelor». En este, aún con las casi ineludibles cajas de ritmo muy presentes, las referencias musicales se tornaban incluso más clásicas y atemporales: Kinks y Beatles y sobre todo su adorado Elvis Costello emergían como referentes directos. No es para nada casual que Declan McManus figure como co-autor de la maravillosa ‘The Fall of the World’s Own Optimist’, puesto que ambos se conocían desde hacía años. Costello y Mann habían compuesto juntos ‘The Other End (of the Telescope)’, que se incluía en el tercer disco de ‘Til Tuesday (‘Everything’s Different Now’, 1988) y que años después abrió el álbum del británico ‘All This Useless Beauty’ (2001). La canción, descartada por McManus para ese mismo disco –aunque existe una demo grabada por él con The Attractions e incluso la ha rescatado en directo alguna vez–, es interpretada aquí por Aimee y sus músicos con la mezcla de melancolía, elegancia, aspereza y potencia que marca el carácter del disco, con preciosas armonías vocales en las que participan, aquí y allí, Grant Lee Phillips (Grant Lee Buffalo), Buddy Judge y Michael Penn –el hermano de los célebres actores Sean y Chris, participó como guitarrista en el disco, y además se enamoró de Mann: son pareja, luego matrimonio, desde entonces–.
Pese a que «Bachelor» esté grabado con medios relativamente limitados, no se aprecia: sin duda la mezcla del reputado Bob Clearmountain –que, según deducimos de los agradecimientos del disco, debió hacer a espaldas de Geffen– contribuye a su fantástico sonido, pero quizá lo más asombroso es lo conseguidísimos que están los arreglos de Brion, Patrick Warren (luego más conocido por sus trabajos en el cine y televisión con Anderson y otros directores) y nada menos que Benmont Tench, el pianista de confianza de Tom Petty. Sin duda este disco constituye toda una lección magistral para aquellos que quieran que sus discos suenen a orquesta con metales, maderas y cuerdas a partir de sintetizadores y teclados: están tan conseguidos que parecen acústicos… salvo en ‘Calling It Quits’, en la que sí hay una trompeta, aunque parezcan seis. Aunque sin duda son las guitarras, musculosas y afiladas o delicadas y cálidas, combinadas con la inconfundible voz de Mann –capaz de sonar rotunda con ese tono tan agudo–, las que realzan las canciones de un disco de esos que se devora, se disfruta, y se memoriza de arriba a abajo, como los grandes clásicos.
Desde luego, las canciones ya incluidas en ‘Magnolia’ son de campanillas: la casi oscarizada (la estatuilla fue para Phil Collins y su tema para la versión Disney de ‘Tarzan’, meh) ‘Save Me’, la elegancia jazz-swing sin efectismos retro de ‘Driving Sideways’ (que en la edición europea del disco desaparecía en favor de ‘Backfire’, tema en el que contaba con la participación de Glenn Tilbrook de Squeeze, con los que tiene una imperdible anécdota), el memorable crescendo de lo acústico a lo eléctrico de ‘Deathly’ y la dulce ‘You Do’, cuya base podría leerse como un guiño a los R.E.M. de ‘Automatic for the People’. Dando una medida del estado de gracia de Mann, todas ellas se sitúan en la segunda parte del disco, tras un arranque inapelable: el inolvidable inicio de ‘How Am I Different’ –y cómo va mutando de un sobrio medio tiempo a la neo-psicodelia pop que sublimaron Tears For Fears o World Party una década atrás– conectado al vals ‘Nothing Is Good Enough’, y no solo en lo musical. Porque sus letras, leídas ahora, parecían una premonición del rechazo recibido por A&Rs y ejecutivos y su posterior venganza: «No puedo hacerlo, así que muévete / ¿De verdad quieres esperar hasta que pruebe que te equivocas?»; o «Una pregunta, antes de que recoja mis cosas: ¿cuándo lo jodas todo luego me devolverás mi pasta?»; o «Nada es lo bastante bueno para gente como tú / Necesitas tener a alguien que asuma la caída / y algo que sabotear / decidido a perderlo todo». Y versos similares pueden encontrarse también en ‘Save Me’, ‘Deathly’ o ‘The Fall…’.
‘Bachelor No. 2’ no suena pasado de moda ni cuando plasma el sonido de moda: ahí están esos ‘Red Vines’ –la mezcla de cigarrillos y regalices rojos alberga una metáfora de años iniciáticos–, ‘Susan’ o ‘Ghost World’ que bien podrían haber convertido en éxito Alanis. Cuesta creer que alguien preguntara entonces que dónde estaban los hits de este disco. De hecho esta última llegó a tener un vídeo oficial, anticipándose además a otro éxito cinematográfico: su título no engaña, y es una adaptación en forma de canción de la maravillosa novela gráfica de Daniel Clowes que adaptó después Terry Zwigoff y que propulsó las carreras cinematográficas de Scarlett Johansson y Thora Birch un año después. Lo cierto es que es una muestra del enorme instinto que ha demostrado Aimee Mann en su carrera y que, inexplicablemente, no ha sido correspondido con una aceptación masiva de su genialidad. Porque lo cierto es que «Bachelor» puede ser su obra maestra, pero los álbumes que ha lanzado después no le van tan a la zaga: al margen de su proyecto con Ted Leo, The Both, ‘Lost In Space’ (2002) –una suerte de progresión mejorada de este disco del que hoy hablamos (y con artwork del ahora alabado autor de cómics Seth, por cierto)–, el ambicioso ‘The Forgotten Arm’ (2005) –una pieza teatral musicada–, ‘@#%&*! Smilers’ (2008), ‘Charmer‘ (2012) o el más reciente, ‘Mental Illness’ (2017) –su disco más acústico y nostálgico– quizá no brillen tanto como este disco, pero están a la altura necesaria para tenerla como una de las autoras y productoras de su tiempo.
Este 1 de mayo hemos tenido que lamentar la pérdida de Tony Allen, mítico batería de jazz reconocido como uno de los creadores del afrobeat junto con su amigo Fela Kuti. Tenía 79 años y ha fallecido en su casa de París a causa de un ataque al corazón, según ha informado su manager Eric Trosset a la radio pública norteamericana NPR. Nacido en Lagos, Nigeria, en 1940, Allen aprendió a tocar la batería de forma autodidacta cuando tenía 18 años, inspirándose en los discos que consiguió de baterías de jazz americanos como Art Blakey y Max Roach.
En 1964 se unió al grupo de Fela Kuti en 1964, siendo crucial a la hora de crear esa mezcla de cultura centroafricana con jazz y funk que se dio en llamar afrobeat y que tanto ha influido en la música popular, también en la occidental, en las últimas décadas. Además de su batería, se erigió en director musical del grupo Africa 70 y Kuti, con el que rompió por cuestiones monetarias a finales de los 70 tras docenas de discos y giras juntos, llegó a decir que «sin Tony Allen, no habría afrobeat». También se dice que, tras su marcha, Fela pasó a emplear cuatro baterías en directo para cubrir su hueco.
A mediados de los 80 se trasladó a Londres, para establecerse definitivamente en París, donde comenzó a labrarse su propia carrera lanzando sus propios trabajos junto a la banda Afrobeat 2000, primero, y colaborando con infinidad de artistas de lo más variopinto después. Entre ellos, Damon Albarn, Simon Tong y Pete Simenon, con los que formaría el grupo The Good, The Bad & The Queen, con el que publicaría dos discos fantásticos: ‘The Good, The Bad & The Queen‘ (2007) y ‘Merrie Land‘ (2018). Aunque su último disco de estudio es ya el reciente ‘Rejoice‘, junto al trompetista sudafricano Hugh Masekela. Flea de Red Hot Chili Peppers o Brian Eno, entre otros, habían manifestado públicamente que Allen era el mejor batería del mundo.
Tras su muerte, Gorillaz han decidido compartir un nuevo single de su última serie Song Machine, en el que toca Tony Allen. ‘How Far?’ con Skepta a la voz principal, se grabó «antes del confinamiento» según informa la banda de Damon Albarn.
En el ámbito del pop urbano latinoamericano, pocas artistas surgidas en los últimos tiempos han demostrado un equilibrio de potencial comercial y creativo similar al de Paloma Mami. Esta chilena criada en Nueva York emergía a finales de 2018 con ‘Not Steady’ y ‘No te enamores’, que nos convencían para señalarla como una de las probables revelaciones del año 2019 en lengua hispana. Meses después no nos decepcionaba con la estupenda ‘Fingías‘ –que tuvo un hueco en nuestra lista de mejores canciones de 2019–, y confirmaba su magnetismo con un dueto con C. Tangana, ‘No te debí besar‘.
Hoy, varios meses después de que lanzara ‘Mami‘ –single que parece que dará título al álbum debut en el que ya trabaja–, regresa con otro tema que viene a confirmar su personalidad y particular visión del pop post-reggaeton. Se trata de ‘Goteo’, un tema poco ortodoxo dentro de los cánones del género que domina las listas en América Latina y España. La canción comienza con una rítmica algo atípica, en 3×4, y se desarrolla entre la potencia y la sutileza, con esas «gotas» que virtualmente se van derramando en nuestros oídos.
No tiene una estructura fácil, con un estribillo que saca partido al gancho melódico principal mientras Paloma lanza esos «yo goteo», aunque su melodía, especialmente su pre-coro, es estupenda. La combinación de elementos acaba siendo irresistible. Detrás de ‘Goteo’, nada casualmente si tenemos en cuenta temas como ‘Con altura‘, ‘Aute Cuture‘ o ‘Yo x ti tú x mí‘, está el tándem compositivo formado por Rosalía y El Guincho, que además firma la producción de la canción. Y está a la altura su espectacular vídeo oficial, que sitúa a Paloma Mami como una luchadora de videojuego al estilo ‘Mortal Kombat’, resultando vencedora en cada combate y dando sentido a frases como «Me ves al entrar, soy mucho pa’ ti», que sin imágenes podrían tener una connotación sexual.
Paloma Mami estaba confirmada en el cartel que anunciaba meses atrás Primavera Sound. Tras reubicarse a finales del mes de agosto, queda por saber si la chilena podrá seguir en el line-up, y si presentará para entonces ese primer disco que se augura jugoso.
Hoy primero de mayo, Día Internacional de los Trabajadores, publica su esperado nuevo disco Austra, quien firma en nuestro site el Disco Recomendado ‘HiRUDiN‘. La artista nos hablará próximamente sobre este trabajo en una interesante entrevista. También están disponibles desde este viernes los nuevos álbumes de Car Seat Headrest, Damien Jurado, JoJo, Ghostpoet, Yung Beef & Pablo Chill-E, Diet Cig, Man Man, RomeroMartín y Marcos y Molduras. Además, Parcels publican un directo grabado en estudio que intercala temas nuevos con sus canciones más conocidas, mientras que serpentwithfeet, Mahalia, Elsa y Elmar, CEVID 19 (nuevo alias de Cecilio G.).
Esta semana han visto la luz los primeros singles de varios álbumes destacados que podremos escuchar en las próximas semanas o meses: Joe Crepúsculoha sorprendido con el jangle-pop de ‘Discoteca en ruinas’, el primer adelanto de ‘Supercrepus II’; Arcaha vuelto a impactar con un ‘Nonbinary’ que sirve de avance de ‘KiCk i’, aún sin fecha de edición; y Yellehan abierto nueva etapa discográfica después de cuatro años con la interesante ‘Je t’aime encore’, que seguramente no suena a lo que esperabas de ellos. También Mykki Blancoha regresado con un curioso single que suena a Alice Coltrane, menciona a Lady Gaga y cuenta con la participación de Devendra Banhart. También el trío barcelonés Mourn –cuyo vídeo oficial ha sido estrenado por Billboard–, Kehlani, Moby, Khruangbin, Lori McKenna, El Grajo, Dagny, Machine Gun Kelly, 107 Faunos –los argentinos fichan por el sello de Primavera Sound–, Pablo López, Malú o Azúcar Moreno, en un plano completamente mainstream, lanzan adelantos de próximos trabajos.
Además de estos primeros singles, esta semana también hemos escuchado nuevos adelantos de discos anunciados hace meses: Hinds han seguido presentando ‘The Prettiest Curse’ con una canción en la que han disparan contra las críticas que han escuchado desde siempre, Haimhan vuelto a reinventarse con el cuarto sencillo del álbum que publican en junio tras adelantarlo dos meses; y Jessy Lanzaha vuelto a presumir de elegancia con el segundo avance de su tercer largo. Dixie Chicks, Glass Animals, Jess Williamson, Sports Team, Amber Mark, Karmento y Child of the Parish, entre otros, también muestran más temas de sus próximos discos.
Entre los singles sueltos que han dejado los últimos siete días encontramos el remix de ‘Savage’ de Megan Thee Stallion con Beyoncé que apunta a hit; lo nuevo de AlunaGeorge de portada horripilante, el bonito descarte de Big Thief, el nuevo reggaetón oscuro de María Escarmiento, la sorprendente versión confinada de ‘Don’t Blame Me’ de Taylor Swift por Zahara y Mucho, y el nuevo single igualmente confinado de Tversky cuyo vídeo hemos estrenado. Rels B, Paloma Mami, Recycled J, Danna Paola, ANTIFAN & VVV [Trippin’ You], Hayden James & Icona Pop, Stay Homas o Namasenda (factoría PC Music, con A.G. Cook a los mandos) se mezclan, además, con una nueva versión de ‘Say So’ de Doja Cat feat. Nicki Minaj (sueño cumplido), un remix del último single de Perfume Genius, junto con una insólita versión de T-Rex a cargo de Nick Cave para un álbum-tributo o una maqueta de Oasis rescatada por Noel Gallagher y publicada oficialmente, titulada ‘Don’t Stop…’.
Drake sigue arrasando con ‘Toosie Slide’ y aprovecha este enésimo momento de gloria en su carrera para publicar nueva mixtape por sorpresa. Lleva el título de ‘Dark Lane Demo Tapes’ y cuenta con 14 pistas, una de las cuales es por supuesto ‘Toosie Slide’, canción que sigue entre las 5 más escuchadas a nivel global en Spotify con más de 4 millones de escuchas diarias, y que se mantiene en el top 2 del Billboard después de haber debutado directo en el número 1. Pero ojo, en ningún caso puede decirse que sea el sucesor de ‘Scorpion’: en el post de Instagram en el que ha presentado este trabajo revela que su sexto disco de estudio llega tan pronto como este próximo verano.
Según explica Drizzy, sus colaboradores Oliver El-Khatib y Ovonoel han reunido en esta mixtape temas que sus fans habían pedido que publicara, «algunos filtrados, algunos fragmentos de Soundcloud (de alguna sesión, imaginamos) y algunos nuevos». Pero no estamos ante una simple sucesión de maquetas, puesto que son temas bastante acabados en los que incluso cuenta con colaboradores como Future, Young Thug, Chris Brown, Playboi Carti o Giveon.
A pesar de que ‘Dark Lane Demo Tapes’ es el primer trabajo largo de material inédito de Drake desde el mencionado ‘Scorpion‘, el canadiense sí publicó un disco de descartes en 2019 llamado ‘Care Package’. Antes, el artista celebró la victoria de los Toronto Raptors en la NBA con un EP que incluía el tema ‘Money in the Grave’, el cual a la postre se ha convertido en otro macrohit de Drake de tantos, y como demuestran sus casi 500 millones de reproducciones en Spotify.
Austra es el proyecto de Katie Stelmanis junto a una serie de miembros rotativos: podemos decir que Austra es básicamente Kate Stelmanis. Quizá alguien habría podido esperar que por tanto sus álbumes fueran personales, pero como sucede con otros autores con el foco en primer plano, como Robert Smith en The Cure o Alison en Goldfrapp, su obra puede ser autobiográfica o no: sus discos pueden ser políticos, como fue obviamente el caso de ‘Future Politics‘, o versar sobre otras cosas. ‘HiRUDiN’, su cuarto trabajo, es su primer álbum realmente personal, pues se trata de un disco muy explícito sobre las relaciones tóxicas que ha mantenido a lo largo de su vida. Algunas canciones han mutado de sentido, pues cuando fueron escritas la cantante tenía una pareja con la que ya no permanece, pero es un poco igual: lo importante ha sido su intención de «mostrarse vulnerable» como forma de «alentar a otra gente a mostrarse vulnerable», como nos ha contado durante una entrevista que publicaremos en los próximos días.
‘Anywayz’ nace del miedo de que el mundo siga su curso impertérrito, como si nada hubiera pasado, cuando el amor se acaba («el mundo sigue girando de todas formas / las flores nacen de todas formas / las montañas se elevan de todas formas»). ‘All I Wanted’, de manera muy abierta, anuncia: «no me importa lo que me digas porque me voy mañana / no me importa que lo sientas / la has jodido». La toxicidad se manifiesta muy clara en el single ‘Risk It’, con frases como «me siento avergonzada, es una locura buscarte infinitamente / me está matando / sé que debería terminar contigo ahora». Las letras hablan de cosas tan específicas como «me he mudado 6 veces en los últimos 5 años / ayúdame a descansar», como sucede en ‘How Did You Know?’.
Para tranquilidad de Björk, que se queja con razón de que los discos en los que las artistas femeninas abren su corazón gusten más a los críticos musicales, si ‘HiRUDiN’ es el mejor disco de Austra no es porque Stelmanis se haya abierto en canal. De hecho, los textos son bastante austeros. Lo bueno es que la artista reviste estas composiciones desnudas de pequeños arreglos que tienden a reforzar su lucha interior. Si ‘I Am Not Waiting’ es una huida de alguien que no supo escuchar una advertencia anterior, su ritmo parece animar esa marcha en solitario, como huyendo del bosque referenciado en la letra. Su post-estribillo «I am over you, I am over you» es fantástico, como muy apropiadamente fantasmagórica suena ‘How Did You Know?’, cuyos teclados remiten por un lado a Eurythmics y por otro a John Maus. ‘All I Wanted’, tras un inicio de pizzicatos, se transforma como en una producción de Fever Ray hacia la mitad, optando por un final agridulce. La magia también muta en terror tipo Radiohead en ‘It’s Amazing’, que plantea si el buen momento retratado es solo «un juego».
Frente a la inacabada ‘Your Family’, cuya misteriosa lluvia de sintetizadores es disuelta por una letra insulsa sobre ¿suegros?; la canción más ambiciosa es ‘Mountain Baby’, con la colaboración de Cecile Believe y la idea de retratar las diferentes etapas de una relación. Katie intenta retratar «la incertidumbre y la resistencia» y Cecile «el lado más puro y la alegría desenfrenada». Las voces de «coro infantil» y la repetición de un estribillo que se pregunta por qué nos empeñamos una y otra vez en escalar la misma montaña va acorde a un riff de piano que se repite de hecho una y otra vez.
‘HiRUDiN’ recibe su nombre de la «hirudina», un péptido de las sanguijuelas que se utiliza con fines medicinales. Indudablemente Katie ha querido utilizar esto como metáfora de lo bueno que permanece después de una relación que te hace daño, algo tan asqueroso como una sanguijuela. Si el álbum se abre con una frase tan confusa como «haces que me enfade, te quiero», el final llamado ‘Messiah’ representa la calma, la aceptación. «No soy ninguna Mesías / así que devuélveme al suelo» es una de las primeras frases. «No te elevaré, pero puedo guiarte / seré tu sombra y tú la luz», una de las últimas, antes de un coro en el que Katie se beneficia de su operístico timbre celestial. Quienes odiaran la voz «pitcheada» de ‘Risk It’, entre quienes NO me encuentro, pueden estar tranquilos: ‘HiRUDiN’ no reincide en ello, sino que es un álbum variado y al mismo tiempo cohesivo -a lo que contribuyen los dos interludios- que asienta su carrera casi una década después de ‘Feel It Break‘.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Risk It’, ‘Anywayz’, ‘How Did You Know?’, ‘Mountain Baby’, ‘I Am Not Waiting’ Te gustará si te gusta: Goldfrapp, Florence + the Machine, John Maus, los anteriores Youtube:Vídeo de ‘Mountain Baby’
Arca empieza era con el lanzamiento de ‘Nonbinary’, el primer single de un nuevo disco que sigue sin fecha de lanzamiento, pero del que ya se sabe que se titulará ‘KiCk i’ y que contará con las colaboraciones de Björk y Rosalía, entre otras.
La artista venezolana, que recientemente compartía con JENESAISPOP sus canciones favoritas para pinchar, presenta una de sus típicas composiciones abstractas: en este caso unas percusiones agresivas le sirven de vehículo para recitar un mensaje de orgullo propio ante los ataques de una persona no identificada: «no me importa una mierda lo que pienses, puede que me me debas algo, pero no me conoces» o «soy especial y tú no puedes decirme lo contrario» son algunos de sus pasajes.
El vídeo de ‘Nonbinary’ también es típicamente propio de Arca en su búsqueda del impacto: recuperando la imaginería industrial y futurista de la portada con la que Arca presentaba su single de 62 minutos, el vídeo nos muestra a la artista a punto de parto en una habitación de hospital rodeada de esqueletos robóticos y con sus conocidas zancas mecanizadas, y después ante una enorme concha en lo que parece una recreación de la Venus de Botticelli. Al final, dos Arcas discuten entre ellas en una escena que la artista ya había adelantado en sus redes: es la misma de la que Rosalía extraía un audio que después incorporaba a su actuación en los Latin Grammys del año pasado.
Estoy bastante seguro de que hay una parte de los fans de Radiohead a los que les da un poco de rabia que los miembros del grupo que han emprendido aventuras en solitario –Thom Yorke, Jonny Greenwood, Philip Selway o Nigel Godrich (a todos los efectos, su sexto miembro); de momento Colin Greenwood no parece interesado– se hayan cuidado bastante de hacer música que pudiera recordar a su grupo-madre, tirando por veredas más experimentales o alejadas del rock. Aquellos (y puede que otros) estarán de enhorabuena: Ed O’Brien, segundo guitarrista del grupo de Oxford, se deja en buena medida de zarandajas en su álbum debut como EOB, ‘Earth’, y tira por un camino que, aunque diverso y abierto, resultará reconocible para los que gozan del lado más accesible de los autores de ‘OK Computer‘.
‘Shangri-La’ abre el disco sin dejar dudas: a O’Brien no le duelen prendas en que su sonido resulte reconocible como miembro de Radiohead. O, al menos, que recuerde a numerosas (y buenas) bandas que han bebido en mayor o menor medida de su sonido, como Foals, Elbow, Tunng, etcétera. Construida sobre un sencillo grillar de guitarra erigido en base al convertirlo en loop, resulta bastante atractiva, y sin duda ideal para abrir el álbum. Su desarrollo, en el que brilla el bajo de su propio compañero Colin –Ed ha contado en la grabación con una banda de campanillas en la que se han contado también Adrian Utley (Portishead), Glenn Kotche (Wilco), el percusionista de jazz Omar Hakim…–, puede remitir a la cara más amable de la era ‘Kid A’, como también sucede más tarde en una ‘Banksters’ más simplona y con ecos de bossa nova que cuestiona a las oligarquías financieras «¿dónde fue todo nuestro dinero?», aludiendo a la crisis de 2008… justo cuando estamos metidos en otra incluso más terrible.
Pese a que pensaba que «lo último que el mundo necesita es un disco de mierda mío», explica, estas canciones nacieron de un tirón cuando regresó a Inglaterra tras pasar una larga temporada en Brasil con su familia al finalizar la gira de ‘King of Limbs’. La experiencia le cambió y quedó impresionado por el país, especialmente por el carnaval de Río de Janeiro. «Una explosión de luz, melodía, ritmo y amor», dice, que le pareció «el mejor espectáculo del mundo». De ahí parecen nacer versos como «siento el amor cayendo» de ‘Brasil‘, otro de los singles del disco, quizá el más audaz e inspirado. Más de ocho minutos que van de la aflicción acústica de la primera parte a la euforia trance-rock –cercana a Four Tet– de su segunda parte, en la que percute el bajo de Greenwood y brilla la producción del veterano tándem Flood/Alan Moulder –asistidos también por la discípula del primero Catherine Marks–.
Pero, aunque EOB parezca por lo dicho un proyecto más accesible que los de sus compañeros de grupo, lo cierto es que ese perfil acústico de la primera parte de ‘Brazil’ copa buena parte de ‘Earth’, con suerte desigual. ‘Deep Days’ tiene cierta frescura gracias al empuje de la base rítmica y su hipnótica melodía, mientras que ‘Long Time Coming‘ y ‘Cloak of the Night’ –con coros de Laura Marling– sorprenden con una tesitura reminiscente de Nick Drake, sin duda muy bonita, pero que no emociona especialmente.
Esa inconcreción perjudica a ‘Earth’ en su conjunto, en tanto que nada en él vuelve a enganchar tanto como sus primeros temas. Incluso hay cortes harto prescindibles como la inane ‘Mass’ o una electrorockera ‘Olympik‘ que pasaría por un descarte –de casi 9 larguísimos minutos, eso sí– de los U2 de la era ‘No Line On the Horizon’. Y eso es tan poco decir… Así, ‘Earth’ pasa de ser la gran esperanza para los fans del lado más ortodoxo de Radiohead a poco más que una anécdota que nos lleva a pensar en 2021 como una fecha perfecta para la continuación de ‘A Moon Shaped Pool‘.
Calificación: 6,5/10 Lo mejor: ‘Shangri-La’, ‘Brasil’, ‘Long Time Coming’ Te gustará si: adoras a los Radiohead pre-‘In Rainbows’, o grupos herederos de su sonido como Foals, Elbow… Youtube:‘Shangri-La’ en Youtube
El regreso de Erin Moran a la música y la publicación de su segundo disco como A Girl Called Eddy tras tres lustros de espera es una especie de pequeño milagro en el pop. Considerando las expectativas generadas a aquellos que aún confiaban en su vuelta, ‘Been Around‘ está lejos de decepcionar, más bien al contrario: es un disco de pop eterno, exquisitamente escrito, arreglado, producido e interpretado en el que Moran revela que, pese a las numerosas zancadillas que le ha puesto la vida a ella y su carrera, siempre ha estado ahí, luchando por publicar su música y tocarnos con ella. [Foto: Julian Simmons.]
No podíamos hacer menos que intentar hablar con ella, a pesar de la pandemia que asola el mundo, incluido el Nueva York en el que vive en estos momentos, una de las zonas más azotadas por el coronavirus en todo el mundo. Erin no solo está dispuestísima a hacerlo, vía mail, sino que además contesta a nuestro extenso cuestionario con prontitud, derrochando sentido del humor y sin esquivar ningún detalle, por truculento o doloroso para ella que pueda resultar. Su actitud ante lo sufrido es tan encomiable como sus canciones.
Hola Erin. En primer lugar, deseo que tú y tus personas queridas estéis bien en estos momentos. ¿Estás bien?
¡Estoy bien, gracias! Estoy en el West Village de Nueva York, en el pequeño apartamento-estudio que tengo desde hace más de 20 años. Pasé la versión leve del virus durante una semana o así, pero ya estoy mucho mucho mejor.
¿Cómo pasas el tiempo estos días?
Con el confinamiento, lo más difícil ha sido no poder pasar un rato por mi tienda de segunda mano o cafetería favoritos, no ser libre para merodear como siempre. Porque es muy necesario, ¿verdad? Mientras, me he propuesto ver una nueva película y escuchar un nuevo disco cada día.
«Muerte, enfermedad, divorcio, mudanza, tratar de encontrar la persona adecuada con la que trabajar, etcétera. Cuando te das cuenta, han pasado 10 años»
En todo caso, estamos aquí para hablar sobre la publicación de ‘Been Around’, que es un disco maravilloso, felicidades. ¿Cómo te sientes ahora que ha visto la luz?
¡¡Liberada!!
La gran pregunta es ¿por qué ahora? ¿Qué ha pasado que te ha llevado a grabar y publicar tu segundo disco después de tantos años, cuando pocos lo esperaban ya?
Siempre tuve la determinación de grabar un segundo disco, pero la vida se interpuso. Muerte, enfermedad, divorcio, mudanza, tratar de encontrar la persona adecuada con la que trabajar, etcétera. Cuando te das cuenta, han pasado 10 años. Pero siempre supe que volvería.
Si el sonido de tu disco de 2004 ya se entendía como clásico, ‘Been Around’ va incluso más allá, persiguiendo las grandes composiciones pop de los 60, 70 u 80s. ¿Representa este disco lo que siempre quisiste que fuera A Girl Called Eddy?
Sí. Para ser honesta, quería «ir a por ello» a lo grande esta vez. Quería que la gente se quedara con la boca abierta cuando escucharan la obertura con ‘Been Around’. Que les explotara el corazón y se les pusiera un nudo o dos en la garganta. Nunca he intentado sonar conscientemente a los 60/70/80, aunque es difícil evitar la influencia de aquello con lo que has crecido y amas. Como sea, o por lo que sea, la idea era «¡pon todo lo que haga falta!» Así que si la próxima canción o álbum requiere tubas y cantantes de garganta tibetanos, lo haré. ¡Lo que sea que necesite!
«El álbum ha tomado forma en el transcurso de siete años»
¿Cuánto tiempo has trabajado en este disco? Por ejemplo, ¿cuáles son las canciones más antiguas y nuevas del disco?
El álbum ha tomado forma en el transcurso de siete años. La canción más antigua es ‘Lucky Jack (20-1)’, que está dedicada a mi padre. La más nueva es ‘Big Mouth’.
Sorprende ver que has trabajado con Daniel Tashian, que de repente se ha hecho mucho más conocido por el Grammy que ha ganado trabajando con Kacey Musgraves. ¿Cómo le conociste y cuándo surgió la idea de que produjera ‘Been Around’?
Descubría a Daniel a través de su grupo The Silver Seas. Me volaron la cabeza y sentí que, fuera quien fuera el compositor o productor de ese material, podríamos conectar. Hablé con Daniel por teléfono un par de veces y empecé a ir y volver de Nashville para escribir y grabar algunas pistas. Produjimos el disco como un equipo, y creo que realmente nos complementamos bien el uno al otro.
Él también hace un bonito contigo, ‘Pale Blue Moon’, que cierra el disco como bonus-track. ¿Por qué se os ocurrió que él la cantara contigo?
Me enamoré de su voz cuando escuché a The Silver Seas. Es una de esas voces al estilo de las de Paul McCartney o Paddy McAloon que son muy suaves, dulces y encantadoras para tus oídos. Así que cuando me envió la idea de ‘Pale Blue Moon’, era inicialmente para mí, pero pensé «¡No! Esto podía ser un dueto encantador».
Aparte de él, hay más artistas de prestigio involucrados en la grabación, como The Watson Twins, Viktor Krauss (hermano de Alison)… Pero Paul Williams es un nombre quizá más inesperado. ¿Cómo nació la preciosa ‘Charity Shop Window’?
Mi publicista me preguntó «¿quién estaría en tu lista de personas soñadas para escribir una canción?» Y por supuesto Paul estaba ahí arriba, así que él (Nde: su publicista, se entiende) logró que sucediera. Tras un intercambio de e-mails, Paul vino a mi apartamento y en una tarde estuvo escrita. Yo ya tenía toda la música y parte de la letra, pero Paul añadió algunas líneas maravillosas como «a wedding dress promise yellowed with age» («la promesa de un vestido de novia amarilleada con el tiempo»).
Mi canción favorita del disco, quizá algo obviamente, es ‘Someone’s Gonna Break Your Heart’, y creo firmemente que debería ser un hit si el mundo fuera un sitio justo. He leído que el homenaje a Chrissie Hynde es del todo intencionado. ¿Por qué ella y así?
Daniel y yo somos enormes fans de Chrissy (sic). Un día estábamos en su estudio pasando el rato y le propuse «¿y si simplemente nos divertimos un rato? ¿Y se escribimos un homenaje a Pretenders para echarnos unas risas?» Y nos salió «Someone’s» Fue la bomba hacerlo y me hizo sentir que era una rockera, al menos durante 2 minutos y 57 segundos.
¿Sabes si ella ha podido escucharla ya? ¿Te ha llegado algún tipo de feedback?
No sé nada. Escuché de su guitarrista hace años que era muy fan de mi primer disco, así que quién sabe. Espero que le guste y sepa que somos nosotros postrándonos al estilo ‘Wayne’s World’ ante ella. «¡No somos dignos!»
«Quería plasmar mi amor por Steely Dan en una canción sobre mi amigo Jody, que murió de diabetes hace un par de años»
No parece es el único homenaje musical del disco. ¿Hay alguno del que te gustaría hablar en particular, que no querrías que pasara inadvertido?
Bueno, otro bastante obvio es el de ‘Jody’, en la que quería plasmar mi amor por Steely Dan en una canción sobre mi amigo Jody, que murió de diabetes hace un par de años. Era importante que sonara a Nueva York. Que sonara a la época en la que él creció y que fuera una tonada celebratoria para él. Estoy muy orgullosa de ella.
Has destacado ‘NY Man’ como single, con un vídeo oficial dirigido nada menos que por Paul Kelly. ¿Por qué es esta canción tan especial para ti? ¿Es una especie de canción de amor a tu ciudad, que un día dejaste para vivir en Londres?
Planeaba que ‘NY Man’ fuera un single desde el principio. Es una canción sobre mi ex, que aún vive en Nueva York. Nueva esposa, nueva vida… ¡al otro lado de la ciudad! El recuerdo es aún potente, como lo es el amor. ¡No recomiendo penar por alguien durante 15 años! Yo aún lo hago, ¡jajaja! Sobre la segunda parte de la pregunta, en realidad Nueva York ha seguido siendo mi hogar desde 1994. He pasado algunos periodos de tiempo en Londres y París, pero siempre vuelvo al West Village.
¿De qué canciones de ‘Been Around’ estás especialmente orgullosa y por qué?
Aparte de ‘Been Around’ y ‘Jody’, diría que ‘Not That Sentimental’ y ‘Come to the Palisades!’ son mis favoritas. «Not That» representa muy bien donde está mi cabeza en esta edad, siendo una mujer madura, lidiando con la vida y el mundo… Y «Palisades» es una historia de amor adolescente. Sobre ir a la costa de Jersey, a mi barrio, la playa, los recuerdos y como lidiar con ellos. Sobre cómo encontrar un «lugar» del pasado sin que te ahogue, incluso cuando parece que quieras que ocurra.
«La persona con la que estaba no estaba permitiéndome ser yo misma, y me sentía enjaulada. ¡Y no quería cantar!»
A mí también me encanta ‘Been Around’ y, como decías, me parece una manera inmejorable de comenzar el disco. Líricamente suena como una explicación a cualquiera que se preguntara qué habías estado haciendo estos años. Me parece muy potente el verso que dice «Enjaula a un pajarillo que canta / Y nunca, nunca más lograrás que ese pájaro vuelva a cantar». ¿Es una forma de explicar, de alguna manera, por qué tu carrera musical se paralizó?
Gracias. Bien, esa línea en realidad era una referencia a la relación en la que estaba entonces, en la que la persona con la que estaba no estaba permitiéndome ser yo misma, y me sentía enjaulada. ¡Y no quería cantar! Así que volví a Nueva York. ¡Problema resuelto! ¡Jajaja!
También cantas en esa canción «Si los perdedores nunca desisten, entonces estoy sobradamente equipada para seguir intentándolo». Es precioso. ¿Resume un poco cómo te sientes en estos momentos hacia la composición y la música?
Creo que una artista como yo debe dejar a un lado la desconfianza. De otro modo, simplemente no avanzaría. Soy consciente de que no saldré en (el programa) de Jimmy Kimmel o en la portada de Rolling Stone (¿pero quién querría, de todos modos?) escribiendo el tipo de temas que escribo. Y la forma en la que ha cambiado la música, cómo nadie quiera pagar ya por la música ¡pero no tiene problema en apoquinar seis pavos por un Frappucino de Starbucks! Puede ser desolador y hacerte sentir como un bufón de la corte, pero es lo que hago. «Los hermosos vencidos», como decía Cohen, ¿no? Ah, pero los perdedores aún tenemos que dar de comer al gato… ¡Jajaja! #Porfavorcomprad #NadadeSpotify
Hay algo melodramático en el hecho de que esta pandemia llegue justo cuando has decidido publicar un nuevo disco, 15 años después de tu debut. A veces el destino puede ser un cabronazo, debo decir… ¿Cómo te lo tomas?
Oh, ¡tiene todo el sentido! Cuando publiqué mi primer EP en 2001, el 11S acababa de ocurrir dos semanas antes y me diagnosticaron un trastorno de tiroides… Cuando publiqué mi primer disco en 2004, mi padre murió de cáncer de pulmón y, en mitad de la grabación, me diagnosticaron una «probable» esclerosis múltiple (ahora estoy bien)… Ahora, para el segundo disco, ¡una pandemia universal! ¿Qué me queda para el tercer disco? Tengo miedo de preguntarlo… ¡Jajaja!
«Fui camarera, trabajé en un zoo limpiando jaulas de animales, paseando perros, cosas para tirar para adelante»
Pese a todo, no se puede decir que ‘A Girl Called Eddy’ fuera un disco minusvalorado: tuvo muy buenas críticas y unas ventas bastante decentes, y además llegaste a ser telonera de The Cure, Rufus Wainwright, The Beautiful South… ¿Qué fue mal después? ¿Dirías que es una cuestión de mala suerte? ¿Una maldición?
En 2006 empecé a grabar maquetas para mi segundo disco. Pero, como te contaba antes, todo tipo de mierda empezó a suceder en mi vida, y tuve que parar para encargarme de ello. Además, necesitaba mantener un techo sobre mi cabeza, así que fui camarera, trabajé en un zoo limpiando jaulas de animales, paseando perros, cosas para tirar para adelante. Y no lo veo para nada como una maldición. Sino que también sentí que realmente quería tener algo que contar, no simplemente sacar cualquier cosa antigua. Eso requiere vivir, y eso es lo que hice.
Hace unos diez años surgió el rumor de un nuevo disco que se titularía ‘You Get The Legs You’re Given’. ¿Ese disco llegó a existir realmente?
Ese fue un título que lancé por ahí, solo para que me dejaran de preguntar «¿qué? ¿cuándo? ¿dónde?» Jugué con la idea de llamarlo así por un momento porque me hacía gracia, pero ‘Been Around’ suena mucho mejor.
De todas maneras, aunque pareciera que habías desaparecido del mundo como por arte de magia estos años, en realidad has participado en grabaciones de artistas como Ron Sexsmith, Super Furry Animals o Phillip Katerine. ¿Qué debía tener una propuesta musical para que dijeras que sí? Lo de Ron fue a raíz de un intercambio en Facebook, que nos llevó a conocernos y grabar juntos. Lo de Katerine fue hace muchísimo, y en realidad fue la primera grabación vocal de mi vida. Me pidieron pasar y probar, porque Carla Bruni (que por entonces era solo modelo) estaba demasiado nerviosa para hacerlo. ‘Parlez Vous Anglais?’ fue un pequeño hit indie para él, creo. Fue muy divertido.
Y en realidad tu auténtico regreso tuvo lugar hace un par de años en el proyecto The Last Detail, con Mehdi Zannad. ¿Cómo sucedió y que supuso en tu carrera?
Mehdi Zannad (Nde: conocido por su proyecto Fugu) y yo éramos fans el uno del otro y queríamos hacer algo juntos, la verdad es que es tan simple como eso. Tras muchas idas y venidas durante un tiempo, finalmente conseguimos publicar un disco en Elefant Records en 2018. Es muy divertido trabajar con él y creo que logramos sacar algo especial el uno del otro. Confío en que un nuevo disco pueda salir el próximo año, si tenemos tiempo de trabajar juntos en esta locura de confinamiento.
Imagino que ese disco sería como llegaste a conocer a los chicos de Elefant Records, el sello madrileño, ¿verdad? ¿Por qué escogiste publicar con ellos ‘Been Around’?
Sí, Luis fue maravilloso en lo referente al disco de The Last Detail, así que supe que serían perfectos para sacar mi nuevo disco. Luis es un amante de la música y un hombre encantador, y Elefant un espacio fantástico para hacer música. Permiten a los artistas ser tal y como son. ¡Y él tiene la paciencie de un santo! Creo que debo haberle vuelto un poco loco, ¡jajaja! ¡Prometo ser más fácil en el próximo disco, Luis!
«Nadie querría escuchar estas canciones conmigo y un ukelele»
Una vez pase toda esta terrible crisis, ¿planeas organizar un tour o como poco algunos conciertos para presentar en vivo este disco?
Me encantaría. ¡Hola, promotores de España! Llamadme, queridos.
Llegado el caso, ¿has pensado ya cómo lo harías? Si no me equivoco, una de tus principales preocupaciones con tu primer disco era cómo podrías trasladar al directo todos esos arreglos tan complejos.
Es una cuestión de «hazlo a lo grande o vete a casa» para este disco en directo. 10 músicos. 3 vientos, 3 coristas y el resto del grupo. Nadie querría escuchar estas canciones conmigo y un ukelele.
¿Qué piensas ahora de tu primer disco? ¿Te gusta cómo quedó o hay algo que cambiarías?
No cambiaría nada, excepto quizá aceleraría el tempo de una o dos canciones.
¿Has considerado reeditarlo?
Debería reeditarlo, sí. Con una edición muy especial con otras cosas encantadoras incluidas.
«La industria musical está subestimando enormemente el valor e importancia de los artistas (y fans) de más de cuarenta que hay por ahí»
Considerando el tipo de música que tiene éxito hoy en día y el rápido consumo que eso implica, ¿sientes que aún hay sitio para una música tan delicada y emocional como la tuya en estos tiempos?
Sí, creo que hay sitio. Creo que la gente anhela algo que la conmueva de manera auténtica. Por supuesto, eso es diferente para cada cual, pero creo que la mayor parte de la industria musical está subestimando enormemente el valor e importancia de los artistas (y fans) de más de cuarenta que hay por ahí. ¡Los maduros! Esos que tienen el dinero y el conocimiento para comprar y apreciar la música hecha por y para tipos como ellos. Y no me refiero exactamente a los fans de Josh Groban o Norah Jones, aunque la verdad es que creo que a sus seguidores también les iría mi música. Pero hay un problema: si no saben que estás ahí, no pueden descubrirte. Ahí es donde ser bueno en las redes sociales, invertir toneladas de pasta en relaciones públicas, llegar a estar en las playlists adecuadas… es muy diferente a cuando mi primer disco salió. Y es mucho que manejar. Al final, sólo espero que la gente corra la voz, quizá comprando los discos en lugar de escucharlos en streaming. Todo esto puede ayudar a artistas como yo a seguir haciendo lo que hacemos. ¡La cosa no está nada fácil!
Como parte de esa larga lista de artistas que se están prestando a realizar actuaciones en directo desde sus casas para tener a la gente confinada medio entretenida, Thom Yorke ha aparecido en el programa de Jimmy Fallon. No ha tocado una canción de Radiohead ni una propia, sino que se ha decidido a estrenar una canción a piano llamada ‘Plasticine Figures’.
Se trata de una canción que Yorke tenía inacabada pero que ha decidido terminar para la actuación del programa, y como para probarlo Thom ha compartido en Twitter la hoja con la letra, los acordes y unos tachones con las cosas que ha decidido cambiar en el último minuto. La canción habla de «figuras de plastilina maleable», indicando que «las bocas de plastilina favorecen la persistencia / todos nos inclinamos», en lo que parece una reflexión sobre libertades.
Lógicamente no hay planes para editar esta ‘Plasticine Figures’, algo que podría pasar dentro de unas semanas, dentro de unos meses, dentro de unos años o nunca. Conocido es el largo historial de algunas de las canciones de Thom Yorke hasta que ven la luz. Por poner un par de ejemplos, el tema ‘Not the News’ de su disco en solitario ‘Anima’ (2019) había sido estrenado en directo en 2015. El tema ‘Nude’ de Radiohead (2007) procede en realidad de las sesiones de grabación de ‘OK Computer’ (1997). ¿Cuál será el destino de ‘Plasticine Figures’?
El año pasado Megan Thee Stallion triunfaba con un tema llamado ‘Hot Girl Summer’ para el que fichaba a Nicki Minaj y Ty Dolla Sign, y este 2020 lo hace con una mixtape llamada ‘Suga’. De esta se han presentado singles como ‘B.I.T.C.H.’ y ‘Captain Hook’, aunque ha sido ‘Savage’ el que se ha llevado el gato al agua, pues lo encontramos ya en el puesto 14 del Billboard Hot 100.
Para darle un empujón -y menudo empujón- se presenta hoy un remix en el que participa Beyoncé. Además, es por una buena causa. Quiero decir, aparte de la de dar a Megan Thee Stallion su primer top 10 en singles en Estados Unidos, pues ‘Hot Girl Summer’ se quedó en el puesto 11. Los beneficios de la canción se destinarán a The Bread of Life, una organización benéfica que da de comer a gente sin hogar en una iglesia de Houston, Texas, desde 1992. La nota de prensa remitida a los medios de todo el mundo por su equipo informa de que esta organización fue fundamental tras el huracán Katrina y también lo está siendo durante la crisis del coronavirus.
La canción era el esbozo de un par de notas de reminiscencias funk, ideadas para mover el cucu con Megan cantando por encima: carne de TikTok. Beyoncé se ha implicado a fondo en este nuevo remix dándole un poco más de forma de canción tradicional: aparece ya en la intro, en su estrofa -en la que de hecho referencia el éxito en TikTok de la canción, donde ya hay millones de vídeos de gente bailando su estribillo- y haciendo coros.
Las necesidades de las playlists de hoy están provocando que la duración de muchas canciones nuevas se haya reducido considerablemente. Por ejemplo, ‘Blanco‘ de J Balvin dura apenas 2 minutos y medio. ‘Evapora’, un single de Major Lazer con Ciara e IZA del que apenas se ha oído hablar, dura exactamente 2 minutos y 7 segundos.
Más te vale tener algo que contar si vas a usar tan poco tiempo para hacerlo, y Kelly Rowland ha aplicado esta máxima en su nuevo single, ‘COFFEE’. Aunque no tiene pinta que vaya a conquistar a la misma audiencia multimillonaria que sigue escuchando ‘Motivation’ a día de hoy, ni mucho menos a ese público generalista que quemó ‘When Love Takes Over’ y después ‘Commander’ hace unos años, ‘COFFEE’ es un estupendo tema de R&B que se crece dentro de su buscada sutileza y minimalismo. Es un tema adictivo como ese «café» aludido en el título, que seduce sin prisas y a fuego lento a pesar de durar la mitad de lo que duraban ‘Stole’ y ‘Dilemma’.
A la autora de ‘Talk a Good Game‘ le basta eso, un par de minutos, una base de trap caribeño y el sonido de unos plácidos teclados para construir uno de sus singles más elegantes y coquetos a pesar de este aludir explícitamente al «sexo mañanero» en su primera frase. Porque sí, esto va ni más ni menos que de echar un polvo «antes de ir a trabajar», pero la música es tan refrescante como un baño en el mar después de un rato tomando el sol. Por esos tiros va también el videoclip, en el que por supuesto Kelly se luce.
Lali, una cantante y actriz argentina con 7 millones de followers en Instagram, ha sido noticia en las últimas horas por un comentario de Amaia Montero durante un «live». En él narraba cómo un día estaba supuestamente «Amaia Montero con unos tragos», se cruzó con «La China», chocaron y tuvieron una pelea «que las tuvieron que terminar separando». Montero ha hablado en el pasado sobre sus problemas en el alcohol, afirmando que había dejado la bebida en 2011. Su errática actuación en Cantabria de 2018 la asoció al uso de ansiolíticos.
La China no es La China Patino sino Eugenia Suárez, compañera de Lali en la serie ‘Casi ángeles’, una telenovela adolescente argentina de la que se emitieron 579 capítulos entre 2007 y 2010. Las palabras de Lali en el vídeo fueron estas: «Estaba Amaia Montero con unos tragos… Bueno, no pasa nada. Pero se cruzó con La China en un pasillo, en un momento que La China no soportaba mucho… tenía un carácter poco controlado en esa época. Entonces se la cruzó a Amaia, que estaba en la suya, y chocaron el hombro, algo que a La China no le gustó nada. Se armó una que las tuvieron que terminar separando. Fue un quilombo. ¡Qué anécdota horrible!». Lali ha pedido disculpas pero la explicación no ha convencido a Amaia Montero.
Lali ha escrito en Twitter: «Quiero pedir disculpas por la manera en la que me referí a la artista @AmaiaMontero en el Live en mi cuenta de IG, donde celebrábamos la repetición de ‘Casi ángeles’. JAMAS fue mi intención faltar el respeto ni ofender a Amaia ni a su gente. Fue inapropiado. Pido disculpas. Un abrazo». Sin embargo, Montero, que ya había utilizado Twitter para defenderse de Malú, le indica que ha intentado por otros medios resolver el «beef», pero que ha faltado a la verdad: «Hola, Lali. No nos conocemos en persona y lamento mucho que no hayas dicho en justicia lo que corresponde: que todo lo que tú contaste en tu directo de IG respecto a mí es absolutamente mentira. Sabes que he querido de buena fe, a través de nuestra compañía y de nuestros respectivos managers, hacer las cosas de la mejor manera posible. Ha sido toda una sorpresa tu respuesta puesto que eludes lo fundamental, LA VERDAD. Es toda una decepción. Espero que este mensaje te llegue y te haga recapacitar. Nos vemos @lalioficial». También circulan unos supuestos tuits de la hermana de Amaia Montero en los que, de peores formas, pide una rectificación porque ella estuvo allí. La cuenta de Idoia en Twitter es privada.
Hola @lalioficial no nos conocemos en persona y lamento mucho que no hayas dicho en justicia lo que corresponde: que todo lo que tú contaste en tu directo de IG respecto a mí es absolutamente mentira. Sabes que he querido de buena fe, a través de nuestra compañía
y de nuestros respectivos managers, hacer las cosas de la mejor manera posible. Ha sido toda una sorpresa tu respuesta puesto que eludes lo fundamental, LA VERDAD. Es toda una decepción. Espero que este mensaje te llegue y te haga recapacitar. Nos vemos @lalioficial
Es el momento de Idoia Montero, hermana de la reina de pop, de dar su opinión. Idoia siempre ha sido una señorita elegante, tal y como se puede ver en frases como “como compañera de profesión eres una auténtica mierda!!!” pic.twitter.com/GSi5ZsYOWi
La lista de discos pospuestos por la crisis del coronavirus es larga, pero el paso dado por HAIM puede ser significativo y crear tendencia. El grupo había presentado varios temas sueltos que irán incluidos en su nuevo álbum llamado ‘Women in Music, Pt. III’, como ha sido el caso de ‘Summer Girl‘, ‘Now I’m In It‘, ‘Hallelujah‘ y ‘The Steps‘. Sin embargo, debido a la pandemia, habían llegado a retrasar su álbum de su edición original el 24 de abril (viernes pasado) hasta el 20 de agosto.
Ahora el grupo dice que adelanta el álbum hasta el 26 de junio. Indican: «Ahora que empezamos a asentarnos en la nueva normalidad, parece una fecha más apropiada para el lanzamiento de este trabajo». Con varios países anunciando sus medidas de desescalada de confinamiento, quizá otros artistas empiecen a fechar sus lanzamientos, pues aunque la celebración de conciertos masivos parece lejana (y se habla de posibles rebrotes de la pandemia), en el calendario de varios países ya figura la apertura de los grandes comercios.
A su vez, HAIM han publicado una nueva canción llamada ‘I Know Alone’, con vídeo dirigido en la distancia por Jake Schreier. En él, las tres hermanas realizan una coreografía en una pista de baloncesto, guardando varios metros de separación. ¿Se animarán, tras ellas, Bunbury, Lady Gaga y compañía, a fechar sus álbumes?
C. Tangana acumula varios discos de oro y platino por sus singles en España, de ‘Mala mujer’ a ‘Booty’ con Becky G pasando por ‘Bien duro’, ‘Llorando en la limo’, últimamente ‘No te debí besar’ con Paloma Mami o en plan sleeper ‘Antes de morirme’ con Rosalía. Pero nunca ha alcanzado realmente el número 1 de la lista oficial de singles en nuestro país salvo como co-autor de algún tema de Rosalía, como ‘Di mi nombre’, quedando en varias ocasiones en varios lugares del top 5.
Este viernes publicaba un tema bastante atípico llamado ‘Nunca estoy’ con el que se desconocía qué podía pasar. Está producido por Nineteen85, sí, pero también contiene guiños a Alejandro Sanz, a Rosario y un audio de WhatsApp. Digamos que no es su canción más obvia. Y lo que está pasando es que está funcionando a modo de «sleeper»: el tema ha pululado por el top 5 de Spotify España desde su salida, subiendo al puesto número 1 en la jornada del lunes, manteniéndose en ese lugar este martes. Aún es pronto para averiguar si será capaz de destronar a ‘Safaera’ de Bad Bunny, actual número 1 oficial, o si se llevará el gato al agua ‘Dime bbsita’ de Robledo y Alex Martini, también al alza estos días.
Las radios no están siendo fundamentales en la promoción de ‘Nunca estoy’, pero sí su funcionamiento en Youtube y su inclusión en playlists clave de Spotify. Tras ser promocionada en listas con tantos suscriptores como Novedades Viernes España o New Music Friday Latin, esta semana se ha añadido a la mayor de todas, “Éxitos España”, en primer lugar, frente a 2 millones de suscriptores.
C. Tangana sí ha sido número 1 oficialmente en España tanto con ‘Ídolo’ como con ‘Avida Dollars’, en ambos casos en la tabla de «streaming». Veremos si con esta balada se quita la espinita en «canciones».
Amaia ha anunciado ‘Una vuelta al sol’, una nueva película documental que narrará los inicios de su carrera post-Operación Triunfo, esto es, la grabación de su primer disco, ‘Pero no pasa nada‘, lanzado en septiembre de 2019; la gira de presentación del mismo y también el primer año de independencia de la cantante pamplonesa, quien tras su paso por OT se traslada a Barcelona. El documental, del que ya puede verse el tráiler, ha sido dirigido por Marc Pujolar y se estrena este viernes 1 de mayo en Amazon Prime.
En el documental veremos a Raül Fernández Refree, quien pasa de parecer el productor principal de un disco aún en gestación a simplemente ser el productor de ‘Un nuevo lugar’, el brevísimo single de debut de la artista; y también a Santiago de Él Mató a Un Policía Motorizado, a la postre productor del mencionado largo pues Amaia es seguidora de la banda autora de ‘La Síntesis O’Konor‘. Por tanto, era de esperar que el documental muestre los viajes que Amaia realiza a lugares como Buenos Aires, Chile o Nueva York durante la composición de este trabajo, y también sus colaboraciones con gente como Núria Graham (en el tema ‘Porque apareciste‘) o Los Hermanos Cubero, a los que Amaia acompaña en un concierto días previos al lanzamiento de su disco.
¿Las incógnitas? Si tendrán cabida en la película, en primer lugar, la amistad de Amaia con Rosalía, con quien la primera es fotografiada un día de paseo por Barcelona; y en segundo, sus críticas palabras con la industria de la música expresadas en un coloquio en Pamplona poco después del lanzamiento de su disco, y dirigidas a la desigualdad que la artista percibe en su paso por las grandes discográficas y los estudios de grabación.
María Escarmiento está que lo tira y, después de empezar el mes con el estreno de una canción nueva, ‘Castigo‘, la primera en muchos meses, la ex concursante de Operación Triunfo 2018 lo termina con otro, que estilísticamente sigue la línea de todos sus temas publicados hasta la fecha.
Más parecida a ‘Castigo’ que a ‘Amargo amor‘, y sin le pegada comercial buscada en ‘Muérdeme’, aquella canción que estuvo a punto de representar a España en Eurovisión el año pasado, ‘Otra noche’ sigue forjando el sonido de María Escarmiento en base a dos pilares: el reggaetón clásico y el uso de una electrónica oscura de tintes «witch house» e industriales. La base es de Astroboy y la canción cuenta con la participación de El Mini, conocido por temas como ‘Un porno’, ‘Mi awela’ o por su EP conjunto con Kaydy Cain, ‘Bad Boyz 2’.
La canción tiene un punto magnético dentro de su sonido sereno y relajado pero siniestro, mientras la letra narra un episodio clásico de adulterio: «dame una noche más, una noche no fue suficiente, no puedo sacarte de mi mente», canta María Escarmiento inmediatamente antes de desvelar: «tengo marido pero no ejerce». Sin duda la frase estrella de una composición que incluye una referencia muy pertinente a Satanás y que también habla de «partir la cama» o d «perder la cordura».
Vuelve nuestra sección 10 fotos que no debiste perderte, dedicada a mostrar fotos y vídeos de nuestros artistas favoritos en las redes sociales que te gustará ver (o recordar, si ya las has visto). Dado que el confinamiento por la pandemia retiene en sus casas a prácticamente todo el mundo, la sección está capitalizada por los efectos y reacciones del coronavirus en las estrellas del pop.
La cara de confinada de Taylor Swift
Tras la cancelación de todas sus fechas en directo de este año –incluido el festival madrileño Mad Cool 2020–, Taylor Swift permanece fuera de foco en su confinamiento. Apenas se ha manifestado para prestar su apoyo a la iniciativa One World Together at Home y condenar la publicación de un disco en directo por parte de su antigua compañía discográfica, poco más. Y es que, como en muchos hogares, «no hay nada sucediendo por aquí». Con esa frase expresaba Swift su estado en estos días, aunque nada lo plasma mejor que su cara con ausencia de gesto y «producción».
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Lana Del Rey, obsesión por las naranjas
Otra compañera de Taylor que permanece relativamente aislada –la habíamos visto dando algún que otro paseo en coche– es Lana Del Rey. Tras cancelar también su gira europea, está aprovechando para escribir algún que otro poema y, de manera algo extraña, aficionarse a las naranjas. Así lo muestra este selfie con máscara estampada, unas flores y una bolsa de cítricos en ristre. Es, en realidad, un guiño a la portada del disco de spoken-word que (esperamos) publicará próximamente, ‘Violet Bent Backwards Over the Grass’. Por si hubiera dudas de esta nueva obsesión, la acompaña de otra imagen: la de una pick-up rebosante de esta fruta.
CEVID 19 (FKA Cecilio G.) contra la «Ley Mascarilla»
La dichosa pandemia nos está dejando un poco pallá marcando enormemente a todos. A alguno, como es el caso de Cecilio G., le ha llevado incluso a cambiar su AKA por «CEVID 19» –y no es solo una broma, acaba de lanzar su segunda mixtape bajo ese alias–, aunque en realidad no es que ame especialmente la situación. De hecho, este montaje sobre ‘El baile a orillas del Manzanares’ de Goya muestra que no ve el momento de echarse a las calles, a pesar de la Ley Mordaza… que ya podría pasar a llamarse «Ley Mascarilla».
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La nueva realidad de La Bien Querida
En esta situación, si uno llega a estar tan harto del confinamiento como Ceci o Taylor, siempre puede optar por una solución como la que toma Ana Fernández-Villaverde: la realidad virtual. Si eres de los que, como yo mismo, nunca le habías visto la gracia al invento, pensar que ahora mismo puede ser una forma de evasión, «una nueva realidad», resulta bastante sugerente.
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Rina Sawayama fangirlea con Mel C
La japonbritánica (se dice así) Rina Sawayama es una de las pocas artistas que se ha atrevido a mantener sus planes discográficos, publicando el notable ‘SAWAYAMA‘ hace unos días. Un lanzamiento que ha hecho muy feliz a Rina… aunque no tenemos claro si tan feliz como conocer a Mel C de Spice Girls. A instancias de una revista, ambas se veían por video-conferencia y Rina, la pobre, a duras penas podía contener la emoción de fan.
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El vestido premamá definitivo para Katy Perry
Para una Katy Perry en pleno estado de embarazo el confinamiento ha debido ser una bendición caída del cielo: es difícil pensar en un plan mejor para ella que pasar el día en chándal comiendo pepinillos. Sin embargo, tiene que seguir trabajando como jueza en ‘American Idol’, aunque sea grabando desde casa, y debía ser un embrollo pensar en qué podría ponerse que le resultara cómodo y no afectara a su imagen. Afortunadamente, alguien en el equipo del programa ha tenido la mejor idea posible. No hay más que ver su cara de felicidad.
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Justin Bieber hace viral… a Drake
Hace unos meses Bieber cimentaba la repercusión de su single ‘Yummy‘ (pese a todo, menor de lo esperado) en retos de TikTok, el nuevo maná del pop. Su compatriota y colega Drake pretende lo propio con ‘Toosie Slide‘, y él cuenta para ello con la inestimable colaboración de Justin, que se presta a aparecer haciendo el bailecito de marras en un vídeo del perfil de su hermana Allie y con un traje de Pikachu. Ah, no, que su ropa es así.
Pese a haber lanzado ‘Dolerme‘ y poder estar a punto de liarla mundialmente con singles con Travis Scott y Billie Eilish, a Rosalía se la ve más aburrida que una mona en su confinamiento en casa de su manager en Miami. Pero hace lo que puede para evitarlo. Su penúltima ocurrencia ha sido organizar un karaoke casero en el que cantó aquello que le sugerían sus seguidores. Entre risas y cucamonas, echó la tarde en sus Stories reinterpretando indistintamente a Lola Flores, Dua Lipa, Xtina, Beyoncé… dando gusto a sus fans y titulares a la prensa. ¡Así sí!
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Ms Nina, cumpleaños confitado
Como muchos de nosotros, algunos artistas pasan su cumpleaños en confinamiento. Ms Nina, sin ir más lejos, lo celebraba hace unos días en su casa, luciendo sus mejores galas y poniéndose Nina tita a dulces. También a tartas. Y, mientras, cocinando.
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Tove Lo lo hace rular en confinamiento
Aunque Ms Nina asegura que no fuma (really?), no puede decir lo mismo Tove Lo, que hace unos días publicaba este vídeo al más puro estilo ‘La tribu de los Brady’ en el que va rulando un cigarrito de la risa de plano a plano. El cebollón que debió agarrar entre ensayo y error y cambios de vestuario para el vídeo debió de ser minino. Eso sí, su tobillo ya está curado y parece que libre de corona. ¿Casualidad? No lo creo.
Joe Crepúsculo ha anunciado que su nuevo disco, ‘Supercrepus II’, sale «después del verano». Será presumiblemente la secuela de su segundo álbum, ‘Supercrepus‘, publicado en 2008, hace ya 12 años.
El autor de ‘Mi fábrica de baile’ no ha desvelado más detalles sobre este nuevo trabajo, pero sí ha estrenado su primer adelanto oficial. ‘Discoteca en ruinas’ suena exactamente a eso, a una mezcla entre diversión y decadencia, y en concreto remite al jangle-pop de grupos de los 80 como The Smiths, Aztec Camera o The Housemartins o al de sus contemporáneos The Drums. La canción, en la que Crepus expresa su deseo por escapar de la realidad, destaca por su pizpireto juego de teclados, pero también por incorporar un interludio instrumental entre sus dos secciones (después del estribillo y el post-estribillo), un truco no tan habitual en el pop.
Tversky habían contribuido enormemente a animar nuestras vidas antes de que la covid-19 entrara en ellas y las pusiera patas arriba. El dúo radicado en Barcelona publicaba en febrero su largamente esperado álbum debut homónimo, invitándonos a bailar despreocupadamente con su amalgama de funk, house, jazz, soul y pop con tintes retro, con canciones tan memorables como ‘Addict‘. Y ahora que llevamos semanas confinados en casa… pretenden seguir haciéndolo. Hoy en JENESAISPOP estrenamos el clip oficial de un nuevo tema, creado en confinamiento y centrado precisamente en la situación que vivimos, titulado ‘Quarantine With You’. [Foto: Andrea Naranjo.]
En él, Alan Imar y Xavier Paradis aluden a la situación de las personas que están encerradas en casa en soledad, y para las que la música, entre otras cosas, está resultando ser una auténtica tabla de salvación para mantener el ánimo (y la cordura). Por eso en su letra anuncian que «Tversky están en la casa» y animan a su morador/a a «pillar algo de comida y marihuana» y llamarles, para estar un poco menos solo/a. «Con este videoclip queremos transmitir un mensaje positivo que se pueda tomar con humor pese a las graves circunstancias que estamos viviendo. Es una oportunidad para reflexionar y crear vínculos entre nosotros. Esperamos que les sirva para desconectar un rato y que piensen en todas esas personas queridas con las que les gustaría pasar este confinamiento».
En cuanto al clip, dirigido por Aaron Barreiro para LeCuala Films, emerge ese punto cómico al que alude el grupo haciéndose presentes, como apariciones sobrenaturales, a una joven confinada –la actriz Julia Martínez–. Lo cierto es que tiene también su coña observarlo desde un punto de vista más ácido, en el que los conciertos y performances online se han convertido en una verdadera invasión. Así nos explica Barreiro lo que pretendía: «con LeCuala Films hemos empezado a producir y dirigir videoclips online en esta cuarentena. Rodar desde casa nunca es fácil, pero con Tversky cambia la cosa. Nada más escuchar el tema me vino a la cabeza esta idea para transmitir al oyente y espectador que, con Tversky en casa, la cuarentena sería más amena. Al menos para mí lo es (jeje)».
‘Quarantine With You’ forma parte de una llamativa iniciativa del sello underground neoyorquino Burger Records: el sello pidió a sus bandas que grabaran de forma casera una canción sobre (y en) la cuarentena, y han hecho un total de 7 compilaciones (más un volumen de extras) bajo el título de ‘Quarantunes’, que están disponibles en Bandcamp desde hace unos días. Entre los más de 140 grupos que se han unido a la iniciativa, encontramos por ejemplo a algún otro grupo de nuestro país, como Go Cactus. ‘Quarantunes’ se presenta como «un evento de música DIY («do it yourself») y una cápsula del tiempo sonora de uno de los más extraños y aterradores periodos de la historia moderna». Además, tiene como objetivo reunir dinero para paliar el daño que hace a los grupos no poder actuar en directo. Por eso estas compilaciones no llegarán a plataformas de streaming: cada uno de los volúmenes puede adquirirse en formato digital a un precio base de unos 20$, yendo la recaudación íntegra para los artistas implicados.
Travis Scott y Kid Cudi han formado un dúo llamado The Scotts que ha posicionado su tema de presentación, ‘The Scotts’, en el número 1 global de Spotify de manera instantánea. Parte de la redacción lo evalúa.
Charli XCX no está desperdiciando la oportunidad de hacer un nuevo álbum en cuarentena. Lo va a llamar ‘
La semana que viene, exactamente el viernes 8 de mayo, es el día elegido para el lanzamiento de ‘Stuck With U’. Se trata de un single conjunto que tanto Ariana Grande como Justin Bieber han anunciado en sus redes sociales. Los beneficios del single irán a parar a los niños de familias afectadas por la covid-19 en forma de becas y subvenciones a través de la organización sin ánimo de lucro First Responders Children’s Foundation. 
Ahora que lo peta en todo el mundo una canción sobre el suicidio llamada «lecho de muerte» parece buen momento para recuperar otra canción sobre un suicidio publicada este año, y que además es mucho más bonita y menos malrollera que la mencionada. Se trata de la pista que abre el 
«Había terminado ‘Bachelor No. 2’, y una vez más, el sello estaba en plan «¡estamos en bancarrota!» Así que Interscope de repente se encontró con todos esos artistas, y realmente me dijeron «ya sabes, si quieres marcharte, puedes marcharte». Incluso tuve una reunión con Jimmy Iovine –a la que llegó tarde– y cuando le dije que el disco estaba terminado, dijo «no está acabado hasta que yo diga que está acabado». Y me quedé en plan «me largo de aquí»». Con esa anécdota resumía 
Este 1 de mayo hemos tenido que lamentar la pérdida de Tony Allen, mítico batería de jazz reconocido como uno de los creadores del afrobeat junto con su amigo Fela Kuti. Tenía 79 años y ha fallecido en su casa de París a causa de un ataque al corazón, según 
En el ámbito del pop urbano latinoamericano, pocas artistas surgidas en los últimos tiempos han demostrado un equilibrio de potencial comercial y creativo similar al de Paloma Mami. Esta chilena criada en Nueva York emergía a finales de 2018 con ‘Not Steady’ y ‘No te enamores’, que nos convencían para señalarla como una de las probables 
Hoy primero de mayo, Día Internacional de los Trabajadores, publica su esperado nuevo disco Austra, quien firma en nuestro site el Disco Recomendado ‘
Drake 
Austra es el proyecto de Katie Stelmanis junto a una serie de miembros rotativos: podemos decir que Austra es básicamente Kate Stelmanis. Quizá alguien habría podido esperar que por tanto sus álbumes fueran personales, pero como sucede con otros autores con el foco en primer plano, como Robert Smith en The Cure o Alison en Goldfrapp, su obra puede ser autobiográfica o no: sus discos pueden ser políticos, como fue obviamente el caso de ‘
Arca empieza era con el lanzamiento de ‘Nonbinary’, el primer single de un nuevo disco que sigue sin fecha de lanzamiento, pero del que ya se sabe que se titulará ‘KiCk i’ y que 
Estoy bastante seguro de que hay una parte de los fans de 
Como parte de esa larga lista de artistas que se están prestando a realizar actuaciones en directo desde sus casas para tener a la gente confinada medio entretenida, 
El año pasado Megan Thee Stallion triunfaba con 
Las necesidades de 
Lali, una cantante y actriz argentina con 7 millones de followers en Instagram, ha sido noticia en las últimas horas por un comentario de Amaia Montero durante un «live». En él narraba cómo un día estaba supuestamente «Amaia Montero con unos tragos», se cruzó con «La China», chocaron y tuvieron una pelea «que las tuvieron que terminar separando». Montero ha hablado en el pasado sobre sus problemas en el alcohol, afirmando que había 
La lista de discos pospuestos por la crisis del coronavirus es larga, pero el paso dado por HAIM puede ser significativo y crear tendencia. El grupo había presentado varios temas sueltos que irán incluidos en su nuevo álbum llamado ‘Women in Music, Pt. III’, como ha sido el caso de ‘
C. Tangana acumula varios discos de oro y platino por sus singles en España, de ‘Mala mujer’ a ‘Booty’ con Becky G pasando por ‘Bien duro’, ‘Llorando en la limo’, últimamente ‘No te debí besar’ con Paloma Mami o en plan sleeper ‘Antes de morirme’ con Rosalía. Pero nunca ha alcanzado realmente el número 1 de la lista oficial de singles en nuestro país salvo como co-autor de algún tema de Rosalía, como ‘Di mi nombre’, quedando en varias ocasiones en varios lugares del top 5. 
Amaia ha anunciado ‘Una vuelta al sol’, una nueva película documental que narrará los inicios de su carrera post-Operación Triunfo, esto es, la grabación de su primer disco, ‘
María Escarmiento está que lo tira y, después de empezar el mes con el estreno de una canción nueva, ‘
Joe Crepúsculo ha anunciado que su nuevo disco, ‘Supercrepus II’, sale «después del verano». Será presumiblemente la secuela de su segundo álbum, ‘
