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Actress / Karma & Desire

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En un año difícil, lleno de ansiedad e incertidumbre, Actress ha vuelto con su disco más reconfortante y humano… quizá porque, después de explorar las posibilidades de la inteligencia artificial en el álbum anterior, había ganas de volver a la calidez de la vida orgánica. Y ‘Karma & Desire’ es un trabajo cálido no solo porque incluye las voces de artistas como Sampha o Zsela, sino porque sustituye los ritmos de techno cerebrales de entregas previas por composiciones más ambientales, íntimas y contemplativas.

‘Karma & Desire’ narra una «tragedia romántica ambientada a medio camino entre el cielo y el inframundo» y los temas que explora son «el amor, la muerte, la tecnología y el cuestionarse la propia existencia». No suena demasiado reconfortante, pero la música de ‘Karma & Desire’ lo es aunque sus composiciones por separado busquen evaporarse casi a medida que pasan por nuestros oídos. Los tonos sepia y grises predominan en una entrega que alterna bonitas viñetas de ambient electrónico con melodías de piano que remiten a las composiciones impresionistas de Erik Satie o Claude Debussy, y en las que el concepto de rompepistas tiene apenas cabida en cortes como ‘Loose’ que tampoco abandonan la abstracción.

Grabaciones como ‘Public Life’, que acredita a la pianista italiana Vanessa Benelli Mosell y también al programa de inteligencia artificial de Actress, Young Paint, suenan añejas, como extraídas del siglo XIX, y en cortes parecidos, la electrónica se cuela sutilmente en ‘VVY’ o en ‘Reverend’, que empieza recordando a las cadencias amnésicas de The Caretaker para terminar introduciendo unos beats arrítmicos que evocan la pista de baile a modo de recuerdo distante, como sucede también en ‘Leaves Against the Sky’. En este sentido, la composición más completa de ‘Karma & Desire’ es la que lo cierra, una ‘Walking Flames’ en la que la fragmentada voz de Sampha se difumina entre flautillas, pianos y melodías de fantasía que alumbran algo de luz en medio de la oscuridad, sostenida a su vez por un sereno beat que camina apesadumbrado.

A lo largo de ‘Karma & Desire’ los estados de ánimo varían casi como los de una persona que se encuentra dentro de una relación sentimental. Las más ambientales enamoran por su componente sensual (la húmeda ‘Angels Pharmacy’ con Zsela), por lo celestial (‘Fire and Light’) o por lo letárgico (‘Gliding Squares’ es una pequeña maravilla de artesanía al sintetizador) y la serenidad que manda en el disco es tal que los beats de ‘Save’ parecen emular los latidos del corazón. Entre ecos a la IDM (‘XRAY’) y otros al techno abstracto de gente como Vladislav Delay (‘Diamond X’), Sampha (sí, le echamos de menos) vuelve a destacar en ‘Many Seas, Many Rivers’, donde la transmisión rota de su voz se confunde con el siseo de una cinta y las melodías de piano neoclásicas de rigor, dejando una exquisitez de lo más terrenal en medio del brumoso e hipnótico universo que crea el disco.

Hecho para ser escuchado en el más absoluto de los silencios, cuando sí sería posible apreciar cada uno de sus minúsculos detalles, así como el absoluto mimo con el que Actress ha elaborado cada una de sus pistas, a modo de un verdadero escultor de música electrónica, ‘Karma & Desire’ supone una escucha gratificante a pesar de su carácter efímero. Pero como banda sonora para degustar de fondo durante un paseo nocturno por la urbe (difícil ahora con el toque de queda, pero no durará para siempre), funciona de maravilla para mentalmente llevarnos a otros lugares un poco más bonitos y, sí, reconfortantes.

Calificación: 7,2/10
Lo mejor: ‘Angels Pharmacy’, ‘Reverend’, ‘Leaves Against the Sky’, ‘Public Life’, ‘Walking Flames’
Te gustará si te gusta: Laurel Halo, Vladislav Delay, Burial, Andy Stott
Youtube: corto de ‘Karma & Desire’

Pitingo carga contra el gobierno por su relación con Bildu y se enzarza en Twitter

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Pitingo es este domingo «trending topic» por haber cargado durante esta noche contra el gobierno en Twitter por su relación con Bildu, pues este partido apoyará los presupuestos. En respuesta a un mensaje de Pablo Echenique en el que este indicaba que «EH Bildu ha rechazado en innumerables ocasiones los repugnantes asesinatos de ETA y que VOX ha reivindicado la dictadura de Franco (que asesinó mucho más que ETA) en sede parlamentaria», el cantante contestaba con una burla del «y tú más».

A continuación, ha escrito: «Yo soy hijo y hermano de Guardia Civiles y viví toda la mierda de ETA en el cuartel donde vivimos… No podíamos decir que éramos hijos de Guardia Civil, teníamos que mirar los bajos del coche todos los días, alarmas porque habían colocado una bomba etc. No pienso callarme más». Cuando alguien le ha indicado que ETA no existe desde hace 8 años, ha respondido: «¿Solo 8? ETA sigue ahí. Que se lo digan al presidente que el otro día dio el pésame a uno de esos cerdos 🐷 cobardes». Cuando alguien le ha dejado enlaces con información sobre acuerdos entre Bildu y PP, ha contestado: «¿Entonces me reconoces que este gobierno ha pactado con ETA verdad? Adiós». También cree que este «gobierno no tienen ni idea de lo hablan pero sí de lo que hacen».

Pitingo ha respondido sobre Franco: «Franco se murió y con el la dictadura !! Los ETARRAS siguen vivitos, coleando y celebrado que es lo peor. Ellos no quieren acercarse a España, solo quieren enfrentarla y masacrarla en cuanto puedan y no se les de lo que piden. Tiempo al tiempo, es lo malo de ponerles un caramelo».

Sobre las acusaciones de ser «facha», ha contestado: «No soy facha. Tenéis una fea costumbre de llamar así a todo el que no piensa como ustedes». También ha indicado: «No soy racista, mi homófobo, ni anti nada… Pero si soy anti ETA. Y si ser facha es pensar diferente a ustedes, llamarme como queráis». Finalmente, se ha enzarzado de aquella manera: a algún usuario le ha mandado a «duchar» y a otro le ha llamado «sucio».

Pero no todo han sido críticas, también ha recibido algún apoyo. Entre los mensajes, Pitingo había dicho: «A mí me tienen que matar para callarme». Y José Manuel Soto le ha respondido: «Pues no te lo calles nunca, los artistas tenemos q estar siempre del lado de la verdad, la dignidad y la justicia, nos llamaràn fachas y nos vetarán en muchos sitios, pero hay ciertas cosas ante las q un hombre no se puede callar, fuerte abrazo». Soto ha dejado también un mensaje felicitando a Pitingo por su valentía: «La mayoría de los artistas están callados por miedo a perder contratos, desde aquí mi admiración y mi respeto por los que como Pitingo se salen del pensamiento único obligatorio para decir lo que piensan, ya está bien…»

Muchos usuarios han aprovechado la coyuntura para volver a cargar contra Pitingo por su versión de Nirvana, colgando el hashtag #NiPerdonoNiOlvido. Extrañamente, Pitingo ha catalogado su propia versión como «mierda de canción»: «Eso si que no lo olvido yo!!! Me tire 6 meses de vacaciones gracias a la mierda de Cancion».

‘Los chicos de la Nickel’: Colson Whitehead gana su segundo Pulitzer consecutivo tras ‘El ferrocarril subterráneo’

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‘El ferrocarril subterráneo’ (Literatura Random House, 2017), premio Pulitzer y National Book Award (sexta vez en la historia que un escritor los consigue con la misma novela), hizo de Colson Whitehead una estrella de las letras americanas. El libro se convirtió en un inesperado best seller (gracias también a prescriptores célebres como Obama y Oprah) y sus derechos fueron comprados por Amazon para adaptarla en forma de serie (la está rodando Barry Jenkins, el director de ‘Moonlight’ y ‘El blues de Beale Street’).

Con ‘Los chicos de la Nickel’ (publicada hace dos meses también por Literatura Random House) la historia parece repetirse: otro Pulitzer, otro exitazo de ventas y ¿otra adaptación? No sería raro. Cuenta el escritor neoyorquino que esta novela surgió como reacción ante la elección de Trump como presidente y a la sucesión de casos de abusos de policías contra afroamericanos que fueron alimentando el actual movimiento Black Lives Matter. De hecho, Whitehead no pensaba en escribirla (o no todavía), pero las circunstancias históricas le “obligaron”.

Pero que nadie busque oportunismo aquí. La respuesta de Whitehead a la realidad que llamaba a su puerta es todo menos evidente y populista. Al contrario, es sutil, comprometida y cuidadosamente elaborada. El autor se inspiró en una noticia que salió a la luz en 2014: el descubrimiento de más de 80 cadáveres de niños, la mayoría afroamericanos, enterrados en el jardín del reformatorio Dozier, en Florida. La institución, creada en 1900 y gestionada por el gobierno, cerró sus puertas en 2011 después de que se encontraran las primeras evidencias de casos de malos tratos. Lo que los investigadores descubrieron cuando profundizaron fue un infierno: 111 años de torturas, violaciones y asesinatos en nombre de la disciplina y la reinserción social.

‘Los chicos de la Nickel’ narra un caso muy habitual en la historia de EEUU: la del ciudadano que se encuentra con la policía en el sitio y momento equivocados y con el color de piel “incorrecto”. Ambientada en su mayor parte en la década de los sesenta, en pleno movimiento por los derechos civiles, la novela está protagonizada por dos “chicos de la Nickel”. Uno idealista, que confía en la capacidad del ser humano para cambiar el mundo plantándole cara a las injusticias; y otro pragmático, que cree que es más fácil sobrevivir a base de astucia que creyendo en la existencia de una justicia poética (o divina o kármica o practicada por un Atticus Finch) que terminará por castigar a los malvados.

En esa dialéctica entre la esperanza y el realismo se sustenta esta fabulosa novela, escrita con una prosa tan clara, precisa y elegante como un discurso de Martin Luther King. Una historia de iniciación y denuncia, de lucha y huida, que recrea con maestría el pasado para explicar con lucidez el presente. Y por si eso fuera poco, ‘Los chicos de la Nickel’ tiene uno de los finales más extraordinarios de la literatura reciente. 8,7. Disponible en Amazon o en tu librería de barrio favorita.

Jon Hamm te representa cuando te pones los cascos y te olvidas de todo

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Eels tienen uno de los 100 discos más vendidos esta semana en España gracias a su nueva entrega, ‘Earth to Dora‘. La mejor canción en este caso del grupo de Mark Oliver Everett es ‘Are We Alright Again‘, y esta semana se ha podido estrenar un videoclip a la altura, por lo que es hoy nuestra «Canción del Día«.

La canción plantea la esperanza de que «volvamos a estar bien» sobre un arreglo de cuerda de lo más optimista y, para la representación de esta idea, se ha decidido contar con el actor Jon Hamm, muy conocido por su papel en ‘Mad Men‘, y aficionado a esto de los vídeos semi underground. En el videoclip, Hamm porta una camiseta de los Eels, se pone los cascos, abre el vinilo del disco nuevo, se toma una copa, canturrea un poco leyendo las letras… mientras la catástrofe se desarrolla a sus espaldas sin que él se entere de nada.

Esta simpática metáfora sobre el poder de evasión que tiene la música, y en particular esta canción, está relacionada con la pandemia. De todas las canciones que componen ‘Earth to Dora’, esta es precisamente la única posterior a la covid-19. Mark Everett quiso escribirla para darnos a todos un rayo de luz, que es lo que consigue también este videoclip incluso desde su lado más amargo, como indica el propio artista en la nota de prensa: «Todos podríamos recurrir un poco al confort del año pasado. Quizá esta canción pueda dároslo un poco, como lo consigue este chico en este vídeo».

Como curiosidad, en el vídeo aparece el cuadro que ha inspirado la portada de este álbum. «E» ha contado en una entrevista con The Independent que se trata de un cuadro que compró en una tienda de su vecindario y que ha estado en su cuarto de baño durante los pasados 10 años. «Mientras estaba haciendo estas canciones, un día estaba meando y mirándolo y de repente me asaltó la idea de que iba a ser la portada del disco. El payaso parece haber pasado por tiempos muy difíciles pero se las está arreglando para estar bien. Él sabía que iba a estar bien».

‘Adult Material’: lo que nadie se molestó en preguntar sobre la industria del porno

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“Esta es mi realidad: trabajo en la única industria del mundo en la que las mujeres ganan más que los hombres. Dirijo mi propio negocio y llego a casa por la noches a tiempo de hacerle la cena a mis hijos. Eso es lo que no puede tolerar, ¿verdad? Que una mujer de clase trabajadora que salió de un instituto de mierda con 2 aprobados gane 3 veces más que usted, además haciendo algo que le gusta y que se le da genial, que no esté todo el día escaneando códigos de barras (…) ¿Sabe a qué se dedica el padre de Paul? Fabrica balas. Y le han puesto su nombre a un polideportivo”.

Jolene Dollar es una actriz porno británica cerca de esa cosa comúnmente conocida como «mediana edad». Es la mejor en lo suyo, gana un pastizal y se ha adaptado a los tiempos de las redes sociales. Sin embargo, como vemos en este discurso que aparece en uno de los 4 episodios de ‘Adult Material’, vive sometida a un examen perpetuo, justificándose 24/7 por su trabajo, por la dignidad del mismo, por cómo llegó a él, viéndose obligada a explicar por qué tiene dificultades para establecer cuál es la manera «normal» de relacionarse, o por qué no sabe comportarse, como le dice su marido, cuando «no tiene una audiencia».

‘Adult Material’ es una de esas series diferentes que a menudo estrena en Reino Unido Channel 4 (como ‘Utopia‘ o esa genialidad llamada ‘Derry Girls’) y que en España se puede ver a través de Filmin. Ahonda en el mundo del porno no para ser explícito, que para eso ya tenemos otras vías, sino para mostrarnos otra cara, como la de la actriz porno que tiene que sobrellevar el bullying que hacen a sus hijos en el colegio debido a su profesión. La de una industria sectaria y poderosa que maneja más hilos de lo que parece. La de una generación que está aprendiendo que solo hay consentimiento en una relación sexual cuando se especifica «que sí». La de una sociedad que continúa sin ver con buenos ojos ciertos oficios, a estas alturas, y cuando tal porcentaje de la población mundial tiene porno en casa. Nos llenamos la boca situando la doble moral más hipócrita en otros siglos o en otros bandos políticos y luego esbozamos una sonrisita cuando nos cruzamos en el supermercado con alguien que se dedica a esto.

Hayley Squires, que trabajó con Ken Loach en la premiada ‘Yo, Daniel Blake’, es la actriz protagonista encargada de interpretar a una mujer tan compleja como Jolene, a veces empoderada y con el coraje suficiente para confrontar a la multinacional más temida, pero a veces también conservadora en sus ideales. Carismática hasta a la hora de camuflar una clamidia que contagia a su hija a través de una pestaña postiza, sostiene la serie concienciando al público, dándole que pensar, sin dejar de divertirle y hacer reír. Antológica es esa campanada de «tuit» que publica cuando lo manda todo a tomar por culo: «EL SQUIRT ERA PIS».

Lucy Kirkwood, curtida en teatro y en algún capítulo de ‘Skins’, es la guionista única de esta serie interesante y ágil que, sin postularse como comedia desternillante ni recurrir a la lágrima fácil, ha dirigido Dawn Shadforth. A Shadforth la conoces porque está detrás de una tonelada –en serio– de videoclips que has visto. Varios de Kylie Minogue incluyendo el mismísimo ‘Can’t Get You Out of My Head’, varios de Moloko y Garbage en los 90, ‘Miss Lucifer’ de Primal Scream, otros de Goldfrapp, The Streets, Florence + the Machine, Metronomy, Hurts… Lo que se traduce en que en esta serie escucharás temazos de la última Róisín Murphy, Marianne Faithful, Princess Nokia, Baccara, y aquella versión de Sinéad O’Connor de Nirvana que habías olvidado. Ya hay playlist por supuesto, mientras que la banda sonora original de Hannah Holland podéis escucharla en Bandcamp.

Británica hasta decir basta en el humor, con el que se hace un buen uso de virales -de los buenos y de los malos-, ‘Adult Material’ es poliédrica en su mensaje nada adoctrinante, como se puede apreciar en la evolución del personaje de Amy, o en el desenlace del que interpreta caracterizado Rupert Everett. Un retrato de lo que suponen «años de abuso» en una industria que ha tenido que adaptarse a la era «bio», y de una mujer que, como tantas, tuvo que hacerse pasar por «la persona que el mundo quería que fuera» por el camino. 8.

Kevin Morby / Sundowner

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¿Puede un disco bonito, bien hecho, de recia música country-pop americana, resultar aburrido? Oh, por supuesto. ‘Sundowner’ de Kevin Morby es, me temo, un claro ejemplo. Autocitarse está feo, pero en la crítica de ‘Oh My God’ accidentalmente resumí la de este álbum: “Lo que lastra la redondez del álbum es la acumulación de temas hacia el final que acaban sonando un poco igual, la ausencia de más ganchos o canciones más redondas para cerrar. Un defecto que, a la postre, acaba siendo el mal habitual del que adolecen los discos de Kevin Morby”. Pues lamentablemente, esta vez Kevin ha refinado la fórmula; la de resultar tedioso.

El punto de partida era de los más prometedor, pero. En su web, Kevin relata de dónde procede el disco y su proceso de grabación: su mudanza de Kansas a Los Ángeles, la compra de un cuatro pistas y cómo fue experimentando sobre él, su relación con Katie Crutchfield (Waxahatchee), el confinamiento, su afán de capturar el crepúsculo americano (de ahí el título, ‘Sundowner’) y toda la gama de sentimientos que este provoca… Y, sin embargo, no hay manera de que me aferre al disco. Sí, la premisa será realmente evocadora, pero su plasmación no es ni lo crepuscular, ni lo melancólica, ni lo arrebatada, ni lo sugerente que pretende en su texto. Se queda en el intento.

Como suele suceder, la cosa empieza bien. ‘Valley’ es una canción de Americana quizás bastante trillada, pero también es bonita y efectiva. O el western crepuscular que dibuja en ‘Brother, Sister’, con una guitarra tan escueta como precisa, timbales resonando y Kevin recitando unos “bom-bom-bom” como arrebatado por Bill Callahan. La homónima ‘Sundowner’ es una hermosa y sobria balada acústica que se va abriendo paso sobre unos sutiles pero emotivos arreglos de viento.

Sin embargo, a partir de aquí es como si el disco se colara por una especie de agujero negro. Kevin canta/salmodia como el Lou Reed más dulce, las canciones rezuman clasicismo, lucen una apariencia correcta, lustre melódico y ejecución exquisita, pero resultan demasiado monótonas. Será que la cadencia y el tempo de todos los temas son siempre igual, excesivamente sosegados; que la voz de Kevin suena sedada, uniforme; que hay una ausencia casi total de sobresaltos; que su sonoridad está demasiado manida… La cuestión es que, a partir de ‘Campfire’, cuesta prestar atención, no se retiene ningún tema. Carecen de la personalidad que tenían las piezas descollantes de ‘Oh My God’ o ‘City Music’.

‘Sundowner’ se despereza un poco a partir de ‘Jamie’, pero interesa más por su letra, una oda a amigos desaparecidos prematuramente, que por la canción en sí. Y el piano de ‘Velvet Highway’ parece ofrecer algo diferente, una melodía cosquilleante y un poco de épica tras tanta modorra. Pero es solo una breve pieza instrumental y se queda ahí, en la promesa. En ‘Sundowner’ nos quedamos sin piezas rotundas, no hay una ‘Oh My God’ o una ‘I Have Been To The Mountain’ que eleve los espíritus, no hay coros góspel, ni drama, ni crescendos, ni glam… Sólo un cantautor un tanto monótono; es todo tan contenido, que echamos de menos al Kevin desatado. Ha forzado demasiado la jugada.

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘Valley’, ‘Brother, Sister’, ‘Sundowner’
Te gustará si te gusta: Bill Callahan, Bob Dylan.

‘Shame Shame’: ¿de lo peor o de lo mejor que han hecho Foo Fighters?

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Una opinión en contra y otra a favor de lo nuevo de Foo Fighters. Os dejamos también con su elegante y reciente videoclip y con su paso por Saturday Night Live.

«Los punteos iniciales de ‘Shame Shame’ prometen, pero se quedan en pólvora mojada; todo el rato parece que la canción vaya a romper en una explosión que nunca llega, el estribillo y los oh-oh-oh no tienen la rotundidad esperable, la voz de Grohl suena bajísima y, cada vez que entona “shameee”, parece que se vaya a lanzar a tocar una de Pixies o el ‘Shame’ de PJ Harvey (desafortunadamente, ni la una, ni la otra). Y, encima, da la sensación de que Foo Fighters han cogido un tema de dos minutos y lo han doblado para llegar a cuatro. ‘Shame Shame’ es una buena canción… de relleno. Pero como single adelanto, poco gancho tiene y pocas expectativas genera». Mireia Pería.

«El adelanto del décimo álbum de Foo Fighters, ‘Medicine At Midnight’, no parece haber contentado mucho a sus fans. ¿Es eso malo? Los que no somos demasiado seguidores de los de Dave Grohl más o menos desde que se acabó Nirvana al fin encontramos un tema en su discografía que no confundir con otros 50, cercano a los parámetros estéticos del gran Dave Sitek, más bien. Entre el ritmo entrecortado, esos golpes de guitarra y percusión, brevísimos arreglos de cuerda casi tipo pizzicato y cierto parentesco lejano con el rap, ‘Shame Shame’ podría haber sido un hit de TV On the Radio. Y todo ello sin necesidad de recurrir a Timbaland como sí hicieran en su momento Beck o Chris Cornell… sino a ¡Greg Kurstin! Nada de lo que “avergonzarse”, realmente”. Sebas E. Alonso.


¿Es ‘I Love It’ la mejor canción de ‘DISCO’?

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Hay un calor en las cuerdas de la música disco de finales de los 70, presente en muy pocos géneros más. Se aprecia en ‘I Will Survive’ (1978) y de manera más elegante aún en ‘C’est Chic’ de Chic (1978), donde encontrábamos maravillas como ‘I Want Your Love’, cuya segunda mitad era para coger palomitas, gozar, dejarse llevar. Madonna y Mirwais recurrieron el año pasado a tan envolventes cascadas en algunos puntos de ‘God Control‘ pero lo hacían con un mensaje político y polémico que dejaba en segundo lugar tan ostentosos momentos en el estudio.

Kylie Minogue no se ha complicado la vida con tales fruslerías como la posesión de armas, y ha dado al público lo que pedía: un mensaje hedonista sobre el primer beso, sobre un amor que «le encanta» compartir, y para él ha contado simplemente con los sintetizadores de Duck Blackwell. Le basta y le sobra en esta gran canción que es una de las más adictivas de ‘DISCO‘: primero parece una medianía, y después se pega como una lapa. Es exactamente lo que esperábamos cuando Kylie empezó a contarnos que preparaba un «disco maduro de música disco».

Aunque prefiriera presentar el álbum con algo diferente como ‘Say Something‘ (como ya hiciera con la glam ‘2 Hearts’ en ‘X’), y la canción más carismática de esta era esté llamada a ser ‘Magic’, porque ya es aquella con la que cierra sus conciertos, ‘I Love It’ puede ser el nuevo ‘The One’, una favorita para parte de su público por mucho que no sea la canción más conocida.

La cantante ha hablado así sobre su creación en Apple Music, donde podéis encontrar un «canción por canción» muy interesante: «es una de las canciones en las que trabajé con Biff Stannard, un día o dos antes del confinamiento. Tenía un estribillo ligeramente diferente, que no funcionaba. No queríamos tirar la toalla, así que hice algunos cambios en casa y añadí la frase «So come on, let the music play, we’re gonna take it all the way», inspirándome en Lionel Richie. Esa pequeña reestructura la llevó a donde tenía que ir y encontró su lugar en el álbum».

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‘Therefore I Am’ de Billie Eilish: ¿mejora la fórmula o es repetitiva hasta la autoparodia?

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Una opinión a favor y otra en contra del nuevo single de Billie Eilish.

«El nuevo single de Billie Eilish es como ‘all the good girls go to hell‘ pero mejor. La melodía tiene el regusto clásico habitual en las composiciones de la cantante, es por tanto un poco cabaret y jazzy, y la base es próxima al hip-hop clásico, pero FINNEAS se supera enrareciendo la producción más de lo habitual para sumergir la voz de Billie en un barrido de distorsiones digitales que parecen hechas para hacerte vomitar (en el buen sentido). De nuevo, la moda del ASMR parece una influencia en la producción de las voces, que suenan multiplicadas y a la vez ultra-presentes, como si te susurraran directamente en el oído, y los bajos viscerales y diversos sonidos electrónicos industriales inundan una producción tan robusta como adictiva. La letra, en la que Billie hace referencia a los miles de «artículos, artículos, artículos» que se escriben sobre ella para humillar a un contrincante cuyo nombre dice olvidar a propósito, es altiva sin dejar de lado el humor, muy presente también en su videoclip». Jordi Bardají

«De todas las artes para lograr el éxito de una canción pop, el arte de la repetición es el menos misterioso de todos. ‘Therefore I Am’ empieza con un estribillo que aparece unas 8 veces en menos de 3 minutos, un texto que además recuerda un poco a la temática de ‘bad guy’, solo que con un «plot twist» cartesiano. Monótona y aburrida en su piloto automático, la canción termina de decidirse por la autoparodia en su videoclip. ‘everything I wanted‘ y ‘my future‘ habían sido excitantes pistas sobre el segundo largo de Billie Eilish. ‘Therefore I Am’ es un paso atrás». Sebas E. Alonso.

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Kylie Minogue deja a Little Mix sin top 1 en Reino Unido, tras una lucha a brazo partido

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La batalla más interesante por las listas británicas de todo 2020 ha tenido lugar esta semana. Peleaban por el número 1 Kylie Minogue con su nuevo disco, ‘DISCO’, y Little Mix con su nuevo disco, ‘Confetti’, ambos notables y precedidos de álbumes de éxito en las islas. Para la historia quedan las 52 páginas de los foros de Buzzjack sobre la pelea por el número 1 de esta semana (lo normal es que haya unas 6 páginas, se ha multiplicado ese número casi por 10), con largos debates sobre los fans más tóxicos, de las unas y de la otra. Un usuario se queja de la toxicidad de los seguidores de Little Mix; otro puntualiza que un fan de Kylie también ha dicho que quería ver «muertas» a Little Mix.

Kylie Minogue lideró cómodamente las «midweeks» el lunes, tras las ventas del fin de semana, pero no con la suficiente diferencia como para cantar victoria. Little Mix son mucho más fuertes en streaming, por lo que se esperaba que ‘Confetti’ fuera el verdadero ganador al final de la semana, máxime cuando fueron protagonistas el domingo de la gala MTV Europe. No ha sido así. BMG UK está volcado con Minogue hasta las trancas y al igual que lograron convertir un álbum tan justito como ‘Golden’ en un éxito en las islas, esta vez, que tenían un disco mejor entre manos, han ido a por todas.

A lo largo de la semana, Kylie ha continuado promocionando el disco, vendiendo más álbumes firmados a través de su web, y ofreciendo una versión exclusiva digital con un remix de Basement Jaxx. Al final, los números son estratosféricos y ‘DISCO’ debuta en el número 1 con casi 55.000 copias vendidas. Es el álbum más vendido durante una semana de todo el año en Reino Unido dejando atrás a ‘Chromatica’ de Lady Gaga y al exitoso ‘Letter to You’ de Bruce Springsteen.

Kylie logra así su 8º número en las islas, como solista femenina tan solo por detrás de Madonna, que tiene 12, como informa la Official Charts Company. Eso sí, Kylie puede presumir de haber conseguido un número 1 en 5 décadas seguidas, desde los 80 hasta la que acaba de empezar.

Pero Little Mix debutan en el puesto 2 con cifras a su vez excelentes, casi 50.000. No es que en cualquier otra semana hubieran sido número 1, que por supuesto, sino que doblan lo logrado por Ariana Grande y Sam Smith en sus primeros 7 días la semana pasada. Un gran éxito para todas, en cualquier caso. Os dejamos con la celebración de Kylie.

Rosalía co-escribe, co-produce y hace coros en el disco de Rauw Alejandro que sale hoy

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Hoy se ha publicado el nuevo disco del portorriqueño Rauw Alejandro, muy conocido en estos momentos en España por haber formado parte del reciente número 1 en singles oficial, ‘La nota‘. Este tema no aparece en el álbum que se edita hoy, pues su artista principal es Manuel Turizo, pero sí lo hacen otros singles ya conocidos como ‘Enchule’ y ‘El reloj’ junto a Anuel AA, y al final de la secuencia, el remix de ‘Tattoo’ con Camilo que supera los 200 millones de escuchas en Spotify, tras otra serie de canciones conocidas, como ‘Algo mágico’, ‘Ponte pa mí’ o ‘Elegí’.

La sorpresa viene dada porque las dos primeras pistas que hallamos en el disco cuentan con una tímida colaboración de Rosalía. La reconocemos en los coros de ‘Dile a él’ y los detallados créditos de Tidal revelan que Rosalía Vila es co-autora y co-productora de dicho tema. Además, también aparece como co-autora en la pista siguiente, ‘Strawberry Kiwi’.

La relación de Rauw Alejandro y Rosalía lleva semanas siendo objeto de la prensa, algunos de ellos especulando con que son pareja y otros simplemente con que se avecina una colaboración. 20 Minutos recogía una serie de evidencias que los situaban en el mismo espacio y tiempo.

Curiosamente, Sony edita este disco y, a pesar de que es el sello de Rosalía, ha evitado mencionarla en la nota de prensa oficial. Este es un extracto de la misma: «Este disco viene precedido de una enorme expectación entre su ya gigantesco Fandom global y cuenta con colaboraciones estelares de figuras capitals del género como Anuel AA, J Balvin, Trippie Redd, Wisin & Yandel, Tainy, Zion, Lennox, Arcángel, Myke Towers, Sky Rompiendo, Dalex, Lenny Tavárez, Farruko, Sech, Dímelo Flow, Camilo y más». Más de una docena de nombres entre los que no ha cabido Vila…

boy pablo / Wachito Rico

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Están los artistas que firman todo en mayúscula bajo la premisa de que «más es más», y parecen querer conformar un género aparte los de las minúsculas. Entre estos, el proyecto de Nicolas Muñoz, medio chileno, medio noruego, pues sus padres emigraron a Berger huyendo de Pinochet. Lo suyo es hacer canciones sobre aquel día en que, de niño, estaba en una fiesta de cumpleaños pasándoselo bien con sus amiguitos, sus padres «salieron de la nada, dijeron que era hora de irse a casa» y él se pilló un berrinche que todavía no ha superado.

Estoy hablando de ‘leave me alone!’, una de las canciones más directas de ‘Wachito Rico’, donde su estribillo «no quiero irme a casa, estoy bien aquí, dejadme en paz» viene a resumir su perfil naíf y vulnerable, siempre cantando como si el mundo estuviera a punto de caer sobre sus espaldas. «Solo soy un chico normal con suerte», ha dejado como titular en una entrevista reciente en la que se define como un «inútil» como «skater» y cuenta que ha dejado de lado su intención de estudiar Psicología.

‘Wachito Rico’ es el largo de boy pablo tras la atención recibida por sus EP’s ‘Roy Pablo’ (de 2017, conteniendo su gran éxito ‘Everytime’) y ‘Soy Pablo’ (de 2018, conteniendo su tema ‘Losing You’). La fórmula no ha variado demasiado y continúa cercana a los acordes de los Smiths, sobre un fondo más lisérgico a lo MGMT, cierto regusto tropical a lo Jens Lekman: tan versátil como Sean Nicholas Savage, pero con esa aparente falta de grandes intenciones de gente como Mac DeMarco o Ariel Pink.

Con alguna excepción como ‘rest up’, que habla sobre insomnio y ansiedad, las canciones dan vueltas sobre el amor y el desamor, no hasta rozar el patetismo de la inseguridad adolescente, sino sumergiéndose de lleno en él, con tan poco complejo como en ‘hey girl’, de «por favor, estoy acojonado / nunca me he enamorado antes / no sé qué hacer» a «hey, tía, ¿te gusto? Supongo que es una pregunta estúpida como el culo». Lo bueno es que el disco fluye con total espontaneidad, la misma con la que se alterna el inglés y el castellano como lo hace desde hace rato una nueva generación.

Es el caso de ‘te vas // don’t go’, de largo desarrollo, o de ‘wachito rico’, la canción que resucita el álbum tras el instrumental un poco brasileño ‘vamos a la playa’, cuando parecía que boy pablo iba a abusar de la repetición de recursos. Esta pista le da al disco un aroma mucho más fiestero y alegre, antes de que se cierre con la anécdota luminosa que supone ‘nowadays’ y la confesión romántica, más calmada y adulta, de ‘i >3 u’. Parece modesto el talento de boy pablo, pero parece que no es tan fácil hacer un álbum de 13 pistas así de ameno últimamente.

Calificación: 7,3/10
Te gustará si te gustan: Devendra Banhart, Jens Lekman, Mac DeMarco
Lo mejor: ‘wachito rico’, ‘leave me alone!’, ‘hey girl’, ‘i >3 u’
Escúchalo: ‘wachito rico’

Chica Sobresalto estrena ‘Fusión del núcleo’ y conquista La Resistencia

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Maialen, la concursante de Operación Triunfo que era fan de La Bien Querida, publica hoy su nuevo single como Chica Sobresalto, un ‘Fusión del Núcleo’ que encantará a seguidores de Love of Lesbian, Zahara o Viva Suecia. La cantante de Pamplona ha acudido a La Resistencia para presentarlo y ha conquistado completamente a su público, el cual ha dejado en Youtube comentarios tales como:

– «He visto la entrevista comiendo algodón dulce de azúcar y ahora soy el oso de Mimosín con diabetes»
– «Es Salva Espín en chica»
– «En como entrevistar a una piruleta de fresa»
– «Esta chica es ese tipo de persona que es imposible que te caiga mal. Es que ya puede arrancarle un huevo a mi perro que sería incapaz de insultarla»
– «Típica asesina serial, perfectamente mimetizada nadie sospecharía de ella»
– «Qué monos Chica Voltereta y su perro Darwin»
– «Me casaría con ella sin separación de bienes»

La autora de ‘Oxitocina’ se muestra en su salsa en el plató de La Resistencia hablando con Broncano. Cuando este le pregunta si alguna vez ha cometido incesto con un primo porque estas cosas se suelen notar, esta le contesta que si conoce esta información «porque se lo han contado»… y esto es solo el principio de la entrevista. A continuación, los dos próximos minutos de la conversación girarán en torno a los testículos de los perros, antes de que Maialen se ponga a repartir CD singles antes de lo que tenía planificado, preocupada por la «fluidez» del programa. Una entrevista en la que destaca la graciosa naturalidad de una Maialen que, por lo visto, se ha metido a más de uno y una que desconocía su existencia en el bolsillo.

En cuanto al videoclip de ‘Fusión del Núcleo’ que se ha estrenado junto al single, este representa a Maialen «encerrada en su habitación justo después de una actuación». Indica la nota de prensa: «Ella se siente encerrada en su propia realidad, con esa sensación de que su cabeza y todo su cuerpo van a explotar. Pero antes de llegar a la locura se produce esa fusión del núcleo que ella misma imaginaba en su cerebro mientras componía el tema en pleno confinamiento para liberarle y colocarle». Comenta el nuevo single de Chica Sobresalto en nuestros foros.

Bad Gyal es la «más culona de Barcelona» en el reggaetón de ‘Blin Blin’

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Bad Gyal vuelve con un nuevo single meses después de lanzar ‘Aprendiendo el sexo‘, que alcanzaba el puesto 29 en la lista de singles española, lejos de las posiciones obtenidas por ‘Alocao‘ o ‘Zorra‘ pero aún así siendo capaz de sumar casi 6 millones de reproducciones en Spotify. ‘Blin Blin’ vuelve a ser una producción de reggaetón de El Guincho, en este caso junto a star boy, la cual deja a un lado la melodía de ‘Hookah’ para entregarse al rap, al más puro estilo de ‘Blanco’ de J Balvin.

El título de ‘Blin Blin’ hace referencia al resplandor que produce la decoración brillante de las «sandalias» de Alba Farelo pero lo mejor es que la canción arranca con una de esas rimas que solo pueden surgir de la cabeza de la artista: «Me reporto en tu zona, cada día más culona, por esta cuerpa tú te mudas a Barcelona». En la misma estrofa es mencionada la rapera Lil ‘Kim y, más adelante, la autora de ‘Jacaranda’ vuelve a presumir de dinerito: «Nene, soy una popi hasta en París / En un Beema todo blanco, color crema el tapiz / Él quema uno de hierba y otro más de hachís / Si se trata de romperlo, en eso soy una miss».

La producción de ‘Blin Blin’ queda más cerca del bombo de ‘Aprendiendo el sexo’ que de la sofisticación de ‘Worldwide Angel‘… porque no la necesita en absoluto. Apenas la pizpireta melodía de un sintetizador que parece imitar una flautita destaca en una grabación de reggaetón que busca un sonido sencillo y clásico, sin ambiciones ni misterios porque su secreto es la actitud de sus intérpretes y una letra que se basa en las rimas para crear adicción.

Y es que no solo a Bad Gyal hay que atribuir esta serie de aciertos que representa ‘Blin Blin’. El rapero portorriqueño Juanka, conocido por su single con Nio García y Brray ‘La Jeepeta’, remezclado después con mayor éxito con la colaboración de Anuel AA y Myke Towers, participa en ‘Blin Blin’ como artista invitado para dejar unos versos igualmente simpáticos: «Gata salvaje, no le baja ni un porcentaje, ella es corriente, pero de alto voltaje» es solo una de las frases que presenta el verso más largo de toda la canción. Un temazo que solo da ganas de que abran las discotecas por fin… cuando se pueda.

Lil Nas X hace de «bottom» pero está en el «top» en ‘HOLIDAY’

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Lil Nas X publica hoy el primer avance del que será su álbum debut. ‘HOLIDAY’ llega con la intención de dejar definitivamente en el pasado el éxito de ‘Old Town Road‘ con Billy Ray Cyrus y lo cierto es que sus posibilidades son evidentes más allá de que se presente con un pedazo de videoclip de lo más ostentoso.

‘HOLIDAY’, que no es un single navideño a pesar de su título y de que, en el videoclip, Lil Nas X aparezca disfrazado de Santa Claus futurista, es otro single de Lil Nas X desprovisto de ambición pero ultra-pegadizo, sobre todo gracias a un estribillo tontorrón que grita «viral de TikTok» por todos lados. La producción lujosa de ‘HOLIDAY’ cobija una letra en la que Montero Lamar Hill declara hacer de «bottom ahí abajo» pero estar en el «top» de la industria, y que viene llena de referencias al propio artista. «Tengo la canción más grande, a la mierda las listas, no las necesito», canta en una de las estrofas, mientras en otra alude a su fama de «one-hit-wonder»: «quieren saber si duraré, pero incluso cuando empiece a fracasar eso estará de moda». Mención a Michael Jackson aparte, el artista también se da un momento para recordar ‘Old Town Road’: «me he colado en la industria subido a un caballo, me he montado una triquiñuela, lo admito y no me arrepiento».

El videoclip de ‘HOLIDAY’ deja atrás la estética country de ‘Old Town Road’… pero también la seriedad que suele acompañar este tipo de superproducciones. Lógicamente ambientado en la Navidad porque esta está a la vuelta de la esquina, pero también en un Nueva York sumido en la estética cyberpunk, el videoclip supone un despilfarro de dinero que ni el mencionado Michael Jackson en su mejor momento y recuerda a vídeos antiguos de George Michael y Janet Jackson… pero también es un despliegue de sensibilidad «camp» y de sentido del humor muy poco habitual en el hip-hop. No exento tampoco de coreografías ni del «product placement» de turno, es un videoclip hecho para no dejar indiferente.

Aitana canta en «spanglish» en el remix de ‘Resilient’ de Katy Perry y anuncia su disco

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Aitana ha anuciado esta semana que su nuevo disco, ’11 razones’, verá la luz el próximo 11 de diciembre. La cantante escogía simbólicamente compartir esta noticia el día 11 de noviembre a las 23.00 de la noche. El álbum incluye los singles ‘Corazón sin vida’ y ‘+’ con Cali y El Dandee pero no ‘Tu Foto del DNI’ con Marmi, además de una colaboración con Natalia Lacunza aún inédita llamada ‘Cuando te fuiste’.

Entre las novedades que deja hoy viernes y que puedes escuchar en nuestra playlist actualizada se encuentra precisamente el remix de ‘Resilient’ de Katy Perry con Aitana producido por Tiësto. La extraña colaboración deja hoy de ser un sueño de los fans para convertirse en una realidad. Si la grabación original contenía un sonido más pop y cuerdas ufanas en el estilo de ‘Issues’ de Julia Michaels, la remezcla de Tiësto la traslada directamente a las discotecas donde sonaba EDM a todo trapo en el año 2012. Aitana aporta un verso español y después se entrega al «spanglish» en esta producción que tiene bastante pinta de pasar desapercibida en la carrera de ambas intérpretes.

Corría el pasado mes de julio la primera vez que escuchamos hablar de una posible colaboración entre Katy Perry y Aitana. Todavía no teníamos entre manos ‘Smile’, el nuevo disco de la americana, pues este estaba programado para agosto. Aitana desmentía en una entrevista con Los 40 Principales este dúo de manera contundente: “Cómo se ha liado con esto, ¿pero de dónde ha salido? ¡Lo estaba flipando hasta yo!». Pero al final ha sido más bien «cuando el río suena, agua lleva».

Aitana había compartido en sus Stories el tema ‘Resilient’ de Katy Perry y cuál fue la sorpresa del público cuando la propia Katy Perry compartía a su vez la misma Stories. La conclusión de todo el mundo -medios como Cadena 100– era que un remix de este tema perdido en la secuencia de ‘Smile’ saldría de manera inminente, ahora con la producción de Tiësto, y ojo porque Aitana puede rescatarlo del anonimato. Si ‘Resilient’ de momento solo cuenta con 4 millones de escuchas a nivel mundial, 14 son los millones que lleva poco más o menos en el mismo tiempo ‘Tu foto del DNI’, la colaboración de Aitana con Marmi.

A todas luces, ‘Resilient’ es una de esas colaboraciones que parecían imposibles y que terminan pareciendo imposibles de todas formas años después a pesar de haberse realizado. Pienso en aquel dúo entre David Bisbal y Rihanna (favorito de Anna Castillo), en aquella cosa que cantaron Alejandro Sanz y Alicia Keys, lo de Ronan Keating con Paulina Rubio, y un largo etcétera.

Escucha lo nuevo de El Último Vecino, Pale Waves, Ladilla Rusa, Foster the People, AC/DC…

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Este viernes llegan a nuestras vidas los nuevos discos de Paloma Faith, la revelación BENEE o Rauw Alejandro, cuyo ‘Afrodisíaco’ se abre con dos colaboraciones (en composición y coros) de Rosalía. También editan nuevos trabajos discográficos AC/DC, Alba Molina, McFly (sí, los mismos) o DEVA, además de Marika Hackman (un disco de covers), Lambchop, Meg Myers, Aya Nakamura, Molchat Doma, Mark Pritchard, Samantha (OT2020), Brian Eno o 2 Chainz. También hay EP de Foster the People.

En cuanto a singles, puedes escuchar desde el jueves el nuevo de Billie Eilish, ‘Therefore I Am’, que comentamos en portada, y a partir de hoy viernes encontrarás en nuestra playlist de novedades actualizada un sinfín de estrenos. El Último Vecino presenta ‘Nostalgia’ cuatro años después de su último trabajo discográfico; Bad Gyal suma otro temazo bailable a su repertorio con ‘Blin Blin’, co-producida por El Guincho; y de la última edición de Operación Triunfo llegan los nuevos singles de Chica Sobresalto (Maialen) y la ganadora Nia. Hablando de OT, sí, ya está disponible el remix de ‘Resilient’ de Katy Perry con Aitana producido por Tiësto. Aunque la curiosidad del día en este sentido debe ser la nueva versión de ‘Smalltown Boy’ de Bronski Beat perpetrada por Ricky Merino y Conchita Wurst.

Entre las novedades del viernes, a destacar también una variedad de sencillos internacionales: publican nueva música Teenage Fanclub, la revelación Baby Queen, Anne-Marie, The Antlers, El Perro del Mar, David Guetta, Haim, Rico Nasty, Pale Waves, Alfie Templeman, Dream Wife, joan, Tones and I, Django Django, Ebhoni, powfu, The War on Drugs de su inminente directo. En cuanto a música nacional, atentos a lo nuevo de un grupo llamado No sé a quién matar… y también de rebe, Innercut con Juancho Marqués y Pedro LaDroga, Alberto Montero, Ptazeta con su inseparable Juacko o RRUCCULLA, entre otros.

Desde esta semana ya podían escucharse los nuevos temas de María José Llergo (foto exterior), dani con La Casa Azul (hoy nuestra «Canción Del Día»), Run the Jewels (para la banda sonora de ‘Cyberpunk 2077’), Jirafa Rey o Hens con Belén Aguilera.

Billie Eilish te dice que «no es tu amiga» en el hip-pop distorsionado de ‘Therefore I Am’

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Billie Eilish publica su nuevo single, ‘Therefore I Am’. La artista había indicado sentirse “muy emocionada” por que este tema vea la luz, mientras FINNEAS había escrito -en sus stories- que «queda mal que lo diga yo, pero este tema es una puta pasada». Estamos ante una producción marca de la casa que es a su vez una de las más hip-hoperas publicadas por la artista, si bien su gusto por las voces distorsionadas, los sonidos siniestros y las melodías de cabaret oscuro a lo Melanie Martínez sigue bien presente en la grabación. Un precedente a ella podría ser ‘my strange addiction’. El sencillo videoclip de ‘Therefore I Am’, dirigido por la propia Billie, muestra a la artista paseándose por un centro comercial, acompañada solo de la persona que la está grabando con la cámara.

La portada que presentaba Billie para este nuevo sencillo de filosófico título muestra el busto de un hombre rompiéndose en pedazos, si bien es difícil dilucidar si dicho busto pertenece a René Descartes, autor de la frase “yo pienso, luego existo” en la que se inspira su título. Mientras el público solo podía intentar adivinar cómo sonaría este corte, la cantante, que tiene sinestesia, ya había indicado -también en sus stories- que asocia su sonido al color naranja.

‘Therefore I Am’ es el tercer single que Billie Eilish publica este año después de ‘No Time to Die’, el tema para esa película de James Bond que sigue sin ser estrenada por culpa de la covid; y de ‘my future’, que este verano sorprendía con su sonido próximo al jazz-soul de la primera Amy Winehouse. Sin embargo, este año ha sido ‘everything i wanted’ -publicado a finales de 2019- el que mejor recepción comercial ha obtenido.

Aún queda por estrenar, ya el año que viene, el nuevo documental sobre Billie Eilish anunciado en septiembre, y que llegará a cines y a Apple TV+ el próximo mes de febrero. La artista, que recientemente se ha apuntado a la moda de los conciertos transmitidos por streaming, sigue trabajando en el sucesor de su exitoso debut.

The Weeknd actuará en el intermedio de la Super Bowl

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The Weeknd ha confirmado que será el encargado de actuar en el intermedio de la Super Bowl el año que viene, cogiéndoles el testigo a Shakira y Jennifer Lopez, que este año -previamente a que se confirmara la pandemia global- obtenían conjuntamente la performance más vista de la historia del evento. Y también una de las mejores.

La elección de The Weeknd para actuar en el intermedio de la Super Bowl, el evento musical más visto año tras año en Estados Unidos, es esperada pues 2020 ha sido el año de Abel Tesfaye como atestiguan el éxito de sus singles ‘Blinding Lights’ e ‘In Your Eyes’ y el de su álbum ‘After Hours‘. Cabe esperar si The Weeknd llamará a algún colega para que le eche un cable durante la actuación o si será tan valiente como Lady Gaga y optará por actuar completamente solo. El evento tendrá lugar el día 7 de febrero en el Raymond James Stadium de Tampa, Florida.

Puestos a intentar adivinar qué éxitos aparecerán en el setlist de The Weeknd en la Super Bowl, muy difícil será que el artista no cuente, además de con ‘Blinding Lights’ e ‘In Your Eyes’, esta segunda posiblemente con Doja Cat de cuerpo presente; con otros hits como ‘Starboy’, ‘I Feel It Coming’, ‘Can’t Feel My Face’, ‘The Hills’, ‘Earned It’ u ‘Often’. La pregunta más bien parece ser si habrá espacio en el show para sus colaboraciones con Oneohtrix Point Never o su repertorio previo a ‘Beauty Behind the Madness’… aquel que reinventó el R&B y que lo mismo sampleaba a Siouxsie and the Banshees que a Portishead. ¿Optará en realidad por llamar a Maluma para cantar juntos ‘Hawái‘ y a Ariana Grande para hacer lo propio con ‘off the table‘?

Por supuesto, esta será la primera Super Bowl que se celebre después de la pandemia global, por lo que cabe preguntarse si la actuación de The Weeknd será pregrabada (como ha sucedido con las galas de premios que se han realizado recientemente) o en directo. De momento se sospecha que el aforo del estadio será reducido «drásticamente» y que el evento sea pospuesto al mes de marzo.

Kylie Minogue / Light Years

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DISCO‘ de Kylie Minogue es el Disco de la Semana en nuestras páginas, un trabajo que ha devuelto a Kylie a la pista de baile de los 70 justo cuando acaban de cumplirse 20 años desde el lanzamiento de ‘Light Years’, el álbum que la volvió a poner en el mapa después de unos años 90 un tanto erráticos tanto artística como comercialmente. El regreso de ‘Light Years’ al pop fue un acierto absoluto que allanó el terreno para el bombazo de ‘Fever‘, y 20 años después sigue siendo igual de reivindicable, más ahora que Dua Lipa, la mujer del momento, cita a Kylie entre sus mayores influencias. Pero como ya declaraba la australiana en ‘Spinning Around’, la artista había «encontrado una dirección nueva que la dirigía a ella misma».

Cuando llegó al mercado ‘Light Years’ el 25 de septiembre de 2000, Kylie ya llevaba 12 años en la industria. Sus mayores éxitos comerciales hasta entonces, de la pizpireta ‘The Loco-Motion’ a la dramática ‘Better The Devil You Know‘, se concentraron entre finales de los 80 y principios de los 90 y los había logrado gracias a sus colaboraciones con Stock Aitken y Waterman, reyes del bubblegum pop de los 80. Para la australiana, la década de los 90 supuso un periodo de reinvención que produjo maravillas como su single con Nick Cave, ‘Where the Wild Roses Grow‘, pero comercialmente seguía siendo, para mucha gente sobre todo fuera de Reino Unido y Australia, la chica de ‘The Loco-Motion‘.

‘Light Years’ lo cambió absolutamente todo: ‘Spinning Around’ dio a Kylie su primer número 1 de singles en Reino Unido desde 1990, año en que llegó a la cima con su ñoña versión de ‘Tears on My Pillow‘; el éxito del álbum fue global aunque no se extendió hasta Estados Unidos; las críticas al álbum de la época, que ya hablaban de lo acertado de su reivindicación de la música disco, fueron buenas aunque a veces pecaran de machistas, y Kylie obró a todas luces un milagro, que, a sus 32 años, y con más de una década de carrera profesional a sus espaldas, de repente fuera vista como una debutante por millones de personas que no la habían conocido hasta ese momento. Y a pesar de que la BBC se negó inicialmente a pinchar ‘Spinning Around’ en su emisora principal porque veía a Kylie ya como una artista veterana, la artista rio última sin saber que todavía le deparaba el mayor éxito de su vida.

Entre los muchos méritos conseguidos por Kylie en su carrera se encuentra que el éxito de ‘Fever’ nunca haya hecho de menos la calidad de su predecesor. Es verdad que, cuando has escuchado ‘Fever’ hasta la saciedad y lo consideras uno de los álbumes de pop más refinados de la historia, es difícil no escuchar en ‘Light Years’ un trabajo menor. Pero dentro de que este no podía ser más «camp» (un término que suele asociarse al mal gusto), también era muy divertido y además ha envejecido muy bien, que ya es más de lo que se puede decir de trabajos como ‘Rhythm of Love‘ absolutamente secuestrados por su época. Y esto no solo se debe a sus incursiones en la pista de baile. ‘Light Years’ es menos cohesivo que ‘Fever’ y ‘DISCO’ en ese sentido, pues admite influencias del pop psicodélico de los 60 (la divertida ‘Koocachoo’), del easy-listening de los 70 (la afrancesada ‘Loveboat‘ se inspiraba en el programa de televisión del mismo nombre y también en ‘Millennium’ de Robbie Williams) y del electro-rock (el odiado single ‘Kids‘ con Robbie Williams fue lo más en su momento, al menos en UK), e incluía la típica balada aguafiestas (‘Bittersweet Goodbye’) de las que luego no había ni una en el álbum siguiente. ‘Light Years’ se dirigía a la pista de baile pero traía consigo referencias a la Kylie del pasado, convirtiéndolo en un disco de transición muy buen resuelto.

Pero, si por algo molaba ‘Light Years’, era por sus temazos bailables. Este año, Róisín Murphy ha dicho que ella hace muchos tipos de música disco, y el séptimo álbum de estudio de Kylie aplica esta misma filosofía. No hay que pasar por alto el título galáctico de este álbum y el space disco es una referencia en el tema titular, abiertamente inspirado en el trabajo de Giorgio Moroder y Donna Summer, y también en el acelerado ‘Disco Down’, por la que ya asomaban unos vocoders que remiten a los grandes re-inventores de la música disco de los 90: Daft Punk. En un estilo de nu-disco más clasicote, el single ‘Spinning Around’, que Paula Abdul escribió para su propio proyecto pero cedió a Kylie, no es tan icónico como ‘Can’t Get You Out of My Head‘ porque este existe, pero sigue siendo una de las grandes cumbres del pop «brilli-brilli» del nuevo siglo. Y en el álbum también había cabida para el latin house de la dramática ‘On a Night Like This’, el de la romántica ‘Please Stay’ -que podrían haber firmado los Moloko de ‘Things To Make and Do’- y para cosas mucho más maricas. Sí, más aún.

Porque si algo era ‘Light Years’ era un disco gay de cabo… a rabo: la épica ‘Your Disco Needs You‘, co-escrita por Robbie Williams, un artista al que le encanta hacerse el gay, como bien sabe su amigo Rufus Wainwright, era un homenaje explícito al ‘Go West’ de Village People dedicado a la comunidad gay que tanto había apoyado a Kylie hasta ese momento; el house noventero de ‘Butterfly‘ es súper Ultra Naté y por tanto ultra-gay, y la versión que incluye el largo de ‘Under the Influence of Love‘ de Barry White es probablemente la grabación más gay de la carrera de Kylie. Una versión sensual, elegante, putifina, ultra-femenina: más Kylie imposible. Es sumergirse en su espiral de cuerdas y el mundo se llena de amor y fantasía.

En plena era ‘Light Years’, Kylie actúa en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Sydney. La australiana, vestida con un mono fucsia y un tocado de plumas de ese mismo color, versiona ‘Dancing Queen’ y parece la reina del mundo. La actuación tiene lugar a principios de octubre, poco después de salir ‘Light Years’, y Kylie se afianza con ella como la «reina de la música disco» por excelencia. Ya nadie podrá poner un pie en este estilo sin que Minogue no sea mencionada como posible punto de partida, y el origen de esta fama empieza en ‘Light Years’. Puede que ‘Fever’ perfeccionara la fórmula llevándola al futuro (es en la gira de ‘On a Night Like This’ en la que Kylie presenta ‘Can’t Get You Out of My Head’ por primera vez), pero Kylie ya demostraba en ‘Light Years’ que ella -y nadie más- era la verdadera «dancing queen».

Calificación: 8,3/10
Lo mejor: ‘Spinning Around’, ‘On a Night Like This’, ‘Disco Down’, ‘Loveboat’, ‘Please Stay’, ‘Your Disco Needs You’
Te gustará si te gusta: Sophie Ellis-Bextor, Spice Girls, Cher, Pet Shop Boys
Youtube: vídeo de ‘Spinning Around’

BLACKPINK / THE ALBUM

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BLACKPINK, uno de los grupos más exitosos en el mundo en este momento, había sacado un álbum dedicado al mercado nipón, que era un recopilatorio de pistas publicadas en uno de sus varios EP’s. También hubo discos en directo, singles sueltos… pero entre ‘Blackpink’, ‘Blackpink In Your Area’, ‘Blackpink Tour’ y demás estratagemas editadas cada año desde 2017, lo cierto es que no había un disco de estudio de BLACKPINK como tal. Secamente, se han quitado esa espinita con este lanzamiento que han tenido a bien llamar ‘THE ALBUM’. En mayúsculas, como ellas mismas, quizá en honor al tamaño de sus récords o al presupuesto de sus vídeos.

Lo deberían haber llamado más bien ‘The Mini Album’, pues hablamos de 8 pistas que, cuales candidatas a Eurovisión, ocupan rigurosamente 24 minutos. Para qué más, por otro lado: nadie espera que un disco de la «girl group» formada por Jisoo, Jennie, Rosé y Lisa renueve el mercado, a lo sumo que nos ofrezca los momentos más disfrutones posibles; y por tanto, a menos pistas, más posibilidades de que no sobre nada.

Respecto a lo primero, ‘The Album’ no, no renueva el mercado. Más bien todo lo contrario. El single ‘How You Like That’ tiene unos drops como de producción de Diplo de 2014, su canción para «haters» ‘Pretty Savage’ un poco lo mismo, y las bases trap se asoman de vez en cuando sin sonrojo como si el último año de la música pop no hubiera existido. Uno se pregunta si colaborar con Dua Lipa en el pasado no les ha servido para escuchar un poco ‘Future Nostalgia‘ y si los beats de su excelente colaboración con Lady Gaga, ‘Sour Candy’, definitivamente de lo mejor de ‘Chromatica‘ (¿para cuándo un vídeo de verdad?), no les han sugerido revisitar también los 90, por ejemplo.

En otras ocasiones, que BLACKPINK y sus colaboradores de confianza R. Tee (de nombre real Kim Jung-gu) y «24», se hayan inspirado en otras cosas, da un poco más igual. Es el caso de ese pelotazo llamado ‘Ice Cream’ entonado junto a Selena Gomez después de que las chicas tuvieran ocasión de conocerse en 2018. Lleno de metáforas sexuales, presenta una co-autoría de Ariana Grande, lo cual tiene bastante gracia, pues no habría venido nada mal tal pepinazo en la secuencia del reciente ‘positions’. Igualmente, ‘Lovesick Girls’, con una co-autoría nada garantista de David Guetta, suena a un popurrí entre Avicii, Icona Pop y en una de sus estrofas Shakira, pero a nadie le importa ni esto ni ese vídeo del que tuvieron que eliminar unas escenas por la sexualización de la mujer enfermera, porque el tema funciona. Casi tanto como ‘Love to Hate Me’, donde pre-estribillo y estribillo suman un tema sólido como un castillo.

‘THE ALBUM’ nos deja momentos gozosos como ‘Bet You Wanna’, la colaboración de Cardi B referenciando su hit con Bruno Mars, o el momento «Oriente Medio» de ‘Crazy Over You’; y otros un tanto más anodinos, como la balada ‘You Never Know’, donde Lisa de repente parece Lana del Rey. Un bidón de helado no dura mucho más de 24 minutos fuera de la nevera, sin que a nadie le preocupe demasiado debatir sobre ello. Ellas seguirán arrasando igual con o sin ayuda de Occidente: ‘How You Like That’ es finalmente su tema más reproducido de este disco, ni remotamente ‘Ice Cream’.

Calificación: 5,8/10
Te gustará si te gustan: el k-pop, Lola Indigo, Little Mix, Diplo
Lo mejor: ‘Ice Cream’, ‘Love to Hate Me’, ‘Bet You Wanna’
Escúchalo: ‘Love to Hate Me’

La Cúpula Music genera 2 millones de euros para artistas independientes en 2020

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En tiempos de pandemia, con las salas de conciertos cerradas y en apuros severos, aquello del «artista vive de sus conciertos» ha dejado de oírse tanto. Grupos y solistas intentan actuar donde pueden y como pueden, pero los ingresos procedentes de la música grabada han ganado relevancia.

La Cúpula Music, una distribuidora digital que cobra a los artistas 2,99 euros por la subida de cada pista a decenas de plataformas como Spotify, Tidal, Deezer, Apple Music, largo etcétera, informa hoy de que ha rebasado los 1.000 millones de reproducciones durante los primeros 9 meses de 2020 con sus artistas, generando para los mismos más de 2 millones de euros durante este curso, complicado para todos. En su web presumen de ser «la distribuidora líder en España, sirviendo como plataforma de distribución para más de 12.000 artistas que suman más de 100.000 pistas presentes en 36 canales a nivel global». Sus artistas más populares, según informan a JENESAISPOP, son JC Reyes, Haze, Juan Perro, Lole Montoya, Pony Bravo, Della Du, POL 3.14, Mishima, Queralt Lahoz, Joan Dausà, Carlos Cros, Emlan, Rigoberta Bandini, Barbott y Vienna. Como veis, hay clásicos de nuestro país, hay artistas independientes de ayer y de mañana, y también generación TikTok, como Emlan.

La cifra de los 1.000 millones es un récord para La Cúpula, que asocian al incremento en creación de contenido musical que se ha producido este año debido a la crisis de la COVID-19, sumado al auge alcanzado por nuevos canales de difusión que han abierto nuevas posibilidades dentro del mercado. En su blog se analiza habitualmente el impacto de nuevos canales como TikTok o Snapchat, como forma de compensar «la disminución de reproducciones musicales en bares, salas de fiesta o restaurantes, y el aumento de las limitaciones para adquirir música en formato físico».

José Luis Zagazeta, CEO y cofundador de La Cupula Music, ha indicado en nota de prensa: «Las restricciones que afectan en mayor medida a todas las artes escénicas han hundido la capacidad de generar ingresos para la mayoría del sector musical, quedando como única fuente de ingresos posibles las que vienen de las plataformas digitales. El consumo de música ha experimentado un vuelco importante y los llamados UGC (contenidos generados por usuarios) experimentan un fuerte tirón en el consumo y promoción musical con plataformas como TikTok o Instagram Live, lo que ha motivado a los artistas a publicar más contenido ajustado a estos formatos».

Por último, en su blog encontraréis estadísticas interesantes sobre consumo, por ejemplo, dejándonos el desglose de los ingresos que genera a día de hoy la industria musical, que queda así:
Un 47% de Streaming
Un 25% de ventas físicas
Un 14% de derechos de ejecución
Un 12% de otros métodos digitales (descarga, etc.)
Un 2% de los ingresos de sincronización

dani potencia ‘Si te vas’ con La Casa Azul

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dani ha entregado uno de los debuts más interesantes del panorama nacional este año, ‘veinte‘. Se trataba de un disco breve de 8 temas en el que destacaban canciones como ‘Fui yo’, ‘Dónde estás’ o ‘Mira’. Su vocación hedonista y tropical lo alzaba como uno de los discos que quemar este verano, pero como dice la letra del que ha sido el gran éxito del lanzamiento, «no importa si hace frío o calor, siempre y cuando estés tú para sentirme mejor».

Esa canción, ‘Si te vas’, que ya se acerca al medio millón de reproducciones en Spotify, suma desde hoy en un remix a La Casa Azul. Y si la original reconfortaba con unos arreglos entre el synth-pop y el reggaetón, el añadido de Guille Milkyway implica nuevos efectos cósmicos y voces robóticas, además de una estrofa final, melancólica y onírica: «recuerdo aquella combustión / mi vida en llamas / y me aferraba a lo imposible, a no perderte nunca / abandoné la realidad para poder soñarte / para poder tenerte más».

La nueva remezcla de ‘Si te vas’ es nuestra «Canción del Día» y en celebración de esto mismo, dani es la protagonista del nuevo «bundle» o «pack especial» de esta semana en nuestra tienda. En ella podéis comprar desde hoy una camiseta de JNSP y un pack de postales exclusivas de dani, por cortesía de El Volcán Música. Se trata de 9 postales con fotos por un lado y las letras del disco por el otro, que nunca se ha puesto a la venta (hasta ahora solo se había distribuido entre la prensa). Unidades muy limitadas.

Lo mejor del mes:

Triunfa en España ‘Problemas’ de Paris Boy, una adaptación libre de ‘Umbrella’

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Como veníamos anunciando, ‘Dakiti’ es entrada directa al número 1 de singles en España tras haber arrasado en plataformas de streaming. El hit de Bad Bunny con Jhay Cortez destrona ‘La nota’ de Manuel Turizo con Rauw Alejandro y Myke Towers, que baja del puesto 1 al puesto 2. La semana que viene, al cima pertenecerá a C. Tangana, que ha batido el récord de streamings en un solo día con su nuevo single, ‘Tú me dejaste de querer’. De momento, le encontramos con ‘Demasiadas mujeres’ en el número 3.

Por lo demás, los movimientos más importantes en el top 20 son dos: ‘Problemas’ de Paris Boy es la subida más fuerte, pasando del número 47 al puesto 15, y ‘Cómo te va?’, el medio tiempo de R&B de Lola Indigo con Beret entra directamente en el número 17. Por lo que vemos en Spotify España, especialmente la llegada de ‘Problemas’ al top 10 es inminente. Se trata de una adaptación de ‘Umbrella’ de Rihanna muy libre (con la grabación incluso sampleada y pitcheada), si bien el único crédito que encontramos incluso en Tidal es el de David Figueredo Pedraza.

Entre el resto de entradas destacamos lo bajo que ha llegado ’34+35’ de Ariana Grande, en el número 78, mientras el primer single del disco ‘positions’, homónimo, baja del 23 al 33. Y también la llegada al fin a España del éxito de ‘Head & Heart’ de MNEK con Joel Corry. El hit que era número 1 varias semanas en Reino Unido, allí el gran éxito del verano, entra el puesto 94 en España con la Navidad a la vuelta de la esquina.

El resto de entradas son ‘La luz’ de Sech y J Balvin en el puesto 30, el remix de ‘Diosa’ de Myke Towers, Anuel AA y Natti Natasha en el puesto 35, ‘Yo no voy’ de Morad en el 40, ’No Drama’ de Becky G y Ozuna en el 48, ‘Un beso en Madrid’ de Tini y Alejandro Sanz en el 49 y ‘Qué le voy a hacer’ de Skechi Kid en el 58.