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Ellie Goulding / Brightest Blue

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Ellie Goulding llega a su cuarto disco, el que considera un retorno a su esencia. La cantante ha arrasado en los últimos tiempos con una retahíla de hits que ya le hubiera gustado haberse agenciado a algunos de sus coétaneos y coétaneas, desde Lily Allen a Sam Sparro pasando por La Roux o Marina, pero dice no haber disfrutado este éxito porque no lo sha sentido auténtico. De hecho no recuerda ‘Delirium‘ con demasiado cariño: «Me empujaron hacia esa dirección y admito que fui un poco débil», ha dicho. «Hice lo que otra gente pensaba que debería hacer. Fue una época en mi vida en que me sentía muy vulnerable y no confiaba en mi propio instinto».

‘Brightest Blue’, el nuevo álbum de Ellie Goulding, es su intento por que la gente vuelva a verla como compositora, pero la trampa es que es doble, y además del disco principal contiene un segundo CD al que Ellie llama «cara b» en el que encontramos sus macrohits (en streaming) recientes. Ella dice que esta cara b representa el alter ego de esa «supermujer» que a veces le gustaría ser, pero obviamente estas «grandes grabaciones americanas» con las que Ellie supuestamente tan poco se identifica están ahí para sumar streamings y nada más, lo que contribuye a no tomarse este disco tan en serio como a su autora le gustaría, a pesar de que la primera parte, la «verdadera», sí suena más enfocada de lo que lo hacía aquel ‘Delirium’ tan excesivo y destartalado, publicado hace ya cinco años.

Como si Ellie pensara que sonar vulnerable y auténtica pasa necesariamente por no hacer música bailable, ‘Brightest Blue’ es básicamente un disco de baladas. Y si por sus palabras parece que ha querido hacer un trabajo digno de una nominación al Mercury Prize, malas noticias: este es más bien un disco digno de los BRITs, sin que eso sea malo per se. Porque Ellie sabe hacer buenas baladas y en ‘Brightest Blue’ las hay estupendas: ‘Start’, que empieza ya lanzando un posible mensaje a la industria («no puedes ni empezar a imaginar la magia que tenía antes de que la mataras»), es envolvente, hipnótica y conmovedora, gracias en parte a la inconfundible firma de serpentwithfeet, que aparece como artista invitado; y ‘Woman’, que cuenta entre sus co-autores al enigmático Tobias Jesso Jr, es una de las más clásicas y emocionales en su reflexión sobre la madurez. Por otro lado, ‘Flux’, también a piano, es un baladón hecho para poner los pelos de punta en cualquier gala de premios futura.

El resto de ‘Brightest Blue’ explora varios estilos bien cohesionados en conjunto. Contra todo pronóstico, ‘Power‘ se ha revelado como un «grower» gracias a su embriagador sonido de tintes industriales, que suena a medio camino entre ‘Army of Me’ de Björk (una de las mayores influencias de Ellie) y ‘Be the One’ de Dua Lipa, de la que calca el estribillo; mientras ‘Love I’m Given’ sería un buen single de Rag’N’Bone Man o incluso de Alabama Shakes si estos trabajaran con grandes productores. Menos convincentes son el devaneo trap-pop de ‘How Deep is Too Deep’, que no es el nuevo ‘Bloom‘ sino que habla sobre una relación falta de compromiso; y la luminosidad synth-pop de ‘Tides’, que recuerda a la peor Alanis. La final ‘Brightest Blue’, con su sonido épico que admite grandes coros y un espectacular arreglo orquestal, al menos sí cierra el álbum con buen sabor de boca.

Sin que los interludios presentes en el CD1 de ‘Brightest Blue’ aporten demasiado, sorprende descubrir que el segundo también se abre con uno: ‘Overture’ funciona como intro orquestal hacia ‘Worry About Me’, pero su inclusión no tiene mucho sentido en líneas generales, ya que el CD2 apenas cuenta 5 pistas, todas son conocidas y no tienen mucha relación entre sí. Ninguna es especialmente digna de volver a ser escuchada: ‘Worry About Me’ con blackbear es otro corte de trap-pop sin demasiado interés; ‘Close to Me’ con Diplo y Swae Lee tiene un estribillo horrendo y ‘Hate Me’ con Juice Wrld lo mismo. Apenas se salva ‘Slow Grenade’ con Lauv y porque sería un buen single de él. Nada más que objetar ante estas composiciones de streamings multimillonarios que Ellie ha debido de incluir en ‘Brightest Blue’ posiblemente a la fuerza, pero que tampoco pintaban nada en el disco «de verdad», mucho más interesante y prometedor de cara a lo que la artista pueda hacer en el futuro.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Start’, ‘Power’, ‘Love I’m Given’, ‘Woman’, ‘Flux’
Te gustará si te gusta: Halsey, Troye Sivan, Alessia Cara, FINNEAS
Youtube: directo de ‘Start’ con serpentwithfeet

Tras el pelotazo de ‘4 besos’, Lola Indigo quiere seguir dominando el verano con ‘Trendy’

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Incansable, Mimi Doblas se resiste a dejar(nos) escapar el verano sin copar las listas de éxitos. Si el pelotazo ‘4 besos‘, su single junto a Rauw Alejandro y Lalo Ebratt publicado el pasado marzo, empezaba a tener algo de desgaste –sus cifras de streaming aún están lejos de ‘Mujer bruja’ y ‘Ya no quiero ná’, pero no de ‘Lola Bunny’ y ‘Me quedo’–, ella no ceja en el intento de volver a dar con la tecla y este viernes ha sacado un nuevo tema con uno de los artistas más queridos por la calle en el último año, el almeriense Rvfv, que el año pasado pegaba fortísimo con el merengue de ‘Prendío’.

Ambos se presentan juntos con un tema titulado ‘Trendy’, que ya puede verse y a todas luces ha sido filmado en el MiniHollywood del desierto de Almería, montándose una de vaqueros. No en vano ella figura como una cowgirl sexy, y él como un jefe indio bien atrezao de plumas. Es tan poco misterioso como el sonido mostrado, a todas luces próximo al lado más machacón y cañero de la artista criada en Granada. Lo cual no quiere decir absolutamente nada malo, puesto que la hemos visto dar en el clavo varias veces a pesar de que parecía estar repitiendo fórmula.

De hecho, a pesar del nuevo hit conseguido con ‘4 besos’, Lola Indigo también publicaba hace unas semanas una ‘Mala cara‘ con producción de Alizzz y co-autoría de Sen Senra que, pese a su sonido próximo al R&B (o quizá por eso), no ha pitado igual. Tampoco ha destacado especialmente la recepción a ‘Problema’, su featuring en ‘MALA‘ de Mala Rodríguez, ni el remix del éxito italiano ‘Lento’ en el que se involucraba junto a sus autores, Boro Boro y MamboLosco. Con todo, 2020 ha servido para consolidar del todo a Doblas en la actual escena del pop español, y si el coronavirus lo permite va a aprovecharlo: tiene tres conciertos confirmados este verano en Castellón (8 de agosto, Mar de Sons), Marbella (10 de agosto, Starlite) y Roses (15 de agosto, Sons del Mon).

Dua Lipa y Charli XCX (aunque no con el disco que creías) optan al Mercury Prize 2020; FKA twigs, no

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Acaba de anunciarse la lista de nominados al Mercury Prize 2020, el premio más prestigioso y también el mejor dotado económicamente de la industria musical británica, por lo que cada año es noticia. En esta ocasión, pese a tratarse de un año muy extraño, se volverá a celebrar con toda la alharaca que sea posible, tal y como ha dicho la organización del premio en un comunicado reciente. Precisamente en una crisis como esta, creen que es «importante celebrar los logros de los artistas y músicos británicos e irlandeses», y por tanto se entregarán en una gala que se celebrará el próximo 10 de septiembre en el Apolo de Hammersmith, Londres, y que será transmitida como siempre por la BBC.

En la lista de nominados, como es habitual, se incluyen álbumes publicados entre el mes de julio del año corriente y el precedente. Por eso una de las grandes sorpresas de esta lista de nominados es la presencia de Charli XCX. No porque no lo merezca, al contrario, sino porque el disco escogido para optar al premio no es ‘Charli‘, la superproducción publicada el pasado septiembre que nos maravilló y se coló entre lo Mejor de 2019, sino ‘how i’m feeling now‘, el álbum (también notable, ojo) que medio improvisada grabó y publicó durante la cuarentena por la pandemia de Covid-19. Más o menos sorprendente también es la inclusión de ‘Future Nostalgia‘ de Dua Lipa. El Mercury Prize no es un premio que haga distingos entre mainstream e indie, pero lo cierto es que no es tan común que una artista de tamaño poder comercial llegue a ser finalista de un galardón en el que, al menos teóricamente, prima lo artístico. Aunque en esa parcela, el segundo disco de Lipa es un gran contendiente.

El resto de artistas listados es más o menos esperable. No sorprende en absoluto la presencia de ‘Heavy Is the Head‘ de Stormzy –la mayor estrella del rap en UK en este momento, y como tal fue cabeza de cartel en Glastonbury 2019– y ‘Hoodies All Summer’ de Kano. Sobre todo, porque el año pasado fue precisamente otro artista de grime, Dave, el que se alzó con el premio. Si bien lo que más sorprende es una ausencia: la de FKA twigs, que no optará a alzarse con la estatuilla pese a publicar en plazo un ‘MAGDALENE‘ ensalzado por unanimidad por la crítica de todo el mundo –fue el disco del año en esta web, por ejemplo.

También parecía evidente la inclusión de ‘KIWANUKA‘, el soberbio tercer disco de Michael Kiwanuka. El resto se reparte entre artistas independientes de folk, pop y rock más experimental, algunos tan conocidos como Laura Marling –con el precioso ‘Song For Our Daughter‘– o tan prestigiosos como Lanterns On The Lake –por ‘Spook the Hern’– y Anna Meredith –’FIBS’–. También hay un hueco para nuestra querida Georgia –con el primer Disco Recomendado de 2020, ‘Seeking Thrills‘–, junto a artistas jóvenes como Porridge Radio –’Every Bad‘– y los que señalábamos como revelación de 2020 Sports Team, cuyo debut ‘Deep Down Happy’ disputó seriamente el número 1 en Reino Unido a ‘Chromatica’ de Lady Gaga –ojo a este vídeo en el que cuentan cómo Germanotta les llamó para felicitarles–.

‘House Music All Night Long’ es el himno de JARV IS… contra la ansiedad del confinamiento

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El confinamiento podría haber parecido una mala pesadilla del pasado… de no ser porque la amenaza de un segundo estado de alarma sea tan real como para que varias regiones del país estén tomando medidas próximas a aquel, incluida una capital como Barcelona y su cinturón metropolitano. El miedito es real. Por eso es pertinente recordar –si es que alguien ha tenido tiempo de olvidarlo– lo duro que han sido esos meses de encierro forzoso con uno de los himnos que, aunque haya sido de forma involuntaria, mejor han sabido plasmar los sentimientos vividos y, a la vez, una vía de escape: me refiero a ‘House Music All Night Long’, single del recomendado primer disco de JARV IS…, la nueva banda de Jarvis Cocker.

Lanzada el pasado 2 de marzo, y habiendo sido compuesta dos años antes, parece imposible que las situaciones vividas a causa de la pandemia pudieran inspirar a Jarvis a escribir su letra. Pero lo cierto es que sus versos son casi como una profecía de lo vivido: “Perdido en la tierra del salón / A la deriva en un mundo de interiores / Es grave / ¿Quién demonios viviría en una casa como esta? / La cabeza metida en el subwoofer / el pie en el cubo de basura / Esto no es fácil de escuchar”, canta jugando con el doble sentido de “easy-listening”, haciendo rememorar lo complicado que es pasar horas, días, sin salir de una casa extremadamente pequeña.

Emma (Smith), que toca el violín en el grupo, fue la primera en darse cuenta de la similitud de la canción con la realidad al tener que ponerse en cuarentena cuando un amigo suyo contrajo la Covid-19, recordaba Jarvis días atrás en una entrevista para BBC. “Cuando escribes canciones”, añadía, “siempre tienes la esperanza de atrapar el zeitgeist o lo que sea, escribir algo que resuene en la experiencia real de la gente. Pero en este caso, no es es algo de lo que estar muy feliz, ¿verdad?”, reconocía. En todo caso, reconoce estar orgulloso del ingenio que despliega en este tema que pretendía reflejar la desdicha de un tipo que se ve relegado en su casa cuando lo que desea hacer es estar de fiesta con su chica. En cambio, se pasa la noche y el día escuchando música house.

Lo cierto es que ‘House Music All Night Long’ no suena exactamente a house. Al menos, no de primeras: pese a un rasgueo de guitarra funky que por momentos parece emular a la de la célebre sintonía de Isaac Hayes para ‘Shaft’, más bien comienza como un medio tiempo melodramático marcado por el sonido de un órgano carpetovetónico, mientras Jarvis desgrana su letra con su susurrar y sus pausas dramáticas. Sin embargo, en su segunda parte, la canción prioriza el ritmo (menos pausado de lo que aparentaba), entrando en un delicioso bucle en el que la obsesiva repetición de Cocker del título de la canción es enfatizada por distintos sintetizadores (uno de ellos guarda ciertas similitudes con el clásico ‘Such a Shame’ de Talk Talk, lo cual no nos extrañaría que fuera algún tipo de homenaje al desaparecido Mark Hollis). Y, sobre todo, por las bonitas armonías vocales que las dos mujeres del grupo, Serafina Steer y Emma Smith desarrollan en pleno clímax.

Poniendo énfasis a ese espíritu bailable, ‘House Music All Night Long’ ha sido objeto de diversos remixes: uno por el propio Jason Buckle, miembro del grupo y mitad de otro proyecto de Cocker, Relaxed Muscle; otro, firmado por ambos bajo el seudónimo de los falsos hermanos Greg y Ché Wilson, que prioriza un bajo ácido y la base electrónica del tema; y otro coprotagonizado por Gonzales –con el que Jarvis firmó a medias ‘Room 29‘–. Este último es quizá el más seductor de todos, en tanto que, aunque respeta más el esquema original de la canción, destaca por incluir un piano típicamente house que interpreta el excéntrico artista canadiense. Incluso, croma mediante, también aparece en el vídeo que se ha hecho para esa remezcla extendida.

Sin embargo, tampoco podemos olvidar que esta canción, como la mayor parte del disco, nació del directo. Y, de hecho, Jarvis ha explicado que con esta canción llevó a cabo el primer crowd-surfing de su vida, cuando la interpretaron el pasado año por primera vez en el festival británico All Points East. Desde entonces, se ha repetido esa escena en los pocos conciertos que, por la dichosa pandemia, han podido dar. Precisamente por esa imposibilidad de girar, JARV IS… han decidido promocionar ‘Beyond the Pale’ de una manera tan ingeniosa como bonita: subiendo a Youtube una interpretación en directo del disco en su integridad, con cuidadísimas filmación y escenografía. Y no en un estudio o cada uno desde su casa, sino desde el mismísimo centro de la Tierra, de acuerdo la inspiración que tienen en el disco las cuevas en las que habitaron los primeros humanos. Este directo apenas ha estado disponible unas horas en libre acceso desde Youtube.

Lo mejor del mes:

«¿Qué es un hombre sin su sastre?»: El confuso mensaje de Loquillo en apoyo «a los bares y restaurantes españoles»

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Pese a que publicó un nuevo álbum el año pasado, titulado ‘El último clásico’, y hace poco, el pasado 3 de julio, era el artista encargado de oficiar la reapertura del Wizink Center de Madrid tras el estado de alarma, últimamente Loquillo es más protagonista por sus manifestaciones públicas que por su música. Ya lo era hace unas semanas cuando, en la ola de pesar generalizado por la muerte de Pau Donés, su obituario consistió básicamente en hablar de sí mismo y de lo fan de él que era el artista tras el alias Jarabe de Palo. No en vano desde entonces se le comenzó a apodar en las redes LoquiYO.

Y ahora ha vuelto a dar que hablar y a dividir a la opinión pública (o sea, Twitter) por un vídeo en el que, teóricamente, pretende lanzar un mensaje de apoyo a «los bares y restaurantes españoles», dentro de una campaña que también ha contado con el apoyo de personalidades como Maribel Verdú, Antonio Resines, Hombres G, Ramón García o Boris Izaguirre. José María Sanz va más allá del apoyo y culmina su vídeo pidiendo que esos establecimientos sean Patrimonio de la Humanidad, lo cual ya es algo marciano. Pero lo más discutido es su discurso previo.

«¿Qué es un hombre sin un confesor? ¿Qué es un hombre sin su abogado? ¿Qué es un hombre sin su sastre? ¿Y qué es un hombre sin su barman? Menos que un hombre». Bienintencionado (no lo dudamos) y poético (esto sí) o no, lo cierto es que estas manifestaciones más propias de una campaña publicitaria surgida de ‘Mad Men’ son como poco cuestionables, en tanto que parece despreciar la integridad de cualquiera que no disponga de esos «recursos» tan poco comunes para cualquier españolito de a pie. Y, por tanto, las redes sociales se han dividido entre los que le tildan de «cuñado» o «troglodita» –jugando con el nombre de su banda de acompañamiento– y los que alaban «sus huevos» (¿?), su «falta de pelos en la lengua» y su «masculinidad tóxica» (entrecomillada, pero…). La verdad es que, acertado o no, es posible que esta iniciativa hubiera pasado sin pena ni gloria de no ser por él. Así que… ¿enhorabuena?

Katy J Pearson anuncia su álbum debut con ‘Fix Me Up’ y una yegua llamada Cher

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Una de nuestras apuestas musicales en el ámbito internacional para este 2020, Katy J Pearson, acaba de anunciar su álbum de debut. Producido por Ali Chant (Perfume Genius, Gruff Rhys, Algiers), se titula ‘Return’, se publicará vía Heavenly Recordings el día 13 de noviembre próximo con la bonita portada que ves junto a estas líneas y su tracklist no se deja ninguno de los más que bonitos adelantos publicados en este último año: la estratosférica ‘Tonight’, ‘Hey You’ y la enérgica ‘Take Back the Radio‘, que fue Canción del Día semanas atrás, tienen todo el protagonismo en este esperado disco. Pero parece que no serán las únicas gemas de pop de guitarras en la escuela de Belle And Sebastian o Camera Obscura que contendrá ‘Return’, a tenor de lo mostrado en su nuevo single ‘Fix Me Up’.

Se trata de otra canción de melodía encantadora y energía chisporroteante en sus guitarras, con Katy presumiendo en sus inflexiones vocales de un tono que no pocas veces recuerda al de Belinda Carlisle, que va creciendo en intensidad poco a poco. Curiosamente, se trata de una canción antigua, pero muy especial para ella, revela, en tanto que su letra es muy personal. «Habla de querer independencia después de situaciones complicadas. De sentir la angustia de la soledad en tiempos oscuros, queriendo que alguien esté ahí para ayudarte a recomponerte», dice.

Lo cual lleva a pensar en la cruda experiencia que le hizo prácticamente rehusar a la música: hace más de cuatro años, formaba un dúo llamado Ardyn con su hermano Rob, y acabó rindiéndose por las presiones de la multinacional que pretendía publicar sus canciones, y que le hacían sentir que «escribía canciones para hombres trajeados», ha dicho. Por suerte, logró recuperar la ilusión por hacer música y, como dice la canción, logra «arreglarse». El vídeo oficial del tema no se centra en ese aspecto oscuro sino que abraza la luminosidad de la música, llevando a la artista de Bristol a un ambiente campestre –muy común en sus clips–, co-protagonizando el clip una preciosa yegua llamada –no creemos que con segundas– Cher.

Tracklist de ‘Return’:
1. Tonight
2. Beautiful Soul
3. Return
4. Something Real
5. Fix Me Up
6. Hey You
7. Miracle
8. Take Back The Radio
9. On The Road
10. Waiting For The Day

‘Say Something’ de Kylie Minogue no suena tan disco como insinúa la estética de su nuevo álbum

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Esta mañana de jueves Kylie Minogue estrena el primer single de su regreso discográfico. Un disco llamado ‘DISCO’ que asumíamos sería un homenaje a la música disco que eclosionó a finales de los 70 en las pistas de baile de todo el mundo y que con cierta intermitencia pero sin dejar de ser influyente, pervive hasta nuestros días. Sin embargo el mentado primer avance de ese álbum, titulado ‘Say Something’, no es tan reminiscente de ese estilo musical como se insinuaba (o queríamos creer nosotros, hay que admitirlo).

Si bien su comienzo sí tiene en esos bajos sintéticos una reminiscencia del trabajo de Giorgio Moroder, por ejemplo, y sí hay un espíritu bailable en ella, no se aleja lo más mínimo del pop electrónico más característico de la australiana en el siglo XXI. De hecho, incluso remite a otros singles de la propia Minogue –por momentos, el pre-coro recuerda a ‘I Believe In You’–. Aunque, sin irnos tan lejos, tanto el estribillo como esas guitarras que suenan desperdigadas en la canción (sobre todo en su primera mitad) no se alejan tanto de ‘Golden‘, el disco «country» (que tampoco lo era tanto) que publicaba en 2018. No en vano la producción corre a cargo de John Green, que firmaba en ese disco ‘Radio On’, y Biff Stannard, una persona recurrente en la carrera de Kylie que en ese trabajo acreditaba ‘Shelby ’68’ y ‘One Last Kiss’.

Por el momento no se ha lanzado el vídeo oficial filmado para la canción –quizá vea la luz en las próximas horas–, pero sí puede escucharse de forma oficial tanto en Youtube como en plataformas de streaming. ‘DISCO’ se publica el día 6 de noviembre.

Kardashian emite un comunicado sobre Kanye y pide «empatía» a la prensa: “Un desorden bipolar no invalida tus sueños”

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En medio de la confusión que rodea su candidatura a la presidencia de Estados Unidos y a su inminente nuevo disco, Kanye West ha realizado una serie de tuits que ha ido borrando, en algunos de los cuales cuestionaba a Drake o incluso a su mujer Kim Kardashian.

La cuestión es que esta ha publicado una especie de comunicado en su Stories, frente a sus 180 millones de seguidores, en el que habla sobre su estado, indicando: “como muchos sabéis, Kanye tiene un desorden bipolar. Cualquier que tenga esto o algún ser querido que lo tenga, sabe lo increíblemente complicado y doloroso que es de entender. Nunca he hablado públicamente de cómo nos ha afectado en casa porque quiero proteger ante todo a nuestros hijos y el derecho a la privacidad de Kanye, con todo lo que concierne a su salud. Pero hoy creo que debería comentarlo por el estigma y los malentendidos que hay sobre salud mental”.

Continúa defendiéndose de las críticas: “Aquellos que comprenden lo que son las enfermedades mentales o incluso el comportamiento compulsivo, saben que la familia no tiene ningún poder al respecto a menos que el miembro sea menor de edad. La gente que no es consciente de esto o no ha tenido esta experiencia, puede estar juzgando a los demás sin entender que los individuos tienen que comprometerse en el proceso, al margen de cuánto su familia o sus amigos lo intenten”.

Aparentemente refiriéndose a las polémicas apariciones públicas de West, como la entrevista de Forbes o su mitin, indica: “Entiendo que Kanye está sujeto a críticas porque es una figura pública y sus acciones a veces pueden causar fuertes impresiones y diversas opiniones. Es una persona brillante pero complicada que, además de las presiones de ser un artista y un hombre negro, experimentó la dolorosa pérdida de su madre, y tiene que lidiar con presión y aislamiento aumentados por su trastorno bipolar. Aquellos que conocen a Kanye saben cómo es de corazón y entienden que sus palabras algunas veces no se alinean con sus intenciones”. De manera interesante, sentencia: “Vivir con trastorno bipolar no invalida ni hace de menos a sus sueños o sus ideas creativas, al margen de lo grandes o inalcanzables que estos puedan parecerle a alguien. Es parte de su genialidad y como todos hemos presenciado, muchos de sus sueños se han hecho realidad”.

En un tercer “Stories”, Kardashian continúa hablando de las dificultades que suponen los problemas mentales para los individuos y pide “a los medios de comunicación comprensión y empatía para superar esto”.

Matt Berninger puede perder fans de The National, pero encontrará otros nuevos

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Realmente The National han alcanzado tal estatus que no necesitan publicar nuevo álbum para congregar a decenas de miles de personas en sus giras. Por eso no cabe esperar que, para cuando nos visiten en Primavera Sound 2021 –cartel en el que no figuraban para su cancelada edición 2020, curiosamente– tengan ya listo un sucesor para el fantástico ‘I Am Easy to Find‘, publicado en la primavera de 2019. O sí, quién sabe. Lo que sí es seguro es que, para entonces, llevará varios meses en el mercado el primer disco en solitario de su carismático front man, Matt Berninger. Porque no, EL VY no era un proyecto propio sino un dúo que el cantante del grupo de Cincinnati, Ohio, integraba con Brent Knopf, de los extintos Menomena.

Y si, como decía nuestro colaborador Nicolás del Moral en su reseña de ‘Return to the Moon‘, aquel disco no lograba despegarse de la sombra de The National, cabe preguntarse lo mismo respecto a ‘Serpentine Prison’, el disco que Berninger lanzará el día 2 de octubre a través del sello independiente Caroline Records –en colaboración con Book Records, sello fundado por Matt–. Desde luego, parece que esta vez el intérprete de hitos como ‘About Today’, ‘Fake Empire’ o ‘Bloodbuzz Ohio’ lo va a intentar. Porque aunque el bajista de su grupo primordial, Scott Devendorf, colabora en el álbum junto al mentado Brent Knopf y miembros del grupo amigo The Walkmen como Matt Barrick y Walter Martin, su sonido irá por derroteros muy distintos.

Además de la participación de músicos como su amigo Andrew Bird –con el que Matt hizo una de sus primeras escapadas del grupo allá por 2014: un tema para la serie histórica ‘Turn’–, Gail Ann Dorsey (David Bowie, Lenny Kravitz), Mickey Raphael (Willie Nelson, Bob Dylan) y Harrison Whitford (colaborador de Phoebe Bridgers), destaca la elección para la producción del eminente Booker T. Jones: más allá de su papel al frente del mítico grupo Booker T. & The M.G.’s y sus trabajos en solitario, también se ha distinguido por sus producciones para otros artistas, de Otis Redding a Willie Nelson pasando por Neil Young y Bill Withers, que también le llevaron a ganar un Grammy al compendio de su carrera en 2012.

Aunque a priori parezca una elección extraña, Booker T. parece el idóneo para el sonido suave, elegante y eminentemente acústico que parece que primará en el álbum debut de Matt Berninger. Así se destila de los dos adelantos conocidos: el corte titular presentado el pasado mayo, y el recién estrenado ‘Distant Axis’. En el primero se distingue una cadencia en la melodía que lo conecta claramente con el universo de The National, si bien el desempeño delicado y de la instrumentación y arreglos –no hay explosión ni siquiera cuando irrumpen los metales, muy comedidos– lo alejan de aquel y lo aproximan, por momentos al de R.E.M. Es un tema muy personal –algo menos críptico de lo habitual en Berninger, con cita a Big Star y sus hijos incluida– y que, como le sonaba a epílogo, cierra el disco. Algo no muy común para un primer single.

Algo más enérgico resulta el segundo, ‘Distant Axis’, si bien se mueve en un contexto sonoro muy parecido. Sí se aprecia en él cierta luminosidad, que esta vez si llega a expandirse más una vez sucedido el primer estribillo, si bien los pianos y las percusiones dominan este tema co-escrito con el citado Walter Martin, con el que Matt trabó amistad en una gira pre-‘Boxer’ en la que The National telonearon a The Walkmen por pequeños clubes. Destaca también su vídeo, una cómica idea en la que sitúan a Berninger sobre una alfombra en la que, visiblemente mareado (no sabemos si por girar constantemente o por haberlo forzado con alguna sustancia estimulante), intenta atrapar cosas que le lanzan desde arriba. La idea no podía ser de otro que de su hermano Tom, aquel (al menos, aparentemente) desquiciado personaje que co-dirigió la imperdible película documental de The National, ‘Mistaken for Strangers‘.

No está claro, pues, si la ausencia de la épica rockista que ha llevado al estatus de grupo de estadio a The National logrará cautivar a sus fans. Pero, en cambio, sí parece que ‘Serpentine Prison’ podría llamar la atención de aficionados a la música que gocen con propuestas más intimistas y delicadas. Por ejemplo, y aunque no está claro si su estupendo single conjunto con ‘Walking on a String‘ lanzado el pasado año va por libre tendrá hueco en el disco –a día de hoy no se ha dado a conocer el tracklist–, Phoebe Bridgers, triunfando ahora mismo con ‘Punisher’, puede ser un referente estético válido que acercaría a otro perfil de fans hasta Matt Berninger.

Fallece a los 59 años Tim Smith de Cardiacs, banda admirada por Blur, Faith No More…

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Tim Smith, líder de la banda británica de rock Cardiacs, ha fallecido a los 59 años, confirma The Guardian. La causa exacta de la muerte de Smith no ha sido revelada, si bien el artista padeció graves problemas de salud en los últimos años: a consecuencia de un ataque al corazón sufrido en 2008 que le provocó hipoxia cerebral, el artista padecía distonía, una enfermedad que produce dolorosas contracciones involuntarias en los músculos, y residía en una residencia de cuidados neurológicos con el habla y el movimiento severamente afectados. Así la describía a The Quietus en 2018: «Imagina que llevas un mono apretado hecho de red de pesca por el que pasan pulsos eléctricos todo el rato».

Aunque nunca obtuvieron éxito comercial, Cardiacs sí lograron un seguimiento de culto gracias a su curiosa mezcla de punk y música prog, hasta el punto que contaban entre sus seguidores a grupos como Blur, Faith No More o Biffy Clyro. Publicaron 8 discos entre 1980 y 1999, siendo su single ‘Is This the Life?’ el más popular. La banda, que no giraba desde el año 2007, dejó por terminar un ultimo álbum llamado ‘LSD’.

Kavus Torabi, integrante de Cardiacs, ha despedido así a Smith: «A pesar de los baches que ha sufrido en los últimos 12 años, siempre pensamos que Tim nunca nos dejaría, en parte porque él siempre miró a la muerte de frente y siempre salió ganando. En este caso nos consuela el hecho que se haya ido tranquilo, aunque de manera repentina».

The Avalanches llaman a Jamie xx, Neneh Cherry, Terence Trent D’Arby, Vashti Bunyan… para sus nuevos singles

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The Avalanches estrenan dos canciones nuevas una vez relajada la cuarentena, pues cabe recordar que el trío empezaba a compartir los primeros avances y detalles de su nuevo disco en los primeros meses del año, cuando el asunto del coronavirus apenas empezaba a asentarse en la conciencia popular: ‘We Will Always Love You‘ con Dev Hynes llegaba un 20 de febrero y ‘Running Red Lights‘ con Rivers Cuomo y Pink Siifu un 18 de marzo (!). Desde entonces, el grupo australiano ha aparcado la promoción de este nuevo trabajo, que no su actividad en las redes.

Los autores de ‘Since I Left You‘, uno de los mejores discos editados en la primera década de siglo, y ‘Wildflower‘ reanudan hoy dicha promoción con el lanzamiento de hasta dos singles nuevos que siguen explorando su afición a los samples,
y que presumiblemente formarán parte de ese nuevo álbum que sigue sin anunciarse. Y en ambos han participado artistas invitados de lo más interesantes.

En primer lugar, la animada ‘Wherever You Go’ ha contado con la colaboración de Jamie xx, Neneh Cherry y el australiano ClYPSO, mientras en ‘Reflecting Light’, una composición de ecos trip-hop, han reunido a la legendaria cantautora británica Vashti Bunyan con el neoyorquino Sananda Maitreya, o lo que es lo mismo, el también mítico Terence Trent D’Arby.


_juno / _BCN626

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A veces los artistas se sumergen en proyectos paralelos o supergrupos para expresar algo diferente, para autorrealizarse de otra manera, para lograr un mayor éxito… Hay casos de todos los tipos, desde Paul McCartney y Wings (donde tocaba los teclados su esposa Linda), a aquella locura llamada The Traveling Wilburys que fue para frotarse los ojos, su réplica indie Monsters of Folk que parece haber caído en el olvido y también proyectos tan modestos, faltos de ambición pero bonitos como Electra, el grupo que formaron Natalia de Nosoträsh y Pau de La Habitación Roja. Zahara y Martí Perarnau IV, más conocido como Mucho, han trabajado el producto de _juno en secreto, sin anuncio, hype, promoción en radio ni tele, ni singles previos, corriendo el riesgo de que quede tan en familia que no llegue a ser conocido mayoritariamente por sus seguidores o incluso por fans casuales que no conecten con sus carreras por separado. Lo cual sería una pena porque la música que aquí encontramos, aunque con sus cosas en común con lo que hacían hasta ahora -el tipo de melodías y obviamente sus voces- puede llegar a quien no se había interesado antes por ellos.

Los referentes, desde luego, han cambiado, la electrónica ya no le parece «un coñazo» a Zahara, y ahora les sale hablar de gente como Caribou, James Holden y Floating Points, también grupos progresivos como Pink Floyd, y pueden venir a la mente nombres como el de Leslie Feist y James Blake en ‘_A dos metros bajo tierra’. O el de Jon Hopkins, un pianista cada vez más interesado por la electrónica hasta convertirse en un gurú de la misma. No sé si veremos a _juno en el Sónar -cuando haya Sónar-, pero la primera impresión que deja el grupo, producida por el single ‘_BCN626’ es la de estar frente a un disco romántico, «de pareja», como aquel que ofrecieron Nacho Vegas y Christina Rosenvinge. Y no: aquí hay muchas más cosas. Fantasmas, entre otras.

No se puede pasar por encima de la dedicación romántica del sencillo principal y toda la imaginería del álbum, situada en una habitación de hotel. Ambos componentes ofrecen una mejor simbiosis, que diría aquel, que la de ‘Un verano fatal’, al haber escrito y producido todo juntos y revueltos, a medias, y no por su cuenta. No es nada fácil hablar de sexo en una canción de pop y ‘_BCN626’ no es que lo consiga como sin esfuerzo, sino que construye a partir de ese «quítame la ropa, baja por mi cuello» un estribillo realmente adhesivo y visual.

Más imaginativas incluso son las letras de ‘_He visto cosas que solo tú has visto’, que versa sobre un cuerpo anhelante que no comprende la ausencia de un ser querido y transmite por tanto esa sensación de asfixia («no puede más / con un solo pulmón / no sabe respirar»); y también la de ‘_El infinito’. La naturaleza, la copa de un árbol, un tronco milenario, la savia y «todo el espectro de los grados Kelvin» conforman una canción realmente mágica que parece propia de la Zahara obsesionada con Maga… y en realidad parte de una idea de Martí, como muestra de la buena integración entre ambos. La génesis puede ser de él, pero es gracias a ella y su agudo en «que hemos roto los elementos», que la Minnie Riperton de ‘Lovin’ You’ sonríe desde el más allá.

La sensación de intimidad empapa canciones que incluso en principio hablaban de otras cosas, como es el caso de ‘_Los otros’, que partía de un consuelo a una amiga («siempre hay una vida esperando») y termina hablando de «una habitación donde nos hemos descubierto»; y ‘_Casamurada’, que versando sobre este estudio encantado de grabación catalán, también incluye cuerpos desnudos expuestos a la cotidianidad. «Pensaba en tu belleza en cada calada» y «aquí hay fantasmas» son frases de la misma canción, la última que se grabó para el álbum y un buen resumen del mismo: «pensaba que el viaje era hacia algún lugar / y era hacia tus entrañas».

Es ahí donde el disco renuncia a ser un álbum de chico-chica al uso para ofrecer en su lugar otra cosa, como decía, tanto en el plano sonoro como en el lírico, volviéndose cada vez más abstracto a partir de entonces, en su segunda mitad. Los desarrollos de ‘_Manitoba faraón‘ y sobre todo ‘_Domingo de resurrección‘ se entienden mejor con los sencillos visuales ideados por Guillermo Guerrero (‘Hoy la bestia cena en casa’), y el álbum definitivamente potencia ese factor lynchiano que ya se había visto en el single («hay una chica observándome desde la sexta planta») en la mencionada ‘_Los otros’ («sé que la vida está sucediendo a kilómetros de estos cuerpos»).

Hablando de cotidianidad, el álbum se cierra con la redención de ‘_Déjame entrar’, en la que escuchamos el batir de unos huevos (se han utilizado hasta 35 en la grabación del álbum). Sin parecer una referencia a ‘Historia del Ojo’ de George Batailles, ‘_BCN626’ se revela como una obra ligeramente más vanguardista de lo que habría sido una réplica, por ejemplo, de She & Him. El título incluso se le queda pequeño: este álbum escapa de dicha habitación de hotel para viajar por bosques, casas abandonadas y mundos soñados.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘_BNC626’, ‘_Casamurada’, ‘_El infinito’, ‘_He visto cosas que solo tú has visto’
Te gustará si te gusta: The Postal Service, Jónsi y Alex Somers, Maga
Youtube: vídeo de ‘_Casamurada’

«Me lo paso tan bien cuando estoy jodiendo»: Sen Senra se apunta otro acierto con ‘Perfecto’

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Sen Senra se ha apuntado un hitazo en las plataformas de streaming con ‘Ya no te hago falta’, la balada que presentaba su disco ‘Sensaciones‘ con un vídeo aparentemente inspirado en el cine de John Waters y que supera actualmente los 3 millones de reproducciones en Spotify.

Pero Sen Senra está a otras cosas ahora mismo: acaba de firmar con Universal a través de la discográfica independiente Sonido Muchacho (a la que acaba de sumarse Natalia Lacunza, con quien ha colaborado), y la primera canción editada a través de esta alianza, ‘Nada y nadie‘, es posiblemente la mejor de su carrera. ¿Se acerca nuevo disco apenas unos meses después del lanzamiento de ‘Sensaciones’? Se desconoce, pero de momento Sen Senra, que acaba de colaborar con Lola Indigo, ha publicado una canción nueva, ‘Perfecto’, que reincide en todas sus virtudes.

Nuevamente producida por Antxo de Novedades Carminha, ‘Perfecto’ sigue explorando el estilo de trap-pop melancólico con guitarras de ‘Nada y nadie’. En este caso, se trata de una composición dedicada al mero placer de follar… pero con amor y además con la película ‘Fallen Angels’ siendo proyectada de fondo: «haces que desee puro, libre sin ningún escudo, hacen judo mi ADN y el tuyo» es una de las frases expresadas con agilidad karateka en esta preciosa canción llena de sílabas pronunciadas («una ola cálida que recorre mi cuerpo»). Así, el lema «me lo paso tan bien cuando estoy jodiendo» parece liberar toda la tensión construida en la canción en unos pocos segundos… Una pena por tanto que ‘Perfecto’ termine abruptamente en el segundo estribillo cuando admitía al menos una sencilla coda instrumental… Serán cosas del mercado.

¿Es «tóxico» el movimiento #FreeBritney?

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Britney Spears es noticia estos días después de haber tomado fuerza en internet nuevamente el movimiento #FreeBritney, que busca liberar a la artista de la tutela a la que lleva sometida desde 2008, año en que, después de ser ingresada en un centro psiquiátrico contra su voluntad, Britney era declarada legalmente incapaz de hacerse cargo de sus propias finanzas y de sí misma.

El origen del resurgimiento del movimiento en la red ha sido un post de Instagram que detalla los supuestos males de dicha tutela, como que Britney no ha parado de trabajar en todos estos años a pesar de legalmente no poder tomar sus propias decisiones, por lo que en realidad no necesitaría esta tutela y estaría siendo explotada por su familia y equipo con fines económicos.

El movimiento #FreeBritney ha sido creado por dos humoristas y seguidoras de Britney que presentaban un podcast en el que explicaban sus preocupaciones y sospechas sobre el estado de la cantante, como que su padre -quien durante años fue su tutor legal, ahora lo es la especialista Jodi Montgomery- le ha estado obligando a tomar ciertas drogas psiquiátricas. El debate en torno a la complicada situación de Britney ha llegado a generar 2.308 páginas en el foro BreatheHeavy (el más popular dedicado a la cantante) desde su comienzo a principios de junio de 2018, pero es ahora cuando ha llegado a la conciencia popular, llegando a medios españoles como RTVE.es o El Mundo.

Una vez alcanzado el público generalista, el movimiento está dando lugar a todo tipo de conspiraciones en la red relacionadas con el estado de salud de Britney, como que la intérprete de ‘Toxic’ estaría mandando mensajes de auxilio subliminales a través de sus extraños vídeos de Instagram -en los que se dedica a improvisar coreografías al ritmo de canciones de Rihanna o Billie Eilish o a realizar sus propios pases de moda, si bien pareciendo un poco «ida»-; o que incluso estaría siendo víctima de un secuestro -en su propia casa- o del «tráfico de personas».

Para poner fin a las especulaciones, TMZ ha reiterado recientemente lo que ya comunicó hace un par de años, que Britney «necesita» ayuda psiquiátrica -sigue sin desvelarse exactamente qué dolencia mental padece- y por tanto seguir bajo la tutela legal de segundas y terceras personas, probablemente «de por vida». Además de su familia, están involucrados en la tutela de Britney «doctores, abogados, terapeutas y un juez». Todos ellos deciden colectivamente qué es lo mejor para la cantante, si bien esta sí ha estado reclamando «más libertad» en tiempos recientes, pues por ejemplo apenas se le permite ver a sus hijos, cuya custodia retiene principalmente Kevin Federline. En su noticia, TMZ se ha visto obligado a desmentir que Britney esté «secuestrada» e informa que últimamente ha sido «difícil tratar con ella» y que su estado mental ha sido «inestable».

Posteriormente, la hermana de Britney, Jamie Lynn, ha compartido una reflexión relacionada con el movimiento #FreeBritney -aunque sin mencionarlo explícitamente- a raíz de las comparaciones que este ha suscitado con la situación actual de Kanye West, que también está siendo objeto de burla en las redes: «Si padeces una enfermedad mental o te preocupa alguien que lo hace, sabes lo importante que es respetar su situación con privacidad para esa persona, y que la familia intente proteger a sus seres queridos, sin importar lo que el público vea de puertas para afuera», ha dicho la cantante y actriz.

Hoy 22 de julio tiene lugar una nueva audiencia judicial para revisar las condiciones de la tutela de Britney Spears. Mientras, el próximo mes de agosto se cumplirán cuatro años desde el lanzamiento de ‘Glory‘, el hasta ahora último álbum de estudio de Britney: es el mayor lapso de tiempo entre discos de su carrera. La artista ha reeditado recientemente el álbum en las plataformas de streaming con la que iba a ser su carátula original y un bonus track, ‘Mood Ring’, antes solo disponible en la edición japonesa del disco.

Dua Lipa, Bad Bunny, J Balvin y Tainy pueden romper el mercado con ‘Un día (One Day)’

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Desde hace unas semanas, se venía especulando con la posibilidad de que tres de las mayores estrellas del pop en estos momentos, Dua Lipa, Bad Bunny y J Balvin, unieran sus fuerzas creativas en un single conjunto. Incluso se llegó a especular con el título de ‘Plateado’, que sería coherente con la serie ‘Colores‘ que el colombiano ha venido publicando en los últimos meses –no en vano hace apenas unos días lanzaba un single junto al dúo Jowell & Randy, de título ‘Anaranjado‘–. Pero desde hoy se han despejado todas las incógnitas, y esa colaboración soñada por muchos no solo es una realidad sino que su lanzamiento es inminente.

La canción en sí no se titula finalmente ‘Plateado’, sino ‘Un día (One Day)’. Lo han confirmado todos sus protagonistas, entre los que también se cuenta el productor Tainy, con un teaser de un vídeo que se estrena en la madrugada del jueves al viernes. Un clip cuya factura se antoja espectacular, ya que en los 25 segundos que dura este fragmento podemos ver una estatua de Jesucristo hundida bajo el mar, dos personas en llamas, fuegos artificiales y un portal luminoso que parece trasladar a un lugar en el tiempo, habida cuenta del texto que lo acompaña: «¿Recuerdas aquellas épocas en las que éramos felices y no lo sabíamos?» Para rematar la insinuación, se anuncia que la protagonista del vídeo no es otra que la actriz española Úrsula Corberó, ya una estrella internacional gracias a su papel de Tokio en ‘La Casa de Papel‘.

Sobre lo que no hay pistas es sobre el sonido de este tema. Dado quiénes son los implicados, no parece ningún misterio que puede tener mucho de reggaeton, género que domina las listas de éxitos en buena parte del mundo por culpa o gracias a tres de sus autores. Desde luego, J Balvin lleva ya una década al frente del género y, después de publicar álbumes como ‘Energía‘ y ‘Vibras‘, su liderazgo y capacidad para atraer a un público más heterogéneo se ha hecho indiscutible. Pero aunque los streamings de las canciones de los singles de ‘Colores’ son espectaculares, quedan lejos de los logrados en sus featurings para Cardi B y Black Eyed Peas.

Precisamente el disco que incluía ‘Brillo‘, con Rosalía, fue el que hizo del puertorriqueño Tainy una estrella internacional. Desde entonces, su figura se ha engrandecido, y no solo junto a figuras del género como los citados –firmó parte de las producciones de ‘Oasis‘, el disco conjunto de ambos del pasado verano– y Maluma, sino también con estrellas de otros ámbitos como Lauren Jauregui (con y sin C. Tangana), Juanes, Anitta… o Justin Bieber, firmando uno de los temas de su último disco ‘Changes‘, ‘Habitual‘. Su último trabajo conocido ha sido ‘Agua‘, el tema que ha facturado precisamente con J Balvin para la BSO de la nueva película de Bob Esponja, basándose en un infeccioso sample de la flautita que suena en la sintonía de la serie de animación.

Pero también podría no ser tan evidente que ‘Un día (One Day)’ se trate de un tema puramente reggaetonero. Primero, porque Dua Lipa se ha convertido en una absoluta dominadora de la escena pop gracias a ‘Future Nostalgia‘, un álbum en el que ha llevado a su terreno el house, el funk y el disco de los 80 y 90 y que ha superado todas las expectativas, tanto comerciales como creativas, tras el pelotazo de su álbum debut. Sin ir más lejos, esta misma semana, entre polémicas de corte político, ha batido una marca de streamings al superar ‘Don’t Start Now’ los mil millones de streamings en Spotify: se ha convertido en la primera mujer en lograr que cuatro de sus canciones superen dicha cifra.

Y aunque es evidente que Bad Bunny se ha erigido en la gran estrella mundial del género bailable de origen caribeño, también ha demostrado cierta transversalidad en su enfoque artístico del reggaeton. Porque, si bien es algo que ya quedaba evidenciado en su primer disco ‘X 100PRE‘ –donde tan pronto se transmutaba en The Weeknd, llevaba a su terreno el emotrap de Lil Peep o directamente viraba al pop–, este año ha mostrado sobradamente en los notables ‘YHLQMDLG‘ y su secuela ‘Las que no iban a salir’ que para él prima la imaginación y la voluntad de sorprender a la hora de acometer una canción. De hecho, si tomamos como cierto un breve fragmento musical que circula por internet y en el que se escucha a Lipa repetir claramente el lema «one day», su ritmo parece más próximo al dancehall jamaicano que a cualquiera de los temas más exitosos de sus compañeros en este tema. Pero, independientemente de cómo suene ‘Un día (One Day)’, lo que parece bastante evidente es que estas cuatros estrellas bien podrían romper el mercado y generar un éxito global con pocos precedentes, a poco que plasmen su talento y su magnetismo en ella.

Inaugurada la tienda JENESAISPOP

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«Jënësäïs», «Yeneses», «Yenipop», «GénesisPop»… El endiablado nombre que escogimos para nuestra web en un brainstorming que nunca olvidaremos (para bien y mal) ha dado y da lugar a infinitas reinterpretaciones, a cual más loca e hilarante, de las que nadie es culpable salvo nosotros. Pero sin duda nuestra favorita de siempre ha sido «La Jeni» –léase «la Yeni», claro–, que alude a un nombre femenino que se atribuye a un suburbio o barrio popular, con lo que no podíamos identificarnos más. Por eso hemos decidido apropiarnos de este «nos llaman mal, el nombre» y lanzar nuestra primera colección de camisetas no-corporativas. Con ellas ponemos en marcha nuestra propia tienda, con la que queremos diversificar nuestra actividad productiva y, no lo ocultamos, buscar la complicidad de nuestros seguidores para que, si lo desean y pueden, contribuyan a que JENESAISPOP, «La Jeni», siga viva en unas circunstancias económicas bastante duras.

Modelo blanco: «Con esta imagen de «La Jeni» buscamos hacer un guiño a nuestro logo de siempre, empleando una tipografía blanca (en este caso con un estilo más contemporáneo y agresivo) sobre la pastilla rectangular de nuestro rojo corporativo. Sirve de homenaje a ese logo ya reconocible que, en las próximas semanas, cambiará ligeramente de imagen. Españoles… JNSP, ha muerto. ¡Viva JNSP!».

Modelo rosa: «Dando otra vuelta de tuerca a esa idea de nuestra/vuestra «Jeni», en este caso hemos optado por una tipografía más alejada de la estética del site –aunque persisten los colores corporativos–. Una imagen elegante y de corte clásico que se da de leches con el rollo suburbano de este sobrenombre. Además, la combinación con un rosa suave, nos volvió directamente locos. Y, contradiciendo las primeras impresiones, esta imagen arrasó entre el público masculino en nuestros sondeos».

También podéis encontrar en nuestra tienda un «tote bag» con nuestro logo deconstruido y otro tote «Revelación o Timo»: la sección de JENESAISPOP que genuinamente descubre a nuevos artistas, y por la que pasaron en su momento, lo mismo Lana del Rey que Lady Gaga y Carolina Durante, se convierte en «tote bag» como anticipo de otros productos que llevarán el mismo distintivo. Si no encuentras tu talla o tienes alguna duda, escribe a tienda@jenesaispop.com.

Envíos

Los primeros envíos se realizarán este viernes. La segunda tanda de envíos no podrá realizarse hasta mediados de agosto por razones logísticas (la fabricación en plena pandemia y vacaciones), aproximadamente.

Especificaciones de productos

Camisetas: Camiseta unisex de corte normal –forma tubular y manga pegada–, 100% algodón orgánico de gramaje 150 gr/m2. Tallas S a XL (consulta la guía de tallas). Si no queda tu talla, escribe a tienda@jenesaispop.com.
Tote-bags: Bolsa reutilizable de asas largas, 100% algodón, gramaje 140 gr/m2. Talla única (Dimensiones: 38 x 42 cm; Capacidad: 10 litros; Longitud de la asa: 67 cm).

El nuevo disco disco de Kylie Minogue se llama ‘DISCO’ y sale en noviembre

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Kylie Minogue ha anunciado que su nuevo disco de música «disco» madura sale el 6 de noviembre. Finalmente, el decimoquinto álbum de estudio de la cantante australiana no se llamará ‘Kylie’, como se había dicho en un principio, sino simplemente ‘DISCO’. La portada, entre la decadencia de Studio 54 y lo deliberadamente «kitsch», es la que veis.

El primer avance de ‘DISCO’ será efectivamente ‘Say Something’, un tema que sale este mismo jueves 23 de julio y que la artista ya avanza en Instagram, en el mismo anuncio de su nuevo álbum. El tema parece que vendrá cargado de sintetizadores, ya que recuerda al estilo de ‘All the Lovers’ o ‘I Believe in You’. ¿Se habrá inspirado Kylie en el trabajo de su colega Giorgio Moroder para este nuevo sencillo?

En varias páginas internacionales de Amazon ya aparece listado el álbum con su correspondiente información, como que contará con 12 pistas en su edición normal y con 16 en la deluxe, exactamente como sucedía con ‘Golden‘; y que ‘Say Something’ será la pista 6. ¿Tendrá Kylie la suerte de Dua Lipa en esta nueva etapa de música disco, o más bien la de Jessie Ware? ¿Será ‘DISCO’ al menos un álbum tan bueno como los de estas dos artistas?

Burger Records cierra ante las acusaciones de abusos sexuales y «tendencias pedófilas» hacia sus artistas y empleados

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El sello Burger Records ha sido acusado de abusos sexuales por un grupo de mujeres que han compartido sus experiencias a través del perfil de Instagram Lured_By_Burger_Records («seducidas por Burger Records»), y muchas de las cuales eran menores de edad cuando fueron víctimas de dichos abusos.

Las acusaciones implican a empleados del sello y a artistas asociados al mismo, como The Growlers, SWMRS, Cosmonauts o The Buttertones, y son muy graves para algunas de estas bandas: el guitarrista de The Growlers ha sido acusado de violar a una joven hasta en dos ocasiones; Alexander Ahmadi de Cosmonauts de violar a una chica que se encontraba inconsciente en una fiesta, y Sean Redman de The Buttertones de «abuso infantil». Otras acusaciones de abuso sexual y «comportamiento depredador» han sido vertidas contra Joey Armstrong de SWMRS e hijo de Billie Joe Armstrong de Green Day (por parte de Lydia Night, cantante de The Regrettes) o Mikey Carnevale de The Frights.

El citado perfil de Instagram asegura que «Burger Records es responsable de cultivar una cultura construida sobre tendencias pedófilas y un comportamiento de fetichización adolescente, (cultura) que ha dado acceso a los depredadores a miles de chicas adolescentes que han pagado mucho dinero por acudir a sus conciertos, los cuales se celebraban prácticamente a diario». Muchos de estos abusos se habrían producido dentro de la propia tienda de discos de Burger Records en Fullerton, California, y el texto explica que «los hombres de Burger Records seducían a las adolescentes hasta sus furgonetas, el cuarto trasero (de su tienda) o un almacén en el que alguien vivía dentro del mismo establecimiento».

Ante estas acusaciones, Burger Records había tomado varias decisiones estructurales -su co-fundador Lee Rickard dimitía como director; otro co-fundador, Sean Bohrman, pasaba a desempeñar un papel secundario dentro del sello, y Jessa Zapor-Gray asumía el papel de presidenta interina. Además, el sello se cambiaba el nombre a BRGR RECS para dejar las acusaciones en el pasado, estrenaba nuevo subsello de lanzamientos exclusivamente firmados por mujeres, BRGGRRRL; y se comprometía a costear cualquier servicio de ayuda psicológica que las mujeres necesitasen. Sin embargo, el sello finalmente ha decidido cerrar y todos sus lanzamientos desaparecerán de las plataformas de streaming, si bien sus artistas podrán reeditarlos cuando deseen, al poseer los derechos.

Karol G, J Balvin con Tainy, Rauw Alejandro con Camilo… en la lista de singles española

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Caramelo‘ de Ozuna es una semana más número 1 en la lista de singles española, seguido en el 2 por el remix de ‘La Jeepeta’ de Nio Garcia, Anuel AA, Myke Towes y Brray. En el 3 encontramos la subida más fuerte de la semana, ‘La curiosidad’ de Jay Wheeler con DJ Nelson y el mismo Myke Towers, que asciende del 7 al 3 para posiblemente convertirse en número 1 en los próximos días o semanas, pues ya es la segunda canción más escuchada en el top 50 de Spotify España solo por detrás de ‘Caramelo’. ‘La curiosidad’ es una de las pistas incluidas en ‘Platónico’, el álbum de Jay Wheeler y DJ Nelson que ha salido este año.

Es en el número 14 donde encontramos la entrada más fuerte de la semana en la lista de singles, una remezcla de la exitosa ‘Tattoo’ de Rauw Alejandro con Camilo. En el 23 saludan Tainy y J Balvin con ‘Agua‘, su colaboración para la nueva película de ‘Bob Esponja’, y en el 42 lo hace ‘Ay, DiOs Mío!‘ de Karol G, apuntando a un éxito de largo recorrido: se parece demasiado a ‘Tusa’, pero además es una balada, por lo que quizá necesite más tiempo para conquistar al público. O quizá esté todo dicho: lo sabremos con el paso de los días.

En la parte baja de la tabla entran Morad con ‘Normal’, en el número 79; Rels B con ‘Un verano en Mallorca’, número 93, y finalmente Manuel Turizo con ‘Quiéreme mientras si pueda’, en el 99.





Éxito internacional para el disco póstumo de Juice WRLD, indiferencia para lo nuevo de Rufus Wainwright

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En la tercera semana de recuento mixto en la lista oficial de álbumes española, que por fin aúna ventas y streaming, Anuel AA vuelve a la primera posición con ‘Emmanuel‘, pero Manolo García baja solo al 2 con ‘Acústico, Acústico, Acústico’. El top 10, en el que resisten J Balvin, Bad Bunny por partida doble, Harry Styles, Txarango, Sech, Dua Lipa y Beret, no presenta ninguna sorpresa esta semana y tampoco entrada alguna.

Para encontrar la primera entrada en el top 100 de álbumes esta semana hay que bajar hasta el puesto 12, donde entra ‘Legends Never Die’, el nuevo disco póstumo del rapero Juice WRLD. El álbum no parece haberse editado en físico, por lo que este buen dato para el artista se debería solo a sus fuertes cifras de streaming. ‘Legends Never Die’ es además número 1 en Estados Unidos, donde Jarad Anthony Higgins, que fallecía el pasado mes de diciembre a consecuencia de un ataque, se ha convertido en el noveno artista en obtener un disco número 1 tanto en vida como una vez muerto: antes de él lo hicieron John Lennon, 2Pac, Elvis Presley, Ray Charles, Johnny Cash, Michael Jackson, Prince y XXXTENTACION. ‘Legends Never Die’ también ha sido número 1 en Reino Unido, Canadá y otros países europeos.

La segunda y última entrada de la semana en la lista de álbumes española es ‘Unfollow the Rules‘ de Rufus Wainwright, que sí ha sido editado en físico y debuta en el número 33. El noveno álbum de estudio de Rufus ha sido un éxito de crítica, pero las ventas no le están acompañando demasiado: el disco apenas ha entrado en el top 10 de la lista de ventas escocesa, mientras en Reino Unido simplemente ha alcanzado el número 27… y por el Billboard ni se ha pasado a saludar. El dato español de ‘Unfollow the Rules’ de hecho es muy similar a lo que el cantante ha solido lograr consistentemente en nuestro país: ‘Out of the Game‘ fue número 34, ‘All Days Are Nights: Songs for Lulu‘ número 41 y ‘Release the Stars‘ número 40.

En cuanto a la subida más fuerte de la semana en la lista, corresponde a ‘Tragas o escupes’, el nuevo disco de Jarabe de palo publicado solo días antes de la muerte de Pau Donés. El disco escala del 14 al 11, por lo que está siendo capaz de mantenerse muy bien en lista al margen de la trágica noticia, y de haber sido lanzado originalmente un martes.

JARV IS… / Beyond the Pale

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El título ‘Beyond the Pale’ está repleto de connotaciones tras su aparente sencillez. «The Pale» –traducido como «La Empalizada»– era como se conocía a la barrera que aislaba de los fieros nativos irlandeses a una Dublín regida por los ingleses en torno al año 1400. Entendido así, el nombre del nuevo disco de Jarvis Cocker puede leerse como «más allá de la barrera», de los límites de la comodidad, de lo segura y tranquila que se sobreentiende la vida de un hombre maduro como el que fuera frontman de Pulp. «Pale» significa también «pálido», «palidez», lo cual puede inferirse como «más allá de la piel», que podemos interpretar como una mirada espiritual a sus semejantes. O, siendo malpensados, puede tener una connotación de intimidad puramente sexual. Lo grande de Cocker y su nueva obra es que todo eso, como si de un funambulista poético se tratara, es válido a la hora de asimilar el disco de debut de JARV IS…

Desde su propio nombre, se hace evidente que JARV IS… es un grupo erigido en torno a la figura de Cocker. Pero lo cierto es que no sería preciso que figurara como su tercer disco en solitario post-Pulp, del mismo modo que ‘Room 29‘ era tan suyo como de Chilly Gonzales o que Relaxed Muscle era un proyecto compartido con Jason Buckle, con el que en verdad lleva colaborando muchos más años de los que duraron Pulp en activo (antes de su lucrativo regreso para actuar en directo, claro). Este músico, también oriundo de Sheffield y miembro de proyectos de segunda fila como All Seeing I o Fat Truckers, ya tuvo su papelito en ‘Jarvis‘ y ahora es miembro fundamental de este nuevo proyecto de Jarvis, produciendo con él mano a mano. Como también lo son las voces, teclados y cuerdas que aportan la reconocida arpista pop Serafina Steer y Emma Smith, y el bajo experto de Andrew McGuinney, contrastado miembro de The James Taylor Quartet (completa el combo Adam Betts a la batería). ‘Beyond the Pale’ es un disco coral que además se ha forjado a base de actuar en directo durante los últimos años y que de hecho se creó originalmente para actuar en el festival de Sigúr Ros en Islandia, a finales de 2017. Así, varias de sus composiciones han nacido de jam sessions interpretadas en diversos escenarios –incluyendo el Primavera Sound de 2019, donde tocaron por primera vez el tema que cierra el disco, ‘Children of the Echo’– y entre los que destaca un evento en el interior de una cueva ancestral en Derbyshire hace un par de años.

Esa imagen, la de una fiesta musical en una cueva, es una pieza clave en la inspiración de este álbum, y no en vano hoy mismo se estrena un vídeo en directo del grupo interpretado «desde el centro de la Tierra». Según explicita en las notas del disco que facilita su sello, Cocker vivió algo cercano a una catarsis emocional durante una visita cultural junto a su hijo –para eludir el aburrimiento, en realidad– a una caverna situada en las afueras de su Sheffield natal. Era el dibujo de una cabeza de caballo pintada por un hombre del paleolítico, único vestigio pictórico que resistía en el yacimiento. «Ese esbozo en la pared de la pequeña cámara me emocionó», dice, explicando que quedó conmovido por la imagen de un ancestro creando uno de las primeras muestras de arte humano, logrando comunicarse con él muchos miles de años después. Es la inspiración fundamental para el single principal del disco, ‘Must I Evolve?‘, en el que, jugueteando con el darwinismo, se plantea una paradoja que puede tener una lectura vital y creativa: «¿Debo evolucionar? ¿Debo cambiar? ¿Debo desarrollarme? ¿Puedo quedarme como estoy?», se cuestiona. «Sí, sí, sí» o «no, no, no», le responde una voz como un eco. Sin embargo, esas preguntas se vuelven de repente prosaicas cuando el repaso a la Teoría de la Evolución se contrapone a un viaje lisérgico durante una rave celebrada en el interior de una cueva –en realidad, cuenta, fue en el año 89, en un túnel de emergencia de la autopista de circunvalación de Londres–, que acaba con él «arrastrando los nudillos mientras suena Frankie Knuckles» y «transpirando como un caballo después de una carrera al alba» tras bailar junto a su objeto de deseo.

La particular habilidad lírica de Jarvis para envolver de trascendencia un calentón –»Tú y yo nos marchamos y fundamos una nueva civilización», canta en ‘Save the Whale’– y, seguidamente, dotarlo de un giro cómico –»Pero, ¿cuánto vamos a cobrar por derechos de admisión?», remacha– que siempre le caracterizó (especialmente en la última etapa de Pulp, con el excelente ‘This Is Hardcore’) vertebra ‘Beyond the Pale’. Repletos de frases tan lapidarias como cómicas y sexys a un tiempo («No quiero bailar con el diablo, pero ¿te importa si (al menos) sigo el ritmo con el pie?» es una de muchas), es una delicia detenerse en unos textos que también abundan en las contradicciones de la madurez: querer divertirse y formar parte de eso que tan naturalmente envuelve a los jóvenes sin parecer patético –como plasma ‘Am I Missing Something?’–, rememorar vívidamente viejos romances que la otra persona no recuerda –’Swanky Models’ era también una tienda popular en el Londres de finales de los 80 y primeros 90; simpática y misteriosamente, ninguna de sus propietarias en la época vivió un affair con Jarvis, que le hubiera permitido conocer el espacio y su esencia tan bien como describe en la letra– o montarse una fiesta en la soledad del hogar escuchando viejos discos mientras su amada está por ahí con otro, quizá adentrándose a la fuerza en las mieles/hieles del poliamor.

Eso es exactamente lo que cuenta el single más adictivo y rotundo del disco, ‘House Music All Night Long‘, aunque en realidad prediga con sorprendente precisión, al estilo Los Simpsons, las sensaciones y emociones que muchos hemos vivido durante el pasado confinamiento por la Covid-19. No está inspirada en la llamada distancia social, precisamente, puesto que ya fue interpretada en vivo hace más de un año, pero versos como «Fiebre del Sábado Noche en una cabaña / de la Nación House / Esto es «Una nación bajo un mismo techo» / ¿O no es verdad? / Maldigo esta claustrofobia /porque debería estar desnudándote / en el claro de un bosque / con el viento en tu cara / Y todo el mundo allí / escuchando música house toda la noche» casi duelen. Marca también el canon musical de ‘Beyond the Pale’, con una melodía de connotaciones melancólicas al más puro estilo de ‘Something Changed’ pero dotado de un impulso bailable que la convierte en un himno para pistas de club, creciéndose entre coros femeninos y aparentes guiños a Talk Talk (¿o no alude ese riff de teclado a ‘Such a Shame’?).

Mientras, Jarvis se erige en el papel a medio camino de sereno maestro de ceremonias y crooner seductor que domina y al que tan buenos réditos ha sacado y saca. Un papel de predicador del hedonismo y la sexualidad que se ve potenciado por el carácter epidérmico de la música de JARV IS…, que trasluce que su génesis está en los escenarios. Así lo evocan los crescendos y decrescendos de una vibrante ‘Must I Evolve?’ en la que conviven ecos de dub con palmas españoletas. O los arrebatos de psicodelia y free jazz de ‘Sometimes I’m Like Pharoah’, que juega con el nombre del maestro Sanders, pero en realidad ironiza sobre lo perverso de las típicas estatuas humanas en los centros turísticos de las ciudades. O ‘Children of the Echo’, una idea que acuñó Jarvis en un artículo sobre John Lennon, esgrimiendo cómo muchos (él incluido) somos un altavoz de los Beatles (y los 60) aunque no los vivimos en realidad; «pasemos página», concluía.

Pero, a la vez, el tiempo ha dado a Cocker una serenidad que bien podríamos asemejar a la del tardío Leonard Cohen en la seducción solemne de ‘Swanky Modes’ y ‘Save the Whale’. Algo que también es mérito de los muy acertados contrapuntos vocales de Serafina y Emma, que rememoran a los que The Webb Sisters o Perla Batalla dieron al genio canadiense en distintas etapas de su carrera. En este caso, además, resulta especialmente estimulante en tanto que a menudo «dialogan» con Cocker en las canciones, dándole respuestas como si fueran su partenaire femenino o contradiciéndole como voces de la conciencia, dejando momentos hilarantes como los «yesyesyesyes»/»nononono» de ‘Must I Evolve?’ o ese «No shit, Sherlock» de ‘Swanky Modes’. Lo seguro es que con ellas, Buckle y compañía, Jarvis ha encontrado al fin un grupo de artistas que le llevan a rozar con los dedos –incluso por momentos a palpar con lascivia– la grandeza que alcanzó con Pulp 25 años atrás, y que se le había resistido en sus proyectos posteriores. Hasta ahora.

JARV IS… están confirmados como cabezas de cartel en la edición 2021 del festival madrileño Tomavistas, junto a Suede, León Benavente, Jessy Lanza y muchos más.

Calificación: 8,3/10
Lo mejor: ‘House Music All Night Long’, ‘Must I Evolve?’, ‘Am I Missing Something?’, ‘Save the Whale’
Te gustará si te gusta: los Pulp de ‘This Is Hardcore’, Leonard Cohen, la no-wave y el house de los 80.
Youtube: vídeo de ‘Save the Whale’

Dominic Fike defiende el amor entre «pops de pollo»

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Entre las canciones que han pasado este año por la playlist anual “Lo más Sabrosón” que ejecuta mi socio Raúl Guillén, merece la pena detenerse en el temazo que sacaba a finales del mes pasado Dominic Fike, una de las claras revelaciones de 2020. Columbia publicará la semana que viene el debut de este artista de Florida de 24 años, que constará de hasta 14 temas concentrados en 34 minutos de duración, con un par de pistas extendiéndose poco más de 1 minuto. El álbum dejará atrás el éxito de ‘3 Nights’, el single que Dominic Fike sacaba a finales de 2018 y que llevaba al top 3 en Reino Unido, al número 6 en Holanda y a los 450 millones de streaming en Spotify.

No tan cerca esta vez de los ritmos jamaicanos, ni de los guiños hip hop o incluso rock, ‘Chicken Tenders’ contiene esa frescura veraniega de la chillwave, pero aquí más cerca del synth-pop onírico. De alguna manera, no sorprendería que esta fuera una producción de Kali Uchis. La letra se sitúa en un hotel, en el que “Christina”, un personaje imaginario, como ha explicado en el programa de Annie Mac, está viendo la tele. La figura de los tenders -o como diría Ayuso, siempre atenta a su marca favorita, «pops de pollo«- se entremezcla con el sexo varias veces, no solo en el estribillo, como en ese momento en que cuenta: “pedí unos fingers de pollo a la habitación, pero teníamos que hacer otras cosas antes”.

Jack Begert dirige el sencillo vídeo para ‘Chicken Tenders’ que, no por tonto es menos irresistible y entretenido, mostrando al artista despertando en una cama y comenzando una especie de videojuego pero al revés, en el que en lugar de avanzar de izquierda a derecha, parece estar retrocediendo. En algo menos de un mes de vida, el vídeo ha superado el millón de visualizaciones: aunque muy por debajo de las expectativas comerciales que despertó ‘3 Nights’, Dominic Fike parece estar encontrando su camino.

‘What Could Possibly Go Wrong’ es el nombre del álbum debut de Dominic Fike, como señalábamos a la venta el 31 de julio, y conteniendo también un sencillo dado a conocer este mes llamado ‘Politics & Violence’. Una canción más abstracta y ligeramente experimental, con una letra no tan política como pueda parecer (por un lado dice «no encontrarás el cielo en estas colinas», por otro repite suavemente que «todo lo que necesitas es enamorarte»). Lo seguro es que Dominic Fike es una persona con conciencia social, pues el álbum iba a salir hace unas semanas, pero se ha retrasado debido al movimiento Black Lives Matter.

Lo mejor del mes:

Cierra Q Magazine, después de 34 años, y tras acoger por igual a Neil Young, The Corrs o Billie Eilish

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La revista Q, una de las más míticas del periodismo musical británico, ha anunciado su cierre después de 34 años de actividad. El número que sale el próximo 28 de julio será conmemorativo, como fue el caso recientemente del mensual español Rockdelux.

El editor Ted Kessler ha explicado en Twitter que el cierre de la revista se debe a la pandemia: “Hemos realizado una operación eficiente durante toda mi gestión, llevando a cabo una gran diversidad de ideas para mantener la cabeza fuera del agua en un mercado de la prensa impresa extremadamente desafiante. La covid-19 ha acabado con todo eso. Debo disculparme profusamente por mi fracaso al intentar mantener Q Magazine a flote”.

Como explica The Guardian, desde mayo, debido a la bajada de ventas y de los beneficios publicitarios, se ha acelerado la tendencia que ya estaba afectando al negocio editorial de las revistas impresas. Si en el año 2001 se editaban más de 200.000 ejemplares de Q, su circulación había descendido hasta los 28.000. Alexis Petridis ha escrito una columna aparte en el mismo medio titulando con el “fin de la vieja prensa musical”. Allí habla sobre cómo desde el NME se reían de que en la revista pudiera aparecer un reportaje llamado “está OK que te gusten Dire Straits”, cómo se acogió a grupos «apestados» como The Corrs y cómo últimamente se había renovado situando en portada a gente como Waxahatchee, US Girls, Lapsley y Mad Professor.

Son varios los artistas que han comentado en Instagram cuánto lamentan su pérdida, como ha sido el caso de Foals y James Bay. Lo poco que tienen en común estos dos nos da una pista sobre lo que fue la línea editorial de Q, mucho menos esnob durante los 90 que el NME y el hace rato difunto Melody Maker. En 1997 por ejemplo no se cortaban en situar entre sus discos del año lo mismo a Texas y Lighthouse Family que a Spiritualized y Radiohead, a Paul McCartney y Bob Dylan, tratando de encontrar un equilibrio entre underground, mainstream y artistas clásicos de décadas pasadas: Neil Young estuvo entre lo mejor del año para la revista en 1988, 1989, 1990, 1991, 1992, 1993 y 1994, en ocasiones tirando de discos en directo, por poner un ejemplo. En su año de nacimiento, 1986, fueron quizá el único medio del mundo que lo mismo reconoció entre lo mejor del año ‘The Queen Is Dead’ de los Smiths que ‘True Blue’ de Madonna. Lo mismo la banda sonora de ‘La misión’ de Ennio Morricone que ‘Please’ de Pet Shop Boys. Lo mismo ‘Tutu’ de Miles Davis que ‘Control’ de Janet Jackson.

No en vano, en su lista con lo mejor de 2019 encontramos lo mismo a Lana del Rey que a Nick Cave, un disco al que no se ha hecho mucho caso de Fat White Family y a la omnipresente Billie Eilish. Este ha sido su último top 10, pues sí, después de optar durante sus inicios y durante los 90 por una clasificación en orden alfabético, a principios de siglo pasaron a publicar un top ordenado como el de otras publicaciones similares. Podéis echar la tarde con todos sus «tops» con lo mejor del año en Rocklist… lo cual nos dice algo también sobre su cierre. ¿Era tan difícil mantener una web oficial que estuviera a la altura de lo que fue la revista?

1. Lana Del Rey – Norman Fucking Rockwell!
2. Michael Kiwanuka – Kiwanuka
3. Aldous Harding – Designer
4. Little Simz – Grey Area
5. Nick Cave And The Bad Seeds – Ghosteen
6. Fat White Family – Serfs Up!
7. Weyes Blood – Titanic Rising
8. Fontaines D.C. – Dogrel
9. Billie Eilish – When We Fall Asleep, Where Do We Go?
10. Angel Olsen – All Mirrors

Las mejores canciones de julio 2020: Jessie Ware, Rina Sawayama, Los Estanques, Malamute, Kelly Lee Owens…

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Hoy renovamos nuestra playlist con lo mejor del mes, ofreciendo una fotografía de lo que han sido los últimos 30 días en la redacción y entre nuestros comentaristas: del entusiasmo generado por el último disco de Jessie Ware, hasta hace unas horas lo más votado del site, hasta _juno, cuyo concurso en marcha está batiendo todos los récords de participación de la historia del site. También han sido «discos de la semana» recientemente lo nuevo de Sondre Lerche, lo nuevo de Chucho o lo nuevo de Los Estanques. No hemos tenido hueco para dedicar la semana al disco de Haim, pero quizá podamos volver a él de alguna manera en el futuro.

Aparecen en la playlist canciones tan frescas como las de Ginebras, apegada a la radiofórmula española de principios de los 90 sin ningún tipo de complejos, y artistas revelación como Malamute, Holly Humberstone, Rina Sawayama o Tkay Maidza, todo ello sin que tengamos por qué dejar atrás álbumes que nos han gustado este año pero que no están teniendo su recorrido normal a causa de la covid-19. Me refiero a los últimos trabajos de Triángulo de Amor Bizarro y de Tame Impala.

Javiera Mena, RAYE y Alfie Templeman contribuyen a que el resumen mensual comience en plan bailable, e incluso decidididamente disco. Lucas Vidal y Kelly Lee Owens ofrecen una visión de la música electrónica bien diferente. Hay nuevos sencillos, avance de unos discos que están en marcha pero aún no fechados, ni probablemente acabados, de La Bien Querida, Ladilla Rusa… y no sabemos si es el caso de Beyoncé, cuyo ‘BLACK PARADE’, inspirado por el resurgimiento del movimiento Black Lives Matter, ha pasado desapercibido por las listas de éxitos, pese a su calidad.

Mucho se está hablando internacionalmente de Khruangbin y de Phoebe Bridgers, que es lo que deberíamos estar haciendo en nuestro país de gente como Calavera o Pantocrator. La playlist la completamos con temas tan dispares como los de Zara Larsson, Algora, Mónica Naranjo, Disclosure, Charlie Puth, Karol G y Sufjan Stevens, que hacen el estilo del verano un tanto incatalogable. ¿Sigue siendo el verano del reggaetón como apunta ‘Ay, DiOS mío’ y el exitazo de Anuel AA o estamos girando poco a poco hacia otros estilos, como muestran los exitazos en los últimos meses de Dua Lipa y The Weeknd?

Las mejores canciones de julio:

Jessie Ware / What’s Your Pleasure
Rina Sawayama / Bad Friend
Javiera Mena / Corazón astral
RAYE / Natalie Don’t
Alfie Templeman / Obvios Guy
_juno / _BCN626
Lucas Vidal / Double Trouble
Kelly Lee Owens / On
Tame Impala / Lost in Yesterday
Sondre Lerche / Are We Alone Now
Chucho / Sombra lunar

Ladilla Rusa / Macarrones pop
Malamute / La espiral
La Bien Querida / Un gatito
Khruangbin / Pelota
Phoebe Bridgers / Kyoto
Holly Humberstone / Overkill
Calavera / Secretos
Los Estanques / La aguja
Triángulo de Amor Bizarro / No eres tú
Beyoncé / Black Parade
Tkay Maidza / Don’t Call Again

Haim / 3am
Zara Larsson / Love Me Land
Algora / Chico transparente
Mónica Naranjo / ¡Hoy no!
Disclosure, slowthai / My High
Charlie Puth / Girlfriend
Pantocrator / Putas de internet
Ginebras / Paco y Carmela
Karol G / Ay, DiOs Mío!
Sufjan Stevens / America