Es tremendamente interesante, y también tremendo sin más, lo que contaba hace poco José Pazos de Futuro Terror a La Marea sobre cómo el fascismo, vía Vox, se cuela en los institutos –lo sabe porque él es profesor de secundaria– al entenderse por parte de los chavales como un acto de rebeldía contra lo establecido. No sorprende –menos aún teniendo en cuenta que no esconde su militancia política comunista– que haya decidido confrontar de manera explícita en las letras de ‘Sangre’, el nuevo disco trío alicantino, el avance de la ultraderecha –»la peste parda», lo llama Pazos– en nuestro país en particular y en el mundo en general.
Lo hace inspirándose en héroes del antifascismo como el boxeador gitano Rukeli, célebres militantes del Komsomol (organización juvenil del Partido Comunista soviético) o los quintacolumnistas (‘Mañana’), que ponen nombre propio a un espíritu combativo que se coagula en el título del álbum, y que se presenta con esa aparentemente cándida fotografía de un cumpleaños de los Kennedy. Pero, más que los individuos, lo que inspira esa virulencia son las ideas, el capitalismo y el liberalismo que ejercen una forma de violencia no física, más sibilina y dolorosa a la larga. A ellos se apunta con el dedo y sin sonrojo en la volcánica ‘Matar / Dejar morir’ («Santa propiedad privada, / siempre que tengas demasiada. / Matar no es dejar morir, / qué liberal es verlo así», canta Pazos antes de un afilado «vuestra tumba, este sonido») o una ‘Qué hacer’ (sin cortarse, en ella espetan «sus huestes están entre la policía» y «El sentimentalismo lo maneja el Grupo Prisa. / Lo digo claro, no soy posmoderno: / lo transversal, me pone enfermo») que muestra que el post-punk yanqui (Black Flag, Minutemen) es un ascendente incluso más evidente que el británico (Joy Division, Magazine).
Y a todo esto, ya que hablamos de música, ‘Sangre’ es un curioso avance en la carrera de Futuro Terror. Puede que suene más austero y sencillo, con menos brillo, que sus dos discos precedentes publicados en BCore –este marca su regreso al astur Humo Internacional, actual nombre del (aún más) modesto sello que editó su debut en 2014–. Pero a la vez se caracteriza por emplear como vehículo de esos mensajes más crudos y controvertidos unas formas y melodías mucho más pop que –con permiso de ‘Precipicio‘– todo lo que habían publicado hasta ahora. Hábiles, reservan para el final el corte más aventurado y experimental (‘La guerra y el universo’) y sueltan el arsenal de ganchos al inicio, con temas tan prístinos y adictivos como ‘Territorio devastado‘, ‘Frío’ y ‘Komsomol’. Pero no es un palo con una zanahoria sin más, sino que, de nuevo, el mensaje (conciencia proletaria y unidad popular contra el populismo) y el baile vuelven a ir de la mano en otros momentos del disco, como en ‘Consejo obrero’ o ‘Mañana’. Como cantaba Mary Poppins –no, no se me ocurría un referente más alejado para esto–, «con un poco de azúcar, la píldora pasará mejor».
Calificación: 7,4/10 Temas destacados: ‘Territorio devastado’, ‘Komsomol’, ‘Mañana’, ‘Frío’, ‘Matar / Dejar morir’ Te gustará si te gustan: Biznaga, La URSS, Black Flag. Escúchalo: en ‘Komsomol’
Avi Buffalo, o lo que es lo mismo, el cantante y compositor californiano Avigdor Zahner-Isenberg, ha sido acusado de violación y abuso emocional por Rebecca Coleman, quien fuera integrante de la banda de Avi Buffalo durante su breve existencia y hoy forma parte del dúo Pageants.
En un post de Instagram, Coleman detalla que fue violada por Avi Buffalo hasta en dos ocasiones, la primera el 22 de abril de 2009, y la segunda poco antes de abandonar la banda en julio de 2010. El primer incidente tuvo lugar en el apartamento de Avi con la excusa de preparar una sesión de fotos para un periódico a la que extrañamente Avi solo invitó a Rebecca; y el segundo en casa de la hermana del músico, cuando la banda estaba a punto de firmar un contrato con Sub Pop y de salir de gira con Beach House, circunstancias que le hicieron decidir no abandonar antes el grupo. En ambos casos, Avigdor Zahner-Isenberg se las apañó para terminar a solas con Rebecca a pesar de que la banda estaba formada por más miembros.
La artista cuenta que empezó a salir con Avi en 2008, cuando ella tenía 17 años, y que su relación sentimental durante este periodo estuvo marcada por la agresividad y las manipulaciones de él, sus engaños con otras chicas y las constantes rupturas. La compositora explica que fue violada por Avi cuando ya había empezado a salir con Davin, su actual pareja y compañero de banda, y que este también fue víctima de su mala conducta sexual cuando le enseñó sus partes en un cuarto de baño público. La artista dice que ha tardado 10 años en desvelar esta información por culpa del trauma, pero que ha decidido hacerlo ahora al enterarse que otras chicas le han acusado de lo mismo, y asegura que cuando abandonó el grupo, el sello Sub Pop le hizo firmar un contrato que le impedía hablar negativamente de Avi Buffalo: «no sé si el contrato sigue en pie, pero me la suda».
En declaraciones a Pitchfork, Sub Pop ha confirmado que, tras estas graves acusaciones, retirará de circulación y de las plataformas de streaming los dos álbumes de Avi Buffalo que vieron la luz a través de su sello, ‘Avi Buffalo‘ (2010) y ‘Best Cuckold‘ (2014). Avigdor Zahner-Isenberg puso fin a este proyecto, que pasara por nuestra sección «revelación o timo» por su interesante propuesta de «beach noise pop» con influencias del folk y la psicodelia, en el año 2015.
Aitana sigue sin ver editadas sus grabaciones con C. Tangana y El Guincho, pero a la vez sigue acumulando éxitos con otro tipo de colaboraciones. ‘Si tú la quieres’, su apasionado dueto con la persona a la que más le gusta cantar del mundo, David Bisbal, ha alcanzado cifras multimillonarias en Spotify y se mantiene en el número 30 de la lista de singles española, mientras el reggaetonero ‘Enemigos’ con Reik y el baladón ‘+’ con Cali y El Dandee (posiblemente el mejor que ha cantado Aitana) también acumulan streamings muy dignos y aparecen en los puestos 79 y 90 de la mencionada lista, respectivamente.
Antes de que se publicaran estas tres canciones, Aitana ya había arrasado con otra colaboración, en este caso con la banda colombiana Morat en su single ‘Presiento’, que cerraba su último álbum ‘Balas perdidas’ y suma a día de hoy más de 120 millones de reproducciones en la plataforma de streaming sueca. Poca cosa. Así, no es de extrañar que desde Universal Music se haya apostado por volver a reunir a los autores de ‘Sobre el amor y sus efectos secundarios’ y a la autora de ‘Spoiler‘ en un nuevo single que está disponible desde hoy jueves 30 de julio, y recibe el título de ‘Más de lo que aposté’.
Hay una cosa buena y otra mala que decir de ‘Más de lo que aposté’: la buena es que vuelve a ser una más que digna canción de pop-rock de Morat, tan adictos como de costumbre a las guitarras acústicas y a los grandes coros, como los de su hitazo ‘Cómo te atreves’; y en la que Aitana suena tan en su salsa que bien podría formar parte de la banda (¿nadie lo ha planteado?); la mala es que es otra canción de Morat sin más, así que aquí termina todo lo que podría decirse de ella. El videoclip, apañado en su mezcla de imagen real y animación, ya es el tercero más visto en Youtube España.
Malik B, miembro fundador de The Roots, ha fallecido a los 47 años, ha confirmado la propia banda en un comunicado. La causa de la muerte no ha trascendido. «Nos entristece enormemente comunicar la muerte de nuestro querido hermano Malik Abdul Basit. Deseamos que sea recordado por su devoción al islam, por su cariñoso compañerismo y por su innovación como uno de los raperos más dotados de todos los tiempos».
Una de las bandas de hip-hop más queridas de la historia tanto por su sonido y letras como por sus directos, The Roots publicó su primer disco en 1993 con una formación que, además de a Questlove y a Black Thought, incluyó a Malik desde sus inicios hasta el año 1999, cuando el grupo lanzó el millonario álbum ‘Things Fall Apart’. Malik conoció a ambos raperos a finales de los 80 y está presente en los primeros cuatro álbumes de la banda, estos son, el autoeditado ‘Organix’ (1993), ‘Do You Want More?!!!??!’ (1995), ‘Illadelph Halflife’ (1996) y el mencionado ‘Things Fall Apart’ (1999). Malik dejó The Roots de lado durante la grabación de su álbum de 2002, ‘Phrenology’, sin embargo, desmintió haber sido despedido de la formación o haberla abandonado y de hecho siguió apareciendo en discos posteriores de la banda como ‘Game Theory’ (2006).
Conocida actualmente por ser la banda de directo del programa de Jimmy Fallon, donde suelen hacer versiones de lo mas variopintas junto a algunos artistas invitados, The Roots editó su último álbum de estudio en 2014, un ‘…and then you shoot your cousin’ que recibió generalmente buenas críticas. Os dejamos con uno de los temas de The Roots que mejor reflejan el talento de Malik, ‘I Remain Calm’.
¿Te preguntabas dónde andaba metida Bad Gyal después de petarlo con ‘Alocao’ con Omar Montes y de apuntarse otro hit en las plataformas de streaming con el remix de ‘Tú eres un bom bom’ con Kafu Canton, tema que era noticia por otros motivos durante la cuarentena?
La artista catalana sigue sin publicar disco largo cuando ya han pasado más de dos años -que hoy en día es una eternidad- desde el lanzamiento de su «mixtape», ‘Worldwide Angel‘, aquella que contenía producciones de El Guincho antes de que existiera una canción llamada ‘Malamente‘. A espera de que llegue a la calle (o a tu plataforma digital favorita) el debut oficial de Alba Farelo, que editaría la multinacional Universal y debería incluir los hits ‘Santa Maria’, ‘Hookah’ y ‘Zorra’ (a menos que la cantante se haya cansado de ellos), la autora de ‘Fiebre’ anunciaba nuevo single de cara a este jueves 30 de julio.
Se trata de un tema que ya promete por su título, ‘Aprendiendo el sexo’, y que sería otra producción de El Guincho, ya que el músico canario, nada dado a las redes sociales, ha compartido el adelanto de su videoclip a través de los «stories» de su perfil de Instagram. En el avance del clip mostrado como teaser, Bad Gyal recibía en un lujoso hotel un pedido de hamburguesas con patatas, insinuando un poco de ese «pachangueo» que tanto le gusta a la «más pegá de España».
Y, efectivamente, se trata de un tema de perreo ensoñador y directo en cuya producción no solo participa El Guincho sino también FakeGuido (habitual en la carrera de Farelo) y Rawsanches. Y, efectivamente de nuevo, su letra habla explícitamente de relaciones sexuales con líneas tan finas como «tu bate y mi toto son lead y armonía’, a la altura de «mi bicho en tu totito pierde cobertura» del citado ‘Alocao’, hasta ahora único número 1 en España. El vídeo de Manson para CANADA está a medio camino entre el típico clip de confinamiento y el porno amateur, con Alba y su novio dándose el lotazo y poniéndose hornies perdidos en un famoso hotel de lujo barcelonés.
Marilyn Manson había allanado el terreno hacia su regreso con el lanzamiento de un par de versiones, pero ha tenido que pasar una cuarentena para que el público conozca los detalles definitivos de su nuevo disco.
El sucesor de ‘Heaven Upside Down‘, un disco que ha pasado a la historia por su accidentada promoción, es un trabajo llamado ‘WE ARE CHAOS’ que verá la luz el 11 de septiembre, fecha que, conociendo al autor de ‘Antichrist Superstar’, podría no ser casual. La portada de ‘WE ARE CHAOS’, un autorretrato de Brian Warner, quien, además de músico, es pintor (una pintura hecha por él ya ilustró la portada de su recopilatorio, ‘Lest We Forget’), es la que veis, mientras, por otro lado, podéis encontrar su breve secuencia de 10 canciones bajo estas líneas.
Sobre el álbum, producido por Shooter Jennings, Manson cuenta que “cuando escucho ‘WE ARE CHAOS’ ahora, parece que fue ayer o como si de alguna manera el mundo se repitiera, haciendo que el single que da nombre al disco y las historias parezcan que las escribí hoy. Este trabajo se grabó hasta su finalización sin que nadie lo escuchara. Definitivamente, hay una cara A y una cara B en el sentido tradicional. Pero al igual que un LP, es un círculo plano y le corresponde al oyente poner la última pieza del rompecabezas en las canciones”.
El artista continúa: “Este álbum conceptual en un espejo para el oyente construido por Shooter y yo. Existen muchas habitaciones, armarios, cajas fuertes y cajones. Pero en el alma o en tu museo de recuerdos, lo peor son siempre los espejos. Fragmentos y recuerdos de fantasmas me perseguían cuando escribí estas letras. Al hacer este disco, tuve que pensar en mí mismo: «Domesticar tu locura, coser tu traje. Tratar de fingir que no eres un animal», pero sabía que la humanidad es el peor animal de todos. Practicar misericordia es como hacer un asesinato. Las lágrimas son la mayor exportación del cuerpo humano».
El primer avance de ‘WE ARE CHAOS’ es su tema titular, un intenso corte de pop-rock melódico que podemos asociar tanto al último Marilyn Manson como al David Bowie de los 70. No hace falta recordar que Warner es un gran seguidor de Bowie, cuya obra inspiró ‘Mechanical Animals‘. Sin embargo, el videoclip animado de ‘WE ARE CHAOS’ anda más en la línea tenebrosa de su autor.
Tracklist de ‘WE ARE CHAOS’:
1. RED BLACK AND BLUE
2. WE ARE CHAOS
3. DON’T CHASE THE DEAD
4. PAINT YOU WITH MY LOVE
5. HALF-WAY & ONE STEP FORWARD
6. INFINITE DARKNESS
7. PERFUME
8. KEEP MY HEAD TOGETHER
9. SOLVE COAGULA
10. BROKEN NEEDLE
Rina Sawayama es una de las artistas británicas que este año no optan al Mercury Prize, el premio musical más prestigioso de Reino Unido, por su debut ‘SAWAYAMA‘, que ha recibido muy buenas críticas incluso deL mismísimo Elton John, fan declarado de la cantante británico-japonesa. Pudiera parecer que al Mercury, la reinvidicación que ‘SAWAYAMA’ hace de ciertos estilos pop populares hace una década no encaja con su sibarita línea editorial, sin embargo, la artista ha revelado que ni siquiera ha contado con opción de presentar su candidatura debido a una regla migratoria que se lo ha impedido.
La autora de ‘Bad Friend‘ reside en Reino Unido desde hace 25 años, más que, por ejemplo, Dua Lipa, que nació después y sí está nominada, pero su estado de inmigración es de «residencia permanente», que la Wikipedia describe así: «El permiso de residencia indefinido o la residencia permanente es un estado de inmigración otorgado a una persona que no tiene el derecho de residencia en el Reino Unido, pero que ha sido admitida en el Reino Unido sin límite de tiempo en su estadía y que es libre de retomar empleo o estudio». La cantante también está nacionalizada japonesa, y como Japón no permite segundas nacionalidades, reside en Reino Unido gracias a este permiso, por lo que el Mercury Prize no la puede considerar de nacionalidad británica. En una entrevista con Vice, la cantante afirma haber contemplado la idea de renunciar a su pasaporte japonés para poder optar al Mercury, pero que ha preferido no hacerlo porque toda su familia vive en Japón, y renunciar a ese pasaporte «sería como si estuviera rompiendo lazos con mi familia».
Como indica Vice, el sin sentido del Mercury Prize, que también se extiende a los premios BRIT, llega al punto que su cláusula migratoria es más flexible con las bandas: el 50% de sus integrantes deben ser británicos o irlandeses y el 30% deben residir principalmente en Reino Unido o Irlanda, por lo que un integrante de una banda puede ni ser británico ni residir en las islas británicas y aún así optaría al premio antes que Rina Sawayama. Por contrario, la revista recuerda que el Ivor Novello permite a los artistas no británicos optar al premio simplemente si pueden demostrar haber residido en Reino Unido durante el último año. Obviamente, Rina no está nada de acuerdo con la cláusula del Mercury Prize, la cual, en su opinión, fuerza una idea de «lo británico» demasiado fundamentalista, y opina que es «problemática» porque actúa como si fuera un «control de fronteras» para los artistas británicos.
‘folklore‘ de Taylor Swift es el Disco de la Semana. En los próximos días reseñaremos ‘Fearless’ y ‘Speak Now’, los dos álbumes de Taylor que aún no han pasado por nuestras páginas, pero hoy nos detenemos en aquellos artistas, discos, sonidos.. que vienen a la mente al escuchar (y leer) el que puede ser el mejor trabajo de la artista de Tennessee.
DeYarmond Edison / Silent Signs
Para cuando Taylor Swift publicó su exitoso debut en el año 2006, auspiciado por el éxito del single ‘Tim McGraw’, Deyarmon Edison ya era historia. Se trata de la banda por la que pasó brevemente Justin Vernon de Bon Iver antes de refugiarse en una cabaña a grabar ‘For Emma, Forever Ago’. La formación, integrada a su vez por miembros a la postre de Megafaun y Field Report, editó un disco en 2005 llamado ‘Silent Signs’ compuesto por 12 bonitas canciones de folk-rock que reflejan el espíritu contemplativo de ‘folklore’, y cuyos títulos -ATENCIÓN- ya estaban escritos en minúscula (!!!).
Lost in the Trees / All Alone in an Empty House
El público se rió de Justin Timberlake cuando sacó un disco llamado ‘Man of the Woods‘ que incluía títulos como «suministros», «franela», «la brisa del estanque» o «viviendo de la tierra»… simplemente como metáforas de otras cosas. El papel folki de Taylor es mucho más genuino pues ella viene del country , pero este tipo de obviedades también se han extendido al mundo del folk: existe un grupo llamado Lost in the Trees que ha editado canciones como ‘Walk Around the Lake’, ‘Wooden Walls of this Forest Church’ o ‘Fireplace’ que no habrían desentonado del todo en ‘folklore’.
Joanna Newsom / Have One on Me
Al escuchar ‘the great american dynasty’ es imposible no pensar en ‘Have On on Me‘, el álbum triple de Joanna Newsom publicado en 2010, y cuyo corte titular contaba la historia de otra gran señora digna de admirar, la bailarina exótica Lola Montez, quien llegara a ser amante del Rey Luis I de Baviera y moriría en la más absoluta de las miserias. Rebekah Harkness, la mecenas de la que habla uno de los mejores temas de ‘folklore’, corrió mejor suerte, pero en cualquier caso, tanto la bailarina irlandesa como la también compositora y escultora estadounidense han servido de musas para sus respectivas autoras, llegando a ofrecer un reflejo de ambas. Por ‘Have One On Me’ también desfilan varios personajes como Barba Azul, el bandolero Dick Turpin y su inseparable caballo, u herreros y pescadores.
The National / I Am Easy to Find
The National es un nombre fundamental para entender ‘folklore’, ya que Aaron Dessner, uno de sus integrantes, es co-autor de 11 de las 17 pistas que lo conforman (18 si contamos el bonus track ‘the lakes’). Aaron ha hablado maravillas sobre su colaboración con la artista durante el confinamiento, y la firma de The National es absolutamente perceptible en muchas canciones del largo, como ‘cardigan’. En concreto, los pianos y arreglos orquestales de ‘folklore’ recuerdan a los de trabajos como ‘I Am Easy to Find‘, hasta el punto que este podría haber sido una inspiración directa en el álbum de Taylor, pues es el más reciente publicado por el grupo estadounidense.
Joni Michell / Court and Spark
¿Recordáis cuando se rumoreaba que Taylor Swift iba a interpretar a Joni Mitchell en un biopic sobre la autora de ‘Blue’? Nosotros tampoco. Pero la sensibilidad de Joni está presente en ‘folklore’ al menos en uno de sus temas más folkis, ‘peace’, ya que en palabras de Aaron Dessner, este es uno de los cortes del álbum que mejor representan la versatilidad de Taylor como compositora: «ella puede hacer de todo, y ‘peace’ no es más que una línea de bajo armonizada con un pulso y un zumbido, sobre la que Taylor básicamente ha escrito una canción de amor de Joni Mitchell». ¿Qué disco de Joni recomendar, por tanto? Obviamente no el más experimental (eso lo dejamos para Fiona Apple) sino el más vendido, ‘Court and Spark’.
Red House Painters / Red House Painters
El sonido tranquilo, contemplativo y otoñal de Red House Painters ha sido todo un precedente para grupos como The xx o Cigarettes After Sex aunque haya sido de manera involuntaria. Estos adjetivos son perfectos para describir prácticamente todas las canciones de ‘folklore’ a pesar de no ser un disco de guitarras eléctricas, sino más bien de guitarras acústicas y pianos. Pero el fondo de composiciones como ‘Katy Song’ o ‘Cruise’ no es tan diferente al de ‘illicit afairs’ o ‘this is me trying’. Claramente un indicador de hacia adónde podría ir el sonido de Taylor Swift en el futuro.
Lene Marlin / Another Day
Puestos a hablar de discos que suenan un poco como ‘folklore’, por qué no recordar el segundo de esta cantante noruega que un vez también fue estrella del pop. Conocida por el hit ‘Sitting Down Here’, Lene Marlin editó un segundo álbum de pop sombrío, lúgubre y aletargado por el que asomaban influencias del post-punk y el pop de guitarras alternativo de los años 90. No logro dar con la canción exacta a la que me recuerdan ‘mirrorball’ (¿dónde he escuchado esa batería apenas audible?) y ‘this is me trying’, pero lo seguro es que me llevan a este trabajo de melodías y atmósferas tan evocadoras como las de ‘You Weren’t There’, ‘From this Day’ o el corte titular. Un álbum ya olvidado, injustamente.
Waxahatchee / Saint Cloud
Antes que Taylor, Waxahatchee ya había protagonizado su propia reinvención en un ‘Saint Cloud‘ que también nos enamoraba por su búsqueda de la canción emocionante y sencilla. Canciones como ‘Fire’ podrían haber sido firmadas por Taylor perfectamente, mientras los arreglos de ‘Saint Cloud’ forman un bonito fondo ante el que se crecen las estupendas composiciones de Wachipichi, que tampoco se quitan de mirar a la música country, como hace Taylor en ‘betty’.
Madonna es una de las estrellas de la música pop más involucradas en el movimiento Black Lives Matter semanas después de las revueltas de junio, al menos desde las redes sociales, donde no deja de compartir publicaciones relacionadas con el movimiento. Sin embargo, cuando se trata de otro tema de actualidad como el coronavirus, la autora de ‘Madame X‘ ha solido patinar: conocidas son aquellas declaraciones suyas en las que llamaba al virus el «gran ecualizador» social… mientras se daba un baño en su lujosa mansión.
Que algunas estrellas viven realidades totalmente paralelas a las del ciudadano medio ha quedado clarísimo durante la cuarentena: cuando el pueblo no ha tenido que sufrir unas versiones de ‘Imagine’ que nadie había pedido ni necesitaba, ha tenido que asistir a los delirios conspiranoicos de gente como Miguel Bosé, quien no se ha cansado de propagar falsedades sobre el coronavirus. Y ahora Madonna es noticia por haber dado bola a uno de ellas en una publicación de Instagram que la red social ha censurado inmediatamente, añadiendo un enlace a una página en la que se desmonta la información compartida por la artista.
En el post, Madonna defendía que ya existe una vacuna para el coronavirus pero que el gobierno la está manteniendo escondida para que «los ricos se sigan enriqueciendo». Para «probar» esta postura ante sus 15 millones de seguidores, la autora de ‘American Life’ compartía un vídeo de un grupo de gente reunida ante el Tribunal Supremo de Estados Unidos, atendiendo a las palabras de una doctora, Stella Immanuel, que afirma haber curado ya a 350 pacientes de coronavirus «y subiendo» con hidroxicloroquina. Este producto, que se usa par tratar la malaria, es el mismo que Donald Trump proponía utilizar para la cura del COVID-19 para horror del mundo y a pesar de la falta de pruebas. De hecho, el hijo de Donald Trump era censurado de Twitter por 12 horas después de compartir esta misma información.
Al margen de que la doctora Stella Immanuel, a la que Madonna llamaba su «heroína», es conocida por sus ideas abiertamente homófobas y tránsfobas, tan contrarias a los valores que la cantante siempre ha defendido; y por haber espetado una serie de barbaridades sobre otras enfermedades como la endometriosis (que procede de «demonios sexuales»), la conspiración compartida por Madonna choca directamente con su animadversión hacia Donald Trump y sobre todo con su apoyo al movimiento Black Lives Matter, pues la población afroamericana está sufriendo especialmente las consecuencias de la pandemia.
Entre quienes criticaron la publicación de Madonna mientras esta permanecía subida en su perfil de Instagram se encuentra Annie Lennox, quien se dirigía a la cantante para expresar su sorpresa: «esto es una absoluta locura, no puedo creer que apoyes esta basura peligrosa propia de charlatanes. Espero que en realidad tu página haya sido hackeada y que estés preparando una explicación». Madonna acaba de ser noticia por haber sido confirmada en el remix de ‘Levitating’ de Dua Lipa, quien también ha protagonizado estos días una agria polémica de tintes políticos.
Hace poco más de un mes teníamos ocasión de charlar con Melanie Chissolm, Melanie C, por todos conocida como «Sporty Spice». En la entrevista nos contó que la gira de reunión de Spice Girls que desarrollaron el año pasado le había hecho «reflexionar sobre quién soy como artista y como persona». Por eso, aunque no le parecía la mejor idea volver a grabar con Emma Bunton, Mel B y Geri Halliwell (Victoria Beckham ya tal), sí sintió el impulso necesario para culminar su octavo álbum de estudio. Un disco del que nos habló con profusión, especialmente de colaboraciones tan interesantes como las de Shura, Little Boots y Rae Morris. Pero, aparte de los singles ‘Who I Am‘ y ‘Blame It On Me‘, poco más sabíamos de él. Hasta hoy.
Esta mañana se ha iniciado la pre-venta en su web de ‘Melanie C’, que verá la luz oficialmente el día 2 de octubre. Tras una portada en la que cambia su imagen drásticamente (ni chandal, ni camiseta, ni lycra), se esconden 10 cortes que se amplían hasta 16 en la edición deluxe, que incluye un segundo disco con temas extra y remixes de, entre otros, Joe Goddard de Hot Chip. Además de todo esto, Mel revela también un tercer avance del álbum. Una ‘In & Out Of Love’ bastante chula en cuyos créditos encontramos, entre otros, a Biff Stannard, que hace unos días estaba en nuestra boca por su papel de autor y productor en ‘Say Something‘, lo nuevo de Kylie Minogue. Y las comparaciones siempre son odiosas… pero también inevitables, ¿verdad?
Tracklist de ‘Melanie C’:
Who I Am
Blame It On Me
Good Enough
Escape
Overload
Fearless
Here I Am
Nowhere To Run
In & Out Of Love
End Of Everything
Nueva edición de nuestra Sesión de Control, sección dedicada a repasar las novedades más destacadas del panorama alternativo de nuestro país y Latinoamérica. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify de esta sección que se renueva quincenalmente. [Foto exterior: Bearoid; foto interior: Chlöe’s Clue.]
Apurando las últimas semanas antes del sempiterno parón de agosto, varios artistas y grupos españoles han publicado discos y EPs. En la misma semana que se publicaba ‘IV’ de Los Estanques, la valenciana Raquel Adalid publicaba la transformación folclor-pop de su alter ego Chloë’s Clue en ‘Carmín y rubor’. Coincidía con el nuevo trabajo de Bearoid, un ‘Papagayo’ que muestra a Daniel Belenguer cada vez más asentado en esta tesitura contemporánea, nutrida de tanto R&B y hip hop como de pop y electrónica. Han sido los álbumes más importantes publicados estos días, pero también han visto la luz interesantes EPs de Akkan (el dúo compuesto por beGun y Ocellot), el primer EP de L E O, miembro de directo de Dorian o Love of Lesbian (ambas bandas se han involucrado en ‘Media parte’) y ‘Obras completas’, EP que supone la irrupción a lo grande de Cuchillas, potente combo plurinacional de noise rock afincado en Zaragoza.
Por supuesto, la «vuelta al cole» se avecina intensa: Sidonie (con una ‘Portlligat’ interpretada en catalán que adelanta ‘El regreso de Abba‘, titulado como la novela que acaba de publicar su cantante Marc Ros), Band À Part, Comando Suzie, Feroe (proyecto en solitario de Miriam Gutiérrez de The Bright), Pau Vallvé, The Low Flying Panic Attack, Niña Polaca, Junco y Mimbre, PHOAC (mitad masculina de North State), la rapera La Tiguerita o Chef Creador han presentado canciones de sus próximos discos.
Aparte, hay numerosos singles que, si bien pueden formar parte de proyectos más amplios, tienen interés en sí mismos. Es el caso de grandes canciones de dúos-revelación tan variopintos como Blackpanda, Malamute o Fresquito y Mango, que se alinean con lo nuevo de Chico Blanco, ANTIFAN, la chilena Princesa Alba, MC Buzzz (el de ‘Bota’), Chelsea Boots, Aleesha, Macarena FVO, LOWLIGHT (con Cruz Cafuné & Israel B), Birkins (que vuelven a sus orígenes, cantando en francés), ELYELLA o Los Del Control & Pepe : Vizio. En la playlist tienen también un papel destacado las versiones, como las que han hecho Brigitte Laverne de Bad Bunny (!) y los debutantes Anabel Lee (que se dieron a conocer adaptando a Pepa Flores) de Don Patricio, y algún remix, como el de Hidrogenesse para el hasta ahora único tema de Masoniería (miembro de Papa Topo). Y también interesantísimos nuevos nombres como los de Lashormigas, Rothrigo, Çantamarta, o Santi (de Autoescuela), que se lanza en solitario con la desopilante ‘Charcuteras’, junto al también novel from y otro semidesconocido, Muil.
Resulta realmente asombrosa la capacidad de Paul Weller para mantener la frescura y el interés disco a disco, publicados con una considerable frecuencia. Da igual que esté más o menos inspirado, que se oriente hacia un sonido acústico con prominentes arreglos de cuerda (como sucedía en ‘True Meanings’) o que retroceda puntualmente a su espíritu más aguerrido (aquel de The Jam, en trabajos como ‘A Kind Revolution’). Él siempre logra hacer destacar su impecable elegancia, una clase absolutamente fuera del alcance de la gran mayoría. La clave puede estar en su absoluta falta de prejuicios, que le lleva a mirar al futuro sin dejar de lado el pasado ni caer en mamarrachadas impostadas. ‘On Sunset’, su nuevo álbum, es un buen compendio de todo ello.
En su decimoquinto disco de estudio en solitario, el veterano artista de Surrey se aleja un tanto de esos movimientos previos y, con cierto espíritu sorpresivo, recupera la raíz northern soul que tanto y tan bien supo explotar junto a Mick Talbot en The Style Council. Y, aunque sus letras apelen a una vida reposada en su pueblo natal (‘Village‘), con el tiempo agitándose (‘Old Father Tyme’) y sin más ambición que mantener su idilio con la música, el sonido de ‘On Sunset’ no es exclusivamente nostálgico y ni mucho menos se regodea en un pasado mejor. O no siempre: sí lo hace en una ‘Baptisme’ que podría entonar Van Morrison, en una ‘Walkin´’ próxima a los últimos Beatles y en la bodevilesca ‘Equanimity’.
Pero en general sus sutiles matices electrónicos (los de ‘Earth Beat‘, con la colaboración de la joven promesa del neo-R&B Col3trane, son los más evidentes) y sus múltiples estructuras aventuradas son del todo menos acomodaticios. A veces funcionan mejor, como en el caso de ‘More’ y la propia ‘On Sunset’, y otras peor, como en ‘Mirrorball’, pero siempre destacan por la clase y maestría de una producción que ha dirigido él mismo, con ayuda de su habitual colaborador Jan «Stan» Kibley y arreglos (muy jazzísticos) de la irlandesa Hanna Peel (John Foxx, The Magnetic North) y la guitarra –con varios solos estupendos– de Josh McCLorey de The Strypes.
Sin duda es encomiable el enorme ejercicio de equilibrio y coherencia que Weller aplica a un conjunto tan variado, pero si hay algo que brilla en ‘On Sunset’ son tanto su fabulosa calidez interpretativa (después de tantos años, en cada nuevo disco canta mejor) como su ingenio compositivo: sacarse de la manga a estas alturas nuevos clásicos como ‘Old Father Tyme’, ‘More‘ (en la que una mujer llamada Julie Gros entona un par de frases en francés) u ‘On Sunset’ no está al alcance de muchos, ni de su generación ni de otras. Y como gran joya de la corona, esa ‘Rocket’ que cierra el disco devolviéndonos a Bowie a la mente. No solo por los arreglos (ese saxo) o esa maravillosa construcción que va de lo acústico a lo celestial, sino porque evoca la vida como una odisea espacial, en la que somos cohetes que nos lanzamos hacia el cielo hasta desaparecer. Y entonces, justo entonces, nos deja rumiando unas palabras muy sabias: «Tods nuestra vida /es el Sistema el que decide. / La institución es vieja / pero sigue a los mandos. / (Pero) Nada en las cajas fuertes / vale en absoluto la pena. / Toda la riqueza está oculta. / Los relucientes diamantes y el oro puro, / bien, quedáoslo todo. / No vale nada».
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘Old Father Tyme’, ‘More’, ‘On Sunset’, ‘Rocket’, ‘Village’. Te gustará si te gusta: The Style Council, Dexys, Michael Kiwanuka. Youtube:vídeo de ‘On Sunset’
A finales de junio, abandonando entonces el estado de alarma, Novedades Carminha preguntaban a sus fans «¿Si no nos dejan hacer conciertos y ver vuestros caretos, qué podemos hacer para que nos sintamos juntos?». Sin duda andaban ya pergeñando la operación que concretaban con el lanzamiento el pasado viernes del single ‘Mucho nivel’: acercarse a sus fans rindiéndoles homenaje no solo publicando esta nueva canción –cuyo clip oficial han compuesto con fragmentos de vídeos de sus conciertos enviados por el público– sino ofreciéndoles una camiseta exclusiva del lanzamiento a su precio de coste –»Pedir, pedir, pedir… ¡Hay que dar, también, caralho!», decían expresivamente en un vídeo–. La primera tanda de 3.000 unidades en color amarillo ya se despachó un par de semanas atrás, y ahora han lanzado otra del mismo número pero en color negro. Foto: Daniel Jordán Pompa.
Y lo cierto es que, si bien esta iniciativa buscaba un guiño a sus seguidores al no poder verles en sus celebratorios directos, llega poco antes de que vuelvan a actuar en vivo de nuevo: hoy mismo, 29 de julio, actúan en el Camp Nou de Barcelona dentro de la iniciativa Cruïlla XXS. Un evento para el que, aseguran, la organización ha tomado las máximas medidas para que sea completamente seguro. Además, en las próximas semanas volverán a actuar en el Natural Live Festival de Hellín (Albacete), más tarde en Phe Festival de Tenerife y, ya en septiembre, en el ciclo Tomavistas Extra, en Madrid.
En esos conciertos, a buen seguro, tendrá un lugar protagonista esta nueva canción del cuarteto gallego. Un tema con total vocación hedonista y veraniega desde la entrada de ese teclado a lo ‘Ritmo de la noche’ y el ritmo caribeño a lo ‘Lambada’, a los que luego se suman el exiguo pero demoledor gancho que repite su título, una guitarra electrizante y un solo de saxo que bien podría ser un guiño a su admirado William Onyeabor. Otro hit incontestable que bien podría haber encajado en el inagotable ‘Ultraligero‘, su gran disco del año pasado que sigue dando alegría estos días.
Avanza el verano y, también, avanzamos hacia un nuevo álbum de Joe Crepúsculo. Aunque, de momento, las únicas certezas sobre él es que se titulará ‘Supercrepus II‘ –recordándonos que hay un ‘Supercrepus’, aunque en lo sonoro no parece tener tanto que ver con aquel– y que ha sido creado junto a Sergio Pérez –de Svper, productor de innumerables discos del ámbito independiente español en la última década–, con el que grabó sus primeros discos e hizo sus primeros directos. Y también, desde hoy, otra de sus canciones, ‘Serenata’.
En este caso, se trata de un medio tiempo iniciado por guitarras españoletas como las que bien podían haber sonado en algún tema de Enrique Iglesias circa 1999 –entendemos que de ellas viene su título–. Sin embargo, en su estribillo, marcado por una de esas frases tan Crepus en modo romántico como es «has desbloqueado el siguiente nivel de mi corazón», el tema da un giro disco, al que más tarde se suma un saxofón bien cálido y canónico.
‘Serenata’ es ya el tercer avance de ‘Supercrepus II’, tras el excitante jangle pop de ‘Disco en ruinas‘ y la rumbita que Iriarte y Tomasito aplicaron a ‘No sé si es amor‘, personal versión de Roxettte. Una vez más, Joe Crepúsculo no se casa con nadie en lo sonoro. Podemos esperar cualquier cosa de él en el sucesor del notable ‘Disco duro’.
No es que fuera una preocupación para mucha gente (tampoco para nosotros, que no les tenemos en mucha estima, la verdad), pero ¿qué ha pasado con The Chainsmokers? Después de tres años publicando singles, EPs y discos de manera constante, este 2020 decidieron hacer un lapso para preparar con calma su cuarto disco. Y se les tragó la tierra, hasta ahora. En realidad, quizá estén deseando que se les hubiera tragado la tierra en lugar de ser noticia por esto: el dúo formado por los DJs, productores y animadores Alex Pall y Drew Taggart está siendo objeto de una investigación por parte del Departamento de Salud del Estado de Nueva York.
Todo sucedió en un evento –llamado, para más inri, Safe and Sound (en español «Sano y salvo», LOL)– celebrado en los célebres Hamptons, un área costera reservada para grandes fortunas como lugar de vacaciones. En sintonía con eso, se trataba de un evento benéfico al que el acceso se costeaba entre los 1.250 y los 25.000 dólares, y cuyos beneficios estaban destinados a ONGs contra el hambre infantil y entidades médicas para niños en peligro de exclusión. Todo bien. La idea era ofrecer unos shows de DJs en un autocine –al estilo de los recintos en los que, por ejemplo, han actuado Belako en España–. Pero, claro, con una distancia entre vehículos de 6 metros y obligando a tomar a los asistentes todas las medidas sanitarias preceptivas contra el coronavirus –mascarillas, geles hidroalcohólicos a todo dar, etcétera–, habida cuenta de que en ese estado norteamericano están lejos de controlar la enfermedad.
Según reportan diversas crónicas, todo discurrió según esa prerrogativa hasta que The Chainsmokers salieron a hacer su show (que, para colmo, estaba patrocinado por su propia marca de tequila). Fue entonces cuando, según se puede ver en diversos vídeos y sin quedar claro en qué medida influyó la pareja, muchos de los alrededor de 3.000 asistentes decidieron abandonar la seguridad de sus vehículos y reunirse ante el escenario. Como puede verse, sin el menor atisbo de distancia de seguridad entre ellos y, lo que es peor, muchos de ellos sin mascarillas a la vista, como muestran diversos vídeos, uno de ellos del propio manager del grupo Adam Alpert, que lo mostraba orgulloso, como una hazaña. Dada la gravedad del suceso, el Departamento de Salud investiga ahora quién y en qué condiciones autorizó este evento, cuestionando a las autoridades de la ciudad de Southampton las medidas de seguridad. Y entendemos que también se dirimirá en ella la posible responsabilidad que pueda tener el célebre dúo de EDM. Ellos, por su parte, ya han anunciado shows similares en otras ciudades, como Miami, Los Ángeles, Atlanta, Nashville y Chicago. Todo esto, por supuesto, ha desatado reacciones furibundas hacia ellos, incluido el mismísimo gobernador del Estado de Nueva York, Andrew Cuomo.
The Chainsmokers had a “Drive-in” concert in the Hamptons last night…looks like social distancing was strongly enforced 🤦🏻♂️….when NY gets the inevitable spike just blame these rich selfish white people
Parece que la pandemia, terrible para muchas otras cosas, sí está fructificando de manera positiva para la música, después de todo. De un modo similar al que sucedía días atrás con Taylor Swift, que publicaba por sorpresa el notable ‘folklore‘, hoy es Angel Olsen la artista que, también un año después de publicar su último álbum, anuncia otro nuevo. Se titula ‘Whole New Mess’, y se publicará el próximo 28 de agosto. Además de su portada y el tracklist completo, presenta con un vídeo oficial la canción inédita que da nombre al disco. Foto exterior: Kylie Coutts.
Y ahora viene el pequeño truco, en el caso de la artista de Carolina del Norte: según deja entrever el listado de canciones y confirma el sello Jagjaguwar, la mayor parte de sus temas no son exactamente nuevos, sino revisiones de varias canciones del fabuloso ‘All Mirrors‘ publicado en 2019. ‘Lark’, ‘Summer’, ‘Chance’, ‘Too Easy’, ‘New Love Cassette’… están presentes aquí, «al menos en esqueleto y con títulos ligeramente distintos», dice el sello. Sin embargo, no se trata de demos o aproximaciones acústicas, sino que este «es un nuevo álbum con un mood propio». Si los espléndidos arreglos orquestales y la mirada cinematográfica de ‘All Mirrors’ es el sonido de Olsen preparando sus cicatrices para mostrarlas al mundo», aclara, «‘Whole New Mess es el sonido del descubrimiento de su forma, de darles un sentido a esas lesiones».
Grabadas en The Unknown, la iglesia católica que Phil Elverum de Mount Eerie y el productor Nicholas Wilbur convirtieron en un estudio de grabación en la pequeño pueblo de Anacortes, Washington, por Olsen con una guitarra y el ingeniero de sonido Michael Harris, este disco ha sido una experiencia muy personal para Angel: “Pasé por una ruptura, solo que fue mucho más que eso: perdí amistades también. Cuando sales de una relación tienes que analizar lo que eres o fuiste en todas esas relaciones. Quise grabar cuando aún estaba intentando procesar esas emociones. Estas son tomas personales, encapsuladas en un momento”.
Tracklist de ‘Whole New Mess’:
1. Whole New Mess
2. Too Easy (Bigger Than Us)
3. (New Love) Cassette
4. (We Are All Mirrors)
5. (Summer Song)
6. Waving, Smiling
7. Tonight (Without You)
8. Lark Song
9. Impasse (Workin’ For The Name)
10. Chance (Forever Love)
11. What It Is (What It Is)
La Academia de la Televisión de Estados Unidos acaba de anunciar las nominaciones a los premios Emmy 2020 a las mejores series, películas y programas del año en Estados Unidos. Dada la ausencia de la parrilla de nombres que han acaparado los premios más importantes en los últimos años, como ‘Juego de Tronos’, ‘Fleabag’ o ‘Veep’, había gran expectación por ver quién comandaría la lista de mayor número de opciones de galardón. Y finalmente ha sido la miniserie de HBO ‘Watchmen‘, adaptación televisiva del célebre cómic de Alan Moore y Dave Gibbons, la que con 26 lidera la lista de nominados (incluyendo uno a Trent Reznor y Atticus Ross de Nine Inch Nails por su banda sonora). Le siguen ‘La Maravillosa Sra. Maisel‘ con 20 y ‘Ozark‘ –serie de Netflix sobre una familia envuelta en negocios turbios– y la fantástica ‘Succession‘, ambas empatadas 18. ‘The Mandalorian’, serie de Disney+ inspirada en el universo de ‘Star Wars’, se ha quedado en 15.
Ahora bien, si dejamos al margen los premios técnicos, la cosa queda muchísimo más repartida: pocos son los títulos que superan las dos o a lo sumo tres opciones de premio. En ese sentido, destacan ‘Ozark’ destaca al optar a mejor serie dramática, con Jason Bateman y Laura Linney postulándose como mejores actor y actriz de suss categorías; y ‘Watchmen’, que podría ser mejor miniserie, y cuenta con Regina King y Jaremy Irons nominados como mejores actriz y actor de miniserie. También ‘Succession’, aunque, si bien se postula al galardón a mejor serie dramática, dos hombres de su elenco, Brian Cox y Jeremy Strong, pugnarán por una misma estatuilla, a mejor actor principal. ‘The Good Place’ es el último tñitulo que opta a tres premios: mejor comedia, y Ted Danson y William Jackson Harper compitiendo por mejor actor principal y secundario, respectivamente.
Una buena parte del resto de nominados apenas alcanzan dos nominaciones, como ‘Killing Eve’ (mejor drama y mejor actriz principal, para Jodie Comer), ‘The Morning Show’ (ambos por las interpretaciones de Jennifer Aniston y Steve Carell), ‘Mrs. America‘ (mejor miniserie y mejor actriz de miniserie para Cate Blanchett), ‘La maravillosa Mrs. Maisel’ (mejor serie de comedia y Rachel Brosnahan como mejor actriz principal de comedia), ‘Black-ish’ (Tracee Ellis Ross y Anthony Anderson), ‘The Crown’ (mejor serie dramática y mejor actriz principal para Olivia Colman), ‘Better Call Saul‘ (mejor drama y Giancarlo Exposito como actor de reparto)… Y muchas más, como ‘Stranger Things’ (mejor serie dramática), ‘Euphoria’ (Zendaya consigue la única nominación a actriz principal de drama), ‘Pose’, ‘Hollywood‘, ‘This Is Us’, ‘Unorthodox‘, ‘Lo que hacemos en las sombras’, ‘Westworld’ o ‘Brooklyn Nine-Nine’, entre otras, apenas se postulan por un premio. Aún pendiente de conocerse cómo será la gala de entrega de premios dada la situación actual, parece que se fallarán los premios el 20 de septiembre próximo. A continuación, la lista completa de nominados en las categorías principales:
Mejor drama
Better Call Saul (AMC)
The Crown (Netflix)
The Handmaid’s Tale (Hulu)
Killing Eve (BBC America)
The Mandalorian (Disney+)
Ozark (Netflix)
Stranger Things (Netflix)
Succession (HBO)
Mejor comedia
Curb Your Enthusiasm (HBO)
Dead to Me (Netflix)
The Good Place (NBC)
Insecure (HBO)
The Kominsky Method (Netflix)
The Marvelous Mrs. Maisel (Amazon)
Schitt’s Creek (Pop)
What We Do in the Shadows (FX)
Mejor miniserie
Little Fires Everywhere (Hulu)
Mrs. America (FX on Hulu)
Unbelievable (Netflix)
Unorthodox (Netflix)
Watchmen (HBO)
Mejor actriz principal en serie dramática
Jennifer Aniston (“The Morning Show”)
Olivia Colman (“The Crown”)
Jodie Comer (“Killing Eve”)
Laura Linney (“Ozark”)
Sandra Oh (“Killing Eve”)
Zendaya (“Euphoria”)
Mejo actor principal en serie dramática
Jason Bateman (Ozark)
Sterling K. Brown (This Is Us)
Steve Carell (The Morning Show)
Brian Cox (Succession)
Billy Porter (Pose)
Jeremy Strong (Succession)
Matthew Macfadyen (Succession)
Bradley Whitford (The Handmaid’s Tale)
Jeffrey Wright (Westworld)
Mejor actor de comedia
Anthony Anderson (Black-ish)
Don Cheadle (Black Monday)
Ted Danson (The Good Place)
Michael Douglas (The Kominsky Method)
Eugene Levy (Schitt’s Creek)
Ramy Youssef (Ramy)
Mejor actriz de comedia
Christina Applegate (“Dead to Me”)
Rachel Brosnahan (“The Marvelous Mrs. Maisel”)
Linda Cardellini (“Dead to Me”)
Catherine O’Hara (“Schitt’s Creek”)
Issa Rae (“Insecure”)
Tracee Ellis Ross (“Black-ish”)
Mejor actriz en una miniserie
Cate Blanchett (Mrs. America)
Shira Haas (Unorthodox)
Regina King (Watchmen)
Octavia Spencer (Self Made)
Kerry Washington (Little Fires Everywhere)
Mejor actor en una miniserie
Jeremy Irons (Watchmen)
Hugh Jackman (Bad Education)
Paul Mescal (Normal People)
Jeremy Pope (Hollywood)
Mark Ruffalo (I Know This Much Is True)
Mejor actor secundario en comedia
Mahershala Ali (Ramy)
Andre Braugher (Brooklyn Nine-Nine)
Alan Arkin (The Kominsky Method)
Sterling K. Brown (The Marvelous Mrs. Maisel)
Dan Levy (Schitt’s Creek)
Tony Shalhoub (The Marvelous Mrs. Maisel)
Kenan Thompson (Saturday Night Live)
William Jackson Harper (The Good Place)
Mejor actor de reparto en serie dramática
Nicholas Braun (Succession)
Billy Crudup (The Morning Show)
Kieran Culkin (Succession)
Mark Duplass (The Morning Show)
Giancarlo Esposito (Better Call Saul)
Programas de variedades y talk-show
“Daily Show with Trevor Noah”
“Full Frontal with Samantha Bee”
“Jimmy Kimmel Live”
“Last Week Tonight with John Oliver”
“Late Show with Stephen Colbert”
Mejor reality
“The Masked Singer”
“Nailed It”
“RuPaul’s Drag Race”
“Top Chef”
“The Voice”
Filme de televisión
American Son (Netflix)
Bad Education (HBO)
Dolly Parton’s Heartstrings: These Old Bones (Netflix)
El Camino: A Breaking Bad Movie (Netflix)
Unbreakable Kimmy Schmidt: Kimmy vs. the Reverend (Netflix)
Apenas un mes después de haber editado su esperado regreso discográfico, ‘KiCK i‘, la venezolana Arca anuncia hoy la próxima publicación de más material sonoro. En este caso no es nuevo, dado que hablamos de la publicación en formato físico de su mixtape debut, ‘&&&&&’, que comenzaba a circular en el año 2013 pero nunca había tenido una edición oficial. Completamente remasterizada y por primera vez con los cortes editados de manera independiente –originalmente era una única pista digital–, se publicará el próximo día 18 de septiembre en formato de vinilo (y digital) con nuevo artwork a través de PAN –plataforma artística que ha alumbrado a artistas como Yves Tumor o M.E.S.H.–. De momento, podemos escuchar su primer corte, ‘Knot’.
En la bio del disco, Alejandra Ghersi recuerda cómo ‘&&&&&’ veía la luz en medio de cierta excitación, tras conocerse su participación en ‘Yeezus‘, el crucial álbum de Kanye West –participó activamente en ‘Hold My Liquor’, ‘I’m In It’, ‘Blood On the Leaves’ y ‘Send It Up’–. Y, de hecho, parte de ‘&&&&&’ estuvo sobre la mesa de Kanye. Según recuerda Arca, «incluía cortes sonoros y ritmos demasiado extraños para ese proyecto pop, mientras se iba transformando en una pieza de arte experimental que vendría a definir lo que hoy es ampliamente conocido como sonido «post-club». Es música tan visceral como experimental, hecha tanto para la mente como para el cuerpo». “Quería hacer algo que fuera mi mejor trabajo” dice Arca que lo escucha hoy en día “con mucho cariño”.
Tras la publicación en 2015, a través del prestigioso sello británico Mute Records, de ‘Xen‘ y ‘Mutant‘, el despegue definitivo de Arca llegó en 2017 con su fantástico álbum homónimo, que obtuvo una gran acogida de la crítica a la vez que se convertía en objeto de todas las miradas por sus provocadoras performances en directo. Y este año ‘KiCK i’ ha supuesto su consolidación como estrella del pop experimental global, contando en él con colaboraciones del renombre de Björk, SOPHIE y Rosalía.
Tracklist de ‘&&&&&’:
Knot
Harness
Fossil
Feminine
Anaesthetic
Coin
Century
Mother
Hallucinogen
Pinch
DM True
Waste
Pure Anna
Obelisk
La lista de singles española deja apenas tres entradas esta semana: ‘Relaciones’ de Lunay en el número 54, ‘Anaranjado’ de Jowell & Randy con J Balvin e el 93 y ‘Mi niña’ de Ozuna en el 97.
El resto el top 100 sigue más o menos igual que la semana pasada: el «negrito de ojos claros» firma una semana más la canción más escuchada en España con ‘Caramelo’, ‘La curiosidad’ de Jay Wheeler con DJ Nelson y Myke Towers le sigue muy de cerca en el número 2, el remix de ‘Tattoo’ de Rauw Alejandro con Camilo sube del 14 al 3, y ‘Agua‘ de J Balvin y Tainy, el tema oficial de la nueva película de ‘Bob Esponja’ que samplea la sintonía de la serie original para maravilla u horror del pueblo, protagoniza la subida más importante de la semana, al ascender del número 24 directamente al 4.
Semana floja para una lista saturadísima de reggaetón hasta el punto de no dar crédito: un vistazo rápido a todo el top 100 descubre que la mayoría de la lista está dominada por el bombo rítmico que caracteriza este género, con apenas la salvedad de ‘Nunca estoy’ de C. Tangana (32) y por supuestos de los temas que proceden del mercado anglosajón, como ‘Blinding Lights’ de The Weeknd (25), ‘Don’t Start Now’ de Dua Lipa (70) o ‘Rain on Me’ de Lady Gaga y Ariana Grande (75). Sin duda, una música que ha dejado de estar de moda para directamente ser la sangre de la música más escuchada en nuestro país. El reggaetonero o la reggaetonera que, en algún momento, se desmarque radicalmente de este estilo para sorprender con algo diferente, puede llevárselo calentito.
Una semana más, ‘Emmanuel‘ de Anuel AA vuelve a ser el disco más exitoso en España. Pero hay una pequeña novedad en el top 10: ‘1016‘ de Alfred García re-entra directamente en el número 2 de la lista tras la edición de ‘1016: Fin de gira’, el disco que documenta el último concierto de la gira de este álbum, celebrado en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Además, el disco de «singles inéditos» de Operación Triunfo 2020 entra en el número 7.
A continuación, _juno, el proyecto conjunto de Zahara y Mucho anunciado hace unos días por sorpresa, revelado en exclusiva a través de JENESAISPOP, y sobre el que hemos tenido el placer de hablar con sus autores, coloca su debut en el número 27, por debajo de lo logrado por los últimos discos de Zahara (‘Astronauta‘ fue número 5, ‘Santa‘ número 3), pero por encima de lo conseguido por los tres discos de Mucho (‘¿Hay alguien en casa? fue número 98, ‘Pidiendo en las puertas del infierno’ número 46, y ‘El apocalipsis según Mucho’ número 88). Después, el reggaetonero Byrtiago entra en el número 30 con ‘Orgánico’.
Algunas bandas de rock veteranas aparecen en la parte media de la tabla, que aúna ventas y streaming por fin, con sus lanzamientos más recientes. La reedición de ‘Closer’ de Joy Division por su 40 aniversario entra en el número 39, ‘Violator. The 12 Singles’ de Depeche Mode en el 62, y además Pretenders colocan su nuevo disco de material inédito, ‘Hate for Sale‘, en el 42. JARV IS… el nuevo proyecto de Jarvis Cocker, entra en lista por los pelos, en el 99, con el recomendado ‘Beyond the Pale’.
El resto de entradas en lista las firman Stray Kid con ‘Go Live’ en el número 43, Ellie Goulding con ‘Brightest Blue‘ en el 47 (el álbum sí ha sido número 1 en Reino Unido), y Kansas con ‘The Absence of Presence’ en el 79.
Si días atrás hablábamos de los primeros pasos de la neozelandesa BENEE tras el exitazo de su single ‘Supalonely‘, hoy hablamos de lo que planea su compañero en esa canción y que ha visto su popularidad propulsada a niveles insospechados. Nos referimos al neoyorquino Gus Dapperton, un artista que también surgió del underground… y que por el momento no planea abandonarlo. Dapperton ha anunciado la publicación el día 18 de septiembre de su segundo disco de estudio, ‘Orca’, una metáfora sobre “cómo todos somos animales en jaulas y cómo no podemos comprender nuestro sufrimiento a partir de la apariencia física”.
Producido por él mismo y con Mark «Spike» Stent (Frank Ocean, Lady Gaga, Beyoncé) en las mezclas, Gus compuso ‘Orca’ mientras presentaba por todo el mundo su debut ‘Where Ponny People Go To Read‘, movido por la «inestable» vida en la carretera: “Mi vida y hábitos se habían vuelto extremos. No dormía ocho horas por las noches, bebía y tomaba drogas constantemente. No comía sano. Y, además, actuaba. Un concierto puede ser inspirador, una cima de emociones; pero si algo sale mal puede ser devastador”. Esa «montaña rusa emocional», sumado a su «deseo de volver a casa», llevó a Dapperton hacia la depresión y aspectos oscuros de su intimidad, pese a aparentar externamente que todo estaba bien, conectando con la explicación del título del álbum.
Ese sufrimiento ya se exploraba en ‘First Aid‘, primer adelanto del nuevo disco, donde esos «primeros auxilios» se aplican a lo anímico –»siento lo de mi cabeza», comienza cantando Gus mientras rasga su guitarra acústica–. Y lo hace también en el segundo, la maravillosa ‘Post Humorous’ presentada un par de semanas atrás y que es hoy nuestra Canción del Día. En este caso, aunque de una manera más difusa, parece explorar cómo afecta a un niño cuando se hace mayor vivir la muerte de cerca a tan tierna edad –ya su título es un juego de palabras sobre el primer verso, que habla de hacer chistes en funerales–. Pero no lo hace de una manera taciturna sino con un inconmensurable brillo pop, no sin un poso de tristeza precioso en sus incontables giros melódicos.
Dapperton también parte en este caso de una instrumentación mínima, pero la adición de instrumentos va elevando la canción hasta la explosión pop de su estribillo. Y sigue creciendo de intensidad con la interpretación vocal de Gus, que hacia los segundos pre-coro y estribillo impacta con ese desgarro vocal casi punk tan reconocible en él. Especialmente emotiva es la imperdible versión en vivo que ha mostrado hace pocos días, interpretada con su banda en el salón de su casa, donde destaca junto a la suya la voz de su hermana Amadelle –teclista y corista de la banda–, que muestra un timbre que por momentos, gracias al tono melancólico de la canción, nos transporta hasta los mejores Cranberries y la añorada Dolores O’Riordan. Una verdadera maravilla que hace que aguardemos por ‘Orca’ con enorme interés.
Tracklist de ‘Orca’:
1. Bottle Opener
2. First Aid
3. Post Humorous
4. Bluebird
5. Palms
6. My Say So (feat. Chela)
7. Grim
8. Antidote
9. Medicine
10. Swan Song
Denise Johnson, una de las voces femeninas más reconocibles presentes en ‘Screamadelica‘, el influyente tercer álbum de Primal Scream, publicado en 1991, ha muerto a la edad de 54 años por causas desconocidas.
Nacida en Manchester, Denise Johnson fue corista de Primal Scream de 1991 a 1995, llegando a interpretar canciones tan conocidas del grupo como ‘Don’t Fight It, Feel It’ o ‘Higher than the Sun’. Johnson llegó a integrarse en la formación de directo de la banda compuesta por Bobby Gillespie, Andrew Innes y Robert Young recomendada por Tony Martin de Hypnotone cuando este se encontraba trabajando en el entonces no publicado ‘Screamadelica’, y de hecho llegó a cantar la canción de 10 minutos que daba título al álbum, pero que finalmente no fue publicada en el mismo, sino un año después en el EP ‘Dixie-Narco’.
Johnson también cantó con la banda de post-punk A Certain Ratio, con Pet Shop Boys y con Electronic, la banda de Bernard Sumner y Johnny Marr, entre otros; y este mismo año, el día 25 de setiembre, publicaba su debut en solitario, un álbum llamado ‘Where Does it Go?’ compuesto por canciones originales y versiones de gente como New Order, The Smiths o 10cc. A principios de este año moría otro nombre involucrado en ‘Screamadelica’, el productor Andrew Weatherall, a causa de una embolia pulmonar.
Asistir a los «beefs» entre Taylor Swift y Kanye West, o entre Taylor Swift y Kim Kardashian, o entre Taylor Swift y Katy Perry, o entre… ya lo vais pillando, ha sido uno de los entretenimientos más exasperantes del mundo del pop de los últimos tiempos. Si este genial tuit de Perfume Genius hubiera llegado antes, muchos tendrían que habérselo aplicado. Taylor ha salido ganando a todas luces de todos ellos: su proclama feminista contra la humillación de un Kanye West que es un misterio por qué sigue siendo alguien, es histórica; su reconciliación con Katy vía disfraces, muy agradecida; pero que de todo ello salieran discos tan cuestionables como ‘reputation‘ y ‘Lover‘ hacían a Taylor parecer muy perdida. Que la artista llevara sus pataletas a la categoría de tragedia griega en el primero imposibilitaban a cualquiera tomársela en serio; que después sacara un disco sobre el amor tan destartalado como ‘Lover’ y encima decidiera presentarlo con dos singles tan sumamente pueriles como ‘ME!’ y ‘You Need to Calm Down’ reforzaba esta apreciación.
El último par de años ha cambiado a Taylor Swift, el documental ‘Miss Americana‘ nos ha acercado a su persona (mucho mas insegura de lo que aparenta) como nunca han hecho sus canciones, y el lavado de cara de ‘Lover’ servía también para mostrar a un artista más madura que antes sobre todo en sus cortes menos mediáticos, como ‘Soon You’ll Get Better’ o ‘It’s Nice to Have a Friend’, que parecen haber guiado vagamente la dirección del nuevo álbum de la artista publicado este viernes por sorpresa. Compuesto en aislamiento durante la cuarentena, la cantautora de Nashville se ha adelantado a Ed Sheeran y ha publicado ese disco de «indie folk» no comercial que el inglés declaró hace tiempo se encontraba preparando, pero que el mundo sigue esperando, o al menos preguntándose si es capaz de hacerlo. Irónicamente, para una artista como Taylor Swift, tan apegada al aspecto comercial de su trabajo desde siempre, las circunstancias de un confinamiento han sacado lo mejor de sí misma en un ‘folklore’ que, aún haciéndose largo, es el mejor disco que Taylor podía haber publicado en este momento de su carrera. Y por supuesto, las ventas están acompañando.
Taylor no ha emprendido este camino sola, sino de la mano de Aaron Dessner de The National, co-autor de 11 de las 17 pistas del disco, y de su mano derecha Jack Antonoff. Sin embargo, ‘folklore’ no es una superproducción pop llena de nombres en los créditos que no conoces, sino un trabajo creado por Taylor con la ayuda de estos dos artistas y apenas un nombre más, William Bowery, cuya existencia en internet parece ser nula pero los fans creen puede tratarse del novio de Swift, el actor inglés Joe Alwyn, o incluso de Lorde (?). La presencia de tan pocos nombres en ‘folklore’ contribuyen a potenciar la sensación de intimidad de un álbum necesariamente modesto, sin grandes singles dentro de su secuencia al menos de primeras, pero cohesivo como pocos discos de Taylor y lleno de bonitas canciones e historias a veces autobiográficas y otras más alegóricas, pero siempre mimadas hasta el último detalle, con la atención que merecen.
Ya hemos comentado que la firma de Aaron Dessner en ‘folklore’ es perceptible sobre todo en los pianos y arreglos orquestales de las canciones, muy propios de discos como ‘I Am Easy to Find‘. Estos arreglos son delicados y exquisitos en todos los casos, como en ‘peace’, que el propio Dessner asegura podría ser una canción de amor de Joni Mitchell, pero por suerte nunca se sobreponen a unas canciones calmadas y sombrías que enternecen por su naturalidad, sencillez y falta de ambición desde el segundo cero. La firma de Taylor sigue siendo comercial en espíritu, pero en ‘folklore’ está revestida de arreglos mas «alternativos» e incluso próximos a los estilismos del folk gótico y del dream-pop, pues no está de más recordar que Taylor ya había incluido en sus playlist recientes canciones de Beach House, The Japanese House, Dum Dum Girls o los propios The National y Bon Iver, este segundo presente en la solemne balada ‘exile’, la canción mas dramática del largo. Así, es fácil ver singles potenciales en la parsimoniosa ‘the 1’, que abre el disco con una pizpireta melodía; en la misma ‘exile’, que grita a actuación en los Grammy; o ‘the last great american dynasty’, posiblemente la canción del álbum que mejor concilia sensibilidad comercial y «alternativa» con la cuidada narrativa que caracteriza a las letras, donde nuevos personajes surgen para enriquecer el lirismo de la artista nacida en Pensilvania (menos inmediato es el single ‘cardigan’, que toma alguna que otra idea del cancionero de Lana Del Rey). Por otro lado, sorprende escuchar en las lúgubres y evocadoras atmósferas de ‘mirrorball’, ‘this is me trying’ y ‘august’, en mi opinión la mejor canción del disco, ecos a los Cranberries de ‘Linger’, al shoegaze-pop de los 90 o incluso a Mazzy Star por primera vez en la carrera de Taylor, resultando a su vez idóneos para su madurada voz, que nunca ha sonado mejor.
Si ‘folklore’ peca de algo es de no ser mejor que la suma de sus partes: por separado todas sus pistas ofrecen un detalle interesante, pero escuchadas en conjunto terminan diluyéndose entre ellas, sobre todo a partir de la discreta ‘illicit affairs’, menos emocionante de lo que sugiere su título. Llegadas ‘mad woman’, dirigida a los villanos de la polémica de los «masters»; o la lánguida ‘epiphany’, que compara la experiencia del abuelo de Taylor en la guerra con la de los médicos en primera línea de batalla contra el coronavirus, el álbum redunda en ideas demasiado parecidas, hasta el punto que es fácil desconectar de lo que está contando. Solo ‘betty’ logra despuntar hacia el final gracias a su sonido country, pero al disco le habría favorecido una secuencia más dinámica sobre todo en su último tramo.
Sin embargo, ‘folklore’ pasará a la historia por lo acertado de su lirismo. La crítica nunca se ha cansado de recordar que Taylor es autora ante todo, mientras los fans nunca han dejado de confiar en que tuviera otro ‘All Too Well’ dentro de ella; y aunque nunca ha alcanzado la sofisticación de muchos de sus contemporáneos y contemporáneas, su lírica en ‘folklore’ es de una claridad absoluta. Es fantástico el camino por el que nos lleva Taylor en ‘the great american dynasty’ contándonos la historia de Rebekah Harkness, la mecenas de arte que vivió en la casa de Rhode Island donde la cantante reside actualmente; para terminar hablando de ella misma, casi como si fuera una reencarnación de aquella (las dos se lo pasaban bien montando grandes fiestas y «arruinándolo todo»); y el álbum deja prácticamente una frase memorable por canción. En la tenebrosa ‘my tears ricochet’, Taylor convierte su enemistad con Big Machine en una historia funeraria llena de resentimiento («me tuviste que matar, pero a vosotros os mató también»), mientras en ‘mirrorball’ llega a confesar su tendencia a imitar a los demás para encajar: «nunca he sido una persona natural, yo no hago más que intentarlo». En la sombría ‘this is me trying’, la artista plasma sus demonios internos en una frase para el recuerdo: «me dijeron que todas mis jaulas eran mentales, así que me eché a perder, como todo mi potencial». Y el álbum logra contraponer todo este drama con buenas dosis de desenfado y humor en cortes como ‘the 1’ («éramos lo más, ¿no crees?») o el extraño ‘invisible string’, que ponen sobre la mesa su sensatez: «frío era el acero de mi hacha para los hombres que me rompieron el corazón, ahora les mando regalos para sus bebés».
La libertad narrativa de ‘folklore’ lleva a Taylor a contar la historia de una infidelidad a través de tres canciones, ‘cardigan’, ‘august’ y ‘betty’, que forman el «triángulo de amor adolescente» del largo y explican esta infidelidad desde tres puntos de vista; e incluso a dar vida a una historia de amor «queer» en el delicado folk-rock de ‘seven’. Así, en ‘folklore’ ya no es tan interesante lo que Taylor haya podido verter sobre su propia vida en las letras, sino de qué manera plasma estas experiencias en historias que pueden ser realidad o ficción. El ego pasa a un segundo plano en unas composiciones que se regodean en el placer de contar historias para crear su propia cultura del «folklore». Son historias sencillas sobre el amor, la juventud, la madurez, las inseguridades o la obsesión por gustar a los demás que todo el mundo puede entender. Paradójicamente, aislarse del mundo ha acercado a Taylor más al pueblo.
La Trinidad es un trío de Málaga llamado así en honor, precisamente a un barrio popular de su ciudad. Sixto, Carlos y Jorge eran parte integrante de otro grupo, The Loud Residents, más orientado a un sonido post-grunge y britpop, con Arctic Monkeys como referente confeso. Y hacia 2018, decidieron formar ese nuevo proyecto con mayor querencia por el rock psicodélico y el garaje de los 60, aunque con frescura y gancho. Y además cantando en español. Tras autoeditar el EP ‘El Peligro’, rápidamente llamaron la atención del sello Sonido Muchacho, que después de presentarles con el single ‘Nuevas dignidades’ y su tema ‘La joya‘ como estandarte prevé publicar en próximos meses su álbum debut.
Se trata de ‘Los edificios se derrumban’, un álbum que lanzan el 2 de octubre y que ha contado con la producción de un gigante del mundo alternativo yanqui como es John Agnello, productor de Sonic Youth, Dinosaur Jr. o Kurt Vile, entre otros muchos. El salto cualitativo se hace palpable en ‘España invertebrada’, single adelanto que señalábamos semanas atrás en la sección «Sesión de Control» y que además de un magnetismo innegable –power pop al estilo Cala Vento pero con unas guitarras más cercanas a The Smiths–, cuenta con una letra que tiene una lectura político-social. Muy alejado, en verdad, del sorprendente tema que ha escogido el propio Sixto Martín para hablarnos en profundidad en la sección patrocinada por Jägermusic, «Meister of the Week»: la «música de ascensor». Incluye una playlist con su selección de favoritas.
Cuando dices «música de ascensor», ¿de qué hablas exactamente?
Generalizando, la música lounge era concebida como una música -mayormente instrumental- de tránsito, de adorno, para ambientar estancias concurridas: coktails, fiestas, ascensores, tiendas, recibidores, hoteles, etcétera, y que desde luego tuvo mucha influencia y presencia en bandas sonoras de cine de aquellos años (también por su aire misterioso con esos sinuosos glockenspiels, vibráfonos, Wurlitzers, Farfisas y Rhodes). Se trataba de una especie de jazz ligero, subgénero del easy listening, que a menudo se interpretaba con big bands y se mezclaba con exótica, ritmos de bossanova, samba, calipso, mambo… Y que a su vez tuvo mucho que ver con el space age pop, ese otro subgénero en el que hoy reconocemos el retrofuturismo, es decir, la forma en que se concebía el futuro y se miraba con fuerte optimismo a los avances tecnológicos desde los años 50 y 60 durante la Era espacial. Ya por entonces empezaron a escucharse experimentos con los primeros sintetizadores modulares.
¿Cómo empieza a interesarte la «música de ascensor»?
Bueno, pues mi historia con la música de ascensor se remonta a cuando era muy pequeño, no porque supiera lo que era (de hecho la música de ascensor suponía para mí algo que en realidad era un universo mucho más grande), sino porque me atraían esos sonidos y esa estética. Me empezó a gustar la música de verdad gracias a descubrir que una vez, hacía mucho tiempo, hubo una década impresionante en la que se hizo de todo, la de los años 60, y me fascinó absolutamente todo eso que ocurrió ahí. De hecho, me obsesioné locamente con los Beatles y me convertí en una especie de ermitaño porque precisamente no era lo típico que le iba a gustar al resto de niños de 11 años.
«Me obsesioné locamente con los Beatles y me convertí en una especie de ermitaño de 11 años»
¿Y qué supuso para un niño de 11 años, en tu caso, obsesionarse con los 60? ¿Lo entendían tus amigos, familia…?
Supuso, y no por falta de amistades, vivir mi preadolescencia en bastante soledad, no nos engañemos. Podría decirte que lo disfruté mucho pero me aisló un montón; también te digo que a esa edad el fútbol ya había dejado de interesarme, nunca me gustaron demasiado los videojuegos, así que me quedaba poco más que hacer a esa edad (en este caso, buscarme una afición rara como decidir vivir mi propio Swinging London delante de una pantalla de ordenador en mi habitación). Pero guardo la sensación de, ya con 13 o 14 años, sentirme bastante frustrado. Por entonces yo quería montar un grupo y no había manera, aunque finalmente los miembros de mi primer grupo (¡The Loud Residents, aún seguimos tocando y estamos vivos!) estaban más cerca de lo que pensaba. Por lo demás, pues bueno, sí, mis amigos y mi familia más que entenderme hacían por entenderme, supongo. O sea, viví lo de ser un pedazo de friki pedante a los 11 años sin mayor problema que el de pelearme con mis padres porque quería el pelo más largo y con más flequillo. Al final lo que me obsesionó de verdad fueron Los Beatles y lo que les rodeaba, un gusto que visto por ojos de cualquiera y desde fuera resulta dócil, a pesar de que en absoluto yo lo viviera de tal manera.
¿De qué manera exactamente?
Pues ahí lo tienes: si te sientes solo a los 11 años y eres un niño rarito no queda otra cosa que refugiarte en algún mundo de fantasía, bien sea Hogwarts -que también- o, si eras un puto pedante como yo, en esos ambientes típicos de las pelis de 007 de Sean Connery que me ponía mi padre o, bien, soñando con la casa de los Beatles en ‘Help!’ (1965) de Richard Lester. Como ejercicio para alimentar la nostalgia desde la estética pura, invito a dar un paseo por los decorados, espacios de rodaje y la escenografía que hizo Ken Adams para ‘Goldfinger’ (1964) y ‘You Only Live Twice’ (1967), y que recuerdan fuertemente a la obra de Vaquero Palacios: quítale las Walther PPK al personal, imagínate en su lugar unos cuantos Bloody Marys y piensa en el guateque que podría montarse ahí a ritmo de jazz futurista para burgueses muy bien vestidos.
«Invito a dar un paseo por los decorados, espacios de rodaje y la escenografía que hizo Ken Adams para ‘Goldfinger’ (1964) y ‘You Only Live Twice’ (1967), y que recuerdan fuertemente a la obra de Vaquero Palacios»
O sea, que era más bien la estética de todo ello…
Evidentemente, si eres impresionable, como yo, el gusto por los 60 una vez abierta la caja de Pandora de los flequillos va más allá de la música: el cine, la moda, el arte, la fotografía… y, por supuesto, las casas, la decoración y todos esos ambientes que se veían en las películas, en las fotos, etcétera. No sé, imagina espacios y casas como la de ‘The Party’ (1968) de Blake Edwards (antes de que acabe llena de espuma, eso sí). Desde la distancia, esa suerte de lugares con muebles vanguardistas (a veces se puede leer la etiqueta furniture music) y con gusto por el exotismo en los que te imaginas a maqueados y entusiastas lectores de Playboy, con batín burdeos de terciopelo y las iniciales bordadas en hilo dorado, tienen una banda sonora que quizá no sea exclusivamente música de ascensor como yo la llamaba, pero sí lo que se conoce por lounge pop o background music (género en el que podemos englobar lo que precisamente conocemos por música de ascensor o lift music).
«Entendemos la música de ascensor como algo de paso, simplón, estereotipado, anticuado… cuando precisamente vivimos el momento histórico en el que (…) se oxida todo a las pocas semanas»
«Música de ascensor» es un término que se sobreentiende como peyorativo y sin embargo es una música riquísima a todos los niveles. ¿Cómo explicarías por qué no debe despreciarse?
Totalmente, y creo que se usa de esa manera porque hoy, paradójicamente, entendemos esta música como algo de paso, simplón, estereotipado, anticuado… cuando precisamente vivimos el momento histórico en el que absolutamente todo es veloz, instantáneo, inmediato, poco reposado, llano, se oxida todo a las pocas semanas… No sé, incluso reduciéndola a mera música de paso ojalá viviéramos más cerca del tempo de estas piezas que de, yo qué sé, notificaciones y “consumo de contenidos”. La música de ascensor, en la amplitud de su término, es una síntesis increíble de muchísimas músicas del mundo, esconde una cantidad influencias, de timbres y arreglos de una complejidad que más quisiera mucha música orquestal a veces. Además, me interesa su contemporaneidad en cuanto a los 60, cuenta implicaciones muy de época como el retrofuturismo y la carrera espacial, la concepción de la tecnología, la ruptura generacional y cómo afectó a las nuevas formas de relacionarse en ciertos niveles pudientes de la sociedad, formó parte de un ecosistema artístico en el que se combinaba con un nuevo mobiliario de diseño, gusto por el arte abstracto, moda de vanguardia, etcétera.
¿Qué piezas destacarías que sirvan de ejemplo de lo que dices?
Aunque se desdibuje un poco la etiqueta, y desde la amplitud de todos los subgéneros del lounge, recomiendo:
1) ‘Megeve’ – Henry Mancini
2) ‘New York Herald Tribune’ – Martial Solal
3) ‘Wives And Lovers’ – Burt Bacharach
4) ‘Crickets Sing For Ana Maria’ – Walter Wanderley
5) ‘Douceur Tropicale’ – Michael Lorin Et Son Ensemble
6) ‘Louise’ – David McCallum
7) ‘The Girl With The Sun In Her Hair’ – John Barry Orchestra
8) ‘Samba Para Dos’ – Lalo Schifrin
9) ‘Who Needs Forever’ – Astrud Gilberto, Walter Wanderly
10) ‘Party Poop’ – Henry Mancini
BONUS TRACK: ‘Opération FR1’ – François De Roubaix
«España vive instalada en la plena desmemoria, en la cultura no iba a ser para menos»
En las referencias que citas no mencionas nombres españoles, pero Augustó Algueró, Alfonso Santisteban, Trabucchelli, Waldo de los Ríos… son muy prominentes. ¿Has indagado en esas discografías?
Siempre que me toca hacer listas o hacer cosas de este tipo procuro barrer para casa e intentar destacar el producto made in Spain, pero reconozco que aquí me habéis pillado (1) por olvido y (2) por controlar muy poquito la música de ascensor española en su extensión. A Algueró y a Waldo de los Ríos los he escuchado, y numerosas veces sin saberlo, posiblemente con Santisteban y Trabucchelli haya pasado lo mismo — es lo que tienen los arreglistas, que están siempre en la sombra por desgracia y en muchas ocasiones, forzosamente (que se lo digan a los arreglistas de Gainsbourg, por ejemplo). Hace no mucho estuve leyendo sobre Waldo de los Ríos precisamente, han sacado un biografía suya que por lo visto es genial.
Como a mí, y no lo digo por excusarme de nada, supongo que a muchos nos sucede que nos ha costado acceder a nuestro pasado, especialmente al de la música de los 60 en España; se muestra como muy poco accesible, y no por falta de información en realidad, pero parece que ha habido empeño en dejarlo atrás, en dejar de hacer popular lo que un día fue pop por antonomasia. Los catálogos están sin reeditar y sin restaurar, hay mucho material perdido o, peor aún, sin valorar y rescatar del baúl de los recuerdos. España vive instalada en la plena desmemoria, en la cultura no iba a ser para menos.
En los 90 hubo un revival de esta estética, gracias al acid jazz y el big beat, y tuvo cierta repercusión en el mundillo alternativo. Por ejemplo, Subterfuge publicó discos de Mastretta, Carlo Coupé, Alcohol Jazz, Profesor Popsnuggle… ¿Te suenan un poco o te interesa lo genuino, no actualizaciones?
En esto sí que no he tenido ningún tipo de acercamiento, conozco algunos de los grupos que se mencionan pero no me he interesado nada, pero ni en el caso español ni en ningún tipo de revival de esta música a nivel global. Por lo general los revival, si no son para traerlos de nuevo al presente con una razón de ser ligada a la actualidad, no me interesa demasiado. Como ejercicio de estilo puede ser genial, pero me suelen decir poco. Por ejemplo, hay mucho de música de ascensor en el último de los Arctic Monkeys, que me parece una delicia de disco. Pero es algo totalmente distinto porque, además de estar lejos de ser un simple ejercicio de estilo o cliché, temáticamente está muy bien traído, por ejemplo, el retrofuturismo vinculado a la tecnología de la inmediatez que he comentado antes, traducir en un lenguaje presente inquietudes de aquel pasado… y así entre una infinidad de matices.
«Hay mucho de música de ascensor en el último de los Arctic Monkeys»
Ese revival también se extendió a fanzines, moda, e incluso a la decoración, y en Madrid y Barcelona había muchas tiendas dedicadas a ese estilo. ¿También te interesa en el aspecto visual, tienes muebles, gadgets, revistas? Si la respuesta es sí, ¿qué es lo más freak que tienes que evoque esa época? ¿Algún fetiche?
Por supuesto. Como te decía, me crié viendo todas las películas de 007, que a mi padre siempre le han encantado. Mis favoritas eran las de los sesenta, las de Sean Connery. Luego el rollo entre bizarro y futurista que se traían los Beatles en la película de ‘Help!’ en la casa esa en la que viven los cuatro me voló la cabeza. En cuanto a cacharros y muebles no tengo absolutamente nada. Vivo en casa de mis padres, así que no puedo destacar más que hace muchos años, de pura casualidad, mis padres compraran un sillón imitación del diseño del Eames Lounge. Necesitábamos uno y estaba de oferta en una tienda en liquidación, pero hubo cero intención ahí. Yo era pequeño, me aburría como una ostra y al parecer me quedé dormido en el sillón mientras miraban más muebles en la tienda, así que supongo que esa efectividad fue la prueba definitiva junto a su precio bajo, y lo bonito que es a ojos de todo el mundo, claro.
¿Cómo dirías que te ha influido o influye la música para ascensor a la hora de hacer música? ¿Hay algún guiño explícito en alguna canción o tus compañeros de grupo no pasan por el aro?
La verdad es que creo que no hay ningún rastro de la música de ascensor en todo lo que he hecho desde los 15 años hasta hoy a mis 23. Por alguna extraña razón, a veces hay influencias muy fuertes que dejo pasar. Me ocurrió con los Smiths, que es uno de mis grupos predilectos, creo que hasta este disco de La Trinidad que va a salir ahora no he reflejado mi influencia real hasta el momento, al menos de forma consciente. Ha sido durante la cuarentena vivir este revival personal con este tipo de músicas y lo he disfrutado muchísimo. Tanto que hicimos un directo para el Vida Festival y, hartos de ver a todo el mundo guitarrita acústica en mano cual pesado de la fiesta, decidí hacer versiones lounge de nuestras propias canciones y hacer un poquito de karaoke. Del resultado no me siento precisamente orgulloso, pero lo pasé muy bien haciendo el experimento. A ver si me dura esta inercia y para próximas cosas pueda intentar lanzarme a dejar entrever algún Fender Rhodes, un Wurlitzer o algo del estilo.
Es tremendamente interesante, y también tremendo sin más, lo que contaba hace poco José Pazos de Futuro Terror a La Marea sobre cómo el fascismo, vía Vox, se cuela en los institutos –lo sabe porque él es profesor de secundaria– al entenderse por parte de los chavales como un acto de rebeldía contra lo establecido. No sorprende –menos aún teniendo en cuenta que no esconde su militancia política comunista– que haya decidido confrontar de manera explícita en las letras de ‘Sangre’, el nuevo disco trío alicantino, el avance de la ultraderecha –»la peste parda», lo llama Pazos– en nuestro país en particular y en el mundo en general. 
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